Hay Ringo para rato en sus 80 años: lo festeja por YouTube a las 19 horas

Es, desde hace dos años, todo un Caballero del Imperio Británico, es fanático del futbol -su equipo es el Liverpool- y a pesar de haber sido el último del cuarteto de Lverpool en integrarse, fue el primero en abandonar a The Beatles, luego de la disputa entre sus integrantes Paul McCartney y John Lennon. Sir RINGO STARR cumple 80 años de vida y lo celebra en tiempo real por streaming.

En sus cuentas de Twitter (@ringostarrmusic.com tiene 1.9 millones de seguidores) e Instagram (@ringostarrmusic, con 848 mil), todos sus posteos los cierra con la frase “peace&love (paz y amor)”. “Estoy contento de haber nacido y de estar aquí”, asegura.

Este festejo puede seguirse  en su canal oficial de YouTube. Participarán, entre otrosPaul McCartney​, Sheryl Crow, Ben Harper, Sheila E., Joe Walsh, Gary Clark Jr. y, dato curioso, la Orquesta Escuela de Chascomús, con la que Ringo tiene un vínculo desde el 2017, y por lo cual los invitó a sumarse, durante tres minutos, vía Zoom.

Richard Starkey nació en Liverpool, Inglaterra, el 7 de julio de 1940, en plena Segunda Guerra Mundial, tres meses y dos días antes que John Lennon​, uno de sus futuros compañeros de ruta en la banda de rock más famosa de todos los tiempos.

El seudónimo Ringo Starr llegó con los años: el nombre viene de la cantidad de anillos que usaba (rings, en inglés) aunque él también aseguró que lo había elegido porque “es nombre de perro y los perros me gustan”. El apellido surge de la abreviatura del suyo y la palabra estrella en inglés (star).

Ringo tuvo una infancia difícil. Con un padre ausente, a los seis años estuvo en coma durante dos meses por una peritonitis y a los 13, por una pleuresía, volvió a estar internado durante dos años en un hospital.

Estar alejado de la escuela, le impidió tener una educación formal, pero a cambio aprendió a tocar la batería en las clases de música mientras estaba internado. Y su padrastro le regaló una, de segunda mano, cuando fue dado de alta. El set de batería era para diestros y Ringo es zurdo, lo que derivó en su particular estilo de interpretar. 

Antes de dedicarse por completo a la música, Ringo trabajó como mensajero para los ferrocarriles británicos, como mozo en un ferry y como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica.

En 1960, formaba parte del grupo Rory Storm and the Hurricanes, por entonces súper popular en Liverpool. En un concierto en Hamburgo, Alemania, se cruzó con otra banda, The Beatles, que tenía como miembros a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best, en la batería. Se hicieron amigos.

Después de suplantar a Best varias veces, en 1962, John, Paul y George decidieron echar a Pete Best y llamar a Ringo, enganchados por su carisma y simpatía. Starr aceptó aceptó con la idea de ahorrar para abrir una peluquería, poco confiado en su talento como baterista y sin imaginar todo lo que vendría después.

HAN DICHO:

“Ringo era un gran baterista. No se destacaba desde lo técnico, pero siempre fue excelente”, dijo alguna vez George Harrison​, algo que confirmó Paul McCartney: “Recién cuando hicimos el primer show en The Cavern con Ringo, en 1962, fuimos una verdadera banda. Si Ringo estaba, sabías que todo iba a salir bien”, aseguró. El solo de batería del tema The End, (del álbum Abbey Road) Starr lo hizo en una sola toma.

“Me gustó mucho vivir los ’60, cuando nació el mensaje de paz y amor. Los Beatles encajaron perfecto con eso”, contó alguna vez el baterista, que asegura que su tema preferido de la banda no es uno de los tantos hits archifamosos sino otra canción de perfil más bajo, Rain.

De los cuatro Beatles, Ringo es el que menos compuso y el que menos cantó. En With a Little Help of my Friends, donde aparece su voz, apelando a su sentido del humor la letra dice: “¿Qué harías si desentono al cantar?”. Su punto fuerte dentro del cuarteto era el histrionismo que sacaba a relucir en las entrevistas y en las películas, donde brillaba siempre como el más divertido.

Con una sonrisa optimista siempre presente, a Ringo lo asusta la edad. “¡Tengo 80 años!”, dijo. “No puedo esconder mi cumpleaños. Todos saben cuándo nací y saben exactamente cuán viejo soy. Eso no me avergüenza”, aseguró. “Cuando era un adolescente pensaba que habría que fusilar a todos los mayores de 60 porque eran inútiles y cuando cumplí 40, mi madre me dijo: ‘Hijo, supongo que ya no piensas así’“, confesó.

Siempre involucrado en la lucha por la igualdad, desde su Twitter apoyó, al igual que Paul McCartney, las protestas contra el racismo que comenzaron en todo el mundo luego del asesinato de George Floyd​ por parte de un policía.

“Como dice mi hermano Paul, Los Beatles siempre defendieron la igualdad de derechos y la justicia y desde entonces nunca he dejado de trabajar por la paz y el amor.#blacklivesmatter (las vidas negras valen) ,#peaceispossible (la paz es posible)”, escribió hace pocas semanas en su Twitter. “Envío mi pacífico, amoroso y constante apoyo a todos los que marchan y defienden la justicia por un mundo mejor”. 

Con información de El Clarín / Sandra Commisso

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Clint Eastwood, el héroe cotidiano del cine, cumplirá este domingo 90 años

HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.

El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.

En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.

También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.

Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo. 

El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.

1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él.  Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.

En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados ​​de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje. 

Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford. 

EL ADN DE EASTWOOD:

Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el reciente filme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling

Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.

Con información de ANSA

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Bob Dylan se deja ver con álbum inédito, “Contain Multitudes”, luego de ocho años

NUEVA YORK.- BOB DYLAN regresa al mundo de la música con un nuevo álbum inédito, ocho años después de su último trabajo.

Rough and Rowdy Ways (Columbia Records), compuesto por 10 pistas, se lanzará el 19 de junio, en doble CD, doble vinilo y formato digital. Mientras tanto, la nueva pista False Prophet ya está disponible.

El anuncio se produce luego del reciente lanzamiento de otras dos canciones que se incluirán en el disco: Contain Multitudes, la canción de apertura del álbum, y Murder Most Foul, una canción épica que dura casi 17 minutos, en formato de doble CD, presente como la única pista en uno de los 2 CD.

Rough And Rowdy Ways es el primer álbum de Bob Dylan inédito ya que este icono de la música, Premio Nobel de Literatura en 2016, ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo.

UN DATO:

Rough And Rowdy Ways es el álbum 39 de estudio del artista.

 

Con información de ANSA

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Primeras imágenes de la serie “Maldita”, la leyenda del rey Arturo, por Netflix

Basada en la exitosa novela de The New York TimesMALDITA es una reinterpretación de la leyenda del Rey Arturo contada a través de Nimue, una adolescente con un don misterioso destinada a convertirse en la poderosa (y trágica) Dama del Lago, a estrenarse próximamente en Netflix.

Tras la muerte de su madre, encuentra un compañero inesperado en Arturo, un joven mercenario, mientras sigue su misión de encontrar a Merlín y entregar una espada ancestral. En el transcurso de su viaje, Nimue se convertirá en un símbolo de valentía y rebelión contra los terroríficos Paladines Rojos y el Rey Uter.

MALDITA es una historia de transformación, cuyos temas son actuales en nuestros tiempos: la destrucción de la naturaleza, el terror religioso, las guerras sin sentido y la valentía frente a lo imposible.

ELENCO:

Katherine Langford (Nimue), Devon Terrell (Arturo), Gustaf Skarsgård (Merlín), Daniel Sharman (El Monje Llorón), Sebastian Armesto (Rey Uter), Matt Stokie (Gawain), Lily Newmark (Pym), Shalom Brune-Franklin (Igraine), Emily Coates (Hermana Iris), Billy Jenkins (La Ardilla), Bella Dayne (Lanza Roja) y Peter Mullan (padre Carden).

PRODUCCIÓN:

Formato: 10 episodios x 1 hora
Creado y basado en el libro por: Tom Wheeler & Frank Miller
Showrunner: Tom Wheeler
Productores Ejecutivos: Tom Wheeler, Frank Miller, Leila Gerstein
Co-Productora Ejecutiva: Silenn Thomas
Productor: Alex Boden

Los fanáticos de Maldita (Cursed) pueden seguir las noticias de la serie en las cuentas oficiales de TwitterInstagramFacebook.

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“Yellow Submarine”, la película animada de The Beatles, podrá verse por YouTube

LONDRES.-.-La película animada Yellow Submarine, de Los Beatles, estrenada en 1968, estará disponible desde este sábado 25 de abril en el canal oficial del popular cuarteto de Liverpool en YouTube.

Así se anunció en las redes sociales del grupo, en donde se destaca que se tratará de la versión proyectada en cines en 2018, al cumplirse 50 años de su lanzamiento, que contenía las letras de las canciones en los subtítulos.

El filme presenta las aventuras del grupo, que debe viajar al país imaginario Pepperland, para salvarla de los Blue Menies, unos seres malvados que privan a la población de la música.

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Tanto en el viaje como en la pelea liberada contra el enemigo, Los Beatles viven diferentes aventuras en donde las canciones ocupan un rol central.

En la película dirigida por George Dunning, se interpretan temas como Yellow Submarine, It´s all too much, All you need is love, Hey Bulldog y Only a northern song, además de algunas piezas orquestales creadas por George Martin, todas ellas incluidas en el disco lanzado como banda sonora.

También se pueden escuchar algunas composiciones de los álbumes Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band y Revolver, como When I´m 64, Lucy in the sky with diamonds y Eleonor Rigby, entre otras.

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Con información de ANSA

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Murió Ellis Marsalis, patriarca del jazz

NUEVA YORK.- El pianista de jazz ELLIS MARSALIS, tutor musical de varias generaciones  y padre de cuatro ejecutantes notables, falleció en Nueva Orleans, a los 85 años, informaron este día fuentes locales, sin señalarse la causa de su muerte.

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El alcalde de Nueva Orleans, LaToya Cantrell, consideró al músico un ícono al anunciar su muerte. El Centro de Música Ellis Marsalis confirmó su muerte a WDSU, afiliada de NBC News.

Los hijos de Marsalis incluyen al trompetista Wynton, el saxofonista Branford, el trombonista Delfeayo y el baterista Jason.

WDSU lo describió como el patriarca de la “Primera familia” de la música de jazz.

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Sophia Loren estrenará en Netflix el filme “La vida que tienes por delante”

NÁPOLES.SOPHIA LOREN aparecerá en la plataforma de Netflix con la película La vida que tienes por delante, filme ganador del Oscar, dirigida por el hijo de la actriz, Edoardo Ponti, y escrita por Ugo Chiti y por el propio Ponti.

La película se estrenará en la segunda mitad de 2020. Ibrahima Gueye, Renato Carpentieri y Massimiliano Rossi son parte del reparto junto a Sophia Loren.

Loren interpreta a Madame Rosa, una sobreviviente del Holocausto que cuida a los hijos de prostitutas en su modesto departamento en Bari. También le da la bienvenida a Momo, un senegalés de 12 años que la robó. Juntos superarán su soledad, formando una familia inusual. La película es una adaptación contemporánea del éxito de ventas internacional de Romain Gary, La vie devant soi.

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La vida por delante es producida por Palomar – Mediawan Group, con el apoyo de Impact Partners Film Service, Artemis Rising Foundation, Foothills Productions, Another Chapter Productions e Scone Investments.

“No podría estar más feliz de colaborar con Netflix para una película tan especial – comentó Sophia Loren – En mi carrera he trabajado con todos los estudios más importantes, pero puedo decir con certeza que nadie tiene la amplitud y la diversidad cultural de Netflix. Y eso es lo que aprecio especialmente. Entendieron que no construimos una casa de producción global sin cultivar talentos locales en todos los países, sin darles a estas voces la oportunidad de ser escuchadas. Todos tienen derecho a ser escuchados, nuestra película trata sobre esto y eso es exactamente lo que hacen en Netflix “.

Ted Sarandos, Director de Contenido de Netflix, dijo: “Sophia Loren es una de las actrices más importantes y famosas del mundo. Nos honra darle la bienvenida, a Edoardo y al equipo que trajo esta película a la familia de Netflix. La vida frente a ti es una historia hermosa y valiente que, al igual que Sophia, fascinará al público en Italia y en todo el mundo “.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

The Rolling Stones reanudan tour por EU y Canadá, desde el próximo 8 de mayo

LONDRES. – Los Rolling Stones regresan en un tour por Estados Unidos y Canadá tras la pausa del año pasado a causa de la intervención al corazón de Mick Jagger.

La célebre banda británica formada por Mick Jagger, Keith Richards, Ronnie Wood y Charlie Watts regresa a los escenarios con la gira No Filter Tour que comenzará el próximo 8 de mayo en San Diego y finalizará el 9 de julio en Atlanta.

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En total ofrecerán 15 conciertos. “Hay algo en la música que nos lleva a ponernos nuevamente en movimiento -expresa Jagger en un video promocional para el tour-. Te viene de las entrañas. Mientras estás en una gira, ves ciudades, te reúnes con gente, vuelves a ver a viejos amigos. Es una cosa mágica”.

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La vida de Bob Dylan será llevada al cine con Timothée Chalamet de protagonista

NUEVA YORK.- El actor franco estadounidense Timothée Chalamet, la estrella del filme Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino, y Little Women, de Greta Gerwig, será BOB DYLAN en una nueva película biográfica sobre el cantautor y poeta premiado con el Nobel de Literatura.

El nuevo proyecto, sobre el cual informó Deadline Hollywood, será producido por Fox Searchlight con dirección de James Mangold de Ford vs. Ferrari y Walk the Line, sobre la historia de amor de la “first family” de la música country, Jean Carter y Johnny Cash. El título provisional es Going Electric, una referencia a un momento clave en la historia del rock, cuando -el 25 de junio de 1965- en el Newport Folk Festival por primera vez Dylan tocó en público en una guitarra eléctrica, silbado e insultado como traidor por sus desconcertados admiradores.

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La película seguirá el ascenso del cantante hacia la fama y su transformación en uno de los grandes iconos de la música contemporánea.

Vídeo de Bob  Dylan / Blowin’ in the Wind:

Chalamet, que según Deadline está tomando clases de guitarra, en abril debutará en Londres junto con Eileen Atkins en 4.000 Miles, el drama de Amy Herzog. Filmará Going Electric apenas baje el telón sobre su obra teatral, a fines de mayo.

El último filme biográfico de alto perfil sobre Dylan fue I’m not there, la anticonvencional exploración de la vida del músico interpretada por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger y Ben Whishaw. Previamente había sido Martin Scorsese quien exploró la carrera del cantante en el documental No Direction Home.

 Going Electric -dijeron fuentes a la revista Rolling Stone- comenzará cuando a los 19 años Dylan llegó a Nueva York, e “involucrará a los grandes nombres de la escena folk de la época”. Pete Seeger, Joan Baez, Woody Guthrie (que en esa época estaba en el hospital) y otros grandes de su tiempo serán personajes de la película. Y lo más importante es que al parecer Dylan dio su bendición y será el productor ejecutivo del filme.

En 2017, Mangold había mencionado a Rolling Stone que estaba buscando otro tema de fondo musical para dar continuidad a su película sobre Cash: “Me acerqué a algunos artistas, pero el problema siempre fue: ¿tenían algo original que decir, tenían una historia que contar en una película? No basta con haber escrito buena música o haber cambiado el escenario musical”.

Desde entonces, el género de las películas biográficas atravesó un boom, también gracias a filmes como Bohemian Rhapsody sobre Freddie Mercury y Rocketman sobre Elton John.

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PARÍS.- La actriz francesa ANNA KARINA, conocida por sus roles en las películas del cineasta Jean Luc Godard, murió en París a los 79 años, afectada por cáncer. “Ana partió ayer en un hospital de París a causa de un cáncer, era una artista libre, única”, dijo su agente Laurent Balandras a Le Figaro.

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“Hoy el cine francés quedó huérfano. Pierde a una de sus leyendas”, escribió en Twitter el ministro de Cultura, Franck Riester. Agregó que “su mirada, era la mirada de la Nouvelle Vague y permanecerá por siempre”. De origen danés, Anna Karina rodó siete películas con Godard en los años sesenta, en aquel tiempo su compañero.

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Tuvo también una carrera como cantante, especialmente junto a Serge Gainsbourg. A fines de la década de los sesenta, el diario Paris Match la había bautizado como “la novia de la Nouvelle Vague”.

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Freddie Mercury ya tiene su museo en África, a 28 años de su fallecimiento

NUEVA YORK.- Toda leyenda merece su museo, y FREDDIE MERCURY no podía ser la excepción: la voz de Queen tiene ahora uno dedicado a su vida y su legado, pero no en la pomposa Londres, adonde falleció a los 45 años, sino en Stone Town, Zanzibar, en África.

El Museo Freddie Mercury abrió sus puertas en coincidencia con la conmemoración del 28 aniversario del fallecimiento del cantante y compositor de Queen, el 24 de noviembre pasado.

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Asociado oficialmente con Queen Productions Ltd. en el Reino Unido, el museo expone entre otras cosas fotografías exclusivas de la estrella a lo largo de diferentes etapas de su vida. Pero más allá de Freddie Mercury, el cantante, compositor y la figura cautivante en los escenarios, el objetivo del museo es mostrar las raíces de Farrokh Bulsara (su verdadero nombre), sus raíces con la religión zoroástrica, su infancia y educación en Zanzíbar, su educación media en Panchgani, India, y luego el resto de su viaje para convertirse en leyenda en Inglaterra.

El Museo Freddie Mercury se encuentra en el corazón de Stone Town, Zanzibar, en la misma casa donde Freddie y su familia se quedaron hasta que se mudaron a Inglaterra en 1963.

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Farrokh (cuyo nombre significa ‘afortunado’) nació el jueves 5 de septiembre de 1946 en Stone Town, Zanzibar, de padres Bomi Bulsara y Jer Bulsara. Su familia pertenecía a la religión zoroástrica, una de las más antiguas del mundo.

A los 5 años, en 1951, comenzó a estudiar en la Escuela Misionera del Convento de San José. Permaneció en Zanzibar hasta los ocho años, y luego fue enviado a estudiar a la escuela St. Peters en Panchgani, India. Allí comenzó a llamarse Freddie Bulsara. Freddie era un niño tímido, pero después de unirse a St. Peters, no tardó mucho en ganar confianza. Se volvió un gran compositor y pianista, y armó su primera banda en St. Peter’s llamada The Hectics, Bruce Murray, Victory Rana, Farrang Irani y Derrick Branche, exactamente 10 años antes de unirse a Queen, con Brian May y Roger Taylor.

Regresó a Zanzibar en 1962, a los 16 años. Un año más tarde, con la isla camino a la independencia de Gran Bretaña, la familia Bulsara se mudó a Inglaterra, donde se unió al Ealing Art College para estudiar ilustración gráfica. Junto a Brian May y Roger Taylor formaron Queen en 1970, banda que se completó más tarde con John Deacon en el bajo, y el resto es historia conocida.

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El cantante falleció el 24 de noviembre de 1991, a los 45 años, en su casa en Kensington.

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“El mandato de Trump en crisis, tan agotador como caótico”: Robert Redford

NUEVA YORK.- El actor y cineasta ROBERT REDFORD afirmó tajante que el gobierno tipo dictatorial del presidente DONALD TRUMP está atacando los valores de Estados Unidos, al tiempo que lo consideró “una monarquía disfrazada” que “ha sido tan agotadora como caótica”.

“Nos enfrentamos a una crisis que nunca pensé que vería en mi vida: un ataque dictatorial como el del presidente Donald Trump sobre todo lo que representa este país”, expresó el premiado actor y director en una columna en NBC News.

“Como dejaron en claro las audiencias de juicio político de la semana pasada, nuestra tolerancia y respeto compartidos por la verdad, nuestro sagrado estado de derecho, nuestra libertad esencial de prensa y nuestras preciosas libertades de expresión, todo ha sido amenazado por un solo hombre”, continuó.

El californiano de 83 años subrayó que “es hora de que Trump se vaya, junto con aquellos en el Congreso que han elegido serle leales en lugar de respetar su juramento de afirmar solemnemente su apoyo a la Constitución de los Estados Unidos”.

“Y depende de nosotros hacer que eso suceda, a través del poder de nuestros votos”, agregó la estrella, que además de actor y director es ecologista.

Ganador de dos premios Oscar (Mejor Director por Ordinary People, de 1980; y Oscar Honorífico por su Trayectoria, en 2001), Redford afirmó que “solo quedan 11 meses antes de las elecciones presidenciales”.

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Son “11 meses antes de que tengamos nuestra única oportunidad real de enderezar este barco y cambiar el curso del desastre que nos espera”, declaró hoy el fundador del Festival de Cine de Sundance en un artículo de opinión para NBC News.

“Volvamos a dedicarnos a votar por la verdad, el carácter y la integridad en nuestros representantes (sin importar de qué lado estemos)”, siguió Redford, a menos de dos meses antes de que comience la temporada de cine y televisión en Park City, Utah.

“Volvamos a ser el líder que el mundo necesita desesperadamente. Volvamos, rápidamente, a ser simplemente… estadounidenses”, instó Redford, ahora retirado del cine.

El cineasta de Santa Mónica admitió que, cuando Trump fue elegido presidente, si bien no lo votó, pensó que “era justo darle una oportunidad al tipo”.

“Y como muchos otros, lo hice. Pero casi al instante comenzó a decepcionar y luego a alarmarme. No creo que esté solo”, agregó. “Esta noche me duele ver lo que le está pasando a nuestro país. Al crecer cuando era niño durante la Segunda Guerra Mundial, vi a una Estados Unidos unida defenderse de la amenaza del fascismo”.

Recordó que volvió a ver lo mismo “durante la crisis de Watergate, cuando nuestra democracia se vio amenazada”. “Y nuevamente, cuando los terroristas pusieron nuestro mundo patas arriba”, agregó, destacando que “durante esos tiempos de crisis, el Congreso se unió y nuestros líderes se unieron”, concluyó.

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LOS ÁNGELES.- Sir ROD STEWART celebra 50 años como solista con el lanzamiento de su nuevo álbum, YOUR’RE IN MY HEART: ROD STEWART WITH THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, que está disponible desde hoy. Además, el cuarto video oficial del álbum, para la canción You’re In My Heart, también se lanzó en el canal de YouTube de Stewart. Hasta ahora, los tres videos oficiales publicados anteriormente del álbum, Maggie May, I Don’t Want To Talk About It, Sailing, se han visto por más de 8.5 millones de ocasiones.

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YOU’RE IN MY HEART permite que los fans escuchen los éxitos más grandes de Stewart de una manera reimaginada, combinando pistas vocales de sus canciones más populares con nuevos arreglos interpretados por The Royal Philharmonic Orchestra. El resultado es un disco atemporal que conserva el poder, el alma y la pasión que ayudó a convertir al legendario cantante y compositor en uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos.

UN DATO:

STEWART ha vendido más de 250 millones de discos en todo el mundo durante una carrera estelar que incluye nueve álbumes # 1 y 26 singles Top 10 en el Reino Unido; más 17 álbumes Top 10 y 16 singles Top 10 en Estados Unidos.

YOU’RE IN MY HEART también incluye una nueva versión de la exitosa canción It Takes Two a dueto con Robbie Williams y la nueva canción Stop Loving Her Today de Stewart. El álbum está ya disponible en formato físico y digital, que presenta los arreglos orquestales completos. El 7 de febrero, justo a tiempo para el Día de San Valentín 2020, la colección se lanzará como un LP doble de 180 gramos. También estará disponible una versión especial de vinil de color rosa.

LA PRODUCCIÓN:

Producido por Trevor Horn, incluye nuevas versiones orquestales de los éxitos n. ° 1 de Stewart en el Reino Unido: Sailing, I Don’t Want To Talk About It y The First Cut Is The Deepest. La colección también presenta versiones de Maggie May y Reason To Believe, canciones que encabezaron las listas tanto en Reino Unido como en los Estados Unidos en 1971.

Aquí puedes ver el vídeo:

YOU’RE IN MY HEART contiene las canciones más conocidas de Stewart, incluidas versiones de los 10 éxitos principales del Reino Unido: Tonight’s The Night (Gonna Be Alright) (un éxito n. ° 1 en los Estados Unidos, The Killing of Georgie (Part 1 and II), You’re In My Heart (The Final Acclaim), I Was Only Joking, What Am I Gonna Do (I’m So In Love With You), Every Beat Of My Heart, Downtown Train, Rhythm Of My Heart y un cover Tom Traubert’s Blues (Waltzing Matilda) de Tom Waits.

Junto a los principales éxitos de Stewart están los favoritos de los fans como: Young Turks, Forever Young, If We Fall In Love Tonight, una versión de Handbags And Gladrags de su álbum acústico multiplatino, Unplugged … & Seated and  Stay With Me, un éxito entre los 40 mejores que grabó con The Faces en 1971.

El lanzamiento de YOU’RE IN MY HEART coincide con el comienzo de la gira de Stewart en el Reino Unido, que comienza este fin de semana y continúa con actuaciones en noviembre y diciembre. En marzo, volverá al Caesars Palace en Las Vegas para más espectáculos.

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OTROS VIDEOS:

https://youtu.be/cHXYtVe8mP8

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“Judy”, el biopic de Judy Garland que puede subir al Oscar a Renée Zellweger

HOLLYWOOD.- “No me olvidarás”, exclamó JUDY GARLAND en su último concierto, en Londres, en 1969, cuando estaba más que deprimida y repleta de barbitúricos, y una vez más quería ser arrullada por el abrazo del público, que durante 40 años la adoró y al que se dedicó. Pero el tiempo con ella fue amable: ¿quién recuerda hoy a ese artista increíble, uno de los mejores, que a los 16 años ya era la estrella infantil de El mago de Oz y a los 47 murió de una sobredosis de píldoras?

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En la biopic JUDY, protagonizada por Renée Zellweger (El diario de Bridget Jones), el director Rupert Goold (Una historia real) declaró a ANSA que la película realmente quiere que los jóvenes ‘redescubran’ la leyenda: “Garland representa a una niña muy joven que se ha hecho famosa y esto es algo que los muchachos que usan Instagram y tienen vidas expuestas en las redes sociales lo saben. Cuando hicimos las pruebas de prueba de esta película, la respuesta de los jóvenes fue una sorpresa: en lugar de la estrella que les gustaba a sus abuelas, los niños encontrarán algo mucho más cercano a ellos. Judy, en una sociedad rígida y patriarcal, nunca aceptó las reglas establecidas, podrían encontrar en ella más bien a Amy Winhouse “.

Convertirse en Judy para Renee Zellweger que la ubica para las nominaciones al Oscar. La película, exhibida este día en el Festival de Roma, relata el período final de su vida. Renée Zellweger dijo: “Pensé que en esta película había una oportunidad de explorar algo que a menudo no se considera cuando uno piensa en esta inmensa personalidad: lo que ella puso en su trabajo y cuánto le costó”.

Judy Garland representa, para bien o para mal, el Hollywood de la edad de oro cuando los productores y agentes controlaron todo en la vida de su estrella para convertirla en una estrella (destruyendo lo privado): a Judy muy joven y ya popular por Dorothy de El mago de Oz, le hacen una fiesta de cumpleaños con un pastel que no podrá comer.

“Garland es una estrella de Hollywood pasada de moda, como lo son todas las estrellas de la edad de oro, pero, dijo el director del Festival de Roma, estaba interesado en equilibrar la leyenda con la mujer humana y real: la madre y el mito “.

Cuatro matrimonios que no la salvaron de la depresión, tres hijos (el primero, Liza Minnelli), un continuo contraste psicológico entre el recuerdo del escenario, el afecto de los fanáticos y la culpa como perpetuamente en la gira de los padres, un abuso de drogas desde que era una niña cuando Judy dice en la película que “los agentes la indujeron a descansar con pastillas para dormir o para mantenerse despierta para trabajar. Sólo quiero lo que todos quieren, amor, pero para mí fue mucho más difícil”.

La transformación de Zellweger es impresionante. El director y los productores la han elegido por su lado cómico y sexy, emocionalmente disponible que Judy siempre ha tenido pero, por supuesto, la actriz estadounidense de Bridget Jones ha puesto la suya, ayudada por una gran cantidad de material original y por la monumental biografía del último esposo, Mickey Deans.

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“Renee es una gran trabajadora que siempre busca más notas, una perfeccionista , le dijo a ANSA, el director Rupert Goold. “Hubo un gran trabajo en la voz y en el físico, pero Reneè tenía todo el espacio libre para encontrar las conexiones con el personaje: a ella le gusta Judy, es una estrella que todos detendrían en la calle pero que vive entre soledades y miedos”.

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Alicia Alonso, leyenda de la danza, fallece a los 98 años en La Habana

LA HABANA.– La legendaria bailarina ALICIA ALONSO, una personalidad universal de la cultura cubana, falleció este día a los 98 años en un hospital de La Habana, según confirmó el Ballet Nacional de Cuba (BNC).

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El fallecimiento de Alonso se produjo a las 11 a.m. luego de haber ingresado de urgencia en el exclusivo Centro de Investigaciones Médicas Quirúrgicas (CIMEQ), en el municipio Playa, por una destabilización de la tensión arterial.

Con Alonso ha muerto una gloria de Cuba e icono del ballet clásico en el ámbito iberoamericano y mundial. El talento y el arte de todo un país estuvieron simbolizados por la obra de la Prima Ballerina Assoluta.

Alonso tuvo una de las más largas carreras que se recuerdan en la danza, en la que combinó magistralmente a golpe de talento y perseverancia la más exquisita y rigurosa interpretación, el magisterio, la coreografía, y la dirección del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

Pese a su avanzada edad y a la ceguera casi total que sufrió por largos años, incluso en su época de bailarina en activo, Alonso se mantuvo pendiente de los escenarios hasta el último momento a la cabeza de la compañía, con gran prioridad en la supervisión del trabajo de los jóvenes bailarines, a quienes trasmitió su legado.

De hecho, la autodenominada “prima ballerina assoluta” del BNC seguía dirigiendo formalmente la compañía, aunque desde enero pasado con el apoyo, como subdirectora, de la bailarina Viengsay Valdés, que es quien tomaba ya las decisiones artísticas, pero “siempre fiel” al legado de Alonso.

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En su honor, en la Habana, se creó una línea de perfumes que llevaba su nombre y por su aroma es uno de mayor demanda.

Alicia Ernestina de la Caridad Martínez del Hoyo, su nombre original, nacida el 21 de diciembre de 1920, en La Habana, Cuba, hija de padres españoles, fue la menor de cuatro hermanos y dio sus primeros pasos en la danza a la edad de nueve años.

La estelar intérprete del clásico Giselle, tiene a su haber un arsenal de premios, reconocimientos y títulos, entre ellos el de Doctora Honoris Causa por la Universidad de La Habana, el Instituto Superior de Arte de Cuba, la Universidad Politécnica de Valencia, de España, y la Universidad de Guadalajara, en México.

Descanse en paz la bailarina ALICIA ALONSO.

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El Moulin Rouge celebra 130 años de vida

PARÍS.– Esta ciudad no sería lo que es sin el MOULIN ROUGE, todavía hoy entre los clubes más famosos del mundo, acompañado, desde su creación, de la reputación de un lugar licencioso y de perdición que no ha hecho más que mantener el foco de atención y aumentar la curiosidad de los visitantes.

Segunda casa de artistas como Toulouse-Lautrec, quien le dedicó al Moulin Rouge y a sus visitantes famosos lienzos y carteles, y un monumento a la Belle Epoque.

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El Moulin Rouge, cuya atmósfera ha inspirado a escritores y directores, continúa ofreciendo dos espectáculos los 365 días al año. La última revista en escena, Feerie, atrajo a 12 millones de espectadores. En el escenario suben 60 bailarines de 14 nacionalidades diferentes todos los días, las famosas Doriss Girls que deben tener dos requisitos básicos: ser bailarines de ballet y tener una altura de 1.75 metros. Por lo tanto, solo las chicas con encanto, sensualidad y talento pueden convertirse, entre las plumas y las lentejuelas, en la atracción principal del Moulin Rouge y actuar para una audiencia de 900 personas por espectáculo, acogidas en el mítico salón con decoraciones Belle-Epoque, concebidas por Henri. Mahé en 1951.

Pero el Moulin Rouge nació en París mucho antes, el 6 de octubre de 1889, cuando dos importantes empresarios parisinos, Charles Zidler y Joseph Oller, pensaron en crear un cabaret con el mismo estilo que el Moulin de la Galette, en Pigalle, justo al pie de Montmartre, y construya un molino rojo sobre él para que pueda destacarse inmediatamente debido a su extravagancia. Un molino que se convertirá en el emblema del restaurante.

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A lo largo de los años este sitio ha inspirado actuaciones y películas, como el musical de Baz Luhrmann, con Nicole Kidman y Ewan McGregor (2001).

Así que este día para celebrar el 130 aniversario de este lugar legendario donde, según la tradición, nació el can-can, en la versión establecida por Jacques Offenbach para el infernal Galop de su Orfeo en el infierno, se proyectará un espectáculo de luz y sonido en su fachada histórica para celebrar ese lejano 6 de octubre de 1889 cuando, por primera vez, se abrieron las puertas de lo que se convertiría en el monumento más importante de Pigalle y Belle Epoque.

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130 años de historia, éxito, creación, glamour y celebración. La proyección de una serie de imágenes exclusivas de los artistas y las revistas que hicieron grande al Moulin Rouge irá acompañada del lanzamiento final de la legendaria Doriss Girl que, entre la multitud y frente al edificio, producirá una lata salvaje, el símbolo indiscutible de cabaret más famoso del mundo.

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Sophia Loren cumple y celebra 85 años

ROMA.– La actriz italiana SOPHIA LOREN (Sofia Villani Scicolone), nacida en Roma y criada en Pozzuoli, cerca de Nápoles, cumple este día 85 años.

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Entre sus decenas de premios cuenta con dos Oscar y cinco Globos de Oro, además del Grammy, la Coppa Volvi de Venecia, el Oso de Oro y el León de Oro a la carrera.

En 1999 el American Film Institute la incluyó en el puesto 21 entre las grandes estrellas de la historia del cine. Es la actriz italiana de más sólida y con mayor permanencia de popularidad internacional.

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Desde hace décadas vive en Ginebra, en una casa sobre el lago donde residió con su marido Carlo Ponti, histórico productos de cine fallecido en 2007.

Lleva una vida reservada pero no retirada de la profesión: este verano boreal, dirigida por su hijo Edoardo, volvió al set tars diez años para protagonizar La vita davanti a sé, sobre un libro de la novela de Roman Gary donde interpreta a una judía superviviente de Auschwitz que se ocupa de un niño senegalés abandonado por su madre.

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Google rinde homenaje con un “doodle” a BB King, “Rey del Blues”, en su natalicio

NUEVA YORK.- BB King habría cumplido 94 años. Nació el 16 de septiembre de 1925 en Mississippi y se convirtió en el Rey del Blues. Para rendir homenaje a una leyenda de la música, en el aniversario de su nacimiento, Google le dedica un doodle animado.

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BB King, la leyenda del blues que inspiró a docenas de músicos, sumó 60 años de carrera que lo llevó de las plantaciones de algodón a la leyenda.

Perteneció a esa extraordinaria generación de músicos que electrificaron el blues y lo transformaron en música urbana, sentando efectivamente las bases de lo que ahora es rock and roll: la influencia ejercida es inmensa , comenzando por los grandes padres del rock, de los músicos por nota.

Riley B. King (su nombre real) fue uno de los guitarristas más famosos e importantes de la historia: con su Lucille (el legendario Gibson 335 renombrado así, aparentemente, con el nombre de una niña por la que dos hombres se habían peleado causando un fuego en el que se había arriesgado a morir) había creado un estilo más suave y claramente inspirado por el jazz, el ritmo y el blues más “arraigado” que personas como Muddy Waters y Howlin ‘Wolf. Un estilo hecho de glissate y notas largas, creado con una técnica inconfundible de la mano izquierda en el mango.

Su forma de tocar como solista contrastaba con su forma de cantar como un “grito”, forjado en el modelo de cantantes de big band. Musicalmente hablando, fue entrenado en Memphis. BB, su nombre artístico, era la abreviatura de Blue Boy, pero al principio era la abreviatura de Beale Street Blues Boy: Beale Street en Memphis es la calle de los clubes de blues y aún hoy es uno de los principales lugares de culto.

Uno de los seguidores más devotos de este culto fue Eric Clapton, quien en 2000 grabó un álbum con él y en 2005 participó, junto con Van Morrison, Billy Gibbons, Sheryl Crow, Darryl Hall y John Oates, John Mayer, Mark Knopfler, Glenn Frey, Gloria Estefan, Roger Daltrey, Bobby Bland y Elton John en el álbum de celebración del 80 cumpleaños.

La lista de personajes que alternaron con él abarca desde Luciano Pavarotti hasta Bruce Willis, desde Zucchero hasta David Gilmour, desde Slash hasta Phil Collins a través de Gotha de música negra, incluidos Ray Charles, Aretha Franklin, Chaka Khan, Bobby Bland y Etta James con quien creó una versión memorable de Thrill Is Gone, su mayor éxito con Sweet Little Angel y la versión conmovedora de Everyday I Have The Blues. Ciertamente, uno de los picos de la celebridad lo tocó en 1988 gracias a U2, que junto con él grabó When Love Comes To Town, en el momento de Rattle And Hum.

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Al igual que muchos músicos negros de su generación, además de colaboraciones, BB King siempre se mantuvo fiel a una forma clásica de hacer música: conciertos, conciertos, y más conciertos. Siempre estaba de gira, recientemente se había resignado a no viajar en autocar con sus orquestas y solo porque había obligado a su hija a preocuparse por su estado de salud. Uno de sus conciertos fue como una cita con un viejo amigo: la orquesta comenzó a tocar una canción, se mostró disparando notas de su Lucille mientras los trompetistas tocaban bailando. Siempre estaba sonriente y sudoroso, con sus chaquetas de damasco y sus grandes manos para entregar golosinas de swing, cantó sus clásicos con bolsillos llenos de esos alfileres en forma de Lucille que durante años han sido uno de los objetos más codiciados por los fanáticos.

Era realmente una leyenda, pero no concibió una vida lejos del escenario: continuó hasta el final, desafiando la diabetes y las dolencias de la edad y una carrera muy larga, vivió sin las comodidades de las estrellas.

Su Lucille ya no toca y el mundo ha perdido a uno de los últimos grandes de una generación que ha cambiado la historia de la música.

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Roger Waters alza la voz en el Festival de Venecia: “Los cerdos rigen al mundo”

VENECIA.– El músico británico ROGER WATERS, alma de Pink Floyd, exhortó a rebelarse contra el poder y el nacionalismo luego de presentar fuera de concurso su documental Us+Them (Nosotros y Ellos) en el Festival de Venecia.

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A los 76 años, Waters sigue despertando tal admiración que logra lo imposible: absoluto silencio en el Lido. Y no solo porque todavía logra llenar estadio y dialogar con distintos públicos del mundo a través de una música tan inmortal como contemporánea, sino también por su discurso pacifista y solidario.

La película toma el título de una canción de Waters de 1973 y propone, sin más intervenciones, el rodaje de una etapa de su última gira mundial 2017-2018, con canciones legendarias de Pink Floyd y otras de su último álbum solista, Is this the life we really want? (¿Es esta la vida que realmente queremos?). Fue la fecha de Ámsterdam, capital de Holanda, la que dio origen al documental: vistas en altura del espectacular conciertos, con cerdos voladores incluidos, y primeros planos del público, Us+Them es una de esas típicas experiencias inmersivas que lo llevan a uno a la primera fila, con todos los detalles apreciados en un vistazo.

En ese show, Waters llevó un cartel en el que se leía la frase “Los cerdos rigen el mundo”. Un mensaje que llevó al Lido y en el que los conciertos se presentan como una invitación a la “resistencia”.

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Por eso, tal como hace en sus presentaciones, el músico comenzó hoy, sin vueltas, a hablar de política. Cuando un periodista le preguntó si sabía que Matteo Salvini había salido del gobierno italiano su respuesta demostró que está al tanto de la actualidad.

“Menos mal que se fue. Son tiempos difíciles en todas partes, hay un neofascismo en expansión. Me gustaría recordar que en el marco de un sistema democrático, en Alemania, en cuatro años (Adolf) Hitler tomó el poder. Es necesario resistir juntos a quien quiera destruir nuestro bellísimo planeta, a quienes controlan nuestra vida”, respondió. Waters se refiere reiteradamente a los “pigs”, los cerdos que gobiernan el mundo -en el filme se ve una enorme bola con forma de ese animal con la leyenda “Permanezcamos humanos”-: cita al presidente estadounidense Donald Trump, al premier británico Boris Johnson y al mandatario de Brasil, Jair Bolsonaro.

Relató, además, que en Brasil se le prohibió visitar al expresidente Lula da Silva, encarcelado para reducirlo al silencio. Según el músico, es necesario “partir del respeto a la Declaración por los derechos humanos, es el inicio para comenzar a reparar los daños del neoliberalismo”.

“Se debe respetar al hombre, tal como se estableció en 1948 tras la Segunda Guerra Mundial. Siempre lo escribí en mis canciones y en 50 años de música. Debemos ser todos hermanos, construir muros no sirve, nadie es más esclavo de quien piensa que es completamente libre”, sostuvo.

Us+Them muestra de modo increíble y unívoco que Waters tiene seguidores muy jóvenes, que claramente no pertenecen a la generación de Pink Floyd: se ven muchos primeros planos de esos adolescentes que lloran y saben de memoria sus canciones, dando cuenta de un vínculo realmente especial. “Es cierto -confirma Waters-; es que la mayor parte de la música pop está completamente privada de significado, de emociones, de contenido. Los jóvenes reconocen la verdad en mi música. En todas las generaciones hay jóvenes en busca de su camino, del significado de sus vidas, de ideas que no sean solo un ‘like’ en el iPhone”, expresó.

“Cuando veo tantas personas inclinadas sobre sus teléfonos inteligentes me pregunto: ¿Nacimos para esto? Me resulta una pérdida de tiempo”, subrayó. El film, dirigido por Sean Evans -autor de algunos de sus videoclips- es más político que autobiográfico, como fue en cambio la película sobre la gira The Wall (2015), relacionada con un viaje íntimo de Waters para conocer a su padre, caído en la Segunda Guerra, en el desembarco de Anzio, unos 53 kilómetros al sur de Roma.

“Mi padre es una figura heroica, era un objetor de conciencia que luego cambió de idea, convencido de que debía luchar contra los nazis. Su historia heroica me forjó durante toda mi vida. Además, mi madre era una activista y creo que le debo a ella y a la historia de mi padre mi empatía hacia las personas que sufren”, sostuvo. En Us+Them, en las filmaciones que se proyectan sobre el escenario se ven migrantes en fuga, listos a lanzarse al mar.

“Parten porque quieren que sus hijos estén mejor, porque son perseguidos y están desesperados. Ciertamente, no vienen a robarte la pizza”, concluyó Waters.

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Rolling Stones ya tiene su piedra en Marte gracias al hallazgo de la NASA

HOUSTON.- Una piedra rodante en Marte fue captada por la NASA gracias a su módulo de aterrizaje InSight y de inmediato ha decidido dedicar este hallazgo a la banda de rock más famosa del mundo: hoy en el planeta rojo también está el ‘Rolling Stones Rock’, en honor a la legendaria banda que celebró reconocimiento durante un concierto en Pasadena, California.

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El anuncio fue hecho por el actor Robert Downey Jr., estrella de las exitosas películas de Marvel IRON MAN, en el escenario del estadio Rose Bowl, no lejos del Laboratorio de Propulsión a Chorro (Jpl) de la NASA, que controla InSight.

Mick Jagger comentó acerca de tal distinción: “La NASA nos dio algo con lo que siempre habíamos soñado, una piedra en Marte propia. No puedo creerlo. Quiero traerla aquí y ponerla en nuestra repisa”.

 

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La marca de “El Zorro” ya es centenaria

LOS ÁNGELES.- Fue en agosto pero de hace 100 años que nacía Diego De la Vega El ZORRO, quien sería una leyenda y un personaje que uniría a dos culturas. En una revista de historias de bolsillo (pulp) All-Story Weekly, que se publicaba en Estados Unidos, se comienza a publicar en cinco entregas la historia La maldición de Capistrano, escrita por Johnston McCulley, que tenía como protagonista a un hijo de hidalgos españoles.
Su nombre era Diego De la Vega, y su álter ego, el que defendía a los débiles con su espada, era El Zorro. Nacía así la leyenda, que perpetuarían décadas más tardes los estudios Disney.
La historia del defensor de pobres en la California española del siglo XIX fue un éxito, y en 1920 se grabó la película basada en el paladín, y se llamó La marca del Zorro; otro suceso, que tuvo en el papel de Diego de la Vega nada menos que a la mega estrella del cine mudo, Douglas Fairbanks.
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Tras el paso por la pantalla grande, una editorial recopiló los escritos de McCulley y los publicó en 1924 en formato de libro, bajo el título con el que se nombró a la película.

Johnston McCulley (Arthur Johnston McCulley), nació en Ottawa, Illinois, el 2 de febrero de 1883, y falleció en la ciudad de Los Ángeles, California, el 23 de noviembre de 1958. Fue un periodista, escritor y guionista, y de su apego a la historia, puso como telón de fondo a la vieja California y de su pluma nació El Zorro, hábil espadachín y jinete, acompañado por su inalcanzable e ingenioso corcel Tornado, y su “Sancho Panza”, el mudo Bernardo.

UN DATO:

En 1957 saldría al aire por la cadena estadounidense ABC, y producido por los afamados estudios The Walt Disney Company, la serie televisiva El Zorro, que tendría como protagonista a un joven y talentoso actor Guy Williams en el papel de Diego de la Vega.

La serie estaría en el aire por dos años, en los que se emitirían 83 capítulos en tres temporadas. El último capítulo sería televisado el 2 de julio de 1959.

Respetando los cuentos de Johnston McCulley, la historia transcurre en Los Ángeles, cuando era parte de la antigua California española, donde el pueblo está oprimido por sus gobernantes.

La serie era originalmente en blanco y negro, pero en 1992 se lanzó una remasterización en la que se agregó color y es la que se puede ver actualmente.

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