En un Oscar desangelado ganan “Nomadland”, Zhao, McDormand, Hopkins y 3 mexicanos en sonido

LOS ÁNGELES.- Chloé Zhao se convirtió el domingo en la segunda mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección por su película Nomadland, en una peculiar gala en la era de la pandemia que marca la noche más importante de Hollywood.

Su drama sobre la gente de precarios recursos que recorre el territorio estadounidense en camionetas es la favorita de la fiesta, que se celebra en persona y en vivo en la estación de trenes del histórico centro de Los Ángeles.

“Esto es para cualquiera que tenga la fe y el valor de aferrarse a la bondad en su interior. Y aferrarse a la bondad de los demás”, declaró Zhao al recibir el premio, tras llegar a la gala junto a “nómadas” de la vida real que interpretaron versiones ficcionales de sí mismos.

Nacida en Pekín, Zhao es la primera asiática que gana como directora y la segunda mujer en lograrlo tras Kathryn Bigelow, quien lo obtuvo en 2010 por The Hurt Locker.

El premio a la actriz de reparto se lo llevó, como se esperaba, la surcoreana Youn Yuh-jung por su retrato de la abuela en Minari, un drama autobiográfico sobre una familia coreana que migra a Estados Unidos.

Youn recibió el premio de manos del actor Brad Pitt, diciéndole “¡Finalmente! Un gusto conocerte. ¿Dónde estabas cuando estábamos filmando?”.

En un entrañable discurso, dijo que no creía en las competencias y que no tenía sentido vencer sobre Glenn Close, quien volvió a perder el premio de la academia tras haber sido nominada ocho veces.

“Interpretamos roles distintos. No podemos competir una con la otra. Esta noche tuve un poco de suerte”, añadió.

El director danés Thomas Vinterberg recibió el premio de la Academia a la mejor película internacional por Another Round con un emotivo homenaje a su hija Ida, quien falleció en un accidente de coche poco después de que comenzara el rodaje en mayo de 2019.

“Terminamos haciendo esta película para ella, como un monumento a ella”, dijo, entre lágrimas, el creador de la comedia dramática sobre los altibajos del alcoholismo.

Daniel Kaluuya, quien ganó como actor de reparto por “Judas y el mesías negro”, recibió después su estatuilla de mejor ánimo y diciendo que se sentía “feliz de estar vivo”.

La cinta de Pixar Soul, que explora el sentido de la vida, se llevó la estatuilla a mejor película animada, mientras “Mi maestro el pulpo”, de Netflix, triunfó como mejor documental.

Los mexicanos Jaime Baksht, Carlos Cortés y Michelle Couttolenc -junto a Nicolas Becker y Phillip Bladh-– ganaron al premio al sonido por El sonido del metal, una potente descripción de la experiencia de la sordera.

La actriz y directora Regina King marcó el inicio de la heterodoxa gala diciendo que los invitados, la mayoría de los cuales no llevan tapabocas, “han sido vacunados, testeados, vueltos a testear, están socialmente distanciados y siguen rigurosos protocolos”.

“Estamos de luto por la pérdida de muchos”, recordó.

Antes de que comenzara el show, los artistas se detuvieron brevemente para dejarse fotografiar y dar entrevistas rápidas y distanciadas, en lo que los organizadores llamaron una “alfombra roja diminuta”.

Las actrices Carey Mulligan y Andra Day deslumbraron con el glamour que suele reinar en los Óscar.

La usual multitud de fotógrafos era muy reducida debido a la pandemia y hasta los ejecutivos de los estudios tuvieron que ver la gala por televisión.

“Estamos aquí, ¿no es una locura? ¡Seres humanos en carne y hueso!”, dijo Riz Ahmed, nominado a mejor actor por “El sonido del metal”.

Con las salas de cine cerradas todo el año y el estreno retrasado de las grandes producciones, Nomadland y sus mayores rivales a mejor película –Minari y El sonido del metal-– capturaron el “zeitgeist” de la pandemia en un impresionante retrato de los marginados de la sociedad.

Contendientes como Promising Young Woman, cuyo guion original se alzó con el Oscar, y El juicio de los 7 de Chicago tocan temas relevantes en estos tiempos, como el #MeToo y las protestas contra el racismo, pero aún así es improbable que se lleven el premio final de la noche.

El rubro a mejor actriz está “en el aire” y “podría ir en cualquier dirección”, dijo el columnista de los premios en Deadline, Pete Hammond.

Las cinco candidatas, incluidas Viola Davis (La madre del blues) y Carey Mulligan (Promising Young Woman), vienen de ganar premios importantes este año.

El coprotagonista de Davis, Chadwick Boseman, quien murió el año pasado de cáncer antes del estreno de la película donde interpreta a un trompetista atormentado por actos racistas atroces, es favorito para ganar el tercer Óscar póstumo de la historia para un actor.

Pero Anthony Hopkins, quien interpreta a un enfermo de demencia senil en El padre, podría dar una sorpresa. La cinta ganó el Oscar a mejor guion adaptado.

El evento culminante de la temporada de premios de Hollywood se postergó dos meses y se realiza principalmente en la estación de trenes Union Station de Los Ángeles, elegida por sus grandes espacios para aplicar el distanciamiento social en esta gala de la era del covid-19.

En el espectáculo previo, un coro de niños interpretó la nominada a mejor canción Huvasik desde el pequeño puerto islandés del mismo nombre.

Los nominados europeos que no pudieron viajar a Estados Unidos están reunidos en los “centros” de Londres y París.

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Los premios Oscar afectados por el desinterés y las bajas audiencias

NUEVA YORK.- Este domingo se emitirá en la red ABC (TNT y !E por cable) la primera velada del Oscar de la era del coronavirus, y el temor de los organizadores es que haya un “contagio” con los demás premios de esta temporada, durante la cual los Grammy perdieron el 53% del público y los Globos de Oro el 60% respecto de las ediciones 2020.

El virus del desinterés afecta incluso a los expertos del sector: “Cuando hasta para mí es difícil apasionarme, empieza a ser un problema”, dijo al New York Times Jeanine Basinger, fundadora del departamento de estudios sobre cine de la Wesleyan University, y autora de ensayos sobre Hollywood como The Star Machine. El riesgo está a la vista de los especialistas y sobre todo del equipo de productores encabezados por Steven Soderbergh, es por que ello que para frenar la hemorragia, el realizador -ganador del Oscar por Traffic- habría impuesto en su contrato una cláusula categórica para que la entrega de las estatuillas no sea por Zoom.

Por lo tanto, los premios serán en vivo, aunque distribuidos en varias locaciones: no solo dos en Los Ángeles, sino también Londres y otra veintena en conexión vía satélite.

Los participantes, además, no podrán usar mascarilla frente a las cámaras (aunque sí cuando no estén siendo filmados), porque la realización del show, en cuanto a medidas anti Covid, será tratada como un estudio de filmación, con medición de la fiebre al entrar y al menos tres hisopados a los participantes en los días previos a la ceremonia.

Habrá asimismo una versión reducida de la alfombra roja, con tres fotógrafos y un número limitado de periodistas -habrá medios no estadounidenses llegados de Japón, Canadá, Gran Bretaña, Francia, Brasil, España, México y Australia- mantenidos a debida distancia de los entrevistados.

Todo para dar la impresión de un espectáculo que avanza sin trastornos pese a los temores por el Covid. Y gracias asimismo al poder de Hollywood para transformar la realidad.

Sin embargo, los datos de Nielsen conceden pocas ilusiones: la audiencia de los Oscar ya estaba en caída libre antes de la pandemia: -44% de 2014 al año pasado, cuando 23,6 millones de personas miraron el film surcoreano “Parasite” al ganar el primer premio.

Si esta vez la baja fuera comparable a la del Globo de Oro, sería una catástrofe para la Academia y para ABC, que por la exclusiva de la emisión en directo se comprometió a pagar casi mil millones de dólares hasta 2028.

Anticipando resultados menos que estelares, la emisora puso en venta este año espacios publicitarios a precios de descuento: dos millones de dólares por 30 segundos, el 13% menos que en 2020.

Algunos muy fieles, como Verizon, volverán, pero no Ferrero, cuyos Kinder-Joy -que habían debutado en el Oscar de 2018- esta vez no serán de la partida.

Los Óscar no obligarán a los nominados y sus acompañantes a llevar mascarilla ante las cámaras, pero sí pedirán a todos los asistentes que se cubran la boca y la nariz cuando se encuentren fuera de plano.

La revista Variety dio este lunes algunos detalles de una reunión que los responsables de los Oscar mantuvieron esta mañana con nominados y publicistas de Hollywood.

Así, Variety aseguró que, debido a que los Óscar se concebirán como si fuera el rodaje de un programa televisivo o una película, las mascarillas no serán obligatorias mientras se esté ante las cámaras (por ejemplo, durante la ceremonia).

Pero cuando los candidatos o sus acompañantes no aparezcan en pantalla (por ejemplo, durante las pausas comerciales) sí tendrán que llevar mascarilla.

El pasado sábado, los productores de la gala dejaron entre interrogantes si los asistentes a los Óscar de la pandemia tendrían que llevar mascarilla en todo momento.

“Esto es lo que tenemos que decir sobre eso: las mascarillas jugarán un papel muy importante en la historia de esa noche”, dijo Steven Soderbergh, productor de la ceremonia junto a Stacey Sher y Jesse Collins.

Por otro lado, la Academia de Hollywood está planeando una gala con aforo limitado de unas 170 personas.

Se requerirán varias pruebas PCR a los asistentes en los días previos, habrá controles de temperatura y también se organizarán rotaciones de los invitados a lo largo de la velada para garantizar el distanciamiento.

UNA GALA SEGURA Y CON ESTÉTICA DE CINE

Una ceremonia preparada como si fuera una película y cien por ciento segura contra el coronavirus es la doble receta que propondrán los Óscar, que se retrasaron dos meses por la pandemia y que se celebrarán este domingo 25 de abril.

Los productores explicaron el sábado que los Óscar tendrán una estética de cine, se transmitirán en 24 frames por segundo y con un formato panorámico, emplearán encuadres más típicos de una cinta que de la televisión, y serán “tres horas de entretenimiento” fundamentadas en el “optimismo” y la “sinceridad”.

La gran fiesta del cine se ha conjurado para celebrar una ceremonia lo más presencial posible y para ello cambiará su centro de operaciones del Dolby Theatre a Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles (EE.UU.).

En cualquier caso, los Oscar están preparando dos subsedes en Londres y París para quienes no puedan acudir a Los Ángeles.

Por otro lado, los cerebros de estos Oscar explicaron que la alfombra roja será este año “muy pequeñita” y que formará parte de la previa del show, donde además se verán las interpretaciones de las cinco nominadas al premio a la mejor canción.También habrá un programa especial posterior a la ceremonia.

Por ahora, la relación de presentadores de estos Oscar tan peculiares incluye a Brad Pitt, Zendaya, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Harrison Ford, Laura Dern, Regina King, Marlee Matlin, Reese Witherspoon, Renée Zellweger, Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle y Bryan Cranston.

Los productores indicaron que faltan un par de presentadores por anunciarse.

Laura Pausini actuará el 25 de abril en la ceremonia de los Oscar, cantando I Yes (Seen), la canción escrita por Dianne Warren nominada a la estatuilla y parte de la banda sonora de la película ‘Life Ahead of Her’ con Sophia Loren.

La actuación -que también contará con los otros nominados con sus canciones nominadas a Mejor Canción Original, Celeste, H.E.R., Leslie Odom, Jr., Daniel Pemberton, Molly Sandén- estará en el centro de Oscar: Into The Spotlight’, el espectáculo de apertura en la ceremonia 93.

Los productores Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh lo anunciaron. Una de las actuaciones se grabará en Husavik, Islandia, cuatro se llevarán a cabo en la Terraza Familiar Dolby del Museo de Cine de la Academia en Los Ángeles.

Presentado por los actores Ariana DeBose (Hamilton) y Lil Rel Howery (Bad Trip), Oscar: Into the Spotlight narrará en 90 minutos el viaje de los candidatos a la noche más grande de Hollywood, ofreciendo a los fans de todo el mundo y a los expertos la oportunidad de husmear alrededor del evento y llevando la música de los Oscar a las festividades por primera vez.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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28 años sin “Cantinflas”; Mario Moreno recibió los halagos del mismo Charles Chaplin

Cuando suele haber interrogantes sobre quién ha sido el mejor cómico de México, el nombre de MARIO MORENO CANTINFLAS surge de inmediato, no por nada es el único que mereció un calificativo como tal del mismo Charles Chaplin. Ni más ni menos.

En un día como hoy pero de 1993, a sus 81 años, en su casa en Ciudad de México, falleció MARIO MORENO, a causa de cáncer de pulmón.

CANTINFLAS fue el comediante mexicano más popular del cine en lengua española, se caracterizaba por sus películas y su peculiar forma de hablar, la cual integraba muletillas coloquiales y términos cultos mal empleados. 

25 años después de su muerte vive en el recuerdo de todos sus admiradores pues hizo reír a varias generaciones de latinoamericanos y españoles con un humor que dejaba entrever un trasfondo de crítica social.

Formó parte de una familia numerosa, abandonó sus estudios siendo muy joven y se dedicó a limpiar botas, fue cartero, taxista y boxeador, entre tantas otros oficios a los que se abocó antes de trabajar en el circo.

CANTINFLAS debutó en el cine en 1936, aunque fue un año después en el que se volvió sumamente exitoso con Cara y cruz, desde ese entonces, no abandonó jamás su personaje, lo hizo memorable por su ternura, su inigualable figura y vestimenta y su manera de expresarse.

Con títulos como El Padrecito (1964), Su excelencia (1966) y Un Quijote sin mancha (1969) consiguió acrecentar su enorme popularidad en los países hispanohablantes.

UN DATO:

Cerca de medio millón de personas se despidieron del actor en la capilla ardiente, abierta al público durante dos día en un teatro de la capital mexicana.  

Cantinflas dejó escrito su epitafio: “Parece que se ha ido, pero no es cierto”. 

En la película Ahí está el detalle, realizada en 1940, dirigida por Juan Bustillo Oro, su personaje se consolidó. 

En esta cinta, Cantinflas es el centro de un malentendido que lo lleva a un juicio por el asesinato de un hombre llamado Bobby, quien compartía su nombre con el perro rabioso de la casa donde trabaja su novia Pacita (Dolores Camarillo). 

ALGUNAS DE SUS PELÍCULAS:

En su segunda aparición como el Sargento 777 (personaje que aparece en tres películas de Cantinflas y que más tarde tendría su propia cinta), Cantinflas recibe la inesperada visita de la hija de su comadre, quien le pide en una carta que se haga cargo de la niña. 

La vuelta al mundo en ochenta días (realizada en 1956)

Basada en el libro de Julio Verne, La vuelta al mundo en ochenta días es el trabajo más importante de Cantinflas a nivel internacional, estuvo nominada a ocho premios Oscar, de los cuales ganó cinco, siendo Mejor película el reconocimiento más importante de ellos, fue traducida en varios idiomas y ayudó a Cantinflas a ser reconocido en el extranjero.

El bolero de Raquel (realizada en 1957)

Es la primera cinta a color de las películas de Cantinflas, fue dirigida por Miguel M. Delgado y una de las más reconocidas de su carrera gracias a la escena del baile que ocurre entre el protagonista y Mimí (Elaine Bruce), la bailarina de un bar que no entiende por qué este individuo está con ella en el escenario. 

Sinopsis: es una de las historias más conmovedoras de Cantinflas, al verlo tratar de ser el padre sustituto de Chavita (Francisco Fernández), su ahijado, después de que el niño pierde a su padre en un accidente. 

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Sharon Stone, duro y directo contra depredadores sexuales en su libro

NUEVA YORK.– En The Beauty of Living Twice (La belleza de vivir dos veces), las nuevas memorias de SHARON STONE, la actriz ofrece una dura mirada y un “yo acuso” contra los depredadores sexuales de Hollywood, su carrera y la recordada escena del filme Basic Instinct.

Aunque alaba a algunos ejecutivos de cine y co-protagonistas (especialmente a su protagonista de Basic Instinct, Michael Douglas), Stone denunció que un productor anónimo la presionó para que tuviera relaciones sexuales con un co-protagonista masculino en una película para ayudar a salvar la cinta.

En un extracto de su libro, que estará en las librerías y en venta on line a partir del 30 de marzo, la estrella de Ratched y Casino detalla una serie de situaciones desagradables de acoso sexual que sufrió durante sus 40 años de carrera.

La actriz de 63 años aseguró que era “nadie” en Hollywood antes de esa película, y explicó lo mucho que luchó para conseguir el papel.

 “Basic Instinct fue mi película número 18″, escribió.

 “Durante años, me habían golpeado haciendo un montón de películas de mierda… tenía 32 años”.

 Recordó que “después de ofrecer el papel a otras 12 actrices que lo rechazaron”, Michael Douglas y el director Paul Verhoeven “accedieron a probar conmigo”.

“Ya había hecho Total Recall con Paul, pero Michael Douglas no quería probar conmigo”, dijo. “Oye, yo no era nadie comparada con él, y esta fue una película muy arriesgada”.

 Sin embargo, la pareja finalmente hizo buena química y salió adelante.

Respecto a la famosa escena en la que su personaje se abre estratégicamente de piernas, haciendo sudar a sus policías interrogadores, aseguró que eligió hacerla porque “era correcta para la película y para el personaje; y porque, después de todo”, la hizo.

La película se convirtió en un éxito y su personaje le dio una ventaja que necesitaba para navegar en la industria que finalmente la había reconocido.

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“Las ideas vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos”: David Lynch

HOLLYWOOD.- Lo llamaron el último hombre del Renacimiento, el auténtico surrealista americano, y el director más misterioso de Hollywood. De hecho, ninguna definición se ajusta plenamente al personaje y el talento de DAVID KEITH LYNCH, originario de Missoula, Montan, quien cumple este miércoles 20 de enero día 75 años.

A los 20 años, Lynch se mudó a Filadelfia para asistir a la academia de Bellas Artes. La pintura ha sido su pasión, durante la escuela secundaria aprendió a dibujar en la Escuela Corcoran en Washington, y considera a Francis Bacon “un héroe, el artista moderno más grande”.

En Filadelfia se apasionó por la imagen en movimiento y como un ensayo de fin de curso presenta el cortometraje Six Figures Getting Sick. “Fue sólo una de mis pinturas. Había una figura ocupando el centro del lienzo. Mientras miraba la figura de la imagen sentí un ligero cambio en el aire y atrapé un pequeño movimiento. Y quería que la imagen realmente pudiera moverse, al menos por un tiempo”.

A partir de aquí comienza para él una aventura todavía envuelta en misterio: aterrizó en Los Ángeles, en 1971, utiliza una beca del American Film Institute para comenzar a filmar su primer largometraje. El dinero se acaba y le tomará seis años para que Eraserhead vea la luz del día. El resultado se considera imposible de distribuir pero gracias a la ayuda de algunos amigos, Lynch logra proyectarlo en alguna habitación como un espectáculo de medianoche y, con la película en su maleta, aterriza en Europa en el Festival Fantástico de Avoriaz.

Con el aire perdido del provincial americano, sin siquiera un chaleco para defenderse del frío en los Alpes franceses, vaga entre cinéfilos y estrellas con el aire de un extraterrestre aterrizado en la tierra. La proyección de la película, una pesadilla surrealista con los ojos abiertos, filmada en blanco y negro y dominada por la aterradora encarnación de un feto de origen incierto (Lynch nunca revelará lo que es y lo enterrará en secreto organizando una vigilia fúnebre con la tripulación), resulta en un evento auténtico.

Eraserhead gana el premio, se convierte en un objeto de culto, despierta mil interpretaciones y durante diez años se proyectará por la noche en lo alto en muchas salas de arte estadounidenses. El director siempre se negará a explicar el significado de las imágenes subliminales e inquietantes que pasan por la película haciendo suya un mantra entonces respetado en el futuro (“las películas hablan por sí solas, inútiles para solapar intenciones y explicaciones”) tanto que ninguna de sus obras distribuidas en video casero contiene entrevistas explicativas.

Además, todo su arte es de experiencias visuales, meditación, viajes a las obsesiones inconscientes y juveniles, como para recrear el tejido emocional de una generación y de la América profunda. No es casualidad que sus mayores éxitos, desde Blue Velvet hasta The Secrets of Twin Peaks se encuentran en pequeños pueblos aislados, entre el frío de las montañas y las grandes llanuras del noroeste.

El punto de inflexión en la carrera cinematográfica de David Lynch llega con la segunda película, Elephant Man (1980) para la que, gracias al compromiso de amigos y colaboradores con los que formó una especie de “familia artística” que durará con el tiempo, llama la atención de Mel Brooks. El director de Frankenstein Junior, después de ver la primera película del forastero de Filadelfia, acepta producirla: a cambio obtendrá nueve nominaciones al Oscar por una película en blanco y negro ambientada en el Londres victoriano y entregará a Hollywood la nueva estrella del momento.

Paradójicamente, la oportunidad de la vida se convertirá en el mayor fracaso de Lynch. Dino De Laurentiis le da el proyecto de la vida: la adaptación de una saga visionaria como Dune de Frank Herbert. Luchando con un presupuesto de éxito (45 millones en 1984) y la presión de los medios de comunicación, el director se pierde y no será apreciado ni por el público ni por la crítica, sin emplear los recortes impuestos por De Laurentiis y también por la versión más larga preparada para la televisión. Al borde de una profunda depresión y listo para volver a sus viejos amores (pintura, pero también la música que lo verá emerger como compositor y voz solista), David Lynch trae a De Laurentiis un nuevo guion, casi en compensación por el fracaso anterior.

En un entorno nostálgico del clásico noir, puso en Blue Velvet (1986) todas sus obsesiones, los fantasmas de los pueblos de montaña en los que creció, los sonidos de la América de los años 50, la fascinación del mal y las misteriosas damas oscuras. Elige a actores baratos como el olvidado Dennis Hopper, su icono Isabella Rossellini, el joven Kyle McLachlan descubierto en Dune; conoce al músico Angelo Badalamenti que hará su fortuna, paga la confianza del productor con un verdadero triunfo crítico y la segunda (de tres) nominaciones al Oscar al Mejor Director.

Tres años más tarde, el productor Mark Frost le abrió las puertas con la serie de ABC The Secrets of Twin Peaks: los estadounidenses nunca habían visto nada parecido y la serie se convertirá en el punto de referencia de toda la ficción de principios de siglo, así como la obsesión del director por volver a sus personajes en Fire Walks With Me (1992) y los nuevos Twin Peaks de 2017.

Mientras tanto, ganó la Palma de Oro en Cannes con Wild Heart, hizo el noir más misterioso de los años 90 (Lost Roads y Mulholland Drive), dado rienda suelta a su fantasía surrealista con Inland Empire, ganó un León de Oro en Venecia en 2006.

El Premio de la Academia de Carrera 2019 pone fin a su talento. Pero fuera del cine se ha consolidado, mientras tanto, como un artista destacado con exposiciones en todo el mundo (famosa la colaboración con Loubotin para las instalaciones de Fetish), discos y videos experimentales, dignos de un genio sin esquemas ni límites.

“Las ideas -dice de sí mismo- vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos.”

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Murió Tanya Roberts, una ex ángel de Charlie y ex chica Bond

HOLLYWOOD.TANYA ROBERTS, ex “chica Bond” y protagonista de la serie Los ángeles de Charlie, murió a los 65 años, a días de desmayarse mientras paseaba a sus perros en Los Ángeles. Así lo confirmó su representante Mike Pingel a medios estadounidenses.

“Estoy devastado. Ella era brillante y hermosa y siento que una luz ha sido apagada. Decir que ella era un ángel sería lo de menos. Era la persona más dulce que alguna vez conocí y tenía un corazón gigante. Amaba a sus fans, y no creo que ella supiera lo mucho que significaba para ellos”, dijo a The Hollywood Reporter su amigo y representante.

Si bien aún no se ha dado a conocer la causa de muerte, sí trascendió que no habría sido producto del coronavirus. La intérprete se encontraba internada en un centro médico en California desde el pasado 24 de diciembre, fecha en que se desvaneció en la calle.

Victoria Leigh Blum (así se llamaba en realidad) nació en Nueva York en 1955. Si bien sus primeros pasos fueron en el mundo del modelaje y la publicidad, más tarde se encontraría con su verdadera pasión: la actuación. Tras participar con papeles chicos en varias series y films le llegó la gran oportunidad: sumarse al exitoso programa televisivo Los ángeles de Charlie. Así, tras protagonizar la quinta y última temporada de la serie como Julie Rogers (reemplazó a Shelley Hack), logró visibilidad y conquistar a los espectadores con su frescura.

No solo a ellos, sino también a realizadores del séptimo arte. En ese camino le llegaría el gran papel de su carrera: ser una chica Bond. John Glen dirigió Una mirada para matar, el film que resultó ser el último con Moore como el Agente 007 antes de cederle su lugar a Timothy Dalton.

Roberts también participó de títulos como The Beastmaster (1982) y Sheena, la reina de la selva (1984), una versión de Tarzán femenina que resultó todo un éxito de taquilla; también de Body Slam (1987) y del thriller erótico Night Eyes (1990). Uno de sus últimos trabajos fue en la sitcom That ’70s Show, donde encarnó a Midge Pinciotti entre los años 1998 y 2004.

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Jorge Ortiz de Pinedo recorre el telón de TAP por Canal Once

Esta noche a las 20.00horas la cita es en TAP (Canal Once, 20:30 hras), para para conocer de primera mano la vida profesional del polifacético actor, director y productor JORGE ORTIZ DE PINEDO, quien relatará su experiencia y anecdotario en cine, teatro y televisión.

Durante una hora, se conocerá a detalle sus vivencias dentro y fuera de los escenarios bajo la conducción de Óscar Uriel, quien de una manera muy íntima sostendrá una conversación con este polifacético invitado.

En esta novena temporada de TAP (Taller de Actores Profesionales) se conocerá más de las vidas y trayectorias de Manolo Caro, Verónica Langer, Bárbara Mori, Jorge Ortiz de Pinedo, Julissa, Fernanda Castillo, Regina Blandón, Cassandra Ciangherotti, Eduardo España, Bejamín Cann, Natalia Beristáin, Juan Pablo Medina y Edgar Vivar.

UN DATO:

Óscar Uriel, comunicador y crítico de cine, sostiene reveladoras conversaciones con actrices y actores mexicanos, de distintos perfiles y generaciones, quienes hablan sobre sus experiencias en la industria del teatro y la televisión. Cada temporada se engalana de los actores y directores más reconocidos de la escena nacional mexicana como: Pedro Arméndariz, Ofelia Medina, Verónica Castro, Diego Luna, Gonzalo Vega,  Delia Casanova, Tenoch Huerta, Dolores Heredia, Bruno Bichir, Silvia Pinal, Marina de Tavira, Alfonso Arau, Felipe Cazals, entre otros.

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Steven Spielberg, el cineasta de los récords, celebra 75 años de vida

ROMA.- Incluido por la prensa internacional entre los 100 genios vivientes, y por la revista Forbes entre los 500 hombres más ricos del mundo, con un patrimonio que supera los 3 mil millones de dólares, el productor y realizador estadounidense STEVEN SPIELBERG cumple este día 75 años consagrado como un mito del cine.

Nacido en Cincinnati el 18 de diciembre de 1946, Spielberg tiene en su haber 57 películas realizadas, 179 producciones dirigidas con éxito y unos 40 proyectos abandonados (o cedidos a otros).

Conviven en Spielber el soñador y el hombre de negocios, el jovencito que vive en una nube y el perfecto liberal estadounidense, el eterno muchacho aún signado por el racismo y el bullying que le hicieron un infierno la adolescencia y el “pater familia” que trajo al mundo cuatro hijos, con dos mujeres distintas, y tiene otros tres adoptados con su actual pareja, Kate Capshaw.

En el día de su cumpleaños todos estarán a su alrededor y no faltaran los mensajes de augurio de sus amigos más queridos: George Lucas, Martin Scorsese, Francis Coppola, todos unidos por la etiqueta de “movie brats”, los campeones de la Nueva Hollywood en sus comienzos en los años 70.

Pero el demonio de la dirección se había apoderado del joven Steven mucho antes. Hijo de un ingeniero electrónico y de una pianista -ambos judíos-, “esclavizó” a todos desde niño, dirigiéndolos en un corto rodado con una cámara 8 mm.

Los temas del entonces joven Steven fueron siempre aventureros y épicos, incluso tras al traslado de la familia a Nueva Jersey, donde la etiqueta de “sucio judío” hería a diario al adolescente Spielberg, oscureciendo también el tono de sus historias.

En 1957, a los 11 años, rodó un catastrófico choque entre dos trenes de juguete (The Last Train Wreck) y luego un western (The Last Gun), donde también actuó.

En 1961 realizó su primer mediometraje, un relato de guerra filmado en su casa, llamado Escape to Nowhere.

La influencia de su amado David Lean se funde con su pasión por las historietas de ciencia ficción y de aventura: simuló un incidente entre aeroplanos filmando en el aeropuerto de Phoenix, y adaptó una historia escrita por su hermana Nancy en Firelight, una saga futurista de 140 minutos que su padre hizo proyectar en un cine alquilado para la ocasión.

En compensación, no se destacó como estudiante modelo en Saratoga y en Los Ángeles, donde asistió con poco provecho a la universidad estatal. Prefirió pasar sus jornadas de estudio en Universal, donde se fingió empleado durante meses hasta que, descubierto, indujo al jefe de personal a contratarlo realmente.

Su historia de amor con el cine está emparentada con numerosos récords: a los 22 años debutó con su primer “corto” profesional (Amblin), que le valió un contrato de siete años con Universal.

Dos años después dirigió el episodio piloto de la serie El teniente Colombo, y logró financiación para su primer filme, Duel, comprometiéndose a rodarlo en diez días a partir de un relato de Richard Matheson, que escribió el guion con él.

Entregó la película terminada en 13 días, dejando con la boca abierta a los productores, que decidieron distribuirlo primero en el cine y solo después en televisión.

Duel le ganó también la estima de su amigo George Lucas, quien había apostado a su fracaso y en cambio terminó dándole un porcentaje de la recaudación del primer episodio de “La guerra de las galaxias”.

Luego de una road movie al estilo de la Nueva Holllywood, Sugarland Express, invitada a Cannes en 1974, concluyó de hecho ese movimiento llevando al éxito planetario Tiburón, en 1975, con 470 millones de dólares de recaudación y una cosecha de tres Premios Oscar.

Dos años después, en 1977, reescribió el modelo de la ciencia ficción Encuentros cercanos del tercer tipo, con su actor fetiche Richard Dreyfuss y uno de sus autores predilectos, François Truffaut.

A principios de los años 80 batió otros dos récords: coronó su sueño de autor con el triunfo de E.T. El Extraterrestre, que lo llevó a la historia del cine, y dirigió para su amigo, el productor Lucas, el primer episodio de la saga de Indiana Jones.

Tras Los cazadores del arca perdida filmará otros tres episodios y tiene otros dos guiones en el cajón.

En 1985 mostró por primera vez su lado más comprometido con El color púrpura, dedicado a los temas de la esclavitud en Estados Unidos”. El filón del compromiso civil dará obras como Amistad, Lincoln, The Post y sobre todo La lista de Schindler, la obra maestra de 1993 con la que ganó dos Premios Oscar, como Mejor Película y Mejor Director.

En esa ocasión donó toda su ganancia a una fundación en memoria de la Shoah, considerando que ese dinero estaba “teñido de la sangre” de las víctimas. Pero en el mismo año confirmó su vocación de realizador de éxitos de taquilla con una historia de dinosaurios ideada por Michael Crichton: Jurassic Park fue su mayor éxito comercial.

En 1998 logró otro récord, el filme de guerra más verídico jamás filmado, Salvar al soldado Ryan, con el que ganó otro Oscar (cuatro en total hasta ahora).

La pandemia frenó el estreno de su nuevo trabajo como director y productor, una ambiciosa remake del musical West Side Story, con un joven elenco de actores, cantantes y bailarines de toda etnia, rodado íntegramente en Nueva York y con la aparición de Rita Moreno, descubierta por Robert Wise en el film original, que cumplirá 60 años en 2021.

El estreno de la remake parece reservarse ya un récord de candidaturas al Oscar para el año próximo.

 “Mi mamá -contó el realizador a Vanity Fair– era una pianista clásica. Nuestra casa estaba llena de álbumes de música clásica. La columna sonora del musical fue el primer álbum de música popular que mi familia haya dejado entrar en casa alguna vez. De niño, me enamoré de ella por completo. La de West Side Story es una tentación que me acompañó mucho tiempo y a la que finalmente cedí”.

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Angelina Jolie dirigirá biopic del fotógrafo de guerra Don McCullin

LONDRES.ANGELINA JOLIE se reactiva detrás de cámara. La actriz y productora de cine dirigirá UNREASONABLE BEHAVIOUR, una película sobre el fotógrafo de guerra británico Don McCullin basada en la autobiografía del mismo nombre.

La película será una historia de la vida del fotoperiodista británico particularmente conocido por sus informes de guerra e imágenes de conflictos urbanos. En 1968, su cámara Nikon detuvo un proyectil que estaba a punto de golpearlo.

“Me siento honrado -dijo Jolie- de tener la oportunidad de llevar la vida de don McCullin al cine. Me atrajo particularmente su compromiso de ser testigo de la verdad de la guerra, su empatía y respeto por aquellos que sufren las consecuencias”.

Muy pocas lentes han capturado los contrastes de la capacidad humana como la del fotógrafo inglés Don McCullin, quien ha constatado el horror de los conflictos bélicos, ha retratado los paisajes más impresionantes y ha tenido la visión para dar voz a los rostros más vulnerables. Ante una trayectoria tan visceral, Angelina Jolie eligió dirigir su biopic en una cinta para la pantalla grande.

Bajo el título Unreasonable Behaviour, es un homenaje al libro homónimo publicado por McCullin en 1980, Jolie vuelve a tomar la batuta,  después de su trabajo en In the Land of Blood and Honey (2011), así como el thriller basado en el secuestro del corredor olímpico Louis Zamperini por parte del Ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial en  Unbroken (2015).

Material suficiente para saber que la biopic de Don McCullin, estará garantizada. Al respecto, la también actriz, dijo sentirse honrada de tener la oportunidad de poder llevar la historia del reconocido fotógrafo de guerra a la pantalla grande.

“Me atrajo su combinación única de valentía y humanidad, su compromiso absoluto de presenciar la verdad de la guerra, su empatía y  el respeto por quienes sufren sus consecuencias. Esperamos hacer una película que sea tan intransigente como la fotografía de Don, sobre las personas y los eventos extraordinarios que presenció, y el ascenso y la caída de una era única en el periodismo”, señaló la intérprete de Maléfica, en un comunicado recuperado por The Guardian.

Lo mejor es que el fotógrafo de 85 años ya dio su consentimiento para la realización del filme, dando luz verde para que la actriz sea quien dé a conocer los relatos más crudos y más emocionantes de su vida, a través de la película.

“Después de haber visto la última película de Angelina sobre Camboya (y de haber pasado tanto tiempo allí durante la guerra), me impresionó cómo hizo una representación tan poderosa y precisa del lugar en ese momento. Siento que estoy en manos seguras, capaces y profesionales con ella”, afirmó el histórico fotógrafo, confesó el mismo Don McCullin.

Don McCullin inició su carrera como asistente de fotografía en su natal Londres. Por casualidades del destino llegó a la Guerra del Sinaí en 1956, años más tarde, su trabajo como fotógrafo de guerra en conflictos bélicos como el de Irlanda del Norte, Vietnam y la Guerra del Golfo Pérsico, trabajos que le valieron un reconocimiento internacional.

También fue fotógrafo exclusivo de The Beatles, para el Álbum blanco que,  casualmente, hoy, 22 de noviembre del 2020 se cumplen 52 años desde su lanzamiento. Asimismo, Don McCullin disfruta de inmortalizar grandes paisajes y naturaleza muerta, pero también ha dado voz. 

Como si la trama por sí misma no fuera por demás interesante y apasionante, el protagonista de la serie será nada más y nada menos que Tom Hardy, conocido por sus papeles en películas de acción como Venom (2018), Batman y el caballero de la noche (2012) y Mad Max: Furia en el camino (2015). Y por si fuera poco, el actor también se involucra en la producción al lado de Dean Baker, cuidando que la biopic de Don McCullin sea tan cuidadosa como se espera. En en tanto que el guion estará a cargo de Gregory Byrk. 

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“John Williams in Viena”, de colección

Dolby Laboratories  (NYSE: DLB), líder en experiencias de entretenimiento inmersivas y el destacado sello discográfico de música clásica, Deutsche Grammophon, anunciaron el lanzamiento de una experiencia de audio especial del legendario compositor JOHN WILLIAMS y la actuación seminal de la Filarmónica de Viena –John Williams in Vienna– mezclado en sonido inmersivo Dolby Atmos, ya disponible en Amazon Music HD y Blu-ray.

Las bandas sonoras de las películas de Williams abarcan un sólido catálogo y han ganado numerosos reconocimientos, incluidos cinco premios Oscar, cinco premios Emmy, cuatro Globos de Oro y veinticinco premios Grammy. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como la saga completa de Stars Wars, las películas de Indiana Jones, Jurassic ParkLa Lista de Schindlery las tres primeras películas de la serie Harry Potter, por nombrar solo algunas.

En lo que fue el debut de Williams como director en Europa continental, se unió en el escenario del mundialmente famoso Vienna Musikverein a la Wiener Philharmoniker, así como a la reconocida violinista Anne-Sophie Mutter para las interpretaciones de las partituras clásicas de Williams que habían sido especialmente adaptadas para ella. Estas incluyeron El tema de Hedwig de las películas de Harry Potter, La danza del diablo de Las brujas de Eastwick y el tema de Sabrina.

El concierto fue grabado y mezclado en Dolby Atmos por Bernhard Guttler.

John Williams comentó: “Actuar en un lugar tan prestigioso como el Musikverein con la magnífica Filarmónica de Viena y la incomparable Anne-Sophie Mutter fue un gran privilegio.  Estoy encantado de que los escuchas puedan compartir esa experiencia a través de la tecnología especial de Dolby Atmos“.

John Couling, Vicepresidente Senior de Asociaciones Comerciales, Dolby Laboratories añadió: “John Williams es sin duda uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos y que haya actuado con la mundialmente conocida Filarmónica de Viena, en lo que muchos consideran el hogar de la música clásica, es un espectáculo ineludible. Estamos encantados de presentar este concierto, único en la vida, en Dolby Atmos para los fans de todo el mundo, asegurándonos de que puedan disfrutarlo como si estuvieran sentados en el mejor asiento de la casa, cuando quieran“.

ESCUCHAR:

UN DATO:

Dolby Atmos Music es una experiencia musical inmersiva que añade más espacio y profundidad al audio. Permite a la gente conectarse con su música favorita de una manera completamente nueva, arrastrando a los oyentes hacia una canción y revelando lo que se perdió con las grabaciones estéreo. Los escuchas pueden descubrir detalles ocultos y sutilezas con una claridad sin igual.

Clemens Trautmann, presidente de Deutsche Grammophon dijo: “Como el sello que fue fundado por el inventor del gramófono, Deutsche Grammophon siempre ha adoptado la innovación tecnológica. Basándose en la larga tradición de nuestros ingenieros, que produjeron grabaciones multipista y cuadrafónica en las décadas de 1970 y 1980, Deutsche Grammophon fue el primer sello en crear mezclas Dolby Atmos de ciclos sinfónicos enteros a partir de 2017. Hay tantos detalles maravillosos y efectos espaciales en la música clásica que se pierden en la mezcla estéreo estándar, pero que cobran vida a través de la tecnología Dolby Atmos, añadiendo otra dimensión a la experiencia auditiva. El álbum ‘John Williams in Vienna’ es un escaparate perfecto para eso: el compositor de música de cine más renombrado del mundo con una de las mejores orquestas en la legendaria acústica de Musikverein.”

Los fans pueden disfrutar del álbum John Williams In Viennaen Dolby Atmos en Amazon Music HD con Echo Studio a partir del viernes.  El álbum también estará disponible en Dolby Atmos en Blu-ray.

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El lado generoso de Elvis Presley

NUEVA YORK. – ELVIS PRESLEY “fue muy generoso y cariñoso”, recordó Irene Tsu, quien compartió marquesinas con el cantante en el filme Paradise, Hawaiian Style, de 1966.

En las memorias que acaba de publicar la actriz, subraya que ha trabajado con algunos de los nombres más reconocidos de Hollywood, “pero ninguno se compara con el Rey”, el mito del rock.

Tsu publicó recientemente una memoria titulada A Water Color Dream: The Many Lives of Irene Tsu (Un sueño de color de agua: las muchas vidas de Irene Tsu), que narra su ascenso en Hollywood y de qué manera ayudó a romper las barreras para los actores asiático-estadounidenses.

En el libro, recordó haber trabajado junto a varias estrellas, entre ellas John Wayne, Doris Day y Jimmy Stewart.

 Tsu, ahora de 75 años, compartió la pantalla con Elvis Presley en Paradise, Hawaiian Style de 1966, una experiencia que asegura “nunca olvidará”.

“Era el primer día en el set y estaba muy nerviosa”, recordó Tsu en una entrevista con Fox News. “Todo el mundo estaba almorzando y realmente no tenía ganas de comer porque estaba tan nervios”. “Así que decidí tomar una siesta y si me necesitaban en el set, me llamarían. Fui a mi remolque y el aire acondicionado no funcionaba. Solo estaba histérica, realmente histérica”, continuó. “Pensé, ‘Oh, no, esto no está sucediendo’. Solo podía imaginar lo caluroso que estaba allí. Y no había nadie alrededor porque todos almorzaban”.

“Comencé a caminar y de repente encontré esta gran cabaña”, siguió Tsu. “Pensé, ‘Debe haber un aire acondicionado all’. De repente, hubo una mano que me detuvo. Inmediatamente me disculpo sin siquiera levantar la vista. Y me dijeron, ‘Ese es el vestidor de Elvis. Simplemente no puede entrar'”.

Sin embargo, en ese momento el cantante de Tupelo no estaba y le dieron luz verde para pasar el rato en su habitación.

Al entrar, inmediatamente sintió el alivio de un aire acondicionado y se desplomó en un sofá cercano.

Tsu recordó que el hombre que inicialmente la detuvo entró de repente. “Elvis dijo que podía quedarme todo el tiempo que quisiera y no preocuparme por eso”, rememoró. “Así que me quedé dormida”, deslizó.

Lo mejor para la actriz fue que, cuando abrió los ojos después de un sueño reparador, vio la cara de Presley mirándola fijamente: “Me estaba poniendo una compresa fría en la cara”.

“Era absolutamente hermoso”, dijo. “Quiero decir, las personas con grandes voces son atractivas para mí, pero esto era otra cosa. Ni siquiera sabía qué decir porque estaba muy sorprendida. Y luego dijo: ‘No te preocupes por eso. Solo quiero que te sientas bien. Tienes hambre? Quieres algo para comer? Tienes sed?'”, amplió.

“Ni siquiera podía hablar!”, afirmó a Fox. “Estaba abrumada por todo lo que estaba experimentando. Olía a leche en polvo para bebés. Pero él seguía insistiendo si necesitaba o quería algo”, añadió.

Luego Presley se retiró y Tsu salió de la cabaña, para ver el cantante rodeado por su enorme séquito.

Con información de ANSA

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Inició el juicio de Johnny Depp contra el tabloide “The Sun” por difamación

LONDRES.– La demanda por difamación de JOHNNY DEPP contra el tabloide británico The Sun, que lo llamó un “golpeador de su esposa”, se inició esta mañana ante el Tribunal Superior de Londres. En la corte, además de la estrella estadounidense de Hollywood, asistida por sus abogados, la ex esposa involucrada en el caso, la actriz Amber Heard, apareció en compañía de su hermana. 

Depp denunció al gigante de noticias de Rupert Murdoch, News Group Newspapers, propietario del periódico sensacionalista, y al director del Sun por un artículo de abril de 2018 en el que fue acusado de abuso conyugal.

Como una supuesta confirmación de la veracidad de las acusaciones, el tabloide luego publicó mensajes de tonos violentos en los que el actor habló de “matar y quemar” a su ex esposa.

El protagonista de la saga Los piratas del Caribe, quien apareció en la corte vestido de negro, con lentes de sol y el rostro cubierto con una máscara, siempre ha negado cualquier falta, diciendo que por el contrario fue víctima de agresión física por parte de Amber y que las suyas eran solo palabras, movidas por la ira.

En los próximos días también habrá testimonios en video de otros de sus antiguos compañeros, como la cantante francesa Vanessa Paradis y la actriz Winona Ryder, que defienden a Depp. La demanda comenzó con una audiencia preliminar en febrero, excepto para finalizar inmediatamente después del coronavirus y el bloqueo. 

La sentencia se espera para fines de julio y también podría afectar la pendiente en los Estados Unidos entre los dos ex cónyuges. 

Con infromación de ANSA

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Menos películas serán exhibidas este año en el Festival de Cine de Venecia

VENECIA.- En la nueva edición del Festival de Cine de Venecia, programada del 2 al 12 de septiembre, el número total de películas en la selección oficial será reducida.

La anterior es una de las medidas necesarias luego de los protocolos de salud impuestos por la emergencia Covid-19. El programa prevé la confirmación de las secciones competitivas Venezia 77 y Orizzonti, que se llevarán a cabo de acuerdo con los métodos y dimensiones habituales, de la misma manera que la sección Fuera de competencia, así como el Cine Biennale College. 

Las proyecciones se llevarán a cabo en las salas establecidas tradicionalmente en el Lido, con la adopción de todas las medidas de seguridad sanitarias. En cambio, la competencia de Realidad Virtual de Venezia, en lugar de en la isla de Lazzaretto Vecchio, estará completamente disponible en línea.

El Festival de Cine de Venecia se adapta a la nueva normalidad.

Con información de ANSA

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Murió a los 105 años Earl Cameron, el primer actor negro famoso del cine

LONDRES,- El actor británico Earl Cameron, nacido en Bermudas y uno de los primeros artistas negros que lograron desarrollar una carrera exitosa en Reino Unido, falleció a los 102 años en su casa de Kenilworth, Inglaterra, rodeado de su familia, reveló la prensa local. Lo consideraron “la primera estrella negra del cine”.

Nacido en Pembroke, en ese territorio británico de ultramar, el 8 de agosto de 1917, se destacó a partir de su actuación en Muelles de Londres (1950), de Basil Dearden; lo mismo que en Simba (1955), de Brian Desmond Hurst, con Dirk Bogarde.

También lo hizo en Safari, de Terence Young, con Victor Mature; Odongo (1956), de John Gilling, con Rhonda Fleming; y La sangre siempre es roja (1959), también de Dearden, con Nigel Patrick, todas rodadas en el Reino Unido.

Entre otros títulos apareció en Operación Trueno (1965), de la serie 007, dirigida por Terence Young; Amores entre extraños (1969), de Ted Kotcheff; y su última aparición en la pantalla, ya anciano, fue en El origen (2010), de Christopher Nolan.

Con infomación de ANSA

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Wynona Ryder revive el antisemitismo de Mel Gibson; “¿Eres evasora del horno?”, le cuestionó

NUEVA YORK. – MEL GIBSON vuelve a estar en el ojo de la tormenta por otra acusación de antisemitismo, esta vez porque su colega WINONA RYDER recordó que el actor y director una vez le preguntó si era una “evasora del horno”, en referencia a los hornos crematorios del Holocausto.

La actriz, de 48 años, recordó una historia de cuando Gibson al parecer le hizo un comentario antisemita en una referencia a la herencia judía de Ryder. “Estábamos en una fiesta llena de gente con uno de mis buenos amigos, Mel Gibson estaba fumando un cigarro, todos estamos hablando, y él le dijo a mi amigo, que es gay, ‘Oh, espera, ¿voy a contraer el sida?”, relató la actriz de Drácula (1992).

“Y luego surgió algo acerca de los judíos, y él dijo: ‘No eres una evasora del horno, ¿verdad?'”, agregó en referencia a los hornos crematorios del Holocausto.

La actriz, cuyo nombre real es Winona Laura Horowitz, agregó en una entrevista que Gibson, de 64 años, intentó disculparse en una fecha posterior.

Un representante de Gibson negó las acusaciones contra el actor. “Esto es 100% falso”, dijo el portavoz. “Ella mintió al respecto hace más de una década, cuando habló con la prensa, y ahora está mintiendo al respecto.  Además, mintió sobre él tratando de disculparse con ella en ese momento. El se acercó a ella, hace muchos años, para confrontarla por sus mentiras y ella se negó a abordar el tema con él”, afirmó el vocero.

Los rumores de antisemitismo han seguido a Gibson durante años. La pasión de Cristo, la película de 2004 que dirigió, fue criticada por la Liga Anti-Difamación por lo que llamó una representación de judíos “sedientos de sangre”. En 2006, Gibson apareció en los titulares cuando fue arrestado por conducir ebrio y gritar “judíos de mierda” y “los judíos son culpables de todas las guerras”, entre otros comentarios.

“Creo en la redención y el perdón y espero que el Sr. Gibson haya encontrado una forma saludable de lidiar con sus demonios, pero no soy uno de ellos”, dijo Ryder.

“Alrededor de 1996, mi amigo Kevyn Aucoin y yo estábamos en el extremo receptor de sus odiosas palabras. Es un recuerdo doloroso y vívido para mí”, continuó la estrella de la serie Stranger Things. “Sólo aceptando la responsabilidad de nuestro comportamiento en esta vida, podemos hacer las paces y respetarnos mutuamente, y le deseo lo mejor en este viaje de toda la vida”, concluyó.

Con información de ANSA

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Megan Fox, la misoginia en Hollywood

NUEVA YORK. – MEGAN FOX decidió aclarar algunos asuntos después de la protesta de sus fanáticos sobre el sexismo que experimentó en Hollywood siendo una adolescente, al referirse a un viejo clip de ella en Jimmy Kimmel Live, que provocó un debate sobre su presunto maltrato misógino a manos del director Michael Bay.

El clip de hace algunos años muestra a Fox, ahora de 34 años, cómo fue elegida como extra en la película de 2003 de Michael Bay Bad Boys II, cuando tenía apenas 15 años.

El video de 2009, recuperado por un seguidor de la actriz que lo publicó en Twitter, provocó que muchos le apuntaran a Bay y a Hollywood en general por sexualizar a la actriz a una edad temprana. Algunos incluso mencionaron que supuestamente Fox tuvo que lavar el auto de Bay como parte de su audición para Transformers.

En la entrevista de aquel año en el programa de Kimmel, Fox comparó al director Michael Bay con Adolf Hitler. “Estaban filmando esta escena del club y me trajeron, y llevaba un bikini de estrellas y rayas y un sombrero de vaquero rojo y tacones”, recordó en aquella entrevista. “Él (Bay) lo aprobó y le dijeron ‘Michael, tiene 15 años, así que no puedes sentarla en el bar y no puede tomar una copa en la mano'”.

“Así que su solución a ese problema fue hacerme bailar debajo de una cascada mojándome”, agregó. “A los 15 años, estaba en décimo grado. Eso es una especie de microcosmos de cómo funciona la mente de Bay”. Tras las risas del público, el presentador Kimmel hizo algunas bromas groseras.

Ahora la actriz, ante la aparición del video, intentó aclarar lo ocurrido.

“Sé que ha surgido una discusión on line sobre algunas de mis experiencias en Hollywood y el posterior mal manejo de esta información por parte de los medios y la sociedad en general”, declaró Fox en su cuenta de Instagram. “Si bien aprecio mucho la gran cantidad de apoyo recibido, creo que necesito aclarar algunos de los detalles, ya que se han perdido en la narración de los hechos y proyectan una sombra siniestra que, en mi opinión, no fueron realmente”, agregó ahora.

En 2007, año en que fue estrenada Transformers, Fox tenía 21 años y se había convertido de la noche a la mañana en la principal sex symbol de Hollywood.

Fox agradeció a los fanáticos por defenderla y agregó que solo tenía intenciones de “aclarar algunos de los detalles”.

“Cuando se trata de mis experiencias directas con Michael y Steven (Spielberg, productor del filme), nunca fui agredida ni atacada por lo que sentí que era sexual”.

Con información de ANSA

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Se suicida el actor hindú Sushan Singh Rajput, luego de hundirse en depresión

NUEVA DELHI.- El actor hindú Sushant Singh Rajput, quien tenía 34 años y un futuro promisorio en la industria cinematográfica conocida como Bollywoodfue encontrado muerto este domingo en su residencia de la ciudad de Mumbai y las primeras investigaciones señalan que fue suicidio.

Rajput fue hallado colgando por el cuello de un ventilador de techo en su casa de la zona de Bandra, en la populosa urbe, según el sitio de India Today.

Voceros de la policía local indicaron que el joven actor recibía tratamiento psiquiátrico por depresión, por lo que se especula que esa situación haya sido determinante en su fatal decisión.

Rajput en primer lugar se había hecho un nombre en la televisión del gigante del sur asiático, al protagonizar la tira Pavita Rishta.

Luego irrumpió en la pantalla grande, en el flime Kai Po Che (2013), de Abhishek Kapoor, basado en el best seller escrito por Chetan Bhagat, Los tres errores de mi vida.

Con información de ANSA

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“EU tiene que cambiar”: Robert De Niro, padre de seis hijos birraciales

 NUEVA YORK. – Como padre de seis niños birraciales, ROBERT DE NIRO compartió sus pensamientos sobre las tensiones raciales actuales en los Estados Unidos asegurando que ni siquiera él está convencido de ciertas cosas, aunque sabe que la situación en el país “tiene que cambiar”.

“Mis hijos son todos mitad negros y yo no tengo, ni siquiera yo, doy ciertas cosas por sentado”, señaló en el programa The Tonight Show Starring Jimmy Fallon.

 “Cuando las personas aseguran que les dicen a sus hijos, ‘mantengan sus manos (arriba) cuando los detengan, los detenga cualquiera, policías, mantengan sus manos en el volante, no hagan un movimiento repentino, no pongan su manos abajo, no hagan esto’. Escuchas eso… Eso da miedo. Eso tiene que cambiar”, subrayó la estrella de 76 años.

Al referirse a las protestas en curso provocadas por la muerte del afroamericano George Floyd a manos de la policía de Minneapolis el 25 de mayo pasado, la estrella de Taxi Driver dijo que “cualquiera que lastime a otra persona sin otra razón que no sea la autodefensa o la defensa de otras personas alrededor no debería estar haciendo ese trabajo”.

De Niro tiene una hija, Drena, de 48 años, y un hijo, Raphael, de 44 años, con su ex esposa Diahnne Abbot. Además, tiene dos hijos gemelos, Julian y Aaron, de 24 años, con su ex Toukie Smith; y un hijo, Elliot, de 22 años, y una hija, Helen, de 8, con su ex esposa Grace Hightower.

Si bien admitió que él no tiene todas las respuestas, hizo un llamamiento a la reforma policial en los Estados Unidos. “No soy policía, así que no sé las cosas cotidianas por las que pasan”, dijo. “Pero aún así, tiene que haber un cambio y las personas deben ser capacitadas y ser más sensibles a ciertas cosas. No es que las personas no lo sean muchas veces, pero todavía hay quienes no lo son y eso tiene que cambiar”.

De Niro se refirió también a la pandemia del coronavirus, que puso en jaque la economía más poderosa del mundo, y su dudar culpó al presidente Donald Trump.

“Todo esto podría haberse evitado si Trump hubiera escuchado a su gente en la comunidad de inteligencia”, dijo De Niro sobre la pandemia. “Seguían diciéndole que algo venía”.

“Lo que me asusta es que la gente tenía miedo de decirle la verdad. Y si le dices la verdad, entonces él se enojará contigo y te dejará ir, ¿y luego qué? Es una locura. Es como decirle a un pariente loco… evitas discutir con ellos porque se volverán locos, pero ellos dirigen el país, tienes que hacerlo!”, subrayó el ganador de dos premios Oscar.

Con información de ANSA

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HBO Max elimina temporalmente de su catálogo a “Lo que el viento se llevó”

NUEVA YORK. – HBO Max confirmó que eliminó la galardonada película GONE WITH THE WIND (LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ) de 1939, a causa de sus representaciones racistas, aunque anunció que la película volverá pronto con más contexto, en medio de las encendidas protestas en todo Estados Unidos por la muerte del afroamericano George Floyd a manos de la policía de Minneapolis.

La película original, considerada uno de los grandes clásicos de Hollywood, volverá a ser puesta al aire “con una discusión de su contexto histórico y una denuncia de esas mismas representaciones”, dijo un portavoz de esa plataforma en un comunicado.

La medida se produce en medio de furiosos reclamos contra el racismo y la reforma policial en Estados Unidos, que volvieron con más fuerza tras la muerte de Floyd el pasado 25 de mayo luego que un policía blanco de Minneapolis se arrodilló en su cuello durante más de ocho minutos, cortándole la respiración.

Gone With the Wind, ganadora del Oscar y protagonizada por Clark Gable, Vivien Leigh, Hattie McDaniel, y Leslie Howard, entre otros, está ambientada en el sur de Estados Unidos durante la Guerra Civil (1861-1865), y fue muchas veces criticada por minimizar los horrores de la esclavitud.

John Ridley, guionista ganador de un Oscar por 12 Years a Slave, instó a través de un artículo en Los Angeles Times a HBO Max a eliminar temporalmente Gone With the Wind.

“Es una película que, como parte de la narrativa de la ‘Causa perdida’, exhibe a la Confederación de una manera que continúa dando legitimidad a la noción de que el movimiento secesionista era algo más, o mejor, o más noble de lo que es”, subrayó Ridley. “Fue una sangrienta insurrección para mantener el ‘derecho’ a poseer, vender y comprar seres humanos”, escribió Ridley, quien también es director.

El cineasta aclaró que no cree en la censura, y que la película no debería “ser relegada a una bóveda en Burbank”.

“Solo pediría, después de que haya transcurrido un tiempo respetuoso, que la película sea re-introducida en la plataforma HBO Max junto con otras películas que brinden una imagen más amplia y completa de lo que realmente fueron la esclavitud y la Confederación”, agregó Ridley.

El portavoz del servicio streaming dijo en un comunicado que Gone With The Wind es producto de su tiempo y describe algunos de los prejuicios étnicos y raciales que, desafortunadamente, han sido comunes en la sociedad estadounidense”.

“Estas representaciones racistas estaban mal entonces y hoy están mal, y sentimos que mantener este título sin una explicación y una denuncia de esas representaciones sería irresponsable”, agregó la declaración.

Prometió que, cuando la película regrese a la plataforma, “se presentará como se creó originalmente, porque hacer lo contrario sería lo mismo que afirmar que estos prejuicios nunca existieron”.

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En sus marcas… Hollywood, por reabrir

LOS ÁNGELES, – Hollywood, afectada como todas las localidades en sus actividades desde hace varios meses por la pandemia del Covid-19, recibió el visto bueno oficial de California para retomar su maquinaria de producción audiovisual.

El gobernador de California Gavin Newsom dio finalmente su aprobación para que la producción de películas y televisión se reanude, tras varias semanas de estar detenidas por las medidas sanitarias para frenar la pandemia que ha provocado en Estados Unidos a la fecha unos 110 mil muertos y casi dos millones de casos.

La medida necesita ahora la aprobación de las autoridades de salud pública de California, que por otro lado acaban de emitir amplias directrices para escuelas, guarderías y casinos. Por el momento sólo publicó un párrafo dedicado a la producción de música, cine y televisión, esencialmente aplicando reglas detalladas a los funcionarios locales de salud y la negociación laboral.

Las producciones tanto de cine como de televisión están detenidas desde principios de marzo, y sigue siendo incierto cuándo serán retomadas realmente.

La Alianza de Productores de Cine y Televisión elaboró un “Libro blanco” de 22 páginas sobre el tema, y lo envió esta semana para su aprobación a funcionarios en Nueva York, California y el condado de Los Ángeles. Pero los funcionarios sindicales dijeron que los protocolos de trabajo aún no fueron resueltos. El informe de la industria exige pruebas regulares de los miembros de producción, distancia física de dos metros y uso generalizado de revestimientos faciales.

Fuentes de la industria, citadas por Fox News, han proyectado que los nuevos protocolos podrían aumentar los costos de producción hasta en un 20%. Las autoridades de salud del condado de Los Ángeles están esperando que el Estado autorice la producción antes de emitir sus propias pautas. Según algunas fuentes, eso podría ocurrir la próxima semana.

La jefa de cine de Universal, Donna Langley, pidió a los funcionarios del condado que revisen rápidamente el “Libro blanco” y levanten las restricciones de acuerdo con el plan de la industria, con la esperanza de reanudar la producción lo antes posible.

El estado de California aprobó el viernes pasado la realización de eventos deportivos, que se realizarán sin espectadores, sujeto a un acuerdo laboral y aprobación local. 

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Morricone y Williams recibirán este año el Premio Princesa de Asturias

MADRID.– El jurado del Premio Princesa de Asturias de las Artes ha decidido galardonar este año a dos compositores de cine: el italiano ENNIO MORRICONE (Roma, 91 años) y el estadounidense JOHN WILLIAMS (Nueva York, 88 años). Ambos han protagonizado extensas trayectorias en las que han puesto la banda sonora de algunas de las cintas más famosas de la historia del cine: desde El bueno, el feo y el malo y Cinema Paradiso (Morricone) hasta E.T., el extraterrestre y La guerra de las galaxias (Williams).

Los dos son, con independencia del medio para el que han escrito el grueso de su música, los compositores sinfónicos más conocidos de la actualidad y responsables claros del respeto académico que la música de cine, históricamente un género chico, ha adquirido en los últimos años.

Ambos compositores han sido distinguidos “por enriquecer con su talento cientos de películas”. “Mientras Morricone construyó su reputación poniendo música desde Europa al Lejano Oeste americano, William trasladó el espíritu de la tradición sinfónica vienesa a grandes éxitos de Hollywood. Si hay algo que tienen en común la extensa y variadísima obra de ambos compositores es su deslumbrante capacidad para traspasar géneros y fronteras”, ha señalado el jurado.

“Williams y Morricone muestran un dominio absoluto tanto de la composición como de la narrativa, aunando emoción, tensión y lirismo al servicio de las imágenes cinematográficas. Sus creaciones llegan incluso a transformarlas y trascenderlas, sosteniéndose por sí mismas como magníficas obras sinfónicas que se encuentran entre el repertorio habitual de las grandes orquestas. Todo ello los convierte en dos de los compositores vivos más venerados del mundo”, concluye el acta del jurado.

Ennio Morricone: “He sufrido mucho cuando he hecho cine”

Por poco cine que se haya visto, resultaría difícil no haberse topado nunca con una película con banda sonora del director de orquesta y compositor italiano Ennio Morricone. Es autor de la música de más de medio millar de filmes y series de televisión (Novecento, Érase una vez en América, Los intocables de Eliott Ness, La leyenda del pianista en el océano…), ganador del Oscar honorífico en 2007 a toda su carrera y del Oscar a la mejor Banda Sonora en 2016 por Los odiosos ocho, de Quentin Tarantino. Aunque sigue componiendo, el autor realizó el año pasado su gira de despedida, un tour con el que recaló en España por última vez con tres conciertos en Bilbao y Madrid, en los que desplegó de nuevo su “música absoluta”, un término con el que el autor define toda una vida dedicada en cuerpo y alma a ese arte.

Más allá del séptimo arte, Morricone, que define su propio carácter como “tímido” si bien acarrea una cierta fama de gruñón, también ha acumulado experiencia en la música clásica (ha compuesto más de un centenar de piezas) y en arreglos para canciones pop como Sapore di sale. A pesar de que la mayor parte de su carrera ha trascurrido en Hollywood, el compositor jamás ha aprendido a hablar inglés y ha mantenido su residencia en la ciudad que le vio nacer. “Amo Roma, la Roma, me gusta estar aquí”, declaró en la citada entrevista. Hijo del trompetista Mario Morricone, empezó a componer a los seis años e ingresó en el conservatorio a los 12. En 1956 se casó con María Travia, con quien ha permanecido durante toda su vida. “Cada vez que compongo siento una gran responsabilidad, porque quiero probar algo completamente original y que a la vez sea entendido”, afirmó en otra entrevista con este diario hace unos años. “Esa es mi firma, mi meta, mi principal deseo”. El músico, que recibió una estrella en el paseo de la fama de Hollywood en 2016, publicó el año pasado su autobiografía, titulada In My Own Words (En mis propias palabras).

John Williams: el segundo artista más nominado a los Oscar

Por su parte, John Williams ha compuesto la música de un centenar de películas y ha cosechado cinco Oscars. Sus 52 nominaciones le convierten en el segundo artista que más veces ha optado a la estatuilla, solo por detrás de Walt Disney. Más allá de la gran pantalla, Williams ha compuesto la música de varias ediciones de los Juegos Olímpicos, así como diversas partituras para conciertos. Entre los títulos más memorables en los que ha participado destacan El violinista en el tejado, Tiburón, Encuentros en la tercera fase y Supermán.

El estadounidense es, de lejos, el compositor que más éxito comercial ha obtenido en vida, posiblemente en toda la historia. Sus colaboraciones con Steven Spielberg, de quien ha musicado prácticamente toda su filmografía, y el ciclo de nueve películas de La guerra de las galaxias son las bandas sonoras más reconocibles del mundo del cine, y de las pocas con calidad suficiente para saltar a las salas de conciertos (hablamos del compositor vivo más interpretado del mundo).

Es el último ejemplo del sonido clásico de Hollywood, aquel que importaron de Vienna Max Steiner (Lo que viento se llevó) y Erich Korngold (El halcón del mar), que él mismo ha enriquecido y modernizado con referencias a autores contemporáneos, de John Adams a Andrew Norman. Su trabajo en La guerra de las galaxias, de partituras complejas pero evocadoras, se estudia ya en universidades estadounidenses.

Con información de ANSA

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