“Reflection”, el video de Disney, con Christina Aguilera para Mulán

CHRISTINA AGUILERA, la cantautora ganadora de múltiples discos de platino y galardonada a nivel internacional, presenta el video musical de la nueva versión de Reflection (2020), dirigido por la realizadora de MULÁNNiki Caro (The Zookeeper’s Wife, McFarland, USA). 

Reflection (2020) es una producción de Gregson-Williams para MULÁN. El clásico original de 1998 fue escrito por David Zippel y Matthew Wilder.

La nueva versión de Reflection (2020) y la canción original El mejor guerrero (Loyal Brave True), estarán incluidas en la película y en la banda sonora de Walt Disney Records, con música compuesta y dirigida por Harry Gregson-Williams. La banda sonora completa se estrenará el 4 de septiembre de 2020.

UN DATO:

La cineasta Niki Caro le da vida al épico relato de la legendaria guerrera china en la nueva película de Disney, MULÁN, en la que una joven valiente arriesga todo, por amor a su familia y a su país, para convertirse en una de las más grandes guerreras que se haya conocido.

CHRISTINA AGUILERA:

Cantautora seis veces galardonada con el premio Grammy. Es famosa por su potente voz y exitosas canciones. A lo largo de su carrera, ha vendido más de 43 millones de discos en todo el mundo.

Aguilera tuvo cinco sencillos que alcanzaron el número 1 en la lista Billboard de las mejores 100 canciones, lo que la convierte en la cuarta artista femenina en llegar al tope de la lista en tres décadas consecutivas (1990, 2000 y 2010). Tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood y el prestigioso honor de ser la única artista menor de 30 años en haber sido incluida en la lista de la revista Rolling Stone de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

En 2019, Aguilera recibió el premio Disney Legends por sus aportes y su vínculo con The Walt Disney Company. Aguilera ha sido vocera de la iniciativa Yum! World Hunger Relief (Campaña Mundial contra el Hambre) desde 2009 y ha ayudado a recaudar más de 150 millones de dólares para el Programa Mundial de Alimentos y otras agencias de lucha contra el hambre.

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El último borrador de Truman Capote de “Breakfast at Tiffany’s”, fue subastado por 378 mil libras

NUEVA YORK.- Con abundantes correcciones del mismo Truman Capote, el último borrador de la recordada película Breakfast at Tiffanny’s, fue subastado en Sotheby’s por la suma de 378 mil libras, más del doble de la estimación inicial.

Holly Golightly, con la célebre sonrisa de Audrey Hepburn, ha sido uno de los personajes más distintivos de la historia del cine durante casi 60 años. ¿Habría sido lo mismo si, en lugar de llamarse así, la heroína de Breakfast at Tiffany’s hubiera respondido al nombre más prosaico de Connie Gustafson? El último borrador mecanografiado del cuento de Truman Capote que inspiró la película de Blake Edwards del mismo nombre muestra que la irresistible Holly fue bautizada in extremis, en vísperas de la impresión.

El mayor cambio que surgió de las 93 páginas mecanografiadas es el del nombre del protagonista.

Según el experto en literatura de Sotheby’s, Gabriel Heaton, un Gustanfson no tendría el mismo impacto duradero que Golightly: “Podría funcionar para una joven novia que escapa de sus obligaciones maritales en un pueblo rural de Texas, pero se hunde cuando es atacada. a una chica del mundo en Manhattan “. Uno que, en palabras de Capote, tenía que ser “un símbolo de todas esas chicas que vinieron a Nueva York y que por un momento dan una vuelta al sol. Quería salvar a una de estas chicas y preservarla para la posteridad”.

Y la posteridad así lo determinó. De esa delgada novela del entonces escritor amigo de Harper Lee, de 30 años de edad, Blake Edwards dibujó una comedia romántica que permaneció intemporalmente gracias a Hepburn, su collar de perlas y los “pequeños vestidos negros” de Hubert de Givenchy, pero también por el nombre de Golightly, que significa “ir a la ligera”, al igual que su dueño que, entre un gato y un croissant, ha estado navegando por la Nueva York de los años 40, siempre con hambre de vivir.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Adiós a Morricone, creador de bandas sonoras intemporales en el cine

ROMA.- El músico y compositor, autor galardonado con el Premio Oscar, ENNIO MORRICONE murió a los 93 años en una clínica romana debido a las consecuencias de una caída que le provocó la fractura del fémur. 

MORRICONE es autor de las bandas sonoras más bellas del cine italiano y mundial desde El Bueno, el Malo y el Feo, Por unos dólares más hasta Érase una vez en el oeste, desde Cinema Paradiso hasta Malena.

El funeral de MORRICONE se llevará a cabo en forma privada “con respecto al sentimiento de humildad que siempre ha inspirado los actos de su existencia”. La familia del compositor anunció a través de su amigo y abogado Giorgio Assumma. Morricone murió “al amanecer del 6 de julio en Roma con el consuelo de la fe”. Assumma agrega que el maestro “conservó hasta el último lucidez y gran dignidad”.

Pudo despedirse de su esposa María, quien lo acompañó con dedicación en cada momento de su vida humana y profesional y estuvo cerca de él hasta el último suspiro, agradeció a sus hijos y nietos por el amor y la atención que le brindaron.  Dedicó un recuerdo conmovedor a su audiencia de cuyo afectuoso apoyo siempre ha extraído la fuerza de su creatividad “.

Descanse en paz ENNIO MORRICONE

Con información de ANSA

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Morricone y Williams recibirán este año el Premio Princesa de Asturias

MADRID.– El jurado del Premio Princesa de Asturias de las Artes ha decidido galardonar este año a dos compositores de cine: el italiano ENNIO MORRICONE (Roma, 91 años) y el estadounidense JOHN WILLIAMS (Nueva York, 88 años). Ambos han protagonizado extensas trayectorias en las que han puesto la banda sonora de algunas de las cintas más famosas de la historia del cine: desde El bueno, el feo y el malo y Cinema Paradiso (Morricone) hasta E.T., el extraterrestre y La guerra de las galaxias (Williams).

Los dos son, con independencia del medio para el que han escrito el grueso de su música, los compositores sinfónicos más conocidos de la actualidad y responsables claros del respeto académico que la música de cine, históricamente un género chico, ha adquirido en los últimos años.

Ambos compositores han sido distinguidos “por enriquecer con su talento cientos de películas”. “Mientras Morricone construyó su reputación poniendo música desde Europa al Lejano Oeste americano, William trasladó el espíritu de la tradición sinfónica vienesa a grandes éxitos de Hollywood. Si hay algo que tienen en común la extensa y variadísima obra de ambos compositores es su deslumbrante capacidad para traspasar géneros y fronteras”, ha señalado el jurado.

“Williams y Morricone muestran un dominio absoluto tanto de la composición como de la narrativa, aunando emoción, tensión y lirismo al servicio de las imágenes cinematográficas. Sus creaciones llegan incluso a transformarlas y trascenderlas, sosteniéndose por sí mismas como magníficas obras sinfónicas que se encuentran entre el repertorio habitual de las grandes orquestas. Todo ello los convierte en dos de los compositores vivos más venerados del mundo”, concluye el acta del jurado.

Ennio Morricone: “He sufrido mucho cuando he hecho cine”

Por poco cine que se haya visto, resultaría difícil no haberse topado nunca con una película con banda sonora del director de orquesta y compositor italiano Ennio Morricone. Es autor de la música de más de medio millar de filmes y series de televisión (Novecento, Érase una vez en América, Los intocables de Eliott Ness, La leyenda del pianista en el océano…), ganador del Oscar honorífico en 2007 a toda su carrera y del Oscar a la mejor Banda Sonora en 2016 por Los odiosos ocho, de Quentin Tarantino. Aunque sigue componiendo, el autor realizó el año pasado su gira de despedida, un tour con el que recaló en España por última vez con tres conciertos en Bilbao y Madrid, en los que desplegó de nuevo su “música absoluta”, un término con el que el autor define toda una vida dedicada en cuerpo y alma a ese arte.

Más allá del séptimo arte, Morricone, que define su propio carácter como “tímido” si bien acarrea una cierta fama de gruñón, también ha acumulado experiencia en la música clásica (ha compuesto más de un centenar de piezas) y en arreglos para canciones pop como Sapore di sale. A pesar de que la mayor parte de su carrera ha trascurrido en Hollywood, el compositor jamás ha aprendido a hablar inglés y ha mantenido su residencia en la ciudad que le vio nacer. “Amo Roma, la Roma, me gusta estar aquí”, declaró en la citada entrevista. Hijo del trompetista Mario Morricone, empezó a componer a los seis años e ingresó en el conservatorio a los 12. En 1956 se casó con María Travia, con quien ha permanecido durante toda su vida. “Cada vez que compongo siento una gran responsabilidad, porque quiero probar algo completamente original y que a la vez sea entendido”, afirmó en otra entrevista con este diario hace unos años. “Esa es mi firma, mi meta, mi principal deseo”. El músico, que recibió una estrella en el paseo de la fama de Hollywood en 2016, publicó el año pasado su autobiografía, titulada In My Own Words (En mis propias palabras).

John Williams: el segundo artista más nominado a los Oscar

Por su parte, John Williams ha compuesto la música de un centenar de películas y ha cosechado cinco Oscars. Sus 52 nominaciones le convierten en el segundo artista que más veces ha optado a la estatuilla, solo por detrás de Walt Disney. Más allá de la gran pantalla, Williams ha compuesto la música de varias ediciones de los Juegos Olímpicos, así como diversas partituras para conciertos. Entre los títulos más memorables en los que ha participado destacan El violinista en el tejado, Tiburón, Encuentros en la tercera fase y Supermán.

El estadounidense es, de lejos, el compositor que más éxito comercial ha obtenido en vida, posiblemente en toda la historia. Sus colaboraciones con Steven Spielberg, de quien ha musicado prácticamente toda su filmografía, y el ciclo de nueve películas de La guerra de las galaxias son las bandas sonoras más reconocibles del mundo del cine, y de las pocas con calidad suficiente para saltar a las salas de conciertos (hablamos del compositor vivo más interpretado del mundo).

Es el último ejemplo del sonido clásico de Hollywood, aquel que importaron de Vienna Max Steiner (Lo que viento se llevó) y Erich Korngold (El halcón del mar), que él mismo ha enriquecido y modernizado con referencias a autores contemporáneos, de John Adams a Andrew Norman. Su trabajo en La guerra de las galaxias, de partituras complejas pero evocadoras, se estudia ya en universidades estadounidenses.

Con información de ANSA

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David Bisbal interpretará el tema “Mucho más allá” de la cinta “Frozen II”

Con motivo del próximo estreno de FROZEN 2, David Bisbal interpretará el tema Mucho más allá, que estará en los créditos finales de la película para España y Latinoamérica. El tema es la versión en español de la canción original Into The Unknown, interpretada por la banda Panic! At the Disco en Estados Unidos.

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La canción Mucho más allá ha supuesto para David Bisbal un nuevo reto profesional ya que pocos artistas en el mundo pueden llegar a cubrir toda la diversidad de notas que tiene esta canción. “Es un proyecto que ha venido como una gran sorpresa a mi vida y a mi carrera. Estaré eternamente agradecido de que me hayan invitado a participar en una película tan icónica y que ha sido tan importante para muchísimas familias”, agregó. “Estar en un proyecto musical de estas características es un privilegio y un sueño”, completó el artista.

Tanto el videoclip como la canción estarán disponibles desde el 8 de noviembre en todas las plataformas digitales.

Mucho más allá de Bisbal también formará parte de la banda sonora original en español de FROZEN 2 de Walt Disney Records, que estará disponible a partir del 15 de noviembre en plataformas digitales.

DE BISBAL:

Ganador de 3 Grammy Latino, 3 Billboard Latinos, 3 World Music Award y 2 Premios Ondas, entre los más de 80 galardones nacionales e internacionales que acumula, David Bisbal es reconocido mundialmente por su carrera de más de 18 años en los que ha conseguido 11 Discos de Diamante por las ventas de sus discos y ha vendido más de 5 millones de Tickets en sus más de 1000 conciertos en todo el mundo. Cuenta con más de dos millones de seguidores y más de 6 millones de oyentes al mes en Spotify.

En YouTube supera los dos millones de suscriptores y suma 1.4 billones de vistas de sus videos. Además, David Bisbal es uno de los artistas españoles con más fans y seguidores en sus redes sociales, en las que alcanza los 20 millones.

UN DATO:

FROZEN: EL REINO DEL HIELO (2013) es la película de animación más taquillera de la historia del cine con más de mil doscientos millones de dólares de recaudación. En nuestro país la película superó los 16 millones de euros de recaudación con más de 2 millones de espectadores.

Además, la película ganó 2 Premios de la Academia® a Mejor Película de Animación y a Mejor Canción Original por Let it go y un Globo de Oro al Mejor Largometraje Animado.

La banda sonora de FROZEN. EL REINO DEL HIELO fue triple disco Platino con más de 3,6 millones de unidades vendidas. Let It Go, de Frozen. El reino del hielo ha sido visto más de 670 millones de veces en YouTube.

SINOPSIS:

En 2019, la temperatura se dispara en Arendelle con el regreso a la gran pantalla de Anna, Elsa, Kristoff y Olaf en Frozen 2 de Walt Disney Animation Studios. Se trata de la esperadísima secuela de Frozen, ganadora del Óscar® en 2013, que se ha convertido en la película animada de mayor recaudación de todos los tiempos. Kristen Bell, ldina Menzel, Jonathan Graff y Josh Gad retoman sus papeles, y Chris Buck y Jennifer Lee, el equipo de Frozen, vuelven a ocupar sus sillas de directores.

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Frozen 2 se estrena el 22 de noviembre de 2019 en cines.

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“Rey León” de 25 años es todo un clásico

ROMA.– El REY LEÓN y la fabulosa fábula de Simba aún toman forma en el cine 25 años después de que se estrenó la primera película el 15 de junio de 1994, ganadora de dos Premios Oscar, con la fascinante música de Elton John y Tim Rice y que ahora se convierte en un clásico de Disney. con el que han crecido generaciones de niños.

La nueva película se estrena el 21 de agosto en Italia con 500 copias, esta vez no animada, sino en vivo, protagonizada por el mundo de la sabana africana y “ese delicado equilibrio que hace que todo coexista aquí”. Es la segunda película más taquillera del año en Estados Unidos, después de Avengers: Endgame y en el mundo.

Las voces originales del esperado Rey León son las de Donald Glover (Simba), Seth Rogen (Pumbaa), Beyoncé (Nala), Chiwetel Ejiofor (Scar).

También en Italia el doblaje es sobresaliente: Marco Mengoni es el joven heredero al trono de la sabana, Elisa (que ya había trabajado para Dumbo por Tim Burton) es Nala, una valiente amiga de Simba desde que era un cachorro. Y nuevamente Luca Ward, Massimo Popolizio, Edoardo Leo, Stefano Fresi, Toni Garrani. La dirección es de Jon Favreau, quien firmó otros remakes de Disney comenzando con Jungle Book.

Y para dirigir la nueva aventura, Disney ha combinado las técnicas del cine de acción en vivo con imágenes fotorrealistas generadas por computadora, inspirándose no solo en la película de 1994 sino también en los documentales de la BBC, en el musical de Broadway, durante 23 años en la factura, y en un un viaje hecho por él mismo en África.

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UN DATO:

El Rey León fue el primer clásico de las películas de Disney, el resultado de una historia original (concebida por Jeffrey Katzenberg, Roy E. Disney y Peter Schneider, a la que se agregaron los escritores Irene Mecchi y Jonathan Roberts) en cuyo corazón hay un tema muy querido. a cada narrativa: la novela de entrenamiento, o cómo abandonar la infancia y enfrentar las realidades del mundo. Es el tema de muchas otras películas, como el Libro de la selva en sí, un pariente cercano del Rey León).

Entre los diversos registros del Rey León de 1994, además de la taquilla más importante del año, están los de la película animada más grande de los últimos 50 años en términos de entradas vendidas y la única animada cuya banda sonora ha sido certificado diamante.

Junto con el lanzamiento en cine, se han publicado videojuegos, adaptaciones musicales y otras dos películas: la secuela Il Re Leone 2 El reino de Simba, la precuela The Lion King 3 Hakuna Matata y ahora hay una gran expectativa para el remake en acción en vivo .

Aquí puedes ver el tráiler.

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Steven Spielberg desata la fiebre de “West Side Story”; su estreno, en 2020

NUEVA YORK.– En la ciudad de los rascacielos se produce nuevamente la fiebre de West Side Story. En estos días, de hecho, NY se está sumergiendo en los años 60, en los lugares que la famosa película dirigida en ese momento por Jerome Robbins y Robert Wise, se hizo famosa.

La claqueta ahora es para la nueva versión, esta vez dirigida por Steven Spielberg. El lanzamiento está programado para finales de 2020.

Según Gothamist, el rodaje de la película en Manhattan rememora San Juan Hill, el nombre del vecindario en el Upper East Side donde se filmó la primera película y que ahora corresponde al área alrededor de Lincoln Square, no lejos del área metropolitana.

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Spielberg mantuvo algunas de las ubicaciones de la película original como East 131st Street, con la escena estadounidense West 107th Street, donde se filmó el musical de María, St. Nicholas Avenue, entre 111 / ay 113 / en Harlem.

Algunas escenas también fueron filmadas en Queens y Brooklyn. Según Gothamist, se vieron autos antiguos en algunas calles, al igual que en la década de 1960. La historia, una especie de Romeo y Julieta de la era contemporánea, es la del amor opuesto de dos niños que pertenecen a dos mundos diferentes.

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El actor Ansel Elgort (Baby Driver, Bajo la misma estrella) se encargará de tomar el papel que Richard Beymer interpretó en 1961.

Rachel Zegler se encargará de ser la protagonista. Esta joven debutará en el mundo del cine tomando el papel que en su día hizo Natalie Wood. Con 17 años, Zegler fue una de las 30.000 personas que se presentaron al casting. De origen colombiano, es de Nueva Jersey y cursa el último año de instituto. Allí interpretó hace tiempo en teatro al personaje de María hace tiempo.

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Sale a la luz canción inédita de Mercury

Por vez primera, después de cuatro décadas escondida en la caja fuerte, una versión inédita de TIME, grabada en 1986 por FREDDIE MERCURY para el álbum conceptual del exitoso musical del mismo nombre, al fin emergió después de dos años de trabajo del reconocido músico, compositor y productor Dave Clark, viejo amigo de Freddie, utilizando el título completo de la canción, Time Waits For No One. El track se lanzará vía Virgin EMI (Universal Music Group) el 20 de junio de 2019, junto con un video conmovedor.

‘Time Waits For No One’ muestra a Freddie Mercury en su actuación más cautivadora y orgánica, acompañado sólo de un piano, exhibiendo a una de las voces más brillantes y amadas de toda la música.

DETRÁS DE LA CANCIÓN…

Time fue la creación de Dave Clark, ex integrante del exitoso y multimillonario grupo The Dave Clark Five, y uno de los músicos, compositores y productores más prolíficos y celebrados del Reino Unido. El musical Time, the West End, se estrenó en el Teatro Dominion de Londres en abril de 1986, una mezcla de ciencia ficción, rock, efectos especiales adelantados a su época y multimedia. Con un elenco que incluía a Sir Laurence Olivier y Cliff Richard, rompió seis récords de taquilla y lo disfrutó más de un millón de personas durante sus dos años en escena.

Para el álbum conceptual mejor vendido y lleno de estrellas de la obra, Dave tenía una canción en mente para Freddie (In My Defence), y a pesar de los opositores de la industria que decían que no lo haría, Freddie aceptó volar a Londres desde su casa en Múnich, Alemania, para grabar la canción en los estudios de Abbey Road en octubre de 1985.

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En la banda minimalista de cuatro músicos estaba Mike Moran, quien no conocía a Freddie, y tocó el piano para Dave durante muchos años; tal fue la buena relación con Freddie que Mike escribió Barcelona con el líder de Queen años más tarde. La sesión de Time se grabó en la oscuridad de largas noches y fue alimentada por “deliciosa comida, vodka y champaña Cristal”, cortesía del chef personal de Freddie, Joe Fanelli.

Dave Clark recuerda más sobre la grabación: “Nos llevamos muy bien…si algo no me gustaba, lo decía y viceversa…ambos buscábamos lo mismo: hacer algo especial.”

Cuando Freddie le preguntó si tenía algo más, Dave contestó con una afirmación y le ofreció el título del musical Time. En enero de 1986 regresaron a los estudios Abbey Road con un grupo de músicos talentosos y grabaron la canción. Dave la había escrito con John Christie, desconociendo por completo de cómo las palabras Time waits for no one serían tan relevantes hoy. Empezó como un track rítmico, la sesión grabó 48 pistas de coros (Freddie junto con John Christie y Peter Straker), 2 x 24 cintas de pistas unidas entre sí, algo que nunca se había hecho antes para esa cantidad de coros en Abbey Road, y la versión final del Time que incluye una gran producción de 96 pistas.

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El video de la canción fue filmado un jueves en el teatro Dominion en sólo tres horas, y fue tan rápido para permitir que el musical se preparara para la presentación de esa noche -se había estrenado ese mismo mes y Freddie asistió a la noche de estreno. Con la preocupación de capturar toda la actuación, se utilizaron cuatro cámaras y se editó rápidamente para entregarlo a la emisión televisiva de esa semana del exitoso programa musical del Reino Unido, Top of the Pops. Usaron directamente el video y no el filme original de 35mm, la canción fue lanzada el 6 de mayo de ese año y las imágenes originales se guardaron en una caja fuerte.

4 DÉCADAS EN 96 PISTAS A 1:

Dave Clark siempre recordó la actuación de Freddie Mercury en los estudios de Abbey Road de 1986. Esa versión vendió millones y, en sus propias palabras, “funcionaba”, pero el sentimiento que tuvo durante el ensayo original, “con la piel erizada”, no desapareció con los años y quería escuchar esa versión original, sólo a Freddie cantando con Mike Moran en el piano. Después de una larga búsqueda en la caja fuerte para desenterrar ese corte sin los coros, lo encontró en su archivos de cintas en la primavera de 2018.

Llamó al tecladista original, Mike Moran, para grabar una pista nueva de piano, restaurando el enorme potencial de esta actuación histórica en el estudio del músico en Buckinghamshire, Dave creía con firmeza que “lo imposible era posible” y con el tiempo produjo la entrega que había anhelado revivir, desmenuzando la versión de 1996, llegando a sólo una: Freddie Mercury.

El audio necesitaba visuales y Dave no quería utilizar las imágenes del pasado, pero tenía los negativos de las 4 cámaras y el filme sin procesar que estuvo guardado en los Laboratorios Rank en Pinewood y que volvieron a él después de su documental de 2014 Glad all Over The Dave Clark Five and Beyond. Un encierro en un lugar especial para revisar los negativos, junto con su editor, le trajo el descubrimiento y la producción de esta obra maestra visual, una representación perfecta de la “mágica actuación de Freddie…saboreando cada palabra.”

Time Waits For No One es un tributo a la fuerza musical de Freddie Mercury, a su actuación, al drama, al rango vocal, que después de cuatro décadas esperando en un encierro al fin sale a la luz para el gusto de los fanáticos antiguos y nuevos por igual, un asombroso elogio para el líder de Queen, producido y dirigido por uno de sus amigos más cercanos.

UN DATO:

Time Waits For No One’ estará disponible el 20 de junio de 2019 en Virgin EMI (Universal Music Group).

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Morricone se despide del público español

MADRID. – En su despedida de los escenarios, el italiano ENNIO MORRICONE llevó este dìa con su batuta, a los 90 años, al público español a un viaje por algunas de las mejores bandas sonoras del cine.

El concierto que ofreció en Madrid formó parte de su gira de despedida The final concerts world tour, que antes pasó en España por Barakaldo (Pais Vasco). Sentado, Morricone (Roma, 1928) dirigió durante más de dos horas a una orquesta y coro formados por 200 personas.

 

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Los números del nonagenario compositor son todos grandes: ha compuesto más de 500 bandas sonoras en 60 años de carrera a películas como Por un puñado de dólares o La muerte tenía un precio.

Sus obras han puesto la música a películas inolvidables de Sergio Leone, Giuseppe Tornatore, Bernardo Bertolucci, Brian de Palma, Pedro Almodóvar o Quentin Tarantino.

Una selección de una treintena de bandas sonoras transportó al entregado público a una sala de cine.

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La música de Cinema paradiso, de Bertolucci; Los intocables, de De Palma; y el mítico western El bueno, el feo y el malo, de Leone, cosecharon fuertes aplausos. La parte dedicada a Leone la abrió una armónica, la de Hasta que llegó su hora. La portuguesa Dulce Pontes fue la estrella invitada e interpretó temas de La luz prodigiosa, Sostiene Pereira y Aboliçao, de la película Queimada.

La soprano Susanna Rigacci puso su voz a El bueno, el feo y el malo.

La misión, con El oboe de Gabriel, y Cinema Paradiso pusieron el broche de oro al concierto, con un público totalmente entregado.

El concierto comenzó con Los intocables, por la que el compositor italiano logró una nominación al Oscar.

Morricone tiene dos Oscar, uno honorífico conseguido en 2007 y otro en 2015 por Los odiosos ocho, de Quentin Tarantino, que también interpretó. Su último concierto lo ofrecerá el 29 de junio en Lucca (Italia), y antes pasará por Portugal y otras ciudades italianas.

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LOS GLOBOS DE ORO ESTE DOMINGUITO SAGRADO POR TNT; “ROMA”, A LA VISTA

HOLLYWOOD.- Este Dominguito Sagrado por la telera nuestra de TNT, a partir de las 20 horas, se transmitirá la ceremonia completa de los nominados para la 76 edición de los Globo de Oro en los rubros de cine y televisión, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood.

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La ceremonia será conducida por Sandra Oh y Andy Samberg mientras que la alfombra roja estará a cargo de Liza Echeverría y Axel Kuschevatzky.

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La película ROMA, de Alfonso Cuarón, figura en dos categorías, Mejor Guion y Mejor Película Extranjera.

Aquí los nominados:

CINE

MEJOR PELÍCULA DE DRAMA

Pantera Negra, de Ryan Coogler
El infiltrado del KKKlan, de Spike Lee
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury, de Bryan Singer
If Beale Street Could Talk, de Barry Jenkins
Nace una estrella, de Bradley Cooper

MEJOR MUSICAL O COMEDIA

Locamente millonarios, de Jon M. Chu
La favorita, de Yorgos Lanthimos
El regreso de Mary Poppins, de Rob Marshall
Green Book, de Peter Farrelly
El vicepresidente: más allá del poder, de Adam McKay

MEJOR ACTOR DE DRAMA

Bradley Cooper, Nace una estrella
Willem Dafoe, At Eternity’s Gate
Lucas Hedges, Boy Erased
Rami Malek, Bohemian Rhapsody
John David Washington, El infiltrado del KKKlan

MEJOR ACTRIZ DE DRAMA

Glenn Close, La esposa
Lady Gaga, Nace una estrella
Nicole Kidman, Destrucción
Melissa McCarthy, ¿Podrás perdonarme?
Rosamund Pike, A Private War

MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL

Christian Bale, El vicepresidente: más allá del poder
Lin-Manuel Miranda, El regreso de Mary Poppins
Viggo Mortensen, Green Book
Robert Redford, The Old Man & The Gun
John C. Reilly, Stan & Ollie

MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL

Emily Blunt, El regreso de Mary Poppins
Olivia Colman, La favorita
Elsie Fisher, Eigth Grae
Charlize Theron, Tully
Constance Wu, Locamente millonarios

MEJOR GUION

Alfonso Cuarón, Roma
Deborah Davis, Tony McNamara, La favorita
Barry Jenkins, If Beale Street Could Talk
Adam McKay, El vicepresidente: más allá del poder
Nick Vallelonga, Brian Currie, Peter Farrelly, Green Book

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Los increíbles 2
Isla de perros
Mirai
Wifi Ralph
Spider-Man: un nuevo universo

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Cafarnaúm (Líbano), de Nadine Labaki
Girl (Bélgica), de Lukas Dhont“Never Look Away” (Alemania), de Florian Henckel von

Never Look Away” (Alemania), de Florian Henckel von Donnersmarck

Roma (México), de Alfonso Cuarón
Shoplifters (Japón), de Hirokazu Koreeda

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

Marco Beltrami, Un lugar en silencio
Alexandre Desplat, Isla de perros
Ludwig Göransson, Pantera negra
Justin Hurwitz, El primer hombre en la Luna
Marc Shaiman, El regreso de Mary Poppins

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

All The Stars, de Kendrick Lamar, Solana Rowe, Al Shuckburgh, Mark Spears y Anthony Tiffith (Pantera Negra)
Girl in The Movies, de Dolly Parton y Linda Perry (Dumplin)
Requiem for a Private War, de Annie Lennox (A Private War)
Revelation, de Leland, Troye Sivan y Jónsi (Boy Erased)
Shallow, de Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt (Nace una estrella).

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A SATAR IS BORN / LADY GAGA

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Lo mejor de 2017 en 3D3

Lejos de lo que pudieran pensar los nostálgicos hoy se crea muy buena música. El problema, sostenemos: 1) el mercado está muy fragmentado, 2) que en el caso particular de México los contenidos de ficción se encuentran muy deprimidos y no hay espacios musicales de calidad en la gran televisión y, 3) el internet nos presenta la gran paradoja de un océano inmenso donde la mayoría no está dispuesto a navegar por diferentes razones, entre ellas tiempo y que no sabe cómo. Esta columna semanal en TV&SHOW apuesta por contribuir a ello. Esperamos que algo de ello hayamos logrado.

Precisamente como el universo referencial es tan vasto, nos hemos avocado a seleccionar nuestro conteo de la muestra que representa todo lo que hemos propuesto en este espacio durante el año. Buena parte de ello, debemos recordar, es producto de las sugerencias de nuestros lectores.

Por supuesto, si alguien espera que en este conteo aparezcan algo como Despacito… está en el espacio y medio equivocado. Apostamos por calidad y por lectores/usuarios que de verdad la valoren.

Venga lo mejor de la música del 2017, ¡pónganle play!

Las 3 mejores canciones (por temática)

Canción para película

Recuérdame (2017) – Carlos Rivera

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El tema elegido para la presentación en español de COCO, la nueva apuesta de los estudios de animación Disney Pixar, que resultó todo un suceso no sólo en México al convertirse en la película con mayor recaudación en su historia, sino a nivel mundial (pregúntenle a los chinos). La demostración que ¡lo bien hecho sí vende y mucho! es interpretada por el mexicano con una carrera en ascenso.

La película dirigida por Lee Unkrich y codirgida por el escritor Adrián Molina, presenta en la Cineteca Nacional “El Arte de Coco”, una exposición creada y curada por el equipo de Pixar Animation Studios cuya presentación informó TV & SHOW.

Dueto del año

Mi buen amor – Mon Laferte con Enrique Bunbury

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La cantante chilena Mon Laferte, una de las mejores voces jóvenes en español de la actualidad, ha lanzado hace unos días el video de su nuevo sencillo a dueto con el español Enrique Bunbury. Apreciamos un arreglo influenciado por el blues y el rock alternativo latinoamericano que arropa el bailoteo vocal de esta soprano a cuyo dúo Bunbury responde con generosidad.

Pertenece al quinto álbum de estudio de Laferte titulado “La Trenza” dado a conocer en el primer semestre del 2017. Sí hay buenas cantantes en la actualidad, esta es una de ellas. Ojalá que Universal, su disquera, no la condene como a Shakira a producir chatarra con beat en pos de las ventas y la notoriedad “que pide el público”. Gran balada.

Mejor nueva versión

Cubaneros – Y me siento bien (Feeling Good- Spanish Version)

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Feeling Good es una canción que desde la interpretación de John Coltraine, pasando por la de Nina Simone y hasta más recientes como la del crooner canadiense Michael Bublé, nos ha regalado buena música a través de géneros y sonidos anglosajones, hasta que llegó oriunda de nuestros rumbos esta extraordinaria versión de la agrupación Cubaneros.

Es amplia sin límites capaces de estrecharla, arreglos excepcionales y de primera categoría que hacen honor a la canción y la sofistican, desde su género, al mismo nivel que las versiones antes mencionadas. Un deleite la voz solista de Anaisa Vega. Por favor no dejen de escucharla por nada, sobre todo si se es fan del latin jazz o de la salsa.

LAS 3 MEJORES CANCIONES DE NUEVOS LANZAMIENTOS

Nueva Promesa en Inglés

Easy Love – Lauv

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No se trata de un remake de la canción electro-pop de Sigala, lanzada hace un par de años. Es una composición totalmente diferente de título homónimo del joven estadounidense que nos ofrece un sencillo en R&B, con sutiles dosis de rock, estupendos coros y una cuidada grabación.

¿Nace una nueva estrella? El nombre de su álbum, “Lauv”, apunta para a ello pero aún es temprano para saberlo de un cantante con talento que apenas ha debutado dos años atrás. No es un improvisado, se ha graduado en música de la Universidad de Nueva York. Por lo pronto, disfrutemos de esta gran canción lanzada el pasado 5 de octubre en las principales plataformas digitales.

Nueva promesa en español

Costa Rica – Daniela Spalla

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La argentina Daniela Spalla no es nueva pero sigue moviéndose como en el circuito independiente y promete. Nos deleita con esta emotiva balada, estremecedora por su sencillez, influenciada de bossa nova y aderezada con pequeños grandes detalles como unos estupendos coros soul. Los ticos deben agradecer a Spalla esta amorosa dedicatoria a una tierra que promete exuberantes paisajes. El gobierno de Costa Rica debería retomar esta canción para hacerla emblema de una campaña turística que llegue al corazón de viajantes en busca de lugares y momentos inolvidables.

Es una pena que esta pieza, estrenada en octubre pasado en internet y producida por Adán Jodorowsky, no esté sonando en la radio comercial para demostrarle a gran parte de la audiencia que también hoy se produce buena música. Costa Rica es un manjar que alegrará el día de cualquiera.

Mejor canción música electrónica

Roots Around My Ribcage – Brady Watt con Clifflight

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Una extraordinario hallazgo durante 2017 resulta este sencillo que nos ofrece el compositor y arreglista neoyorkino Brady Watt junto con el trío de músicos en dance y electrónica Clifflight. Suave al oído y orgulloso heredero del R&B así como de fusiones rítmicas electrónicas y jazzísticas. Otra prueba, reggaetoneros, que el bass puede emplearse armoniosamente y que los géneros de música urbana no están divorciados con la elegancia y la sofisticación. ¡Tomen nota!

Secundo lo que deja soltar alguien en los comentarios de este videoclip: “How does this not have millions of views?” (¿Por qué este video no tiene millones de vistas?) No dejen de escucharla, sobre todo los amantes del buen electro-dance.

LOS 3 MEJORES ESTRENOS DEL 2017

Español

El Patio – Pablo López

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Gran balada la que nos ofrece el español Pablo López con El Patio, promete ser un éxito. Nos remite, en su propio estilo, a los éxitos de su compatriota Alejandro Sanz como La fuerza del corazón e Y si fuera ella. La ha lanzado estos días.

Estupenda grabación de estudio, de  arreglos profundos de primera línea y sobre todo con una gran interpretación vocal. Tiene fuerza, poder y le envuelve una gran emotividad. Seguro pronto lo veremos de gira por las tierras aztecas.

Inglés

Ed Sheeran – Perfect

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Entre Too Good At Goodbyes de Sam Smith y  esta canción estaba esta categoría. Curioso es que a la fecha las dos promedien las 450 millones vistas en Youtube. Al escuchar al joven cantante británico en canciones como ésta, una advierte de inmediato que estamos ante una prometedora estrella de la música pop internacional. Así que no es raro saber que ya tiene un Grammy por la Mejor Interpretación Vocal Solista.

El sencillo, Perfect, grabado con los más altos estándares de calidad se inspira en el estilo de Bob Dylan y adopta con acierto el folk anglosajón. En 2014, las canciones de Sheeran obtuvieron 860 millones de descargas en Spotify por lo cual la app lo nombró el artista más escuchado del año. La canción pertenece al álbum “Divide”.

INDIE/ NUEVOS VALORES

Bésame – El Otro Polo con  Rawayana

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Deliciosa balada con notables derroches de creatividad y calor latino es la que nos ofrecen venezolanos El Otro Polo y Rawayana en afortunada colaboración. Es también de destacarse el arte del video sin estridencia reggeatonera. Pertenece a su primer álbum “A color”.

Una fusión bossa nova, bolero y reggae llena de detalles sin dejar de tener un beat pop agradable a cualquier oído. Productores de TV: ¿quieren presentar a su audiencia nuevos músicos con talento potencial y sello personal? Aquí tienen una muestra, sí hay. Falta que abran las puertas.

MENCIONES ESPECIALES

Canción R&B: Not my ex – Jessie J

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¿Dónde estaba Jessie J que no la conocía? Si ustedes tampoco, se las presento. Es una cantautora británica de esas que desde la primera vez que se le escucha en una canción como ésta, cautiva y no se le puede escatimar talento. No por nada ya ha ganado varios premios de crítica. Conoce de su potencial y lo expande. Increíble que este video apenas lleve 9 millones de vistas. ¿Por qué no está programado en la radio de México?

El sencillo Not my ex, (al parecer adelanto de su álbum “R.O.S. E.”) camina en la línea de las mejores producciones de Mariah Carey, Leona Lewis, Alicia Keys, Beyonce y similares… fue lanzado apenas a mediados del mes de octubre pasado. El video de montaje sencillísimo no requiere más con esa extraordinaria y poderosa voz de amplio rango y que como todos las buenas cantantes con influencias soul, a la de ya quieres seguirla escuchando. ¡Así, sí se disfruta la música pop! Al playlist, personal, sin duda.

Canción (y álbum) jazz: Night And Day – Diana Krall

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Jazzistas y melómanos: vuelve la extraordinaria Diana Krall con nuevo álbum de estudio titulado “Turn up the Quiet” en el que se encuentra incluida esta cálida y delicadísima canción que arrulla los sentidos y que baila entre el jazz clásico estándar y el bossa nova que tan bien le sale a Krall para su décimo tercer álbum bajo el sello de Verve Records.

Por si fuera poco este material ofrece las colaboraciones de los músicos Christian McBride, Russell Malone, Jeff Hamilton y John Clayton Jr: sí, un disco de pesos-pesados. No cabe duda que si alguien sabe transmitir sensualidad es esta bella y talentosa canadiense. ¿Qué regalar en estas fiestas? El disco físico o digital de la también extraordinaria pianista.

Feliz y muy próspero 2018, lleno de buena música para nuestros lectores. Nos leemos en 3D3 de la próxima semana para seguir compartiendo la mejor música para nuestro playlist.

Por Daniel Lares Muñoz (dan_lares)

TV&SHOW / Rondero’s Medios

40 años sin Charles Chaplin

HOLLYWOOD.- CHARLES SPENCER CHAPLIN, el actor conocido como CHARLES CHAPLIN, Charlot en Francia, Charlie entre los anglosajones y Carlitos Chaplín en nuestras pampas, dejaba este mundo el 25 de diciembre de 1977, a los 88 años, en su casa de Vevey, Suiza, luego de haber divertido y emocionado al público durante decenios.

Se dijo muchas veces que Chaplin fue el artista de mayor universalidad de la historia, más que Miguel Ángel o William Shakespeare, porque con su hombrecito de bastón, bigotito, bombín y enormes zapatos había podido conmover tanto a los grandes públicos estadounidenses, europeos y sudamericanos como a los espectadores del más remoto villorio perdido en alguna jungla, desierto o lugar abandonado a la buena de Dios.

CHAPLIDOS.jpgEs que con aquel vagabundo era difícil no congeniar: era un hombre común enfrentado a un mundo hostil, con arbitrariedades de todo tipo, enamoradizo y amante de la justicia por naturaleza, finísimo en sus rasgos pero, además, graciosísimo en su gestualidad, hábil en el movimiento dentro de aquellos fotogramas titilantes del cine mudo y capaz de transitar entre el absurdo y lo surreal sin que la cuerda se le rompiera.

Nacido en Londres el 16 de abril de 1889, tuvo padres que actuaban en el music hall, humilde escenario en el que debutó a los cinco años y en la década de 1910 se integró a la troupe de Fred Karno, un empresario que viajó por toda Europa y Estados Unidos con una extensa compañía de entretenimientos.

En ella figuraba el “flaco” Stan Laurel, entonces Arthur Stanley Jefferson, quien fue su compañero de filas durante varias giras por ese país y Canadá -aunque parece que Chaplin nunca lo soportó, quizá por celos- y en 1914 nuestro héroe ya había fijado su vista en el arte naciente del cine, todavía espectáculo de feria o barracón.

CHAPLINUNO.jpgSin datos acerca de qué pasó antes, ese año rodó 36 cortos de dos bobinas, entre ellos “Kid Auto Races at Venice”, dirigido por Henry Lehrman, en el que se supone que creó su emblemático vestuario, destinado a representar la contracara de un hombre de la alta sociedad, una identidad que le duró hasta 1936, cuando rodó “Tiempos modernos”.

Durante varios títulos actuó como ladero de la “star” Mabel Normand, al tiempo que se especializaba como organizador de “gags”, pero ya en “Caught in the Rain” (1914) y “El vagabundo” (1916) su nombre aparece como director, lo mismo que en “Día de pago” (1916), “La calle de la paz”, “En las termas”, “Carlitos aventurero”, “El inmigrante” (todas de 1917) y “Vida de perros”, “Armas al hombro” y “The bond” (1918).

Para entonces ya es un hombre muy rico y en 1919 funda el sello United Artists, junto a los también famosos David Wark Griffith y el matrimonio integrado por Douglas Fairbanks y Mary Pickford.

Decía: “Cuando un hombre se pasea por la calle no hay nada de qué reírse, pero colocado en una situación ridícula o embarazosa, el ser humano se convierte en motivo de risa para sus semejantes. En esto se basa la situación cómica”.

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Debuta en el largometraje con “El pibe” (1921), cuando su nombre ya tiene una estatura mayor y eso le permite incursionar en el melodrama, vuelve a los cortos con “Día de pago” (1922) y “El peregrino” (1923), en la que la crítica costumbrista se mezcla con lo social, e ingresa definitivamente al largo con “Una mujer de París” (1923), protagonizada por Edna Purviance, una actriz que lo amó hasta sus últimos días sin que él la incluyera entre sus parejas oficiales.

Lo que sigue es un listado memorable: “La quimera del oro” (1925), “El circo” (1928), “Luces de la ciudad” (1931), “Tiempos modernos” (1936), “El gran dictador” (1940), seguidas después de la guerra por “Monsieur Verdoux” (1947), “Candilejas” (1952), “Un rey en Nueva York” (1957) y “Una condesa de Hong Kong” (1967), con Sophia Loren y Marlon Brando y en la que él sólo aparece en un papel episódico y su única película en colores.

Si bien gozó de idolatría popular en vida y recibió numerosos premios, la vida particular de Chaplin no fue fácil: su madre pasó los últimos años en varios neuropsiquiátricos y él se casó sucesivamente con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O’Neill, con las que tuvo once hijos -ocho con Oona-, lo que derivó en pleitos millonarios, escándalos y otros problemas.

El dramaturgo y Premio Nobel Eugene O’Neill, padre de su última esposa, nunca le perdonó la diferencia de edades, con 36 años a favor de él.

En 1952, mientras filmaba “Candilejas”, estaba en auge la caza del brujas organizada por el senador Joseph McCarthy, que veía comunistas en todas partes, y condenó a mucha gente de Hollywood a la cárcel, la desocupación, el exilio, la delación y otras locuras; entonces Chaplin fue tildado de comunista y debió abandonar Estados Unidos junto a su familia, casi para siempre.

Volvió a ese país en 1972 para recibir un Oscar honorario por la totalidad de su obra y un año después la archifamosa música de “Candilejas” recibió otro premio de la Academia de Hollywood, ya que hasta ese momento y por razones extra comerciales la película no se había proyectado en el condado de Los Ángeles.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW / Rondero’s Medios

Digitalizar acervos para protegerlos, el gran reto de la Fonoteca Nacional (II)

En esta segunda y última entrega acerca de la FONOTECA NACIONAL, su director general ERNESTO VELÁZQUEZ, explica a TV&SHOW el delicado y arduo proceso que realiza el equipo técnico -conformado en su mayoría por jóvenes especialistas- para preservar la memoria sonora para el futuro…”Poco hemos entendido -puntualiza Velázquez- acerca de la necesidad de proteger el patrimonio audiovisual de nuestro país”.

El director de la FONOTECA NACIONAL confirma que “Aquellos acervos que no estén digitalizados para el 2025, van a desaparecer, porque los próximos formatos se acaban. Es un gran esfuerzo del estado mexicano, dentro de su política cultural, tener y conservar la Fonoteca Nacional, tener desde México el liderazgo latinoamericano de la protección de los acervos sonoros. La Fonoteca Nacional también encabeza el programa de cooperación Ibermemoria Sonora y Audiovisual, de la cual soy presidente de su consejo directivo. Lanzamos una convocatoria pública para que en toda Iberoamérica se presenten proyectos de rescate de acervo sonoros, audiovisuales y fotográficos, poner un granito de arena para que las futuras generaciones escuchen y vean todos los registros de nuestra historia”.

*VER VIDEO ENTREVISTA ERNESTO VELÁZQUEZ, DIRECTOR FONOTECA NACIONAL

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Los grandes retos de la FONOTECA NACIONAL (II-F)

MÁS DATOS:

*La Fonoteca Nacional está ubicada en Francisco Sosa 383, Col. Barrio de Santa Catarina, Coyoacán. Teléfono: 4155-0950.

*Está abierta de lunes a sábado de las 10 de la mañana a las 19 horas.

*EL personal especializado de la Fonoteca Nacional ha rescatado una ejecución inédita de Dámaso Pérez Prado, así como de la pianista Ángeles Morales.

*Quienes tengan grabaciones antiguas, si creen que hay algo que deba perpetuarse, pueden acudir a la Fonoteca , y se les extiende un reservorio con su nombre.

*El maestro Armando Poust ha donado más de 250 mil registros sonoros, y 35 gramófonos de su colección, que funcionan y que el público puede escuchar durante su visita.

Por Roberto Rondero/ Fotos y video: Lourdes Córdoba. 

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

 

 

Álbum en honor de “El Guardaespaldas”, en su 25 aniversario, el 17 de noviembre

MIAMI.-Con motivo del 25 cumpleaños del filme EL GUARDAESPALDAS,  el 17 de noviembre lanzarán en Estados Unidos el disco Whitney Houston-I Wish You Love: More From The Bodyguard, una reedición de la banda sonora de la película que incluye material inédito vinculado a ésta y a la gira The Bodyguard Tour.

Publicado el 17 de noviembre de 1992, The Bodyguard: Original Soundtrack Album fue el primer disco que, según verificó SoundScan, vendió más de un millón de copias en una sola semana, informó DPA.

Además, el disco ganó el Grammy al Álbum del Año y, con más de 45 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, es la banda sonora más exitosa todos los tiempos.

El drama romántico EL GUARDAESPALDAS, coprotagonizado por Kevin Costner, supuso el debut de Whitney Houston, como actriz, y se estrenó mundialmente el 25 de noviembre de 1992.

Fallecida el 11 de febrero de 2012, Houston fue una de las cantantes más galardonadas de todas las épocas y una de las de mayores ventas, con más de 170 millones de álbumes, sencillos y videos.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW / Rondero’s Medios

“Nunca sé lo que puedo esperar de Burton”: Danny Elfman

CIUDAD DE MÉXICO.- Procedente del aeropuerto y vestido con ropa cómoda, el célebre compositor DANNY ELFMAN arribó al auditorio del museo Franz Mayer para ofrecer una conferencia de prensa, sin aspavientos ni el humo acostumbrado de las estrellas de Hollywood, esas para las cuales ha musicalizado decenas de sus películas como Batman (1989), Beetlejuice (1988) y El Gran Pez (2003) cuyas canciones podrán escucharse en vivo por una gran orquesta el próximo 31 de octubre a las 20:30 horas en la Arena Ciudad de México.

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Sereno y de buen humor, Elfman se dispuso a responder las preguntas de la prensa mexicana. Durante el desarrollo de éstas, pudo adelantar que apenas la semana pasada ha entregado la banda sonora de La Liga de la Justicia y que se prepara para hacer lo propio con Dumbo, la esperada versión live action de su viejo camarada Tim Burton, basada en la legendaria animación de Disney.

Fruto de esa fructífera relación creativa, que inició en 1985 con La gran aventura de Pee-Wee, es que viene a la Ciudad de México a ofrecer un magno concierto en el recinto de Azcapotzalco en el marco de la esperada apertura de la exposición El Mundo de Tim Burton, en el céntrico museo capitalino que abrirá sus puertas en el último mes del año.

“No tengo ideas preconcebidas”

A pregunta expresa de TV & Show, presente en el evento, sobre la primera condición que requiere para hacer el soundtrack de una película, el oriundo de Los Ángeles respondió: “no tengo ideas preconcebidas y no me gusta hacérmelas ni siquiera cuando leo el guión si de lo que veo siento música, maravilloso”.

En cuanto a su relación con los diferentes cineastas con los que ha colaborado, agregó: “Cada director es muy único en la forma en la que te comunicas con él, con Tim Burton no hay ningún proceso intelectual para sus películas; nos comunicamos por medio de la música (…) Llevo treinta y dos años trabajando con él y nunca sé si es la primera de otras o la última”.

Asimismo respondió que le gusta trabajar en casi cualquier género de película, menos en las comedias románticas porque no suelen haber personajes “dañados”, que son con los que se siente más cómodo, salvo en Los Juegos del Destino (Silver Linings Playbook), precisamente por ello.

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Los Simpson, en unas horas; Jack…, meses

También dijo que la icónica pieza de entrada de la famosa serie animada Los Simpson, sólo le tomó de 3 a 4 horas crearla en su estudio personal posterior al llamado de su productor; caso contrario, la música de El extraño mundo de Jack (1993) que le tomó varios meses: “fue un largo procesos desde la desesperación”, gracias a ello logró gran identificación con el personaje de Jack Skellington, también para el cual prestó su voz.

Fue en 2014 cuando Danny Elfman llenó dos veces el Auditorio Nacional. Ahora su concierto estará conformado por la Orquesta Camerata Metropolitana y el Coro En Harmonia Vocalis, así como la paeticipación especial de Jonathan Davis, vocalista del grupo de rock Korn, la soprano mexicana Susana Zabaleta y la solista violín Sandy Cameron.

El director del museo, Héctor Rivero, dijo que nunca en la historia del museo habían albergado una exposición con ese presupuesto ni que acarreara tal expectativa, Adelantó que todo un piso estará dedicado al mundo burtoniano.

Por lo pronto, un singular y fantástico reloj con manecillas que giran en direcciones contrarias, ya avisa que faltan 39 días para el suceso. Abrirá sus puertas el 6 de diciembre y se prolongará hasta el mes de abril del 2018.

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VER 3D3: Las 3 de Danny Elfman

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

TV&SHOW / Rondero’s Medios

3D3: Danny Elfman y Disney Pixar

  • Las 3 de Danny Elfman
  • Los 3 temas de Disney-Pixar
  • Las 3 que suenan en español, inglés e indie/nuevos valores

Daniel Robert Elfman (Los Ángeles, 1953) no sólo cuenta con una reconocida trayectoria en el mundo del cine por sus creaciones para varias célebres bandas sonoras sino por su trayectoria como integrante del grupo. Es el creador del tema de entrada de una serie animada referencial del mundo de la televisión: Los Simpson.

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Su fructífera y famosa relación creativa con el cineasta Tim Burton inició en 1985 a partir de La gran aventura de Pee-Wee. Colaboración que fue extendiéndose en largometrajes como El joven manos de tijera, Alicia en el país de las maravillas,  El gran pez y Charlie, la fábrica de Chocolates y Ojos Grandes hasta la actualidad.

El próximo 31 octubre, la gira de Danny Elfman llega a nuestro país con uno de sus conciertos sinfónicos en la Arena Ciudad de México. Por ello este 3D3 de TV & SHOW, te trae un 3 con lo mejor de su repertorio artístico para el cine.

Otro estreno importante del próximo fin de semana, es Coco, la nueva producción de los Estudios Disney-Pixar que lleva como tema principal la celebración mexicana del Día de Muertos. También te proponemos un 3 con lo mejor de su propuesta musical.

¡Ponle play! 

LAS 3 DE DANNY ELFMAN

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Batman (1989)

Un acariciado proyecto de Tim Burton que sólo se hizo posible tras los indiscutibles éxitos de taquilla de Pee-Wee y Beetlejuice, que le ganaron ser considerado un cineasta “rentable” por los grandes Estudios.

Burton fue el director ideal, en ese momento, para abordar al hombre murciélago y, naturalmente, Elfman quedó como anillo al dedo para comunicar con la música, la espectacularidad de la producción y la particular sordidez del personaje y el mundo gótico con una propuesta totalmente diferente a la serie infantil de los sesenta.

El joven manos de tijera (1991)

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Un modernista cuento de hadas para principios de los noventa (y lo sigue siendo) en medio de una fantasía oscura que representa la cuarta colaboración de Elfman con Burton. Inolvidable el concepto visual de la película que afianzó el estilo de los dos creativos para narrar la historia que confirmó a Johnny Depp como una estrella.

En lo que a Elfman se refiere, muestra a un compositor moldeable que puede adaptarse a las necesidades de cada historia sin renunciar a su sello particular. En la pieza es notoria su inclinación por los coros tanto adultos como infantiles. Le dio una nominación al Grammy de 1992 como mejor canción para cine.

Beetlejuice (1988)

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Desde la aparición del logotipo animado de la productora Geffen al iniciar la película, nos anticipa la historia sombría que nos depara y conforme la orquesta desarrolla va transmitiendo con singularidad la divertida ejecución de la pieza. Elfman digiere géneros para crear un estilo único y grandilocuente. Inolvidable la imagen que la acompaña: un recorrido aéreo por un pueblo para descubrir que se trata de la maqueta de los Maitland.

Una pieza única que identifica extraordinariamente la historia a la que sirve. No era para menos, se trata de un fascinante proyecto que se convirtió en el parteaguas en la carrera de su creador, Tim Burton, y uno de los más recordados de su filmografía.

LAS 3 DE DISNEY-PIXAR

Recuérdame (2017) – Carlos Rivera

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El tema elegido para la presentación en español de Coco, la prometedora nueva apuesta de los estudios de animación de la mano de la legendaria productora. Es interpretada por el mexicano con una carrera en ascenso.

La película dirigida por Lee Unkrich y codirgida por el escritor Adrián Molina, presenta “El Arte de Coco”, una exposición creada y curada por el equipo de Pixar Animation Studios cuya presentación informó TV & SHOW.

Yo soy tu amigo fiel (1995) – Ricardo Murguía

Para 1995, lanzar un proyecto como Toy Story que presentaba animación computarizada, requería de una hazaña frente a la convención de la caricatura stop-motion. La cinta resultó un éxito de taquilla y millones se enamoraron de sus personajes. Fue el inicio de una fructífera trayectoria de historias que hoy forman parte del inconsciente colectivo mundial.

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La versión al español fue interpretada por el actor mexicano de doblaje Ricardo Murguía; más tarde hubo una reversión para la tercera secuela con Aleks Syntek y Danna Paola. La canción narra la relación entre Woody, un juguete vaquero, con su propietario el voluble niño Andy.

Married Life (2009) – Michael Giacchino

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Antes de componer música para el cine, el oriundo de Nueva Jersey lo hizo para los videojuegos. En 2009 crea el que es quizá uno de los soundtracks hollywoodenses de mayor belleza para un largometraje animado: Up, una aventura de altura. Uno de los dos premios Óscar que obtuvo fue precisamente gracias al trabajo de Giacchino en la música.

Esta extraordinaria composición resulta una proeza narrativa pues la secuencia visual que emplea esta pieza musical cuenta de manera contundente y en sólo cuatro minutos el drama de Carl, el protagonista de la historia, de forma absolutamente conmovedora y sin diálogos.

LAS 3 QUE ESTÁN SONANDO (O SONARÁN)

Español:

Funcional – Okills con Daniela Spalla

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La banda venezolana los Okills (ya con residencia permanente en México) forma mancuerna con la cantautora argentina Daniela Spalla para presentarnos su nuevo sencillo con fusión rítmica, cuyo video fue lanzado durante este mes bajo el sello de Universal Music México. Notable escuchar un mood tropicoso con sintetizadores.

Sonido pop pero con propuesta lo que se agradece. El videoclip tuvo como locación el legendario Teatro Fru Fru de la Ciudad de México al que usan de arriba abajo, tanto como la canción transita por diferentes compases. Vale la pena escuchar.

Inglés:

Kids in Love – Kygo con The Night Game

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El DJ y productor noruego Kygo presenta su más reciente sencillo de la mano de la naciente agrupación estadounidense The Night Game. A través de su cuenta en Instagram, ha anunciado el lanzamiento de su álbum completo de nombre homónimo a este sencillo, Kids in Love, para noviembre próximo.

Justo como adelanto, el video-audio de Youtube fue lanzado el 20 de octubre, amenaza con convertirse en un nuevo éxito electro-pop, con de descargas que hagan parecer a los contadores de Spotyfi o Itunes febriles máquinas de casino. Tiene con qué.

Indie / nuevos valores

Bésame – El Otro Polo con  Rawayana

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Deliciosa balada con notables derroches de creatividad y calor latino es la que nos ofrecen venezolanos El Otro Polo y Rawayana en afortunada colaboración. Es también de destacarse el arte del video sin estridencia reggeatonera. Pertenece a su primer álbum “A color”.

Una fusión bossa nova, bolero y reggae llena de detalles sin dejar de tener un beat pop agradable a cualquier oído. Productores de TV: ¿quieren presentar a su audiencia nuevos músicos con talento potencial y sello personal? Aquí tienen una muestra, sí hay. Falta que abran las puertas.

Nos leemos en 3D3 de la próxima semana para seguir compartiendo la mejor música para nuestro playlist.

Por Daniel Lares Muñoz (TW: @dan_lares)

TV&SHOW / Rondero’s Medios

3D3: La música también es ciencia ficción… los mejores soundtracks SCI-FI del cine

La distopía es el término que se emplea en la ficción para referir a una sociedad o mundo futuro que no se desea. Su término adquirió relevancia a partir del clásico literario Farenheit 451 de Ray Bradbury, aunque aún la Real Academia Española no lo ha admitido oficialmente. A veces esa realidad se acerca temerariamente a la de nuestros días. ¿Cómo ha jugado la música en esta misión?

A propósito del estreno de Blade Runner 2049, secuela del clásico de culto de 1982 dirigido por Ridley Scott, te proponemos 3 de las mejores bandas sonoras de películas de ciencia ficción en mundos “distópicos” y 3 de los mejores soundtracks de filmes futuristas.

Descubrirás, o redescubrirás, que estas composiciones no sólo son obras maestras que sonorizan la pantalla grande sino también pueden hacerlo con tu playlist.

 

LAS 3 BANDAS SONORAS SCI-FI DE MUNDO DISTÓPICOS

Ella (2014) – Arcade Fire

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El cartel de esta película, el mismo de la portada del álbum de la banda sonora, nos presenta de frente a su desaliñado protagonista (un extraordinario Joaquin Phoenix) en un medium close up que enfatiza sus ojos azul mar, en una mirada que ahoga el océano de emociones que nadan en él, particularmente una: su melancólico desencanto por la vida.

Todo ello inserto en medio de un mundo futuro apabullantemente tecnificado que lejos de acercar, ha arrinconado a su humanidad a una atribulada soledad. La obra maestra de Spike Jonze, deposita la creación de su soundtrack en una joven agrupación canadiense que en ese momento sólo se le conocía por su buen estilo indie, Arcade Fire.

El resultado compuesto por William Butler y Owen Pallett no pudo ser más sorprendente: un trabajo dotado de una vibrante y estremecedora belleza sin igual. Muestra de ello es esta canción,  Dimensions. Recomiendo no sólo escuchar completo el álbum de estudio, especialmente el piano de Song on the beach.

https://youtu.be/7qJTzUyPEnw

 

2001: Una Odisea en el espacio (1968) – Strauss

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El clásico de culto que revolucionó el cine mundial en todo sentido: a nivel narrativo, técnico y comercial. Largometraje dirigido por el inolvidable Stanley Kubrick en el formato Cinerama, algo equiparable al IMAX de la actualidad. El origen de esta canción es el poema sinfónico Así habló Zaratustra compuesto en 1896 por Richard Strauss, inspirado en la obra literaria de Nietzsche.  Kubrick opta por música clásica en el montaje final sobre la propuesta del multi laureado Alex North.

La historia escrita por Arthur C. Clarke, nos muestra con grandilocuencia una magnífica y espectacular apertura de todo lo que el espacio infinito puede ofrecer. Se dice que la grabación que se escucha fue ejecutada por una orquesta dirigida por el célebre concertista Herbert von Karajan. Cómo olvidar de la música de esta película, el famoso Danubio Azul de Johann Strauss para la danza de la aeronave espacial.

https://youtu.be/QwxYiVXYyVs

 

Blade Runner 2049 (2017) – Hans Zimmer

Si hay un compositor que tiene posibilidades de ganar otro Óscar en su categoría el próximo año, ese es el músico alemán Hans Zimmer (El Rey León), y no sólo por su creación para la secuela de Blade Runner, sino también por otro filme de estreno reciente en cartelera, Dunkerque.

El soundtrack hecho por Zimmer y Benjamin Wallfisch, no sólo respeta (lo que agradecemos los fans de la primera) y evoca la propuesta de Vangelis, sino que crea una propuesta distintiva a partir de ella para la nueva producción a tono con el gran nivel que ofrece la batuta de Denis Villeneuve. Por cierto, este multi premiado músico también crea la música de Interestellar, otro extraordinario filme Sci-Fi reciente. Tears in the rain es un remake de la que suena en aquella mítica escena final del clásico ochentero.

https://youtu.be/F51oRsId124

 

LOS 3 TEMAS DE PELÍCULAS FUTURISTAS

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Blade Runner (1982) – Vangelis

Cierto que este no es el tema principal de esta extraordinaria cinta, una de mis favoritas. Lo también cierto es que su Love’s theme, creación del griego Vangelis, no sólo se ha quedado en la memoria de los cinéfilos como de los más recordados (sino es que el más) de la historia de la inolvidable pareja: Harrison Ford y Sean Young, quienes se dicen y hacen todo con la mirada. Sin duda es uno de los mejores temas, de una de las mejores escenas románticas de la historia del cine.

La combinación de sus sintetizadores (hoy de aire retro) con aspiraciones futuristas y su poderoso y sensual saxofón, dotan a esta composición de una hipnótica capacidad de envolvimiento. En Vangelis no sólo encontramos un excepcional moldeo del espacio en la música, sino de su monumentalidad. Atención, esta escena puede NO contener secuencias de sexo (sí, es posible).

https://youtu.be/iRUD2Daz5q8

 

Volver al futuro (1985) – Alan Silvestri

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Quién de la generación de los millenial para atrás no recuerda esta saga dirigida por Robert Zemeckis. A partir de 1983, por una curiosa anécdota, Silvestri y Zemeckis iniciarían una fructífera relación creativa que tiene en Back to the future uno de sus puntos climáticos.

La partitura de Alan Silvestri logra su efecto, una composición espectacular para la épica aventurera por el pasado y el futuro que han de emprender un extravagante inventor y un inquieto joven a través de un DeLorean adaptado.

https://youtu.be/yLhHEttoJzg

 

La Guerra de las Galaxias (1977) – John Williams

 

 

Uno de los grandes referentes de la cultura pop mundial de nuestros días, de una franquicia que ha dado y sigue dando espectaculares dividendos a partir de precuelas, secuelas y spin-offs. La serie cinematográfica creada por George Lucas designó al compositor estadounidense para esta producción que revolucionaría el cine comercial.

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Hablando de sonido, es a partir de este trabajo que la marca Dolby se posiciona como estándar en la industria por medio del sistema surround. La música de Williams es la clara muestra de la re-popularización de la música sinfónica a través de un medio contemporáneo como el cine que requiere echar mano de todas las bellas artes para materializar en la pantalla una historia.

https://youtu.be/sFvQOc4xS2k

 

LAS 3 QUE ESTÁN SONANDO (O VAN A SONAR)

Español

Te miro y tiemblo – Jarabe de palo

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La agrupación española liderada por Pau Donés que se diera a conocer en la década de los noventa lanza su nuevo y onceavo álbum de estudio. Nos ofrece esta canción, con estupenda letra, que llega a cargar las municiones de los románticos.

No es la primera vez que Jarabe de Palo conquista con su constante inventiva y exploración mediante un sonido único a partir de su propuesta rock alternativo, rock-pop, rock-soft o como se le quiera ver. El álbum lleva por nombre “50 palos” y ya está a la venta.

https://youtu.be/vbrDF5GXnas

 

Inglés

Good old days – Macklemore con Kesha

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El rapero estadounidense hace dueto con la polifacética Kesha para ofrecernos este dúo nostálgico para recordar mejores tiempos. El melódico tema permite notar la capacidad de los dos cantantes, Maclekemore no es sólo un rapero que cante hablando o simule cantar (atención, reggeatoneros).

La canción pertenece a “Gemini”, su nuevo material de estudio, lanzado los últimos días de septiembre de este año.  Seguramente lo escucharemos sonar seguido en la radio. La letra, curiosamente, es autoría de ambos intérpretes. A la fecha ha vendido más de 48 mil copias digitales.

https://youtu.be/1yYV9-KoSUM

 

Indie/nuevos valores

Easy Love – Lauv

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No se trata de un remake de la canción electro-pop de Sigala, lanzada hace un par de años. Es una composición totalmente diferente de título homónimo del joven estadounidense que nos ofrece un sencillo en R&B, con sutiles dosis de rock, estupendos coros y una cuidada grabación.

¿Nace una nueva estrella? El nombre de su álbum, “Lauv”, apunta para a ello pero aún es temprano para saberlo de un cantante con talento que apenas ha debutado dos años atrás. No es un improvisado, se ha graduado en música de la Universidad de Nueva York. Por lo pronto, disfrutemos de esta gran canción lanzada el pasado 5 de octubre en las principales plataformas digitales.

https://youtu.be/e2jMJV6UHWU

¿Qué canción crees que debería completar esta lista de recomendaciones? Gracias por llegar hasta aquí. Nos leemos la próxima semana para seguir contribuyendo a tu playlist, sólo por TV & Show.

POR DANIEL LARES MUÑOZ (Twitter: @danlares)

TV&SHOW / Rondero’s Medios