Perturbadoras revelaciones de la autopsia practicada a Michael Jackson

LOS ÁNGELES.- Siguen conociéndose detalles del estado del cuerpo de MICHAEL JACKSON en la autopsia que se le practicó a 11 años de distancia.

El Rey del Pop estaba obsesionado con la privacidad, tanto que se negó a dejar que los médicos se acercaran a ciertas partes de su cuerpo. Sin embargo, luego de su muerte en junio de 2009, su historial de cirugía estética y sus problemas de salud quedaron al descubierto durante la autopsia y se conocieron perturbadores detalles sobre el estado de la estrella del pop antes de morir.

Los primeros datos se conocieron en febrero pasado. Entonces, The Sun reveló que el cantante tenía pastillas parcialmente disueltas en el estómago y sobrevivía con solo una pequeña comida al día. Su cadera, muslos y hombros estaban cubiertos de marcas de pinchazos de las inyecciones de analgésicos que recibía a diario de su médico personal, Conrad Murray, quien fue declarado culpable de homicidio involuntario por administrar incorrectamente la droga que condujo a la muerte del artista.

Además, según el medio británico, los labios del “rey del pop” habían sido tatuados de color rosa mientras que sus cejas eran tatuajes negros y la parte delantera de su cuero cabelludo también había sido tatuado de negro para combinar con el color oscuro de su cabello.

Sus rodillas estaban misteriosamente magulladas y tenía cortes en la espalda. Pero lo más inquietante que se descubrió fue que su cabello ondulado, hasta los hombros, era una peluca pegada a su cabeza, ya que era calvo.

Se cree que Jackson comenzó a usar peluca tras sufrir quemaduras de segundo y tercer grado durante la filmación de un comercial de Pepsi en 1984. El rodaje en el Auditorio Shrine de Los Ángeles le exigió que bajara un corto tramo por unas escaleras mientras se lanzaban fuegos artificiales a su alrededor. Pero un problema técnico durante una toma provocó chispas que impactaron en el rostro de Jackson, quien terminó con varias heridas.

El documental Killing Michael Jackson, dirigido y producido por ZigZag, se centra en la muerte del cantante y presenta los testimonios de Orlando Martínez, Dan Myers y Scott Smith, los tres detectives que participaron en la investigación inicial de la muerte del músico. Allí se confirmaba que Jackson se había hecho un tatuaje en la parte superior de la cabeza para oscurecer la zona y disimular la ausencia de pelo.

“Cuando vi su cuero cabelludo observé cómo la parte superior de su cabeza estaba calva. Además, tampoco tenía casi pelo en los costados”, detalló Smith en el programa.

Ahora The Mirror, reveló que la autopsia también confirmó la verdad detrás de años de especulación sobre el cambio de color de la piel de Jackson. Siempre insistió en que el cambio en su apariencia a lo largo de los años se debía a la condición de la piel vitilago, que causa parches de pérdida de pigmentación.

Christopher Rogers, el médico que supervisó la autopsia, señaló que Jackson efectivamente sufría de vitiligo, añadiendo: “Por lo tanto, algunas áreas de la piel parecen claras y otras oscuras.”

La autopsia también mostró que existió una lucha desesperada por salvar a Jackson después de que fuera encontrado inconsciente en su casa. Los hematomas en el pecho y las costillas rotas se debieron a los intentos de resucitación por parte de los paramédicos que trataron de revivirlo antes de que fuera declarado muerto.

The Mirror también detalló uno de los más perturbadores hallazgos en el cuerpo del cantante: el deplorable estado de sus pies. Estaban llenos de hongos, callos y lastimaduras. “Parecían podridos”, aseguró el periódico.

Y es que el artista sentía vergüenza de sus pies. Nunca los dejaba al descubierto y tampoco dejaba que nadie lo tratara. El hecho de que siempre usara calcetines, incluso en su vida privada, le fue causando unos callos muy dolorosos y una infección por hongos tan severa que parecía que su piel se estaba pudriendo.

Según su médico Conrad Murray, la estrella estaba tan obsesionada con la privacidad que durante años se negó a que nadie le viera los pies, y mucho menos a tratarlos. En su lugar, Jackson desarrolló una adicción a los analgésicos. Describiendo los pies de Jackson en su autobiografía de 2016, This Is It, Murray contó: “Estaban cubiertos de callos… y tenían una infección fúngica crónica avanzada. Resultó que siempre usaba calcetines porque estaba muy avergonzado del aspecto de sus pies.Le sugerí que necesitaba un podólogo. Un día después de que sus pies fueran tratados, se sorprendió de que pudiera caminar y bailar sin dolor”.

“Más tarde le prescribí medicamentos antimicóticos para eliminar la infección. Fue un éxito total. Mientras tanto, yo personalmente le administraba regularmente lociones y masajes para eliminar la piel áspera”, reveló. Y agregó: “El hecho de que los pies de Michael, algo crítico para él, estuvieran en tan mal estado cuando murió es una señal de que no sólo se había descuidado a sí mismo, sino que los que le rodeaban no vigilaban de cerca su bienestar”.

Con información de ANSA

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“Chavela” conquistó a su México querido de propia voz, por Netflix

Directa, sin ambages ni medias tintas, así aparece, de principio a fin, CHAVELA VARGAS en el documental que lleva su nombre, por Netflix, luego de haber sido estrenado en el cine.

La tica María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano (San Joaquín, Costa Rica (1919-2012) A dos años de su estreno en los cines, CHAVELA llega a Netflix. El documental explora la vida de la cantante de origen costarricense en un viaje a través de su propia voz entre la soledad, los amores, el anhelo de conquistar su México querido y sus últimos años de vida.

Con Chavela Vargas la música ranchera tradicional mexicana tomó otro sentido con su singular estilo a la hora de interpretar sin caer en las poses y los lugares comunes, como la totalidad de cantantes femeninas, ataviadas a la clásica usanza percibida y adoptada a lo largo del cine mexicano.

Chavela Vargas conquistó México con su voz, su presencia y porte. Enfrentó y reto el machismo imperante, la discriminación y los estereotipos. Dejó atrás las criticas de su estilo de vida y su preferencia sexual, para entregar todo su corazón en cada una de sus presentaciones. 

UN DATO:

El documental, dirigido por Catherine Gund y Daresha Kyi, desnuda el alma libre de la cantante, así como su espíritu rebelde que permaneció con ella hasta sus últimos días de vida. De sus numerosos amores y romances, destaca sostenido con Frida Kahlo.

Aparecen videos inéditos, sus amores entrañables, sus debilidades y su alcoholismo permanente, así como entrevistas de personas allegadas a la artista,

El 30 de julio de 2012 fue internada en el hospital, con problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, esto tras el viaje a España. No quiso ser entubada, ya que quería tener una muerte natural.

UNA FRASE:

“Yo sabía perfectamente bien cuáles eran los costos, y claro que valió la pena. Le dije adiós a Federico, les dije adiós a mis amigos y le dije adiós a España. Y ahora vengo a morir a mi país.”

El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su fallecimiento a través de su Twitter oficial con la siguiente frase: «Silencio, silencio: las amarguras volverán a ser amargas… se ha ido la gran dama Chavela Vargas».

Durante su último concierto en Buenos Aires, declaró: “Pienso que sí me eternizaré. Pasará el tiempo y hablarán de mí una tarde en Buenos Aires. Cuando un día empiece a llover, les saldrá una lágrima, será una chavelacita muy chiquita”.

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Hay Ringo para rato en sus 80 años: lo festeja por YouTube a las 19 horas

Es, desde hace dos años, todo un Caballero del Imperio Británico, es fanático del futbol -su equipo es el Liverpool- y a pesar de haber sido el último del cuarteto de Lverpool en integrarse, fue el primero en abandonar a The Beatles, luego de la disputa entre sus integrantes Paul McCartney y John Lennon. Sir RINGO STARR cumple 80 años de vida y lo celebra en tiempo real por streaming.

En sus cuentas de Twitter (@ringostarrmusic.com tiene 1.9 millones de seguidores) e Instagram (@ringostarrmusic, con 848 mil), todos sus posteos los cierra con la frase “peace&love (paz y amor)”. “Estoy contento de haber nacido y de estar aquí”, asegura.

Este festejo puede seguirse  en su canal oficial de YouTube. Participarán, entre otrosPaul McCartney​, Sheryl Crow, Ben Harper, Sheila E., Joe Walsh, Gary Clark Jr. y, dato curioso, la Orquesta Escuela de Chascomús, con la que Ringo tiene un vínculo desde el 2017, y por lo cual los invitó a sumarse, durante tres minutos, vía Zoom.

Richard Starkey nació en Liverpool, Inglaterra, el 7 de julio de 1940, en plena Segunda Guerra Mundial, tres meses y dos días antes que John Lennon​, uno de sus futuros compañeros de ruta en la banda de rock más famosa de todos los tiempos.

El seudónimo Ringo Starr llegó con los años: el nombre viene de la cantidad de anillos que usaba (rings, en inglés) aunque él también aseguró que lo había elegido porque “es nombre de perro y los perros me gustan”. El apellido surge de la abreviatura del suyo y la palabra estrella en inglés (star).

Ringo tuvo una infancia difícil. Con un padre ausente, a los seis años estuvo en coma durante dos meses por una peritonitis y a los 13, por una pleuresía, volvió a estar internado durante dos años en un hospital.

Estar alejado de la escuela, le impidió tener una educación formal, pero a cambio aprendió a tocar la batería en las clases de música mientras estaba internado. Y su padrastro le regaló una, de segunda mano, cuando fue dado de alta. El set de batería era para diestros y Ringo es zurdo, lo que derivó en su particular estilo de interpretar. 

Antes de dedicarse por completo a la música, Ringo trabajó como mensajero para los ferrocarriles británicos, como mozo en un ferry y como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica.

En 1960, formaba parte del grupo Rory Storm and the Hurricanes, por entonces súper popular en Liverpool. En un concierto en Hamburgo, Alemania, se cruzó con otra banda, The Beatles, que tenía como miembros a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best, en la batería. Se hicieron amigos.

Después de suplantar a Best varias veces, en 1962, John, Paul y George decidieron echar a Pete Best y llamar a Ringo, enganchados por su carisma y simpatía. Starr aceptó aceptó con la idea de ahorrar para abrir una peluquería, poco confiado en su talento como baterista y sin imaginar todo lo que vendría después.

HAN DICHO:

“Ringo era un gran baterista. No se destacaba desde lo técnico, pero siempre fue excelente”, dijo alguna vez George Harrison​, algo que confirmó Paul McCartney: “Recién cuando hicimos el primer show en The Cavern con Ringo, en 1962, fuimos una verdadera banda. Si Ringo estaba, sabías que todo iba a salir bien”, aseguró. El solo de batería del tema The End, (del álbum Abbey Road) Starr lo hizo en una sola toma.

“Me gustó mucho vivir los ’60, cuando nació el mensaje de paz y amor. Los Beatles encajaron perfecto con eso”, contó alguna vez el baterista, que asegura que su tema preferido de la banda no es uno de los tantos hits archifamosos sino otra canción de perfil más bajo, Rain.

De los cuatro Beatles, Ringo es el que menos compuso y el que menos cantó. En With a Little Help of my Friends, donde aparece su voz, apelando a su sentido del humor la letra dice: “¿Qué harías si desentono al cantar?”. Su punto fuerte dentro del cuarteto era el histrionismo que sacaba a relucir en las entrevistas y en las películas, donde brillaba siempre como el más divertido.

Con una sonrisa optimista siempre presente, a Ringo lo asusta la edad. “¡Tengo 80 años!”, dijo. “No puedo esconder mi cumpleaños. Todos saben cuándo nací y saben exactamente cuán viejo soy. Eso no me avergüenza”, aseguró. “Cuando era un adolescente pensaba que habría que fusilar a todos los mayores de 60 porque eran inútiles y cuando cumplí 40, mi madre me dijo: ‘Hijo, supongo que ya no piensas así’“, confesó.

Siempre involucrado en la lucha por la igualdad, desde su Twitter apoyó, al igual que Paul McCartney, las protestas contra el racismo que comenzaron en todo el mundo luego del asesinato de George Floyd​ por parte de un policía.

“Como dice mi hermano Paul, Los Beatles siempre defendieron la igualdad de derechos y la justicia y desde entonces nunca he dejado de trabajar por la paz y el amor.#blacklivesmatter (las vidas negras valen) ,#peaceispossible (la paz es posible)”, escribió hace pocas semanas en su Twitter. “Envío mi pacífico, amoroso y constante apoyo a todos los que marchan y defienden la justicia por un mundo mejor”. 

Con información de El Clarín / Sandra Commisso

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Murió a los 105 años Earl Cameron, el primer actor negro famoso del cine

LONDRES,- El actor británico Earl Cameron, nacido en Bermudas y uno de los primeros artistas negros que lograron desarrollar una carrera exitosa en Reino Unido, falleció a los 102 años en su casa de Kenilworth, Inglaterra, rodeado de su familia, reveló la prensa local. Lo consideraron “la primera estrella negra del cine”.

Nacido en Pembroke, en ese territorio británico de ultramar, el 8 de agosto de 1917, se destacó a partir de su actuación en Muelles de Londres (1950), de Basil Dearden; lo mismo que en Simba (1955), de Brian Desmond Hurst, con Dirk Bogarde.

También lo hizo en Safari, de Terence Young, con Victor Mature; Odongo (1956), de John Gilling, con Rhonda Fleming; y La sangre siempre es roja (1959), también de Dearden, con Nigel Patrick, todas rodadas en el Reino Unido.

Entre otros títulos apareció en Operación Trueno (1965), de la serie 007, dirigida por Terence Young; Amores entre extraños (1969), de Ted Kotcheff; y su última aparición en la pantalla, ya anciano, fue en El origen (2010), de Christopher Nolan.

Con infomación de ANSA

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Sabina da su brazo a torcer: se casó con la fotógrafa Jimena Coronado en Madrid

MADRID.- JOAQUÍN SABINA, de 71 años,  se casó  con su compañera desde hace años, Jimena Coronado, en una ceremonia íntima celebrada en el Registro Civil de Madrid.

La ceremonia, a la que asistió su compañero y colega Joan Manuel Serratfue oficiada por el actual ministro de Interior, el magistrado Fernando Grande-Marlaska, de gran amistad con el cantante.

Jimena, quien es peruana y fotógrafa de profesión, conoció a Sabina hace más de 20 años cuando lo entrevistó y es su compañera inseparable.

Sabina se recuperó en los últimos meses de una fuerte caída durante un concierto en el Wizink Center de Madrid.

Fue el 12 de febrero, cuando Sabina se precipitó al foso frente al escenario desde una altura aproximada de 1,70 metros, sufriendo un “traumatismo de hombro izquierdo, torácico y craneoencefálico” y un “pequeño coágulo” del que fue intervenido y luego internado en terapia intensiva.

“Fue más fuerte del que pensáis. Llevo hasta dos operaciones, titanio y un hematoma en la cabeza”, dijo al salir del hospital. “No tengo la menor intención de morirme, que se muera la muerte”, sentenció fil a su estilo.

Según contó en su última visita a Argentina, Sabina le habría pedido matrimonio a su flamante esposa en noviembre, cuando ella cumplió 50 años de edad.

Este es el segundo matrimonio del músico ya que en 1977 se casó con Lucía Inés Correa, de la que se divorció en 1985. Luego mantuvo una larga relación con Isabel Oliart que se extendió hasta 1998, fruto de la cual nacieron sus dos hijas, Carmela y Rocío.

Con información de ANSA

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Bugs Bunny ya es un feliz octogenario

LOS ÁNGELES.- No deja de ser hablador astuto, sagaz, curioso y hábil, muy aficionado a las zanahorias y capaz de momentos inesperados de ingenuidad y ternura: BUGS BUNNY, el conejo estrella de la banda de dibujos animados de Looney Toones, de la serie de cortometrajes animados de Warner, celebra su onomástico 80,

Con acta de nacimiento creativa que data de 1930 para el cine, el conejo más famoso del mundo aterrizó desde los años 60 en la televisión. El roedor gris y blanco se unió oficialmente al peculiar grupo integrado por Daffy Duck, Titti, Silvestre, Willy the Coyote, Beep Beep, y Speedy Gonzales.

A Bugs le celebrará su cumpleaños Boomerang + 1 (Sky channel 610) hasta el 14 de junio en toda la banda de Warner, por el canal Looney Tunes. Se programarán los episodios más exitosos de la serie histórica y los más recientes, pero también las películas y muchos maratones dedicados a cada uno de los protagonistas. 

Bugs Bunny volverá a la pantalla grande en el verano de 2021 en Space Jam de Malcolm D. Lee: un nuevo legado, una nueva mezcla de animación y acción en vivo, que combina comedia, acción y fantasía.

Después de alternar con Michael Jordan en Space Jam (1996), que recaudó más de 230 millones de dólares en taquilla, el famoso conejo tendrá esta vez a Lebron James como su principal compañero de aventuras. En Warner llegó el debut de Bugs Bunny después de las primeras salidas en algunos dibujos animados de 1938 a 1940 de un ‘prototipo’ blanco con una apariencia gráfica bastante diferente, sin un nombre oficial (el ‘no oficial’ era Happy Rabbit), creado por Ben Hardaway, Cal Dalton y Charles Thorson. 

Bunny toma una forma y un carácter diferentes al combinar sus ideas con el trabajo fundamental primero de Tex Avery y Bob Givens y luego de Chuck Jones y Robert McKimson. Entre las fuentes de inspiración para la personalidad de Bugs Bunny, están el personaje de Clark Gable en Accadde una notte (para la charla rápida) y los gestos de Charlie Chaplin y Groucho Marx, Cal Dalton y Charles Thorson. 

¡BUGS BUNNY, FELICES 80!

Con información de ANSA

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Falleció Héctor Ortega, actor de larga trayectoria en cine, teatro y televisión

El actor HÉCTOR ORTEGA, con una larga trayectoria en los escenarios tanto en teatro, cine y televisión, falleció a los 81 años de edad.

Nacido en la Ciudad de México, HÉCTOR ORTEGA GÓMEZ, nació un 12 de enero de 1939, además de la actuación también se desempeñó como director y guionista a lo largo de su carrera.

Con un emotivo mensaje, el también actor Mauricio Herrera, externó su dolor por la muerte de quien definió como “su hermano desde hace 67 años”, sin dar más detalles sobre su deceso.

“Con todo el dolor de mi corazón lloro el fallecimiento de mi hermano de hace 67 años, mi querido Héctor Ortega. Tantas vivencias juntos, risas y una hermosa amistad, te quiero hermano, QEPD”, escribió Mauricio Herrera en su cuenta de Twitter.

23 telenovelas y 43 películas, una decena de programas y series de televisión, así como puestas en escena, dan cuenta de la trayectoria de HÉCTOR ORTEGA.

Entre las telenovelas en las que actuó, figuran Colorina, Cicatrices del alma, Cenizas y diamantes, La sombra del otro, El privilegio de amar, Querida enemiga e Hijas de la luna, la última que realizó hace dos años.

Su carrera en el teatro ha sido igualmente extensa, tanto como director y actor. Actuó en obras como ¡Ay Cuauhtémoc no te rajes!, El huevo de Colón, obras que también dirigió; y 1822: El año que fuimos imperio por la que recibió el Premio a Mejor Actor otorgado por la Asociación Mexicana de Críticos Teatrales, y en 1983 monta una de las obras más importantes de su carrera: La muerte accidental de un anarquista obra que también protagonizó.

Descanse en paz el primer actor HÉCTOR ORTEGA

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Pamela Anderson aún cabe en el traje de baño rojo mientras da consejos on line

NUEVA YORK.- La actriz PAMELA ANDERSON, a pesar de no haber alcanzado papeles memorables más allá de su participación en la exitosa serie Baywatch, aseguró que aún conserva el recordado traje de baño color rojo que la convirtió en un referente de la belleza en Estados Unidos.

 La ex Playmate reafirmó que aún puede lucirlo tan bien como en la serie de televisión. Su papel como CJ Parker contribuyó a que Anderson, de 52 años, se convirtiera en un nombre familiar.

En una entrevista exclusiva con Fox News, la actriz y modelo reveló que no solo todavía posee el traje, sino que, de hecho, todavía puede lucirlo con orgullo. “Oh, tengo uno aquí mismo en mi cajón superior! Todavía cabe”, dijo Anderson, risueña.

“Lo he usado en ocasiones solo para ser divertida con mis amigos”, continuó, y agregó que sabe bien que saltar de su piscina con el mismo es “darles algo de lo que hablar”.

Agregó que algunas veces lo usa en su casa, simplemente para estar en la sala de estar.

Nacida en Ladysmith, Canadá, Anderson apareció en la popular serie de televisión durante un total de cinco temporadas, entre 1992 y 1997. Más tarde apareció en la película spinoff de 2003 titulada Baywatch: Hawaiian Wedding.

Reconocida como un símbolo sexual internacional, Anderson dijo que se vincula con sus admiradores para responderles sobre consejos sobre positivismo y confianza sexual. “Yo era dolorosamente tímida, quizá no lo crean”, compartió Anderson. “Pero lo superé. Realmente odiaba esa sensación. Me di cuenta de que a nadie le importa tanto lo que llevas puesto o qué aspecto tienes además de ti. A nadie le importa tanto como a ti. Eres tu peor crítico”.

“Siempre te sientes bien si simplemente lo haces, haces lo que realmente quieres hacer”, continuó Anderson, quien además fue portada de la revista Playboy un total de 12 ocasiones desde el año 1990. “Después, te sientes tan contenta de haberlo hecho”.

“Siempre digo, pinta tu propia imagen y cómo quieres que sea tu vida y cómo quieres ser, porque la sociedad nos dice que tenemos que ser de cierta manera y realmente no tenemos que serlo. Realmente no hay reglas”, agregó la ex esposa del baterista Tommy Lee y del músico Kid Rock.

Anderson habló con Fox News además sobre su papel como Directora Creativa en Jasmin, un nuevo sitio de cámara web cuyo lema es Real people. Real connections.

El sitio web le permite a Anderson conectarse con extraños en todo el mundo que buscan consejos sobre romance, positividad sexual y relaciones. Desde su casa en Vancouver, Anderson dijo que el papel le permite accionar algunos de sus músculos creativos de una manera que nunca antes había hecho.

Con información de ANSA

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Renace en junio Perry Mason por HBO

NUEVA YORK. – El nombre de PERRY MASON tiene historia en el cine pero con todo su potencial en la televisión. Varias décadas después de su debut en la pantalla chica, PERRY MASON vuelve por HBO desde el 21 de junio con el actor galés Matthew Rhys siguiendo las huellas de Raymond Burr en el papel del legendario “abogado del diablo” que defiende a clientes acusados de homicidio, exculpándolos después de haber probado la culpabilidad de otro.

La serie de HBO, de ocho episodios, se enfoca en lo que Rhys -actor ganador de un Emmy-, encarna al legendario abogado que protagonizó los libros de misterio de Earl Stanley Gardner.

El nuevo Perry Mason es una precuela ambientada en 1931, dos años antes del debut de la primera novela de Gardner, El caso de las garras de terciopelo.

“Mientras el resto del país sufre por la Gran Depresión, Los Ángeles está en pleno boom: petróleo, Juegos Olímpicos, películas sonoras, fervor evangélico”, anunció HBO al presentar el primer trailer, donde Matthew (Perry), con barba larga y chaqueta de cuero, se parece más a Indiana Jones que al legendario abogado defensor de la ficción estadounidense.

Tomando distancia de las novelas y de la serie original -con nueve temporadas en CBS a partir de 1957- la nueva versión sigue un único caso criminal. Pero no es solo cuestión de trama. El Perry Mason imaginado por Gardner (también brillante penalista) era un personaje de una pieza, con un físico de atleta más que de escritorio, y con una moral a prueba de toda sospecha.

Rhys, en cambio, lleva a la pantalla chica un hombre perturbado por mil emociones, que bebe como una esponja, necesita urgente un baño y es alérgico a la rasuradora (se afeita solo en el sexto episodio): obsesionado por las experiencias de guerra en Francia durante la guerra, herido por un matrimonio fallido y una carrera sin futuro.

 La figura de Perry Mason, además de los libros, es conocida para el gran público por las películas de Warner Bros de los años 30 y las series de televisión desde los años 50. El abogado estaba acompañado por su secretaria Della Street y el investigador privado Drake, mientras su tradicional rival era el fiscal Hamilton Burger.

Inicialmente pensada para Robert Downey Jr, que heredó el papel de productor ejecutivo, la versión de HBO prepara el contexto ofreciendo vida emotiva al protagonista. Perry no es un abogado sino un investigador privado que toma fotos de amantes sorprendidos en flagrante adulterio cuando no presta sus servicios a un abogado (John Lithgow) cuyo estudio se está hundiendo, pero le surge la ocasión del siglo: una relevante investigación sobre el rapto de un niño, paralela a la que realiza la policía de Los Ángeles.

Con informción de ANSA

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Clint Eastwood, el héroe cotidiano del cine, cumplirá este domingo 90 años

HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.

El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.

En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.

También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.

Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo. 

El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.

1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él.  Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.

En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados ​​de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje. 

Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford. 

EL ADN DE EASTWOOD:

Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el reciente filme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling

Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.

Con información de ANSA

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Stevie Wonder, genial desde chiquillo, celebra sus 70 años de vida y éxito

ROMA.- STEVIE WONDER celebró 70 años de vida, 59 de ellos dedicados en cuerpo y alma a su mayor pasión, la música.

Su primer contrato lo firmó a los 11 años con Motown, la compañía discográfica de Detroit que inventó The Sound Of Young America. Stevie Wonder fue precoz al mostrar su talento: por su originalidad, habilidades vocales, por su innovación en la música negra y pop en general a través de la mezcla de géneros y electrónica, por su extraordinaria habilidad para crear un sonido único y altamente imitado, por haberse convertido en un símbolo de la lucha por los derechos de los afroamericanos, de paz y solidaridad para África,

En sus años dorados realizó una serie de obras maestras que hicieron historia.

VIVILLO DESDE CHIQUILLO

Stevland Hardaway Morris nació en Saginaw en Michigan de manera prematura, aparentemente debido al oxígeno enriquecido en la incubadora, contrajo una retinopatía que lo dejó ciego. Su suerte fue el traslado de su madre a Detroit: en aquella ciudad a los 11 años, escuchó una canción de Ronnie White, Milagros, que lo llevaría a Motown. Barry Gordy, el padre de la compañía discográfica, inmediatamente le ofreció un contrato de cinco años.

Es aquí donde Stevland Hardaway Morris se convierte en Little Stevie Wonder: el niño es adoptado por el maravilloso Funk Brothers, la banda que ha grabado todo el repertorio más famoso de Motown. Sus maestros de la vida y la música son leyendas: el genio precoz no pudo encontrar un gimnasio mejor, dado que en ese sótano que produjo una serie inigualable de éxitos y clásicos, tocó y grabó continuamente.

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Las anécdotas sobre la vida del niño en el Snake Pit, la guarida de la serpiente, como se llamaba el estudio, son irresistibles. El anuncio del genio es deslumbrante: a los 13 años llega primero en la clasificación con Fingertips, una improvisación de armónica en vivo. Todavía hoy es el artista más joven en haber alcanzado la cima del exitoso desfile.

Volver sobre su carrera significa tener en sus manos un repertorio impresionante compuesto de canciones que son parte integral de la vida popular, Superstition, For Once in My Life, Isn’t She Lovely, Master Blaster,  Encantado, por nombrar solo algunos títulos. Alrededor de esta serie de títulos también hay algunos de los álbumes más importantes de la historia, Talking Book, Innervision, Songs In The Key of Life.

Más de cien millones de copias vendidas, Grammy (25, junto con Sinatra es el único que ha ganado tres seguidos por sus álbumes), la lista infinita de colaboraciones, We Are The World, y las numerosas canciones de éxito. La habilidad de Stevie Wonder para tener un sonido:

STEVIE WONDER ha creado un mundo musical, logró entrar en la vida de las personas,  puede darse el lujo de mirar sus siete década de vida con la serenidad de quien ha transformado su genio en un mensaje universal, sin olvidar nunca el compromiso.

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Con información de ANSA

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Murió Yoshio a causa de Covid-19

El intérprete mexicano Gustavo Nakatani Ávila, mejor conocido como YOSHIO, falleció a los 61 años por complicaciones derivadas del coronavirus luego de permanecer hospitalizado varios días agravándose su estado de salud.

La esposa del cantante, Marcela Hernández, dio a conocer la noticia de su deceso.

YOSHIO destacó por su calidad interpretativa y ganó el Festival OTI. Hijo de Yoshigei Nakatani y de Emma Ávila, recibió el sobrenombre Yoshio (“hombre noble”, en japonés) debido a que mostraba tributos de nobleza.

YOSHIO falleció esta tarde a las 16:50 horas. Le sobreviven su esposa y dos hijos.

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Descanse en paz.

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La imagen pública de Marilyn Monroe, intacta en el Museo del Maquillaje de NY

NUEVA YORK.- El poder de la imagen pública de MARILYN MONROE prosigue intacto a lo largo de las décadas posteriores a su muerte, así como también algunos de los productos de belleza personalizados, los cuales se exhibirán por primera vez en el Museo del Maquillaje de Nueva York.

El Makeup Museum de Estados Unidos lanzó la exposición Pink Jungle: 1950’s Makeup in America, para presentar cómo era la industria de los cosméticos en los años 50.

Entre los objetos más preciados están algunos de los artículos que pertenecían a la actriz de The Seven Year Itch.

El museo cuenta con un documento del dermatólogo Erno Laszlo, con las instrucciones sobre el cuidado de la piel que debía seguir la estrella, quien al parecer, tenía piel seca y debía hidratarse constantemente.

Algunos de los productos que utilizaba Monroe en 1959 aún están a la venta en la actualidad, como el tratamiento Shake-It Tinted y la barra de limpieza Phelityl.

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La apertura del museo estaba prevista para el 1 de mayo, en 94 Gansevoort Street, aunque actualmente no está abierta al público debido a los cierres de los museos como medidas preventivas por crisis de salud de Covid-19. De todos modos, el Museo del Maquillaje compartió un adelanto en su cuenta oficial de Instagram de algunos artefactos que se incluirán una vez que pueda abrir sus puertas.

Una de las fotos publicadas es la del dermatólogo húngaro Erno Laszlo, quien había elaborado el régimen de cuidado de la piel de Monroe.

El Museo del Maquillaje revela la rutina de cuidado de la piel con la receta de la actriz y algunos de los productos que usaba.

En un documento fechado el 17 de marzo de 1959 y dirigido a la Sra. Marilyn Monroe Miller (estaba casada con el dramaturgo Arthur Miller en ese momento), el Dr. Laszlo de la compañía de belleza del mismo nombre escribió instrucciones detalladas para el cuidado de la piel para todo el día.

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Por la mañana, Monroe tenía que lavarse la cara y el cuello en agua tibia con Active Phelityl Soap antes de aplicar Shake-It Normalizer “bien agitado” en el rostro, evitando el área alrededor de los ojos, antes de secarse inmediatamente. Debajo de sus ojos, ella debía aplicar Phelitone “en pequeños puntos, extendiéndola suavemente sobre la superficie” y luego secándola también. Para el paso final, le dijeron que aplicara Duo-Phase Face Powder en toda su cara y cuello, y luego lo cepillara con algodón después de un minuto.

Por las noches, ella debía repetir la rutina de la mañana.

“Personalizó cada receta para todos sus clientes, y Marilyn Monroe estaba más seca, por lo que puede ver a medida que avanzamos en la receta que todos los productos fueron para ayudar a hidratar su piel”, explicó Patricia Schuffenhauer, jefa de Erno Laszlo, en un publicado por el museo situado en West Village.

Nacida como Norma Jeane Baker, falleció a los 36 años el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en circunstancias nunca esclarecidas.

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Con información de ANSA

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Murió Little Richard a los 87 años y con él su grito musical en la historia del rock: “A-wop-bop-a-loo-boop-a-wop-bam-boom”

MACON.- Richard Wayne Penniman, conocido como LITTLE RICHARD, falleció  fallecido este día a los 87 años. Después de años de varias crisis cardíacas, la muerte del considerado uno de los tres padres del rock junto con Chuck Berry y Jerry Lee Lewis, ha sido confirmada por su hijo a la revista Rolling Stone, aunque no se ha confirmado la causa.

Little Richard (1935, Macon, Georgia) conquistó a los jóvenes de la década de los cincuenta con singles como Tutti Frutti y Long tall Sally. “Creo que mi legado debe ser exactamente ese, cuando empecé en el show bussines no existía nada parecido al rock n’ roll. Cuando lancé Tutti Frutti es cuando el rock empezó a golpear”, aseguró en una entrevista en 2013 cuando anunció su retirada.

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Aunque siempre se sintió algo menospreciado, Little Richard, Chuck Berry y Jerry Lee Lewis rompieron reglas y allanaron el camino a mitos como Elvis Presley, los Beatles o los Rolling Stones. Para el recuerdo quedan multitud de canciones y su famoso grito de guerra: A-wop-bop-a-loo-bop-a-wop-bam-boom.

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Siempre crítico con su lugar en la historia, Richard tenía muy claro que el nacimiento del rock’n’roll se debió a lo que los blancos les quitaron a la comunidad negra y no tiene empacho al afirmar que “fuimos nosotros, la gente negra, los que creamos el rock and roll. Elvis era increíble, pero él no fue un creador. No quiero decir con eso que fuera peor, pero los auténticos creadores del rock and roll fueron negros. Ahora está pasando lo mismo con Eminem y el rap, que es otro estilo creado también por los negros”, aseguraba a su paso por Gijón en 2005.

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Con información de ANSA

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Bob Dylan se deja ver con álbum inédito, “Contain Multitudes”, luego de ocho años

NUEVA YORK.- BOB DYLAN regresa al mundo de la música con un nuevo álbum inédito, ocho años después de su último trabajo.

Rough and Rowdy Ways (Columbia Records), compuesto por 10 pistas, se lanzará el 19 de junio, en doble CD, doble vinilo y formato digital. Mientras tanto, la nueva pista False Prophet ya está disponible.

El anuncio se produce luego del reciente lanzamiento de otras dos canciones que se incluirán en el disco: Contain Multitudes, la canción de apertura del álbum, y Murder Most Foul, una canción épica que dura casi 17 minutos, en formato de doble CD, presente como la única pista en uno de los 2 CD.

Rough And Rowdy Ways es el primer álbum de Bob Dylan inédito ya que este icono de la música, Premio Nobel de Literatura en 2016, ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo.

UN DATO:

Rough And Rowdy Ways es el álbum 39 de estudio del artista.

 

Con información de ANSA

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Surge tema inédito de McCarney y Ringo

LONDRES.- La canción Angel in Disquise, una composición inédita de los ex beatles Paul MCartney y Ringo Starr, que quedó fuera del disco del baterista Time Takes Time, de 1992, será subastada a beneficio de NHS Charities Together Covid-19, una entidad inglesa que asiste a grupos vulnerables.

Se trata de dos versiones, una cantada por McCartney y otra por Starr, que hasta el momento estaban en manos de un presentador de la desaparecida Radio Luxemburgo, una emisora que transmitía desde ese ducado hacia la isla.

Según consignan diarios británicos, el cassette en donde están grabadas estas canciones también contiene una versión de esa misma época de Everyone Wins, de la inspiración de Ringo Starr.

Con información de ANSA

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Al Pacino cumple 80 años, el actor que crece en el Bronx y rompe pronósticos

BRONX.- Para entender qué clase de persona y qué trascendencia como actor tiene AL PACINO, que celebra este sábado 80 años de vida, puede comenzarse desde un doble camino, primero personal y luego profesional. En la vida privada, las fuentes nunca negadas por la parte interesada atestiguan que Alfredo James Pacino nunca se casó, pero sostuvo relaciones románticas con 11 actrices Jan Tarrant, Beverly D’Angelo, Jill Clayburgh, Tuesday Weld, Marthe Keller, Carol Cane, Diane Keaton, Penélope Ann-Miller, Madonna, la argentina Lucila Solà y la israelí Meital Dohan con quien vivió hasta el pasado febrero.

En su carrera, marcada por nominaciones y premios en casi todas las apariciones en la pantalla (a excepción de algunos fracasos), se destaca la lista de roles rechazados: desde Taxi Driver hasta Encuentros cercanos del tercer tipo, desde Star Wars (tuvo que interpretar a Ian Solo) hasta Blade Runner, desde Apocalypse Now (como el antagonista de Brando) hasta Kramer contra Kramer (fue reemplazado por Dustin Hoffman), desde Rambo hasta Once Upon a Time in America, hasta Pretty Woman y Basic Instinct, títulos y roles tan diferentes entre sí que explican bien cómo los principales directores y productores estadounidenses confiaron en su increíble transformación aderezada por una preparación meticulosa y flexibilidad expresiva.

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La misma volubilidad instintiva que pone, de hecho, incluso en la vida personal. Hijo de dos inmigrantes sicilianos (el padre dejó a la familia cuando Al todavía estaba en pañales), el niño nació en Harlem el 25 de abril de 1940, pero su madre, muy pobre, se mudó al Bronx y tocó la dura ley de la calle: fumador y consumidor de drogas blandas desde los 10 años, rebelde y mezquino, no le gustaba la escuela que dejará a los 17. Toca en vano la puerta del Actors Studio a la edad de 20 años, tendrá que hacer su aprendizaje durante casi una década antes de que Lee Strasberg reconozca en él cualidades inusuales y lo adopte como segundo padre. Mientras tanto, sigue haciendo miles de intercambios.

Después de la muerte de Strasberg lo sucederá como presidente de la escuela un papel que aún mantiene junto con Ellen Burstyn y Harvey Keitel. Le encanta el teatro, pero el cine le ofrece una oportunidad inesperada en 1971: un autor como Jerry Shatzberg, un típico exponente de New Hollywood, le ofrece la parte del protagonista, el joven traficante de drogas Bobby, en Panic at Needle Park: es una revelación.

Francis Coppola señala que lo impone a los productores por el papel de Michael en The Godfather: obtendrá la nominación al mejor papel secundario, pero Pacino desafía el veredicto al decir que su parte no es inferior a la de Marlon Brando, que en cambio gana. ¿Resultado? Ambos no participan en la ceremonia, aunque por diferentes razones. A partir de entonces, sin embargo, se convirtió en el actor favorito de la “nueva ola” de cineastas estadounidenses.

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Con información de ANSA

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“Yellow Submarine”, la película animada de The Beatles, podrá verse por YouTube

LONDRES.-.-La película animada Yellow Submarine, de Los Beatles, estrenada en 1968, estará disponible desde este sábado 25 de abril en el canal oficial del popular cuarteto de Liverpool en YouTube.

Así se anunció en las redes sociales del grupo, en donde se destaca que se tratará de la versión proyectada en cines en 2018, al cumplirse 50 años de su lanzamiento, que contenía las letras de las canciones en los subtítulos.

El filme presenta las aventuras del grupo, que debe viajar al país imaginario Pepperland, para salvarla de los Blue Menies, unos seres malvados que privan a la población de la música.

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Tanto en el viaje como en la pelea liberada contra el enemigo, Los Beatles viven diferentes aventuras en donde las canciones ocupan un rol central.

En la película dirigida por George Dunning, se interpretan temas como Yellow Submarine, It´s all too much, All you need is love, Hey Bulldog y Only a northern song, además de algunas piezas orquestales creadas por George Martin, todas ellas incluidas en el disco lanzado como banda sonora.

También se pueden escuchar algunas composiciones de los álbumes Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band y Revolver, como When I´m 64, Lucy in the sky with diamonds y Eleonor Rigby, entre otras.

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Con información de ANSA

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Falleció Brian Dennehy a los 81 años, actor con sólida carrera en teatro y tv

LOS ÁNGELES.- El actor estadounidense BRIAN DENNEHY, ganador de premios Tony, con una larga trayectoria en cine y teatro, falleció anoche a los 81 años por causas naturales.

El actor estadounidense BRIAN DENNEHY destacó en cine con filmes como Acorralado (First Blood) (1982) con Sylvester Stallone y Presunto inocente (Presumed Innocent) (1990) junto a Harrison Ford.

“Con peso en el corazón anunciamos que nuestro padre Brian falleció anoche de causas naturales, no relacionado con COVID-19”, ha dicho en Twitter su hija Elizabeth Dennehy, quien destacó la gran generosidad de su padre.

La larga carrera interpretativa de Dennehy (Bridgeport, EE.UU., 1938) estuvo sobre todo vinculada al teatro, donde recibió el aplauso de crítica y público y donde obtuvo dos premios Tony al mejor actor masculino de una obra teatral por La muerte de un viajante (Death of a Salesman) de Arthur Miller en 1999 y por Long Day’s Journey Into Night de Eugene O’Neill en 2003.

 

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También llevó La muerte de un viajante a la televisión en un trabajo en el año 2000 que le dio el Globo de Oro al mejor actor de una serie limitada o película para la pequeña pantalla.

Tuvo seis nominaciones, sin llevarse en ninguna ocasión los premios Emmy, los galardones más importantes de la industria televisiva. En la pequeña pantalla, Dennehy dejó su huella en diferentes producciones como To Catch a KillerA Season on the Brink,Our Fathers o The Blacklist así como en una saga de películas policiales de la cadena NBC protagonizadas por el personaje de Jack Reed en los años 90. 

En cuanto al cine, Dennehy destacó en el filme de acción Acorrralado, protagonizado por Sylvester Stallone y que dirigió Ted Kotcheff; y también en la cinta de trama judicial Presunto inocente, que protagonizó Harrison Ford con el realizador Alan J. Pakula en Silverado (1985), Cocoon (1985), F/X (1986), Tommy Boy (1995) o Romeo + Juliet (1996).

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Descanse en paz BRIAN DENNEHY.

Con información de ANSA

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Este Dominguito Sagrado, “Titanic: la nueva evidencia” a las 17 horas por el 22

Este Dominguito Sagrado por la telera nuestra y pública de Canal 22 a las 17 horas, el estreno de TITANIC: LA NUEVA EVIDENCIA. El 14 de abril pero de 1912 el transatlántico RMS Titanic, el barco más grande construido hasta ese entonces, se hundió al chocar contra un témpano de hielo, provocando la muerte de alrededor de 1500 personas.

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Este evento se convirtió en la catástrofe marítima más famosa de la historia, la cual ha protagonizado un sinnúmero de investigaciones que han tratado de develar los misterios de esta tragedia, y después de más de 100 años del hecho surge la duda: ¿hubo otra razón, aparte del golpe, para que se hundiera esta enorme embarcación? TITANIC: LA NUEVA EVIDENCIA, lo revela.

En este documental el periodista Senan Molony, experto en la historia de este buque y que lo ha estudiado por más de 30 años, muestra su investigación, en la cual propone que el hundimiento del transatlántico no se debió sólo al golpe contra el iceberg sino que fue causado por un incendio ocurrido en los almacenes de carbón, en donde el fuego llegó a temperaturas de más de mil grados centígrados, lo que debilitó el casco metálico de esta zona del barco y lo dejó vulnerable ante el golpe del enorme témpano de hielo.

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Durante esta transmisión se presentarán las pruebas y evidencias de esta nueva teoría, las cuales se basan en una serie de fotografías que suponen una marca de alrededor de nueve metros en el estribor del barco, justo en el lugar en donde se generó el incendio y en el punto de colisión del iceberg. Cabe destacar que este incendio ya había sido documentado con anterioridad, sin embargo, según Molony, la importancia de este hecho había sido subestimada, cuando en realidad era una de las causas principales de este brutal accidente.

De igual manera, este documental busca dar una explicación a la velocidad tan inusual con la que navegaba el Titanic mientras iba por una zona de témpanos, basándose nuevamente en este incendio. De esta manera se evidencian las malas decisiones y negligencia que causaron esta histórica tragedia.

Además, en esta emisión se abordarán otras investigaciones, las cuales serán comparadas con esta nueva teoría. Estas pesquisas realizadas por Molony, son retroalimentadas por diferentes especialistas, desde historiadores hasta científicos, quienes darán su opinión y comparten las razones por las que estas evidencias pueden o no ser válidas.

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UN DATO:

Retransmisión: Lunes 13, 14:30 horas.

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Se cumple medio siglo de la separación nunca oficial del cuarteto de Liverpool

LIVERPOOL.- De nuevo habían utilizado a Ringo. Era el procedimiento habitual. El baterista ejercería su repetido papel de correveidile perfecto, el mensajero de las malas noticias para Paul McCartney. Un tipo simpático y bondadoso que podía suavizar el mensaje. Los que lo enviaban eran, claro, John Lennon y George Harrison. Así que una vez más el bueno de Ringo Starr se presentó en casa de McCartney. “Hmmm, que hemos decidido John, George y yo que no puedes sacar tu disco en solitario en abril. Aquí tienes el escrito”.

McCartney vociferó, insultó, señaló a Ringo con el dedo erguido y lo empujó a la salida. Era marzo de 1970. Un mes después el grupo más grande de la historia del rock se había separado. Fue un final por demás chusco. No se celebró una rueda de prensa para anunciarlo. Solo hubo mensajes entre líneas, enfrentamientos y una manipulación periodística. Un episodio enmarañado que echó un cierre amargo a diez años que hicieron felices al mundo. Esto ocurrió hace justo medio siglo.

“Ellos oficialmente nunca se disolvieron. No hubo ningún comunicado. Por eso mucha gente durante los setenta esperaba que volviesen a grabar”, cuenta por teléfono desde su encierro en su casa londinense el escritor Philip Norman (Londres, 76 años), una de las personas que más sabe de los de Liverpool, con media docena de libros publicados: Shout!: The True Story of the Beatles, Days in the life: John Lennon Remembered o Paul McCartney: La biografía (Malpaso, 2017).

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El conflicto en aquel marzo de 1970 era el siguiente: Paul McCartney se proponía editar su primer disco en solitario, en abril, con el sello del cuarteto, Apple Records. El escollo: Let It Be estaba programado para salir a la calle en mayo, también con Apple Records. Alguien reparó, no sin razón, en que aquella competencia era absurda. La solución era que Paul pospusiera su álbum.

HAN DICHO:

“Había algo de mezquino en la relación entre Paul y John. Pero esa competitividad era parte de lo que les hizo ser tan brillantes juntos: retándose para conseguir logros artísticos mayores. El amor les mantuvo unidos, pero la presión les hizo comportarse de manera lamentable, sobre todo al final”. Peter Ames Carlin, autor de Paul McCartney. La biografía.

La relación entre los cuatro beatles era demasiado tóxica en aquellos tiempos. La elaboración de Abbey Road (último álbum grabado por la banda aunque Let It Be se publicó después, se registró con anterioridad) puso al límite la capacidad psicológica de los cuatro. Todos se desahogaron en las canciones.

Harrison aprovechó la guerra entre Lennon y McCartney para colocar en Abbey Road dos de sus mejores obras, Something y Here Comes the Sun; Ringo Starr coló Octopus Garden, una metáfora que revelaba lo que sentía con los Beatles (“me gustaría estar debajo del agua”) y Paul McCartney dedicaba You Never Gime Me Your Money (Nunca me das tu dinero) a su bestia negra, Allen Klein.

Medio siglo de la desintegración, de que cada beatle tomara su camino y sus propios riesgos.

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Con Información de ANSA

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