“El Padre” y la vejez insoportable

LONDRES.- El primer trabajo fílmico del escritor y cineasta francés Florian Zeller, EL PADRE, se asemeja de inicio a una película aparentemente distante como Sexto sentido de Night Shyamalan. Porque la realidad dilatada de Anthony (Anthony Hopkins), este distinguido anciano que vive en una gran casa londinense, es tan verdadera y posible que piensa en un ataque a su cordura.

EL PADRE adquiere tal similitud cuando Anthony conoce a su hija Anne (Olivia Colman), a quien reconoce y con quien habla, pero un instante después, ya no la reconoce o, al entrar en el salón, encuentra a un extraño sentado, ni siquiera demasiado agradable, haciéndose pasar por su cuñado.

EL PADRE es más que hablar de demencia senil, es un film que se vive paso a paso, secuencia tras secuencia, con los mismos ojos que Anthony, y eso es muy difícil de soportar. En los cines con Bim – a partir del 20 de mayo en el idioma original (con subtítulos en italiano).A partir del 27 de mayo en versión italiana-, THE FATHER, que ganó dos Oscar, a Hopkins por Mejor Actor en un papel protagónico y el del Mejor Guion no Original, firmado por el mismo director francés de 41 años junto a Christopher Hampton (Expiación, The Dangerous Relationships).

La película está basada en la obra THE FATHER (Le père) también escrita por Florian Zeller, que se estrenó en París en 2012, ganando el Premio Molière a la Mejor Comedia, antes de debutar en Broadway y en el West End de Londres, donde ganó los premios Tony y Olivier al Mejor Actor (fue para Frank Langella y Kenneth Cranham respectivamente).

En THE FATHER, Anthony, de 81 años, además de perder continuamente su reloj y creer cada vez que le fueron robados, rechaza a toda la gente, o más bien a los cuidadores, que su afectuosa y paciente hija Anne intenta imponerle. El hecho es que su hija ya no podrá visitarlo como antes porque decidió mudarse a París con un hombre que acaba de conocer.

Es inevitable, como sucede en la escena más desgarradora de la película, que el viejo Anthony en un momento dado se encuentre llorando, invocando a su madre como un niño, y diciendo desesperadamente a sí mismo: “Me siento como un árbol perdiendo todas sus hojas”.

En el reparto, más allá de Hopkins y Colman (nominada al Oscar por el papel de Anne y ganadora del Oscar por The Favorite en 2019), encontramos a Mark Gatiss (The Favorite, la serie de televisión Sherlock), Imogen Poots (Green Room, Let’s Not Throw Us Down), Rufus Sewell (Judy, la serie de televisión The Man in the High Castle) y Olivia Williams (Victoria and Abdul, An education).

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Casting de automóviles en la novena de “Rápidos y Furiosos”

LOS ANGELES.- Contadas películas piden tanto ser vistas en una sala de cine como las de la saga RÁPIDOS Y FURIOSOS. La novena entrega aspira a convertirse en uno de los acontecimientos cinéfilos de la temporada veraniega.

Y cuando se pensaba que se había visto todo VIN DIESEL revela que también hacen audiciones para los autos que utilizan en las películas de RÁPIDOS Y FURIOSOS. El éxito de la franquicia alrededor del mundo es innegable, inclusive nos hemos acostumbrado a ver cómo la taquilla explota cada vez que una nueva entrega llega a salas, lo cual podría volver  a suceder con RÁPIDOS Y FURIOSOS al apostar por una alocada historia que lleve a los protagonistas al espacio. 

Es habitual escuchar sobre los procesos de audición que se llevan a cabo para encontrar el reparto idóneo en cada película. Algunos actores envían videos caseros a los productores y directores, otros más leen sus líneas de manera presencial y esperan semanas para saber si se hicieron del personaje. ¿Te imaginas un automóvil haciendo una de estas pruebas para ser conducido por Roman (Tyrese Gibsono Letty ( Michelle Rodriguez)? Por inusual que parezca, Diesel lo confirmó en entrevista con Uproxx.

No sólo se trata de cuántos caballos de fuerza tienen en su interior o la belleza del diseño con marcadas líneas aerodinámicas, el secreto detrás de cada uno de los autos protagonistas que hemos visto en todas las producciones de esta saga va de acuerdo con el personaje que entrará por sus puertas. Por esta razón han asociado a Dominic (Diesel) como un sujeto rudo e intimidante, por lo que siempre lo vemos conduciendo algún tipo de muscle car o al menos un modelo de potencia desbordante, sí… de acuerdo a su personalidad. El planteamiento de la producción que busca un vehículo según las características de su conductor es realmente práctico y termina por mantener contenta a su enorme base de seguidores.

El 2 de julio será cuando el blockbuster invite al regreso masivo del público a las salas. Y para celebrarlo, nadie mejor que Vin Diesel, que ha lanzado un vídeo invitando a los espectadores a volver al cine y lo hace en un esmerado español.

Sin duda, el actor es consciente de la repercusión internacional de la franquicia y no ha dudado a atreverse a hablar en español para invitar a todo el público de habla hispana -el segundo idioma más hablado del mundo- a disfrutar tanto de Fast & Furious 9 como de la experiencia cinematográfica en sí.

“Por más de 100 años, ha habido un lugar donde nos juntamos para entretenernos: el cine. Después de estar separados por tanto tiempo, es hora de volver a estar juntos, para reír, para aplaudir”, comienza a narrar Diesel, quien añade que el reparto está más que listo para “hacerle disfrutar” de nuevo al público.

“Nadie vuelve como las películas. Nos vemos pronto”, continúa en un clip cargado de espectaculares y pirotécnicas escenas de acción de la nueva entrega de la saga.

Todo un gesto del gran Dom Toretto, que muestra su compromiso tanto con el público como con los exhibidores. No hay mejor manera que calentar motores.

Fast & Furious es una de las sagas cinematográficas más exitosas del mundo, con más de 5.000 millones de dólares recaudados en taquilla y que, justamente, en este 2021, está de aniversario, puesto que se cumplen 20 años del lanzamiento de la primera entrega.

Junto con Diesel, vuelve la familia Fast, con el regreso de Michelle Rodríguez, Tyrese Gibson, Chris Ludacris Bridges, Jordana Brewster, Nathalie Emmanuel y Sung Kang; además del retorno de Justin Lin como director. Además, también estarán Charlize Theron, Helen Mirren y la incorporación de John Cena como el hermano perdido de Dom y el temible villano de esta novena entrega.

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El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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China impone murallas al Oscar y a Zhao con poder y contra la cultura

PEKIN.– La República Popular China suspendió de manera indefinida la trasmisión de la ceremonia de los Oscar. Fue una decisión política más que cultural. En los países de partido único la cultura es manejada desde las esferas de poder. Esto no es nuevo. Pero aquí no habrá referencia directa a esta forma peculiar de trabajo cultural.

Una directora china, formada en Londres y radicada en los Estados Unidos, acaba de ganar el premio Oscar a la Mejor Película. Se llama Cloe Zhao, tiene 39 años y es reconocida como una de las cineastas más destacadas y talentosas de los últimos años.

Nacida en Pekín, su padre fue un exitoso ejecutivo del acero y su madrastra lo era la conocida actriz de comedia china Song Dandan.

Zhao abandonó su país natal a los 14 años. A mediados de 1990 se fue a vivir a Inglaterra para estudiar en Brighton, a pesar de que hablaba el idioma inglés con suma dificultad.

Pero a ella le encantaban los desafíos. Triunfó en un país diferente, en una cultura diferente por su manera de entender y hacer suyas las esferas del saber. Era brillante y muy pronto el idioma inglés no fue un obstáculo.

Después de Brighton, se fue a los Estados Unidos, país donde estudió Ciencias Políticas en Massachusetts antes de mudarse a Nueva York, en 2010. Una vez radicada en la Ciudad de los Rascacielos, se integró al posgrado de cine de la Tisch School of the Arts de Nueva York, cuyo director artístico era Spike Lee.

Aquel fue un momento crucial. Comenzó su primer largometraje Songs My Brothers Taught Me, una historia de transición a la adultez filmada en una reserva de nativos norteamericanos en Dakota del Sur, con actores no profesionales.

En medio de la filmación conoció a un jinete de rodeo llamado Brady Jandreau y decidió armar su próxima película en torno a él.

The Rider, estrenada en 2017 (y donde el padre de Zhao figura como Productor Ejecutivo), cuenta la historia de un joven llamado Brady que trata de vivir con las secuelas de un grave accidente de rodeo.

El filme fue elegido como mejor película del año por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de EE. UU. y del programa de cine de BBC Radio 4.

The Rider refinó su sello distintivo, su “art poética” en el cine de estilo neorrealista: elegir personas que no son actores para contar un drama personal emotivo y conmovedor en una forma de realidad ficticia, filmada por lo general en espacios abiertos bañados por la luz dorada del sol y con un entramado social de trasfondo.

Siempre se ha sentido como una extraña. Por eso la atraen personas de la periferia con estilos no convencionales, como los que viven en camionetas y cuyas vidas transitorias, impredecibles pero a menudo libres se documentaron en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de Jessica Bruder adaptado al cine y piedra angular de su filme.

Ese detalle la llevó a conocer la vida de muchos personajes y eligió a algunos para que interpretaran versiones de sí mismos, junto a la protagonista principal Fern, un papel ficticio interpretado por la actriz Frances McDormand.

Nomadland sonó como la gran ganadora del Oscar desde septiembre pasado, cuando se convirtió en la primera cinta en obtener los principales premios en los festivales de cine de Toronto y Venecia. La directora se convirtió en una de los cineastas más famosas de Hollywood.

Su próximo film anunciado se titula Eternals, donde usará voces distintivas para recrear una de las famosas historietas de Marvel, sobre superhéroes inmortales con actuaciones de Angelina Jolie, Salma Hayek, Richard Madden y Kumail Nanjiani.

Zhao no oculta su admiración por el Universo Cinematográfico de Marvel desde hace una década. Eternals aunque parte de los personajes que integran la historieta, tendrá su propia visión. Su estrenará en noviembre. Después de eso, trabajará en una versión de Drácula.

Antecedentes en el cine chino

El cine chino es una industria. En el pasado siglo XX unos pocos maestros asiáticos cruzaron las fronteras nacionales. Eran otros tiempos. Todavía el país no era la segunda potencia económica mundial y se permitían ciertas veleidades en busca de celebridades que contribuyeran a romper el aislamiento comercial de la Gran Muralla. La pequeña isla de Taiwán, como nación independiente, ya se estaba posicionando con nombres como Ang Lee, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Lian y Chung Mong-hong, entre muchos otros.

Frente a ellos, China contó también con un equipo cinematográfico de grandes estrellas. Y dos de ellas también lograron la aclamación mundial: Won Kar-Wai (Hong Kong) y Zhang Yimou.

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Won Kar Wai saltó a la fama en 1997 con Happy Together, un drama sobre una relación sentimental en Buenos Aires entre dos jóvenes emigrantes que sobreviven en un ambiente hostil.

Dos grandes actores chinos, Leslie Cheung y Tony Leung son los protagonistas de esta historia de 98 minutos, llena de poesía de pasión. Wong Kar Wai también estuvo al frente de otros filmes inolvidables como Chungking Express, In the mood of love y 2046.

En todas ellas, a diferencia de Cloe Zhao, crecen historias con temas chinos protagonizados por actores chinos. Igual virtud corresponde a ese otro gran maestro oriental que responde al nombre de Zhang Yimou, quien posee una de las más valiosas filmografías del mundo con obras como Sorgo Rojo (1987), Happy Times (1994), Ju Dou ( 1990), La linterna roja (1991), Ni uno menos (1999), El camino a casa (1999) y Flores de la guerra (2011).

Ninguno de estos grandes maestros pudo acariciar la dorada estatuilla que otorga la academia norteamericana. Quien más se acercó fue Zhang Yimou al ser nominado en 1992 por su cinta La linterna roja como Mejor Película de Habla No Inglesa.

Pero no pasó de una simple nominación. Tampoco esa gran actriz llamada Gong Li integró las listas como Mejor Actriz a pesar de su extraordinario trabajo en cintas como Camino a casa.

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Cannes no se da por vencido; del 6 al 17 de julio anuncia su Festival

PARÍS.– Pese a la pandemia, se confirmaron las fechas del FESTIVAL DE CANNES 2021, del 6 al 17 de julio, con la presencia de famosos, estrellas y grandes autores, según Variety.

Luego de la cancelación en el último minuto del año pasado, se está preparando un gran comienzo para Cannes 2021, con Spike Lee como presidente del jurado y la apertura a cargo de la producción ANNETTE, un musical de Leos Carax,con Adam Driver y Marion Cotillard.

Destaca el film Competición oficial, comedia con Antonio Banderas y Penélope Cruz, dirigida por el dúo argentino Mariano Cohn y Gastón Duprat, que podría ser, según Variety, un título de primer nivel (también predicado en el Lido). También está en la carrera Benedetta de Paul Verhoeven con Virginie Efira como una monja lesbiana en la Italia renacentista.

Desde Francia la película en blanco y negro de Jacques Audiard PARIS, 13th DISTRICT, basada en Kipling and Dying del dibujante neoyorquino Adrian Tomine con la historia de cuatro jóvenes amigos, a veces amantes, y a menudo ambos.

Julia Ducournau con TITANE, el drama de terror protagonizado por Vincent Lindon como un padre cuyo hijo reaparece en un aeropuerto después de desaparecer durante diez años; Claire Denis con FEU, con Juliette Binoche como una mujer dividida entre dos hombres, su pareja de toda la vida (Vincent Lindon) y su mejor amiga. También se habla de Mia Hansen-L›ve con BERGMAN ISLAND, melodrama sobrenatural con Mia Wasikowska, Tim Roth y Vicky Krieps, sobre un par de directores estadounidenses que viajan a la isla sueca de Faro para escribir sus respectivas películas, y Emmanuelle Bercot con DE SON VIVANT, un drama que cubre un año en la vida de un enfermo terminal, una madre afligida, un médico y una enfermera , con Catherine Deneuve, Benoît Magimel y Cécile de France.

La selección oficial de este año también podría presumir de WHERE IS ANNE FRANK, un largometraje animado de Ari Folman, cuyo documental Waltz With Bashir debutó en competición en 2008. Folman, a quien se le ha concedido acceso a los archivos de la familia Frank, sigue la historia de Kitty, la amiga ficticia de Ana Frank, que se despierta hoy en Ámsterdam después de un milagro y viaja a través de Europa para averiguar qué le pasó a Anne en los últimos siete meses de su vida.

Otros directores también están bien posicionados para el estreno mundial en Cannes 2021.

Este es el caso de Joachim Trier con LA PEOR PERSONA DEL MUNDO; LA FRACTURE de Catherine Corsini y TOUT S’EST BIEN PASSÉ de Francois Ozon, una película sobre la eutanasia basada en el libro del mismo nombre de Emmanuelle Bernheim, con Sophie Marceau. Algunas películas francesas, señala Variety, serían predicadas para Venecia, en particular LOST ILLUSIONS de Xavier Giannoli, una adaptación del clásico literario de Honoré de Balzac; y EN UNA MEDIA MAÑANA DESPEJADA por Bruno Dumont con Lea Seydoux y Blanche Gardin, sobre un famoso periodista cuya vida fue interrumpida por un extraño accidente automovilístico. La selección oficial del Festival de Cannes se dará a conocer el 27 de mayo.

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En un Oscar desangelado ganan “Nomadland”, Zhao, McDormand, Hopkins y 3 mexicanos en sonido

LOS ÁNGELES.- Chloé Zhao se convirtió el domingo en la segunda mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección por su película Nomadland, en una peculiar gala en la era de la pandemia que marca la noche más importante de Hollywood.

Su drama sobre la gente de precarios recursos que recorre el territorio estadounidense en camionetas es la favorita de la fiesta, que se celebra en persona y en vivo en la estación de trenes del histórico centro de Los Ángeles.

“Esto es para cualquiera que tenga la fe y el valor de aferrarse a la bondad en su interior. Y aferrarse a la bondad de los demás”, declaró Zhao al recibir el premio, tras llegar a la gala junto a “nómadas” de la vida real que interpretaron versiones ficcionales de sí mismos.

Nacida en Pekín, Zhao es la primera asiática que gana como directora y la segunda mujer en lograrlo tras Kathryn Bigelow, quien lo obtuvo en 2010 por The Hurt Locker.

El premio a la actriz de reparto se lo llevó, como se esperaba, la surcoreana Youn Yuh-jung por su retrato de la abuela en Minari, un drama autobiográfico sobre una familia coreana que migra a Estados Unidos.

Youn recibió el premio de manos del actor Brad Pitt, diciéndole “¡Finalmente! Un gusto conocerte. ¿Dónde estabas cuando estábamos filmando?”.

En un entrañable discurso, dijo que no creía en las competencias y que no tenía sentido vencer sobre Glenn Close, quien volvió a perder el premio de la academia tras haber sido nominada ocho veces.

“Interpretamos roles distintos. No podemos competir una con la otra. Esta noche tuve un poco de suerte”, añadió.

El director danés Thomas Vinterberg recibió el premio de la Academia a la mejor película internacional por Another Round con un emotivo homenaje a su hija Ida, quien falleció en un accidente de coche poco después de que comenzara el rodaje en mayo de 2019.

“Terminamos haciendo esta película para ella, como un monumento a ella”, dijo, entre lágrimas, el creador de la comedia dramática sobre los altibajos del alcoholismo.

Daniel Kaluuya, quien ganó como actor de reparto por “Judas y el mesías negro”, recibió después su estatuilla de mejor ánimo y diciendo que se sentía “feliz de estar vivo”.

La cinta de Pixar Soul, que explora el sentido de la vida, se llevó la estatuilla a mejor película animada, mientras “Mi maestro el pulpo”, de Netflix, triunfó como mejor documental.

Los mexicanos Jaime Baksht, Carlos Cortés y Michelle Couttolenc -junto a Nicolas Becker y Phillip Bladh-– ganaron al premio al sonido por El sonido del metal, una potente descripción de la experiencia de la sordera.

La actriz y directora Regina King marcó el inicio de la heterodoxa gala diciendo que los invitados, la mayoría de los cuales no llevan tapabocas, “han sido vacunados, testeados, vueltos a testear, están socialmente distanciados y siguen rigurosos protocolos”.

“Estamos de luto por la pérdida de muchos”, recordó.

Antes de que comenzara el show, los artistas se detuvieron brevemente para dejarse fotografiar y dar entrevistas rápidas y distanciadas, en lo que los organizadores llamaron una “alfombra roja diminuta”.

Las actrices Carey Mulligan y Andra Day deslumbraron con el glamour que suele reinar en los Óscar.

La usual multitud de fotógrafos era muy reducida debido a la pandemia y hasta los ejecutivos de los estudios tuvieron que ver la gala por televisión.

“Estamos aquí, ¿no es una locura? ¡Seres humanos en carne y hueso!”, dijo Riz Ahmed, nominado a mejor actor por “El sonido del metal”.

Con las salas de cine cerradas todo el año y el estreno retrasado de las grandes producciones, Nomadland y sus mayores rivales a mejor película –Minari y El sonido del metal-– capturaron el “zeitgeist” de la pandemia en un impresionante retrato de los marginados de la sociedad.

Contendientes como Promising Young Woman, cuyo guion original se alzó con el Oscar, y El juicio de los 7 de Chicago tocan temas relevantes en estos tiempos, como el #MeToo y las protestas contra el racismo, pero aún así es improbable que se lleven el premio final de la noche.

El rubro a mejor actriz está “en el aire” y “podría ir en cualquier dirección”, dijo el columnista de los premios en Deadline, Pete Hammond.

Las cinco candidatas, incluidas Viola Davis (La madre del blues) y Carey Mulligan (Promising Young Woman), vienen de ganar premios importantes este año.

El coprotagonista de Davis, Chadwick Boseman, quien murió el año pasado de cáncer antes del estreno de la película donde interpreta a un trompetista atormentado por actos racistas atroces, es favorito para ganar el tercer Óscar póstumo de la historia para un actor.

Pero Anthony Hopkins, quien interpreta a un enfermo de demencia senil en El padre, podría dar una sorpresa. La cinta ganó el Oscar a mejor guion adaptado.

El evento culminante de la temporada de premios de Hollywood se postergó dos meses y se realiza principalmente en la estación de trenes Union Station de Los Ángeles, elegida por sus grandes espacios para aplicar el distanciamiento social en esta gala de la era del covid-19.

En el espectáculo previo, un coro de niños interpretó la nominada a mejor canción Huvasik desde el pequeño puerto islandés del mismo nombre.

Los nominados europeos que no pudieron viajar a Estados Unidos están reunidos en los “centros” de Londres y París.

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Oscar llega a su edición 93 con todas las medidas de seguridad

LOS ÁNGELES.- La expectativa crece y todo está preparado para la 93 edición de la entrega de los premios Oscar, que, debido a la pandemia del coronavirus, este año cambió de fecha y se llevará a cabo bajo estrictas medidas de seguridad sanitarias, y cuya transmisión internacional en vivo, será por ABC, mientras que para México por la señal de TNT y Azteca 7, a partir de las 19:00 horas, con una inusual alfombra roja por !E.

La cita será en el Dolby Theatre y en Union Station, en el downtown de Los Ángeles.

Las y los presentadores, seran: Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle, Bryan Cranston, Laura Dern, Harrison Ford, Regina King, Marlee Matlin, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Brad Pitt, Reese Witherspoon, Renée Zellweger y Zendaya.

Los candidatos de la 93 edición son los siguientes: Mejor Película: The Father, Judas and the Black Messiah, Mank, Minari, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Director: Thomas Vinterberg, Another Round, David Fincher, Mank, Lee Isaac Chung, Minari, Chloe Zhao, Nomadland, Emerald Fennell, Promising Young Woman.

Mejor Actriz Protagónica: Viola Davis, Ma Rainey’s Black Bottom, Andra Day, The United States vs. Billie Holiday, Vanessa Kirby, Pieces Of A Woman, Frances McDormand, Nomadland, Carey Mulligan, Promising Young Woman.

Mejor Actor Protagónico: Riz Ahmed, Sound of Metal, Chadwick Boseman, Ma Rainey’s Black Bottom, Anthony Hopkins, The Father, Gary Oldman, Mank, Steven Yeun, Minari.

Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas And The Black Messiah, Sacha Baron Cohen, The Trial Of The Chicago 7, Leslie Odom Jr., One Night In Miami, Paul Raci, Sound Of Metal, Lakeith Stanfield, Judas And The Black Messiah.

Mejor Actriz de Reparto: Maria Bakalova, Borat Subsequent Moviefilm, Glenn Close, Hillbilly Elegy, Olivia Colman, The Father, Amanda Seyfried, Mank, Yuh-Jung Youn, Minari.

Mejor Fotografía: Judas and the Black Messiah, Mank, News of the World, Nomadland, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Película Internacional: Another Round (Dinamarca), Better Days (Hong Kong), Collective (Rumania), The Man Who Sold His Skin (Túnez), ¿Quo Vadis, Aida? (Bosnia).

Película de Animación: Onward, Over the Moon, A Shaun the Sheep Movie: Armageddon, Soul Wolfwalkers.

Diseño de vestuario: Emma, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Mulan, Pinocchio.

Mejor documental: Collective, Crip Camp he mole agent, My octopus teacher, Time.

Mejor Cortometraje Documental: Colette, A concerto is a conversation, Do not split, Hunger Ward, “A love song for Latasha.

Maquillaje y Peinado: Emma, Hillbilly Elegy, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Pinocchio.

Mejor Canción Original: Husavik, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, Fight For You, Judas and the Black Messiah, lo Sì (Seen), The Life Ahead”, Speak Now, One Night in Miami, Hear My Voice,”The Trial of the Chicago 7.

Diseño de producción: The Father, Ma Rainey’s black bottom, Mank, News of the world, Tenet.

Mejor Edición: The Father, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Guion Original: Judas and the Black Messiah (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas), Minari (Lee Isaac Chung), Promising Young Woman (Emerald Fennell), Sound of metal (Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder), The Trial of the Chicago 7 (Aaron Sorkin).

Mejor Guion Adaptado: Borat Subsequent Moviefilm (Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Erica Rivinoja y Dan Swimer), The Father (Christopher Hampton y Florian Zeller), Nomadland (Chloé Zhao), One Night in Miami (Kemp Powers), The White Tiger (Ramin Bahrani).

Mejores Efectos Especiales: Love and Monsters, The Midnight Sky, Mulan, The One and Only Ivan, Tenet.

Mejor Película Corta de Animación: Burrow, Genius Loci, If Anything Happens I Love You, Opera, Yes People.

Mejor Película Corta de Acción Real: Feeling Through, The Letter Room, The Present, Two Distant Strangers, White Eye.

Mejor Banda Sonora: Da 5 Bloods, Mank, Minari, News of the World.

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De Niro no ve la suya: su divorcio le costaría la mitad de su fortuna

HOLLYWOOD.- La pandemia del coronavirus unida a los problemas económicos que le está acarreando su divorcio de Grace Hightower, ha puesto a la estrella de Hollywood ROBERT DE NIRO en una complicada situación monetaria.

En una audiencia virtual, la abogada del actor pidió a la corte que se desestime el acuerdo prenupcial de la pareja, pues se le pide un millón de dólares anualmente, conforme a dicho tratado, mismo que se firmó en 2004 cuando Robert y Grace decidieron darse una nueva oportunidad.

La abogada del artista, Caroline Krauss, dio a conocer las condiciones en las que está el mejor actor en los premios Oscar en 1981 con la película Toro salvaje.

El señor De Niro tiene 77 años, y aunque ama su oficio, no debería verse obligado a trabajar a este ritmo prodigioso porque tiene que hacerlo. ¿Cuándo terminará eso? ¿Cuándo tendrá la oportunidad de quizás no coger todos los proyectos que se le presenten? ¿O no trabajar seis días a la semana durante 12 horas al día simplemente para seguir el ritmo de la sed de la señorita Hightower por Stella McCartney?”, ha dicho la letrada haciendo referencia a la pasión de su ex mujer por la moda.

De Niro podría enfermar mañana, y la fiesta habrá terminado“, concluyó la abogada.

Al respecto, el representante legal de la exesposa del actor manifestó que no pueden ser ciertos los problemas financieros de De Niro, pues con El irlandés, filme de 2019, recibió una cifra cercana a los US$5 millones, y de ahí gastó US$450.000 que destinó para unas vacaciones de Acción de Gracias y US$1 millón que les dio a sus hijos entre 2019 y 2020.

El actor es dueño de una de las cadenas de hoteles y restaurantes más de prestigiosas de Estados Unidos y parte de Europa, Nobu. Ambos se vieron afectados por las restricciones que han obligado a mermar la actividad de los locales, además del cierre total de los meses de cuarentena.

Publican medios internacionales que la historia entre De Niro y Hightower lleva años dando de qué hablar. La pareja se casó en 1997. Ella era azafata de vuelo y tras dos años de matrimonio firmaron su primer divorcio en el 99.

En 2004 ambos sorprendieron al darse una nueva oportunidad, aunque quisieron hacer un acuerdo prenupcial que beneficiase a ambos en caso de una nueva separación. En 2018 llegó ese segundo desencuentro y, de acuerdo a lo firmado, el intérprete de Los intocables de Eliot Ness debe abonar un millón de dólares al año a su expareja.

También Hightower solicita que le sea entregada la mitad de la fortuna de De Niro, que según sus cálculos, está avaluada en cerca de 500 millones de dólares.

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El cineasta danés Thomas Vinterberg va por el Oscar

LOS ÁNGELES.– Pese a la tragedia que vivió durante la filmación de ANOTHER ROUND cuando su hija falleció en un accidente automovilístico, el cineasta THOMAS VINTERBERG terminó contra viento y marea su película, entre la comedia y las sombras, el pacto de cuatro maestros daneses cansados del mundo que pasan los días borrachos en un “experimento” poco científico.

THOMAS VINTERBERG está nominado al Premio Oscar por Mejor Director, ceremonia a realizarse el próximo domingo. VINTERBERG escribió el guion, originalmente una obra de teatro, al darse cuenta de que muchas de las grandes hazañas de la historia mundial fueron realizadas por personas regularmente intoxicadas con alcohol, la misma sustancia que puede destrozar vidas y familias.

Como pudo, el realizador consiguió terminar esta película excepcionalmente divertida, tierna y trágica, que le ha valido una rara nominación al Oscar como Mejor Director.

“La película siempre estuvo destinada a reafirmar la vida y estar llena de amor, y hasta cierto punto cruda”, dijo VINTERBERG a la AFP en una entrevista a través de Zoom.

“Pero la tragedia que ocurrió en mi vida nos dejó a todos indefensos y abiertos”, señaló.

El papel de los profesores está encarnado por cuatro de los amigos cercanos y colaboradores de el realizador, incluido el exvillano de 007 Mads Mikkelsen, quienes pasaron el rodaje haciendo “todo lo que pudieron” para hacerlo reír en estas circunstancias, contó el director.

“Había tanto amor en el set, y creo que se puede ver en la pantalla”, contó VINTERBERG, cuya obra es una de las favoritas para llevarse a casa el Oscar a la Mejor Película Internacional el domingo.

Si bien el film aborda claramente el tema del alcohol, también se trata de “vivir inspirado, de olvidarse de uno mismo, de ser curioso y estar en el momento y todo lo que conlleva el beber”.

Esos elementos de afirmación de la vida se inspiraron en su fallecida hija Ida, quien debía interpretar a la hija de Mikkelsen, y cuyos amigos de la vida real interpretan a compañeros de clase en una competencia de bebida entre adolescentes alrededor de un lago.

“Hay un grupo alarmante de personas y países que se conectaron con esto de la bebida”, bromeó Vinterberg.

“Sí, beben de manera diferente en California, ponen la botella en una bolsa [de papel], mientras que en Dinamarca, los adolescentes corren por las calles con las botellas a la vista”, dijo.

“Pero parece que la película se conecta a un nivel diferente y, con suerte, logramos elevar este film… a uno sobre algo más”.

“MI PROPIO JARDÍN”

El humor no siempre se ha asociado con este director, quien cofundó el movimiento cinematográfico ascético de vanguardia Dogma 95 con Lars Von Trier, y dirigió películas que abordan temas como el abuso infantil, como The Celebration y The Hunt.

Pero Vinterberg, de 51 años, ha desafiado a menudo las categorizaciones.

El famoso “manifiesto” de Dogma 95, que imponía estrictos límites naturalistas a los directores, era siempre mitad en serio, mitad irónico.

Y aunque ya ha incursionado en Hollywood -por ejemplo, con Lejos del mundanal ruido en 2015, protagonizada por Carey Mulligan, también nominada al un Oscar-, sus películas más aclamadas son a menudo las más danesas y locales.

“Parece que es cuando excavo en mi propio jardín cuando la gente realmente se interesa, también en el extranjero”, dijo.

Los temas universales de Another Round pueden explicar en parte cómo VINTERBERG se metió entre los aspirantes al Oscar al mejor director por una película en idioma no inglés (Minari del también nominado Lee Isaac Chung está en coreano e inglés).

“Los placeres del alcohol, pero también el lado destructivo de beber, han existido durante miles de años, casi en todas las culturas”, explicó VINTERBERG.

El director sirvió alcohol a su elenco durante los ensayos, y vieron videos de YouTube rusos juntos para observar episodios de embriaguez extrema.

“Necesitábamos ver a estos personajes estando en la zona”, recordó. “No es que estuvieran muy borrachos, pero había alcohol”.

En el set, sin embargo, todo el mundo estaba sobrio, aclaró Vinterberg. “Tenían que actuar, básicamente, y creo que lo hicieron bien”.

Por mucho que la producción de Another Round sea una historia de contrastes (tragedia y camaradería, humor y filosofía) los destinos de los profesores divergen cuando la tentación del alcohol se apodera de ellos en diversos grados.

Pero la película en sí “no quería moralizar” ni “hacer una publicidad de alcohol”, dijo Vinterberg. “De forma muy importante, no quería tener un mensaje”.

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Los premios Oscar afectados por el desinterés y las bajas audiencias

NUEVA YORK.- Este domingo se emitirá en la red ABC (TNT y !E por cable) la primera velada del Oscar de la era del coronavirus, y el temor de los organizadores es que haya un “contagio” con los demás premios de esta temporada, durante la cual los Grammy perdieron el 53% del público y los Globos de Oro el 60% respecto de las ediciones 2020.

El virus del desinterés afecta incluso a los expertos del sector: “Cuando hasta para mí es difícil apasionarme, empieza a ser un problema”, dijo al New York Times Jeanine Basinger, fundadora del departamento de estudios sobre cine de la Wesleyan University, y autora de ensayos sobre Hollywood como The Star Machine. El riesgo está a la vista de los especialistas y sobre todo del equipo de productores encabezados por Steven Soderbergh, es por que ello que para frenar la hemorragia, el realizador -ganador del Oscar por Traffic- habría impuesto en su contrato una cláusula categórica para que la entrega de las estatuillas no sea por Zoom.

Por lo tanto, los premios serán en vivo, aunque distribuidos en varias locaciones: no solo dos en Los Ángeles, sino también Londres y otra veintena en conexión vía satélite.

Los participantes, además, no podrán usar mascarilla frente a las cámaras (aunque sí cuando no estén siendo filmados), porque la realización del show, en cuanto a medidas anti Covid, será tratada como un estudio de filmación, con medición de la fiebre al entrar y al menos tres hisopados a los participantes en los días previos a la ceremonia.

Habrá asimismo una versión reducida de la alfombra roja, con tres fotógrafos y un número limitado de periodistas -habrá medios no estadounidenses llegados de Japón, Canadá, Gran Bretaña, Francia, Brasil, España, México y Australia- mantenidos a debida distancia de los entrevistados.

Todo para dar la impresión de un espectáculo que avanza sin trastornos pese a los temores por el Covid. Y gracias asimismo al poder de Hollywood para transformar la realidad.

Sin embargo, los datos de Nielsen conceden pocas ilusiones: la audiencia de los Oscar ya estaba en caída libre antes de la pandemia: -44% de 2014 al año pasado, cuando 23,6 millones de personas miraron el film surcoreano “Parasite” al ganar el primer premio.

Si esta vez la baja fuera comparable a la del Globo de Oro, sería una catástrofe para la Academia y para ABC, que por la exclusiva de la emisión en directo se comprometió a pagar casi mil millones de dólares hasta 2028.

Anticipando resultados menos que estelares, la emisora puso en venta este año espacios publicitarios a precios de descuento: dos millones de dólares por 30 segundos, el 13% menos que en 2020.

Algunos muy fieles, como Verizon, volverán, pero no Ferrero, cuyos Kinder-Joy -que habían debutado en el Oscar de 2018- esta vez no serán de la partida.

Los Óscar no obligarán a los nominados y sus acompañantes a llevar mascarilla ante las cámaras, pero sí pedirán a todos los asistentes que se cubran la boca y la nariz cuando se encuentren fuera de plano.

La revista Variety dio este lunes algunos detalles de una reunión que los responsables de los Oscar mantuvieron esta mañana con nominados y publicistas de Hollywood.

Así, Variety aseguró que, debido a que los Óscar se concebirán como si fuera el rodaje de un programa televisivo o una película, las mascarillas no serán obligatorias mientras se esté ante las cámaras (por ejemplo, durante la ceremonia).

Pero cuando los candidatos o sus acompañantes no aparezcan en pantalla (por ejemplo, durante las pausas comerciales) sí tendrán que llevar mascarilla.

El pasado sábado, los productores de la gala dejaron entre interrogantes si los asistentes a los Óscar de la pandemia tendrían que llevar mascarilla en todo momento.

“Esto es lo que tenemos que decir sobre eso: las mascarillas jugarán un papel muy importante en la historia de esa noche”, dijo Steven Soderbergh, productor de la ceremonia junto a Stacey Sher y Jesse Collins.

Por otro lado, la Academia de Hollywood está planeando una gala con aforo limitado de unas 170 personas.

Se requerirán varias pruebas PCR a los asistentes en los días previos, habrá controles de temperatura y también se organizarán rotaciones de los invitados a lo largo de la velada para garantizar el distanciamiento.

UNA GALA SEGURA Y CON ESTÉTICA DE CINE

Una ceremonia preparada como si fuera una película y cien por ciento segura contra el coronavirus es la doble receta que propondrán los Óscar, que se retrasaron dos meses por la pandemia y que se celebrarán este domingo 25 de abril.

Los productores explicaron el sábado que los Óscar tendrán una estética de cine, se transmitirán en 24 frames por segundo y con un formato panorámico, emplearán encuadres más típicos de una cinta que de la televisión, y serán “tres horas de entretenimiento” fundamentadas en el “optimismo” y la “sinceridad”.

La gran fiesta del cine se ha conjurado para celebrar una ceremonia lo más presencial posible y para ello cambiará su centro de operaciones del Dolby Theatre a Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles (EE.UU.).

En cualquier caso, los Oscar están preparando dos subsedes en Londres y París para quienes no puedan acudir a Los Ángeles.

Por otro lado, los cerebros de estos Oscar explicaron que la alfombra roja será este año “muy pequeñita” y que formará parte de la previa del show, donde además se verán las interpretaciones de las cinco nominadas al premio a la mejor canción.También habrá un programa especial posterior a la ceremonia.

Por ahora, la relación de presentadores de estos Oscar tan peculiares incluye a Brad Pitt, Zendaya, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Harrison Ford, Laura Dern, Regina King, Marlee Matlin, Reese Witherspoon, Renée Zellweger, Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle y Bryan Cranston.

Los productores indicaron que faltan un par de presentadores por anunciarse.

Laura Pausini actuará el 25 de abril en la ceremonia de los Oscar, cantando I Yes (Seen), la canción escrita por Dianne Warren nominada a la estatuilla y parte de la banda sonora de la película ‘Life Ahead of Her’ con Sophia Loren.

La actuación -que también contará con los otros nominados con sus canciones nominadas a Mejor Canción Original, Celeste, H.E.R., Leslie Odom, Jr., Daniel Pemberton, Molly Sandén- estará en el centro de Oscar: Into The Spotlight’, el espectáculo de apertura en la ceremonia 93.

Los productores Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh lo anunciaron. Una de las actuaciones se grabará en Husavik, Islandia, cuatro se llevarán a cabo en la Terraza Familiar Dolby del Museo de Cine de la Academia en Los Ángeles.

Presentado por los actores Ariana DeBose (Hamilton) y Lil Rel Howery (Bad Trip), Oscar: Into the Spotlight narrará en 90 minutos el viaje de los candidatos a la noche más grande de Hollywood, ofreciendo a los fans de todo el mundo y a los expertos la oportunidad de husmear alrededor del evento y llevando la música de los Oscar a las festividades por primera vez.

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28 años sin “Cantinflas”; Mario Moreno recibió los halagos del mismo Charles Chaplin

Cuando suele haber interrogantes sobre quién ha sido el mejor cómico de México, el nombre de MARIO MORENO CANTINFLAS surge de inmediato, no por nada es el único que mereció un calificativo como tal del mismo Charles Chaplin. Ni más ni menos.

En un día como hoy pero de 1993, a sus 81 años, en su casa en Ciudad de México, falleció MARIO MORENO, a causa de cáncer de pulmón.

CANTINFLAS fue el comediante mexicano más popular del cine en lengua española, se caracterizaba por sus películas y su peculiar forma de hablar, la cual integraba muletillas coloquiales y términos cultos mal empleados. 

25 años después de su muerte vive en el recuerdo de todos sus admiradores pues hizo reír a varias generaciones de latinoamericanos y españoles con un humor que dejaba entrever un trasfondo de crítica social.

Formó parte de una familia numerosa, abandonó sus estudios siendo muy joven y se dedicó a limpiar botas, fue cartero, taxista y boxeador, entre tantas otros oficios a los que se abocó antes de trabajar en el circo.

CANTINFLAS debutó en el cine en 1936, aunque fue un año después en el que se volvió sumamente exitoso con Cara y cruz, desde ese entonces, no abandonó jamás su personaje, lo hizo memorable por su ternura, su inigualable figura y vestimenta y su manera de expresarse.

Con títulos como El Padrecito (1964), Su excelencia (1966) y Un Quijote sin mancha (1969) consiguió acrecentar su enorme popularidad en los países hispanohablantes.

UN DATO:

Cerca de medio millón de personas se despidieron del actor en la capilla ardiente, abierta al público durante dos día en un teatro de la capital mexicana.  

Cantinflas dejó escrito su epitafio: “Parece que se ha ido, pero no es cierto”. 

En la película Ahí está el detalle, realizada en 1940, dirigida por Juan Bustillo Oro, su personaje se consolidó. 

En esta cinta, Cantinflas es el centro de un malentendido que lo lleva a un juicio por el asesinato de un hombre llamado Bobby, quien compartía su nombre con el perro rabioso de la casa donde trabaja su novia Pacita (Dolores Camarillo). 

ALGUNAS DE SUS PELÍCULAS:

En su segunda aparición como el Sargento 777 (personaje que aparece en tres películas de Cantinflas y que más tarde tendría su propia cinta), Cantinflas recibe la inesperada visita de la hija de su comadre, quien le pide en una carta que se haga cargo de la niña. 

La vuelta al mundo en ochenta días (realizada en 1956)

Basada en el libro de Julio Verne, La vuelta al mundo en ochenta días es el trabajo más importante de Cantinflas a nivel internacional, estuvo nominada a ocho premios Oscar, de los cuales ganó cinco, siendo Mejor película el reconocimiento más importante de ellos, fue traducida en varios idiomas y ayudó a Cantinflas a ser reconocido en el extranjero.

El bolero de Raquel (realizada en 1957)

Es la primera cinta a color de las películas de Cantinflas, fue dirigida por Miguel M. Delgado y una de las más reconocidas de su carrera gracias a la escena del baile que ocurre entre el protagonista y Mimí (Elaine Bruce), la bailarina de un bar que no entiende por qué este individuo está con ella en el escenario. 

Sinopsis: es una de las historias más conmovedoras de Cantinflas, al verlo tratar de ser el padre sustituto de Chavita (Francisco Fernández), su ahijado, después de que el niño pierde a su padre en un accidente. 

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Alfred Molina será de nuevo el Dr. Octopus en “Spider Man: No Way”

NUEVA YORK.- Los fanáticos del Hombre Araña están de plácemes: ALFRED MOLINA decidió volver a ponerse los tentáculos para interpretar al villano Doctor Octopus, en SPIDER-MAN: NO WAY HOME.

“Los tentáculos hacen todo el trabajo”, afirmó Molina entre risas en una entrevista exclusiva con Variety, en la que confirmó su retorno, 17 años después de haber interpretado a uno de los super villanos más destacados del hombre arácnido.

Cuando Alfred Molina fue invitado por primera vez a repetir su papel del villano Otto Octavius en Spider-Man: No Way Home, la tercera entrega de las películas de Marvel Cinematic Universe Spider-Man, con Tom Holland en el papel del superhéroe, le pidieron que lo mantuviera en silencio.

“Cuando lo estábamos filmando, todos teníamos órdenes de no hablar de ello, porque se suponía que era un gran secreto”, dijo Molina, de 67 años.

“Pero, ya sabes, está en Internet. ¡De hecho, me describí a mí mismo como el secreto peor guardado de Hollywood!”, agregó.

Molina no solo confirmó su participación en No Way Home, sino que también detalló felizmente su experiencia al hacer la película y retornar a un papel que interpretó por primera vez en Spider-Man 2 de Sam Raimi en 2004.

“Fue maravilloso”, dijo. “Fue muy interesante volver después de 17 años para desempeñar el mismo papel, dado que en los años intermedios, ahora tengo papada, patas de gallo y una parte inferior de la espalda ligeramente un poco descuidada”.

Cuando el actor le preguntó a Jon Watts, el director de No Way Home, de qué manera la película traería de vuelta a Doc Ock, recordando que en la versión anterior él había muerto, Molina recibió como respuesta: “En este universo, no uno realmente muere”.

En Spider-Man 2 Molina interpretó al científico Otto Octavius, quien estaba listo para ser un mentor de Peter Parker (Tobey Maguire) cuando un accidente de laboratorio lo convierte en el asesino Doctor Octopus, o Doc Ock para abreviar, llamado así por los cuatro brazos mecánicos fusionados en su espalda.

El actor aseguró que Watts le dijo que la película retomará la historia de Doc Ock teniendo en cuenta que en una franquicia que incluye multiversos, viajes en el tiempo y líneas de tiempo divergentes todo parece bastante plausible.

Las preocupaciones de Molina eran más prácticas. De qué manera justificar el envejecido tanto desde la primera versión, el director le recordó que para eso Marvel Studios utiliza la tecnología CGI.

Se trata de un sistema que ya utilizaron para reducir la edad de Robert Downey Jr. para rejuvenecerlo varios años para su famoso papel de Iron Man, y para Samuel Jackson en el personaje de Nick Fury.

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China no transmitirá por censura oficial los premios Oscar este año

PEKIN.- China no transmitirá la ceremonia de los premios Oscar 2021. Un cortometraje y las declaraciones de la directora Chloé Zhao, nominada al Oscar por Nomadland, son los motivos que han llevado al Gobierno del gigante asiático a tomar la decisión de censurar la fiesta del cine estadounidense en China y la no tan autónoma Hong Kong.

La cadena de televisión abierta más grande de la ciudad, TVB, ha optado por no emitir los premios de la Academia por primera vez en más de 50 años, a pesar de que una película de Hong Kong está nominada por primera vez desde 1993.

El drama juvenil de Derek Tsang Better Days, nominado este año al Oscar como Mejor Película Internacional, le ha dado a Hong Kong su primera oportunidad de gloria en los premios de la Academia desde que Farewell My Concubine obtuviera el premio en 1993. Pero en un acto ruin contra el posible impacto del éxito de los Premios Oscar de Chloé Zao y Do Not Split, el Gobierno chino ha censurado la ceremonia que no se emitirá en Hong Kong por primera vez en más de 50 años.

TVB, que ha realizado la retransmisión de los Oscar desde 1969, ha optado por no renovar los derechos del evento aparentemente obligada por China. En un comunicado a los medios de comunicación, un portavoz de TVB dijo que “fue una decisión puramente comercial”. Ninguna otra emisora o canal de televisión de pago de Hong Kong ha anunciado planes para hacerse con los derechos en lugar de TVB.

A principios de este mes, los reguladores de medios de Beijing instruyeron a los medios de prensa de la China continental que no transmitieran la cobertura en directo de la ceremonia de los Oscar y que minimizaran sus informes sobre el evento en general. Se cree quela Academia de Hollywood despertó la ira del gobierno chino con la nominación del documental corto ‘Do Not Split’, que explora las protestas a favor de la democracia en Hong Kong ocurridas en 2019.

Por eso han decidido censurar la ceremonia de los Oscar, con muchos seguidores entre los cinéfilos chinos. Al malestar oficial se suman las declaraciones, en una entrevista del 2013, realizadas por la cineasta china Chloé Zhao, nominada en la categoría de Mejor Directora por Nomadland, donde supuestamente criticaba al régimen de su país. La animosidad contra la realizadora ha hecho que la película Nomadland no se estrene en el país asiático e incluso ha complicado las relaciones cinematográficas de China y Estados Unidos llegando al extremo que la película ‘Los eternos’, también de Disney, puede ver cancelado su estreno en Oriente.

De las dos declaraciones de Zhao que ofendieron a las autoridades chinas, una parece más fácil de suavizar que la otra. En una entrevista de diciembre de 2020 con el medio australiano news.com.au se citó a Zhao diciendo: “Estados Unidos es ahora mi país”, lo que algunos lectores en China interpretaron como si ella dijera le hubiera dado la espalda a su país. La publicista de Zhao corrigió lo que pareció ser un error de comprensión, ya que la cineasta sigue considerándose china. 

Pero la segunda cita que le causó problemas a Zhao podría afectar más la situación, a pesar de que apareció hace casi una década. En ella hablaba de lo que la atrajo a su primer largometraje, sobre un adolescente nativo americano que lucha por encontrar su camino en una reserva. “Se remonta a cuando yo era adolescente en China, un lugar donde hay mentiras por todas partes”, dijo, retratando en esas mentiras un estado autoritario empeñado en moldear y controlar todas las narrativas nacionales.

China ha codiciado durante mucho tiempo el reconocimiento artístico que representan los Premios Oscar y su popularidad internacional, pero el Partido Comunista Chino también sigue empeñado en controlar con mano de hierro su narrativa. Extraña que en China no quieran disfrutar la gloria de una directora como Zhao, con un padre con vínculos estrechos a una empresa estatal, presentando una película crítica con el sistema social estadounidense. Está claro que la censura no ve más allá de su propio egosistema.

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Cumplió su sueño Amanda Seyfried: ser Marion Davies en “Mank”

LOS ÁNGELES.- Como un “sueño”, así calificó la actriz AMANDA SEYFRIED, haber personificado a la estrella de la edad de oro de Hollywood Marion Davies en el film MANK, que se perfila entre los favoritos para obtener el Oscar a Mejor Película.

“Crecí entre las películas mudas, en blanco y negro. Mi padre es un verdadero cinéfilo y todavía tiene un sótano lleno de películas y proyectores”, así lo relata AMANDA SEYFRIED en el encuentro en streaming organizado por la American Cinemateque, dedicada a la película que traza la génesis de Fourth Power desde la perspectiva de Herman J. Mankiewicz (interpretado por Gary Oldman), el guionista (con o sin la contribución, incluso por escrito, del director Orson Welles, es el nudo en el centro de la trama) de una piedra angular de la historia del cine.

Un homenaje de Fincher a su padre Jack (fallecido en 2003), autor del guion de Mank, que llega a los Premios Oscar con 10 nominaciones, entre ellas la de Amanda Seyfried, como favorita como Mejor Actriz de Reparto. “Tan pronto como David me habló del proyecto me di cuenta de que iba a ser una obra maestra. Fue un honor verlo en el trabajo y contribuir a una película rodada al estilo de las realizadas en esos años”, explica la actriz, quien debutara en el mundo del espectáculo a los 11 años como modelo y luego en la televisión de 15 años en telenovelas. “Conocí ese Hollywood a través de los ojos de mi padre, que era especialmente aficionado a Charlie Chaplin y Buster Keaton. La primera película de esa época que me mostró fue Nosferatu”.

Para Seyfried, entre los méritos de Mank está también conocer a profundidad a Marion Davies, actriz y compañera del magnate de la prensa William Randolph Hearst, una fuente de inspiración.

Los que conocían a Marion Davies “conocían el carácter de Welles, era una caricatura, y él no tenía mucho en común con ella” -señala Amanda Seyfried-. “Marion ciertamente tuvo muchas más oportunidades de abrirse paso en Hollywood gracias a Hearst, pero también era muy apreciada en el ambiente. No creo que fuera Hearst quien le compró una carrera, muchos de ellos la consideraban muy talentosa y yo soy una de ellas. Aprendí mucho de ella. Era brillante, tenía una amplia gama en comparación con lo que algunas personas piensan”. Mank “la muestra desde esta perspectiva y era hora de hacerlo. Fue como respirar nueva vida, la película ayudó a aclarar, a revitalizar su legado”.

También porque “ser actriz en esos años era mucho más difícil que hoy, las iniquidades eran gigantescas, no creo que me hubiera agradado. Tengo la suerte de vivir en 2021, aunque el compromiso y el trabajo también son fundamentales hoy en día”.

Marion Davies mostró entonces lo brillante que era incluso después de dejar Hollywood, cuidando bien sus inversiones y apoyando a varias organizaciones filantrópicas infantiles a las que donó más de un millón de dólares. “Su relación con Hearst, en mi opinión, no tuvo nada que ver con que fuera tan rico. Estaban enamorados, había sentimientos reales entre ellos”.

Para enriquecer a Mank, también estuvo su alquimia con Gary Oldman: “Ya habíamos trabajado juntos (en el horror de fantasía Blood-Red Riding Hood de Catherine Hardwicke, rodada en 2011) y esto fue muy útil para nosotros. Tenemos una forma similar de trabajar en el set y prepararnos para escenas. No sé si Gary incluso me ayudó a conseguir el papel de Marion, pero sé que le dijo algunas cosas bonitas sobre mí a David Fincher. Tengo la sensación de que voy a darle las gracias toda mi vida”.

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Sin una clara favorita las cinco actrices que se disputan el Oscar

LOS ÁNGELES.- Retratos de dos leyendas de la música, Billie Holiday y Ma Rainey, una venganza contra el abuso masculino, una madre luchando con el luto más difícil de tratar, y un nómada moderno, son los personajes encarnados por las cinco actrices que este año se disputarán el Oscar a Mejor Actriz. Ellas son: ANDRA DAY (Billie Holiday), VIOLA DAVIS (Ma Rainey’s Black Bottom), CAREY MULLIGAN (A Promising Woman), VANESSA KIRBY (Pieces of a Woman) y FRANCIS MCDORMAND (Nomadland).

VIOLA DAVIS

Una carrera que por el momento parece sin una favorita definida, no obstante que Viola Davis es también la nueva ganadora del Premio Sag otorgado por la Unión de Actores, a menudo indicativo para los Oscar.

Después de hacer historia en los Premios de la Academia, como la actriz negra que recibió más nominaciones (cuatro), VIOLA DAVIS, ya ganadora en 2017 de la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por Barriere, podría convertirse en la segunda actriz afroamericana después de Halle Berry en 2002 (como Andra Day) en ganar el Óscar a la Mejor Actriz en un papel principal con Black Bottom de Ma Rainey de Charles C. Wolfe, con ChadWick Boseman (para él nominado póstumamente para un papel principal). Una película, que al igual que Barriere está basada en un drama de August Wilson y es coproducida por Denzel Washington.

CAREY MULLIGAN

De vuelta a la carrera por los Oscar, 11 años después de la nominación a An education, la londinense CAREY MULLIGAN, nacida en 1985, da la cara al camaleón vengativo de la película de reveng/comedia negra A promising woman de la directora debut Emerald Fennell, coproducida por Margot Robbie. El personaje principal es Cassie, de treinta años de edad, que lleva a a hombres dispuestos a aprovecharse de borrachos, confundidos o que parecen indefensos. Si “entiendes por qué Cassie está de luto también entiendes por qué hace lo que hace – explicó Carey Mulligan – . La historia resulta ser cierta. Más allá del género y el tono, de divertido a aterrador, sientes que estamos hablando de trauma y vidas reales”.

ANDRA DAY

En 1973, Diana Ross recibió una nominación al Óscar por su ensayo como Billie Holiday en The Lady of the Blues. 48 años después es ANDRA DAY de 36 años, cantautora e intérprete, aquí en su debut cinematográfico como protagonista para conseguir su primera nominación, gracias a un ensayo casi simbiótico, para Estados Unidos vs Billie Holiday de Lee Daniels.

La película cuenta la historia principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks a su pasado), cuando el FBI la convierte en el blanco de una vigilancia constante que bordea la persecución, por su compromiso con una sociedad racista. “Me sorprendió su fuerza, su capacidad para luchar sola, su resiliencia, su poder interno – explicó Andra Day-. Realmente la considero la madrina de la lucha por los líderes de los derechos civiles”.

VANESSA KIRBY

Después de ganar audiencia internacional gracias a su interpretación de la joven princesa Margarita en The Crown, la británica VANESSA KIRBY, nacida en 1988, debutó entre los nominados al Oscar, como una madre que luchaba con un luto devastador, la de la muerte de su hija recién nacida, en Pieces of a woman de Kornel Mundruczo, con Martin Scorsese como coproductor ejecutivo. “Estaba buscando algo que me asustara, un reto -explicó la actriz-. No soy madre y me encontré en este papel casi animal que representaba el dolor de muchas mujeres”. La noticia de la nominación al Oscar le llegó en el set de Misión Imposible 8, mientras estaba maquillada: “Hice un fuerte suspiro – le dijo a Los Angeles Times– que la maquilladora pensó que alguien había muerto”.

FRANCES MCDORMAND

La reina del set más anti-diva de Hollywood, FRANCES MCDORMAND, ya ganadora de dos Oscar, en 1997 por Fargo y en 2018 por Three Posters in Ebbing, Missouri, regresa a la carrera, tanto como actriz principal como co-presentadora de Nomadland de Chloé Zhao, León de Oro en Venecia 2020 y llegando a Star (Disney+) a partir del 30 de abril.

En la película Frances McDormand como Fern, decide vivir como un trabajador’, esos trabajadores mayores, víctimas de la crisis económica que se mueven por las calles de los Estados Unidos como nuevos nómadas en busca de empleos estacionales. “Hacer ese tipo de vida, moverse constantemente por los grandes espacios -explicó la actriz- pagando gastos con trabajo ocasional son decisiones difíciles, pero tienen mucho que ver con el sueño americano que no es sólo el sueño del éxito económico”.

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Citizen Penn, documental de labor humanitaria de Sean Penn en Haití

PUERTO PRÍNCIPE.– La labor humanitaria del actor SEAN PENN en Haití durante el devastador terremoto en Haití, en 2010, llega a Discovery Plus bajo el título de CITIZEN PENN.

La película documental fue escrita y dirigida por Don Hardy y producida por Hardy y Shawn Dailey, un relato del trabajo del actor en auxilio y apoyo al pueblo haitiano.

Días posteriores al sismo en Haití de 7.0 grados de magnitud y que dejó a 250 mil muertos, el actor estadounidense de 60 años tuvo un encuentro de primera mano tras el suceso, hecho que cambió su vida durante las labores de rescate y entrega de suministros, por lo cual creó la organización J/P HRO, (actualmente llamada CORE), la cual estableció las funciones de gestión del campamento más grande para personas desplazadas en todo el país ante el terremoto.

Sean llegó a la isla en los días inmediatamente posteriores a la tragedia y con la intención de permanecer allí durante un par de semanas, tiempo suficiente para distribuir alimentos y medicinas. Creó una organización llamada J/P HRO, más tarde renombrada CORE, un acrónimo de Community Organized Relief Effort, que se hizo cargo de las tareas de gestión del campamento de desplazados más grande del país. El terremoto de Haití dejó unos 5 millones de desplazados.

“Desde el clima, la resolución de conflictos, la pobreza y Covid-19 -dijo Penn en un comunicado oficial- la ciudadanía requiere cada vez más servicio. El servicio en sí puede ser un camino accidentado, pero un camino que todos tenemos que tomar. Don Hardy ha estado con CORE (JP/HRO) durante más de una década y espero que su cine pueda encontrar algún tipo de inspiración para el espectador. Muestra lo bueno, lo malo y lo feo”.

La película tiene una banda sonora original compuesta por Linda Perry, así como una canción original Eden: To Find Love, escrita en colaboración con Bono e interpretada por el propio líder de U2. Trabajar en Haití es el único compromiso humanitario de Penn.

El actor también jugó un papel importante en el establecimiento de pruebas COVID en los Estados Unidos y la ejecución del sitio de vacunación más grande del país en el Dodgers Stadium en Los Ángeles. El tema está cubierto en Citizen Penn.

Por medio del lente cinematográfico, Penn destacó los baches, conflictos dejados por más de una década, a la vez que la perspicacia y visión de Don Hardy con CORE sumó a la realización de este documental con el fin de inspirar a las personas que lo vean, donde se muestra lo bueno, lo malo y lo feo.

“Lo que Sean Penn y su equipo en CORE han podido lograr es nada menos que extraordinario. Desde un devastador terremoto en Haití hasta la situación actual con el Covid-19 en los Estados Unidos. Don Hardy y Shawn Dailey capturaron la urgencia visceral de su trabajo humanitario y se quedaron con la historia durante más de una década”, dijo Igal Svet, vicepresidenta de documentales de Discovery Plus.

Producida Ellen Fair, Kim Forbes Tramel, Dan Braun y Josh Braun, Citizen Penn fue galardonada con el Audience Choise Award en el Festival de Cine Heartland, con su exhibición en el Festival Internacional de Cine de Vancouver.

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Harvey Weinstein apela su sentencia de 23 años y pide un nuevo juicio

NUEVA YORK.-El ex magnate y todopoderoso de Hollywood HARVEY WEINSTEIN apeló su condena de 23 años de prisión y pide un nuevo juicio.

En las 166 páginas de apelación presentadas, los abogados de Harvey Weinstein se quejan de que a su ayudante no se le ha dado un “juicio justo” y critican duramente al juez James Burke por permitir el testimonio de cuatro mujeres cuyos cargos no resultaron en acusación criminal: fueron escuchadas “sólo para mostrar a Weinstein como abominable”, se lee en los documentos.

Burke -según la defensa del ex productor- también es “culpable” de no permitir que Weinstein llamara a un detective del NYPD en el estrado de testigos que había estado directamente involucrado en la investigación y había escuchado de una mujer que probablemente había mentido sobre haber sido abusada sexualmente por el ex jefe de Miramax. La lista de críticas a Burke es larga e incluye el hecho de que no debería haber permitido al jurado deliberar sobre la violación en tercer grado en relación con un incidente de 2013. La fiscalía de Manhattan respondió a los cargos con una breve nota: “Responderemos en la corte”.

Weinstein fue declarado culpable en febrero de 2020 de acto sexual criminal en primer grado y violación en tercer grado: un total de 23 años de prisión, incluyendo 20 años por agredir a Miriam Hailey, una ex asistente de producción en Project Runway, y tres más por la violación en tercer grado (relaciones sexuales no consensuadas) de Jessica Mann. Los jurados lo absolvieron de dos cargos más graves de “agresión sexual depredadora”, al tiempo que se comprobaba haber también violado a la actriz Annabella Sciorra a principios de la década de 1990.


Su fallo fue la culminación del caso que estalló en 2017 cuando el New York Times y The New Yorker lo llevaron a la fama, descubriendo un escándalo aparentemente de dominio público en el mundo del cine. La condena de Weinstein fue una victoria para el #MeToo que ahora sigue a detalle el nuevo capítulo de la batalla en los tribunales.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Judas y el Mesías negro: “puedes matar a un revolucionario, no a la revolución”

LOS ÁNGELES.-Además de ser una película intensa durante las dos horas que abarca, lo que más impacta en JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO es cómo Estados Unidos no ha podido cerrar la herida del racismo, desde el reciente caso Floyd hasta el recuerdo del trabajo “sucio” del FBI contra los Panteras Negras en la década de los sesenta.

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, actualmente en cartelera, posee un guion creíble, nunca retórico, además de una sólida actuación del reparto, en especial de Lakeith Stanfield.

La película destaca la verdadera historia de Fred Hampton, un activista socialista revolucionario, presidente de la rama de Illinois del Partido Pantera Negra en Chicago y vicepresidente del BPP nacional, una estrella afrodescendiente asesinada a los 21 años en un bombardeo policial.

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, accesible de manera digital a partir del 9 de abril para Warner Bros, tiene todo para ganar el Oscar, justo en la era de la inclusión y por ser una obra totalmente producida, dirigida, escrita e interpretada por afroamericanos.

La cinta está nominada a seis estatuillas: Mejor Película, Mejor Actor de Reparto para Daniel Kaluuya (Scappa – Get Out) y Lakeith Stanfield (Selma, Snowden), Guión Original, Fotografía y Canción, JUDAS AND THE BLACK MESSIAH. Sin duda hace honor a la frase que se marca a lo largo de la película: “La Revolución es la única solución”.

Chicago, 1968. William O’Neal (Stanfield) es un joven ladrón muy inteligente que ama los coches. Después de un robo que terminó mal, para evitar la cárcel, se convierte en un informante del FBI con una misión específica: infiltrarse en el Partido de las Panteras Negras de Illinois, encargado de vigilar a su carismático líder, el joven presidente Fred Hampton (Kaluuya).

LA TRAMA:

El agente especial Roy Mitchell (Jesse Plemons), O’Neal se regodea en controlar la situación y ganarse la confianza del carismático Hampton, un gran orador y muy buen político capaz de hacer alianzas con los diversos grupos criminales negros, y no sólo para ampliar su consenso y poder. Se alió, entre otros, con Las Coronas, los Jóvenes Patriotas, los Jóvenes Lores y los extremistas blancos, los llamados rednecks.

De hecho, O’Neal seguirá, paso a paso, el ascenso político de Hampton, su arresto y encarcelamiento, su enamoramiento de su compañera de revolución Deborah Johnson (Dominique Fishback), y nunca decepcionará, con dinero de por medio, al poderoso director del FBI J. Edgar Hoover (Martin Sheen), profundamente motivado para reprimir el fenómeno de las Panteras Negras que aterrorizaba a los estadounidenses.

La película se estrena y se cierra con imágenes de un documental de PBS de 1989 sobre derechos civiles llamado Eyes on the Prize II: American at the Racial Crossroads 1965-198‘. Es el testimonio del verdadero William O’Neal que defiende sus elecciones de espías, diciendo que todavía se ensució las manos, no siendo un intelectual de la sala de estar y contextualizando con la escena del tiempo.

Esta posición se rompe por el hecho de que después de que el documental de O’Neal fue visto, murió atropellado por un coche. Para muchos, pero no para su esposa, un suicidio como el de Judas. Algo nunca aclarado.

La frase de culto de esta obra, es: “Puedes matar a un revolucionario, pero no a la revolución”.

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Debaten de nuevo si los premios Oscar permitirán formato virtual de Zoom

NUEVA YORK.- Los premios Oscar 2021 podrían eventualmente incluir formato virtual a través de Zoom. Después de las protestas de algunos nominados y discusiones con los organizadores, la Academia podría permitir que aquellos que luchan por venir a Los Ángeles asistan a la ceremonia en formato virtual.

Esta versión surgió de Hollywood Reporter, que anticipa una reunión entre los candidatos y los productores de “Noche de las estrellas” Steven Soderbergh, Stacey Sher y Jesse Collins en cuya agenda están “actualizaciones en el programa” y detalles sobre qué hacer en caso de que se necesite una participación virtual el 25 de abril.

La reunión estaba programada la semana pasada y luego cancelada repetidamente. A principios de marzo, los organizadores habían descartado categóricamente el uso de videoconferencias después del fracaso de audiencia grabado por otros premios realizados en formato híbrido, en particular los Grammy.

A los candidatos se les ofreció la única opción de intervenir en persona en Union Station, la histórica estación de tren de Los Ángeles cuyo tamaño permitiría el distanciamiento social contra Covid, una opción accesible para aquellos que viven en la Meca del cine, menos para aquellos que tienen que venir de lejos como los representantes de las cinco películas internacionales en la competición: el danés Another Round de Thomas Vinterberg que también está nominado para dirigir, Collective de Rumania también se postula para mejor documental, The Man who sold his skin tunecino con Monica Bellucci, Better Days de Hong Kong y Quo Vadis Aida de Bosnia y Herzegovina.

Luego están las directoras Emerald Ferrell (Promising Young Woman) y Chloe Zhao (Nomadland), ninguna de las cuales está en los Estados Unidos en estos días, así como Carey Mulligan (Promising Young Woman), Sacha Baron Cohen (Borat 2, The Chicago 7 Trial), Anthony Hopkins (The Father), Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) y Yuh-Jung Youn (Minari).

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Johnny Depp, mal y de malas: le niegan apelación contra “The Sun”

LONDRES.– Mal y de malas para JOHNNY DEEP, el Tribunal de Apelaciones británico denegó al actor estadounidense la posibilidad de recurrir una sentencia de noviembre a favor del diario sensacionalista The Sun contra el que se había querellado por difamación.

La estrella de Hollywood, de 57 años, había demandado al grupo editor del periódico, News Group Newspapers (NGN), por un titular de abril de 2018 en que lo presentaba como un “golpeador de esposas” en referencia a su exmujer, la actriz Amber Heard, de 34 años.

Esta vez la apelación de Johnny Depp terminó en un naufragio. No podrá apelar ante los tribunales británicos contra el Sun de Rupert Murdoch, tabloide que el actor había demandado por haber sido tachado en 2018 de marido “golpista” hacia Amber Heard, ex modelo, actriz y última esposa de Johnny.

El inquieto, atormentado y turbulento protagonista de Piratas del Caribe había criticado duramente ese veredicto, calificando de injusto y anunciando su intención de apelar con sus abogados ante el tribunal superior. Pero la posibilidad de recurrir -que en el sistema británico tiene que ser examinada y aprobada por un juez- le fue denegada por supuesta falta de argumentos suficientes primero por el mismo magistrado en el primer juicio y ahora también por un tribunal de segunda instancia.

La derrota legal en el Reino Unido se convierte así en definitiva; y, después de haber tenido ya un fuerte impacto en la imagen y carrera cinematográfica de Depp podría tener efectos devastadores incluso en las disputas legales aún abiertas en el caso de divorcio de Estados Unidos.

Siempre amado por el público, también y sobre todo femenino, el actor de 57 años se encuentra inmerso en la campaña MeToo.

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Disney, mismo día y hora para sus estrenos “Viuda Negra” y “Cruella”

LOS ÁNGELES.-Disney sigue el ejemplo de Warner Bros y ha decidido lanzar sus películas insignia tanto en cines como en su plataforma de streaming Disney+ a la misma hora, día y fecha. Es el caso de Viuda Negra con Scarlett Johansson como Natasha Romanoff, que se ha pospuesto para su estreno hasta el 9 de julio.

Lo mismo le sucede a la película Cruelle, con Emma Stone, programado para su lanzamiento el 28 de mayo. Ambas películas estarán disponibles a un costo adicional en comparación con la suscripción mensual a la plataforma.

Cruella De Vill estaba algo chiflada, era fanática de las pieles y tenía una personalidad oscura, y todo eso la convirtió en una de las mejores villanas en la historia de Disney. 60 años después del estreno de la película animada (de 1961), Cruella tendrá su propio live action en el que será interpretada por la ganadora del Oscar Emma Stone.

La nueva versión, de acuerdo con Disney, retrata los primeros días de una de las villanas más notorias del cine e icono de la moda (aunque sin hacer abrigos con cachorros).

Cruella está dirigida por Craig Gillespie (Yo soy Tonya) y producida por Andrew Gunn (Un viernes de locos), Marc Platt (El regreso de Mary Poppins) y Kristin Burr (Christopher Robin: un reencuentro inolvidable), con Emma Stone y Michelle Wright (Baby Driver) como productora ejecutiva. Además, con una villana que además es una figura importante en la moda, los vestuarios fueron creador por la diseñadora de vestuario dos veces ganadora del Oscar Jenny Beavan, quien recientemente trabajó en Mad Max: Furia en el camino.

De hecho, la decisión de Disney es como un rayo de luz para las cadenas de películas y se produce después de que Warner diera un paso atrás de los nuevos estrenos en 2022, que tendrán una ventana exclusiva para los cines de 45 días. Y después de que la industria comenzó a refundarse gracias a la reapertura de mercados importados como Los Ángeles y Nueva York, que estuvieron cerrados por un período más largo que otras ciudades estadounidenses debido a la pandemia.

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