Beatriz Moreno en “La casa de Bernarda Alba”, en el Teatro Rafael Solana

La obra clásica, última escrita por Federico García Lorca, LA CASA DE BERNARDA ALBA, se estrena este domingo a las 17:30 horas -y del 6 de octubre al 10 de noviembre a las 13:00 horas- en el Teatro Rafael Solana, al sur de la CDMX, bajo la producción y dirección de Miguel Alonso, con las actuaciones de Lucía Guilmáin, Evangelina Martínez y Beatriz Moreno.

DALE CLICK: ENTREVISTA BEATRIZ MORENO A TV&SHOW

A esta producción, todo un clásico teatral, se suman las actrices Jéssica Gámez, Jacqueline Bribiesca, Judith Serrano, Karla Sáenz y Vanessa Marroquín, quienes estarán acompañadas del músico y guitarrista Israel Villalobos, quien musicalizará cada función en vivo.

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LA TRAMA:

La última obra escrita por Lorca, describe a la España de principios del siglo XX como una sociedad violenta, envuelta en el fanatismo religioso y en la que la mujer juega un papel secundario.

UN DATO:

LA CASA DE BERNARDA ALBA es considera la obra maestra de Federico García Lorca, quien murió fusilado por las autoridades franquistas un mes después del golpe de estado con el que inició la Guerra Civil Española.

FOTOS Y VIDEO: LOURDES CÓRDOBA/ EDICIÓN: SAELIM FERNANDO

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

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“Wenses y Lala”, como la vida misma…

Lejos de efectismos, aparatosas escenografías y nombres de “famosos” que juegan al teatro, una puesta en escena se sale de los parangones, se trata de WENSES Y LALA (Teatro Julio Prieto, antes Xola), con la dupla actoral ADRIÁN VÁZQUEZ y TETÉ ESPINOZA, que no por nada alcanzó 300 representaciones, con tripleta de padrinos de placa: Irene Azuela, Joaquín Cosío y Eduardo España.

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WENSES Y LALA es verse en el espejo desde el más allá, es recorrer la vida misma, es evocar a la pareja que se ama y con la que se complementa. Sentados en una banca casi toda la obra, la dramaturgia y la dirección del mismo Adrián Vázquez, permite al espectador recobrar la fortaleza de espíritu cuando se decide vivir en pareja las buenas, las malas y las peores de la vida: Wenses es valiente, apocado, tímido, sumido en el dolor de la tragedia pero acompañado en todo momento por Lala, viviaracha, alegre, fuerte, entrona, el bastón en el ímpetu por seguir viva y apoyar a su pareja.

Del llanto a la risa franca y hasta la carcajada, el público revive el deleite teatral de la complicidad de una pareja que aprendió de todo en la vida, pero siempre juntos en todas las adversidades, hasta de la muerte de su hijo.

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Teté Espinoza conquista al público con su manejo escénico, con su voz y con sus dotes para la improvisación, para lograr la anhelada interacción que sólo los auténticos profesionales poseen en el escenario.

Sólo resta que una obra como WENSES Y LALA la vea la mayor cantidad de personas, que no deje de recibir los apoyos del FONCA y del IMSS, pese a la Cuarta Transformación.

Por Roberto Rondero / Fotos y video: Lourdes Córdoba

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El agua: ¿se agota o nueva arma política? “Proyecto Sed”, el experimento de la CNT

Hablar del agua en el contexto del 2018 no sólo alude al vital líquido, también a un elemento fundamental para la geopolítica mundial del siglo XXI, con la importancia que el petróleo tuvo para el siglo pasado. Ante este tema trascendental, el nuevo liderazgo de la COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO, apuesta a proyectos experimentales para llevar el quehacer escénico más allá de las concepciones tradicionales. Tal y como lo adelantó Enrique Singer, su director artístico, en enero pasado e informado aquí en TV&Show.

Algunos especialistas como el mexicano Alfredo Jalife, han advertido sobre los intentos privatizadores del agua en nuestro país cuya evidencia manifiesta la encontramos en el estante o refrigerador de cada tienda de la esquina con el agua embotellada, impensable hace apenas 25 años. Algo demencial en lo humanitario pero con lógica para un neoliberalismo que lo entrega todo a cambio de ningún beneficio común para la sociedad aunque sí con todos los saldos de sus perjuicios.

Sin ese contexto no se explicaría la relevancia de la temática toral de Proyecto SED, estrenado en la alborada de marzo. Un laboratorio de creación escénica contemporánea que tiene como detonante la problemática del agua en México y cuyo  propósito es ser una plataforma “transdisciplinaria” que a través de diferentes disciplinas artísticas, medios digitales e intervenciones públicas, busca reflexionar sobre nuestra relación con el medio ambiente, específicamente con el agua.

Una experiencia inmersiva y experimental

A esta presentación se llega con anticipación al foro sede de la CNT en Coyoacán. El público es introducido a la experiencia en una pieza del recinto que suele servir de cafetería. El público entra por donde lo hacen los actores en las funciones convencionales para llegar a una sala que forma un rectángulo enmarcado por sillones de estilos arbitrarios donde el público se sienta y entiende el porqué del limitado cupo de 50 plazas. La mecánica teatral sobre las cabezas de la concurrencia indica que en realidad el espacio se trata del corazón del escenario del Héctor Mendoza. En medio de éste, se haya un conjunto de alfombras extendidas y un cronómetro, recibe a los visitantes. Es el indicador de cuánto agua se consume en el transcurso de la función.

Aparecen cinco actores con un vestuario que pasa desapercibido con la vestimenta del público. Han de explicar que ésta no es una obra convencional, un montaje tradicional. Que los sillones y alfombras pertenecen a cada una de las obras en las que han participado como elenco de la Compañía y que hay un vínculo emocional que los une a esos elementos. Del paso de gato bajan un mecanismo de dos cilindros con un receptáculo en la base que resulta ser un filtro de agua natural. Los participantes, que entran como público, depositan en éste el agua que han traído consigo.

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Actriz Laura Padilla

Los actores reseñan su experiencia en la investigación en campo, en este tema. Se han formado cinco grupos y cada uno conduce a un pasaje que alberga un espacio diferente habilitado en las entrañas del recinto de Francisco Sosa en donde el personaje de cada actor en una historia que (gracias a la meta-ficción) extiende la experiencia propia y permite compartir su propio drama frente al agua.

Aunque de pronto la viñeta da un aire a “Micro-teatro” (por fortuna trasciende de eso) es lo mejor logrado a nivel dramático. A este escritor le tocaron las de Mariana Giménez y Laura Padilla, gran trabajo. No se alcanzan a ver todas las historias y quizá ello le impide una mayor conexión emotiva. El dramatismo, en todo caso, se fundamenta más en las repercusiones del tema en la vida real (y en la conciencia de éste) que en el ensamble, y eso puede hacer interferencia con los fundamentalistas del teatro.

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La CNT asume la vanguardia

Se agradece que la CNT se permita experimentar con diferentes lenguajes, que sacuda a sus actores en diferentes experiencias más allá de los cánones del “buen hacer” y que abra las puertas a directores jóvenes con talento como Laura Uribe o David Gaitán quien estrenó el año pasado un estupendo Enemigo del pueblo de Ibsen.

La Compañía asume la vanguardia de ello en una forma digna de reconocimiento de la que debería de aprenderle hasta la televisión mexicana. Puede parecer un perogrullo, pero en tiempos de periodistas asesinados o en la cárcel por criticar gobernadores, hay que aplaudir la libertad creativa que advertimos en sus procesos de trabajo.

Atinada propuesta, con inconvenientes… para la descentralización

El gran inconveniente de la propuesta es una cuestión de formato. Por la trascendencia del tema y las implicaciones de la CNT (un organismo del INBA que funciona con recursos públicos) un montaje de esta naturaleza debe pensarse desde su proceso creativo para poder llegar, y adaptarse, a espacios de por lo menos cada capital de los estados. Si la CNT tuviera el presupuesto para hacer otros espectáculos sobre el tema, sería otro cantar. Hay que adaptarse.

Lo anterior es necesario no sólo en términos de descentralización de la actividad cultural sino en el sentido de oportunidad sobre la discusión que plantean. Proyecto SED debe llegar a tantos mexicanos como sea posible. El formato puede ser una limitante para ese cometido, aclaro, sin demérito de su propuesta artística. Se puede conciliar la libertad creativa con la necesidad de la practicidad técnica por la demanda del contexto.

Este montaje se inserta dentro del concepto de la “teatralidad expandida”, donde además se busca generar vínculos con otros medios como las redes sociales, acciones públicas y  el portal en internet: www.proyectosed.com, con actualizaciones constantes.

No pierda la oportunidad de confrontarse con este tema y reconsiderar, si es que no es suele acudir sólo “a las que dan risa”, sus prejuicios sobre el teatro mismo.

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Título: Proyecto SED: Encuentro de aguas.

Dramaturgia: Noé Morales y Laura Uribe.

Concepto y dirección escénica: Laura Uribe.

Actúan: Ana Isabel Esqueira, Mariana Giménez, Carlos Oropeza, Carlos Orozco y Laura Padilla.

Música: voz, Claudia Arellano y percusión, Martín López.

Funciones: jueves y viernes 20 horas, sábados 19 horas y domingos 18 horas (hasta el 1 de abril).

Teatro: Sala Héctor Mendoza / Francisco Sosa 159, entre Melchor Ocampo y Encantada, colonia Barrio de Santa Catarina, Coyoacán.

Duración: 150 minutos (sin intermedio)

Admisión: Entrada libre / Cupo limitado a 50 personas. TV & Show sugiere hacer reservación previa.

Por DanielLares Muñoz (@daniel_lares). Fotos: Jorge Vargas

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“La casa de las amapolas” y la poesía escénica

Para el pasado sábado 20 de enero, los miembros del Comité de Selección y Análisis del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro ya habíamos visto 29 obras. Los fines de semana se programan desde el mediodía, de 4 a 5 funciones. Imaginará el lector que en el tránsito de este maratón teatral, resultan unas obras mejores que otras. Para la penúltima función de ese día, junto con el público, ya hemos visto 3 y estamos esperando algo que sorprenda. Llega LA CASA DE LAS AMAPOLAS.

Se anunciaba en el programa de mano oriunda de un estado, Nayarit, que no suele tener resonancia en el quehacer teatral del ámbito nacional. Añado otro dato: la compañía La Comuna Teatral venía encabezada por una actriz (Eunice de la Cruz), quien lleva además el crédito de dramaturgia y dirección. Tamaño paquete, del que pocos, muy pocos, terminan bien librados.

La obra nos presenta la vida de Inés, una joven mujer que en medio de un idilio amoroso con su novio, es víctima de secuestro para ser trasladada a una casa de prostitución que la condena a sufrir toda suerte de infortunios y vejaciones a manos de Morsa, su proxeneta y antiguo amor. mientras que su madre (como lamentablemente tantas en este país) emprende una lucha incesante para encontrarla.

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En una Pieza de una hora y con tres personajes, ha quedado de manifiesto el desbordante talento de Eunice de la Cruz. Un trazo escénico tan sencillo como pulcro dotado de los detalles más sutiles. La tosquedad como la delicadeza; la perversión como la ingenuidad conviven en la configuración de unos personajes de claroscuros y tridimensionalidad que conmueven.

La obra no se queda en la denuncia, trasciende de ella para confrontarnos con una realidad dolorosa desde la carne trémula de la experiencia viva y personal de Inés. La puesta en escena es de una violencia poética estremecedora, ¡es teatro!

Y todo en la propuesta de la nayarita está justificado, desde el lenguaje soez del universo del personaje (del que otros abusan hasta el colmo) hasta el cadencioso y lúgubre cambio de una víctima de la violencia (ante una justicia institucional ausente) que no requiere descripciones grotescas. Estamos frente a un drama social desgarrador.

Un sincero reconocimiento también para Humberto Rochez, Zay Negrete y el equipo de la Comuna Teatro. ¿Estará apreciando el estado de Nayarit esta joya teatral? Espero que sí, y que no corra con la misma suerte de tantos otros trabajos en su tipo alrededor de la república.

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Aquí descubrimos ese otro teatro de ese otro México con calidad, voz propia y autenticidad que debe verse (y vivirse) en todo el país. Más allá de lo teatral, para que, en una época de relectura del papel de la mujer y en un año en que nuestro país se debate entre seguir viendo hacia otro lado o confrontarnos con nuestros peores demonios, hagamos conciencia y emprendemos el exorcismo. ¿Nos redimimos o seguimos dentro de LA CASA DE LAS AMPOLAS?

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Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares). Fotos: Yadira Andrade Viosca

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El archivo de Arthur Miller a la Universidad de Texas por más de 2mdd

NUEVA YORK.– El Centro Harry Ransom de la Universidad de Texas derrotó a la de Yale luego de convencer a los herederos de ARTHUR MILLER que le vendiera el archivo del escritor por más de dos millones de dólares. Manuscritos, algunos de ellos inéditos; historias, poemas, diarios y fotos familiares de uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX quedaron en manos de la casa de estudios texana que desembolsó 2 millones 700 mil dólares.

    La batalla entre Texas y Yale enfrentó a dos instituciones culturales millonarias y abrió una ventana al mundo enrarecido del comercio de cartas de grandes autores. Hace tres años, el Ransom Center había adquirido la correspondencia de otro grande de las letras: Gabriel García Márquez, la que digitalizó recientemente.

    En el caso de Miller, quien fuera esposo de Marilyn Monroe, más de 160 cajas con manuscritos habían permanecido en un depósito durante décadas en Austin, no catalogados e inaccesibles para los estudiosos, a la espera de una venta. Otro grupo de materiales, entre ellos 8 mil páginas de diarios, estaban en la casa de Roxbury en Connecticut, también inexplorados salvo por algunos allegados a la hija del autor de “Muerte de un viajante”, Rebecca, su ejecutora testamentaria. También escritora y realizadora cinematográfica, Rebecca -casada con el actor británico Daniel Day-Lewis- es hija de Inge Morath, fotógrafa y tercera esposa de Miller. Ella hubiese querido llevar todo el material a Yale, la misma institución que había obtenido las cartas de su madre. Sin embargo, la voluntad expresa del dramaturgo, quien falleció en 2005, era que fuese Austin la nueva casa de su archivo privado.

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En los años sesenta, corto de dinero y con una factura de impuestos que no alcanzaba a pagar, el escritor se había dirigido al Ransom Center, que entonces surgía como uno de los más agresivos jugadores del sector gracias a riquezas sin fondo -aparentemente basada en pozos petroleros- y donó 12 cajas con sus cuadernos de anotaciones a cambio de una deducción fiscal. Otras 73 cajas habían volado a Texas tras un incendio en la casa de Roxbury, en 1983.

    En aquel momento, en una nota adjunta, Miller había expresado el deseo de que el resto de su correspondencia terminara en Austin, donde, entre otros, se encuentran los archivos de Stella Adler, la maestra de actuación cuyas notas sobre el guión de “Muerte de un viajante” influenciaron a alumnos como Marlon Brando y Robert De Niro. Yale había ingresado al juego en 2015 con una oferta de 2 millones 700 mil dólares lo que Austin había rebatido citando la carta de Miller de 1983.

    El archivo del escritor estará en el Ransom Center en buena compañía: allí están las cartas de James Joyce, Ernest Hemingway, William Faulkner, Norman Mailer y Jorge Luis Borges. También se encuentran en custodia los archivos relacionados al mundo del teatro: hay material de Lillian Hellman, David Mamet, Sam Shepard, Tennessee Williams, Samuel Beckett, George Bernard Shaw y Tom Stoppard. 

CON LETRA GRANDE

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Inicia la XXX edición del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro

Desde este día y hasta el próximo 28 de enero el público podrá disfrutar de 49 funciones teatrales provenientes de 48 grupos provenientes de 14 estados de la República, en la XXX edición del Encuentro Nacional de los Amantes de Teatro, a realizarse en los recintos del Teatro del Bosque, Julio Castillo, Teatro Orientación y la Sala Xavier Villaurrutia de la CDMX.

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El tradicional Encuentro teatral y cultural, que data de 1985 cuya primera edición se celebró en el entonces Teatro Independencia de Pachuca, Higaldo, cuenta con el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordinación Nacional de Teatro.

De acuerdo con la coordinadora general del Encuentro, Isabel Quintanar, titular del Centro Mexicano del Instituto Internacional de Teatro de la UNESCO, este evento es una fiesta de crecimiento, de amor y de fe, que con una diversa gama de propuestas en escena este año incluirá funciones de teatro infantil los domingos e iniciarán las actividades del año 2018 en los teatros del Centro Cultural del Bosque.

El comité de análisis y reflexión está conformado por Anaraceli Alvarado, Arturo de la Cruz, Benjamín Bernal, Daniel Lares, Gabie Lazkano, Gustavo Suárez Ojeda, Manolo Villalpando, Mario Ficachi, Renato de la Riva, Sonia Enríquez, Teresa Valenzuela y Arturo Díaz Sandoval, quienes seleccionaron los proyectos que ocuparán el escenario en esta edición.

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Una vez más, el Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro demuestra ser un foro de importancia nacional que fomenta la profesionalización de grupos emergentes de la Ciudad de México y diversos estados del país.

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EN REDES:

Más información en el sitio web de la Coordinación Nacional de Teatro (www.teatro.bellasartes.gob.mx) y en sus redes sociales: Coordinación Nacional de Teatro en Facebook, @TeatroINBA en Twitter y @inbateatro en Instagram.

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Y sigue la mata dando…El dramaturgo Israel Horovitz, acusado por 9 mujeres

NUEVA YORK. – El famoso dramaturgo estadounidense Israel Horovitz, de 78 años, fue acusado por nueve mujeres que comentaron públicamente los abusos sufridos a manos del hombre al que consideraban mentor y amigo, escribe el New York Times (NYT).

Horovitz sostuvo que tiene “un recuerdo diferente sobre algunos de los episodios” pero igualmente se “excusó de todo corazón con alguna mujer que haya podido sentirse turbada o molesta con su comportamiento”.

Fundador de la ‘Gloucester Stage Company’, en Gloucester, Massachusetts, que dirigió por espacio de 28 años, Horovitz es un autor multipremiado con más de 70 obras, incluida “The Indian Wants the Bronx” (con Al Pacino, 1968), “Park Your Car in Harvard Yard” (en Broadway, 1991) y “Out of the Mouths of Babes”, representada en Broadway hasta el año pasado.

También fue codirector de la Asociación Horovitz-Paciotto, una compañía teatral italiana que produce solo obras del dramaturgo.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“Días de Teatro”, al fin por la telera abierta y pública de Canal 22

Después de varios años, al fin con DÍAS DE TEATRO (Canal 22, próximo lunes 20 de noviembre, 22 horas) nace un programa por la telera nuestra, abierta y pública de cada día dedicado a las artes escénicas, lo que ninguna televisora ha incluido pese a la extensa oferta y demanda del teatro mexicano, no solo comercial.

¿Cuál es el pionero de los melodramas televisivos?, ¿cómo acercar al público actual al teatro por medio de la televisión?, ¿cuáles son las obras dramatúrgicas más representativas? DÍAS DE TEATRO es el nuevo programa de Canal 22 que  apuesta por una nueva forma de mostrar esta expresión artística, a partir de este lunes 20 de noviembre, a las 22:00 horas.

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A manera de micro teatro, este programa busca fomentar el interés en dicha arte escénica a través de un espacio televisivo que dé cabida y testimonio de los diferentes aspectos del teatro en México y el mundo.

A lo largo de 13 episodios el crítico y periodista, Fernando de Ita, será el encargado de guiar al televidente a través de una revisión histórica de la actividad teatral como una manera de situar y entender estas manifestaciones en el presente.

 Al mismo tiempo, cada capítulo estará dedicado a un tipo de teatro, con la finalidad de representar fragmentos de las puestas en escena más representativas de la historia dramatúrgica, desde las obrasMacbeth y Ricardo III de Shakespeare, hasta Las tres hermanas, de Anton Chéjov, Antígona, de Sófocles y Bodas de sangre, de Federico García Lorca, pasando por el humor en los escritos de Jorge Ibargüengoitia y Eugene Ionesco. 

Algunos de los ejes temáticos de dicho proyecto son: el clásico del teatro estadounidense, Un tranvía llamado deseo; los mecanismos de poder que afectan la intimidad de pareja; el matrimonio; el teatro de carpa; clásicos de la tragicomedia y las diferencias clasistas dentro de la sociedad, entre otros.

 DÍAS DE TEATRO es un espacio dedicado a revivir al teatro a través de la telera nuestra de cada día.

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De teatro: “Enemigo del pueblo” o la democracia de la ignorancia

La Compañía Nacional de Teatro repone, en breve temporada hasta el 19 de noviembre, el clásico de Henrik Ibsen, ENEMIGO DEL PUEBLO, en el teatro Julio Castillo. Escrita hace más de 130 años, la relectura que ofrece David Gaitán germina en una obra con la que cualquier ciudadano del mundo, y particularmente de este país, tendría que confrontarse.

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“¿De qué sirve tener razón si no se tiene el poder?”

Un balneario se ha abierto en el pueblo y con la llegada de los visitantes, sus pobladores parecen vivir bonanza económica. El médico de la localidad, Luis Stockman, es un hombre voluntarioso y de malas formas pero dueño de una aguda inteligencia que a través del único periódico existente, pone en jaque constante a la autoridad representada en el alcalde del pueblo, quien es su hermano. Stockman hace un incómodo descubrimiento respecto al balneario que los pondrá en la disyuntiva de si es posible que una pregunta tenga dos respuestas aparentemente éticas, pero contradictorias.

“Confundimos la uniformidad con democracia”

Henrik Ibsen (1828-1906) fue un célebre dramaturgo noruego dentro del género del realismo. De entre sus obras más importantes que se continúan montando alrededor del mundo en diferentes idiomas están (además de El enemigo del pueblo): Hedda Gabler, Espectros y, quizá el parteaguas de su carrera teatral, Casa de muñecas.

Es esta última un cuestionamiento a las convenciones del matrimonio, que detonó en un escándalo tras su estreno (1879). Precisamente la adaptación mexicana de 1954 para el cine de Alfredo B. Crevenna, con Marga López y María Douglas en el reparto, modifican el final del original para cumplir con los cánones morales de la época. El director de esta puesta no comete aquél atropello con su versión de Enemigo del pueblo.

Al atractivo de un sólido reparto (un extraordinario Luis Rábago a la cabeza) habría que agregar la oportunidad de ver un trabajo de estreno reciente firmado por el legendario Alejandro Luna en la iluminación y escenografía que potencia el trabajo de su director. Afortunada simbiosis la experiencia + juventud ha resultado la mancuerna Luna-Gaitán, de quien hay que añadir que tampoco es un novato en los escenarios.

David Gaitán (1984), cuyo trabajo anterior es la estupenda versión del clásico griego, Antígona, estrenada durante 2015 por Teatro UNAM en el Juan Ruiz de Alarcón, tuvo una reposición justo hace un par de meses también en el Julio Castillo. Tras su estreno en el Teatro del Centro Nacional de las Artes, llega al recinto de mayor aforo del Centro Cultural del Bosque. La CNT no se ha equivocado en confiar en Gaitán.

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“En este mundo hay más mezquinos que mediocres y sensatos”

Es verdad que al principio a la obra le cuesta un poco arrancar, pero una vez que el conflicto está aclarado la obra camina sola, y jamás suelta al público al que se le va como agua su más de hora y media de duración en un solo acto. Depende del cristal con que se mire, pero Enemigo del pueblo puede resultar intensa, apasionante o al menos interesante, incluso para un público no habituado a este tipo de teatro.

Precisamente, se agradece que a diferencia de tratamientos soporíferos como el Hamlet del año pasado en el Foro Sor Juana (También de Teatro UNAM por los tiempos del Antígona de Gaitán), el de Enemigo del Pueblo se preocupe por actualizar de verdad el texto para que el público entienda la relevancia de lo planteando y participe de éste: lo cual es determinante para la contundencia de lo que aquí se denuncia.

¿Estamos a la altura de las utopías que fantaseamos?

Las pistolas de burbujas, habilitadas entre las butacas, no sólo contribuyen en la tarea estética de exponer la frivolización mediática de la ‘verdad’ sino en evidenciar al público respecto de su genuina postura ante ello. Y a través de reconfigurar a Stockman (respecto del original) por uno de carácter más agrio y provocador frente al público, refleja cómo la verdad documentada no sólo puede resultar grotesca y áspera para la sociedad (¡Oh, “Casas Blancas”!) sino que es susceptible de alterarse.

Dentro del programa de mano, el director incluye referencias bibliográficas en las que se ha apoyado para construir el tratamiento de su puesta en escena lo cual no sólo es un aporte informativo sino didáctico para quienes deseen profundizar en los temas que se plantean en la escena.

No deje pasar la oportunidad de ver esta propuesta.

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MÁS DATOS:

Título: Enemigo del pueblo.

Dramaturgia: Versión de David Gaitán de la obra de Henrik Ibsen.

Dirección: David Gaitán.

Actúan: Luis Rábago, Amanda Schmelz, Antonio Rojas, Miguel Cooper / Juan Carlos Remolina, Astrid Romo, David Calderón León.

Teatro: Julio Castillo (Centro Cultural del Bosque).

Admisión: 150 pesos general, jueves 30 pesos, descuentos a Gente de Teatro, maestros e Inapam. *Disponible venta de boletos por el sistema Ticketmaster.

Funciones: Jueves y viernes, 20:00 hrs., sábado 19 hrs., domingo 18 hrs. Hasta el 19 de noviembre.

Duración: 100 minutos aproximadamente.

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

Fotos: Sergio Carreón Ireta/ CNT

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“Las Malcriadas” no quieren ganar

¿Y la reinvención de TV Azteca? La más reciente producción de ficción del prime time, Las Malcriadas, no está hecha para lograr el liderazgo en ningún sentido.

Resulta una hazaña retener la atención sin aburrirse después de los primeros quince minutos del capítulo uno; no levanta en los siguientes, pero rigor llama. ¿En qué escena hallamos el discurso de “reinvención” prometido por la nueva dirección de la compañía?

La extraña combinación del reparto (como en los inicios de la nueva Telemundo con los acentos) produce una ensalada inverosímil de interpretaciones y perfiles que no ayudan a salvar un guión cuyo desarrollo nos evoca más a una casa de las faldas de los cerros de la periferia metropolitana capitalina, levantada a base de la autoconstrucción, que a su pretensión de pasar por un novedoso apartamento de una respetada inmobiliaria.

Si profundizamos en ello, corro el riesgo de deprimir al lector. Por ello a cambio, propongo compartir reflexiones a partir de lo que representa esta producción en la pantalla de la televisión abierta mexicana de los tiempos que corren.

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Producción ¿original?

Como sucedió con el caso de Sueño de Amor (Televisa, 2016), si nos atuviéramos a producciones como Las Malcriadas que se venden especialmente como “originales” (una confesión de parte que adentro saben de tal exigencia), podemos entender por qué los productores no confían en los proyectos con esa etiqueta. Flaco favor.

¿No había en todo México mejor proyecto que este para darle luz verde? En el supuesto de que todos sean así, pues sí, les damos la razón. Las historias originales son Frankesteins condenados al fracaso y no hay nada que hacer. La época dorada del serial tipo anglosajón y de la telenovela extranjera no existe y debe obedecer a su buena suerte.

Sigamos avocados a depender excesivamente de los originales de industrias foráneas para que generen plusvalía y derechos de autor-licencias; empoderemos su autoridad creativa y terminemos de cederles el mango del sartén del mercado internacional.

Conformémonos con servir de simples maquiladores de producción de “contenido”. Sólo como referencia, revisemos las causas de la débil posición de México en otras industrias frente a Estado Unidos y Canadá en las negociaciones del TLCAN.

Algo debe decirles también, espero, que por lo regular sus adaptaciones de remakes dejen mucho que desear. Como he escrito trabajos al respecto, no extenderé en ello. Sólo debo reiterar en señalar el error de resistirse a atender en serio el fondo de la crisis actual: la ponderación de la quintaescencia creativa en una industria creativa.

Ver ¿Por qué la crisis de la telenovela mexicana? Parte III: dramaturgia

https://daniel-laresmunoz.blogspot.mx/2017/02/por-que-la-crisis-de-la-telenovela_7.html

Desconocer la propia historia

Cuando la otrora Imevisión incursionó en la producción de telenovelas (Nada Personal, 1996) no exenta de riesgos, advertía que se enfrentaba con Sansón a las patadas y emprendió entonces con una clara propuesta de diferenciación:

Las historias rosas de cenicienta versus las realistas con expertise y audacia dramatúrgica; realización uniforme de maquila versus una artesanal con aspiraciones cinematográficas; estrellas de escándalo frente a actores con capacidad histriónica. ¿Dónde se refleja (o rescata) eso en Las Malcriadas? La austeridad se advertía en el número de locaciones o la nómina del reparto no en lo cutre de los valores de producción.

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La crisis: problema de industria no de una televisora

Lo antes expuesto nos lleva a pensar que (como en Televisa) o la resistencia interna de las viejas guardias de TV Azteca le juegan malas pasadas a su actual administración o la inteligencia ejecutiva no ha sabido leer y comprender las exigencias de los nuevos tiempos: peor aún, ambos factores.

Su nueva directiva en ficción ya lleva más de un año al frente y después del efímero y relativo éxito del remake de Rosario Tijeras (que naufragó en la pantalla estadounidense), a Las Malcriadas le anteceden La Fiscal de Hierro (look alike de Telemundo), y el refrito infortunado de Nada Personal que dejo en el lector si vale la pena recordarlo.

En el top 5 de los ratings proporcionados por HR Media (que miden el Valle de México) no ha aparecido ni por equivocación la producción estelar del Ajusco. Le supera incluso una repetición del medio día de Las Estrellas (Lo que la vida me robó).

La caballada del hipódromo está (muy) flaca

Con ello TV Azteca junto con la excesiva moderación de Imagen TV (¿la “nueva televisión” para cuándo?), propician que, pese a los bajones de audiencia y su propia crisis, Televisa siga manteniendo el primer lugar de sintonía. Atención, no por ofrecer la mejor propuesta, sino por tener en pantalla la menos mala de la franja. Triste el caso de la industria mexicana. San Ángel tiene que agradecer a sus “competidores” nacionales.

Como ha asentado con anterioridad el Telévoro de Roberto Rondero en TV & Show, ver a actrices con probada capacidad escénica como Rebecca Jones ofrecer los papeles más desafortunados de su carrera no es alentador para nadie.

Las televisoras mexicanas de hoy son como los viejos cines unisala de principios de los noventa que pretendían aferrarse a su cuota de mercado con el mismo servicio y títulos en cartelera como Juana la cubana, Cambiando el destino y La risa en vacaciones frente a la sofisticación del cine extranjero y la ineludible llegada del formato multi-sala (y los megaplex), la televisión por cable y la consolidación de los formatos de video en casa.

El final de aquella historia es por todos conocido.

Por Daniel Lares Muñoz (@daniel_lares)

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“El círculo de cal”, de la CNTeatro

Con 100 representaciones en su haber, EL CÍRCULO DE CAL, de la Compañía Nacional de Teatro, estrenada desde 2102, es un montaje en que el actor se enmascara para desenmascarar a la sociedad, por lo que su máscara no es un ocultamiento, sino una lupa: el gesto delata la esencia invisible de lo que somos, afirmó Luis de Tavira, director del montaje basado en Der kaukasische Kreidekreis, con funciones los jueves y viernes 19 horas, sábados 18 horas y domingo 17 horas, en la Sala Héctor Mendoza.

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UN DATO:

EL CÍRCULO DE CAL pertenece al repertorio de la Compañía Nacional de Teatro en el rubro Patrimonio Universal del Teatro.  En esta obra, -comenta Luis de Tavira-, aparece una mujer que se construye a sí misma como madre y  en el momento de la máxima expresión de amor por su hijo, manifiesta que no desea que su hijo sea rico porque quiere su felicidad y porque en sentido profundo y verdadero, ningún rico podrá ser feliz mientras exista tanta miseria y desigualdad. He aquí un discurso verdaderamente renovador que merece el compromiso de nuestro entusiasmo teatral. Es urgente decir lo que clama esta obra: sólo los bondadosos son realmente fuertes.

La obra gira en torno a dos preguntas que se entrelazan: ¿de quién es la tierra? y de quién son los hijos? La aproximación a la respuesta de una de las preguntas ilumina la respuesta de la otra. La tierra no es de nadie, uno es de la tierra, y si la tierra es sagrada, los hijos sólo son de quien los ama y da la vida por ellos.

Allí donde Brecht propuso una parábola china con claros referentes bíblicos, articulada por comentarios musicales, -afirma el director escénico-, nosotros optamos por el recurso del cómic que obedece al efecto poético que Brecht llamó  vervendrungeffect,  que los intentos de traducción como distanciamiento o rompimiento no consiguen expresar con claridad.

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“El cómic es una de las expresiones susceptibles de ser un arte y sin duda lo alcanza a ser en el siglo XX. Encontramos esta vertiente poderosa de su lenguaje para exponer a Brecht justamente por su origen, en un expresionismo muy cercano a lo que va a derivar en esta expresión de finales de los años 30’. Su característica que es el fragmento, muy afín a la propuesta brechtiana, tiene que ver con la era del encuadre, que no es ingenuo sino deliberado y determina nuestra  visual de forma que va creando una secuencia; modernidad estética que sentimos muy próxima y extendemos a la música, a la bidimensionalidad de la escenografía con profundidad de la perspectiva, escala que se proyecta al infinito.”

EL COMIC:

El concepto de cómic, la actuación con máscaras, la música que remite al entorno sonoro de un México en constante transformación  y el espacio escénico cuya organicidad se amalgama a la evolución de la puesta en escena, abren paso a la guerra civil en la república de Grusinia, donde  la esposa de un gobernador asesinado sale huyendo. En su apresuramiento, la mujer deja olvidado a su hijo pequeño, el heredero, que por ello será buscado de manera tenaz. Una cocinera que trabajaba en el palacio de gobierno sucumbe a la terrible tentación de la bondad y decide salvarlo. Así da inicio una larga odisea de sobrevivencia en la que deberá enfrentar una serie de obstáculos cada vez más complicados.  Al final, terminada la guerra, la madre natural del niño lo reclama pero la mujer que se expuso a innumerables peligros para salvarlo también lo reclama para sí. Habrá de celebrarse un juicio y en el sitial del juez está sentado un hombre extraño.

ELENCO:

Participan los actores del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro Adrián Aguirre, Misha Arias de la Cantolla, Carlos Orozco, Eduardo Candás, Ana Paola Loaiza, Gabriela Nuñez, Marco Antonio García, Ana Isabel Esqueira, Luisa Huertas, Miguel Cooper, Oscar Narváez, Érika de la Llave, Rocío Leal, Patricia Madrid, Rosenda Monteros, Olaff Herrera, Laura Padilla, Pilar Padilla, Ana Ligia García, Roberto Soto, Paulina Treviño, Rodrigo Vázquez y Andrés Weiss. Con la participación de los músicos invitados: Paul Conrad, Edwin Tovar, Juan Carlos Pacheco y RAM.

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PRODUCCIÓN:

EL CÍRCULO DE CAL es un espectáculo de Luis de Tavira sobre “Der kaukasische Kreidekreis”, director residente Octavio Michel, versión en castellano de Eduardo Weiss y Luis de Tavira; música original y canciones de Rafael Fuentes Orduña “El Gato”; escenografía e iluminación, Philippe Amand, dramaturgia corporal Citlalli Huezo, vestuario Jerildy Bosch, diseño de máscaras José Pineda, dirección musical y arreglos Alberto Rosas, técnica de actuación con máscaras Glennys McQueen-Fuentes, y entrenamiento de máscaras para remontaje, Mauricio Pimentel.

TEATRO:

Sala Héctor Mendoza (Francisco Sosa 159, entre Melchor Ocampo y Encantada, colonia Barrio de Santa Catarina, Coyoacán, Ciudad de México). Entrada libre, cupo limitado.

Informes y reservaciones publicos.cnteatro@inba.gob.mx

FOTOS: Sergio Carreón Ireta (CNT)

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Estreno teatral “Del manantial del corazón”…del corazón de Yucatán

El olor a incienso y copal inunda el espacio cuya composición delata el costumbrismo que nos espera. Cuatro cruces vestidas con huipiles mayas a las que corresponden mesas con altares, enmarcan el espacio. Al centro un mueble rectangular tejido en mimbre. Mujeres en huipil y concentradas en rezos, llevan consigo la contradicción del mestizaje.

 

“Una mujer a la que le matan un hijo, es muy propensa a quedar loca”

Le obra discursa en la pérdida de un hijo desde la óptica de un grupo de mujeres mestizas de la zona maya yucateca, con su particular visión, ingenuidad, candidez, y desde sus prejuicios y su ignorancia. Si ser mujer en las urbes de hoy todavía presenta condiciones hostiles en muchas áreas, lo que expone la puesta en escena nos evidencia lo que ocurre en las comunidades rurales e indígenas.

Y aunque la obra denuncia, hasta el espectador menos habituado al teatro se engancha porque lo hace con un lenguaje sencillo entre el humor y el drama social con ciertas dosis de melodrama desde amor maternal (atención al chairismo que cree que el género es el problema de la telenovela mexicana).

Conchi León ante ello, emplea recursos que nos remiten al teatro regional (mezcla entre carpa y show de variedades) tan popular en su estado, que impuso la dinastía Herrera, particularmente a través de su máxima estrella, el inolvidable Héctor Herrera “Cholo” fallecido en 2010. León vacila al límite de cruzar hacia el regodeo cómico en el que suelen caer algunos actores en este contexto. Ante ello acierta en no caricaturizar.

Sin embargo, gracias a la solidez de la propuesta escénica, la obra sale avante porque la chabacanería le aporta identidad.  Los silencios medidos y la energía de las palabras no dejan de evocar cosas. Al espectador se le lleva hábilmente en una montaña rusa de emociones que hace a Desde el… especialmente conmovedora.

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“¿Quién les da derecho a decidir cuánta vida hay en una vida?”

En Yucatán, como en los estados del sureste, las mestizas conviven dentro del cuadro de la vida cotidiana, aún en las zonas de mayor concentración urbana como Mérida, lo que no sucede en todos los estados con sus grupos étnicos.

Desde Mestiza Power, León ha discursado sobre el papel de esas mujeres en la sociedad actual y cada vez se lo nota mayor maestría. Además del espectáculo y del siempre atractivo formato de tener al público sobre el escenario (cuando se presentan en espacios a la italiana) la obra ofrece la interacción lúdica con la cosmovisión maya  a través de rituales como el hetzmek (bautizo) que resulta novedoso sobre todo para públicos lejanos geográfica y culturalmente con ese otro México del que se sabe muy poco.

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             Yucatán, el microcosmo del “otro” teatro

Conchi León, junto con Raquel Araujo, es quizá de las figuras yucatecas con mayor notoriedad de la actualidad en la escena teatral nacional más allá que no dejan el quehacer en su estado, que se los posibilita. Nos alegra especialmente que sean mujeres.

Sin demérito de su trabajo, ello refleja lo variopinto de las condiciones para que en cada estado los artistas logren regularidad en su producción. Sin duda no es lo mismo Nuevo León (o Yucatán), que Durango o Campeche y ello depende en buena medida no sólo del gobierno federal sino, particularmente, de las Secretarías de Cultura de los Estados.

No hablamos de un asunto de talento, que en cualquier lado lo encontramos de maneras incluso sorprendentes. En mi experiencia personal, lo antes dicho se explica desde la visión y ejecución de una política cultural (cuando verdaderamente existe): a mayor dinámica vertical gubernamental (por no llamarle cacicazgo), mayor mecenazgo totalitario y carácter “eventual” se le confiere a la actividad cultural, por más festivales y pirotécnica publicitaria que hagan.

Por el contrario, a mayor co-participación exigida al artista, consistente en responsabilidad compartida (con rentabilidad socio-cultural) a cambio de recursos, gestión y reconocimiento, mayor y más regular es la producción local. Ello también depende del desarrollo de la iniciativa privada regional y su participación en los servicios culturales. Por otro lado, para que sea oferta sea “buena”, depende primordialmente de la formación del público.

Yucatán, con sus luces y sombras, es una muestra de una política cultural que lleva rumbo desde hace un buen tiempo; acierto de Teatros de Ciudad de México que retoma lo que vale la pena. En TV & Show nos congratulamos de que esta compañía nos regale un trabajo que, en efecto, emana del corazón.

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Datos:

Título: DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN

Dramaturgia y dirección: Conchi León.

Actúan: Conchi León, Addy Teyer, Randia Escalante, Lourdes León y Gaby Varela Michelle.

Lugar: Teatro Sergio Magaña (Sólo hasta el 15 de octubre).

Funciones: (viernes 6, sábado 7, domingo 8, jueves 12, viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de octubre): jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en el Teatro Sergio Magaña, (Santa María La Ribera, Metro San Cosme).

*Posible traspaso al Teatro Benito Juárez para conclusión de temporada al 22 de octubre.

Admisión: 141 pesos, entrada general, 50 por ciento de descuento a estudiantes, maestros, militares, trabajadores de gobierno e INAPAM.

Duración: 70 minutos aproximadamente.

La programación de Teatros CDMX está disponible y se actualiza en: http://www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. También cuenta con app (Android e iOS) “TeatrosCDMX”.

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Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

FOTOS: Cortesía de la Producción. TV&SHOW / Rondero’s Medios

“Éramos tres hermanas”, la resistencia de los “viejos” tiempos, en el Teatro Orientación

Asistir al teatro convocados por un cartel de actrices del calibre de ANA OFELIA MURGUÍA, MARTA AURA y MARTA VERDUZCO para esta obra, con Chéjov de por medio, siempre resulta estimulante. La noción de espectáculo no riñe con la misión cultural de la oferta de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), verbigracia.

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“El tiempo pasa y yo sólo veo que me alejo de la vida”

Llegan las la luces a escena y alumbran una casa familiar que nos enfrenta con un ambiente decadente que esconde mejores tiempos. Las hermanas Prozórov se recuperan de la muerte de su patriarca y hacen planes para retomar sus vidas. Ansían regresar a Moscú desde la difusa idealización de recuerdos de la infancia y como evocación de un lugar donde corre la vida en contraposición del sosiego abrumador de provincia.

Pero son mujeres de su tiempo y el yugo del clan familiar se transfiere a otro hombre, su hermano mayor, un personaje omnipresente que nunca aparece en el escenario, cuyo matrimonio se antepondrá a sus hondos anhelos. Aquí hay un factor de resistencia, su dignidad y mientras las tres hermanas viven un letargo en el que parece que no ocurre nada, dentro de ellas ocurre una vibración existencial, con particular vigencia.

La Rusia profunda y rural del original que data de 1901, aquí transpira una universalidad única que puede trasladarse sin problema a cualquier ciudad del interior de México. Otro rasgo particular de la dramaturgia de Chéjov es aquello que pasa fuera de escena que termina diciendo más de lo que sucede en ésta; sin embargo, es la interpretación de las actrices lo que provee de peso al texto del presente dramático, lo cual resulta un deleite.

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 “La medicina es mi esposa legal; la literatura, solo mi amante”

ANTÓN CHÉJOV (Rusia, 1860-1904) fue un médico que se hizo escritor y luego dramaturgo. Sus cuatro obras: La Gaviota, Tío Vania, Las Tres Hermanas y El Jardín de los Cerezos conforman cualquier biblioteca teatral que se respete en el mundo. Todas ellas llevadas a escena bajo la dirección de su célebre compatriota Konstantin Stanislavski que revolucionó las formas de hacer y entender al teatro.

Ante ello, también es preciso acotar sobre la trayectoria del director porque ello redefine la adaptación de la obra: el español José Sanchis Sinisterra, no sólo cuenta con una longeva trayectoria en los escenarios sino que hablamos de uno de los autores vivos más reconocidos de su nación y cuyas obras son de las más montadas, un detalle nada menor para el que hacer de la CNT.

Dada su prestigiosa trayectoria como docente en arte dramático (con énfasis en la investigación), advertimos su proclividad natural a ofrecernos experimentación en el abordaje de un autor clásico del teatro moderno y eludiendo la distancia de tratar la obra como pieza de museo, lo que el dramaturgo confiesa en su “Desacato” del programa de mano.

La reverencia al también cuentista en todo caso se encuentra en el formato que enmarca la puesta: factura de la CNT, teatro a la italiana (aun haciéndose prescindir de las piernas laterales) y la solemnidad del ritmo narrativo, sobre todo durante la primera parte.

Aspectos como la influencia en el diálogo a la (Harold) Pinter o la meta-teatralidad (al hablarle a la audiencia) que guiñan a (Samuel) Beckett proveen de actualidad al relato y en manos de la maestría de una actriz como Ana Ofelia Murguía, cosquillea el ombligo del público para su beneplácito.

Sabemos que Sanchis Sinisterra realizó un montaje madrileño un año antes con excelente acogida; es de suponer que la adaptación es la misma que se ofrece aquí con un elenco y producción mexicanos.

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 “Nada sucede como lo habíamos creído”

A la producción de la Compañía Nacional de Teatro no hay algo que repararle, por el contrario nuevamente nos encontramos con otro extraordinario trabajo de Patricia Gutiérrez en la iluminación y escenografía (Ver la reseña de TV & Show de Las 99 monedas),  sin dejar pasar por alto el delicado trabajo en la música de Alberto Rosas y de Victoria Benet, dotado de un gusto excepcional.

Finalmente no omito compartir una de las ideas que me vienen a la mente al atestiguar el desempeño de un reparto como este en escena: ¿por qué la ficción dramática audiovisual de México persiste en ponderar absurda y frívolamente la juventud en todos sus proyectos y personajes centrales? Lo dice un millenial (el autor de estas líneas).

Más de un productor y director de casting debería estar entre las butacas de los teatros donde esta obra se presente. Asistir a Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov) es la demostración de lo mucho que tenemos que aprender (acaso aprovechar) y reconocer a la veteranía de su elenco artístico. Larga y saludable vida.

La puesta en escena cierra temporada en el Centro Cultural del Bosque pero forma parte desde 2015 del repertorio de la Compañía dirigida por Enrique Singer, por lo que vuelve a cartelera en cualquier momento. Ojalá pueda viajar por el país para contribuir a hacer efectiva la palabra ‘nacional’ en las siglas de instituciones como la CNT.

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DATOS:

Título: Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov).

Adaptación y dirección: José Sanchis Sinisterra.

Actúan: Marta Aura, Ana Ofelia Murguía (alterna con Adriana Roel) y Marta Verduzco.

Lugar: Teatro Orientación (Centro Cultural del Bosque)

Admisión: 150 pesos general, jueves 30 pesos, descuentos a Gente de Teatro, maestros e Inapam.

Funciones (últimas): Jueves 5 y viernes 6, 20:00 hrs., sábado 7, 19 hrs., domingo 8, 18 hrs.

Duración: 90 minutos aproximadamente.

Disponible venta de boletos por el sistema Ticketmaster.

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares) / Instagram: @daniel.laresm / Fp FB: Daniel Lares Muñoz. http://www.tvandshow.com.mx

 Fotografías: Sergio Carreón, CNT

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“Las 99 monedas” o la que hace falta

              Teatro UNAM retoma temporada con estreno en el Santa Catarina

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La dulce voz de una niña (Adamaris Madrid) rompe un silencio escrutador para abrir un gran libro que dispondrá de un cuento ensombrecido por la codicia. El Rey (María Teresa Garagarza) aparece enjuto y solemne frente a su servicial Paje (Rodolfo Arias).

El triste Rey hace llamar a su Sabio (Arias) para que le ayude a explicar por qué su fiel Paje es feliz viviendo con poco. El Sabio le alumbra, no ha entrado en el círculo de las 99. El Rey está dispuesto a sacrificar a un buen sirviente con tal de entender el fenómeno por lo que hace llegar al Paje una bolsa con 99 monedas de oro, ni una más y ni una menos.

El efecto opera. El sirviente desnuda ansioso las monedas del bolso y para constatar su nueva posesión, él mismo las cuenta una por una: 2, 5, 20, 60, 97… 99. Vuelve a contar, noventa y nueve monedas. Vuelve a contar. No están completas (aunque antes no tenía ninguna). Falta una para que sean 100, 99 no es un número redondo. Con 100 será un hombre rico, sólo con 100 y hasta que sean 100.

Un paje, una sociedad

Vamos presenciando la angustia y la decadencia de un hombre que pierde su empleo, su familia, a través de su Esposa (Garagarza), además de su espíritu y la dicha por la vida. En el Paje vemos sustituida a la sociedad actual, educada bajo la premisa de que la felicidad es por origen incompleta. Siempre hace falta algo para ser completos. No se será feliz hasta que se tenga “eso”, o hasta que se compre: quintaesencia del consumismo actual.

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Esta fábula sobre la codicia y la ansiedad en el ser humano es una propuesta teatral de José Acosta con dramaturgia de Noé Lynn Almada, con el destacado diseño de iluminación de Patricia Gutiérrez Arias que aprovecha la intimidad que brinda el espacio del Santa Catarina para el actor y el espectador.

Es probable que a un público poco consumado frente a este tipo de propuestas, le puedan parecer excesivos los extendidos silencios y las reiterativas pausas que hacen ralentizar el ritmo de la primera parte de la obra. También es cierto, por otro lado, que presenciamos un discurso atractivo y el trabajo de actores comprometidos derivado de un laboratorio escénico.

 “¿Acaso con la pérdida y el dolor no mejora el ser humano?”

Luego del sismo del pasado 19 de septiembre que convulsionara la Ciudad de México y parte del país y que postergara una semana el estreno de esta propuesta escénica, Teatro UNAM reanuda actividades para retomar su temporada general 2017. Sin duda una forma de recuperar el aliento y replantear nuestra propia vida y la de nuestra sociedad es reflejándonos en espejos como éste al acudir al teatro.

La vida sigue… y el teatro también

En charla posterior a la función de prensa, Rodolfo Arias ha comentado que puso al servicio de sus personajes en escena la austeridad que se ha autoimpuesto como nueva forma de vida personal mientras María Teresa Garagarza añadió que no obstante su proceso para esta obra en la que, naturalmente, no contemplaba el seísmo, éste y sus efectos sociales la han sacudido para abordar su trabajo escénico tras la breve pausa.

José Acosta arguyó que optaron por un final que a su parecer debe llevar al público: una toma de conciencia, “si los políticos tuvieran un poco de dignidad, cuando menos se sacarían los ojos”, referencia trepidatoria a Edipo Rey.

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MÁS DATOS:

Título: LAS 99 MONEDAS.

Actúan: Rodolfo Arias, María Teresa Garagarza y Adamaris Madrid.

Lugar: Teatro Santa Catarina.

Temporada: Del 30 de septiembre al 22 de octubre.

Funciones: jueves y viernes 20:00 hrs., sábados 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs. Funciones matutinas: los sábados 7, 14 y 21 de octubre/13:00 hrs. y los domingos 8, 15 y 22 de octubre/13:00 hrs.

Costo: 150 pesos; Jueves Puma 30 pesos.

Descuentos: 50 por ciento a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS con credencial vigente. Jueves de 30pesos; 12 de octubre no habrá función.

Duración: 70 minutos aproximadamente.

Teatro UNAM no cuenta con reserva electrónica de boletos.

Por Daniel Lares Muñoz / *Fotos: Daniel González. TV&SHOW / Rondero’s Medios

 

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TEATRO UNAM SE REACTIVA

Dominguito sagrado de premios Tony por FILM&ARTS

Adiós al maestro José Solé

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Apenas dos semanas antes de su fallecimiento este día a los 87 años, el maestro JOSÉ SOLÉ acudía a una de sus últimas representaciones: INSTRUCCIONES PARA UNA MUERTE FELIZ, en el Teatro Rafael Solana, en el Centro Cultural Veracruzano.

El maestro teatral de varias generaciones, uno de los soportes vitales de la dramaturgia mexicana y universal, posó para TV&SHOW con su amigo, el actor Javier Díaz Dueñas, a la par de saludar a Susana Alexander, Mariana Garza y Sophie Alexander-Katz.

La versatilidad creativa del maestro José Solé como director de teatro, escenógrafo y diseñador de vestuario lo llevaron a realizarcabaret, teatro comercial, zarzuela, ópera, teatro infantil, hasta –como ya se mencionó– teatro contemporáneo y tragedia griega, pasando por los clásicos del Siglo de Oro.

Para Solé, en una entrevista con La Jornada, declaró: “el teatro es un arte que se alimenta de todas las otras artes, entonces se vale todo, pero hay que tratar de hacerlo bien, comprometer el pellejo y el alma, es decir, con pasión y honestidad. El teatro se hace para el público, pero sin concesiones”.

Descanse en paz Maestro José Solé…

Por Roberto Rondero / Foto: Lourdes Córdoba. TV&SHOW / Rondero’s Medios

¿Quieres ir al Teatro?

TV&SHOW tiene para ti cinco boletos dobles para ir al teatro este sábado 9 de julio, sólo tienes que responder cuál es la obra cuyo título es lo contrario a las mujeres que sí saben leer y escribir.

Envía tu nombre completo a nuestro Twitter para que seas uno de los ganadores y puedas recojas en la taquilla del teatro tus boletos con una identificación oficial (IFE o INE).

Los nombres de los ganadores los daremos a conocer este viernes 8 de julio en TV&SHOW. así como el nombre de la obra,  el reparto y la dirección del teatro.

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

De regalo: Los Premios Tony

En este día del padre, y para evitar resúmenes y corajes de la vapuleada futbolera del siete a cero frente a la selección chilena, los padres –y familia que los acompañen- pueden disfrutar en este Dominguito Sagrado la retransmisión, ahora con subtítulos, de la septuagésima entrega de los Premios Tony a lo mejor del teatro de Broadway por la telera nuestra de FILM&ARTS, en dos horarios, a las 11 de la mañana y 19 horas, conducida por el actor y comediante James Corden, que incluye los números musicales de las soberbias producciones Hamilton, Waitress, On Your Feet!, Shuffle Along y Bright Star.

El gran ganador de la noche fue Hamilton, musical que se alzó con 11 de las 16 estatuillas por las que competía, logrando romper récord de nominaciones pero a dos galardones de superar a Los Productores, que sigue siendo la obra más premiada en la historia de los Tonys.

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UN DATO

Luego de la controversia derivada de los Premios Oscar 2016 donde se criticó la falta de diversidad en las producciones, la 70ª entrega anual de los Premios Tony se concentró en celebrar la inclusión y diversidad de la industria: elencos conformados íntegramente por afro-descendientes, equipos creativos cien por ciento femeninos y más fueron el foco del festejo. Las distancias logradas por una discapacidad se “acortan” con el ejemplo de Spring Awakening, que cuenta con un elenco con mitad de sus actores sordos. Los musicales Shuffle AlongThe Color Purple yHamilton y la obra de texto Eclipsed realzan el espíritu de los afrodescendientes, la inmigración y el poder que lleva por dentro cada persona que sufre. Y además, On Your Feet! El Musical de Gloria y Emilio Stefan presenta elencos conformados en su mayoría por inmigrantes “legales”, como bromeó Emilio Stefan durante la presentación.

Estados Unidos está cursando su año electoral y por ello abundó la parodia y la sátira, en particular durante el sketch de los dos candidatos presidenciales, donde Andrew Rannells (Girls) interpretó a un Donald Trump y Glenn Close a una enfocada Hillary Clinton.

LOS GANADORES 2016

Mejor musical: “Hamilton”

Mejor obra de teatro: “The Humans”

Mejor reestreno de obra de teatro: “A View from the Bridge” de Arthur Miller”

Mejor reestreno de musical: “The Color Purple”

Mejor actor principal en musical: Leslie Odom Jr. en “Hamilton”

Mejor protagonista femenina: Cynthia Erivoen “The Color Purple”.

Mejor actor principal en obra de teatro: Frank Langella en “TheFather”

Mejor actriz principal en obra de teatro: Jessica Lange en “Long Day’s Journey Into Night”

Mejor actor de reparto en musical: Daveed Diggsen “Hamilton”

Mejor actriz de reparto en musical: Renée Elise Goldsberryen “Hamilton”

Mejor actor de reparto en obra teatral: Reed Birneyen “The Humans”

Mejor actriz de reparto en obra teatral:JayneHoudyshellen “The Humans”

Mejor dirección de musical:Thomas Kail por “Hamilton”

Mejor dirección de obra de teatro: Ivo Van Hove por “A View from the Bridge” de Arthur Miller

Mejor coreógrafo: Andy Blankenbuehler por “Hamilton”.

Mejor guión: Lin-Manuel Miranda por “Hamilton”.

Mejor música original: Lin-Manuel Miranda por “Hamilton”.

Mejor orquesta: Alex Lacamoire por “Hamilton”.

Mejor diseño escénico de musical: David Rockwell por “She Loves Me”.

Mejor diseño escénico de una obra de teatro: David Zinn por “The Humans”.

Mejor Vestuario en Obra de Teatro: Clint Ramos por “Eclipsed”.

Mejor Vestuario en Musical: Paul Tazewell por “Hamilton.

Mejor diseño de iluminación en obra de teatro: Natasha Katz por “Long Day’s Journey into Night”.

Mejor diseño de iluminación en musical: Howell Binkley por “Hamilton”.

Este año se honró al actor Brian Stokes Mitchell con el Isabelle Stevenson Tony Award. Además, se también se le hizo entrega a Miles Wilkin del Premio Tony Honorífico al National Endowment for the Arts por la promoción del teatro a través de distintos formatos innovadores en todo Estados Unidos. El American Theatre Wing además entregó otras estatuillas especiales.

Redacción TV&SHOW/ Rondero’s Medios

LA MUJER DEL RELOJ

Una novela histórica, una emocionante novela de iniciación y un viaje extraordinario a través de la Guerra de Independencia española, así se describe a LA MUJER DEL RELOJ (Ediciones B, 686 páginas), escrita por Álvaro Arbina Díaz de Tuesta, de 26 años, el autor revelación del año, originario de Vitoria-Gasteiz, Álava, en España, región vasca.

LA MUJER DEL RELOJ es una fascinante novela de iniciación así como un thriller histórico con una intensa narrativa, que le ha valido a Arbina reseñas como éstas: “Memorice este nombre: Álvaro Arbina. Dentro de poco podrá decir “yo lo sabía primero”: David Zurdo, Qué Leer; “Una estupenda novela de aventuras, documentada con rigor y excelentemente ambientada: Ángel Vivas, El Mundo; “Un gran debut con ecos de Ken Kollet y Alejandro Dumas”: Mikel Santiago; “En La mujer del reloj se entreguen con gran habilidad lo histórico y lo íntimo, la épica y el drama, la aventura y la intriga:”: Luis García Jambrina.

…”La habitación está vacía. Sólo hay un escritorio de nácar en el centro, con varios cartapacios de cuero perfectamente ordenados, con un cenicero, una caja de cigarrillos, un candil, un tintero y una araña de cristal como pisapapeles. Sólo hay un sillón tapizado, una alfombra exótica, dos vitrinas llenas de objetos de oro y plata, varios cuadros y una escultura de origen griego. Sólo hay cuatro paredes, iluminadas por candelabros y cubiertas por cortinaje y un frisón de madera tallada.

“Solo hay un hombre, sentado sobre el sillón tapizado y con un cigarro humeando en la mano. Sus ojos, antaño intensos y bellos, carecen de brillo, y yacen hundidos en el abismo de la desesperanza. Su mirada busca un anhelo, y se posa en la luz de un candil cercano, en un extremo de la mesa. Sus haces amarillentos parecen aliviar su mente, envolviéndola en un manto cálido y haciéndola viajar en el tiempo, muchos años antes, al origen de sus recuerdos, los recuerdos de la historia que lo ha llevado a una habitación vacía”…

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Por Roberto Rondero/ Rondero’s Medios

Tercera llamada… ¡Los Tony! y Streisand

En este dominguito sagrado hay que sacar boleto de primera fila para presenciar la septuagésima entrega de los Premios Tony, en vivo y en directo desde Nueva York por la telera nuestra de Film & Arts a las 19 horas, y para quienes no puedan presenciar la transmisión, se retransmitirá –con subtítulos- el próximo sábado a las 21 horas, y en la a la vez que se contará con la actuación de la gran diva Barbra Streisand, luego de 46 años de no hacer acto de presencia en esta gala.

En esta gala de tres horas de duración, bajo la conducción por vez primera de James Corden, se interpretarán fragmentos de las obras teatrales y musicales nominadas en cada una de las categorías, y en la que participan los más reconocidos actores y actrices del teatro mundial.

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Este año, el musical Hamilton ha impuesto récord en nominaciones con un total de 16. Entre las categorías más importantes, los nominados de este año son:

Mejor musical: “Bright Star”, “Hamilton”, “Waitress”, “Shuffle Along” y “School of Rock”.

Mejor obra de teatro: “Eclipsed”, “The Father”, “The Humans” y “King Charles III”.

Mejor Actor en musical: Alex Brightman por “School of Rock”, Zachary Levi por “She Loves Me”, Danny Burstein por “Fiddler on the Roof” y Lin-Manuel Miranda y Leslie Odom Jr. por “Hamilton”.

Mejor Actriz en musical: Laura Benanti por “She Loves Me”, Carmen Cusak por “Bright Star”, Cynthia Erivo por “The Color Purple”, Jessie Mueller por “Waitress”, Phillipa Soo por “Hamilton”.

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Mejor Actor en Obra de Teatro: Frank Langella en “The Father”, Mark Strong por “A View from the Bridge” de Arthur Miller, Jeff Daniels por “Blackbird”, Gabriel Byrne por “Long Day’s Journey Into Night” y Tim Pigott-Smith por “King Charles III”.

Mejor Actriz en Obra de Teatro: Lupita Nyong’o en “Eclipsed”, Michelle Williams por “Blackbird”, Jessica Lange en “Long Day’s Journey Into Night”, Laurie Metcaff por “Misery” y Sophie Okonedo por “The Crucible” de Arthur Miller.

Barbra Streisand, por su parte, presentará un avance del tema “At the Ballet”, junto a Anne Hathaway y Daisy Ridley, corte de su nuevo disco. La actriz y cantante inició su carrera como protagonista de musicales en Nueva York antes de pasar a películas de Hollywood.

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UN DATO:

Link a la canción: https://youtu.be/X7qzmTGkC7k

Link al detrás de escenas: https://youtu.be/aAjMCM8IQaM

Link de descarga de Imágenes: https://goo.gl/6c09Ql

Por Roberto Rondero / Rondero’s Medios

Teatro Estudio, boleto de primera

Con tantas ofertas teatrales en la Ciudad de México, la mayoría desaparecen en dos o tres semanas luego de su estreno y la gente ni enterada, de ahí que la nueva producción TEATRO ESTUDIO por la telera nuestra de Canal Once, que se estrena hoy a las 20 horas, idea original del escritor Carlos Pascual, invita a conocer algunos de los mejores exponentes de la dramaturgia y el quehacer teatral.

Se trata de una serie de lecturas dramatizadas por parte de reconocidos actores mexicanos de teatro, cine y televisión, una ventana que mucho hace falta en la telera nuestra de cada día, donde el tiempo aire que se dedica al teatro tanto en Televisa como en TV Azteca se pasea por las alfombras rojas, azules, verdes, negras y amarillas, para que un puñado de reporteros le pregunten a los artistas invitados con quién andan, si es cierto que ya terminaron con sus parejas o qué proyectos tienen…y nada hablan de la obra ni de sus creadores a la cual fueron supuestamente a “cubrir”.

TEATRO ESTUDIO permitirá conocer la altura literaria que alcanza la dramaturgia, mostrando los más variados universos, personajes, situaciones y temas que se barajan en las creaciones de una selección de autores mexicanos, cuyo punto en común es que todos ellos reflejan la realidad en sus trabajos.

El espíritu que anima esta serie, idea original del escritor Carlos Pascual, es el de dar impulso a las artes escénicas, a través de la dramaturgia mexicana generada por autores de la talla de Óscar Liera, Jaime Chabaud, Luisa Josefina Hernández y Gerardo Mancebo del Castillo, Salvador Novo y José Peón Contreras, entre otros.

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A través de estas historias, que se desarrollan en distintos espacios escenográficos, la audiencia de TEATRO ESTUDIO testificará la tragedia contemporánea de un doble asesinato, en Los negros pájaros del adiós; la reconstrucción de la muerte de Mario, a través de la mirada de quienes se quedaron atrás: sus hermanos, su novia embarazada y la madre de ésta, en Pequeñas Certezas, y las vicisitudes de un periodista por reconstruir su vida amorosa y económica que lo llevan a escuchar el canto de las sirenas de la televisión comercial, en Talk show, entre otras magníficas obras dramáticas.

Se trata de una serie de lecturas dramatizadas por parte de reconocidos actores mexicanos de teatro, cine y televisión, cuyas voces experimentadas y educada expresión corporal lo mismo emocionarán que harán reír a la audiencia, en el lapso de una hora que dura cada uno de los 13 programas que conforman TEATRO ESTUDIO.

UN DATO

Carlos Pascual, artífice del programa, es escritor, guionista y director de escena, quien obtuvo el Premio Nacional de Periodismo 2001, y en el  2010 se hizo acreedor al Premio Grijalbo de Novela por La insurgenta, novela histórica sobre Leona Vicario, se incorporó en la segunda temporada de Palabra de autor para acompañar en la conducción a Mónica Lavín, ganadora de los premios Nacional de Literatura Gilberto Owen, por su libro Ruby Tuesday no ha muerto; Bellas Artes de Narrativa Colima, por Café cortado, e Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska,  por su obra Yo, la peor, que aborda la vida de Sor Juana Inés de la Cruz.

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Por Roberto Rondero / Rondero’s Medios