Beatriz Moreno en “La casa de Bernarda Alba”, en el Teatro Rafael Solana

La obra clásica, última escrita por Federico García Lorca, LA CASA DE BERNARDA ALBA, se estrena este domingo a las 17:30 horas -y del 6 de octubre al 10 de noviembre a las 13:00 horas- en el Teatro Rafael Solana, al sur de la CDMX, bajo la producción y dirección de Miguel Alonso, con las actuaciones de Lucía Guilmáin, Evangelina Martínez y Beatriz Moreno.

DALE CLICK: ENTREVISTA BEATRIZ MORENO A TV&SHOW

A esta producción, todo un clásico teatral, se suman las actrices Jéssica Gámez, Jacqueline Bribiesca, Judith Serrano, Karla Sáenz y Vanessa Marroquín, quienes estarán acompañadas del músico y guitarrista Israel Villalobos, quien musicalizará cada función en vivo.

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LA TRAMA:

La última obra escrita por Lorca, describe a la España de principios del siglo XX como una sociedad violenta, envuelta en el fanatismo religioso y en la que la mujer juega un papel secundario.

UN DATO:

LA CASA DE BERNARDA ALBA es considera la obra maestra de Federico García Lorca, quien murió fusilado por las autoridades franquistas un mes después del golpe de estado con el que inició la Guerra Civil Española.

FOTOS Y VIDEO: LOURDES CÓRDOBA/ EDICIÓN: SAELIM FERNANDO

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“Vincent, girasoles contra el mundo”, el Van Gogh de Mario Iván Martínez

El mayor reconocimiento que obtuvo MARIO IVÁN MARTÍNEZ en su estreno teatral VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO, aparte de la ovación del público que abarrotó el Teatro Helénico, fue la presencia de los actores Héctor Bonilla e Ignacio López Tarso, quien tuvo para el actor una deferencia nunca antes escuchada: “Te admiro Mario… Mario Iván…Te tengo envidia…pura…clara, pero con envidia”.

Para López Tarso, el Van Gogh de Mario Iván Martínez, “es un Van Gogh perfecto, aplaudo y admiro mucho más tus caracterizaciones interiores, lo que sostiene a un personaje”.

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VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO es un deleite teatral, con un montaje escénico creativo, es el proyecto de vida que le llevó a Mario Iván Martínez, junto con su directora Luly Rede, y la producción de Paul Comadurán y Fernando Memije, con la escenografía e iluminación a cargo de Xóchitl González, tres años de ardua investigación, inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental Vincent, pinceladas de un genio de Peter Knaapp y Francois Bertrand, producido por el museo de Orsay, el museo Van Gogh y el Centro Cultural Tijuana.

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Para enriquecer su trabajo, el actor -quien dedicó esta puesta en escena a su madre Margarita Isabel (1914-2017), visitó el año pasado Francia, Holanda e Inglaterra, en lugares donde el célebre pintor realizara la mayor parte de su proceso creativo.

La obra se aleja del mito, acercando al público al hombre con sus virtudes y flaquezas, con sus obsesiones e inagotable inquietud poética, así como la relación intrínseca con su hermano Teo, con el que mantuvo comunicación a través de más de 600 cartas.

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Para Mario Iván Martínez, “Van Gogh no vivió lo suficiente para ver reconocido su talento, pero tampoco habría podido soñar que se convertiría en una fuente de inspiración para posteriores generaciones artistas. Vincent quiso exorcizar el dolor a través de su arte; la pintura fue el impulso vital que le garantizó la redención y su historia es digna de ser contada”.

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UNA FRASE:

“No vivo para mí mismo , sino para la generación venidera. Puedo existir sin el buen Señor, pero no puedo, sin torturarme, dejar de lado algo más grande que yo, que es mi vida, la capacidad de crear”.

REPARTO:

Mario Iván Martínez, Paula Comadurán, Fernando Memije, Luly Rede, Paula Comadurán, y Fernando Memije.

DIRECCIÓN: Luly Rede.

TEMPORADA: Hasta el 23 de septiembre, Teatro Helénico.

FOTOS: Lourdes Córdoba

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“Wenses y Lala”, como la vida misma…

Lejos de efectismos, aparatosas escenografías y nombres de “famosos” que juegan al teatro, una puesta en escena se sale de los parangones, se trata de WENSES Y LALA (Teatro Julio Prieto, antes Xola), con la dupla actoral ADRIÁN VÁZQUEZ y TETÉ ESPINOZA, que no por nada alcanzó 300 representaciones, con tripleta de padrinos de placa: Irene Azuela, Joaquín Cosío y Eduardo España.

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WENSES Y LALA es verse en el espejo desde el más allá, es recorrer la vida misma, es evocar a la pareja que se ama y con la que se complementa. Sentados en una banca casi toda la obra, la dramaturgia y la dirección del mismo Adrián Vázquez, permite al espectador recobrar la fortaleza de espíritu cuando se decide vivir en pareja las buenas, las malas y las peores de la vida: Wenses es valiente, apocado, tímido, sumido en el dolor de la tragedia pero acompañado en todo momento por Lala, viviaracha, alegre, fuerte, entrona, el bastón en el ímpetu por seguir viva y apoyar a su pareja.

Del llanto a la risa franca y hasta la carcajada, el público revive el deleite teatral de la complicidad de una pareja que aprendió de todo en la vida, pero siempre juntos en todas las adversidades, hasta de la muerte de su hijo.

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Teté Espinoza conquista al público con su manejo escénico, con su voz y con sus dotes para la improvisación, para lograr la anhelada interacción que sólo los auténticos profesionales poseen en el escenario.

Sólo resta que una obra como WENSES Y LALA la vea la mayor cantidad de personas, que no deje de recibir los apoyos del FONCA y del IMSS, pese a la Cuarta Transformación.

Por Roberto Rondero / Fotos y video: Lourdes Córdoba

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¡Tercera llamada!: Los premios Tony por Film&Arts a lo mejor del teatro

Este Dominguito Sagrado por la telera nuestra de Film&Arts, se transmitirá la 72@entrega anual de los Premios Tony, a aprtir de las 19 horas, con la presencia de Josh Groban y Sara Bareilles como anfitriones de la ceremonia a lo mejor del teatro.

Los musicales Mean Girls y Bob Esponja: el musical, lideran la competencia con 12 nominaciones a los premios Tony 2018.  

De esta manera y por 18 años consecutivos, la telera de Film& Arts  transmitirá en vivo y en directo el mayor evento de teatro de Broadway.

Los amantes del teatro podrán disfrutar de contenido exclusivo a través de las redes sociales del canal con una cobertura especial de la alfombra roja y entrevistas con grandes estrellas de Broadway.

UN DATO:

●     Sábado 16 de junio a las 21:00 hrs

●     Domingo 17 de junio a las 12:00 hrs

●     Viernes 30 de junio a las 22 hrs

Desde la Biblioteca Pública de Nueva York fueron anunciados los nominados de esta nueva edición, donde producciones inspiradas en éxitos audiovisuales lideran la competencia. “Harry Potter y el legado maldito”, inspirado en el éxito literario y fílmico, “Bob Esponja: el musical”, del show televisivo homónimo, y “Mean Girls”, musical basado en la película de culto “Chicas pesadas”, compiten en al menos 10 categorías distintas. Además, “Frozen”, el mega éxito de Disney® compite por el máximo galardón: “Mejor musical” y mejor musical original por la canción “Let it go”, entre otras.

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LA RELEVANCIA DE LOS REESTRENOS

En la temporada 2018, la obra de texto “Angels in America” (11 nominaciones) y los musicales “Carousel” (11), “My Fair Lady” (10) y “Once on this Island” (8), se posicionan como favoritos de la contienda. Sus personajes y guiones reflejan algunas de las conversaciones sociales de mayor peso de hoy en día. El movimiento #MeToo, el empoderamiento femenino y la discriminación social son algunos de los tópicos que estas grandes piezas abordan.

Entre los talentos nominados se encuentran Andrew Garfield (“Hasta el último hombre”, “Spiderman”) por su labor protagónica y Nathan Lane (“Los productores”, “The Good Wife”) como mejor actor de reparto en “Angels in America”. La soprano Renée Fleming, en su debut sobre Broadway, es reconocida con una nominación como actriz de reparto en musical por “Carousel”. También en esta producción, Jessie Mueller(ganadora al Tony como mejor actriz por “Beautiful”, 2014) compite nuevamente por el máximo galadrón actoral por su trabajo protagónico como la tenaz e imbatible Julie Jordan, una mujer que pelea en contra de la violencia doméstica.

 EL TALENTO LOCAL CONQUISTA BROADWAY

La ceremonia 2018 marca un precedente único: dos argentinos se posicionan como productores de los favoritos de Broadway en la misma temporada. Ricardo Hornos, ganador por “El curioso incidente del perro a medianoche” (2015), compite por las dos estatuillas: mejor reestreno de obra de texto por “Angels in America” y reestreno de musical por “Carousel”. En esta misma categoría, Diego Kolankowsky, productor nominado por “Spring Awakening” (una reversión única con elenco de actores sordomudos), presenta la reposición de “Once on this Island”.

 También, el celebrado actor John Leguizamo compite en la categoría de mejor obra de teatro por “Latin History for Morons” (“Historia latina para idiotas”) de la cual es autor. Además, la trayectoria de Leguizamo como promotor de la discusión de temáticas sociales de inclusión y diversidad cultural le merecen una estatuilla honorífica en esta edición.  El colombiano se ubica junto a Chita Rivera, Andrew Lloyd Webber y Bruce Springsteen, otros homenajeados con el Premio Tony especial a la trayectoria.

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NOMINADOS:

 Mejor musical

The Band’s Visit
Frozen
Mean Girls
Bob Esponja: el musical

 Mejor obra de teatro

The Children por Lucy Kirkwood
Farinelli and the King por Claire van Kampen
Harry Potter y el legado maldito por Jack Thorne
Latin History for Morons por John Leguizamo
Junk por Ayad Akhtar

Mejor reestreno de musical

Carousel
My Fair Lady
Once on This Island

Mejor reestreno de obra

Angels in America
The Iceman Cometh
Lobby Hero
Three Tall Women
Travesties

Mejor actor principal en musical

Harry Hadden-Paton, My Fair Lady
Joshua Henry, Carousel
Tony Shalhoub, The Band’s Visit
Ethan Slater, Bob Esponja: el musical

 Mejor actriz principal en musical

Lauren Ambrose, My Fair Lady
Hailey Kilgore, Once on This Island
LaChanze, Summer: The Donna Summer Musical
Katrina Lenk, The Band’s Visit
Taylor Louderman, Mean Girls
Jessie Mueller, Carousel

Mejor actor principal en obra de teatro

Andrew Garfield, Angels in America
Tom Hollander, Travesties
Jamie Parker, Harry Potter y el legado maldito
Mark Rylance, Farinelli and the King
Denzel Washington, The Iceman Cometh

Mejor actriz principal en obra de teatro

Glenda Jackson, Three Tall Women
Condola Rashad, Saint Joan
Lauren Ridloff, Children of a Lesser God
Amy Schumer, Meteor Shower

Mejor actor de reparto en musical

Norbert Leo Butz, My Fair Lady
Alexander Gemignani, Carousel
Grey Henson, Mean Girls
Gavin Lee, Bob Esponja: el musical
Ari’el Stachel, The Band’s Visit

 Mejor actriz de reparto en musical

Ariana DeBose, Summer: The Donna Summer Musical
Renee Fleming, Carousel
Lindsay Mendez, Carousel
Ashley Park, Mean Girls
Diana Rigg, My Fair Lady

Mejor actor de reparto en obra de teatro

Anthony Boyle, Harry Potter y el legado maldito
Michael Cera, Lobby Hero
Brian Tyree Henry, Lobby Hero
Nathan Lane, Angels in America
David Morse, The Iceman Cometh

Mejor actriz de reparto en obra de teatro

Susan Brown, Angels in America
Noma Dumezweni, Harry Potter y el legado maldito
Deborah Findlay, The Children
Denise Gough, Angels in America
Laurie Metcalf, Three Tall Women

Mejor coreografía

Christopher Gattelli, My Fair Lady
Christopher Gattelli, Bob Esponja: el musical
Steven Hoggett, Harry Potter y el legado maldito
Casey Nicholaw, Mean Girls
Justin Peck, Carousel

Mejor música original

Adrian Sutton, Angels in America

Kristen Anderson-Lopez and Robert Lopez, Frozen
Jeff Richmond and Nell Benjamin, Mean Girls
David Yazbek, The Band’s Visit
Yolanda Adams, Steven Tyler and Joe Perry of Aerosmith, Sara Bareilles, Jonathan Coulton, Alexander Ebert of Edward Sharpe & the Magnetic Zeros, the Flaming Lips, Lady Antebellum, Cyndi Lauper, John Legend, Panic! at the Disco, Plain White T’s, Tom Kenny and Andy Paley, They Might Be Giants, T.I., David Bowie and Tom Kitt, Bob Esponja: el musical

 Mejor guion

Tina Fey, Mean Girls
Kyle Jarrow, Bob Esponja: el musical
Jennifer Lee, Frozen
Itamar Moses, The Band’s Visit

Mejor dirección de musical

Michael Arden, Once On This Island
David Cromer, The Band’s Visit
Tina Landau, Bob Esponja: el musical
Casey Nicholaw, Mean Girls
Bartlett Sher, My Fair Lady

Mejor dirección de obra de teatro

Marianne Elliott, Angels in America
Joe Mantello, Three Tall Women
Patrick Marber, Travesties
John Tiffany, Harry Potter y el legado maldito
George C. Wolfe, The Iceman Cometh

Mejor orquestación

John Clancy, Mean Girls
Tom Kitt, Bob Esponja: el musical
AnnMarie Milazzo and Michael Starobin, Once On This Island
Jamshied Sharifi, The Band’s Visit
Jonathan Tunick, Carousel

 Mejor vestuario en musical

Gregg Barnes, Mean Girls
Clint Ramos, Once On This Island
Ann Roth, Carousel
Paul Tazewell, Summer: The Donna Summer Musical
David Zinn, Bob Esponja: el musical
Catherine Zuber, My Fair Lady

 Mejor vestuario en obra de teatro

Jonathan Fensom, Farinelli and the King
Nicky Gillibrand, Angels in America
Katrina Lindsay, Harry Potter y el legado maldito
Ann Roth, The Iceman Cometh
Ann Roth, Three Tall Women

 Mejor diseño escénico de musical

Dane Laffrey, Once On This Island
Scott Pask, The Band’s Visit
Scott Pask, Finn Ross and Adam Young, Mean Girls
Michael Yeargan, My Fair Lady
David Zinn, Bob Esponja: el musical

 Mejor diseño escénico de obra de teatro

Miriam Buether, Three Tall Women
Jonathan Fensom, Farinelli and the King
Christine Jones, Harry Potter y el legado maldito
Santo Loquasto, The Iceman Cometh
Ian MacNeil and Edward Pierce, Angels in America

 Mejor diseño de iluminación de musical

Kevin Adams, Bob Esponja: el musical
Jules Fisher and Peggy Eisenhauer, Once On This Island
Donald Holder, My Fair Lady
Brian MacDevitt, Carousel
Tyler Micoleau, The Band’s Visit

 Mejor diseño de iluminación de obra de teatro

Neil Austin, Harry Potter y el legado maldito
Paule Constable, Angels in America
Jules Fisher and Peggy Eisenhauer, The Iceman Cometh
Paul Russell, Farinelli and the King
Ben Stanton, Junk

 Premio Tony especial por trayectoria

Chita Rivera

Andrew Lloyd Webber

Bruce Springsteen

John Leguizamo

 

  Cantidad de nominaciones por producción

Mean Girls – 12
Bob Esponja: el musical: The Musical – 12
Angels in America – 11
The Band’s Visit – 11
Rodgers & Hammerstein’s Carousel – 11
Harry Potter y el legado maldito, partes 1a y 2da – 10
My Fair Lady – 10
Eugene O’Neill’s The Iceman Cometh – 8
Once On This Island – 8
Edward Albee’s Three Tall Women – 6
Farinelli and The King – 5
Travesties – 4
Frozen – 3
Lobby Hero – 3
The Children – 2
Junk – 2
Summer: The Donna Summer Musical – 2
Children of a Lesser God – 1
Latin History for Morons – 1
Meteor Shower – 1
1984 – 1
Saint Joan – 1

¿DÓNDE VERLO?

 El canal Film & Arts puede verse en México por: AxtelTV (625),  Totalplay (494), Sky (427  y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

Sitio web: www.filmandarts.tv

Facebook: FilmAndArtsTV

Twitter: @FilmAndArtsTV

Instagram: @filmandarts.tv

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Luto en el teatro mexicano: falleció Fela Fábregas

Junto a su esposo Manolo Fábregas, FELA vivió el teatro intensamente, codo con codo, con la emoción y la incertidumbre en cada obra, en cada musical. Originaria de Nuevo Laredo, FELA FÁBREGAS falleció este día de un paro cardiorrespiratorio a los 87 años. Entre ambos, con cinco hijos (Manuel, Virginia, Martha, Rafael y Mónica Sánchez Navarro, forjaron todo un emporio teatral.

En una entrevista realizada por El Siglo de Torreón, FELA FÁBREGAS compartió con el público algunas vivencias y recuerdos de quien fuera su compañero y esposo Manolo Fábregas:

“Aún no cumplía yo 17 años y coincidí con él en el elevador de un hotel, en Monterrey. Yo estaba de paseo con mi abuelo y con una amiga. Me pareció guapísimo, y creo que también le gusté porque a los pocos minutos se comunicó por teléfono. Habló con mi abuelo, le pidió permiso para que nos dejara salir y le dijo que Pituka de Foronda, que andaba con él de gira, podía hacerla de chaperona”.

¿Él la hizo de asalta cunas?

Ja, ja. Los hermanos Rojo (Rubén y Gustavo) le decían que era un robachicas, porque me llevaba 10 años.

Imagine que está en “El diluvio que viene” y que don Manolo le pregunta: “¿Qué ha pasado en 13 años, Fela?”.

Antes que nada: “Me has hecho mucha falta”. Después le platicaría que los teatros siguen vigentes y que he conservado las fuentes de trabajo que creamos.

¿Es machista eso de que atrás de todo gran hombre hay una gran mujer?

Sí. Yo no estaba atrás de Manolo, sino a su lado.

¿Es cierto que usted decidía elencos?

No. Él conocía mejor a los actores. Alguna vez llegaba a sugerir un nombre, pero él siempre decidió.

Su esposo decía que usted era más valiente que él.

Cuando hizo su primera gira por Sudamérica, él tenía miedo de que le fuera mal y perdiéramos nuestros ahorros. En ese tiempo teníamos una casa en el Pedregal y yo le dije: “Que tu límite de pérdida sea esa casa”. Hizo la gira y todo salió bien.

Su lema era “Hágase lo que deba aunque se deba lo que se haga”.

El que decía eso era el esposo de su abuela Virginia, y Manolo hizo suya la frase.

¿Nunca tuvo celos de Doña Lencha?

Ja, ja. Mientras rodaban Lagunilla mi barrio, Lucha Villa me hablaba para decirme en broma: “Ahorita es más mi marido que de usted”.

¿El éxito trae envidias?

¡Uffffff !

¿Qué porcentaje de lucidez perdió su esposo con el infarto cerebral de 1987?

No perdió lucidez. Luego de la terapia, sólo tenía rafaguitas de olvidos o errores de dicción. Él me decía que le buscara una obra en la que no tuviera que hablar mucho, pero no quise arriesgarlo; preferí que la gente se quedara con la impresión del Manolo en plenitud: el de Mi bella dama, El diluvio que viene, Violinista en el tejado y muchas otras.

Descanse en paz FELA FÁBREGAS.

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“Last Man Standing”: lo posdramático y la posverdad

POSTVERDAD, POSTOCCIDENTE, POSTORDEN,  es el título que lleva el documento de la Conferencia de Seguridad de Múnich 2017, que anticipaba en los albores de ese año, el establecimiento de un nuevo orden mundial a partir del fin del imperio liderado por occidente, frente a la consolidación de China (con Rusia como aliado militar) y antecedido por una dinámica revolucionaria de la información, a partir de la preponderancia de las plataformas digitales.

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Emerge el mundo de las fake news (noticias falsas) en donde la gente se suele extraviar entre información inducida, reportajes automatizados en redes sociales y propaganda pasada por información periodística con intencionalidad política. Una de las grandes paradojas de nuestro tiempo es que pese al mar de información en frente, el individualismo de la conducta social ha tenido éxito en hacer a un ciudadano actual que tiende a reducir sus referentes no sólo a lo ya conocido sino a lo que quiere ver, que no es necesariamente lo que es. Frente a esos ojos, se hace indistinguible la realidad simulada.

Aquí aparece “un simulacro boxístico para actores”, creación colectiva de la compañía Teatro Sin Paredes y dirigida por David Psalmon, que estrenó temporada el pasado 8 de marzo en el Centro Cultural del Bosque de la capital. Se han dado a la tarea de generar una propuesta que nos invita mediante un trabajo escénico experimental, a diferenciar lo real de un deporte popular en México como el boxeo (donde se supone que gana el mejor) y el “simulacro” de lo teatral.

Para ello, la literalidad del guion debe trascenderse y dar paso a lo no previsto. Curioso es que el teatro finalmente reclame la legitimación de su verdad y que lo “real” del boxeo, pueda terminar siendo “teatral”, en el concepto popular referido a esta palabra como algo montado, exagerado o “no real”. Ahí reside uno de los puntos del posdramatismo del montaje. La didáctica de la obra no pretende sentenciar cánones morales sino provocar, al menos durante la función, a que el público abandone su pasividad y su condición de simple espectador. Que decida sobre aquello que lo implica.

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Con solvencia el cuadro de actores nos presenta el interesante desarrollo de esta tesis. Hay cuatro hombres (Gilberto Barraza, Rubén Olivares. Miguel Ángel Barrera, y Christian Diez) y una mujer (Carmen Coronado) para representar también ese saldo pendiente con la equidad de la escena pública y extra teatral de hoy. El discurso es poderoso y vigente aunque quizá las múltiples líneas argumentales extienden demás la trama, por lo que echamos de menos un trabajo de mayor síntesis. Aun así, vale la pena verlo.

Agradecemos la experimentación y que suban al ring los diferentes temas que tiene particular relevancia en un contexto de efervescencia electoral en nuestro país donde el elector, el público de esta arena boxística, no puede permanecer sólo en la expectación del espectáculo. Tiene que discernir y decidir.

El final de la obra se abre: no se trata de rudos y técnicos (que hasta en la lucha libre nacional actual ya hay técnicos que actúan como rudos). No hay polaridad maniquea, de blancos y negros absolutos, los estereotipos que languidecen en los anacrónicos melodramas televisivos al aire. La opción A se deriva en algo pero pierde en otro; la opción B gana en otro sentido no sin daños colaterales. En ambas, el espectador debe hace conciencia sobre la toma de decisiones, que implican riesgos, y en ellas se revelan sus convicciones morales, ideológicas y (pre) juicios de valor.

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No deje pasar la oportunidad de subirse a este ring y probarse.

¿DÓNDE VERLA?

Título: Last Man Standing.

Idea original y dramaturgia: Jorge Maldonado.

Dirección: David Psalmon.

Actúan: Gilberto Barraza, Rubén Olivares. Miguel Ángel Barrera, Carmen Coronado y Christian Diez.

Teatro: Xavier Rojas “El Granero”, Centro Cultural del Bosque (atrás del Auditorio).

Funciones: jueves, viernes y sábado: 19:00 y domingos: 18:00 horas (hasta abril 22)

Localidades: $150 pesos general, jueves $30 pesos, Gente de Teatro $45 pesos.

POR DANIEL LARES MUÑOZ

@daniel_lares

Fotos: FanPage Last Man Standing

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“La casa de las amapolas” y la poesía escénica

Para el pasado sábado 20 de enero, los miembros del Comité de Selección y Análisis del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro ya habíamos visto 29 obras. Los fines de semana se programan desde el mediodía, de 4 a 5 funciones. Imaginará el lector que en el tránsito de este maratón teatral, resultan unas obras mejores que otras. Para la penúltima función de ese día, junto con el público, ya hemos visto 3 y estamos esperando algo que sorprenda. Llega LA CASA DE LAS AMAPOLAS.

Se anunciaba en el programa de mano oriunda de un estado, Nayarit, que no suele tener resonancia en el quehacer teatral del ámbito nacional. Añado otro dato: la compañía La Comuna Teatral venía encabezada por una actriz (Eunice de la Cruz), quien lleva además el crédito de dramaturgia y dirección. Tamaño paquete, del que pocos, muy pocos, terminan bien librados.

La obra nos presenta la vida de Inés, una joven mujer que en medio de un idilio amoroso con su novio, es víctima de secuestro para ser trasladada a una casa de prostitución que la condena a sufrir toda suerte de infortunios y vejaciones a manos de Morsa, su proxeneta y antiguo amor. mientras que su madre (como lamentablemente tantas en este país) emprende una lucha incesante para encontrarla.

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En una Pieza de una hora y con tres personajes, ha quedado de manifiesto el desbordante talento de Eunice de la Cruz. Un trazo escénico tan sencillo como pulcro dotado de los detalles más sutiles. La tosquedad como la delicadeza; la perversión como la ingenuidad conviven en la configuración de unos personajes de claroscuros y tridimensionalidad que conmueven.

La obra no se queda en la denuncia, trasciende de ella para confrontarnos con una realidad dolorosa desde la carne trémula de la experiencia viva y personal de Inés. La puesta en escena es de una violencia poética estremecedora, ¡es teatro!

Y todo en la propuesta de la nayarita está justificado, desde el lenguaje soez del universo del personaje (del que otros abusan hasta el colmo) hasta el cadencioso y lúgubre cambio de una víctima de la violencia (ante una justicia institucional ausente) que no requiere descripciones grotescas. Estamos frente a un drama social desgarrador.

Un sincero reconocimiento también para Humberto Rochez, Zay Negrete y el equipo de la Comuna Teatro. ¿Estará apreciando el estado de Nayarit esta joya teatral? Espero que sí, y que no corra con la misma suerte de tantos otros trabajos en su tipo alrededor de la república.

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Aquí descubrimos ese otro teatro de ese otro México con calidad, voz propia y autenticidad que debe verse (y vivirse) en todo el país. Más allá de lo teatral, para que, en una época de relectura del papel de la mujer y en un año en que nuestro país se debate entre seguir viendo hacia otro lado o confrontarnos con nuestros peores demonios, hagamos conciencia y emprendemos el exorcismo. ¿Nos redimimos o seguimos dentro de LA CASA DE LAS AMPOLAS?

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Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares). Fotos: Yadira Andrade Viosca

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Dominguito Sagrado con Lang Lang y el estreno por Film&Arts de “El vestidor”

Sendos estrenos en este Dominguito Sagrado por la telera nuestra de FILM&ARTS, donde la música, el cine y el teatro unen talentos como el de LANG LANG en su concierto RAPSODIA EN NUEVA YORK (21 horas), y la puesta en escena EL VESTIDOR (22 horas), con la dupla actoral Anthony Hopkins-Ian McKellen.

La indescriptible magia de la Ciudad de Nueva York dispara la imaginación del pianista de fama internacional LANG LANG en este concierto surgido de su álbum New York Rhapsody. “Hice este álbum porque quería rendir homenaje a la ciudad que adoro,” dice Lang Lang. “Esta ciudad ha cambiado el curso de la música más que cualquier otra en los últimos cien años. Me ha inspirado y enriquecido enormemente, y se ha convertido en mi hogar cuando estoy fuera de casa.”

Nueva York siente algo parecido por Lang Lang, ya que fue nombrado embajador cultural de turismo de NYC, el primero en la historia. Este nombramiento llega de la mano de NYC and Company en el “Año Turístico de China y EU”, señalado por el Presidente chino Xi Jinping y el entonces Presidente de EU, Barack Obama.

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La pieza principal del álbum es la interpretación de “Rhapsody in Blue” de Gershwin con Lang Lang y el legendario músico de jazz ganador de múltiples Grammys Herbie Hancock en una versión a dos pianos dirigida por John Axelrod con la Orquesta Sinfónica de Londres.

New York Rhapsody cuenta con importantes colaboraciones que re-imaginan canciones que reflejan los diversos estados de ánimo y experiencias que ofrece Nueva York.

Junto a Lang Lang se encuentran famosos artistas como Rufus Wainwright, Suzanne Vega, Kurt Elling, Regina Spector, Jerry Douglas y estrellas en ascenso como la cantante nominada al Grammy Andra Day, la violinista Lindsey Stirling que se une al pianista en una extraordinaria versión del tema “Síder Mar” y el trompetista ganador del Grammy Sean Jones, con quien Lang Lang interpreta el clásico “Tonight” de West Side Story compuesto por Leonard Bernstein. Además, una orquesta de 30 músicos con dirección musical de David Lai.

Y en estreno exclusivo para Latinoamérica, la cinta EL VESTIDOR, con las actuaciones estelares de Anthony Hopkins e Ian McKellen, dos ex discípulos de Laurence Olivier que, sin importar el proyecto, trabajan a un nivel que no es accesible para la mayoría de los mortales, según ha reseñado Los Ángeles Time. 

Se trata de una adaptación de la obra de teatro The Dresser, realizada por Ronald Harwood en 1980: durante la Segunda Guerra Mundial, en la que un grupo de teatro intenta sacar adelante una representación de “El rey Lear”. Un decadente actor shakesperiano y su ayudante mantienen una extraña relación que oscila entre la devoción y el resentimiento. El actor, entregado en cuerpo y alma a su profesión, vive obsesionado por mantener en pie su compañía pese a todas las dificultades. Su ayudante, que es también un apasionado del teatro, vive a merced de las delirantes exigencias del actor. Los bombardeos alemanes contra Inglaterra sirven de telón de fondo a esta historia.

UN DATO:

THE DRESSER, Reino Unido, 2015. Dir.: Richard Eyre. Con Anthony Hopkins,  Ian McKellen,  Emily Watson,  Sarah Lancashire,  Vanessa Kirby, Edward Fox,  Tom Brooke,  Ian Conningham. Drama de época. 104’. Calif.  13

 ¿DÓNDE VERLOS?

Film & Arts puede verse en los canales: 430 Cablevision Monterrey, 430 Izzi, 427 Sky, 430 Cablemás, 494 Totalplay, 197 Megacable, 625 AxtelTV; y con los principales cableoperadores de la República Mexicana y Latinoamérica.

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¡Feliz cumple! Miguel Sabido: 80 años

Como debía ser para un productor, director, dramaturgo y promotor de la cultura, las artes, la televisión y el teatro, la celebración por su cumpleaños 80 de MIGUEL SABIDO, no podía ser una fiesta normal; por el contrario, fue todo un “happening” rodeado de sus amigos más cercanos, de su inseparable hermana Irene, de los “locos, histéricos, desesperados, los fuera de sí amantes del teatro, pero eso sí, somos ¡maravillosos!, ¡Viva la gente de teatro!”, fue lo que exclamó el productor, antes de realizar todo un performance, a cargo de actrices y actores que lo han acompañado en su ya larga y prolífica carrera.

Aquí puedes ver el video onomástico 80 Miguel Sabido

TV&SHOW compartió con MIGUEL SABIDO su celebración, la que incluyó fragmentos de algunas de sus obras más representativas, como “Conquista”, “El diario de Juana la Loca”, el “monólogo de Sor Juana”, a cargo de actrices como Martha Zavaleta, Gerardo Mayol, Carmen Delgado, Julio Gómez, Lourdes Garza, entre otros, y de amigos de toda su vida, como el también productor Miguel Ángel Herros.

“Me siento abrumado de felicidad”, dijo Sabido a TV&SHOW, mientras se preparan varios homenajes a su vida y obra.

Fotos y video: Lourdes Córdoba / TV&SHOW 

 

 

“Días de Teatro”, al fin por la telera abierta y pública de Canal 22

Después de varios años, al fin con DÍAS DE TEATRO (Canal 22, próximo lunes 20 de noviembre, 22 horas) nace un programa por la telera nuestra, abierta y pública de cada día dedicado a las artes escénicas, lo que ninguna televisora ha incluido pese a la extensa oferta y demanda del teatro mexicano, no solo comercial.

¿Cuál es el pionero de los melodramas televisivos?, ¿cómo acercar al público actual al teatro por medio de la televisión?, ¿cuáles son las obras dramatúrgicas más representativas? DÍAS DE TEATRO es el nuevo programa de Canal 22 que  apuesta por una nueva forma de mostrar esta expresión artística, a partir de este lunes 20 de noviembre, a las 22:00 horas.

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A manera de micro teatro, este programa busca fomentar el interés en dicha arte escénica a través de un espacio televisivo que dé cabida y testimonio de los diferentes aspectos del teatro en México y el mundo.

A lo largo de 13 episodios el crítico y periodista, Fernando de Ita, será el encargado de guiar al televidente a través de una revisión histórica de la actividad teatral como una manera de situar y entender estas manifestaciones en el presente.

 Al mismo tiempo, cada capítulo estará dedicado a un tipo de teatro, con la finalidad de representar fragmentos de las puestas en escena más representativas de la historia dramatúrgica, desde las obrasMacbeth y Ricardo III de Shakespeare, hasta Las tres hermanas, de Anton Chéjov, Antígona, de Sófocles y Bodas de sangre, de Federico García Lorca, pasando por el humor en los escritos de Jorge Ibargüengoitia y Eugene Ionesco. 

Algunos de los ejes temáticos de dicho proyecto son: el clásico del teatro estadounidense, Un tranvía llamado deseo; los mecanismos de poder que afectan la intimidad de pareja; el matrimonio; el teatro de carpa; clásicos de la tragicomedia y las diferencias clasistas dentro de la sociedad, entre otros.

 DÍAS DE TEATRO es un espacio dedicado a revivir al teatro a través de la telera nuestra de cada día.

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De teatro: “Enemigo del pueblo” o la democracia de la ignorancia

La Compañía Nacional de Teatro repone, en breve temporada hasta el 19 de noviembre, el clásico de Henrik Ibsen, ENEMIGO DEL PUEBLO, en el teatro Julio Castillo. Escrita hace más de 130 años, la relectura que ofrece David Gaitán germina en una obra con la que cualquier ciudadano del mundo, y particularmente de este país, tendría que confrontarse.

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“¿De qué sirve tener razón si no se tiene el poder?”

Un balneario se ha abierto en el pueblo y con la llegada de los visitantes, sus pobladores parecen vivir bonanza económica. El médico de la localidad, Luis Stockman, es un hombre voluntarioso y de malas formas pero dueño de una aguda inteligencia que a través del único periódico existente, pone en jaque constante a la autoridad representada en el alcalde del pueblo, quien es su hermano. Stockman hace un incómodo descubrimiento respecto al balneario que los pondrá en la disyuntiva de si es posible que una pregunta tenga dos respuestas aparentemente éticas, pero contradictorias.

“Confundimos la uniformidad con democracia”

Henrik Ibsen (1828-1906) fue un célebre dramaturgo noruego dentro del género del realismo. De entre sus obras más importantes que se continúan montando alrededor del mundo en diferentes idiomas están (además de El enemigo del pueblo): Hedda Gabler, Espectros y, quizá el parteaguas de su carrera teatral, Casa de muñecas.

Es esta última un cuestionamiento a las convenciones del matrimonio, que detonó en un escándalo tras su estreno (1879). Precisamente la adaptación mexicana de 1954 para el cine de Alfredo B. Crevenna, con Marga López y María Douglas en el reparto, modifican el final del original para cumplir con los cánones morales de la época. El director de esta puesta no comete aquél atropello con su versión de Enemigo del pueblo.

Al atractivo de un sólido reparto (un extraordinario Luis Rábago a la cabeza) habría que agregar la oportunidad de ver un trabajo de estreno reciente firmado por el legendario Alejandro Luna en la iluminación y escenografía que potencia el trabajo de su director. Afortunada simbiosis la experiencia + juventud ha resultado la mancuerna Luna-Gaitán, de quien hay que añadir que tampoco es un novato en los escenarios.

David Gaitán (1984), cuyo trabajo anterior es la estupenda versión del clásico griego, Antígona, estrenada durante 2015 por Teatro UNAM en el Juan Ruiz de Alarcón, tuvo una reposición justo hace un par de meses también en el Julio Castillo. Tras su estreno en el Teatro del Centro Nacional de las Artes, llega al recinto de mayor aforo del Centro Cultural del Bosque. La CNT no se ha equivocado en confiar en Gaitán.

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“En este mundo hay más mezquinos que mediocres y sensatos”

Es verdad que al principio a la obra le cuesta un poco arrancar, pero una vez que el conflicto está aclarado la obra camina sola, y jamás suelta al público al que se le va como agua su más de hora y media de duración en un solo acto. Depende del cristal con que se mire, pero Enemigo del pueblo puede resultar intensa, apasionante o al menos interesante, incluso para un público no habituado a este tipo de teatro.

Precisamente, se agradece que a diferencia de tratamientos soporíferos como el Hamlet del año pasado en el Foro Sor Juana (También de Teatro UNAM por los tiempos del Antígona de Gaitán), el de Enemigo del Pueblo se preocupe por actualizar de verdad el texto para que el público entienda la relevancia de lo planteando y participe de éste: lo cual es determinante para la contundencia de lo que aquí se denuncia.

¿Estamos a la altura de las utopías que fantaseamos?

Las pistolas de burbujas, habilitadas entre las butacas, no sólo contribuyen en la tarea estética de exponer la frivolización mediática de la ‘verdad’ sino en evidenciar al público respecto de su genuina postura ante ello. Y a través de reconfigurar a Stockman (respecto del original) por uno de carácter más agrio y provocador frente al público, refleja cómo la verdad documentada no sólo puede resultar grotesca y áspera para la sociedad (¡Oh, “Casas Blancas”!) sino que es susceptible de alterarse.

Dentro del programa de mano, el director incluye referencias bibliográficas en las que se ha apoyado para construir el tratamiento de su puesta en escena lo cual no sólo es un aporte informativo sino didáctico para quienes deseen profundizar en los temas que se plantean en la escena.

No deje pasar la oportunidad de ver esta propuesta.

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MÁS DATOS:

Título: Enemigo del pueblo.

Dramaturgia: Versión de David Gaitán de la obra de Henrik Ibsen.

Dirección: David Gaitán.

Actúan: Luis Rábago, Amanda Schmelz, Antonio Rojas, Miguel Cooper / Juan Carlos Remolina, Astrid Romo, David Calderón León.

Teatro: Julio Castillo (Centro Cultural del Bosque).

Admisión: 150 pesos general, jueves 30 pesos, descuentos a Gente de Teatro, maestros e Inapam. *Disponible venta de boletos por el sistema Ticketmaster.

Funciones: Jueves y viernes, 20:00 hrs., sábado 19 hrs., domingo 18 hrs. Hasta el 19 de noviembre.

Duración: 100 minutos aproximadamente.

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

Fotos: Sergio Carreón Ireta/ CNT

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Estreno teatral “Del manantial del corazón”…del corazón de Yucatán

El olor a incienso y copal inunda el espacio cuya composición delata el costumbrismo que nos espera. Cuatro cruces vestidas con huipiles mayas a las que corresponden mesas con altares, enmarcan el espacio. Al centro un mueble rectangular tejido en mimbre. Mujeres en huipil y concentradas en rezos, llevan consigo la contradicción del mestizaje.

 

“Una mujer a la que le matan un hijo, es muy propensa a quedar loca”

Le obra discursa en la pérdida de un hijo desde la óptica de un grupo de mujeres mestizas de la zona maya yucateca, con su particular visión, ingenuidad, candidez, y desde sus prejuicios y su ignorancia. Si ser mujer en las urbes de hoy todavía presenta condiciones hostiles en muchas áreas, lo que expone la puesta en escena nos evidencia lo que ocurre en las comunidades rurales e indígenas.

Y aunque la obra denuncia, hasta el espectador menos habituado al teatro se engancha porque lo hace con un lenguaje sencillo entre el humor y el drama social con ciertas dosis de melodrama desde amor maternal (atención al chairismo que cree que el género es el problema de la telenovela mexicana).

Conchi León ante ello, emplea recursos que nos remiten al teatro regional (mezcla entre carpa y show de variedades) tan popular en su estado, que impuso la dinastía Herrera, particularmente a través de su máxima estrella, el inolvidable Héctor Herrera “Cholo” fallecido en 2010. León vacila al límite de cruzar hacia el regodeo cómico en el que suelen caer algunos actores en este contexto. Ante ello acierta en no caricaturizar.

Sin embargo, gracias a la solidez de la propuesta escénica, la obra sale avante porque la chabacanería le aporta identidad.  Los silencios medidos y la energía de las palabras no dejan de evocar cosas. Al espectador se le lleva hábilmente en una montaña rusa de emociones que hace a Desde el… especialmente conmovedora.

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“¿Quién les da derecho a decidir cuánta vida hay en una vida?”

En Yucatán, como en los estados del sureste, las mestizas conviven dentro del cuadro de la vida cotidiana, aún en las zonas de mayor concentración urbana como Mérida, lo que no sucede en todos los estados con sus grupos étnicos.

Desde Mestiza Power, León ha discursado sobre el papel de esas mujeres en la sociedad actual y cada vez se lo nota mayor maestría. Además del espectáculo y del siempre atractivo formato de tener al público sobre el escenario (cuando se presentan en espacios a la italiana) la obra ofrece la interacción lúdica con la cosmovisión maya  a través de rituales como el hetzmek (bautizo) que resulta novedoso sobre todo para públicos lejanos geográfica y culturalmente con ese otro México del que se sabe muy poco.

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             Yucatán, el microcosmo del “otro” teatro

Conchi León, junto con Raquel Araujo, es quizá de las figuras yucatecas con mayor notoriedad de la actualidad en la escena teatral nacional más allá que no dejan el quehacer en su estado, que se los posibilita. Nos alegra especialmente que sean mujeres.

Sin demérito de su trabajo, ello refleja lo variopinto de las condiciones para que en cada estado los artistas logren regularidad en su producción. Sin duda no es lo mismo Nuevo León (o Yucatán), que Durango o Campeche y ello depende en buena medida no sólo del gobierno federal sino, particularmente, de las Secretarías de Cultura de los Estados.

No hablamos de un asunto de talento, que en cualquier lado lo encontramos de maneras incluso sorprendentes. En mi experiencia personal, lo antes dicho se explica desde la visión y ejecución de una política cultural (cuando verdaderamente existe): a mayor dinámica vertical gubernamental (por no llamarle cacicazgo), mayor mecenazgo totalitario y carácter “eventual” se le confiere a la actividad cultural, por más festivales y pirotécnica publicitaria que hagan.

Por el contrario, a mayor co-participación exigida al artista, consistente en responsabilidad compartida (con rentabilidad socio-cultural) a cambio de recursos, gestión y reconocimiento, mayor y más regular es la producción local. Ello también depende del desarrollo de la iniciativa privada regional y su participación en los servicios culturales. Por otro lado, para que sea oferta sea “buena”, depende primordialmente de la formación del público.

Yucatán, con sus luces y sombras, es una muestra de una política cultural que lleva rumbo desde hace un buen tiempo; acierto de Teatros de Ciudad de México que retoma lo que vale la pena. En TV & Show nos congratulamos de que esta compañía nos regale un trabajo que, en efecto, emana del corazón.

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Datos:

Título: DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN

Dramaturgia y dirección: Conchi León.

Actúan: Conchi León, Addy Teyer, Randia Escalante, Lourdes León y Gaby Varela Michelle.

Lugar: Teatro Sergio Magaña (Sólo hasta el 15 de octubre).

Funciones: (viernes 6, sábado 7, domingo 8, jueves 12, viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de octubre): jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en el Teatro Sergio Magaña, (Santa María La Ribera, Metro San Cosme).

*Posible traspaso al Teatro Benito Juárez para conclusión de temporada al 22 de octubre.

Admisión: 141 pesos, entrada general, 50 por ciento de descuento a estudiantes, maestros, militares, trabajadores de gobierno e INAPAM.

Duración: 70 minutos aproximadamente.

La programación de Teatros CDMX está disponible y se actualiza en: http://www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. También cuenta con app (Android e iOS) “TeatrosCDMX”.

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Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

FOTOS: Cortesía de la Producción. TV&SHOW / Rondero’s Medios

“Éramos tres hermanas”, la resistencia de los “viejos” tiempos, en el Teatro Orientación

Asistir al teatro convocados por un cartel de actrices del calibre de ANA OFELIA MURGUÍA, MARTA AURA y MARTA VERDUZCO para esta obra, con Chéjov de por medio, siempre resulta estimulante. La noción de espectáculo no riñe con la misión cultural de la oferta de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), verbigracia.

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“El tiempo pasa y yo sólo veo que me alejo de la vida”

Llegan las la luces a escena y alumbran una casa familiar que nos enfrenta con un ambiente decadente que esconde mejores tiempos. Las hermanas Prozórov se recuperan de la muerte de su patriarca y hacen planes para retomar sus vidas. Ansían regresar a Moscú desde la difusa idealización de recuerdos de la infancia y como evocación de un lugar donde corre la vida en contraposición del sosiego abrumador de provincia.

Pero son mujeres de su tiempo y el yugo del clan familiar se transfiere a otro hombre, su hermano mayor, un personaje omnipresente que nunca aparece en el escenario, cuyo matrimonio se antepondrá a sus hondos anhelos. Aquí hay un factor de resistencia, su dignidad y mientras las tres hermanas viven un letargo en el que parece que no ocurre nada, dentro de ellas ocurre una vibración existencial, con particular vigencia.

La Rusia profunda y rural del original que data de 1901, aquí transpira una universalidad única que puede trasladarse sin problema a cualquier ciudad del interior de México. Otro rasgo particular de la dramaturgia de Chéjov es aquello que pasa fuera de escena que termina diciendo más de lo que sucede en ésta; sin embargo, es la interpretación de las actrices lo que provee de peso al texto del presente dramático, lo cual resulta un deleite.

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 “La medicina es mi esposa legal; la literatura, solo mi amante”

ANTÓN CHÉJOV (Rusia, 1860-1904) fue un médico que se hizo escritor y luego dramaturgo. Sus cuatro obras: La Gaviota, Tío Vania, Las Tres Hermanas y El Jardín de los Cerezos conforman cualquier biblioteca teatral que se respete en el mundo. Todas ellas llevadas a escena bajo la dirección de su célebre compatriota Konstantin Stanislavski que revolucionó las formas de hacer y entender al teatro.

Ante ello, también es preciso acotar sobre la trayectoria del director porque ello redefine la adaptación de la obra: el español José Sanchis Sinisterra, no sólo cuenta con una longeva trayectoria en los escenarios sino que hablamos de uno de los autores vivos más reconocidos de su nación y cuyas obras son de las más montadas, un detalle nada menor para el que hacer de la CNT.

Dada su prestigiosa trayectoria como docente en arte dramático (con énfasis en la investigación), advertimos su proclividad natural a ofrecernos experimentación en el abordaje de un autor clásico del teatro moderno y eludiendo la distancia de tratar la obra como pieza de museo, lo que el dramaturgo confiesa en su “Desacato” del programa de mano.

La reverencia al también cuentista en todo caso se encuentra en el formato que enmarca la puesta: factura de la CNT, teatro a la italiana (aun haciéndose prescindir de las piernas laterales) y la solemnidad del ritmo narrativo, sobre todo durante la primera parte.

Aspectos como la influencia en el diálogo a la (Harold) Pinter o la meta-teatralidad (al hablarle a la audiencia) que guiñan a (Samuel) Beckett proveen de actualidad al relato y en manos de la maestría de una actriz como Ana Ofelia Murguía, cosquillea el ombligo del público para su beneplácito.

Sabemos que Sanchis Sinisterra realizó un montaje madrileño un año antes con excelente acogida; es de suponer que la adaptación es la misma que se ofrece aquí con un elenco y producción mexicanos.

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 “Nada sucede como lo habíamos creído”

A la producción de la Compañía Nacional de Teatro no hay algo que repararle, por el contrario nuevamente nos encontramos con otro extraordinario trabajo de Patricia Gutiérrez en la iluminación y escenografía (Ver la reseña de TV & Show de Las 99 monedas),  sin dejar pasar por alto el delicado trabajo en la música de Alberto Rosas y de Victoria Benet, dotado de un gusto excepcional.

Finalmente no omito compartir una de las ideas que me vienen a la mente al atestiguar el desempeño de un reparto como este en escena: ¿por qué la ficción dramática audiovisual de México persiste en ponderar absurda y frívolamente la juventud en todos sus proyectos y personajes centrales? Lo dice un millenial (el autor de estas líneas).

Más de un productor y director de casting debería estar entre las butacas de los teatros donde esta obra se presente. Asistir a Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov) es la demostración de lo mucho que tenemos que aprender (acaso aprovechar) y reconocer a la veteranía de su elenco artístico. Larga y saludable vida.

La puesta en escena cierra temporada en el Centro Cultural del Bosque pero forma parte desde 2015 del repertorio de la Compañía dirigida por Enrique Singer, por lo que vuelve a cartelera en cualquier momento. Ojalá pueda viajar por el país para contribuir a hacer efectiva la palabra ‘nacional’ en las siglas de instituciones como la CNT.

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DATOS:

Título: Éramos tres hermanas (variaciones sobre Chéjov).

Adaptación y dirección: José Sanchis Sinisterra.

Actúan: Marta Aura, Ana Ofelia Murguía (alterna con Adriana Roel) y Marta Verduzco.

Lugar: Teatro Orientación (Centro Cultural del Bosque)

Admisión: 150 pesos general, jueves 30 pesos, descuentos a Gente de Teatro, maestros e Inapam.

Funciones (últimas): Jueves 5 y viernes 6, 20:00 hrs., sábado 7, 19 hrs., domingo 8, 18 hrs.

Duración: 90 minutos aproximadamente.

Disponible venta de boletos por el sistema Ticketmaster.

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares) / Instagram: @daniel.laresm / Fp FB: Daniel Lares Muñoz. http://www.tvandshow.com.mx

 Fotografías: Sergio Carreón, CNT

TV&SHOW / Rondero’s Medios

“Las 99 monedas” o la que hace falta

              Teatro UNAM retoma temporada con estreno en el Santa Catarina

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La dulce voz de una niña (Adamaris Madrid) rompe un silencio escrutador para abrir un gran libro que dispondrá de un cuento ensombrecido por la codicia. El Rey (María Teresa Garagarza) aparece enjuto y solemne frente a su servicial Paje (Rodolfo Arias).

El triste Rey hace llamar a su Sabio (Arias) para que le ayude a explicar por qué su fiel Paje es feliz viviendo con poco. El Sabio le alumbra, no ha entrado en el círculo de las 99. El Rey está dispuesto a sacrificar a un buen sirviente con tal de entender el fenómeno por lo que hace llegar al Paje una bolsa con 99 monedas de oro, ni una más y ni una menos.

El efecto opera. El sirviente desnuda ansioso las monedas del bolso y para constatar su nueva posesión, él mismo las cuenta una por una: 2, 5, 20, 60, 97… 99. Vuelve a contar, noventa y nueve monedas. Vuelve a contar. No están completas (aunque antes no tenía ninguna). Falta una para que sean 100, 99 no es un número redondo. Con 100 será un hombre rico, sólo con 100 y hasta que sean 100.

Un paje, una sociedad

Vamos presenciando la angustia y la decadencia de un hombre que pierde su empleo, su familia, a través de su Esposa (Garagarza), además de su espíritu y la dicha por la vida. En el Paje vemos sustituida a la sociedad actual, educada bajo la premisa de que la felicidad es por origen incompleta. Siempre hace falta algo para ser completos. No se será feliz hasta que se tenga “eso”, o hasta que se compre: quintaesencia del consumismo actual.

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Esta fábula sobre la codicia y la ansiedad en el ser humano es una propuesta teatral de José Acosta con dramaturgia de Noé Lynn Almada, con el destacado diseño de iluminación de Patricia Gutiérrez Arias que aprovecha la intimidad que brinda el espacio del Santa Catarina para el actor y el espectador.

Es probable que a un público poco consumado frente a este tipo de propuestas, le puedan parecer excesivos los extendidos silencios y las reiterativas pausas que hacen ralentizar el ritmo de la primera parte de la obra. También es cierto, por otro lado, que presenciamos un discurso atractivo y el trabajo de actores comprometidos derivado de un laboratorio escénico.

 “¿Acaso con la pérdida y el dolor no mejora el ser humano?”

Luego del sismo del pasado 19 de septiembre que convulsionara la Ciudad de México y parte del país y que postergara una semana el estreno de esta propuesta escénica, Teatro UNAM reanuda actividades para retomar su temporada general 2017. Sin duda una forma de recuperar el aliento y replantear nuestra propia vida y la de nuestra sociedad es reflejándonos en espejos como éste al acudir al teatro.

La vida sigue… y el teatro también

En charla posterior a la función de prensa, Rodolfo Arias ha comentado que puso al servicio de sus personajes en escena la austeridad que se ha autoimpuesto como nueva forma de vida personal mientras María Teresa Garagarza añadió que no obstante su proceso para esta obra en la que, naturalmente, no contemplaba el seísmo, éste y sus efectos sociales la han sacudido para abordar su trabajo escénico tras la breve pausa.

José Acosta arguyó que optaron por un final que a su parecer debe llevar al público: una toma de conciencia, “si los políticos tuvieran un poco de dignidad, cuando menos se sacarían los ojos”, referencia trepidatoria a Edipo Rey.

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MÁS DATOS:

Título: LAS 99 MONEDAS.

Actúan: Rodolfo Arias, María Teresa Garagarza y Adamaris Madrid.

Lugar: Teatro Santa Catarina.

Temporada: Del 30 de septiembre al 22 de octubre.

Funciones: jueves y viernes 20:00 hrs., sábados 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs. Funciones matutinas: los sábados 7, 14 y 21 de octubre/13:00 hrs. y los domingos 8, 15 y 22 de octubre/13:00 hrs.

Costo: 150 pesos; Jueves Puma 30 pesos.

Descuentos: 50 por ciento a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS con credencial vigente. Jueves de 30pesos; 12 de octubre no habrá función.

Duración: 70 minutos aproximadamente.

Teatro UNAM no cuenta con reserva electrónica de boletos.

Por Daniel Lares Muñoz / *Fotos: Daniel González. TV&SHOW / Rondero’s Medios

 

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TEATRO UNAM SE REACTIVA

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Las “Hijas de su madre” se pasaron de rosca

Con la cuenta regresiva para emprender su gira por el interior de la República, parte de la compañía teatral de HIJAS DE SU MADRE, durante un receso en los intensos ensayos, partieron la consabida rosca de Día de Reyes en el Teatro Venustiano Carranza.

Junto con el productor y director Gabriel Varela, las actrices Gina Varela, Aída Pierce, Lourdes Munguía, Susana Dosamantes y Patricia Reyes Spíndola, compartieron un momento de unión y fraternidad antes de continuar con los ensayos generales de esta comedia, que tendrá en Mazatlán, Sinaloa su primera presentación el próximo 16 de enero.

Lourdes Munguía sacó el tradicional “Niño” en la rosca de HIJAS DE SU MADRE.

LA ROSCA DE HIJAS DE SU MADRE

TV & SHOW/ Rondero’s Medios: fotos y video: Lourdes Córdoba