Clint Eastwood, el héroe cotidiano del cine, cumplirá este domingo 90 años

HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.

El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.

En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.

También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.

Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo. 

El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.

1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él.  Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.

En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados ​​de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje. 

Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford. 

EL ADN DE EASTWOOD:

Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el reciente filme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling

Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.

Con información de ANSA

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“Yellow Submarine”, la película animada de The Beatles, podrá verse por YouTube

LONDRES.-.-La película animada Yellow Submarine, de Los Beatles, estrenada en 1968, estará disponible desde este sábado 25 de abril en el canal oficial del popular cuarteto de Liverpool en YouTube.

Así se anunció en las redes sociales del grupo, en donde se destaca que se tratará de la versión proyectada en cines en 2018, al cumplirse 50 años de su lanzamiento, que contenía las letras de las canciones en los subtítulos.

El filme presenta las aventuras del grupo, que debe viajar al país imaginario Pepperland, para salvarla de los Blue Menies, unos seres malvados que privan a la población de la música.

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Tanto en el viaje como en la pelea liberada contra el enemigo, Los Beatles viven diferentes aventuras en donde las canciones ocupan un rol central.

En la película dirigida por George Dunning, se interpretan temas como Yellow Submarine, It´s all too much, All you need is love, Hey Bulldog y Only a northern song, además de algunas piezas orquestales creadas por George Martin, todas ellas incluidas en el disco lanzado como banda sonora.

También se pueden escuchar algunas composiciones de los álbumes Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band y Revolver, como When I´m 64, Lucy in the sky with diamonds y Eleonor Rigby, entre otras.

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Con información de ANSA

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“Aute Retrato”, documental de estreno In memoriam al cantautor español, por el 22

En este Dominguito Sagrado, el canal 22, el Canal Cultural de México estrena en exclusiva el documental Aute Retrato de Gaizka Urresti, cuyo recorrido por festivales de cine mundiales fue interumpido por la contingencia sanitaria, por lo que la televisora ofrece una oportunidad única para ver una aproximación muy íntima y afectuosa de los últimos días del cantante.

Se trata de una celebración de la obra del artista y cada de una de sus facetas creativas, que se van desvelando de forma emocionante y conmovedora a través de sus testimonios y los de amigos, de colaboradores y de artistas.

Este largometraje muestra en detalle todas las disciplinas artísticas manejadas por Aute, así como sus temas recurrentes: el erotismo, el amor, el humor, la mística, la amistad y el compromiso político. Estas van amenizadas por algunas de sus canciones, que se han convertido en la banda sonora de varias generaciones, con versiones inéditas interpretadas por Dani Martín, Rozalén, Marwan, Ana Belén, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Jorge Drexler, Ismael Serrano, Pedro Guerra y Víctor Manuel, entre otros.

AUTE

GAIZKA URRESTI, DIRECTOR

Es Licenciado en Ciencias de la Información en la UPV/EUH. Ha dirigido 14 cortometrajes con los que ha obtenido una nominación al Premio Goya por Un Dios que no ampara (2011) y el premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por Abtenerse agencias (2014). Además, ha dirigido tres largometrajes: los documentales El último guionBuñuel en la memoria (2008) -co-dirigido con Javier Espada- y Arizmendarrieta, el hombre cooperativo (2018) y la comedia Bendita calamidad (2015). En su faceta de productor de largometrajes destacan títulos como Vida y color de Santiago Tabernero (2006) o Incierta gloria (2017) de Agustí Villaronga.

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“El Cielo y el Infierno” de “Tres Mujeres”

Desamor, envidia, frustración, machismo, agresión sexual, TRES MUJERES rompió de tajo con el melodrama de las candorosas y soñadoras protagonistas, que durante más de seis décadas inundaron los guiones de las numerosas producciones, lo que se revalora en EL CIELO Y EL INFIERNO (tlnovelas, hoy domingo, a la media noche, retransmisión, entre ángeles y demonios.

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El debut como productor de Roberto Hernández, con la dirección de escena de Raúl Araiza, contó con las actuaciones de Norma Herrera, Karime Lozano y Erika Buenfil, además de Alexis Ayala, Jorge Salinas, Patricio Castillo, Armando Araiza, Alejandro Camacho, Sergio Sendel, Pedro Armendáriz Jr., contempla la vida de Fátima, Bárbara y Greta, tres mujeres que se debaten entre dos amores, entre el qué dirána la sociedad y el deseo de tener a su lado al hombre amado. Cada una a sus estilo irán encontrando el cambino hacia su felicidad… Habrá quien lo logre y habrá quien se quede en el camino.

Programa de crítica periodística, EL CIELO Y EL INFIERNO cuenta con la opinión de experimentados periodistas de espectáculos, como Jesús Gallegos, Roberto Rondero, Gil Barrera, Matilde Obregón, Alfredo Gudinni, Fabián Lavalle, Dioni González, Alejandro Zúñiga, y la participación especial de la actriz Carmen Salinas.

La producción general está a cargo de Luis Luisillos, la producción ejecutiva de Alfredo Zamudio, con la producción asociada de Carolina Rangel y en la dirección de contenidos, Daniel Lares Muñoz.

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A 35 años del tema “We Are The World”…

LOS ÁNGELES.– Hace 35 años, el 7 de marzo de 1985, se escuchó por vez primera We Are The World, una canción escrita por Michael Jackson y Lionel Richie, con la producción de Quincy Jones, que tenía el noble objetivo de recaudar fondos para Etiopía, país que vivía una hambruna devastadora.

Una recaudación de 100 millones de dólares, con más de 20 millones de copias (que la convirtió en la canción más vendida de la historia en ese momento), también logró reconocimientos a nivel musical con 4 premios Grammy (incluido el de Canción del Año) y una canción que se ha mantenido en la historia de la música (incluso las imágenes que ahora son un poco granuladas pero llenas de nostalgia del estudio de grabación son inolvidables, con los cantantes que, partituras en la mano y auriculares en los oídos, se turnan frente al micrófono -un video que tiene casi 500 millones de visitas en YouTube hoy.

La gran iniciativa We Are The World comenzó unos meses antes en Gran Bretaña. Bob Geldof había puesto en marcha el proyecto Band Aid, para crear una canción de caridad contra el hambre en África, donde la hambruna había matado a casi un millón de personas entre 1983 y 1984. La pieza, titulada Do They Know It’s Christmas ?, recaudó varios millones de libras en poco tiempo.
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Fue Harry Belafonte quien también presionó a los artistas afroamericanos para que hicieran algo. La reacción en cadena llevó en unas semanas a la realización de We Are The World:la canción fue grabada en una noche en Los Ángeles, el 28 de enero, en absoluto secreto para evitar que multitudes de fanáticos se desplazaran de los estudios. El propio Bob Geldof, quien junto con Dan Aykroyd (canadiense), fue el único no estadounidense que participó como inspirador de la iniciativa.
En julio de 1985, los dos proyectos se cruzaron: la canción, interpretada por primera vez en vivo, fue el cierre del Live Aid organizado por Bob Geldof entre Londres y Filadelfia. La canción fue seguida por un álbum del mismo nombre, que a su vez vendió alrededor de 3 millones de copias. El álbum incluía, entre otros, Tears Are Not Enough, el resultado de otro proyecto de caridad de otro supergrupo canadiense, Northern Lights.
Somos el mundo, a lo largo de los años, ha sido interpretado varias veces: uno de los más emocionantes es sin duda el del 7 de julio de 2009, en el funeral público de Michael Jackson, quien murió el 25 de junio de 2009, en el Staples Center de Los Ángeles.
La canción fue interpretada por todos los artistas presentes (Lionel Richie, Mariah Carey, Usher, Brooke Shields, Kobe Bryant, Magic Johnson, entre otros).

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Con información de ANSA

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Martha Ventura&Carlos Tercero con Orquesta, éxito en el Salón Los Ángeles

CIUDAD DE MÉXICO.- “Estoy muy conmovido de la inesperada respuesta del público y amigos que asistieron a presenciar y disfrutar, este fin de semana, nuestro espectáculo JazzSon, en las instalaciones del célebre Salón Los Ángeles en pleno corazón de la Ciudad de México”, comentó emocionada la cantante Marta Ventura, quien al lado del m´sucio Carlos Tercero y su orquesta, tuvieron sonado éxito.

La sorpresa de la velada, se registró cuando el maestro Carlos Tercero interpretó una versión suya del tema inolvidable de la canción cubana De México a la Habana en honor a José Silvestre Méndez, subiendo al escenario su hija, la actriz y cantante Gilda Méndez, quien se encontraba en el salón para cantar y bailar junto a Martha Ventura , contagiando con su ritmo al público asistente.

El maestro señaló que sólo era un modesto homenaje a José Silvestre Méndez, quien en los años cincuenta vivió en México dejando entre nosotros” buena parte de su gran acervo de su canciones”.

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Méndez nace en La Habana, Cuba, el 31 de diciembre de 1926. En 1946 se instaló en Ciudad de México, donde trabajó en el filme La intimidad de Marco Antonio y Cleopatra, junto a María Antonieta Pons, Luis Sandrini, Francisco Mendive (Kiko) y varios percusionistas cubanos.

Silvestre se nacionaliza mexicano y fallece en la Ciudad de México el 8 de enero de 1997.

OBRAS:

Las de la rumba
El bombo arrollador
El telefonito
Juventud del presente
Mambeando
Margarito
México lindo
Mi bomba sonó
Sonerito de ahora
Su majestad la rumba
Tambó
Tocineta
Yiri yiri bom

“México y Cuba siempre han sido hermanadas a través de la música y cuando llega a nuestro país se recreo y engrandece más” , dijo Carlos Tercero. “Agradezco a todos su asistencia, esto me da cabida para seguir presentando este espectáculo y por el momento la próxima presentación sera en una festival de música que organiza el la Secretaria de Cultura capitalina. Les anuncio que el espectáculo JazzSon se grabó en HD, en su totalidad y que será grabado un CD, para que el publico en general lo obtenga”, adelantó el icono del Jazz.

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Comentó que cuando interpreta jazz, un ritmo de improvisación y melancólico, su inspiración se basa en su nieto y en sus hijas, que le dictan las notas en su mente y las plasma en el piano. La música como el Jazz y el Son, son forma interpretativas del pueblo, y nada tiene que ver los gobiernos de ningún tipo: “Es el estado de animo y los sentimientos de millones de personas el. La música, no tiene limites, ni gobiernos , por eso nunca morir”, concluyó el maestro Carlos Tercero.

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Por Óscar Velázquez

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El Cielo y el Infierno de…”Tres veces Ana”

Esta noche a las 21:00 horas por la telera nuestra de tlnovelas, EL CIELO Y EL INFIERNO de…TRES VECES ANA, entre ángeles y demonios, producida por Angelli Nesma, una adaptación de Lazos de Amor y adaptada por Liliana Abud, Jorge Lozano y Carmen Daniels, con las actuaciones de Angelique Boyer, Sebastián Rulli, David Zepeda, Pedro Moreno y Ramiro Fumazoni.

Programa de crítica, destacados periodistas de espectáculos tocan algunos de los puntos más atractivos de las telenovelas que han sido referente en la historia de la televisión mexicana, como Jesús Gallegos, Roberto Rondero, Matilde Obregón, Dioni González, Alfredo Gudini, Alejandro Zúñiga, Fabián Lavalle, Gilberto Barrera y la participación especial de la actriz Carmen Salinas.

Con triple personaje en pantalla, Angelique Boyer encarna a cada una de las trillizas de esta historia, quienes siendo unas niñas sufren un accidente automovilístico, en el que sus padres Ignacio Álvarez del Castillo (Raúl Magaña) y Lourdes Rivadeneyra (Jackie Souza), pierden la vida. Pese a que las niñas se salvan, es Ana Lucía quien sale disparada del automóvil donde viajaban, ae a un río y es encontrada río abajo por Soledad Hernández (Blanca Guerra), una mujer a la que la vida la había quitado a su hija y que, al momento de encontrar a Ana Lucía, decide cuidarla tratando de calmar el dolor que siente por la pérdida de su hija.

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20 años más tarde las trillizas se reencuentran con las secuelas que su propio destino ha marcado.

La producción ejecutiva de EL CIELO Y EL INFIERNO recae en Alfredo Zamudio, la productora asociada es Carolina Padilla, y la dirección de contenidos a cargo de Daniel Lares Muñoz.

EL CIELO Y EL INFIERNO de…TRES VECES ANA. ¿Y tú de qué lado estás? Ver para creer. Telévoros: ¡Uníos!

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Diane Keaton, en su nueva memoria “Hermano y hermana” revela su drama familiar

LOS ANGELES.- Detrás del brillo de Hollywood, debajo de las capas de ropa en las que recientemente se envuelve con el sombrero fedora en los Osca. Diane Keaton esconde un drama secreto. Un hermano enfermo mental abandonado y descuidado en todos los años en que la actriz y musa de Woody Allen persiguió el éxito en el cine.

Diane era la mayor, Randy, víctima de toda la vida de la paranoia y las fantasías violentas, el varón más joven y único de los hijos de Jack y Dorothy Hall, una familia modelo de clase media en el sur de California después de la Segunda Guerra Mundial.

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Hoy, con 74 años, ella y 71 años, Keaton ha levantado el telón de esta tragedia en una nueva memoria, “Hermano y hermana”, la segunda después de “Then Again” en 2011, que permaneció en las listas de éxitos de ventas durante seis semanas. Las salas tenían cuatro hijos, tres chicas y Randy. Mientras Diane viajaba por el mundo haciendo películas con directores famosos, Randy vivía en una soledad miserable, bebiendo hasta el punto de perder el conocimiento, aterrorizado por los aviones que sobrevolaban su casa y presa de manías suicidas que una vez lo llevaron a intentar suicidarse con gas. En un garaje. “Hermano y hermana” es para Diane una forma de expiación, pero también su contribución para garantizar que las enfermedades mentales graves como la de Randy se aborden sin prejuicios y con una actitud abierta. “Muchas familias pasan por lo que pasamos. ¿Por qué no lo exploré cuando aún estaba a tiempo?”. Randy sufre de demencia y Parkinson. Vive en la clínica con fantasías violentas, como lo documenta en una carta a su hermana incluida en el libro en el que imagina querer matar a una mujer,

Los últimos doce años han suavizado sus temores y atenuado la ambición desenfrenada de Diane, por lo que los hermanos por primera vez desde que dormían en la misma habitación compartiendo una litera, comenzaron a pasar tiempo juntos. “Quería ser una diva. Quería que tanta gente, muchos extraños, me amaran”, escribe Keaton: “Randy era lo opuesto. Cuanto más se iba, más se convertía en un hombre sin hogar en la calle, en la charla del vecindario”. Las cosas han cambiado

En una entrevista con el Washington Post, la actriz de “Yo y Annie” relata su ritual todos los domingos cuando visita a su hermano en la clínica. ” Cuando pudo caminar fuimos a tomar un helado. Ahora lo empujo en la silla de ruedas. Quiero tener la oportunidad de ser una mejor hermana “

INFORMACIÓN ANSA

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Con Letra Grande: “ME”, la autobiografía de Elton John

LONDRES.- “Quiero que mis hijos sepan cómo era su padre”, ha sostenido ELTON JOHN luego de publicar ME, la autobiografía que a sus hijos “naturalmente no se les permite leer, al menos hasta que tengan 15 o 16 años”.

Y la restricción del legendario cantautor no es sorprendente dados los coloridos relatos de la estrella en las memorias, publicadas en Italia por Mondadori, especialmente en los años en que sufría de bulimia, compras compulsivas, así como adicción a la cocaína y al alcohol. Sir Elton, entrevistado en Londres por el escritor y comediante David Walliams, ha revisado 72 años de vida y más de cincuenta de carrera entre emoción y risa.

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“Un día, en 1957, mi madre trajo a casa el álbum Elvis Heartbreak Hotel, y para mí fue el final”, recordó. Pero el verdadero punto de inflexión tiene lugar años después, en la audición con Ray Williams de Liberty Records: “Le expliqué que podía cantar y componer música, pero no escribir palabras; había un montón de sobres en la mesa y me dio uno con los contactos del letrista Bernie Taupin. A partir de ahí todo comenzó “.

Una asociación de más de 30 álbumes con éxitos como Rocket Man, Crocodile Rock y Candle in the Wind. Las palabras de Taupin en las manos de Elton se convirtieron en notas. “Escribí tu canción en poco más de 15 minutos”.

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Fue el comienzo de una carrera extraordinaria marcada por el exceso y la extravagancia. No faltan anécdotas sobre amigos famosos como Rod Stewart, John Lennon o Freddy Mercury. Hablando de este último, la estrella del pop luchó por contener las lágrimas. El líder de la Reina era un amante del arte y, en ese momento, Sir Elton recopiló las obras de Harry Scott, un artista que pintó barcos y niños desnudos.

Aunque devastado por el SIDA, Mercurio estuvo rodeado de medicamentos y catálogos hasta el final porque continuó comprando en una subasta. “Después de su desaparición, en la mañana de Navidad Scott me regaló una acuarela con un boleto adjunto que decía ‘Vi esta pintura en una subasta y pensé que te gustaría. Te amo’. Fue realmente conmovedor”, dijo con voz quebrada.

Otro punto de inflexión fue la reunión con Ryan White, un niño de Indiana estigmatizado por su comunidad porque había contraído el SIDA a través de una transfusión de sangre. Y que Elton decidió ayudar. “Mientras me quejaba al hotel sobre el papel tapiz o el papel tapiz, la familia de Ryan había perdonado a todos los que habían sido horribles con ellos. Seis meses después estaba limpio. Ese chico me hizo darme cuenta del nivel de mi degradación y lo arrogante y mimado que era”.

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Sin Ryan, no habría fundado la Fundación Elton John Aids, una organización benéfica que hasta ahora ha recaudado £ 450 millones para la enfermedad. Incluso el encuentro con el compañero de vida David Furnish se cuenta como un giro del destino. “Había estado sobrio durante tres años, pero solo. Un día estaba en mi casa en Windsor y llamé a un amigo que trabajaba en la tienda Versace en Bond Street, invitándome con sus amigos homosexuales a no tener sexo, sino simplemente pasar un rato noche agradable juntos. Uno de los 4 amigos que trajo con él fue David “. Son una pareja de 26 años.

“En la última fase de la vida, ya no quiero viajar, solo me quedo con mi esposo y mis hijos”, concluyó la estrella del pop que partió hacia Australia para la gira de despedida que luego continuará en los Estados Unidos y Canadá. El telón, según lo anunciado, caerá en noviembre de 2021.

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“La casa del dolor ajeno”, la matanza de 303 chinos en Torreón, en la Revolución

Una herida que no sana, que no cierra es la que nos recuerda la historia perdida de los 303 chinos masacrados en Torreón durante la Revolución.

El escritor y narrador JULIÁN HERBERT narra con gran maestría este hecho olvidado en LA CASA DEL DOLOR AJENO (Ediciones DeBolsillo, Penguin Random House). A principios del siglo XX, con el mito de modernidad y progreso en el centro del discurso porfirista, un hecho cimbró la historia de México: entre el 13 y el 15 de mayo de 1911, alrededor de 300 chinos —cerca de la mitad de la colonia cantonesa de La Laguna—fueron masacrados por tropas revolucionarias y ciudadanos de Torreón.

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Se trata de la más grande matanza de chinos en América, un exterminio cargado de falso remordimiento y xenofobia ejemplar, que hasta nuestros días avergüenza y exhibe en el plano internacional.

JULIÁN HERBERT ofrece al lector en LA CASA DEL DOLOR AJENO un potente relato que supera la sola descripción de la calamidad.

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“Aprendiendo a envejecer”… Ahí nos vemos las canas en el Once a las once

Este Dominguito sagrado nos vemos las canas en el estreno de la emisión APRENDIENDO A ENVEJECER, a las once por el Once, bajo la conducción de PATRICIA KELLY.

Único en su género, APRENDIENDO A ENVEJECER ocupa el vacío en la programación de la telera abierta y pública, ante los índices de crecimiento del envejecimiento en la población, que a la fecha, alcanza los 13 millones de personas.

En entrevista con TV&SHOW en las instalaciones de Canal Once, la conductora PATRICIA KELLY, explica el contenido de este nuevo programa.

-Patricia, ¿existe un momento en que se aprende a envejecer…

-No se aprende, solo te cae, te sorprende, te asusta. Sin duda es una sensación fuerte, un día te ves en el espejo y lo descubres: ‘me falta pelo, me sobran kilos o me falta, ya no soy igual’. Es un enfrentamiento ante la negación tanto personal como colectiva en nuestras vidas. Teorías hay varias: envejecemos a partir de los 25, otra dice que en los 30. Estadísticamente es hasta los 60. El cuerpo no es el mismo a los 40, hay cambios físicos que van avisando que la juventud ya no está a flor de piel. Si ello se suma a una cultura que te devalúa porque tu pelo ha cambiado de color, porque tus arrugas o tus manos se manchan, no lo queremos ver. Por dentro eso sucede. Nuestro cerebro hay que cuidarlo, adentro están las ideas que mueven tu vida y los alrededores. Podemos aprender a envejecer si tomamos conciencia de ese proceso, si no lo negamos. Lo digo en el programa: “Saluda una canita”, una vejez digna es conocerte y aceptarte, no puedo ser digna si me odio, si no sirvo, si no valgo, si me sobra o me falta. Aprender que se ama al adulto mayor que yo habito. Es un proceso natural de la vida.

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-No hay un programa así en la televisión.

-No lo hay y debería haber más y mejores. México será un país de viejos. Los televidentes podrá ver a una adulta mayor que soy yo, la conductora. Con buen humor compartiré el espacio con gente que ha trabajado por años en transformar la idea sobre el envejecimiento. Ya están los especialistas. La UNAM tiene el seminario de Universidad Interdisciplinaria de crecimiento y vejez, el Instituto Nacional de geriatría, hay pocos geriatras, vamos a conocerlos, qué es la geriatría, cuándo debo ir, además de conocer a viejos que nos han “desyerbado” el camino, cómo le hicieron.

-La vez en las mujeres y los hombres.

-Sostengo que a las mujeres nos va peor, la vejez es más estigmatizada, las canas en el hombre son interesantes, en una mujer, se ven mal. “¡Oye comadre píntese las canas, la van a cambiar por dos de 20!”, solemos escuchar. Económicamente es más desventajoso, no somos propietarias de muchas cosas, la viudez, solo el 50 por ciento, el resto a los hijos. Al ama de casa quién la va a jubilar, vive a expensas de… Con la edad llegamos más vulneradas.  Y le agregamos la violencia, estar desprotegidas. Hay mujeres viejas que siguen al lado de su maltratador físico o psicológicamente.

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-Pero también se aprende con alegría.

-Claro que sí, este programa es lúdico. Haremos ejercicios divertidos en casa sin ir a un gym. para la movilidad. Qué se puede hacer en nuestro tiempo libre, transporte, vivienda, cuidado, educación, son nuestros derechos. Es un programa juguetón, con público en vivo, con hombres y mujeres que hayan hecho algo por este país, conocidos o no, célebres o no.

La cita está hecha con PATRICIA KELLY los domingos, “¡Ahí nos vemos las canas”…todos los domingos a las once por el Once!

UN DATO:

PROGRAMA 1.- Paty Kelly recibe en el estudio a Miguel Gutiérrez Robledo, Director del Instituto Nacional de Geriatría (INGER), para conversar en torno a la situación de los adultos mayores en México, tema que retomará en otra sección, desde otras perspectivas, con la economista y activista mexicana Clara Jusidman. Habrá baile, recomendaciones de lugares para visitar y algunas propuestas de ejercicio para mantenerse en forma física y espiritual.

Por Roberto Rondero

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NUEVA YORK.- DIAHANN CARROLL, la actriz negra que abrió el camino para otras estrellas de color con las series de televisión Julia y Dynasty, y que había sido nominada a un Premio Oscar por Claudine, murió en su casa de Los Ángeles a los 84 años.
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Carroll ya era famosa en los clubes nocturnos de Las Vegas y por papeles en musicales de Broadway y Hollywood como Carmen Jones y Porgy y Bess cuando a finales de los años sesenta se le acercó la NBC para el papel de la protagonista de Julia. Inicialmente se había negado. “No pensé que ella iría a ninguna parte”, dijo años después. Diahann, había cambiado de opinión después de enterarse de que el guionista de la serie, Hal Kanter, pensaba que ella era demasiado buena para el papel. Había modificado el corte de pelo, memorizó el guion y lo persuadió para que le diera el papel.
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Como lo habría hecho el comediante Bill Cosby años después, desafiando las convenciones por el color de la piel en la televisión, Diahann Carroll se convirtió en la primera afroamericana en ser protagonista de una serie en horario estelar. Su personaje, Julia Baker, era en esencia una viuda con un niño pequeño cuando su esposo murió en Vietnam, era una mujer educada y emancipada, trabajó para un médico en una compañía aeroespacial y salió con otros hombres exitosos.
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Las actrices negras habían actuado antes que ella en series de televisión, pero aún en los papeles de mucama.
“Fui la primera mujer negra en la emergente clase media de color, no una mujer pobre confinada a sufrir en el gueto”, explicó la actriz, quien había ganado un Globo de Oro para la serie de 1968. A Julia le siguió Dinasty en el papel de la sensual fashionista Dominique Deveraux, la primera actriz de color en una serie de Prime Time, y luego en el spin-off The Colby.
En la pantalla grande, su mayor éxito fue Claudine en 1974 (una madre de seis hijos en Harlem que vive de la asistencia pública y se enamora del limpiador de calles James Earl Jones).
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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Canal 22 celebra con documentales el Día Internacional de los Pueblos Indígenas

La labor de difusión y preservación del náhuatl; la lucha de mujeres indígenas por el reconocimiento de sus derechos y los de sus comunidades; las fiestas y rituales prehispánicos que prevalecen a pesar del tiempo; así como el patrimonio documental de México en la Memoria del Mundo, son los temas de la programación especial que Canal 22 dedica a la conmemoración del Día Internacional de los Pueblos Indígenas.

En el marco del Día Internacional de los Pueblos Indígenas, Canal 22 presenta en su carta programática de este mes series y documentales que difunden y celebran la riqueza cultural de las comunidades indígenas de México.

En exclusiva por la señal 22.2, desde este día y durante todos los sábados del mes en punto de las 8:00 horas, se transmitirá la serie Tlaxcala indígena, una producción de Tlaxcala TV, la cual recorre las comunidades de Contla de Juan Cuamatzi, Barrio de la Luz, San Felipe Cuahutenco, San Isidro Buensuceso, La Magdalena Tlaltelulco, San Francisco Tetlanohcan y Xicohtzinco, en las que maestros, padres y abuelos se dedican a la difusión y preservación del náhuatl.

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En la señal 22.1, a partir del 6 de agosto en punto de las 22:00 horas se presenta Justicia en otras lenguas, una serie de Justicia TV.

A los problemas de discriminación e injusticia que padece la población indígena del país, se suman la violencia, la mortalidad materna y el analfabetismo que afectan a 8 millones de mujeres indígenas. En este contexto, la serie destaca el trabajo de mujeres indígenas que desde su tierra luchan por sus derechos y los de la comunidad.

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En el primer episodio, Fátima Gamboa, abogada maya, habla de los talleres que imparte a mujeres líderes mayas de Yucatán para combatir la desinformación sobre derechos humanos de las mujeres y acceso a la justicia; en el segundo, María Rosa Guzmán, abogada wixárika, da cuenta de la lucha por la tierra de las comunidades wirárikas y por el reconocimiento de la relación espiritual y cultural que tienen con ella.

El viernes 9 de agosto, Día Internacional de los Pueblos Indígenas, a las 17:00 horas se estrena el documental Xankixa, la fiesta del maíz tostado, una producción del INAH. El filme registra los preparativos y celebración de la “Fiesta del maíz tostado” en la población de Cruz de Huanacaxtle, Nayarit. Este ritual, según señala el Mara’akate encargado de las ceremonias, busca armonizar a los dioses del Wirikúta y a los hombres, para hacer propicia la siembra del maíz. El documental está narrado en lengua huichol y además de algunos elementos cosmológicos, también se habla del conflicto de la comunidad con el gobierno y del abandono de las tradiciones por parte de algunos wixárikas que han adoptado otras formas de subsistencia.

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Para finalizar, el 20 y 27 de agosto a las 18:00 horas, Canal 22 transmite dos capítulos de la serie México en la memoria del mundo. Esta serie tiene el propósito de difundir el patrimonio documental que México ha inscrito en el programa Memoria del Mundo de la UNESCO.

El primer episodio, La obra de Fray Bernardino de Sahagún, trata sobre el estudio y registro de la cultura náhuatl que realizó el misionero franciscano, compendiados en los Códices Matritenses y el Códice Florentino, reconocidos como Memoria del Mundo en el 2015.

El segundo episodio, Un legado de la música tradicional de México, habla de las 245 grabaciones en alta calidad de la música folclórica de México, realizadas entre 1971 y 1983 por Baruj “Beno” Lieberman, Enrique Ramírez de Arellano y Eduardo Llerenas; las grabaciones están a resguardo de la Fonoteca Nacional y se han inscrito en la lista de Memoria del Mundo.

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Azteca 7 (TV Azteca) e History anunciaron de forma conjunta la adquisición y estreno exclusivo en televisión de HERNÁN, el drama épico creado, desarrollado y realizado por el estudio de producción mexicano Dopamine en colaboración con la productora española Onza Entertainment. 

La superproducción está protagonizada por un elenco internacional encabezado por Óscar Jaenada, Michel Brown, Dagoberto Gama, Jorge Guerrero, Víctor Clavijo, Almagro San Miguel, y el debut de Ishbel Bautista.

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HERNÁN cuenta con una de las inversiones más altas de una serie en español hecha en México y  con efectos especiales de El Ranchito, empresa reconocida por su  galardonado trabajo en Game of Thrones (Juego de tronos).

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HERNÁN es una serie histórica de ocho episodios en su primera temporada, ambientada en 1519 y que narra la historia de la conquista de México desde la perspectiva de cada uno de los protagonistas de esta aventura (Marina/Malitzin, Moctezuma, Pedro Alvarado, Xicoténcatl, Cristóbal de Olid, Bernal Díaz del Castillo, Gonzalo de Sandoval y el propio Cortés).

En cada episodio, se descubrirá de la conquista de México, enfrentando el mito contra la realidad desde la emoción y el drama humano de cada uno de sus protagonistas.

LA TRAMA:

La serie, que se estrenará en el marco de los 500 años de la llegada de Hernán Cortés a México, mostrará no solamente el encuentro y contraste de estas dos culturas sino que también evidenciará el lado humano de esta querida y odiada figura de la Historia: Hernán. Un hábil diplomático con ambigüedad moral y genio militar, con un lado humano y otro muy oscuro. La historia de Cortés está repleta de fascinación por una tierra desconocida, de pasión por un pueblo que no pudo controlar, traición dentro de la propia familia de Cortés y un inesperado amor por La Malinche.

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Desarrolla IPN software para estimular memoria de pacientes con Alzheimer

Estudiantes del Instituto Politécnico Nacional (IPN) desarrollaron un software que estimula la memoria de pacientes con Alzheimer para retardar el progreso de esta enfermedad, la cual afecta a casi 800 mil mexicanos, de acuerdo con cifras del sector salud y asociaciones que brindan apoyo a este sector de la población.

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Heizmer es una plataforma integral con juegos y dinámicas que opera en equipos informáticos de escritorio, cuyo nivel de dificultad está determinado por el grado de enfermedad del paciente (leve, moderado o avanzado). Estimula las funciones cognitivas, al tiempo registra el avance del padecimiento y permite la ubicación del enfermo en tiempo real.

Los alumnos del Centro de Estudios Científicos y Tecnológicos (CECyT) No. 13 “Ricardo Flores Magón” coincidieron en que este prototipo integra en un sólo producto aplicaciones existentes en el mercado, como la localización y los juegos. “Juntamos los elementos, mejoramos la interfaz e implementamos un plan de capacitación para que los cuidadores  de los pacientes aprendan a utilizar la plataforma”, señaló Laura de la Peña Aponte.

Mencionaron además que este programa informático aporta un mejor control sobre el avance de la enfermedad, porque incluye dinámicas personalizadas basadas en la información que el cuidador ingresa en la plataforma, tales como: nombres de familiares, actividades, experiencias y lugares significativos para la persona con Alzheimer.

A través de una agenda administrada mediante un GPS, se gestionan las actividades del paciente con la ayuda de un dispositivo móvil y un sistema de alarma en caso de que se extravíe. “Hay un menú para el control de las actividades del paciente, el cuidador agenda el lugar donde se llevan a cabo y si la persona sale del área, la plataforma envía un mensaje para indicar su ausencia; la información se puede consultar en tiempo real”, comentó la estudiante Daniela Enríquez Ballesteros.

 

Los alumnos de la carrera de Técnico en Informática afirmaron que este prototipo puede instalarse en hogares y clínicas especializadas en Alzheimer, porque el software es de fácil instalación y puede brindar servicio a más de un paciente.

En la elaboración del proyecto también participaron los estudiantes José López Blanco, Lesly Nequiz Ramírez y Casey Orihuela Navarrete. Los jóvenes politécnicos fueron asesorados por la profesora Graciela Sánchez Pérez y desarrollaron el prototipo como resultado de competencias adquiridas en las áreas científicas, tecnológicas, humanísticas, administrativas y de investigación.

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“Geppetto” estrenará el 25 de diciembre

ITALIA.- Las primeras imágenes del filme GEPPETTO, estelarizado por ROBERTO BENIGNI y MATTEO GARRONE, fueron dadas a conocer este día, cuyo estrenó en los cines italianos, será el próximo 25 de diciembre.

“Pinocho en Navidad es una combinación maravillosa”, exclamó Roberto Benigni en Riccione, donde, sorprendentemente, después de la presentación a los expositores de la lista del cine Rai, acompañado de Matteo Garrone , dio a conocer las primeras imágenes de la película.

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La fábula más querida cobrará vida el 25 de diciembre. El trailer que se muestra por primera vez parece revivir el trabajo de Collodi en la más clásica de las transposiciones. “Es un proyecto que he estado persiguiendo durante años. El primer guion gráfico lo hice a los seis años”, dijo Matteo Garrone. “Traté de hacer una película que podría llegar a todo el mundo “. 

“Después de haber hecho Pinocho -refiriéndose a la película de Collodi filmada en 2002-, fue natural que 20 años después interpretara a Geppetto”.

“Esta película de Garrone es una película maravillosa, Depende de nosotros decirlo, pero depende de usted verlo “. 

Benigni dejó entrever que esta versión de Geppeto puede tener un final feliz.

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TRES LIBROS CON LETRA GRANDE PARA DELEITARSE EN EL DÍA DEL PADRE

Celebrar al padre CON LETRA GRANDE con lecturas para atesorarse, son regalos intemporales. Aquí la primera parte de recomendaciones: Voy a ser papá (Armin A. Brott y Jennifer Ash, Editorial Aguilar, La novela de mi padre (Eliseo Alberto, Editorial Alfaguara) y Ciudad de historias (Alberto Barranco, Editorial Grijalbo).

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VOY A SER PAPÁ.- Una guía mes a mes sobre los cambios emocionales, financieros y físicos que experimentan los futuros papás. La respuesta emocional de los hombres ante el embarazo no es tan distinta a la femenina; los futuros padres sienten todo, desde el alivio hasta la negación, desde el temor hasta la frustración y desde la ira hasta la felicidad. Incluso, 80 por ciento de los hombres presentan también los síntomas físicos del embarazo.

Voy a ser papá incorpora la sabiduría de los principales expertos en paternidad, desde ginecólogos y obstetras hasta psicólogos y sociólogos e incluye las investigaciones más recientes sobre diversos temas como las técnicas de reproducción asistida.

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LA NOVELA DE MI PADRE.- Este es un libro íntimo, lleno de nostalgia y de ternura. También es un libro doblemente póstumo. Eliseo Diego murió en México en 1994; varios años después, su hija Fefé encontró en su casa de La Habana las primeras páginas de lo que sería la primera novela del insigne poeta. Una obra datada cincuenta años antes de que muriera, que llegó a manos de su hijo, Eliseo Alberto, quien se propuso terminarla, pero la muerte también lo alcanzó pronto. La novela de Eliseo Diego, apenas un inicio, es la obra de un poeta: las palabras pesan más que los acontecimientos.

Y este libro, la obra de Eliseo Alberto entretejida en torno a la de su padre, es híbrido. Eliseo Alberto supo llevar su prosa al lugar justo donde el dolor por la muerte de su padre más lo necesitaba. La crónica tiene la belleza de la fatalidad. El resto, las viñetas de La Habana y la poesía, llevan al lector a vericuetos del alma donde es imposible no sonreír.

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CIUDAD DE HISTORIAS.- Crisol de encuentros entre lo majestuoso, lo insólito, lo entrañable y lo mágico. El desfile de la gran urbe: mansiones de leyenda, quintas solariegas, callejones oscuros, barrios. Lugares que se han ido para siempre; otros que perdurarán eternamente. Estas crónicas recopiladas por Alberto Barranco se pasean por sus calles y avenidas, del cuento de hadas de la Casa Requena al desfile de alhajas de los viejos teatros; de los bailes de don Porfirio a las aventuras eróticas del doctor Atl y Nahui Ollin en el Convento de la Merced; del globo de Cantolla al responso fúnebre del tranvía de mulitas. Allá el banquete del Centenario; acá las tortas.

Allá la casona encantada, inmortalizada por Luis Buñuel; acá el dolor del alma de las radionovelas, acá los cafés de chinos; por allá la huella indeleble de incontables personajes: el charrito Pemex, la Bandida, el payaso Bell, Chucho el Roto, Nicolás Zúñiga y Miranda, El Santo… Ciudad de México. Ciudad de historia.

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Foto: Alberto Barranco

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Musicalizando a Buster Keaton. Steven Brown & Cinema Domingo Orchestra

El arte es intemporal, la memoria lo sabe, lo procesa y revive cuando en un mano a mano entre imágenes y música, el compositor y músico Steven Brown, junto a Cinema Domingo Orchestra, reinterpretan y acuden con una banda sonora original la acción, aventura y comedia de EL MAQUINISTA DE LA GENERAL (dirección de BUSTER KEATON y CLYDE BRUCKMAN, Estados Unidos, 1926), una de las joyas de la cinematografía mundial, pionera en innumerables efectos y procesos de realización del cine.

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Y nada mejor que un recinto como el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, enclavado en el Centro Histórico de la CDMX, que celebra 101 años de existencia, para acoger un filme silente, pero ahora dotado de los originales y nuevos bríos musicales compuestos ad hoc para la película protagonizada por Buster Keaton, Brown y compañía. 

Buster Keaton, uno de los más grandes actores y cómicos del cine mudo,  regresó en el tiempo a la función especial el pasado fin de semana aderezado por la música de la agrupación Cinema Domingo Orchestra, formada y dirigida por el músico y compositor Steven Brown, quien revivió la acción, la aventura y las cómicas estampas de El maquinista de La General (Estados Unidos, 1926).

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LA TRAMA:

La película cuenta la historia de un maquinista de trenes, quien tras ser rechazado para reclutarse como soldado confederado durante la Guerra Civil estadounidense intenta recuperar a su novia secuestrada por un grupo de soldados yanquis. Al salvamento de la muchacha se une otro motivo sentimental: el joven adora a “La General”, nombre de la locomotora de ferrocarril, que ha manejado por largo tiempo y que ahora se convierte en su gran cómplice de aventura.

UN DATO:

En su momento la cinta –coproducida y estelarizada por Keaton, codirigida junto a Clyde Bruckman– fue duramente señalada por el sesgo histórico y óptico que presentó. Marcó el retiro del gran Buster Keaton, considerado por Orson Welles como el actor cómico más importante del cine. Con el paso del tiempo, este trabajo fílmico ha sido revalorado por su magistral ejecución y producción. Actualmente es considerada una de las joyas de la cinematografía mundial y pionera en innumerables efectos y procesos de realización del cine.

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CINEMA DOMINGO ORCHESTRA:

Con la proyección del clásico del cine silente, musicalizado en vivo por Steven Brown & Cinema Domingo Orchestra, la agrupación (afincada en Oaxaca) celebra 15 años de trayectoria en los cuales ha sonorizado y compuesto música original para un sinfín de filmes silentes, muchos poco valorados, redescubiertos y reinterpretados.

Con la presentación de la que fue la última aparición fílmica del actor y productor estadounidense, Steven Brown & Cinema Domingo Orchestra resumen parte del festejo iniciado el año pasado por el lanzamiento de la compilación de aniversario del grupo tituladaOpitical Sounds(CD, Independent Recordings 2018).

En un mano a mano entre imágenes y música, el compositor y músico Steven Brown junto a Cinema Domingo Orchestra reinterpretan y reviven con una banda sonora original la acción, aventura y comedia de El maquinista de La General. En su momento silente, pero con los originales y nuevos bríos musicales compuestos ad hoc para la película, Brown y compañía ofrecen con esta función por partida doble un cine-concierto apto para todo público.

Steven Brown y Cinema Domingo Orchestra se han ganado su lugar como una de las agrupaciones de música original para filmes más destacadas y originales en el país. Han sido reconocidos como una de las propuestas de mayor calidad, honestas y destacadas en la composición y musicalización de filmes silentes en el país presentándose en todo el país en importantes festivales de música y cine, muestras de cortometrajes, festivales multidisciplinarios, conciertos especiales y foros, entre ellos, en un par de ocasiones ha abierto la Semana de Cine Alemán de la Cineteca Nacional.

EN REDES:

www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. Asimismo, descargue (en sistemas operativos Android e IOS) la aplicación TeatrosCDMX.

#escenariosquetransforman, #SomosMúsica, #HabitanTeatros

Fotos & video: Lourdes Córdoba / Saelim Fernando

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CON LETRA GRANDE: “100% CEREBRO”

¿Qué hay en nuestra cabeza? El funcionamiento del cerebro es de un entramado fascinantes y aún bastante incomprendido, de que el libro 100% CEREBRO (Ediciones B, 242 páginas), escrito por PEDRO BEKINSCHTEIN, doctor en Biología por la Universidad de Buenos Aires y con un posdoctorado en la Universidad de Cambridge, ofrece todo el conocimiento del que se dispone sobre el “órgano rockstar” de una manera profunda y accesible, poniendo de manifiesto la gran cantidad de procesos y de aspectos que gobierna en nuestras vidas.

Con una introducción que dice al calce Sin cerebro no existe el mundo, este libro está estructurado en siete capítulos (Neurocerebro, Neurogenes, Neurocultura, Neurotodos, neurotodas y neurotodxs; De que neurolado estás, Neurociencia Ficción, y Neuropasado, Neuropresente y Neurofuturo.

En su Neuroadvertencia (SIC), Bekinschtein, anota: “No soy médico, no soy psicólogo ni psicopedagogo. Sí soy doctor, pero de esos que no curan. O sea, tengo un doctorado no habilitante para diagnosticar ni recetar absolutamente nada. 1000% Cerebro está destino a divulgar caprichosamente cierta información que los científicos guardamos celosamente acerca de este órgano rockstar llamado cerebro.

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“Las palabras de este libro deberían tener un destino que ayude a alguien a sonar interesante en una conversación de bar con amigos o hacerse el canchero en una primera, segunda, tercera o por qué no, una cuarta cita. También, a reconquistar a una persona que los dejó por aburridos o ignorantes. Además espero que los hagan reflexionar un poco acerca de la importancia de la ciencia, de los descubrimientos científicos y de la poca atención que la sociedad les presta a los nerds.

Pero de ninguna manera deberá el lector utilizar este libro para autodiagnosticarse y automedicarse y mucho menos para diagnosticar y medicar  a otros en lugar de consultar con un especialista. Y no hablo de un especialista en literatura, sino en salud mental”.

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FRASES:

“Señora, su hijo nació sin hemisferio izquierdo, seguramente cuando crezca será creativo publicitario. Lo lamento mucho”. Dicho en una sala de parto del Hospital de Cerebros Quemados.

“La memoria autobiográfica es como un documental ficcionado de la vida que cambia su guió a cada instante”. Futuro proverbio de las redes sociales.

“Djio que nunca me olvidaría. A continuación abrió su cráneo y echó ácido en su cabeza”. Del libro Gente Intensa, del antropólogo Horacio D. Mente.

EN REDES:

http://www.megustaleer.mx

f /me gustaleermexico

@megustaleermex

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CON LETRA GRANDE

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Estreno por AMC: “An Accidental Studio”, la incursiòn al cine de George Harrison

Este Dominguito Sagrado a las 22:00 horas por la telera nuestra de AMC, se estrena AN ACCIDENTAL STUDIO, un documental que describe la creación del innovador estudio de cine británico, HandMade Films, con entrevistas nunca vistas de personajes claves, y que captura un momento extraordinario en la historia del cine a través de los ojos de los cineastas y actores, así como del hombre que comenzó todo, el exBeatle y leyenda de la música, GEORGE HARRISON.

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  Este documental marca la primera producción original de AMC en el Reino Unido

Harrison pasó a la historia al hipotecar su casa y su oficina con tal de salvar Life of Brian, el filme de los hermanos Python. Reconociendo su humor desde el lado del fan, el Beatle se convirtió en un visionario, ya que la película fue un éxito masivo de tal escala que resultó en la creación de la productora HandMade Films.

En un momento oscuro de la historia del cine, HandMade dominó la escena cinematográfica británica al rodar y lanzar las películas que los demás estudios habían rechazado, desde Life of Brian, The Long Good Friday hasta la nominada al Oscar® Mona Lisa. La generosidad de Harrison dio lugar a varias de las gemas cinematográficas de Inglaterra. A medida que sus películas comenzaron a ganar premios y a catapultar carreras, HandMade se convirtió en algo más que un accidente fortuito.

Con entrevistas inéditas del propio Harrison y entrevistas nuevas y exclusivas con el ganador del BAFTA Michael Palin, el nominado al Golden Globe® y al Oscar®Terry Gilliam, el nominado al Oscar® Richard E. Grant y el ganador del Oscar® Neil JordanAn Accidental Studio explora el bautizo de fuego de HandMade y los riesgos que asumieron en la producción de películas únicas e inteligentes. Entre las entrevistas adicionales en la película se encuentran Bruce Robinson, Ray Cooper, Dick Clement y Ian La Frenais, Cathy Tyson, Brenda Vaccaro, A Martinez, Richard Loncraine y Jonathan Lynn.

PRODUCCIÓN:

Los codirectores y coproductores de AMC Networks International son Ben Timlett y Bill Jones of Bill & Ben Productions y Kim Leggatt. Los productores ejecutivos son Harold Gronenthal, vicepresidente ejecutivo de Porgramación y Operaciones de AMC/SundanceTv Global, así como Bruce Kenyon y Nicky Davies Williams, CEO de DCD Rights. DCD Rights distribuye la película en Estados Unidos e internacionalmente fuera de los territorios de AMC. 

UN DATO:

Este documental marca la primera producción original de AMC en el Reino Unido.

DÓNDE VERLO:

El canal AMC puede verse en México por: AxtelTV (973), TotalPlay (444 y HD 490), Sky (419 y HD 1425), Megacable (207 y HD 1207), Izzi (611 y HD 963), Cablemás (611 y HD 963), Cablevisión Monterrey (611).

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“Easy Rider”, la cinta de culto, a medio siglo del final del sueño americano

CANNES.- Hay una impresionante concentración de coincidencias, intuiciones y muertes detrás de la ya legendaria historia de EASY RIDER, la película debut de Dennis Hopper que se convirtió en un título de culto desde el verano de 1969.

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Producida con dos fondos de Peter Fonda, llegó a los cines el 14 de julio de un año que encendió a Europa y América en el signo de la revuelta juvenil, y que llevó legiones de jóvenes a los cines gracias a la recomendaciòn boca a boca de la contracultura hippie, a pesar de que fue un verano tórrido desde Los Ángeles hasta Nueva York.

Seis días después, el 20 de julio, el primer estadounidense aterrizó en la luna y un mes más tarde, el 15 de agosto, Jimi Hendrix incendió a la gente de Woodstock en uno de los conciertos / mítines que hicieron historia a la juventud rebelde. En octubre, se habría ido Jack Kerouac, cuyo “On the road” puede citarse como la Biblia laica de los protagonistas de “Easy Rider”, siempre reconocido como la película “on the road” por excelencia. No es automático explicar el deslumbrante e inmediato éxito de una película independiente sin actores famosos, aparentemente deshilachados y casi sin argumento (el guión se improvisó deliberadamente día a día), con un final atroz y sin esperanza.

Sin embargo, el milagro sucedió y fue tan deslumbrante como para cambiar para siempre la actitud de los grandes comandantes hacia una nueva generación de autores. El nuevo Hollywood de Coppola, Altman, Scorsese, Cassavetes nació gracias a EASY RIDER como uno de los “niños” de ese éxito reconocido, George Lucas, quien con las mayores habría tenido un verdadero idilio en el signo de “cine joven”.

Después de todo, el mundo del cine comprendió rápidamente la importancia del debut de Dennis Hopper: los europeos lo descubrieron con el premio al mejor debut en el Festival de Cine de Cannes; los estadounidenses con dos nominaciones al Oscar y luego una serie interminable de premios que hoy le otorgan un lugar en el “salón de la fama” de las 100 películas más importantes de la historia del cine de estrellas y franjas.

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Esas mismas “estrellas y rayas” que aparecen en el casco de Wyatt y lo convierten en un nuevo “Capitán América”, heredero de la ingenua ansiedad de la libertad de la criatura de Stan Lee, ingenuamente patriótica pero a años luz de la inclinación hacia atrás de la América profunda.

De hecho, si uno rastrea la trama de Easy Rider, inmediatamente descubre la intención de Dennis Hopper: los dos vaqueros modernos que cruzan las extensiones ilimitadas del oeste y el sur, desde California hasta Nueva Orleans, ciertamente no son santerellini (compraron su legendario “helicóptero” con una carga de cocaína importada de México), pero en el camino se encuentran con monstruos reales, portadores de buenas intenciones y comportamiento honesto: policías brutales, ciudadanos y borrachos resentidos, auténticos asesinos protegidos por el anonimato. Alternativamente, solo hay un hippy inofensivo y “fumado”, dos alegres burdeles y el hijo de un padre (Jack Nicholson) que durante unas horas saborea la fragancia de la libertad con los dos “pards” y morirá primero.

Easy Rider es una balada triste en la que los espacios sin límites del recorrido recuerdan el oeste de Sam Peckimpah y el contraste con los espacios estrechos de El Graduado de Mike Nichols (otro ícono cinematográfico del período).

En el nuevo verano de Easy Rider, la película brilla con una nueva vida gracias a la restauración digital precisa 4K, que se presentará en el festival de cine de Cannes en la pantalla grande de la playa y luego en Bolonia en el festival “Cinema ritrovato”.

Valdrá la pena medir si las utopías y los sueños se ahogaron en la sangre de un joven de hace 50 años y todavía mantienen la fuerza rebelde y vital que hoy servirá para varias batallas.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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