“Grant”, la serie de History que reivindica al general y expresidente

HISTORY estrena GRANT, la nueva miniserie documental producida por el ganador del Oscar LEONARDO DICAPRIO, que se emitirá en 3 partes los sábados 17, 24 y 31 de octubre a las 23.25 hrs.

GRANT es una producción de 6 horas en total que retratará a uno de los generales y presidentes más complejos y menospreciados de la historia de los Estados Unidos: Ulysses S. Grant.

Grant, cuyo nombre completo es Hiram Ulysses Grant, (27 de abril de 1822-23 de julio de 1885) fue un militar y político estadounidense que se desempeñó como el 18.º presidente de los Estados Unidos (1869-1877).

Héroe de guerra pero político renuente, fue nominado por unanimidad por el Partido Republicano y elegido presidente en 1868. Ya en la presidencia, estabilizó la economía nacional de posguerra, creó el Departamento de Justicia y procesó al Ku Klux Klan. Nombró a afrodescendientes y judíos estadounidenses para importantes puestos federales. En 1871, creó la primera Comisión de Servicio Civil. Los republicanos liberales y demócratas se unieron a su oponente en las elecciones presidenciales de 1872, pero fue reelegido fácilmente. Su política hacia los nativos americanos tuvo éxitos y fracasos.

En asuntos exteriores, su Administración resolvió pacíficamente las reclamaciones de Alabama contra el Reino Unido, aunque el Senado rechazó la preciada anexión caribeña de la República Dominicana. La corrupción en el poder ejecutivo se hizo notoria: varios miembros del Gabinete y otros funcionarios fueron removidos o tuvieron que renunciar. El Pánico de 1873 sumió a la nación en una grave depresión económica, facilitando a los demócratas ganar la mayoría de la Cámara de Representantes. Durante la muy disputada elección presidencial de 1876, Grant facilitó la aprobación por parte del Congreso de un compromiso pacífico.

En su retiro, fue el primer presidente en circunnavegar el mundo en su gira internacional con muchos líderes extranjeros. En 1880, no logró obtener la nominación presidencial republicana para un tercer mandato. En el último año de su vida, enfrentando severas reversiones financieras y sufriendo de cáncer de garganta, escribió sus memorias, que demostraron ser un gran éxito de crítica y financiero. Al momento de su muerte, fue conmemorado como un símbolo de la unidad nacional.

LA PRODUCCIÓN:

Basada en la biografía más vendida del New York Times del ganador del premio Pulitzer Ron Chernow Grant y producida por HISTORY con Appian Way Productions, RadicalMedia en asociación con Lionsgate, esta miniserie documental cuenta la historia notable y esencialmente estadounidense de un hombre humilde que supera increíbles obstáculos, asciende a los rangos más altos del poder y salva a la nación no una, sino dos veces.

Con una combinación de escenas dramáticas, la palabra de expertos e imágenes de archivo mejoradas, esta serie descubre el verdadero legado del héroe inverosímil que dirigió la nación durante sus mayores pruebas: la Guerra Civil (1861-1865) y la Reconstrucción (1865-1887), todo bajo la lente del biógrafo Chernow, quien también es productor ejecutivo de la miniserie.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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Netflix produce la película en la que Bradley Cooper hará a Leonard Bernstein

HOLLYWOOD.- El gigante de las plataformas digitales Netflix adquirió los derechos para producir el filme sobre el compositor y director de música norteamericano Leonard Bernstein que prepara Bradley Cooper, informó el medio especializado Deadline.

Nominado en siete ocasiones a los Oscar, Cooper también tiene previsto protagonizar como actor “Nightmare Alley”, donde se pondrá a las órdenes del mexicano Guillermo del Toro, al frente de un reparto en el que figuran Cate Blanchett, Toni Collette, Rooney Mara y Willem Dafoe,

El proyecto, que Cooper dirigirá en su segunda incursión detrás de cámaras luego del éxito de su remake de Nace una estrella, incorporará en tareas de producción a figuras como Martin Scorsese, Steven Spielberg y Todd Phillips, informó el medio digital.

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En el filme, Cooper además personificará al pianista y compositor judeo norteamericano fallecido en 1990, que fuera director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, compusiera la música de comedias musicales devenidas en filmes como “Amor sin barreras” y “Un día en Nueva York”, y gozara de importante popularidad a través de un extendido programa de la televisión estadounidense.

El proyecto para llevar a la pantalla la vida de Bernstein lleva varios años de trabajo, habiendo suscitado el interés del estudio Paramount, e incluso Scorsese coqueteó durante un tiempo con dirigirla él mismo

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“Chava Flores ¡Ese soy yo!”, especial por el centenario de su natalicio por Canal 22

¿Qué hay detrás del cronista musical de la capital mexicana por excelencia? La obra de este cantautor alcanza cerca de los 400 títulos, de los cuales sólo se conocen apenas 20 o 30; la identidad del mexicano, la utilización del albur, su faceta como compositor de boleros románticos y como poeta, son algunos temas que desglosa el  especial documental de Canal 22 CHAVA FLORES ¡ESE SOY YO!, este lunes a las 19:00 horas.

En el centenario del natalicio de Salvador Flores Rivera (14 de enero de 1920), mejor conocido como CHAVA FLORES, Canal 22 presenta esta producción en la que a través de entrevistas se abordan sus orígenes, su incursión al mundo de la música, sus fuentes de inspiración, el ascenso de su carrera, sus distintas facetas y la importancia de su legado que se estima está conformado por 390 composiciones.

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Durante el programa, María Eugenia Flores, hija de Chava Flores; el cantante Óscar Chávez; así como los investigadores Adolfo RubioPavel Granados Enrique Rivas Paniagua, ofrecen anécdotas, datos biográficos y una revisión de las aportaciones de Chava Flores a la música y al retrato de la identidad del mexicano a través de su cancionero popular. Asimismo, se menciona cómo rompió los paradigmas de la música popular, que para esa época acaparaba el bolero ranchero de la mano de grandes intérpretes y compositores como José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, Cuco Sánchez y Pepe Guizar, entre otros.

Vídeo de Chava Flores “Llegaron los Gorreones”

Además, se hace hincapié en su ingenio humorístico para retratar la vida cotidiana, con sus trivialidades, gozos y tragedias, del habitante de barrio de la Ciudad de México; el uso del albur como recurso en la composición; su talento como músico autodidacta; la capital del país como su protagonista en canciones como Vino la Reforma y Sábado Distrito Federal; la creación de entrañables personajes como Bartola, Herculano, Tencha, El Fufu y Espergencia.

Por último, se menciona una cara de su creatividad poco conocida: el bolero romántico en el que incursionó con el álbum En tu estuche de recuerdos, así como el poemario Motivos para la locura.

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“The Crown 3”, los tiempos cambian, el deber perdura, desde el 17 de noviembre

La serie THE CROWN, anunció oficialmente el estreno de su tercera temporada por Netflix, el próximo domingo 17 de noviembre.

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VER TRAILER:

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LA TRAMA:

Mientras la reina Elizabeth II se enfrenta a una Gran Bretaña que cambia rápidamente, su familia continúa luchando contra las necesidades de la monarquía y los deseos de sus vidas personales fracturadas.

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ELENCO:

THE CROWN cuenta con la actuaciones de Olivia Colman como la reina Elizabeth II, Helena Bonham Carter como la Princesa Margarita, Tobias Menzies como el Duque de Edimburgo, Josh O’Connor como el Príncipe Carlos, Erin Doherty como la Princesa Anne, Ben Daniels como Lord Snowdon, Jason Watkins como el Primer Ministro Harold Wilson y Charles Dance como Lord Mountbatten.

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EN REDES:

netflix.com/thecrown

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Camilo Sesto, un adelantado a su tiempo

MADRID.– Fue un adelantado de su tiempo. CAMILO SESTO, fallecido a los 72 años, fue precursor en España de los musicales cuando en 1975 montó y produjo, a su costa, la ópera rock Jesucristo Superstar, donde interpretaba al propio Jesucristo y contaba en el elenco con Ángela Carrasco como María Magdalena y con Teddy Bautista como Judas.

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El musical, relata Amelia Castilla, de EL PAÍS, originó muchos problemas y fue protestado por católicos exaltados pero El rey del amor demostró que su voz podía con cualquier registro y que contaba con la simpatía del público. El pasado diciembre en su casa, donde guardaba en una vitrina la túnica y las sandalias de cuero que usaba en la obra, en el curso de una entrevista para EL PAÍS Semanal,contaba que gracias a Jesucristo Superstar pudo romper el mito del “Camilito guapo” con el que lo tildaban sus detractores. También ha compuesto canciones para otros artistas como Miguel Bosé —en 1976 dos canciones, y produjo y compuso su primer disco—, o David Bustamante.

La delicada salud de Camilo no hacía prever un desenlace fatal. El músico fue ingresado en la Clínica Quirón, de la localidad madrileña de Pozuelo de Alarcón, el sábado por los problemas renales que padecía y su muerte se anunciaba a primeras horas de la madrugada del domingo. La SGAE tenía previsto instalar a lo largo del día la capilla ardiente en su sede, que mañana lunes abrirá al público.

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EN REDES:

El anuncio del fallecimiento del autor de Vivir así es morir de amor provocó una oleada de pésames en las redes sociales, empezando por políticos como Pedro Sánchez o Albert Rivera. Un reconocimiento que al cantante le hubiera gustado tener en vida. Vivía solo (solía decir que por decisión propia) y prácticamente olvidado en su chalé de Torrelodones (Madrid), arropado únicamente por sus recuerdos que desbordan paredes y estanterías. En España no consiguió ni el Premio Nacional de Música pese a que algunas de sus composiciones pueden ser tarareadas por tres generaciones de españoles. Sin embargo, al otro lado del Atlántico siguió siendo hasta este sábado mismo un ídolo de masas, su música sonaba a diario en las radios y, entre sus seguidores, se encontraba un público muy joven.

VIDEO: VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR

Luego de 50 años de carrera musical, más de 40 producciones discográficas, varios discos de platino, cientos de composiciones y más de cien millones de discos vendidos en todo el mundo, el músico decidió reinventarse por enésima vez en noviembre del año pasado. Publicó, a modo de despedida, un nuevo álbum, Camilo Sinfónico, donde repasaba sus grandes y numerosos éxitos (las voces se tomaron de las copias originales) arropado por una orquesta sinfónica pero no hizo más promoción que una presentación tan simbólica como fugaz, en el madrileño Florida Park. Había perdido prácticamente su voz y se movía con dificultad.

Cantante, compositor y productor musical, sus obras han cubierto géneros como la balada, el pop y el rock. Su primer éxito llegó en 1970 cuando publicó el álbum Algo de mí, que se convirtió inmediatamente en número 1 y desde entonces, no paró. Su gran capacidad creativa se reflejó durante las décadas de los setenta y los ochenta, en las que llegó a publicar un disco al año. Esa intensidad creativa estuvo acompañada por sus innumerables giras de conciertos centradas en la totalidad de los países iberoamericanos, pero también en Estados Unidos (Nueva York, California y Florida) y Japón.

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COMPOSITOR:

Escribió temas para Miguel Bosé, Ángela Carrasco, Lani Hall, Audrey Landers, Lucía Méndez, Manlo Otero y José José, entre otros. Fue en 2008 que anunció su intención de retirarse de los escenarios para lo cual puso en escena la famosa ‘Gira del adiós’, que duró alrededor de tres años.

Fue en 2008 que anunció su intención de retirarse de los escenarios para lo cual puso en escena la famosa ‘Gira del adiós’, que duró alrededor de tres años.En este tour se editó un DVD en vivo llamado Todo de mígrabado en Madrid. Luego abandonó las actuaciones en vivo, pero en 2014 volvió a los escenarios con algunas presentaciones en Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, México y Estados Unidos.

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Canal 22 celebra con documentales el Día Internacional de los Pueblos Indígenas

La labor de difusión y preservación del náhuatl; la lucha de mujeres indígenas por el reconocimiento de sus derechos y los de sus comunidades; las fiestas y rituales prehispánicos que prevalecen a pesar del tiempo; así como el patrimonio documental de México en la Memoria del Mundo, son los temas de la programación especial que Canal 22 dedica a la conmemoración del Día Internacional de los Pueblos Indígenas.

En el marco del Día Internacional de los Pueblos Indígenas, Canal 22 presenta en su carta programática de este mes series y documentales que difunden y celebran la riqueza cultural de las comunidades indígenas de México.

En exclusiva por la señal 22.2, desde este día y durante todos los sábados del mes en punto de las 8:00 horas, se transmitirá la serie Tlaxcala indígena, una producción de Tlaxcala TV, la cual recorre las comunidades de Contla de Juan Cuamatzi, Barrio de la Luz, San Felipe Cuahutenco, San Isidro Buensuceso, La Magdalena Tlaltelulco, San Francisco Tetlanohcan y Xicohtzinco, en las que maestros, padres y abuelos se dedican a la difusión y preservación del náhuatl.

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En la señal 22.1, a partir del 6 de agosto en punto de las 22:00 horas se presenta Justicia en otras lenguas, una serie de Justicia TV.

A los problemas de discriminación e injusticia que padece la población indígena del país, se suman la violencia, la mortalidad materna y el analfabetismo que afectan a 8 millones de mujeres indígenas. En este contexto, la serie destaca el trabajo de mujeres indígenas que desde su tierra luchan por sus derechos y los de la comunidad.

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En el primer episodio, Fátima Gamboa, abogada maya, habla de los talleres que imparte a mujeres líderes mayas de Yucatán para combatir la desinformación sobre derechos humanos de las mujeres y acceso a la justicia; en el segundo, María Rosa Guzmán, abogada wixárika, da cuenta de la lucha por la tierra de las comunidades wirárikas y por el reconocimiento de la relación espiritual y cultural que tienen con ella.

El viernes 9 de agosto, Día Internacional de los Pueblos Indígenas, a las 17:00 horas se estrena el documental Xankixa, la fiesta del maíz tostado, una producción del INAH. El filme registra los preparativos y celebración de la “Fiesta del maíz tostado” en la población de Cruz de Huanacaxtle, Nayarit. Este ritual, según señala el Mara’akate encargado de las ceremonias, busca armonizar a los dioses del Wirikúta y a los hombres, para hacer propicia la siembra del maíz. El documental está narrado en lengua huichol y además de algunos elementos cosmológicos, también se habla del conflicto de la comunidad con el gobierno y del abandono de las tradiciones por parte de algunos wixárikas que han adoptado otras formas de subsistencia.

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Para finalizar, el 20 y 27 de agosto a las 18:00 horas, Canal 22 transmite dos capítulos de la serie México en la memoria del mundo. Esta serie tiene el propósito de difundir el patrimonio documental que México ha inscrito en el programa Memoria del Mundo de la UNESCO.

El primer episodio, La obra de Fray Bernardino de Sahagún, trata sobre el estudio y registro de la cultura náhuatl que realizó el misionero franciscano, compendiados en los Códices Matritenses y el Códice Florentino, reconocidos como Memoria del Mundo en el 2015.

El segundo episodio, Un legado de la música tradicional de México, habla de las 245 grabaciones en alta calidad de la música folclórica de México, realizadas entre 1971 y 1983 por Baruj “Beno” Lieberman, Enrique Ramírez de Arellano y Eduardo Llerenas; las grabaciones están a resguardo de la Fonoteca Nacional y se han inscrito en la lista de Memoria del Mundo.

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Frida Kahlo es la inspiración de Julio 2019 en el calendario de Canal 22

Es símbolo de muchas ideologías, tan vigente en nuestros días que el enigma de su voz ha sido tendencia desde que la Fonoteca Nacional dio a conocer una grabación inédita que ha causado, como siempre, polémica. FRIDA KAHLO (1907-1954) engalana este mes de julio en el calendario de Mujeres Mexicanas extraordinarias de Canal 22.

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Rodeada de artes y tragedias, de amores y desamores, el talento e inspiración de FRIDA fueron los motores para la creación de obras que forman parte de la historia del arte mexicano.

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FRIDA logró adaptarse a cada cambio que llega a a su vida y a su salud, participó en movimientos políticos y culturales, viajó y vivió en diferentes lugares del mundo y fue parte fundamental del feminismo en México; además, impartió clases en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”.

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Su primera exposición se realizó en la Galería Julien Levy, Nueva York, en 1938; después sus pinturas llegaron a lugares como la Galería Renou et Colle de París, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston y en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

El legado de FRIDA sigue vigente y es símbolo de muchas ideologías; ha sido inspiración para cineastas y sujeto de investigación para distintos historiadores, sin dejar de lado que su obra e imagen son parte de la identidad mexicana en el extranjero, ya que siempre buscó resaltar la cultura de nuestro país en cada una de sus creaciones.

FRIDA KAHLO, Julio 2019.

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Estreno por AMC: “An Accidental Studio”, la incursiòn al cine de George Harrison

Este Dominguito Sagrado a las 22:00 horas por la telera nuestra de AMC, se estrena AN ACCIDENTAL STUDIO, un documental que describe la creación del innovador estudio de cine británico, HandMade Films, con entrevistas nunca vistas de personajes claves, y que captura un momento extraordinario en la historia del cine a través de los ojos de los cineastas y actores, así como del hombre que comenzó todo, el exBeatle y leyenda de la música, GEORGE HARRISON.

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  Este documental marca la primera producción original de AMC en el Reino Unido

Harrison pasó a la historia al hipotecar su casa y su oficina con tal de salvar Life of Brian, el filme de los hermanos Python. Reconociendo su humor desde el lado del fan, el Beatle se convirtió en un visionario, ya que la película fue un éxito masivo de tal escala que resultó en la creación de la productora HandMade Films.

En un momento oscuro de la historia del cine, HandMade dominó la escena cinematográfica británica al rodar y lanzar las películas que los demás estudios habían rechazado, desde Life of Brian, The Long Good Friday hasta la nominada al Oscar® Mona Lisa. La generosidad de Harrison dio lugar a varias de las gemas cinematográficas de Inglaterra. A medida que sus películas comenzaron a ganar premios y a catapultar carreras, HandMade se convirtió en algo más que un accidente fortuito.

Con entrevistas inéditas del propio Harrison y entrevistas nuevas y exclusivas con el ganador del BAFTA Michael Palin, el nominado al Golden Globe® y al Oscar®Terry Gilliam, el nominado al Oscar® Richard E. Grant y el ganador del Oscar® Neil JordanAn Accidental Studio explora el bautizo de fuego de HandMade y los riesgos que asumieron en la producción de películas únicas e inteligentes. Entre las entrevistas adicionales en la película se encuentran Bruce Robinson, Ray Cooper, Dick Clement y Ian La Frenais, Cathy Tyson, Brenda Vaccaro, A Martinez, Richard Loncraine y Jonathan Lynn.

PRODUCCIÓN:

Los codirectores y coproductores de AMC Networks International son Ben Timlett y Bill Jones of Bill & Ben Productions y Kim Leggatt. Los productores ejecutivos son Harold Gronenthal, vicepresidente ejecutivo de Porgramación y Operaciones de AMC/SundanceTv Global, así como Bruce Kenyon y Nicky Davies Williams, CEO de DCD Rights. DCD Rights distribuye la película en Estados Unidos e internacionalmente fuera de los territorios de AMC. 

UN DATO:

Este documental marca la primera producción original de AMC en el Reino Unido.

DÓNDE VERLO:

El canal AMC puede verse en México por: AxtelTV (973), TotalPlay (444 y HD 490), Sky (419 y HD 1425), Megacable (207 y HD 1207), Izzi (611 y HD 963), Cablemás (611 y HD 963), Cablevisión Monterrey (611).

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TELÉVORO: “SILVIA PINAL, FRENTE A TI”, LAS VENTAJAS DE UNA BIOSERIE A MODO

Cada quien escribe su propia historia, claro que si de una bioserie a modo se trata, ésa es SILVIA PINAL FRENTE A TI, producción de Carla Estrada, que cumple a cabalidad lo que su protagonista desea y que llega a su final con más preguntas que respuestas.

La intensa vida de SILVIA PINAL, por decir lo menos, recrea en esta bioserie, los pasajes y las vivencias de una actriz que si algo ha tenido, es su capacidad irrevocable de entrega al trabajo y de vivir intensamente cada una de sus etapas como mujer y como la diva en que se convirtió.

hqdefault.jpgA manera de “Mujer…casos de la vida real”, la Pinal avienta las culpas y esconde la mano. El amor es su excusa (es una mujer por demás “amorosa”), su refugio ante las penalidades y las maledicencias de los hombres que la sedujeron, la desearon y probaron las mieles de una mujer que los superaba en todo o casi todo, comenzando por los ingresos económicos, la fama, su rectitud moral y honorabilidad.

SLMFXCWWV5H3TMUHMBLAUBVUGQ.jpgDe todos los hombres evidenciados en la bioserie, solo uno sale inmaculado: Emilio Azcárraga Milmo (por obvias razones en el alto mando de Televisa cuyo hijo Azcárraga Jean no iba a permitir se manchara la reputación de su padre). Los demás fueron vapuleados sin legítima defensa: Rafael Banquells, Enrique Guzmán, Gustavo Alatriste, Fernando Frade y Tulio Hernández.

Aderezada por las nostálgicas imágenes del México del ayer, de rostros de consagrados y famosos, de una época que glorificaba a las actrices y actores del cine mexicano, de imágenes que conforman la historia de la televisión mexicana, SILVIA PINAL, FRENTE  A TI sobresale de las demás bioseries porque es una producción cuidada a detalle, no como LA GUZMÁN, de Imagen Televisión, de los petardos de este año.

 

fotos silvia pinal frente a ti-02.jpgA su edad, como uno de los legados que ha querido dejar, SILVIA PINAL nada tiene que demostrar, es la última diva que nos queda. Ya nos contó su verdad, a la que tenía derecho, la que decidió relatar sin dar su brazo a torcer.

Quien quiera y pueda replicar esta bioserie, que haga lo mismo y le diga a Silvia sus verdades, las que no quiso contar. ¿O no Enrique Guzmán?

Ver para creer. Telévoros: ¡Uníos!

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LEGADO DE MICHAEL JACKSON, EN FRANCO DECLIVE POR SUS ABUSOS

NUEVA YORK. – Durante décadas, MICHAEL JACKSON, EL REY DEL POP, fue una de las grandes estrellas musicales de todos los tiempos, pero ahora, tras el documental Leaving Neverland, que revela una serie de abusos a menores de edad, su legado parece derrumbarse como un castillo de arena.

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En el documental, James Safechuck y Wade Robson afirman que fueron abusados por el fallecido cantante cuando eran niños, mientras que la familia de Jackson niega las acusaciones.

La pregunta que ahora muchos se hacen es si el legado del cantante fallecido en junio de 2009 a los 50 años está en riesgo.

El documental Leaving Neverland sorprende por el nivel de detalle que los dos hombres dieron sobre el tiempo que pasaron con Jackson, y sobre los abusos que sufrieron. La inocencia o la culpabilidad de Jackson dividió a la opinión pública, tal como queda evidenciado en las redes sociales.

Mientras que muchos sostienen que el documental muestra al Rey del Pop como un pedófilo, otros continúan defendiéndolo y creyendo en su inocencia.

La empresa de marketing digital SEMrush analizó cerca de 30 mil tweets que usaron el hashtag #michaeljackson y #leavingneverland entre el 6 y el 8 de marzo pasado.

Algunos de los resultados fueron los siguientes: El 33% (7.995) de los tuits que usaron Leaving Neverland usó un lenguaje positivo hacia el cantante afroamericano; el 39% (9.252) un lenguaje neutral; mientras que el 27% (6.385) se refirió de forma negativa hacia la estrella.

El 37% (2.008) de los tuits con la palabra #MichaelJackson tuvo un lenguaje positivo; el 38% (2.048) un lenguaje neutral; y el 24% (1.286) un lenguaje negativo.

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WADE ROBSON, una de las víctimas

Leaving Neverland motivó a la gente a discutir el documental abiertamente en canales sociales y a hacerlo de forma masiva”, expresó Olga Andrienko, jefa de Marketing Global de SEMrush. Paul Blanchard, fundador de la compañía de relaciones públicas Right Angles, afirmó que es demasiado pronto para decir qué impacto tendrá en el tiempo las revelaciones del documental, y en el legado de Michael Jackson.

“Este es el Brexit de la Música Pop; la gente estará más dividida que nunca”, agregó Blanchard. “Cuanto más tiempo continúe, más alienadas y divididas estarán”.

“A medida que nos acercamos al Brexit, las personas se han polarizado aún más y se han opuesto entre sí y no se han unido”, explicó. “Creo que esto sucederá con el legado de Jackson. Para aquellos que están empezando a rechazarlo, se verán más arraigados en esa visión”.

La familia de Jackson negó enérgicamente las denuncias y aseguran que están motivadas por un interés por obtener dinero de los bienes del cantante.

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Aquí puedes ver el tráiler

Lo cierto es que la imagen del fallecido cantante ya está dejando una estela de consecuencias. Los creadores de The Simpsons decidieron borrar del archivo el capítulo en el cual Jackson puso su voz para uno de los personajes.

Se trata del episodio Stark Raving Dad (conocido en América Latina como Papá está loco), de 1991, perteneciente a la tercera temporada, en el cual Jackson le puso su voz a un personaje blanco, Leon Kompowsky, que está encerrado en un hospital psiquiátrico y asegura ser el Rey del Pop.

Además, muchas estaciones de radio de todo el mundo han eliminado la música de Jackson de sus parrillas.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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La Guzmán, en caída libre frente a “Silvia Pinal…Frente a Ti”

Aquí sí cabe aquello de qué fue primero: ¿el huevo o la gallina? Alejandra Guzmán no sólo no tiene una vida y obra como para una bioserie y menos si aún vive una auténtica diva como su progenitora Silvia Pinal.

Que Televisa haya dormido el sueño de los justos y haya decidido tardíamente salir al aire con Silvia Pinal, es cosa que a los dueños de Imagen TV les valió lo que se dice un comino para entrar al aire antes que su competencia.

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LA GUZMÁN tiene un libreto por demás inconsistente, un casting de medio pelo y por más que su protagónico, la colombiana Majida Issa, avienta el “bofe” y su resto, y pone todo su esfuerzo por hacer creíble a la rockera “sufrida” y aletargada con drogas, amores tóxicos y frustraciones hacia sus progenitores, esta producción no hace click con los telévoros.

El contraste de LA GUZMÁN, producción que va en picada, es SILVIA PINAL…FRENTE A TI, bioserie de Carla Estrada, cuyo hándicap a favor, pese a su anterior cancelación, es haber revisitado, una y otra vez, la vida y obra de la Pinal, pero junto con ella, con sus testimonios, de frente y, esperemos, sin tapujos, como ocurrirá cuando se llegue a la vida en común que sostuvo con Enrique Guzmán, quien hoy amenaza de demandar si es incluido con su nombre verdadero.

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En esta bioserie hay recreación de época, inclusión de imágenes y secuencias originales, fondos musicales con canciones representativas de la época y de la Pinal, trabajo de maquillaje, peinados y vestuario, pero sobre todo aquellos momentos que marcan la vida de una mujer y actriz que no oculta, como debe ser en una bioserie, pasajes clave a lo largo de su vida, como fue el rechazo de su padre biológico, que le cambió para siempre el rumbo de su existencia.

De casting a casting, de libreto a libreto y de producción a producción, LA GUZMAN sucumbe ante SILVIA PINAL, asunto de bioseries, de castings, de producciones, pero de vidas, de legados…he ahí la gran diferencia.

Ver para creer. Telévoros: ¡Uníos!

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El legado musical de Legrand

PARÍS.— El fallecimiento a los 86 años de edad del compositor francés MICHEL LEGRAND no sólo rememora clásicos musicales como Les Parapluis de Cherbourg (Los paraguas de Cherburgo) y Les Demoiselles de Rochefort (Las señoritas de Rochefort), sino a un compositor cuya creatividad y aportación se conservará, como él lo deseaba, “durante décadas”.

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La carrera de Legrand se extendió durante más de 50 años y sus composiciones le valieron, entre otras distinciones, tres premios Oscar.

Cantante y pianista, Legrand, nacido en París el 24 de febrero de 1932, trabajó para grandes nombres de la cinematografía internacional, desde Orson Welles hasta Jean-Luc Godard.

La canción The windmills of your mind, que formó parte de la banda sonora de The Thomas Crown Affair (El secreto de Thomas Crown), le valió su primera estatuilla de Hollywood, en 1969. Le siguieron otras dos por la banda sonora de Summer of 42 (Verano del 42), de Robert Mulligan (1971) y por Yentl (1984), de Barbra Streisand.

BANDA SONORA YENTL:

El compositor estuvo nominado además 27 veces a los premios Grammy, de los que consiguió cinco.

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Virtuoso del jazz, su profesión parecía trazada desde la infancia, con un padre compositor y un tío director de orquesta. A los diez años entró en el Conservatorio de París, y desde entonces no abandonó la música.

Legrand llegó a decir que estaba orgulloso de que la mayoría de sus canciones se hubieran convertido en temas estándar y no en meros éxitos comerciales, porque estos últimos desaparecen al cabo de seis meses, en su opinión, y los primeros permanecen “durante décadas”.

Padre de tres hijos, Legrand se casó en terceras nupcias en 2014 con la actriz Macha Méril, en una ceremonia que tuvo lugar en Mónaco.

A raíz del fallecimiento de Legrand, en su página oficial se subieron fotos del músico al lado de artistas como Barbara Streisand, Miles Davis e Yves Montand.

El presidente francés Emmanuel Macron dio sus condolencias a la esposa e hijos de Legrand, a quien llamó “genio infatigable”.

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“Sus singulares canciones que suenan en nuestras cabezas y son tarareadas en las calles se han convertido en la banda sonora de nuestras vidas”, dijo.

Aparte de sus Oscar, Legrand ganó cinco Grammy, dos premios en el Festival de Cine de Cannes y otros reconocimientos, de acuerdo con su sitio oficial.

Legrand ganó su primer Oscar con The Windmills of Your Mind, interpretado por Noel Harrison, tema de la película Sociedad Para el Crimen, de 1968.

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Michael Douglas a su padre: “Estoy orgulloso de ser tu hijo”

HOLLYWOOD.- El actor estadounidense ganador del Oscar Michael Douglas obtuvo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el martes, en honor a sus 50 años en el mundo del espectáculo.

La megaestrella estuvo acompañada de su padre de 101 años, el legendario actor de Hollywood Kirk Douglas y por la actriz Jane Fonda, con quien protagonizó el drama “El síndrome de China” en 1979, sobre un accidente en una planta nuclear.

“Este es un gran honor y no me estoy haciendo más joven, quiero disfrutarlo con mi familia”, dijo el actor de 74 años cuando la estrella fue develada.

Douglas se emocionó mientras se dirigía a su padre, y con lágrimas en los ojos le aseguró que su presencia en el evento significaba mucho para él.

“Lo diré de manera simple y con todo mi corazón: Estoy muy orgulloso de ser tu hijo”, dijo, atorándose.

Al decir unas palabras en la ceremonia, Fonda se preguntó por qué le tomó tanto tiempo al más joven de los Douglas obtener su estrella.

“Michael Douglas y yo compartimos algo mucho más específico y único que actuar juntos”, dijo. “Ambos venimos de familias referidas por la prensa como la realeza de Hollywood”.

“Nuestros padres eran leyendas del cine y, afortunadamente, Kirk Douglas todavía está con nosotros”, añadió refiriéndose a su difunto padre Henry.

“Entrar en un negocio familiar, cualquier negocio familiar, siempre es desafiante. Mira a los Trump o a los Corleone”.

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25 años sin Federico Fellini, genio del arte

ROMA.- El fallecimiento de Federico Fellini hace 25 años, tras dolorosos meses de hospitalización en una clínica de Roma, el 31 de octubre de 1993, dejó un vacío no solamente en la historia del cine, sino en una idea del arte ligada a los genios multiformes de la creación en estado puro.

A la par de talentos como Pablo Picasso, Andy Warhol o Ingmar Bergman, Fellini descolló con su estilo, el realismo fantástico, no tanto como un modo de representación cinematográfico sino como una visión del mundo, con una dimensión casi circense del set de filmación, expresión y modelo de una sociedad. Una densidad particular tuvieron sus guiones concebidos muchas veces con literatos como Ennio Flaiano, Bernardino Zapponi, Tonino Guerra y Tullio Pinelli.

Nacido en Rímini el 20 de enero de 1920 mantuvo una carrera que rozó lo onírico y la indagación junguiana de la psiquis.

El arco expresivo de Fellini recorrió desde la tierna ingenuidad de la adolescencia, a la representación de los últimos como depositarios de la felicidad, en “La Strada” (1954); de la provincia como lugar del encanto, en “I vitelloni” (1953), al monstruo de las metrópolis, en “La dolce vita” (1960); de la irrupción del inconciente, en “Ocho y medio” (1963), hasta el largo y doloroso viaje por la memoria y el arquetipo en la última parte de su carrera con obras como “Satyricon” (1969) y “Amarcord” (1973). Para llegar al canto final de la soledad de los poetas con “La voz de la Luna” filmada en 1990.

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El hilo conductor que conecta a todas estas fases expresivas es el circo como parábola de la ficción y de la representación, pero es en verdad el sueño, como espejo de la vida, el que vuelve a Fellini un artista absoluto, el único capaz de ver al mundo a través de un filtro tan personal como universal. Su impronta sobre el cine internacional resultó tan fuerte como para impulsar a una generación entera de directores estadounidenses a mirarse en su espejo y volverlo un ícono o modelo a seguir más o menos declarado. Paul Mazursky hizo de su “Alex in Wonderland” (“El mundo de Alex de 1970) una cita explícita de la relación entre vida y cine que copió de Fellini. Martin Scorsese diseñó a sus antihéroes de “Mean Streets” (“Calles salvajes”, de 1973) teniendo presente la estructura por un lado de “Los inútiles”, con el sustrato católico de la Italia provinciana y por otro, el monstruo metropolitano la “Roma” estrenada el año anterior. “Adaptation” (“El ladrón de orquídeas, de 2002) y “Quieres ser John Malkovich” (1999), de la dupla formada por Spike Jonze y Charlie Kaufman, son homenajes explícitos al surrealismo visionario que ambos directores leyeron en el imaginario felliniano, en especial en “Ocho y medio”.

Vincent Minnelli le pagó su tributo en la representación de la ciudad eterna de “Nina” (1976), mientras que Woody Allen se alineó con trabajos como “Stardust Memories” (1980) en el uso del psicoanálisis como fotografía del yo escindido y Rob Marshall en “Nine” (2009) tomó un éxito de Broadway para recrear un sueño circense a medias entre “Ocho y medio” y “Los Clowns” (1970).
 

Pero fue Bob Fosse el verdadero heredero y cómplice de Fellini más allá del Atlántico entre “Sweet Charity” (1969) que mira a “Giulietta de los espíritus” (1965), o “Cabaret” (1972) que recupera el eco de “La dolce vita” y una obra maestra como “All that Jazz” (1979), un tributo felliniano en clave musical. Como con justicia señaló acertadamente el historiador estadounidense Peter Bondanella las influencias de este tipo de cosmogonía interior también se sintieron en Europa.

Bergman más de una vez admitió mirarse en el espejo de la trayectoria, tan distinta como paralela, de su amigo Federico. Y Francois Truffaut en “Noche americana” (1973) filmó su respuesta a “Ocho y medio”, haciendo el set como simulación de la vida.

En Gran Bretaña, Fellini encontró a un intérprete personal en Peter Greenaway entre la cita en “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante”(1989) y el explícito homenaje de “Ocho mujeres y media” (1999). Mientras que, y no parece una paradoja, el danés Lars von Trier es quien detectó la crueldad secreta del último Fellini en su representación de un mundo en decadencia que extravió coordenadas y parece perder humanidad.

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Fellini se mantuvo cerca de Rossellini desde el comienzo del neorrealismo, pero luego se acercó a Alberto Lattuada en su debut como director de “Luces de Variedades”(1951).
Encontró en Lina Wertmuller a una compañera de camino fiel desde “Los basiliscos” que en 1963 refiere en “Los inútiles” de 10 años antes y luego en el deslumbrante realismo de “Pasqualino Siete Bellezas” (1977). Tuvo en Giuseppe Tornatore a un admirador más distanciado, aunque las semejanzas entre “Cinema Paradiso” (1988) y “Amarcord” son deseadas. Y contó con dos herederos similares y opuestos en Matteo Garrone con su nostálgica “Pinocho” en plan de rodaje y Paolo Sorrentino con “La Gran Belleza” (2013) que se manifestó explícito continuador de su modelo.

Por lo demás, Sorrentino se llena de homenajes a Fellini en “Youth” (2015) y “Loro” (2018), en la clave del realismo grotesco que caracterizó al director de “La ciudad de las mujeres” (1980).

Pero el dilema permanece sin resolverse: Fellini se puede citar, se puede ciertamente imitar, pero es casi imposible reproducirlo en su plenitud más allá del cine. Para un director “normal” no resulta fácil acercarse a un genio único y hacer propia su experiencia, más interior que estética.

Fellini fue Italia y el país se reflejó en sus sueños y sus pesadillas. Ettore Scola le hizo el más bello de los homenajes, “Qué extraño llamarse Federico” (2013), y afirmó que con su muerte se corrió un telón, a través del cual hoy solamente se filtran pálidos destellos. 

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LA MIRADA COTIDIANA DE UNA VIDA EXTRAORDINARIA: MANUEL MUÑOZ OLIVARES

La vasta y esencial obra del maestro coahuilense MANUEL MUÑOZ OLIVARES, es expuesta en LA MIRADA COTIDIANA DE UNA VIDA EXTRAORDINARIA en el vestíbulo del Centro Cultural Jaime Torres Bodet, del Instituto Politécnico Nacional, en Zacatenco.

Esta mirada pictórica es un homenaje al artista poseedor de un lenguaje manifiesto de la identidad nacional, pero sin retomar pasajes revolucionarios o luchas sociales, sino con escenas de la cotidianidad mexicana, con personajes y situaciones reales en una lucha diaria, además de paisajes y lugares nacionales, así como de otras latitudes del planeta.

manuel-2.jpgManuel Muñoz realizó también retratos de John y Jacqueline Kennedy, además de los reyes de España, entre otros.

La inauguración corrió a cargo del Doctor Mario Alberto Rodríguez Casas, director general del IPN, acompañado por la hija del finado artista, María Guadalupe Muñoz Vázquez.

MÁS DATOS:

*La exposición cuenta con más de 75 piezas, divididas e cinco núcleos temáticos: Bodegones, paisajes, costumbrismo, retratos y género de géneros. Todas ellas en diversas técnicas, óleos, acuarela, carbón, entre otros.

PINTURA.jpg*A lo largo de su obra destacan los claroscuros que, con gran maestría, logran contrastes de luz y sombra, resaltando ciertos elementos del cuadro.

*Muñoz Olivares (1925-2011) creó más de diez mil piezas a lo largo de sus 70 años de trayectoria.

*Se casó con Irene Vázquez y fue padre de ocho hijos.

*María Guadalupe Muñoz Vázquez, hija del artista, ha sido la promotora y depositaria de la obra.

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Messi juega el balón, ahora en Cirque Du Soleil

Montreal, Canadá.-  El futbolista argentino y estrella del FC Barcelona Leo Messi, Cirque du Soleil Entretainment Group y PopArt Music anuncian su asociación para la creación de un nuevo espectáculo que se lanzará en 2019, junto a Sony Music. Creado por el Cirque du Soleil, el espectáculo se inspirará en el increíble talento y los logros de la leyenda del fútbol, que encarna el espíritu y los valores únicos de su deporte.

“Me parece increíble y a la vez una locura que el Cirque du Soleil cree un espectáculo basado en mi vida, mi pasión, mi deporte”, expresó Leo Messi. “Cirque du Soleil es uno de los shows favoritos de nuestra familia. No tengo dudas que este show sorprenderá a la gente como siempre lo hacen”.

Después de rendir homenaje a algunos de los mejores artistas del entretenimiento, como The Beatles, Michael Jackson y Soda Stereo, el Cirque du Soleil se adentrará en el apasionante mundo del fútbol. El espectáculo celebrará el legado de Messi a la manera característica del Cirque du Soleil, destacando la rica cultura que hace de éste deporte el más popular alrededor del mundo.

“Estamos encantados de trabajar con semejante leyenda viva. Como líder mundial de entretenimiento en vivo, Cirque du Soleil se está convirtiendo en el creador de contenido y experiencias originales para las principales marcas del mundo”, dice Jonathan Tétrault, Presidente y Director de Operaciones del Cirque du Soleil (#MessiCirque). “Estamos convencidos de que dar vida al legado de Messi en el escenario emocionará a las audiencias y hablará con todos los fanáticos del fútbol. Junto a Pop Art y Sony Music, tenemos la oportunidad de trascender el deporte y presentarlo de una forma totalmente nueva para inspirar al mundo”.

“Es un orgullo para PopArt Music participar en este proyecto junto con el Cirque du Soleil y Leo Messi. No tengo dudas que la calidad de creación del Cirque du Soleil logrará interpretar artísticamente el talento inigualable que Messi despliega en cada partido, con la increíble música de los artistas de Sony Music, dirigida por mi talentoso amigo Afo Verde” dice Sergio Lavié, co-fundador de PopArt Music. “Además estoy seguro que este show batirá todos los récords, de igual manera que Messi lo hace en el fútbol”

“Leo Messi inspira al mundo con su inigualable talento no sólo dentro del campo de juego sino también con su calidad humana. Es un honor para nosotros en Sony Music formar parte de este equipo junto a los maravillosos Cirque Du Soleil y PopArt. Estamos convencidos de que este espectáculo lo disfrutarán todos los fans del deporte y el arte alrededor del mundo.” – Afo Verde, Chairman & CEO Sony Music Latin Iberia.

Más información sobre las paradas de la gira y las fechas se publicarán en una fecha posterior. http://www.cirquedusoleil.com/messi.

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El funeral de Aretha Franklin hasta el 31 de agosto en Ditroit

NUEVA YORK. – El funeral de ARETHA FRANKLIN, la Reina del Soul, fallecida a los 76 años tras una larga batalla contra un cáncer, tendrán lugar el próximo 31 de agosto en su ciudad natal, Detroit, en el Greater Grace Temple, una gran iglesia pentecostal donde en 2005 se organizaron las exequias de Rosa Parks, la mujer que en 1955 desafió en Alabama la prohibición a los negros de sentarse adelante en los buses, informó su agente.

La capacidad de la iglesia es de cuatro mil lugares pero se esperan más personas y fans de la estrella de la música y de otras personalidades, entre ellas, la familia Obama, grandes admiradores de la cantante.


La capital nacional del automóvil rendirá homenaje a la artista exponiendo sus restos al público el 28 y 29 de agosto en el museo Charles Wright, dedicado a la historia de los negros afro-norteamericanos.

Aretha Franklin, la joven estrella del góspel que se convirtió en la “reina del soul”, falleció este jueves en Detroit a los 76 años, dejando un vacío en el mundo de la música que se llenará con su vasta producción, que va desde el himno “Respect” hasta “I Say a Little Prayer”.

Esa pequeña plegaria que reza: “por siempre estarás en mi corazón y te amaré” resumirá el recuerdo de Franklin (Memphis, 1942), la gran última voz de Estados Unidos y que luchó por los derechos civiles.

Franklin convirtió “Respect”, de Otis Redding, en un himno racial y feminista, aunque este tema, con más de 150 millones de reproducciones en Spotify, no es el único legado que deja la artista tras seis décadas de carrera.

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Cuando Barack Obama lloró al cantar Aretha Franklin

Aquí algunas de las emblemáticas canciones de la Dama del Soul:

 

“RESPECT”

Redding había escrito “Respect” desde la óptica de un hombre que trabaja todo el día, que trae el dinero a casa y que a su llegada al hogar reclama “respeto” a su esposa.

Franklin le dio la vuelta al tema en 1967 con apenas variaciones en el texto, convirtiéndolo en un auténtico himno feminista que catapultó su carrera y que fue abrazado por el movimiento de derechos civiles.

 

“I NEVER LOVED A MAN THE WAY I LOVE YOU”

“Respect” formaba parte del álbum “I Never Loved a Man the Way I Love You”, considerada obra cumbre de Franklin -y su primer trabajo con la discográfica Atlantic Records-.

La canción que da nombre al disco la compuso Ronnie Shannon con versos como “supongo que nunca seré libre, desde que tienes tus garras sobre mí”.

 

“(YOU MAKE ME FEEL LIKE) A NATURAL WOMAN”

Compuesta por Carole King, Gerry Goffin y Jerry Wexler, “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” apareció en el álbum “Lady Soul”, publicado en 1968, y a lo largo de los años otros artistas como Celine Dion se han rendido a su letra y no han dudado en versionarla.

 

“THINK”

La cantante de Memphis no solo ponía voz a temas ajenos, sino que también componía sus propias letras, como en el caso de “Think”, otro icónico corte de “Aretha Now” (1968) que clamaba por la libertad y que Franklin interpretó en la película “The Blues Brothers” en 1980.

“CALL ME”

Otro tema de cosecha propia, esta vez de 1970, del álbum “The Girl’s in Love with You”. “Call Me” comparte disco con otros temas como las versiones de Franklin de “Let it Be” o “Eleanor Rigby”, de The Beatles, llevadas al soul y al R&B como solo ella sabía hacer.

“FREEWAY OF LOVE”

Cosechó otro Grammy en 1985 por “Freeway of Love”, el primer sencillo de “Who’s Zoomin’ Who?”.

La canción alcanzó también la tercera posición de la lista Billboard Hot 100, donde permaneció durante diecinueve semanas.

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“(SWEET SWEET BABY) SINCE YOU’VE BEEN GONE”

Además de los Grammy, Franklin también era asidua a ese ránking de canciones más exitosas. 73 de sus temas entraron en la lista, 17 en el “top 10” y dos en el primer puesto -“Respect” y “I Knew You Were Waiting (for Me)”.

“(Sweet Sweet Baby) Since You’ve Been Gone” es una de ellos: compuesto por Franklin y Teddy White, la Reina del Soul era capaz de concentrar todo su don en apenas 2:25 minutos, como supo explotarlo durante 60 años de infatigable carrera.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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LA ANTÍTESIS DEL SILENCIO, legado pictórico de Alejandro Nava

Una muestra que invita a la introspección, al análisis –como lo refiere Alfonso Vázquez Sosa, Director General del Instituto Zacatecano de Cultura Ramón López Velarde- “de nuestra condición como individuos desde lo colectivo”. El legado del artista plástico zacatecano ALEJANDRO NAVA se mantiene vivo más que nunca porque al estar frente a sus pinturas, observa Jorge Kasep Bahena, “encuentro que tienen un halo de misterio por descifrar y evocan mi un ‘lenguaje poético plástico’ que apenas permite vislumbrar el vestíbulo de ese interior que no alcanzar a ser expresado en palabras”.

rostro.jpgDe ahí que la obra de ALEJANDRO NAVA representar no solo un orgullo para Zacatecas sino para México.

“Y es que la construcción de un artista –tal como lo describe Sofía Gamboa Duarte- continúa después de su muerte, su historia la edifican también los espectadores que lo siguen, que asisten a las muestras de su trabajo.

“La totalidad del trabajo de Nava refleja diversos eventos sentimentales, profesionales o sociales vividos por él durante su existencia. Una de estas vivencias fue la enfermedad que terminó sus días. Esta muestra contiene parte de la obra que Alejandro estaba preparando para su exposición en el museo de arte Moderno en la ciudad de México antes de morir”.

HAN DICHO:

“Las obras de arte, las buenas, son un misterio: las definiciones y las investigaciones, los ensayos para clarificar el por qué de su existencia nos llevan a dudar de la autenticidad y gloria de ellas y del artista mismo.

El artista activa la vida con sus malabares y magias, el crítico señala prepotente con índice de fuego y todo lo vuelve cenizas. Alejandro Nava personalmente es la discreción, sus movimientos pausados son la prueba de la energía y la autenticidad de una obra a veces violenta y primitiva, moderna siempre”: Rafael Coronel (1989)

ENCENDIENDO.jpg“Alejandro Nava es un artista que abre puertas sostenidas por el oficio y la imaginación. ¿Pero dónde encaja la pintura hoy? ¿Dónde queda Alejandro Nava en un mundo que se aleja del cuerpo y del espíritu? Volteemos nuevamente la mirada y sostengámosla frente a esas obras, busquemos la respuesta en ellas, dejémonos llevar…. no es la oportunidad para Alejandro Nava. Es la oportunidad para nosotros”: Francisco Castro Leñero (2007).

Esta exposición es un homenaje que se llevó tres años para realizarse por parte de Silvia Torres de Nava, Ana Ximena Nava Torres y Diego Jacinto Nava Torres, esposa e hijos del artísta con el apoyo de la Secretaría de Cultura, Gobierno de Zacatecas y del Instituto Zacatecano de Cultura “Ramón López Velarde”. La obra estará hasta el mes de Septiembre del 2018 en el Antiguo Templo de San Agustín en Zacatecas, Zac.

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“PITA AMOR, LA UNDÉCIMA MUSA”

Más cerca del cielo que de los hombres, del paraíso de la literatura que de la sociedad que la vio crecer, que se admiró de su belleza y talento lírico, así fue GUADALUPE AMOR, la inolvidable Pita, un ser tocado por la gracia poética, el arrebato, la sensualidad y la locura del artista.

En PITA AMOR, LA UNDÉCIMA MUSA (Editorial Aguilar), libro escrito por MICHAEL K. SCHUESSLER -con prologo de Elena Poniatowska- se rescata al mito y al personaje, la extraordinaria vida de la mujer extravagante, de la poeta destacada y la artista herida mortalmente por la muerte de su hijo único, en una edición conmemorativa del centenario de su natalicio.

Schuessler enlaza los poemas de Pita Amor con su vida y con su legado vivencial que sentencia Yo soy mi casa, para repasar aspectos de su niñez, su adolescencia y sus primeros pasos literarios. Además, se vale de la investigación periodística, el recorrido por las calles de la gran Ciudad de México en busca del aliento de la poeta, de los destellos y de su sombra.

Indudablemente, Pita Amor es una transgresora y un ser diferente de la literatura mexicana, del tamaño y encanto de Nahui Ollin, Frida Kahlo y Remedios Varo. Pita Amor pintó con las palabras un mundo voluptuoso, erótico y profundo. El trabajo de Schuessler, para acercar a las nuevas generaciones a esta mujer intensa e inolvidable, es sencillamente extraordinario.

 DEL AUTOR

 MICHAEL K. SCHUESSLER es doctor en Lenguas y Literatura Hispánicas, egresado de la Universidad de California, Los Ángeles; miembro del Sistema Nacional de Investigadores y profesor titular del Departamento de Humanidades en la Universidad Autónoma Metropilitana, Cuajimalpa, en la Ciudad de México. Experto en la cultura mexicana, ha publicado varios libros, entre ellos; Artes de fundación: teatro evangelizador y pintura mural en la Nueva España, Peregrina; mi idilio socialista con Felipe Carrillo Puerto (historia basada en la vida de Alma Reed y su romance con el gobernador socialista de Yucatán),Perdidos en la traducción y Elenísima, cuya edición en inglés fue nominada al Premio Pulitzer.

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“Jingle Bells”, ¿canción racista?

NUEVA YORK- – JINGLE BELLS, uno de los villancicos navideños más conocidos del mundo, tiene sus raíces en el racismo, de acuerdo a una investigación realizada por la Universidad de Boston.

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    Una profesora de teatro de esa casa de estudios asegura que el villancico tan popular tiene “una historia problemática”, porque originalmente fue realizado para burlarse de los afro-americanos.

    “El legado de Jingle Bells es uno donde su origen negro y racista han sido eliminados sutil y sistemáticamente de su historia”, escribió Kyna Hamill, una historiadora de teatro de la Boston University (BU), en su trabajo de investigación Theatre Survey sobre la historia de Jingle Bells“.

    “Si bien para la mayoría de cantantes y oyentes la canción puede haber eludido su pasado racial, la atención a las circunstancias de su historia permite reflexionar sobre su papel problemático en la construcción de la negrura y la blancura en Estados Unidos”, escribió la autora en su estudio.

    Hamill comenzó a investigar la historia del famoso villancico después de la llamada “Guerra de Jingle Bells”, una disputa entre dos ciudades, Medford (Massachusetts) y Savannah (Georgia).

    “Sus orígenes surgieron de las necesidades económicas de un hombre perpetuamente fracasado, la política racial del Boston anterior a la guerra, el clima de la ciudad y el repertorio de artistas comerciales de la cara negra que se mueven entre Boston y Nueva York”, escribió Hamill.

    “Palabras como ‘thro’, ‘tho’t’ y ‘upsot’ sugieren una interpretación racial que intentaba sonar ‘sureña’ para una audiencia del norte” de Estados Unidos, escribió Hamill.

    “Como mencioné en mi artículo, la primera actuación documentada de la canción es en un salón de trovadores de cara negra en Boston en 1857, el mismo año en que fue protegido por derechos de autor”, dijo Hamill a Fox News. “Se han realizado muchas investigaciones sobre la problemática historia de este entretenimiento del siglo XIX”, agregó la autora.

 

    El documento realizado por Hamill fue duramente criticado por cientos de usuarios de Twitter, que lo consideraron en su mayoría una “extralimitación liberal”.

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    “‘Jingle Bells‘ es racista, White Christmas es racista, Baby it’s Cold Outside es sexista. ¿Qué diablos pasó con la Estados Unidos en la que crecí cuando la gente no se despertaba todos los días tratando de encontrar algo de lo que sentirse ofendido?”, escribió un usuario de Twitter.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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