Se estrena el documental sobre Quentin Tarantino, “Los primeros 8”

LOS ÁNGELES.-¿Cuál es el “corazón salvaje” de Quentin Tarantino capaz de conectar con toda la gama de emociones humanas a través de personajes que sólo tienen una misión: hacer ‘lo correcto’ y hacerlo inmediatamente?. Esta es una de las muchas directrices de QT8 | QUENTIN TARANTINO – LOS PRIMEROS OCHO de Tara Wood, que se estrena a partir de hoy en MioCinema, un documental que cuenta toda su carrera a través de los testimonios de quienes trabajaron con él y, por supuesto, imágenes de sus películas.

Mientras tanto, se anuncia que simultáneamente en 25 países, se publicará su primera novela Érase una vez en Hollywood, bajo el sello The Ship of Theseus, que precede a la película del mismo nombre y cuenta sus orígenes y formas de inspiración.

¿Cómo sale Tarantino de este documental en el que el director nunca aparece, pero sólo se cuenta? Especialmente como entusiasta, como indica su sonoridad, un forastero que en un momento dado lo hizo, pero que nunca montó su cabeza. Un hombre entonces lleno de carisma contagioso capaz de gritar en el set, que siempre sigue en primera persona: “¡Muy bien! ¡Está bien con la escena! Pero filmamos otro porque nos encanta hacer películas”.

“Manic nerd”, “cinephile enciclopédico” (“puedes decir todo lo que sabes sobre una película, pero al final te enterrará con las cosas que sabe”) , “celuloide en vivo”, “DJ director”, son sólo algunas de las expresiones atribuidas a Tarantino que es definitivamente uno que realmente disfruta rodando: “A veces tuvimos que interrumpir la escena porque escuchas su risa”, dice el guionista Scott Spiegel.

El documental comienza cuando Tarantino, después de su experiencia en una tienda de cintas de vídeo, inicia a escribir guiones (A Life at best, Natural Born Killers y From Sunset to Dawn), y luego hace su debut con LE IENE (Palma de Oro en Cannes), en el Oscar al mejor guion original fue a PULP FICTION hasta su octava película como director: THE EIGHTFUL EIGHT.

Hablando de él, siempre con verdadero entusiasmo, están sus actores fans como Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Tim Roth y Christoph Waltz. Pero también hay entrevistas con personajes que han seguido toda su carrera como los productores Stacey Sher y Richard Gladstein.

Entre las sorpresas de este documental, destaca su reconocida capacidad para escribir personajes femeninos sus opiniones acerca del productor Harvey Weinstein acusado de numeroso acoso sexual.

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“The Simpsons ha madurado por las críticas”, admite su creador

NUEVA YORK.– A lo largo de los años THE SIMPSONS se ha adaptado a los tiempos, en la mayoría de los casos en respuesta a las críticas que recibió por representaciones mal concebidas de minorías étnicas y sexuales, admitió su creador Matt Groening.

Según Groening, volver a ver la serie es como revivir una maduración mutua, tanto de los guionistas como de los televidentes.

La serie de la familia amarilla atravesó, a través de 32 temporadas (todo un récord) diferentes décadas y cambios sociales extremos, tanto en Estados Unidos como en el mundo.

Un largo informe de NBC News publicado hoy destaca que, “al volver a mirar la serie, puede ser discordante ver una parodia de un evento que se retrataría de manera totalmente diferente ahora”.

Según el informe, volver a ver The Simpsons, que ahora se pueden ver completos en el canal Disney +, permite “revivir noticias virales olvidadas mencionadas por el programa de forma indirecta o en parodia”.

Cita como ejemplo, el capítulo Bart vs Australia, “en la que el primer ministro australiano condena a Bart a ser ‘pateado’, parodia de una noticia sobre el adolescente estadounidense Michael Fay, quien fue azotado por las autoridades de Singapur como castigo por vandalismo”.

Destaca además que la serie tiene “un léxico increíble de chistes de oro macizo, interpretaciones perfectas, detritos culturales y los feos prejuicios de nuestra sociedad: una instantánea detallada de Estados Unidos en un momento dado”.

Para muchos, Homer Simpson, el padre de la familia, representa al estadounidense promedio, amante de la comida chatarra, ansioso por adquirir cualquier producto que le ofrezcan (aunque no lo necesite) y con una carencia cultural notable.

Según NBC News, “al volver a mirar la serie, puede ser discordante ver una parodia de un evento que se retrataría de manera totalmente diferente ahora (y tal vez debería haber sido retratado de manera diferente entonces)”.

Cita como ejemplo el capítulo de 1994 The Boy Who Knew Too Much, que sigue a Bart mientras lucha con el conocimiento de que el sobrino borracho del alcalde Quimby es inocente de agredir a un mesero en una fiesta.

Es una parodia del juicio del vástago de la familia Kennedy, William Kennedy Smith, que había sido acusado de violar a una mujer que conoció en un bar de Florida mientras salía con Ted Kennedy, su tío, durante el fin de semana de Pascua de 1991.

Si bien fue absuelto ese diciembre, más de una década después, sus empleadores revelaron que Smith había violado a su asistente personal en 1999.

“Y como los personajes se han mantenido estáticos, The Simpsons se ha convertido accidentalmente en un triste comentario sobre el declive del país al otro lado de la pantalla”, destacó NBC News.

Al comienzo del programa en 1989, Homer era el típico hombre común con tres hijos, una esposa que no trabajaba, dos autos y una casa de su propiedad. Al final de la tercera temporada, se había establecido firmemente que también era un bobo holgazán cómodo en un trabajo sin futuro que se casó con la chica que quedó embarazada en la escuela secundaria (de la que no se graduó) y nunca fue a la universidad.

En 2021, los primeros episodios parecen piezas de época.

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Los Globos de Oro 2021, en medio de la polémica y la controversia

NUEVA YORK.- ¿Ganará Mank o Nomadland? ¿Promising Young Women, The Father o The Trial of the Chicago 7? Con Amy Pohler y Tina Fay haciendo los honores en la singular conducción (Amy en Los Ángeles y Tina desde el Rainbow Room en Nueva York) y los hijos de Spike Lee como “embajadores”, los GLOBOS DE ORO se transmitirán este domingo por la noche por la señal internacional de la NBC en un formato híbrido, virtual y “en vivo” (TNT, 18:30 horas en Latinoamérica).

Dos semanas antes del anuncio, el 15 de marzo, de las nominaciones al Oscar, los premios al mejor cine y mejor televisión otorgados anualmente por miembros de la Prensa Extranjera de Hollywood, han sido considerados durante mucho tiempo los primos más frívolos de los Premios de la Academia, o como dijo el comediante británico Ricky Gervais durante la ceremonia de 2012: “Lo que Kim Kardashian es a Kate Middleton”. La controversia siempre ha permeado en los Golden Globe, y más en este año transcurrido durante la pandemia.

Este año no sólo está la pandemia que eclipsa la noche con una audiencia esperada de entre 18 y 20 millones de espectadores: además de lamentar la muerte del presidente Lorenzo Soria, asesinado de cáncer el verano pasado, la HFPA (Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood) tiene que lidiar con las acusaciones de Los Angeles Times de ser una “casta” fácilmente influenciada por los estudios y dispuesta a dar una gran compensación a sus miembros desafiando el estatus sin fines de lucro de la organización.

La anterior no es la única polémica suscitada por el periódico, ya que señala que entre los 87 miembros de la HFPA no hay ni un solo afroamericano.

El anacronismo contrarresta con el hecho de que ninguno de los potenciales nominados al Oscar al Mejor Drama con un elenco negro ha entrado en la carrera. Entre los excluidos se encuentran: One Night in Miami (que tiene tres nominaciones en otras categorías) de Regina King y Ma Rainey’s Black Bottom (dos), mientras que Da 5 Bloods de Lee ha sido totalmente cortado.

Un Globo de Oro a Chadwick Boseman por Ma Rainey, su última actuación, que sería el primer premio póstumo después de Peter Finch por Fifth Power.

Los Globos de 2021, sin embargo, han hecho historia en nombre de la inclusión. Con Chloe Zhao (Nomadland) y Emerald Fennell (Promising Young Woman), King es una de las tres directoras nominadas. Si una de ellas ganara sería la primera.

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Más famosos adaptan sus casas en estudios para realizar Podcast

NUEVA YORK.-Dilo con un podcast. Si se puede hablar de un hecho durante la pandemia es la explosión de interés que se ha desarrollado en torno a este recurso de audio.

Un fenómeno que ha despertado el interés de muchas celebridades que están montando la ola. Obligados a estar escondidos en la casa y a abandonar el foco de alfombras rojas y eventos sociales, cada vez más VIP en el último año han transformado sus casas en improvisados estudios de grabación y desde un cómodo sofá, desde la cama, desde la cocina, incluso desde el baño, han comenzado a poner su privado en la plaza o a dictar consejos sobre temas más variados.

En The Michelle Obama Podcast, por ejemplo, la ex primera dama de Estados Unidos comenzó a hablar de sus problemas personales, mientras que el Príncipe Harry y Meghan Markle debutaron el año pasado con su podcast en Spotify al revelar la voz del pequeño Archie. A Demi Moore se la ve dirigiendo el podcast erótico Dirty Diana. mientras que Michael Cohen, ex abogado de Donald Trump, lanzó su cruzada contra el expresidente en el podcast titulado Mea Culpa.

Según los expertos, el auge de los podcasts entre celebridades es bastante natural, ya que muchos de ellos luchan por conseguir compromisos en producciones de televisión o cine.

“Es una oportunidad para que estas personas – explicó Nicholas Quah, creador del blog Hot Pod – lleguen a sus fans”.

Tampoco hay necesidad de un armario, maquillaje o equipo técnico especial. Un podcast se puede hacer simplemente sin costo alguno.

Aquellos que son particularmente creativos también pueden dar el gran salto y pasar de casa a plataformas como Amazon o Apple. Es el caso de Dirty Diana, que ha llamado la atención de Amazon, que la convertirá en una serie protagonizada por la propia Moore.

Según datos publicados por PodcastHosting.org, a febrero de 2021 hay un millón 750 mil podcasts en el mundo y más de 43 millones de episodios. En cuanto a Italia, en el último mes el 26% de la población (equivalente a siete millones de habitantes) escuchó un podcast.

En cuanto a los grupos de edad, en el último año el 52% entre los 18 y los 34 años ha escuchado uno, seguido del 47% entre los 35 y los 44 años, el 46% entre los 45-54 y el 31% entre los mayores de 55 años.

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Con el deceso de Eduardo Moreno Laparade, sobrino de “Cantinflas”, culminaron 20 años de litigios

Por años el rostro de Eduardo Moreno Laparade, sobrino de Mario Moreno Cantinflas, quien falleció la tarde este sábado a consecuencia de haber contraído el Covid-19, ocupó repetidamente espacios en los espectáculos por los dimes y diretes en el conflicto legal en contra de Mario Moreno Ivanova por los derechos legales de las películas del cómico mexicano, litigio que finalmente ganó.

Moreno Laparade quien fuera periodista, había sido sometido a una traqueotomía y fue intubado.

La noticia fue dada a conocer en redes sociales por el actor y productor Jorge Ortiz de Pinedo, quien en su cuenta de Twitter, lamentó la sensible pérdida del sobrino de “Cantinflas”.

Eduardo Moreno Laparade era hijo de Eduardo Moreno Reyes, hermano de Mario Moreno Cantinflas, y quien fungió como su apoderado legal por más de 45 años.

Tras la muerte de su padre, Moreno Laparade asumió el mismo puesto que le valió un largo y desgastante pleito legal contra Mario Moreno Ivanova, hijo único de Canfinflas, por los derechos legales de los filmes del cómico mexicano. Pero en 2014, la corte concedió el fallo a favor del hoy difunto Moreno Laparade, como el titular de las películas de su tío.

Eduardo Moreno Laparade creó la Fundación Mario E. Moreno en honor a Cantinflas, y estuvo al frente de ella desde su conformación.

A Eduardo Moreno Laparade su tío, Mario Moreno Cantinflas, lo apodaba El Mariachi porque se la pasaba todo el tiempo a caballo en el rancho El Detalle, una de las propiedades que tenían en San Luis Potosí.

Hijo de Eduardo Moreno Reyes, quien fuera el apoderado de Cantinflas durante más de 45 años, siempre acompañaba a su padre y a su tío en los asuntos legales, sin sospechar que luego del fallecimiento de El mimo de México, el 20 de abril de 1993, se inscribiría en un pleito legal desgastante de más de 20 años en contra de su primo, Mario Moreno Ivanova, el único hijo de Cantinflas.

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Britney Spears gana round a su padre Jamie en los tribunales

NUEVA YORK.- Los fans de BRITNEY SPEARS la han apoyado afuera del tribunal en su batalla legal frente a su padre y a raíz del documental del New York TimesFraming Britney Spears, la estrella pop de 39 años ha obtenido de la jueza Penny Brenda que su progenitor ya no tiene protección exclusiva sobre ella. Jamie Spears seguirá teniendo voz y voto en las finanzas y decisiones personales de su hija, pero tendrá que trabajar con Bessemer Trust, una compañía de servicios financieros, a partir de ahora.

La historia es intrincada: desde 2008, después del colapso nervioso y público de su hija (sus fotos con la cabeza rapada habían hecho las rondas del mundo), Jamie se ha convertido en el guardián legal de la herencia y la carrera de su hija, un papel por el que se dice que le pagan alrededor de 130 mil dólares al año. El término legal en California es “conservatismo” y varios expertos legales pronto se habían torcido la nación porque este tipo de protección se aplica generalmente a aquellos que tienen trastornos mentales o son ancianos. Durante años Britney no había discutido la situación.

Todo había cambiado el año pasado cuando su abogado, Samuel Ingham III, dijo en la corte que la estrella del pop estaba “fuertemente opuesta” a la protección paterna y ya no cantaría en público si las cosas no cambiaran. En noviembre, Penny instruyó a Bessemer a trabajar con papa Spears en un plan de inversión para la cantante. Pero rechazó la solicitud de Britney de revocar la fianza que ha estado sometiendo sus finanzas y carrera a las decisiones de su padre durante más de una década.

Los fans de Britney han estado apoyando fuertemente su causa durante años a través del movimiento #FreeBritney, que ha obtenido membresías totales, desde Cher hasta Paris Hilton, desde Miley Cyrus hasta la Unión Americana de Libertades Civiles.

Los fans notaron que, después de la crisis nerviosa, la carrera de la estrella del pop despegó de nuevo. Jamie respondió que la fortuna en manos de Britney ha crecido gracias a su perspicacia financiera: desde el bajo cero hace una década hasta los 60 millones de dólares a la última valoración de Forbes.

Spears, por su parte, está de vuelta en la cresta de la ola: apareció en la serie How I Met Your Mother, lanzó el sencillo y el video Womanizer, número uno en Billboard, recorrió el mundo y trajo a Las Vegas espectáculos que se agotaron. Además de ser jueza de X Factor, anunció perfumes y una línea de ropa interior.

Finalmente, el documental New York Times, lanzado la semana pasada en FX y Hulu, además de seguir la carrera de la cantante, primero como una estrella infantil y luego una prodigio pop cuando todavía era una adolescente, la película dirigida por Samantha Stark pone el foco en los recientes intentos de Spears de liberarse de la protección paterna.

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Conjunto Invensible recibe reconocimiento por 1 millón 350 mil reproducciones en Spotify

CONJUNTO INVENSIBLE -con la “s” por delante- recibió por parte de su disquera MR Records, en Denver, Colorado, de manos de su director general Martín Trujillo, el reconocimiento, por 1,350,000 reproducciones en Spotify y plataformas digitales, del tema EL SON DE LA RABIA, del CD El Carnavalito.

Surgido en Aguascalientes, tierra de grandes cantantes y autores como Napoleón, Conjunto Invensible, espera realizar próximamente el crossover Estados Unidos, donde ya tiene un considerado número de seguidores y varios éxitos colocados en el chart. Así buscaran su internalización.

Según lo especialistas, esta agrupación tiene un gran futuro para ocupar un lugar privilegiado en el mercado latino de Los Estados Unidos, donde gracias a su música e interpretaciones, podrán ocupar el lugar de otras bandas que propiamente desaparecieron tras probar el éxito. E inclusive participar en festivales como Lo Nuestro Lo Latino o Billboard , PremiosJuventud, que buscan la innovación y lo nuevo en la música regional mexicana.

Esta agrupación del gustado género norteño nació en la pintoresca población de Molinos, Asientos del estado de Aguascalientes, bajo la dirección del musico José Manuel Montañez el 22 de septiembre del 2001, quien con su innato talento, originalmente lo llamó Conjunto Cambiado y, más tarde, con su actual nombre, mismo con el que se presenta en los bailes y eventos masivos por la República mexicana.

Pese que esta banda ha tenido que sortear varios obstáculos en propios de su carrera de 18 años, sus triunfos han aminorados estas situaciones y convertirlas en éxito.

Fue en 2004 , cuando lanzan sus primeros éxitos discográficos titulados Palillos chinos y Vete con él, su primer material discográfico grabado en vivo.

Mas tarde, su segundo CD salió a finales de ese mismo año, del cual se desprendió el tema Vete con él, del que grabaron un video clip, convirtiéndose en uno de los grandes favoritos del público y en la cadena YouTube nacional e internacional.

Conjunto Invensible, se inició en este tiempo con el pie derecho con la producción de Llanes Producciones Music Record, quien dirige Jesús Llanes, del cual han recibido tu total apoyo.

Tras 18 años de su carrera llena de éxitos y memorables producciones, el Conjunto Invensible actualmente cuenta con 11 producciones discográficas que les habían permitido colocarse en los primero lugares de popularidad dentro de las listas de popularidad en el género grupera la altura de Tigres del Norte.

Por su calidad musical han recibido reconocimientos de su estado natal Aguascalientes y el del ayuntamiento de Asientos de donde son originarios. En 2012 ganaron el segundo lugar en el reality show Quiero ser grupero donde participaron más de 160 agrupaciones, concurso que fue transmitido a los Estados Unidos y México.

Los integrantes son los músicos: Gerardo Macías Cruz (vocalista), José Manuel Montañez Espinoza, (batería), también conocido como El Chepe, Juan Carlos Torres Acosta (primera voz), también conocido como Bonice; Horacio Vázquez Montañez (bajo electrónico) también conocido por Mayo, Jorge Ibarra Verdeja (saxofon), Flavio César Hernández Montañez (percusiones).

Conjunto Invensible es una banda destinada a trascender por su calidad interpretativa, sus composiciones y su trabajo, detrás y arriba de los escenarios.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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La telera en febrero está cargada de ficción, distopía y asombro

NUEVA YORK.- Este mes por la telera nuestra de cada día, se puede ver hacia el futuro, con contenidos distópicos de ciencia ficción, RAISED BY WOLVES de Ridley Scott en Sky, o el que Amazon propone con SOULMATES o incluso el post-apocalíptico de Netflix con TRIBUS DE EUROPA.

Y es que después de un año en el que la pandemia ha hecho desaparecer toda la certeza, la industria del entretenimiento por plataformas no se detiene.

En Sky Atlantic and Now TV este dominguito sagrado llega el muy esperado Raised by Wolves, que ve a Ridley Scott por primera vez luchando con una serie de televisión, ya renovado para una segunda temporada. Scott está aquí como productor y director (de los dos primeros episodios).

La maternidad, la religión y los androides son los temas de una producción espectacular que se anuncia como un tributo a la ciencia ficción que ya no existe. Aquí están las atmósferas de sus obras maestras de ciencia ficción Alien y Blade Runner en una serie distópica de ciencia ficción con gran impacto visual y capaz de abordar temas importantes y actuales, desde preguntas sobre el significado mismo de la vida hasta el extremismo religioso y los conflictos que estos generan.

La serie, escrita por el guionista de Prisoners Aaron Guzikowski, también showrunner, habla de dos androides, Mother (Amanda Collin) y Father (Abubakar Salim), quienes escaparon de una Tierra devastada por la guerra entre ateos militantes y una orden religiosa cristiana, la de los Mitraics, para colonizar el planeta Kepler-22b.

Los androides traen consigo embriones humanos con los que iniciar una nueva civilización. Doce años después, sólo un niño, Campion, sobrevivió. Mientras que las perspectivas para el futuro de la colonia parecen sombrías, los tres descubrirán que no son los únicos refugiados de la Tierra en esta parte del universo. Junto con ellos una colonia humana ha aterrizado en el planeta virgen. Entre ellos miembros de la orden religiosa y ateo, como Marcus, interpretado por Travis Fimmel (Vikingos). Mientras que la colonia humana amenaza con ser destruida por las diferencias confesionales, los androides aprenden que controlar las creencias humanas es una tarea ardua e insidiosa.

Amanda Collin aparece como Madre, una poderosa androide de guerra conocida como Necromancer, que ha sido reprogramada para criar niños humanos en el planeta virgen, Kepler-22b, con el fin de establecer una civilización ateo.

También a partir de este día, SOULMATES por Amazon Prime Video, versará sobre si el amor puede ignorar el instinto para ser identificado, únicamente, a través de una fórmula científica. El mismo que, en un futuro cercano de Almas gemelas, dentro de quince años, ha hecho la fortuna de Soul Connex. La multinacional ha conseguido perfeccionar una herramienta de diagnóstico, una especie de prueba psicológica, científica y de aptitud con la que identificar la mitad ideal de sus clientes.

Cada uno de los seis episodios tiene un elenco diferente y explora varias historias que giran en torno a si descubrir o no el resultado de la prueba y su impacto en una multitud de relaciones. La serie está escrita por el autor ganador del Emmy Will Bridges (Stranger Things, Black Mirror) junto con Brett Goldstein (Superbob, Adult Life Skills).

Netflix ofrece desde el 19 de febrero en todos los países donde el servicio está activo, TRIBUS DE EUROPA una historia post-apocalíptica en la que el futuro del viejo continente está en peligro por un apocalipsis inexplicable.

La serie, creada por los autores de Dark, un exitoso proyecto en serie alemán en Netflix, está ambientada en 2074. Europa ha sido devastada por una misteriosa catástrofe mundial, como resultado de la cual el continente se ha dividido en tantos microestados. Desencadenar la lucha por el dominio es la rivalidad entre las tribus europeas de supervivientes, de ahí el título.

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Larga vida a dos monstruos míticos: Godzilla y King Kong 2021

HOLLYWOOD.- Una larga vida cinematográfica le depara a los monstruos, sobre todo si portan los nombres de Godzilla y King Kong, quien no solo siguen vivos sino compiten periódicamente en la Tierra hasta su última gota de sangre.

GODZILLA VS KONG de Adam Wingard, preparan este año un nuevo round de pelea por sobrevivir en la escasa exhibición cinematográfica. La película con ambos monstruos legendarios será la cuarta entrega.

Godzilla es el monstruo más joven de los dos, ya que es un kaijo (monstruo) del cine japonés que se remonta a 1954 con la película del mismo nombre, el antepasado de la popular saga de dinosaurios atómicos.

Los orígenes están todos en el lado de King Kong, un gorila gigante originario de Skull Island y nombrado Kong en la película original de 1933 (King fue añadido más tarde). También conocida como “la octava maravilla del mundo”, en el remake de 2005 se evoca como el último espécimen de una especie gigante de primate, conocida como Megaprimatus Kong. Sin embargo, es el primer kaiju creado, siendo el primer monstruo gigante en el cine.

Entre Godzilla y King Kong la diferencia está sobre todo en los sentimientos. Si el primero es una especie de dinosaurio lleno de sólo fuerza ciega y brutal, lo mismo no se aplica a King Kong que, gracias también tal vez a sus formas antropomórficas, tiene un corazón y se enamora.

Este es el caso de la primera película de 1933, donde el mono pierde la cabeza por la hermosa Ann (Fay Wray) y sigue siendo así en GODZILLA VS KONG donde la ternura del monstruo tiene como objeto una niña llamada Jia. En esta última película de Wingard, estos míticos oponentes se encuentran en una espectacular batalla con “el destino del mundo preparado”, afirma la sinopsis.

“Kong y sus protectores -continúa- se embarcan en un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar, y con ellos está Jia, un joven huérfano con quien ha bifurcado un vínculo único y poderoso. Pero se encuentran, en mar abierto, inesperadamente un enfurecido Godzilla. El enfrentamiento épico entre los dos titanes, instigado por fuerzas invisibles, es sólo el comienzo del misterio que se encuentra en lo profundo de la Tierra.

Para prepararse, el director Adam Wingard (Home Sick, Pop Skull) dijo en una entrevista que había revisitado las películas de Godzilla y King Kong con las que creció, lo que renovó en él el sentido de empatía que sentía por estos monstruos cuando era niño.

“Algunas de esas películas que no había visto desde que era un niño, así que verlas de nuevo fue muy divertida -explica el director-. Ser capaz de volver a esos tiempos y revivir esas sensaciones, me unen con ese mundo distante.

“En resumen -continúa Wingard- me gustaría que el público estuviera emocionalmente involucrado, no sólo hacia los personajes humanos, sino también hacia los monstruos. Me gustaría -concluye- que la gente realmente derramara lágrimas al final de la película”.

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Va de nuevo: hasta octubre el filme de James Bond, “No Time To Die”

NUEVA YORK.- La próxima entrega de las aventuras del agente secreto James Bond, NO TIME TO DIE, que debería haberse estrenado en las salas el pasado 2 de abril, llegará hasta el 8 de octubre, debido a la pandemia de Covid-19.

Londres está en pleno confinamiento, mientras que Estados Unidos sufre una crisis sanitaria que no se veía desde hace un siglo. El jueves, el virólogo estadounidense Anthony Fauci, al presentar en la Casa Blanca el plan de lucha contra el Covid-19 del nuevo gobierno a cargo de Joe Biden, ratificó un “eventual” retorno a la “casi normalidad” -esto incluiría cines, teatros, restaurantes y escuelas- a inicios del otoño si para fines del verano se logra que el 70% de la población esté vacunada.

La postergación de la programación no tomó por sorpresa a Hollywood: se había hablado ya del tema la semana pasada.

NO TIME TO DIE es el filme 25 de la serie, inspirada inicialmente en las novelas de Ian Fleming y el último en el que el británico Daniel Craig interpretará al célebre espía.

El elenco incluye a otras estrellas, como Rami Malek, en el papel de Safin, el enemigo de Bond; Lashana Lynch; Léa Seydoux; Ben Whishaw y Christoph Waltz.

La compañía Metro Goldwyn Mayer (MGM) tiene el control de la distribución en América del Norte mientras que Universal posee los derechos internacionales. La película demandó un presupuesto de alrededor de 200 millones de dólares y se necesitan ingresos globales de taquilla sustanciales para equiparar la inversión, argumentó la revista Variety.

El último filme de Bond, Spectre, recaudó en 2015, 880.6 millones de dólares, cifra imposible de obtener en meses durante los cuales la mayor parte de los cines están cerrados y los pocos que están abiertos funcionan con capacidad reducida.

 NO TIME TO DIE fue la primera película víctima de la pandemia, cuando en marzo pasado su estreno había sido pospuesto para noviembre, y luego aplazado nuevamente para abril.

La postergación anunciada hoy podría inducir a estudios rivales a hacer lo mismo para las pocas películas todavía en cartel este año.

En tanto, el puesto vacante dejado por James Bond ya fue ocupado por el thriller de acción de Universal Nobody, que se debería haber estrenado el 26 de febrero.

Por su parte, Sony aplazó los lanzamientos de Peter Rabbit 2, Ghostbuster:Afterlife y Cenicienta, mientras que Focus Feature cambió el estreno de Last Night in Soho, de Edgar Wright, del 23 de abril al 22 de octubre.

También es probable, señaló Variety, que F9, la secuela de Rápido y furioso de Universal, no conserve su fecha de estreno, programada en principio para el 28 de mayo.

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James Earl Jones, 90 años del actor tartamudo de voz privilegiada

LOS ÁNGELES.- Es el actor con una de las voces más inconfundibles del cine americano y protagonista con papeles que han hecho historia. Es JAMES EARL JONES, quien cumple este día 90 años.

EARL JONES nació el 17 de enero de 1931 en Mississippi pero criado en Michigan. JONES es conocido, entre otras destacadas actuaciones, por su papel como Alex Haley en Roots, seguido de Thulsa Doom en Conan el Bárbaro, y el Almirante Greer en The Hunt, en filmes como Octubre Rojo, Power Games, Under the Sign of Danger. Su papel como el rey Joffy Joffer en Coming to America (1988), el padre del príncipe Akeem interpretado por Eddie Murphy, también es inolvidable.

Pero su fama también está ligada a su carrera como actor de voz. La suya es la voz de Dart Fener en las sagas de Star Wars y Mufasa en El Rey León (así como en su secuela y remake).

También es la voz detrás del anuncio de This is CNN. Sus actuaciones le valieron diez nominaciones al Emmy, ganando 3 de ellas, 5 premios Globo de Oro y un Premio de la Academia al Mejor Actor Principal por la película To Rise Lower, mientras que en 2012 recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria. Por sus obras de teatro, ganó dos premios Tony.

Sin embargo, JONES, una de las voces más reconocibles del mundo, tiene un pasado como tartamudo. Como él mismo relató en el pasado en una entrevista, cuando era niño, criado por sus abuelos maternos, luchó con una forma de tartamudeo que lo dejó casi mudo durante los primeros ocho años de su vida. “Como un niño- recodó – sólo me comunicé con mi familia o al menos con aquellos que no se sentían avergonzados por mi tartamudez y vergüenza. En cambio, me comuniqué con animales con bastante libertad, a saber, cerdos, vacas y pollos. A ellos no les importa cómo suene tu voz”.

JONES también fue presa de las burlas de sus compañeros de clase en la escuela y en un momento dejó de hablar. En cambio, lo hizo en la escuela secundaria y gracias a un profesor de inglés que comenzó en la poesía.

El actor una vez escribió un poema tan hermoso que el mismo maestro dudó que fuera original. Así que lo invitó a recitarlo de memoria delante de la clase. Lo cual hizo porque fueron sus palabras y desde entonces ha estado en el camino de ponerse detrás del trastorno del habla.

Hoy, a pesar de los éxitos de su carrera, no se siente capaz de decir que ha salido completamente de ella. “No puedo decir que estoy curado – comentó ¡trabajo en ello!”.

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Robert Redford vende el Sundance Mountain Resort, su gran pasión

UTAH.- ROBERT REDFORD, el dos veces ganador del Oscar, actor, director y ambientalista, ha vendido el Sundance Mountain Resort, el pueblo de lujo empapado en la naturaleza de Utah entre los principales destinos de montaña de América del Norte, pero continuará con el Sundance Film Festival y el Sundance Institute.

REDFORD la fundó en 1969, hace más de 50 años, convirtiéndola, entre otras cosas, desde la década de 1990, en uno de los lugares (además de Salt Lake City y Park City) del festival de cine del mismo nombre que fundó con Sidney Pollack. La venta es el resultado de un plan estratégico a largo plazo diseñado para preservar y consolidar el legado de Redford en el complejo, incluyendo un compromiso continuo con el desarrollo responsable y la conservación de la tierra.

El complejo de 2,600 acres incluye 1,845 acres de tierra restringida. Coincidiendo con este anuncio, Redford y su familia se asociaron con Utah Open Lands para proteger permanentemente más de 300 acres de hábitat natural prístino, arroyos y humedales donde se encuentra incluso la construcción más reciente, Elk Meadows.

Sundance es como ninguna otra montaña en Utah o los Estados Unidos. Dominando el cañón donde se encuentra el complejo se encuentra el Monte Timpanogos con las emblemáticas Cataratas Stewart, famosas rutas de senderismo y esquí de fondo, y durante años ha sido un lugar diferente de los otros teniendo conciencia ambiental en su centro cuando ciertamente no estaba de moda. Aunque muchos huéspedes son ricos, Everett Potter relata en uno de sus partidos, el complejo nunca ha sido llamativo o una extensión de Hollywood, a pesar de la propiedad de una estrella como Robert Redford.

Pero, ¿cómo llegó allí? Redford descubrió el área que se convertiría en Sundance en la década de 1950 cuando viajaba en motocicleta desde su casa en California (nació en Santa Mónica el 18 de agosto de 1936) para ir a la universidad en la Universidad de Colorado. Más tarde conoció y se casó con Lola Van Wagenen, una chica de Provo, la ciudad cercana, regresó y compró dos acres por $500 en 1961 a los propietarios, una familia de pastores nacidos en Escocia que dirigían un negocio de alquiler de esquís en Timp Haven.

Redford construyó una cabaña y vivió el estilo de vida del hombre de la montaña con su joven familia en el momento de sus primeras películas. Pero a finales de la década de 1960, los especuladores estaban al acecho para cambiar la cara de Utah, con construcciones intensivas inadecuadas para el plan de la naturaleza.

Redford se movilizó contra ellos, financiando la protesta. Pero mantener Sundance requería un beneficio, por lo que para el naciente Sundance Mountain Resort construyó la primera de 95 cabañas a finales de la década de1980 y finalmente permitió la construcción de más de 200 casas privadas, la mayoría de ellas enclavadas en árboles. El Foundry Grill y The Tree Room fueron abiertos, con un enorme pino creciendo en el centro del restaurante. Lo mismo ocurrió con la barra Owl, con su contador de roble encargado por el verdadero Butch Cassidy. Redford lo descubrió en Wyoming y lo restableció.

La venta reciente incluye todos los activos de la estación de montaña Sundance, incluidos los edificios del complejo, los remontes, los sitios para comer y los espacios para eventos. No afecta a la estructura o participación de Robert Redford en el Sundance Institute y Sundance Film Festival, The Sundance Catalog, Sundance TV o el Redford Center. El complejo continuará organizando talleres y eventos organizados por el Sundance Institute y el Redford Centre, incluyeno el Festival de Cine de Sundance anual.

HA DICHO:

“El cambio es inevitable y durante varios años mi familia y yo hemos estado pensando en mudarnos a una nueva propiedad para el complejo. Sabíamos que en el momento adecuado y con las personas adecuadas podíamos hacer la transición. Broadreach y Cedar comparten nuestros valores e interés en mantener el carácter único del complejo, honrando su historia, comunidad y belleza natural. Esto los hace adecuados para asegurar que las generaciones futuras puedan seguir encontrando consuelo e inspiración aquí”, dijo el actor.

UN DATO:

Broadreach Capital Partners con sede en Palo Alto, California, posee las principales empresas de gestión de hoteles/resorts, incluyendo hoteles urbanos como The Carlyle, Nueva York. Cedar Capital Partners, con sede en Nueva York y Londres, posee, entre otras cosas, The Hoxton Hotel, Roma; The Grosvenor Hotel, Edimburgo; El Hotel Lloyd, Amsterdam.

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“Bridgerton”, por la igualdad y la inclusión, suma fans por Netflix

LONDRES.– Ambientada en el período Regency de la primera mitad de la década de 1800, BRIDGERTON, recien estrenada en Navidad por Netflix, se ubicó de inmediato entre las diez mejores del mundo, tan sólo el tráiler ha tenido más de 580 mil visitas en Youtube y tantas en Twitter.

BRIDGERTON es una producción de Shondaland, la compañía estadounidense de SHONDA RIHMES, autora de éxitos como Grey’s Anatomy y Scandal. La firma es de Chris Van Dusen Practice, su antiguo colaborador. RHIMES tiene su primera colaboración con Netflix bajo su sello inconfundible: romance, personajes femeninos llevados a la primera vista y misterio. The Bridgertons Chronicle fue realizada en Inglaterra, en la ciudad de Bath, el lugar de nacimiento de las novelas de Jane Austen, y es uno de los ocho proyectos en los que la Shonda Rhimes está trabajando actualmente.

La serie transita entre Gossip Girl y Downton Abbey. La atmósfera de los castillos ingleses, el susurro de la maravillosa ropa en el color de moda en el momento, el polvo azul, los chismes, los escándalos, BRIDGERTON captura al espectador con una historia de época. Los protagonistas son ricos, atractivos y sus historias de amor se entrelazan y causan estragos en la corte.

Incluso dentro de ese tipo de sociedad, se llevan a cabo sutiles luchas de clase alta, con personajes que buscan una escalada social, respetabilidad. Las mujeres jóvenes, educadas en cada formalidad, sólo tienen un propósito: encontrar un marido y posiblemente una nobleza superior, como para los nobles jóvenes, la infelicidad está asegurada si el corazón late para una mujer de clase trabajadora. Tener una boda de alto linaje y al mismo tiempo de amor es como ganar la lotería.

La misteriosa Lady Whistledown -cuya identidad no conocemos hasta el penúltimo marco de la primera temporada- alimenta su periódico con estos secretos, revelando hechos privados. Esta vez dejamos a principios del siglo XX de Downton Abbey para aterrizar en el Londres de la Regencia, una época que va de 1795 a 1837. Un período de excesos para la aristocracia británica, con todo lo que sigue en términos de disfraces, muebles, fiestas deslumbrantes.

Es una serie inspirada en las novelas de Julia Quinn. Shondaland es la saga, publicada entre 2000 y 2016, escrita por la estadounidense Quinn Julia, autora de docenas de novelas premiadas y traducida a más de treinta idiomas y compuesta por ocho novelas, la primera de las cuales, El duque y yo, es la base de la primera temporada. Todas las novelas han sido reeditadas en Italia. Los tres primeros títulos son: Il duca e io, Il visconte che mi amava, La proposta di un gentiluomo. Durante 2021 se publicarán los otros cinco libros: Un hombre para conquistar, Un Sir Philippe con amor, Loving a Libertine, Everything in a Kiss, True Love Exists. Cada uno de los volúmenes contiene, además de la novela, el segundo epílogo escrito por el autor años más tarde).


LA TRAMA:

La historia tiene lugar entre 1813 y 1827 y cuenta las historias de los ocho hijos del vizconde Bridgerton: el primogénito Anthony, luego Benedicto, Colin, Daphne, Eloise, Francesca, Gregory y el pequeño Hyacinth.

En esta primera temporada seguimos a Daphne Bridgerton, interpretada por Phoebe Dynevor, la primogénita de la edad de su marido. Cuando su hermano rechaza su noviazgo, el periódico de escándalo de Londres, dirigido por la misteriosa Lady Whistledown, propaga calumnias sobre la joven. Por lo tanto, Daphne debe hacer malabarismos con su imagen pública y su atracción por el guapo duque de Hastingsun soltero buscado por todas las madres de los debutantes, rebeldes y con un pasado de gran sufrimiento interior. A pesar de que los dos fingen por diferentes razones de estar comprometidos, las chispas vuelan…

UN DATO:

El casting fue inclusivo. Se puede decir que BRIDGERTON es una de las primeras series resultantes de los acuerdos inclusivos lanzados recientemente en Hollywood para hacer el cine más igualitario, en los temas tratados y en la elección de los actores. Después de mucho tiempo favoreciendo a los actores blancos, los directores de casting ahora confían en perfiles de todos los orígenes, frente a los anacronismos.

Mientras que el papel de Daphne Bridgerton ha sido confiado a una actriz blanca, otros personajes son interpretados por personas de color y en los más altos niveles de la escalera social. Así es como la reina Charlotte (Golda Rosheuvel), el apuesto duque de Hastings, interpretado por Regé-Jean Page, originario de Zimbabue, es negro. Lidera el camino en una ola de películas llamadas ‘color color’ en las que el color de la piel no se tiene en cuenta en la elección de los artistas (hay una Mary Queen of Scots con Gemma Chan, una historia de David Copperfield con Dev Patel, por ejemplo).

¿Y LADY WHISTLEDOWN?

La voz de esa señora silbada, que lee los acontecimientos de la aristocracia británica, Lady Whistledown es la de Julie Andrews.

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“La madre del Blues”, tributo a Chadwick Boseman por Netflix

De los estrenos decembrinos por Netflix, sobresale LA MADRE DEL BLUES (MA RAINEY’S BLACK BOTTOM), última película de Chadwick Boseman (Black Panther), quien falleció a finales de agosto derivado de un cáncer de colón detectado hace cuatro años y que el actor guardó en el secreto.

Boseman comparte su último rol con VIOLA DAVIS en una destacada actuación como la popular cantante e blues Ma Rainey, quien destila a lo largo del filme su fama de diva en una larga sesión de grabación en la que todo sucede…hasta una tragedia.

LA MADRE DEL BLUES (Ma Rainey’s Black Bottom) es una película biográfica estadounidense de drama y musical dirigida por George C. Wolfe, bajo la producción de Denzel Washington. Está basada en la obra homónima de 1982 escrita por August Wilson.

Para este Dominguito Sagrado una acertada elección para disfrutarse por Netflix.

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Una Playlist navideña a la orden

LONDRES.- Lo mejor que uno puede esperar para una lista de reproducción selecta es que ayuda a aliviar una Navidad tan difícil. A continuación, se puede comenzar con Happy Christmas, el clásico pacifista grabado por John Lennon con la Plastic Ono Band en 1971.

Y ya que la canción fue producida por Phil Spector, el genio maldito de la muralla del sonido, vale la pena pescar en el legendario Un regalo de Navidad para ti, un álbum de Navidad (incluido en los 500 mejores títulos de la historia) hecho por Spector: si hay que elegir una canción esa es Frosty The Snowman por los Ronettes. Le golpea el pie con el ritmo oscilante de What Christmas Means To Me, de John Legend con Stevie Wonder.

Para permanecer en un campo de jazz y no olvidar la canción de Navidad más clásica, se puede cambiar a White Christmas en la versión de Charlie Parker, entonces otro súper clásico, Let It Sno como la Orquesta Conde Basie y una joya, Christmas in New Olreans, con Louis Armstrong y la gran banda de Benny Carter.

También puede seleccionarse Christmas Waltz cantado por Tony Bennett, luego volar con Herbie Hancock con I’ll Be Home for Christmas y cerrar la sección Swing con el bluesone orquestal de Etta James Merry Christmas Baby y la versión traviesa de Santa Baby.

Un paseo a través de Home for Holydays con Cindy Lauper y Norah Jones y te metes en un ambiente más rock pop con 2000 Millas de los Pretenders, Christmas Time por smashing pumpkins, Christmas (Baby, Please Come Home) de U2, Father Christmas de Kinks, We Wish You a Merry Christmas de Weezer, Thank God It’s Christmas de Queen, Christmas All Over Again de Tom Petty & The Heartbreakers, Wonderful Christmastime de Paul McCartney.

Para ir entonces a climas más inusuales está el dúo pop Summer Camp con Christmas Wrapping, otoño con Hark the Herald Angels Sing, Pearl Jam con Let me Sleep (It’s Christmas Time), los Ramones con I Don’t Want To Fight Tonight, Christmas in Hollis de Run D.M.C. Kelly Finnigan’s Santa’s Watching You (una primera) es un puente a algún soul groove como el James Brown de Santa Claus Go Straight to The Ghetto.

Finalmente Robbie Williams con el nuevo sencillo (y video en el que interpreta a Boris Johnson) Can’t Stop Christmas (Columbia Records/Sony Music), contenido en la versión de lujo del álbum The Christmas Present : con un espíritu irónico reflexiona sobre un 2020 sin precedentes: “Santa Claus está en su trineo, pero ahora está a dos metros de distancia”, una melodía alegre con el tintineo de campanas para imaginar el espíritu de la Navidad 2020.

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Un nuevo Batman negro llegará en versión de DC Comics

NUEVA YORK. – DC Comics anunció que habrá un nuevo Batman que será negro, noticia que dejó sorprendidos a los fanáticos del encapuchado, quienes reaccionaron en las redes sociales con opiniones encontradas.

La nueva serie de cómics estará escrita por el guionista de 12 Years a Slave, John Ridley, con arte de Nick Derington y Laura Braga.

El próximo en ponerse la capa y la máscara con orejas de murciélago se llamará Tim Fox y será el hijo separado del gerente comercial de Bruce Wayne, Lucius Fox. Fox apareció por primera vez como personaje de Batman en 1979, y poco a poco fue ganando importancia tanto en los cómics como en las versiones cinematográficas.

La nueva serie de Batman se desarrollará en una futurista ciudad de Gotham, que estará controlada por un magistrado, quien será el villano de la historia.

En esta versión de Gotham, todos los justicieros urbanos han sido prohibidos y el Batman original ha sido asesinado. Esa es la explicación para la aparición de Fox como el nuevo hombre-murciélago, quien tendrá la tarea de salvar a la ciudad de la corrupción del magistrado.

“En este futuro, Gotham City está controlada por el Magistrado. Este malvado régimen ha tomado el control de la ciudad, ahora bajo constante vigilancia. Todos los vigilantes enmascarados han sido proscritos y Batman ha sido asesinado”, informó DC Comics a través de un comunicado.

“Pero liderado por un Batman completamente nuevo, una nueva asamblea de guardianes de Gotham se levanta para dar esperanza a todos aquellos que la perdieron!”, continuó la compañía dueña de los derechos de personajes como Superman y Wonder Woman.

El guionista Ridley había revelado previamente al New York Times que el próximo Batman sería una persona de color.

Hablando sobre la emoción de su nuevo proyecto, Ridley dijo: “Ellos aprecian las cosas que hago. Están felices por mí. Son grandes partidarios. Pero preferirían ver Black Panther a 12 Years a Slave , seamos honestos”.

“Entonces, para poder escribir el próximo Batman, para que sepan que este próximo Batman será negro, todos los demás en el planeta pueden odiarlo, tener un problema con él, denigrarlo, pero yo tengo mi audiencia, a quienes les encanta”, agregó.

Fox hará su primera aparición en el nuevo Future State de cuatro números, The Next Batman, a partir de enero. 

EL PRIMER BATMAN EN LA PANTALLA

Desde que Batman apareció en el número 27 de Detective Comics en 1939, su poderosa y nocturna imagen caló de manera profunda en el imaginario ficcional de los lectores. En esencia, aquellos primeros superhéroes del cómic eran la revisión de los personajes extirpados de los seriales pulp, auténticos fenómenos de las emisiones radiofónicas antes de la llegada de la televisión como gran medio de comunicación de masas.

Tanto fue el éxito del implacable justiciero que pronto se decidió lanzar a Batman a su propio serial cinematográfico. Como decíamos, la televisión no era precisamente a principio de los 40 el omnipresente aparato en cada casa, así que esta clase de productos se estrenaban en los cines como previo a las películas de la cartelera.

El primer actor que se enfundó la capa del murciélago fue Lewis Wilson, en el serial que duró quince episodios producidos por Columbia Pictures. El producto final queda para la historia como curiosidad delirante, puesto que la escasez de presupuesto y las limitaciones de la época distan bastante de las intenciones de trasladar las intrépidas aventuras de Batman a la imagen real. Además, como casi todos los seriales creados en aquella época, el fuerte tono propagandístico, con los Estados Unidos inmersos en la Segunda Guerra Mundial, hacen el visionado algo indigesto.

Cambios importantes, como el hecho de que el justiciero fuera un agente al servicio del gobierno, trastocaban la esencia del original creado por Bill Finger y Bob Kane. A pesar de estos tropiezos conceptuales, sí que es cierto que introdujo aspectos que han quedado como canónicos a lo largo de la historia del Caballero Oscuro, como la aparición de la Baticueva o el aspecto de Alfred, representado hasta entonces como un hombre pasado de peso en la páginas del cómic.

A pesar de sus muchos tropiezos, el serial fue un éxito, y consiguió una secuela en 1949, con Robert Lowery en el papel del héroe, y que recibió el título de Batman y Robin.

AQUELLOS LOCOS AÑOS 60

La serie de los años 60 se ha convertido en un objeto de culto con el paso del tiempo. Hija de su época, el producto es una colorida alucinación pop que ha marcado a varias generaciones. Lo cierto es que poco tiene que ver con la imagen de Batman como oscuro vengador nocturno, y el tono de la serie, emitida de 1966 a 1968 con 120 episodios en total, se centra en la comedia y las situaciones disparatadas.

Entre el absurdo talento detectivesco y los descabellados planes de la pintoresca galería de villanos, cada episodio se convierte en auténtico desbarre que provoca sentimientos dispares, entre la perplejidad y la risa. Las míticas escenas de acción llenas de referencias comiqueras y la banda sonora, que es parte de la cultura popular por méritos propios, redondean esta esencia de producto de culto.

Muchos son los que reniegan del espíritu burlón de la serie, pero, para ser justos, las rocambolescas historias de Batman y Robin en estos 120 episodios no difieren mucho del tono que impregnaba las páginas del Batman de la viñeta durante esa época, alejado del aspecto gótico y casi vampírico de los primeros años de carrera del personaje.

BATMANÍA

En 1989 el cine de superhéroes no era, ni de lejos, la máquina de hacer dinero que es hoy en día. Pocas productoras apostaban por adaptaciones del noveno arte, y los pocos productos que llegaban a las pantallas tenían resultados entre lo cómico y lo insultante. Salvo excepciones, como el innovador Superman de finales de los 70, dirigido por Richard Donner, los héroes en la pantalla eran un yermo de falta de presupuesto sustentado en la idea de que el espectador que llega desde el cómic no es muy exigente.

Pero entonces apareció Warner, que tiró la casa por la ventana con la ambiciosa adaptación del torturado héroe de DC. Como director de orquesta, Tim Burton, joven realizador que ya había demostrado ser dueño de un surrealista universo personal, perfecto para la adaptación de la oscuridad inherente al cruzado de la capa.

Que Burton tenía una idea muy determinada de lo que significa Batman quedó claro desde los primeros compases de la producción, y certificó las preferencias personales para hacer un Caballero Oscuro a su imagen y semejanza al imponer el papel protagonista. Nadie apostaba porque el papel recayese en las manos de Michael Keaton, un tipo de imagen casi anodina, de tipo normal, actor que venía de la comedia que incendió las iras de los fanáticos del personaje.

Hablamos de un mundo sin redes sociales, pero el ruido también fue bastante evidente, con miles de cartas en las oficinas de Warner y DC mostrando frustración y desencanto ante la elección más inesperada de la historia del cine. Como decíamos al principio, las polémicas con todo lo que rodea una película de Batman no son cosa del siglo XXI, y, efectivamente, llegaron quejas no solo por Keaton. El traje, el aspecto de Gotham, las licencias que estaba tomando Burton (más cercano a la serie de Adam West que a los cómics de DC)…

BATMAN DESPUÉS DE BURTON

Tras dos entregas de las aventuras del protector de Gotham, Tim Burton cedió el testigo al recientemente desaparecido Joel Schumacher. Lo que hizo el nuevo director fue aumentar la sensación circense del espectáculo, cambiando el gótico por la psicodelia de neón y excesos. El primer elegido tras la espantada de Michael Keaton fue Val Kilmer. Actor todoterreno, su porte elegante parecía ideal para la personificación del melancólico millonario Bruce Wayne. Es curioso que, a pesar de ser a priori más aristocrático en apariencia que su antecesor, pasó sin pena ni gloria, un carisma cercenado por el propio tono de la película, Batman Forever (Joel Schumacher, 1995).

No tuvo que terminar muy convencido de la experiencia, puesto que para la siguiente entrega de la franquicia, decidió bajarse del barco. En otra de esas decisiones fuera de toda lógica, George Clooney aceptó la responsabilidad de vestir el manto. Nadie entiende muy bien qué le llevó a aceptar el papel, curtido en papeles muy diferentes a lo que proponía el universo Batman por entonces. El desastre estaba servido, y Clooney es otro de los absurdos que pueblan la que fue última entrega de aquel Batman exagerado hasta la parodia que Burton inició.

BATMAN Y SU MAJESTAD NOLAN

Pasaría un tiempo hasta que Warner recupera el interés por recuperar a su personaje insignia. Cuando llegó el momento, se apostó fuerte por el retorno. Como punto de partida, signo de lo ambicioso del proyecto, la visión de Christopher Nolan, director llamado a ser de los grandes de su generación, y que pondría el ladrillo definitivo de su carrera con el éxito de la trilogía alrededor del Caballero Oscuro.

Christian Bale, actor de método, intenso y dedicado, se vestía del superhéroe en la que es, quizá, la versión más realista de la leyenda del justiciero. Bale dotaba de humanidad a su Bruce Wayne, lleno de conflictos internos, dividido entre la responsabilidad de su cruzada y el sueño de una vida alejada del camino solitario del justiciero. Para muchos, el Batman definitivo, con el que Bale demostró su capacidad para afrontar las partes tanto físicas como emocionales del personaje.

BATFLECK Y LA LIGA DE LA JUSTICIA

La elección de Ben Affleck para la versión de Zack Snyder del icono de DC también fue motivo de tirones de pelos y alzamiento de puños en señal de venganza. Nadie tenía esperanza en que un actor en plena decadencia fuese capaz de dar sentido a la leyenda. Para sorpresa de todos, Affleck dio en el clavo con un Batman crepuscular, alejado del héroe sin tacha de moral incuestionable de otras versiones. Sin duda, es de lo mejor de la excesiva y, en ocasiones ridícula, visión de Snyder de los personajes de DC, y su uniforme es especialmente cercano a lo que podemos ver el cómic, punto diferente a las armaduras de combate urbano que habíamos visto hasta el momento.

Por desgracia, los problemas del universo cinematográfico de DC han cercenado las posibilidades de la lectura que Affleck hizo del personaje, que, a pesar de todas las licencias que se tomó Snyder en su construcción, consiguió hacer suyo.

El futuro es Pattison, actor que, por lo que parece, nunca se quitará el estigma de los comienzos de su carrera como ídolo adolescente. Ha demostrado con convicción y riesgo que hay mucho talento en sus intenciones, y tablas de sobra como para el manejo de un Batman que promete, por lo visto en los avances, grados desconocidos de introspección. Esperemos que las polémicas den paso al atronador silencio y el convencimiento hasta del escéptico combativo. Ya queda menos para que disfrutemos de The Batman (Matt Reeves, 2021). ¿Aportará algo al colapsado universo de los superhéroes? ¿Será más de lo mismo?

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Subasta de récord: el arma original de James Bond por 250 mil dólares

NUEVA YORK. – El arma original de James Bond tiene a partir de ahora un nuevo dueño, quien pagó más de un cuarto de millón de dólares por la pistola Walter PP, que utilizara el recientemente fallecido Sean Connery en la primera película del agente 007, Dr. No.

El vendedor de recuerdos de Hollywood, Julien’s Auctions, vendió la pistola Walther utilizada por Connery en la primera película de James Bond por 256,000 dólares.

La histórica arma de fuego fue el artículo más vendido en la subasta del 3 de diciembre de la casa de subastas con sede en Beverly Hills, California, que incluyó más de 500 disfraces, accesorios y artefactos de Hollywood.

“En el debut cinematográfico del personaje de James Bond, Connery usa esta arma de héroe a lo largo de la película”, escribió Julien’s Auctions en un comunicado de prensa.

“La silueta de Walther PP ha servido como la imagen icónica clave para el personaje de James Bond desde que la franquicia cinematográfica debutó con Dr. No, y esta pistola fue la primera de todas las que siguieron”, agregó.

El comprador se identificó a sí mismo como un estadounidense anónimo y fanático acérrimo de superagente secreto que “ha visto todas las películas de James Bond con sus hijos”.

Otros artículos vendidos en la subasta incluyeron dos piezas de recuerdos de Tom Cruise: un casco de piloto de combate hecho especialmente para él y usado en Top Gun, que fue vendido por 108,000 dólares, y una gorra de oficial de la Marina hecha para su personaje, en 9.375 dólares.

También fueron subastados varios accesorios del clásico de culto de 1994 de Quentin Tarantino, Pulp Fiction; una espada Katana utilizada por Bruce Willis que recaudó 35.200 dólares, 35 veces más de lo que se esperaba, y un kit médico de adrenalina con jeringa y usada en la icónica escena de la sobredosis de heroína que sufre Uma Thurman y que obtuvo 8,750 dólares.

Además, un guion de 158 páginas de The Godfather (El Padrino, 1972), marcado como Tercer borrador, se vendió por 10,240 dólares; una copia de Back to the Future Part II de 1989, 22.400 dólares; y el traje militar de Steve Martin del filme Dirty Rotten Scoundrels, 11,250 dólares.

CON INFORMACIÓN DE ANSA.

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Murió el actor británico David Prowse, Darth Vader en “Star Wars”

ROMA. – El actor británico DAVID PROWSE, quien interpretó a Darth Vader en la trilogía original de STAR WARS (La Guerra de las Galaxias), falleció a los 85 años, confirmó este domingo su agente Thomas Bowington.

 “Con gran tristeza doy a conocer la muerte de David Prowse”, sostuvo el Bowington en un mensaje en su página de Facebook, donde indicaba que falleció “ayer por la mañana, que la fuerza le acompañe siempre”.

Prowse antes de enrolarse en el mundo del cine había actuado como levantador de pesas en la ciudad inglesa de Bristol, también llegó a ser condecorado con un MBE (Miembro del Imperio Británico) por su papel en el Green Cross Code Man, un programa que promovía la seguridad vial en las carreteras de este país.

Obtuvo el papel en Star Wars principalmente por su imponente estatura, medía casi dos metros de alto. Pero debido a su fuerte acento británico del West Country, sudoeste de Inglaterra, considerado inadecuado para el papel, la voz de su personaje fue interpretada por James Earl Jones, quien con su profunda voz entró en la leyenda de la exitosa serie de películas.

Antes de iniciar su carrera en el cine, Prowse llegó a representar a Inglaterra en la modalidad de levantamiento de peso en los Juegos de la Commonwwealth a comienzos de la década de los 60.

Y antes del rol de actor, que desarrolló durante cinco décadas, sus servicios fueron requeridos dentro de los círculos de Hollywood, donde ayudó al malogrado Christopher Reeve a prepararse para las exigencias físicas del papel de Superman, como su entrenador personal.

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Miley Cyrus añora cantar en vivo, “viajar de nuevo por el mundo y conocer a mis fans”

LOS ÁNGELES.- “Lo que más me gusta es ser artista, así que siento un vacío, me duele este año sin música en vivo. No puedo esperar para volver al escenario y cantar las nuevas canciones en vivo, viajar por todo el mundo y conocer a mis fans”, compartió la cantante y actriz MILEY CYRUS, entrevistada en la radio, en RTL 102.5, en Los Ángeles, con motivo del lanzamiento este día de su nuevo álbum PLASTIC HEARTS (RCA Records/ /Sony Music).

Es el séptimo álbum de estudio de CYRUS, de 28 años, quien ha compartido su vida durante los dos últimos años con el también actor Liam Hemsworth.

Plastic Hearts contiene 12 pistas, incluyendo colaboraciones con Billy Idol, Joan Jett y Dua Lipa y fue precedido por Prisoner ft.

Acerca del álbum, Miley Cyrus está entusiasmada con la respuesta que ha tenido hasta ahora: “El disco se ha escuchado durante unas horas y la forma en que la gente lo ha percibido es el sueño de todo artista. Cuando lanzas un disco, la forma en que cada persona se relaciona con la música es única y parece que cada pista de este álbum está tocando a todas las personas de manera diferente para todos. Estoy recibiendo mucho amor y apoyo para el álbum, que es todo lo que un artista puede pedir”.

Al ser una inspiración para los demás, la artista estadounidense señala que está en la posición en la que se encuentra ahora también gracias a otras mujeres que han trabajado con ella: “Tengo que rendir homenaje y tributo a aquellos que me ayudaron a trabajar en este disco como Stevie Nicks y Joan Jett, mujeres que literalmente llevaron el camino que yo voy. Eran soldados, revolucionarias, un faro”.

La portada de Plastic Hearts fue tomada por Mick Rock, un fotógrafo histórico que a lo largo de su carrera ha inmortalizado a artistas como David Bowie, Lou Reed y Debbie Harry y que, incluso para Miley, logró capturar algo único: “El otro día me pregunté cuántas fotos me tomaron a lo largo de mi carrera y entre la alfombra roja y todo lo demás debe haber sido algo así como mil millones y no creo que nadie fuera capaz de fotografiarme de una manera tan natural como lo hizo. No inmortaliza la celebridad, la fama, rompe la personalidad que sale de lo que realmente ves. Te valora como ser humano y muestra tus energías internas, algo que me fue memorable y nunca lo olvidaré y tengo las fotos para probarlo”.

Hablando sobre su compromiso con el trabajo social, Miley Cyrus dijo: “Escribí el álbum justo después de un evento que organizo cada año en Los Ángeles que ayuda a las personas necesitadas. Muchos de ellos pertenecen a la comunidad LGBTQ, lo cual es muy importante para mí. Para mí soy una inspiración y también hablo de ello dentro de las canciones tratando de dar una visión positiva de la vida porque las dificultades siempre están ahí y lo principal es la empatía”.

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El hijo de Cuauhtémoc Blanco fue eliminado de Masterchef 2020

Ya se había salvado y se la habían perdonado a Cuau, hijo del ex futbolista y hoy gobernador del estado de Morelos, Cuauhtémoc Blanco, quien no dio una en su breve participación en MASTERCHEF, y fue eliminado por su platillo “Asado de bodas”, luego del veredicto de los jueces, los chefs Betty Vázquez, Adrián Herrera y José Ramón Castillo.

Durante la cuarta entrega del reality por Azteca Uno, se contó con la compañía del chef invitado Franco Noriega, quien visitó la cocina más famosa de México para compartir sus mejores consejos y conocimientos culinarios a los participantes con el objetivo de sobresalir en los difíciles retos y exigencias de los chefs.

Pare el reto de salvación de la noche, quedaron siete participantes que prepararon un “Caldo Rompecolchón” en donde los cuatro chefs explicaron la importancia en la preparación de la base principal que era el caldo aunado a la caramelización de los ingredientes.  

En esta preparación los cocineros más destacados fueron Soldado Esquivel con su propuesta “La Negra” y Atilana con el “Caldo Tamiahua”, recibiendo una “estrellita” de parte del Chef Herrera y comentarios positivos en general. Los menos favorecidos fueron el de Salime, Cuau, Meche, Eubiel e Itzel quien terminó con un sentimiento que la llevó a las lágrimas al no lograr sobresalir como ella lo esperaba. En este reto la ganadora fue Soldado Esquivel quien se libra del reto final.

El momento de anunciar el “Reto de Eliminación” llegó, en esta dinámica cada uno de los participantes pasó al frente en donde un gran pastel los esperaba y en el interior de cada una de las seis rebanadas contenía un anillo en donde el color de éste definió el platillo que tenían que presentar. La temática fueron tres platos típicos para una boda.

Erubiel obtuvo la opción de Postre al igual que Meche; Itzel y Salime “Mole Blanco”; finalmente, Atilana y Cuau obtienen la preparación de “Asado de Bodas”.

La primera en presentar su platillo fue Itzel, obteniendo buenos comentarios aunque hubo algunos detalles al igual que la segunda Atilana; Salime logró muy buenos comentarios mientras que Cuau y Erubiel no lograron convencer el exigente paladar de los jueces; finalmente, Meche logra buenos comentarios aunque falta estética en su platillo.  

Cuau fue el cuarto participante en entregar su mandil y abandonar su sueño de continuar en la competencia de cocina. 

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A paso lento y con más medidas, Hollywood reanuda producciones

NUEVA YORK.- Con la introducción de protocolos de seguridad mejorados, Hollywood a funcionar lentamente a medida que las películas, las series de Netflix y las cadenas reanudan sus producciones en medio de la pandemia.

La industria anunció la introducción de protocolos de seguridad mejorados y nuevas medidas diseñadas por gremios y sindicatos del espectáculo, junto con epidemiólogos y expertos en salud, para mantener baja la incidencia de Covid-19 en los sets de grabación.

Durante la primera ola de la pandemia, la industria fue tomada con la guardia baja y recibió un duro golpe, causándole pérdidas millonarias. La esperanza está puesta ahora en que, con medidas más estrictas, Hollywood podrá enfrentar mejor el futuro.

Sin embargo, los trabajadores del sector (actores, actrices, directores y productores) aún dan positivo, y no pueden regresar al trabajo debido a problemas de seguridad.

Al mismo tiempo, los estudios se enfrentan con el problema de que cientos de salas cinematográficas debieron cerrar sus puertas en medio de la crisis desatada por la pandemia. A medidas que los cines comenzaron a reabrir, la asistencia sigue siendo baja, por los temores al contagio.

Ante esta realidad, los estudios se ven obligados a impulsar los estrenos en plataformas digitales, tal como ocurrirá con Wonder Woman 1984, que se esperaba sería uno de los “tanques” del año y que, tras varias postergaciones, será estrenada tanto en cine como en HBO Max el 25 de diciembre.

La película demandó una inversión de 200 millones de dólares, y los productores ya anticipan que no recibirán los grandes números de taquilla.

“El cierre de la producción que ocurrió como resultado de la pandemia ha tenido un tremendo impacto negativo en las empresas y los medios de vida de nuestros miembros y trabajadores en toda la industria”, expresó David White, director ejecutivo nacional del Screen Actors Guild-American Federation of Television and Radio Artists (SAG-AFTRA).

Y agregó: “La pandemia ha generado una gran colaboración. Todos necesitábamos descubrir cómo trabajar juntos para recuperarnos y descubrir cómo hacer que la gente vuelva a trabajar”, agregó.

Otros sindicatos, como la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales, han elaborado protocolos similares para proteger a sus miembros.

Un miembro de ese sindicato, que trabaja en el departamento de vestuario en producciones de gran presupuesto, y que pidió permanecer en el anonimato por temor a represalias, describió algunas de las medidas de seguridad y dijo que había muchas discusiones sobre quién pagaría la factura final.

“El sindicato fue muy estricto sobre el hecho de que no volveríamos a trabajar sin hacernos una prueba”, dijo el miembro del sindicato. “Hay un ‘oficial de seguridad de Covid’ en cada sitio donde estamos trabajando”.

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