Murió el escritor Winston Groom, autor de la novela “Forrest Gump”

LOS ÁNGELES.- El escritor estadounidense WINSTON GROOM, autor de la novela Forrest Gump, que fue llevada al cine, murió a los 77 años de edad.

La novela Forrest Gump fue adaptada a la pantalla grande en 1994, convirtiéndose en una de las películas más icónicas de Hollywood y un fenómeno de la cultura pop. Protagonizada por Tom Hanks, la famosa cinta ganó seis premios Oscar.

La alcaldesa Karin Wilson de Fairhope, Alabama, dijo en un mensaje en las redes sociales que Groom había muerto en ese poblado del sur de Alabama. Una casa funeraria local también confirmó el fallecimiento y dijo que los preparativos para el funeral están pendientes. “Aunque será recordado por crear a Forrest Gump, Winston Groom fue un periodista talentoso y autor reconocido de historia estadounidense. Extendemos nuestros corazones y oraciones a su familia”, afirmó la gobernadora de Alabama, Kay Ivey, en un comunicado.

Forrest Gump es la narración improbable de un hombre torpe que participó o fue testigo de puntos clave en la historia del siglo XX, desde el bloqueo por parte del gobernador segregacionista George Wallace de la puerta de un auditorio en la Universidad de Alabama a reuniones con presidentes. 

Groom creció en Mobile, Alabama, y se graduó de la Universidad de Alabama en 1965, según una biografía publicada por esa institución. Estuvo en la Cuarta División de Infantería del Ejército de 1965 a 1969, añadió. Su servicio incluyó pasar cierto tiempo en Vietnam, uno de los muchos escenarios en los que se desarrolla Forrest Gump

Escribió 16 libros, tanto de ficción como de no ficción. Uno de ellos, Conversations with the Enemy, acerca de un prisionero de guerra estadounidense en Vietnam acusado de colaborar con el enemigo, fue finalista al Premio Pulitzer, según la universidad.

La cinta dominó los premios de la Academia de 1995, ganando seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director para Robert Zemeckis y Mejor Actor para Tom Hanks. Además de novelas, Groom escribió numerosos trabajos de no ficción sobre diversos temas, incluyendo la Guerra Civil, la Primera Guerra Mundial y el equipo de futbol americano colegial Alabama Crimson Tide.

UN DATO:

Forrest Gump es un tipo de poca inteligencia. Todos lo excluyen o maltratan y luego tiene una malformación en las piernas. Pero cuando se deshace de los soportes mecánicos se convierte en corredor y luego en campeón de béisbol. Primero conoció a Elvis y, moviéndose con torpeza, inspiró ciertos pasos. Forrest, esperando en la parada de autobús de Savannah, les cuenta su historia a los que, uno tras otro, se sientan junto a él esperando el autobús.

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Para recorrer EU con Kevin Costner

LOS ÁNGELES.- “Si te encanta viajar por las interminables carreteras de Estados Unidos; si te sientes un poco vaquero y quieres aprender más sobre las historias de las praderas del oeste y los parques estadounidenses, si sientes dentro de ti el insoportable deseo de infinitos panoramas y bosques nunca antes vistos, entonces puedes descargar la aplicación HearHere en tu smartphone y emprender viajes inolvidables, incluso sin tener que cruzar el Atlántico y volar a América”, así es el mensaje que emite esta aplicación con la persuasiva voz del actor de Danza con lobos, KEVIN COSTNER.

Descubrir los secretos e historias de los bellos rincones de la costa oeste de los Estados, desde California, Oregon, hasta el estado de Washington, es el propósito de dicha aplicación.

La idea de crear una aplicación para quienes aman viajar en automóvil, caravana o motocicleta por las pintorescas carreteras estadounidenses y descubrir los territorios a pie entre los paisajes naturales más pintorescos del mundo, se le ocurrió al actor estadounidense KEVIN COSTNER, quien buscó verano con su amigo empresario Bill Werlin lanzó la aplicación HearHere. La intención es dedicar a los excursionistas y amantes del trekking un podcast con historias, relatos y curiosidades sobre los lugares que se atraviesan durante el viaje.

“Cada lugar tiene una historia. Ahora cada historia tiene un lugar”, es el lema de la aplicación diseñada durante estos meses de restricciones por la emergencia de salud que convenció al famoso actor de dedicar un audio con 1,500 historias contadas por otros famosos como el propio actor y el entrenador de baloncesto de la NBA Phil Jackson, un experto en la historia de los nativos americanos.

Las historias contadas tratan temas como el deporte, la cultura, la música y la geología con nociones que permiten conocer mejor el territorio y su gente; todos los temas que generalmente no se encuentran en libros, guías de viaje o sitios web.

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Kate Winslet y Saoirse Ronan estrenarán la polémica Ammonite

LONDRES.KATE WINSLET y SAOIRSE RONAN protagonizan AMMONITE, la nueva película del director británico Francis Lee cuyo tráiler acaba de ser estrenado, que explora la relación imaginaria entre la paleontóloga Mary Anning (Winslet). y otra mujer, Charlotte Murchison, interpretada por Ronan.

Con posibilidades para competir por un Oscar, la película se presentará en septiembre en Toronto y en octubre en el Festival de Cine de Londres.

La paleontóloga Anning, quien vivió en Dorset en la primera mitad del siglo XIX, fue rechazada por los científicos de la época y sólo más recientemente se ha reconocido el valor de sus descubrimientos. 

El cineasta Francis Lee, quien se hizo famoso en 2017 con su historia de amor gay La tierra de Dios, fue criticado el año pasado luego de revelar el tema de Ammonite por parte de una descendiente de la paleontóloga, Barbara Anning, quien calificó la trama de “sensacionalista”, “porque” no hay evidencia de que Mary fuera lesbiana. Lee defendió su elección en Twitter: “Después de presenciar la rutina rectificada de la historia gay a través de la cultura, y dado que no hay evidencia de que Anning tuviera relaciones heterosexuales, debería permitírsele verla en el cine”.

Su película, había especificado Lee, no era una biografía en imágenes: siguiendo el ejemplo de la vida del científico, estaba destinada a ser una investigación sobre las relaciones entre personas del mismo sexo en el siglo XVIII. 

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Sean Connery, 90 años de una vida fructífera, intensa y de claroscuros

LONDRES.- Su personalidad no se desvanece. SEAN CONNERY cumple 90 años, un icono del cine que ha tenido una vida fructífera, intensa y también de claroscuros.

El título para Connery nunca fue más apropiado: Highlander , porque no es solo una más de sus películas -1986- en la que interpreta a un inmortal maestro de armas español como su alumno Chris Lambert, sino que es su emblema. 

En Italia se le vio por última vez en 2007 cuando asistió al Festival de Cine de Roma para recoger un premio a la trayectoria (el Marco Dorado Aurelio), que hace un gran espectáculo de sí mismo en una vitrina desprovista de premios a la altura de su éxito: un Oscar al Mejor Actor de Reparto (por Los Intocables de Brian De Palma), tres Globos de Oro, y una treintena de premios a la carrera (incluso un Telegatto).

Pero SEAN CONNERY, nacido en Edimburgo, hijo de camionero y camarera, nunca hizo un drama con eso. Hace apenas unos meses, fue confirmado por aclamación como el mejor James Bond de la saga 007. 

Es difícil decir cuánto sufre esta asociación forzada: en su juventud no le dio mucho peso, luego se obsesionó tanto con ella que interrumpió abruptamente una historia que comenzó en 1962 con Licencia para matar  después de cinco éxitos planetarios hasta Solo se vive dos veces ” (1967).  

Para escapar del cliché de 007, Sean tuvo que alternar el papel de príncipe con otras películas. Así comenzó a construir un nuevo personaje (valiente, machista, irónico, romántico). Con la edad, Sean Connery se conviertió en una estrella y un actor seguro de sí mismo.

Con 94 películas en su haber, a menudo ha dicho que le encanta Los intocables ,  La Roca, Indiana Jones and the Last Crusade (como el padre de Harrison Ford), y The Russia House.

Aunque después de su jubilación en 2006 se especuló con su enfermedad de Alzheimer, Sean Connery ha reaparecido en público ( en el torneo de tenis de Flushing Meadows) en 2017.

Al recibir un premio Lifetime Achievement Award, dijo: “¡Mis pies están cansados ​​esta noche, pero mi corazón y mi cerebro no lo están!”.

Sean Connery 1957 A rather young looking Sean Connery, pictured in 1957. Fame

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Afroamericano, el nuevo personaje de la serie de cómics de Batman

LOS ÁNGELES.-JOHN RIDLEY escribirá la nueva serie de cómics de Batman con planes de que el Caballero de la noche sea una persona afroamericana.

El guionista y editor de DC ganador de un Oscar, Jim Lee, anunció planes para que Ridley escribiera la miniserie durante un panel virtual de DC FanDome el sábado.

El cómic de cuatro números está programado para lanzarse en enero.

Ridley dijo que la serie se centrará en la familia de Lucius Fox, que es uno de los aliados más cercanos de Bruce Wayne. Fox también fue presidente de Wayne Enterprises.

El panel reveló una ilustración de un Batman saltando.

Ridley ganó un premio de la Academia al mejor guión adaptado en 2013 por su trabajo en 12 Years of Slave (12 años de esclavitud).

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“John Williams in Viena”, de colección

Dolby Laboratories  (NYSE: DLB), líder en experiencias de entretenimiento inmersivas y el destacado sello discográfico de música clásica, Deutsche Grammophon, anunciaron el lanzamiento de una experiencia de audio especial del legendario compositor JOHN WILLIAMS y la actuación seminal de la Filarmónica de Viena –John Williams in Vienna– mezclado en sonido inmersivo Dolby Atmos, ya disponible en Amazon Music HD y Blu-ray.

Las bandas sonoras de las películas de Williams abarcan un sólido catálogo y han ganado numerosos reconocimientos, incluidos cinco premios Oscar, cinco premios Emmy, cuatro Globos de Oro y veinticinco premios Grammy. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como la saga completa de Stars Wars, las películas de Indiana Jones, Jurassic ParkLa Lista de Schindlery las tres primeras películas de la serie Harry Potter, por nombrar solo algunas.

En lo que fue el debut de Williams como director en Europa continental, se unió en el escenario del mundialmente famoso Vienna Musikverein a la Wiener Philharmoniker, así como a la reconocida violinista Anne-Sophie Mutter para las interpretaciones de las partituras clásicas de Williams que habían sido especialmente adaptadas para ella. Estas incluyeron El tema de Hedwig de las películas de Harry Potter, La danza del diablo de Las brujas de Eastwick y el tema de Sabrina.

El concierto fue grabado y mezclado en Dolby Atmos por Bernhard Guttler.

John Williams comentó: “Actuar en un lugar tan prestigioso como el Musikverein con la magnífica Filarmónica de Viena y la incomparable Anne-Sophie Mutter fue un gran privilegio.  Estoy encantado de que los escuchas puedan compartir esa experiencia a través de la tecnología especial de Dolby Atmos“.

John Couling, Vicepresidente Senior de Asociaciones Comerciales, Dolby Laboratories añadió: “John Williams es sin duda uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos y que haya actuado con la mundialmente conocida Filarmónica de Viena, en lo que muchos consideran el hogar de la música clásica, es un espectáculo ineludible. Estamos encantados de presentar este concierto, único en la vida, en Dolby Atmos para los fans de todo el mundo, asegurándonos de que puedan disfrutarlo como si estuvieran sentados en el mejor asiento de la casa, cuando quieran“.

ESCUCHAR:

UN DATO:

Dolby Atmos Music es una experiencia musical inmersiva que añade más espacio y profundidad al audio. Permite a la gente conectarse con su música favorita de una manera completamente nueva, arrastrando a los oyentes hacia una canción y revelando lo que se perdió con las grabaciones estéreo. Los escuchas pueden descubrir detalles ocultos y sutilezas con una claridad sin igual.

Clemens Trautmann, presidente de Deutsche Grammophon dijo: “Como el sello que fue fundado por el inventor del gramófono, Deutsche Grammophon siempre ha adoptado la innovación tecnológica. Basándose en la larga tradición de nuestros ingenieros, que produjeron grabaciones multipista y cuadrafónica en las décadas de 1970 y 1980, Deutsche Grammophon fue el primer sello en crear mezclas Dolby Atmos de ciclos sinfónicos enteros a partir de 2017. Hay tantos detalles maravillosos y efectos espaciales en la música clásica que se pierden en la mezcla estéreo estándar, pero que cobran vida a través de la tecnología Dolby Atmos, añadiendo otra dimensión a la experiencia auditiva. El álbum ‘John Williams in Vienna’ es un escaparate perfecto para eso: el compositor de música de cine más renombrado del mundo con una de las mejores orquestas en la legendaria acústica de Musikverein.”

Los fans pueden disfrutar del álbum John Williams In Viennaen Dolby Atmos en Amazon Music HD con Echo Studio a partir del viernes.  El álbum también estará disponible en Dolby Atmos en Blu-ray.

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Robin Williams, seis años de su suicidio

HOLLYWOOD.- El talento artístico de ROBIN WILLIAMS, recordado a seis años de su deceso, con 40 años de trayectoria, supo conmover, hacer reír y emocionar a la gente, dando vida a una multiplicidad de personajes inolvidables de la gran pantalla, tan diferentes entre sí y efectivos cada vez, gracias a la gran transformación y el estilo propio que siempre consiguió.

La noticia de su muerte conmocionó a familiares, colegas, amigos, fanáticos. “He perdido a mi esposo y a mi mejor amigo mientras el mundo ha perdido a uno de sus artistas más queridos y una persona maravillosa. Estoy desconsolada”, dijo su esposa Susan. 

La muerte de Wiliams fue calificada como “suicidio” por las autoridades del condado de Marin (California, EU), donde fue hallado sin vida el 11 de agosto de 2014. La oficina del sheriff indicó en un comunicado que Williams, de 63 años, murió como resultado de “asfixia por ahorcamiento” en su domicilio. “Los exámenes toxicológicos revelaron la ausencia de alcohol o drogas ilícitas. Se detectaron restos de fármacos de receta en concentraciones terapéuticas”.

Williams había sido diagnosticado por el síndrome de Parkinson y padecía una depresión severa, según reveló su esposa, Susan Schneider, poco después de su muerte. “Él fue un valiente y luchó sus batallas contra la depresión, la ansiedad, así como contra las primeras fases de la enfermedad de Parkinson”, dijo Schneider.

El actor padeció de alcoholismo y adicción a las drogas. Su esposa fue la última persona en verlo con vida la noche que precedió a su muerte antes de irse a dormir. Según el relato policial, la asistente personal de Williams fue la que encontró su cuerpo sin vida en uno de los dormitorios de su domicilio.

Nacido en Chicago en julio de 1951, de un ex modelo y ejecutivo de Ford, Robin Williams se crió en Bloomfield Hills, Michigan, en un suburbio de Detroit. A pesar de la familia adinerada, el joven Robin no tuvo una infancia feliz y muy a menudo fue acosado . Asistió a la prestigiosa Juillard School de Nueva York antes de establecerse como comediante y conquistar la televisión con la popular serie Mork & Mindy, en la que interpretaba a un extraterrestre humanoide.

A partir de ahí inició su ascenso al cine, con cuatro nominaciones al Oscar y una estatuilla ganada al mejor actor de reparto en 1998 con Will Hunting, película que contó con el guion de los entonces desconocidos Matt Damon y Ben Affleck. Hizo otras películas de éxito: desde Buenos días, Vietnam, hasta El momento fugaz y La señora Doubtfire.

En 1978, Williams se casa con Valerie, con quien tiene un hijo, Zachary. El matrimonio sigue con altibajos, hasta que los periódicos revelan que el actor está teniendo un romance con Marsha Garcés, la niñera de su hijo. En 1989 se casó con ella y nacieron dos hijos: Zelda (ahorade 25) y Cody, de 19. En 2008 se separó.

El 23 de octubre de 2011, el actor se casa por tercera vez con Susan Schneider, diseñadora gráfica que conoció en 2009. A pesar de su gran popularidad, su vida testuvo marcada por dramas. 

Robin Williams era conocido no solo por su gran talento como actor, sino también por las diversas causas humanitarias que apoyó (desde Amnistía hasta Unicef), por el apoyo de los soldados estadounidenses estacionados en el exterior. También fue a Irak y Afganistán para entretener a las tropas. Una vez, como invitado en un programa de televisión Inside the Actors Studio, le preguntaron: “Si el cielo existe, ¿qué te gustaría que Dios dijera cuando llegues?”. Después de una línea que incluía a Mozart y Elvis, Robin Williams respondió: “Sabiendo que hay una risa”. 

The Fleeting Moment (1989) de Peter Weir fue la verdadera oportunidad de lucirse en el papel, esta vez, de un maestro inconformista, enriqueciendo su curriculum con otra nominación al Oscar. Y después de Awakenings (1990) de Penny Marshall, llegó otro Globo de Oro por su papel en The Legend of the Fisher King (1991) de Terry Gilliam, obviamente acompañado de una nominación al Oscar.

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Cameron Diaz encontró la paz al dejar la actuación y decirle adiós al cine

HOLLYWOOD.- CAMERON DIAZ se despidió del cine, sus motivos los reveló en una entrevista con Gwyneth Paltrow: “Encontré la paz al dejar de actuar”, dijo la actriz durante un episodio de In Goop Health: The Sessions, emitido en el canal de YouTube de la actriz de Shakespeare in Love

Cameron explicó que, después de largos años de trabajo en Hollywood, finalmente descubrió que quería cosas diferentes de la vida. “Por fin puedo cuidarme sola”, dijo la ex Ángel de Charlie, de 47 años y desde hace siete meses, con su esposo, el músico de Good Charlotte Benji Madden, ha estado cuidando a un niño, Raddix, nacido de una madre sustituta: “Fue una decisión que no habría tomado si no fuera por ti, me diste valor”, le confió Cameron a su amiga. 

Hace seis años, el año en que conoció a Benji, Cameron Díaz dejó de actuar.

“¿Qué se siente al dejar una carrera en el cine de esa magnitud?”, preguntó Gwyneth. “Paz. Una paz del alma porque finalmente pude pensar en mí misma”, respondió la protagonista de clásicos de Hollywood como Algo sobre Mary, Vanilla Sky y La boda de mi mejor amigo, explicando cómo en algún momento sus ojos se abrieron. “Cuando haces una película ya no eres tu propio jefe. Te secuestran 12 horas al día durante meses seguidos y no tienes tiempo para nada más”.

La actriz, en el chat de YouTube, admitió que “es difícil entender” cómo se puede decir no al glamour de Hollywood de la noche a la mañana. “Pero tú me puedes entender “, le dijo a Paltrow, quien tomó una decisión similar al convertirse en su propia empresaria con el sitio de estilo de vida Goop :” Las pretensiones de la industria cinematográfica me han llevado a asumir la responsabilidad de mi vida “. Es desde que filmó Annie hace seis años que Cameron Diaz ha abandonado el plató: “No echo de menos la actuación”, dijo el año pasado reflexionando sobre una decisión que sin embargo no parecía definitiva todavía.

Todo sugiere ahora que no habrá dudas: después de veinte años y cuatro nominaciones al Globo de Oro, la carrera de Cameron Diaz ha llegado a su fin. Sin remordimientos por el pasado: “Los actores son tratados como niños. Nos ponen en una posición en la que todo está hecho por ti “, explicó .

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El último borrador de Truman Capote de “Breakfast at Tiffany’s”, fue subastado por 378 mil libras

NUEVA YORK.- Con abundantes correcciones del mismo Truman Capote, el último borrador de la recordada película Breakfast at Tiffanny’s, fue subastado en Sotheby’s por la suma de 378 mil libras, más del doble de la estimación inicial.

Holly Golightly, con la célebre sonrisa de Audrey Hepburn, ha sido uno de los personajes más distintivos de la historia del cine durante casi 60 años. ¿Habría sido lo mismo si, en lugar de llamarse así, la heroína de Breakfast at Tiffany’s hubiera respondido al nombre más prosaico de Connie Gustafson? El último borrador mecanografiado del cuento de Truman Capote que inspiró la película de Blake Edwards del mismo nombre muestra que la irresistible Holly fue bautizada in extremis, en vísperas de la impresión.

El mayor cambio que surgió de las 93 páginas mecanografiadas es el del nombre del protagonista.

Según el experto en literatura de Sotheby’s, Gabriel Heaton, un Gustanfson no tendría el mismo impacto duradero que Golightly: “Podría funcionar para una joven novia que escapa de sus obligaciones maritales en un pueblo rural de Texas, pero se hunde cuando es atacada. a una chica del mundo en Manhattan “. Uno que, en palabras de Capote, tenía que ser “un símbolo de todas esas chicas que vinieron a Nueva York y que por un momento dan una vuelta al sol. Quería salvar a una de estas chicas y preservarla para la posteridad”.

Y la posteridad así lo determinó. De esa delgada novela del entonces escritor amigo de Harper Lee, de 30 años de edad, Blake Edwards dibujó una comedia romántica que permaneció intemporalmente gracias a Hepburn, su collar de perlas y los “pequeños vestidos negros” de Hubert de Givenchy, pero también por el nombre de Golightly, que significa “ir a la ligera”, al igual que su dueño que, entre un gato y un croissant, ha estado navegando por la Nueva York de los años 40, siempre con hambre de vivir.

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Musicales, la pasión y el legado del cineasta Alan Parker, quien falleció a los 76 años

LONDRES.- El realizador británico ALAN PARKER, director de películas como Midnight’s Escape (Expreso de medianoche), Mississippi Burning, Will be Famous y Evita, murió a los 76 años . El British Film Institute dio a conocer que el cineasta falleció después de una “larga enfermedad”. 

PARKER estaba orgulloso de su título de baronet, otorgado por la reina Isabel en 2002 para coronar una carrera exitosa, pero estaba igualmente orgulloso de sus orígenes humildes y el acento cockney, que lo exhibió casi como un signo distintivo. ALAN PARKER era un británico de pura sangre nacido y criado en el suburbio londinense de Islington, de madre costurera y padre pintor de casas. 

En la escuela no era un alumno modelo, pero con tenacidad se aplicó en materias científicas y cosechó elogios entre sus compañeros de clase por su habilidad como narrador, a gusto con los géneros más diversos. Le gustaba la fotografía y amaba la música, especialmente la estadounidense traída por los marines a Inglaterra, tal como nació, en 1944, el año del Día D. A los 18 años abandonó el estudio para ganarse su libertad como mensajero en una agencia de publicidad: él no lo sabía, pero habría sido su suerte, ya que pronto todos lo apreciaron como redactor y narrador.

Uno de los primeros en darse cuenta de esto fue uno de los grandes productores de su generación, Alan Marshall, quien junto con David Puttnam habría sido su amigo y pigmalión. Gracias a Marshall, de hecho, habría diseñado y dirigido sus primeros comerciales y luego se habría convertido en el socio creativo de una de las agencias más buscadas en el mundo anglosajón.

“En ese momento, dijo Parker, ya no había una industria cinematográfica inglesa; después de la última ola de ‘enojo’ a principios de la década de 1960, fue el turno de anunciantes como yo que se convirtieron en directores gracias a los comerciales con los que tenían pasado el desorden “. 

Después de muchos premios en publicidad y un buen debut como guionista gracias a David Puttnam (Melody de 1971), para Parker como para Ridley Scott y Hugh Hudson, el momento de su debut como director llega en 1976: elige un camino propio, que del musical ambiental estadounidense pero todos actuaron y para niños, Little gangsters. 

El protagonista es la generación de gángsters de prohibición como Al Capone y Bugsy Malone, pero sus armas se tuercen en la cara y explotan bocanadas. Los actores en ciernes son Jodie Foster y Scott Baio, la música es de Paul Williams, quien también se encuentra entre los adultos a quienes se confían las canciones. “Siempre me ha encantado trabajar con niños y adolescentes”, dijo el director, porque siempre te dan algo que no esperas. Pero no tengo reparos en admitir que con esa primera película quería sobre todo subvertir algunas reglas del género musical y hacerme notar en Hollywood “.

Vale la pena una invitación al festival de Cannes para Parker, la llamada en espera a Hollywood y el contrato para el posterior Midnight Escape con Brad Davis y John Hurt. Marshall y Puttnam producen, el guionista escribe al novato Oliver Stone, el thriller de la prisión (basado en una historia real) viaja por el mundo, corre por seis Oscar y gana dos por el guión y la música de Giorgio Moroder.

Dos años después, sin embargo, Parker vuelve a su género favorito, el musical con otra película de culto: Serán famosos (1980) ambientada en la escuela de música y danza más famosa de Nueva York con Irene Cara entre un enjambre de debutantes talentosos. “No quería la película musical habitual en la que la acción se detiene para que la gente cante”, dijo Parker, sino una verdadera odisea de jóvenes músicos enfermos de pasión, vida, Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos), desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale) hasta el horror (el visionario Angel Heart, con Al Pacino). 

Pero la música sigue siendo su verdadera pasión y obsesión: Pink Floyd the Wall, Evita, Los compromisos (quizás su película más querida). Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos); desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale ) hasta el horror (Angel Heart, con Al Pacino).

Su formidable habilidad técnica, el ritmo milimétrico con el que dirige cada escena, la sabiduría con la que maneja a los actores como en una coreografía al estilo del Hollywood más clásico, son los signos que lo hacen siempre reconocible incluso en la diversidad de opciones narrativas. 

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Guillermo del Toro comienza a filmar “Nightmare Alley” en set “aséptico”

SAN DIEGO.– El cineasta mexicano GUILLERMO DEL TORO rodó las primeras tomas de Nightmare Alley, protagonizada por Cate Blanchett y Bradley Cooper, en un set aséptico como un quirófano, atendiendo a las restricciones impuestas por la pandemia.

Realizar una película durante esta emergencia es como “rodar en un gran quirófano. Debe estar esterilizada, tener todas las condiciones ‘clínicas’ pero al mismo tiempo tiene que permitir que comience el carnaval”, sostuvo Del Toro sobre la filmación de su nuevo thriller psicológico, que también cuenta con la actuación de Rooney Mara.

El realizador mexicano, ganador de dos premios Oscar en 2018 por La forma del agua, habló con la prensa en el panel que compartió con Scott Cooper –director de un esperado thriller de terror, Antlers, producido por Del Toro- en el marco de la Comic-Con 2020, que habitualmente se realiza en San Diego y este año se celebra de manera virtual por la pandemia.

En Comic-con@home se pueden seguir los eventos y conferencias de la Convención Internacional de comics, que también presenta adelantos de nuevas series y películas.

Filmar en tiempos de coronavirus “hace que todo sea diferente, incluso el modo en el que organizas a los extras en el set y cómo los involucras. Normalmente se hace a diario, pero ahora tienen que ser contratados durante varias semanas, aun cuando haya días en que no tienen escenas”, explicó Del Toro. Detalló que eso “se hace para evitar que durante sus pausas de rodaje vayan a trabajar en otras películas y luego deban permanecer en cuarentena antes de poder volver al set. Deben ser ‘monógamos’ con el proyecto”.

El director de El laberinto del Fauno reflexionó sobre la situación actual por el coronavirus.

“Pienso que esto durará meses y la elaboración será interesante. Para mí, hacer películas consiste en extraer belleza de la adversidad”, afirmó. Nightmare Alley, basada en la novela homónima que William Lindsay Gresham, publicó en 1946, está protagonizada por Stan (Cooper), un ladrón que se asocia con una psiquiatra (Blanchett) para convencer a las personas de que les confíen su dinero.

La novela tuvo su primera adaptación en 1947, dirigida por Edmund Goulding e interpretada por Tyrone Power, Joan Blondell y Coleen Gray. “Es una bendición tener a este elenco pero continuamente tenemos que programar los rodajes porque todos ellos son muy requeridos y tratan de conciliar con sus otros compromisos”, relató el cineasta. “Sin embargo, considero que para cada problema en cada film hay una solución satisfactoria. A veces no resulta fácil verla pero creo que hallamos la clave para hacer funcionar todo”, sostuvo.

Del Toro comparó la preparación de una película con el lanzamiento “de una nave espacial: por más detallista que seas en el momento de la cuenta regresiva siempre te invade el terror de que todo explote, y es una sensación que te queda por cierto tiempo”.

En tanto, Antlers –cuyo estreno estaba previsto en abril pasado y por la pandemia se pospuso para el 19 de febrero de 2021-, está protagonizada por KeriRussell (The Americans) y reinterpreta en una historia contemporánea al “wendigo”, figura demoníaca que pertenece a la mitología de los pueblos originarios estadounidenses.

“Es considerado un espíritu que refleja la venganza contra el género humano que abusa de la naturaleza”, sostuvo Cooper, director de películas como Crazy Heart y Hostiles.

“Ciertamente, continuamos abusando de la Madre Tierra, así como abusamos de los nativos americanos”, reflexionó. El objetivo de Cooper era rodar un filme “desconcertante, con un componente humano y emotivo muy fuerte pero también aterrorizante”.

Del Toro, productor de la película, sostuvo que un componente que amó del mito del wendigo “es que cuanto más desea más insaciable se vuelve y cuanto más desea más débil deviene. Me parece una metáfora perfecta de la insaciabilidad que existe hoy y de la privación permanente de todo aquello en lo que creemos”.

El cineasta mexicano, por último, habló de su pasión infinita por todos los géneros del cine.

“Walt Disney, Alfred Hitchcock y Luis Buñuel son los directores que más cuentan para mí y considero que actualmente, los hermanos Coen son los mejores realizadores vivos. Son excelentes narradores de historias y tienen mucho misterio”, concluyó.

POR FRANCESCA PIERLEONI/ ANSA

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El álbum “John Williams in Viena”, para el 14 de agosto en todos los formatos

JOHN WILLIAMS, el compositor de cine más conocido y aclamado del mundo hoy en día, recientemente debutó como director de la Filarmónica de Viena. Sus dos conciertos en el Musikverein de Viena los días 18 y 19 de enero de 2020, que también fueron las primeras actuaciones que realizó en Europa continental, fueron producidos por Deutsche Grammophon en colaboración con Wiener Philharmoniker y ServusTV y filmados por Bernhard Fleischer Moving Images (BFMI).

El álbum John Williams in Vienna está programado para su lanzamiento internacional por Yellow Label el 14 de agosto de 2020 y estará disponible en todos los medios físicos y digitales relevantes, incluidos Blu-ray, CD, vinilo y eVideo, en mezclas estéreo y Dolby Atmos surround.

John Williams in Vienna reúne temas icónicos creados por el compositor estadounidense como “Imperial March” de Star Wars, las bandas sonoras de Harry Potter, Indiana Jones y Jurassic Park, entre otros hitos cinematográficos que han ganado innumerables premios, incluidos cinco Premios Oscar, cinco Emmys, cuatro Globos de Oro y veinticinco Grammys.

El nuevo adelanto de este mágico álbum es Devil’s Dance de la legendaria película The Witches of Eastwick.

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Asmático, Martin Scorsese teme por su vida si se contagia de Covid-19

NUEVA YORK.- “He estado sufriendo de asma toda mi vida, y este virus aparentemente ataca los pulmones con más frecuencia que cualquier otra parte del cuerpo. Me di cuenta de que realmente podía respirar por última vez en esa habitación de mi casa que había sido un refugio y ahora se había convertido en una especie de fortaleza, y comenzaba a sentirme como mi prisión. Me encontraba solo, en mi habitación, viviendo de respiración en respiración”, es lo que el reconocido cineasta MARTIN SCORSESE, de 77 años y asmático desde hace varios años, confiesa en una entrevista con el director de La Civiltà Cattolica, padre Antonio Spadaro.

“En febrero, cuando me di cuenta de que todo se detenía, de que había una ‘pausa’, mi esposa y yo hemos mantenido la cuarentena, quedarnos en casa por un período de tiempo indefinido, y al cabo del tiempo la ansiedad se aparece constantemente. Es una nueva forma de ansiedad. La ansiedad de no saber nada, simplemente nada “, continúa Scorsese. 

“Entonces, algo vino, aterrizó en mí y dentro de mí. No puedo describirlo de manera diferente. De repente, vi todo desde un punto de vista diferente y mejor. Sí, todavía no sabía qué pasaría, pero nadie lo sabía. Podría haberme enfermado y nunca más haber salido de esa habitación, pero si hubiera sucedido, no podría haber hecho nada.

“Todo se volvió más fácil”, dice el director ganador del Oscar, y sentí una sensación de alivio. Y esta conciencia me trajo de vuelta a los aspectos esenciales de mi vida. A mis amigos y a las personas que amo, a las personas que tengo que cuidar, concluyó “.

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Inició el juicio de Johnny Depp contra el tabloide “The Sun” por difamación

LONDRES.– La demanda por difamación de JOHNNY DEPP contra el tabloide británico The Sun, que lo llamó un “golpeador de su esposa”, se inició esta mañana ante el Tribunal Superior de Londres. En la corte, además de la estrella estadounidense de Hollywood, asistida por sus abogados, la ex esposa involucrada en el caso, la actriz Amber Heard, apareció en compañía de su hermana. 

Depp denunció al gigante de noticias de Rupert Murdoch, News Group Newspapers, propietario del periódico sensacionalista, y al director del Sun por un artículo de abril de 2018 en el que fue acusado de abuso conyugal.

Como una supuesta confirmación de la veracidad de las acusaciones, el tabloide luego publicó mensajes de tonos violentos en los que el actor habló de “matar y quemar” a su ex esposa.

El protagonista de la saga Los piratas del Caribe, quien apareció en la corte vestido de negro, con lentes de sol y el rostro cubierto con una máscara, siempre ha negado cualquier falta, diciendo que por el contrario fue víctima de agresión física por parte de Amber y que las suyas eran solo palabras, movidas por la ira.

En los próximos días también habrá testimonios en video de otros de sus antiguos compañeros, como la cantante francesa Vanessa Paradis y la actriz Winona Ryder, que defienden a Depp. La demanda comenzó con una audiencia preliminar en febrero, excepto para finalizar inmediatamente después del coronavirus y el bloqueo. 

La sentencia se espera para fines de julio y también podría afectar la pendiente en los Estados Unidos entre los dos ex cónyuges. 

Con infromación de ANSA

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Volver al futuro, un clásico que no sería del montón, a 35 años de su estreno

HOLLYWOOD.- 35 años de lo que parecía ser una película más, de las del “montón” que produce Hollywood, pero oh sorpresa, VOLVER AL FUTURO, cuyo estreno fue un 3 de julio pero de 1985, rompió todos los pronósticos.

VOLVER AL FUTURO logró lo que nadie esperaba: terminó arriba en las recaudaciones ese año, consiguió unanimidad en la crítica y rápidamente se volvió de culto, generando enormes expectativas con su “continuará” sobre el final, repetido en la segunda (1989), para cerrar la saga con una tercera película en 1990.

Los rumores de una cuarta entrega siempre han estado presentes. Pero nunca se concretó. Quizás en parte por la enfermedad temprana de Michael J. Fox (mal de parkinson); quizás porque a diferencia de otras sagas, en esta sus productores no quisieron arruinar su perfección.

Todas las películas enfrentan problemas antes y durante su rodaje. Muchos proyectos incluso quedan en el camino en alguna etapa previa y jamás ven la luz, o la ven muchos años después. Pero los de VOLVER AL FUTURO fueron varios.

El actor principal fue remplazado cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje. Michael J. Fox siempre había sido la primera opción pero estaba ocupado. Se llamó entonces a Eric Stoltz. Tras cinco semanas de rodaje (y una vez que Spielberg regresó a Estados Unidos tras una breve ausencia), Zemeckis decidió que Stoltz no era el idóneo para interpretar a Marty. Aunque Spielberg y él se percataron de que volver a realizar las mismas tomas ya hechas con Stoltz costaría tres millones de dólares adicionales al presupuesto inicial de catorce millones, decidieron continuar con dicho proceso. Stoltz no era muy cómico y, al contrario, había dado “una actuación dramática” para Zemeckis. Sin embargo, la carrera de Stoltz nunca tuvo un rol preponderante o principal en ninguna otra película, aunque sí tuvo actuaciones destacadas en papeles secundarios y en esa época venía de ser nominado al Globo de Oro como Mejor actor de reparto por su papel en Mask.

Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, también estuvo en carpeta. Devolvió el guion desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó el por entonces chico maravilla que nunca más deslumbró en ninguna película. Su última aparición importante por así decirlo en un rol secundario fue en Hitchcock (2012). “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”.

John Cusack fue otro de los candidatos para ser Marty. Finalmente los gastos fueron 19 millones de dólares contra… 381 millones de recaudación.

En abril de 1981, Columbia Pictures puso la producción en un proceso turnaround (podríamos traducirlo como “plan canje” con otro estudio, dado que no le terminaba de llenar. Tuvo 44 rechazos antes de lograr arrancar la filmación. Así, se detuvo el proyecto durante 4 años, por lo que el guion fue reeditado en al menos dos ocasiones. Se le consideraba una cinta muy inocente y juvenil, mientras los estudios apuntaban a tramas más para adultos.

Gale y Zemeckis optaron por llevar el proyecto a Disney, sin embargo “nos dijeron que una madre que se enamoraba de su hijo no era un tema apropiado para una película familiar bajo el sello de Disney”, de acuerdo a Gale.

Gale y Zemeckis pensaron en aliarse con Steven Spielberg, que produjo “Used Cars” y “Locos por ellos”, las cuales fueron consideradas un fracaso en taquilla pese a recaudar más de lo que gastaron.

Actualmente el filme se enseña en las escuelas de cine.

RECHAZO DEL GUION

Para película de ciencia ficción le faltaba profundidad, respecto a otros exponentes de su tiempo, como Terminator, por ejemplo (estrenada en 1984), una idea de la vida en el futuro, excusas para los grandes efectos “especiales” de la época (hoy en día totalmente obsoletos).

De hecho, tiene muy pocos efectos especiales Volver al futuro. Para comedia pecaba de inocente. Le faltaba el toque subido de todo que se veía en Colegio de Animales, La venganza de los Nerds y Despedida de Soltero, con Tom Hanks. Y para ser cómica le falta el chiste cada 2 minutos, como en Dónde está el piloto. A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado inocente y suave.

Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.

CURIOSIDADES:

La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una camioneta. Pero esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guion tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.

La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Y en los 80 no habían muchas opciones (quizás en esta época hubieran elegido algún “bicho” de Tesla). Querían que encuadrara de lleno con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, que le daban un aire futurista.

El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante apenas dos años por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico para intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado.

El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Y vaya razón que tuvo.

Los viajes en el tiempo los obsesionaban a los escritores. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre.

El presidente de Universal de entonces se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título.

Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una “jodita” y hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor.

Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses. El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco.

“Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.

El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarla para principios de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.

EN NÚMEROS:

Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el el mundo. El costo había sido de 19 millones. Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. En enero de 1989 se implementó un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Además, el set de filmación había costado 2 años de trabajos de construcción.

Las tres recaudaron casi mil millones de dólares (eran épocas en las que las secuelas recaudaban un poco menos que las originales: al revés que en la actualidad en las que las sagas suelen ser exitosas, quizás en gran parte gracias a Marvel que subió el nivel con sus películas de Los Vengadores todas conectadas entre sí).

Con información de ANSA

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En la pandemia, las plataformas de streaming aprovechan ventaja al cine

CHICAGO.- La crisis económica generada por el coronavirus y la nula actividad en salas de cine de Estados Unidos ha profundizado la tendencia de llevar las nuevas producciones a las plataformas de streaming, tales los casos de Emancipation y Greyhound que se estrenarán por Apple TV+ y The Trial of the Chicago 7 cuyo lanzamiento será por Netflix.

El actor Will Smith y el director Antoine Fuqua llegaron a un acuerdo con Apple para ofrecer Emancipation, una cinta sobre la esclavitud en Estados Unidos enmarcada en la Guerra de la Secesión (1861-1865), a través de su pantalla.

El portal Deadline, aseguró que Apple compró este proyecto por una cifra récord de 105 millones de dólares luego de una dura pugna (especialmente con Warner Bros.) dentro del mercado virtual de Cannes (Marché du Film).

Apple TV+ además estrenará el 10 de julio Greyhound, que protagonizó y escribió Tom Hanks; y también llegó a un acuerdo con Paramount para abordar conjuntamente Killers of the Flower Moon, la nueva película de Martin Scorsese y que contará como protagonistas con Leonardo DiCaprio y Robert de Niro.

Netflix, por su parte, adquirió por 56 millones de dólares The Trial of the Chicago 7, una película que escribió y dirigió el aclamado guionista Aaron Sorkin.

El filme narrará la historia de siete activistas que fueron acusados de conspiración e incitación a disturbios por las protestas durante la Convención Nacional Demócrata que se celebró en Chicago en 1968.

Con información de ANSA

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Preocupa el estado de salud de Angelina Jolie

LOS ÁNGELES.- Preocupación y numerosas dudas sobre su salud, ha causado entre los seguidores de ANGELINA JOLIE, su extrema delgadez.

Según su entorno más íntimo, la actriz, que ha pasado por un cáncer y una doble mastectomia, se estaría negando a comer debido al estrés y ansiedad que padece en estos momentos. En una entrevista en Le Figaro, se asegura que sus seis hijos están muy preocupados por la conducta alimenticia que está llevando su madre, quien ha llevado un proceso de separación de Brad Pitt largo y difícil. “Fue un momento complicado, no reconocía en lo que me había convertido, era más pequeña, como insignificante. Sentí una tristeza profunda y real, estaba herida”.

Fue interesante volver a conectar con esta humildad e incluso esa insignificancia que sentí”, confesó Jolie a principios de este mes de junio en una entrevista en Le Figaro.

“Además de todo esto tuve algunos problemas de salud. Todas estas cosas te recuerdan la suerte que tienes de estar viva. Esta es otra lección más para transmitir a mis hijos: la idea de renovación y, sobre todo, un posible regreso a la alegría de vivir. Tengo que redescubrir la alegría”, explicó.

Con información de ANSA

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Jammie Foxx, listo para dar la pelea y convertirse en Myke Tyson en el cine

NUEVA YORK.- El actor ganador del Oscar JAMIE FOXX confirmó que interpretará a Mike Tyson en una próxima película biográfica sobre la vida del ex campeón mundial de los pesos pesados estadounidense.

El lanzamiento de la película, con Foxx en el papel principal, había sido anunciada por primera vez en 2014, pero por seis años existieron dudas para realizarla.

En un diálogo con el productor de Hollywood Mark Birnbaum en Instagram Live, el actor de 52 años, quien también es comediante, cantante y productor, puso fin a esos rumores, revelando que había estado aumentando de masa muscular con un régimen de ejercicio agotador, en preparación para la filmación.

“Sí”, respondió la estrella afroamericana ganadora de un Oscar a Mejor Actor por Ray (2002) cuando se le preguntó si la película seguía adelante.

“Es un sí definitivo”, le dijo a Birnbaum. “Hacer biografías es algo difícil. A veces se necesitan 20 años para hacerlo, pero oficialmente conseguimos que la pelota funcione. No puedo esperar para mostrarle a la gente lo que es”, agregó la estrella de Django Unchained (2012).

 Foxx reveló que conoció a Tyson después de realizar una comedia de stand up a los 22 años, durante la cual contó una broma sobre el boxeador, que estaba sentado entre la audiencia y se acercó a él al final del espectáculo.

Dijo que había visto a Tyson, que ahora tiene 53 años, a través de “vidas diferentes”. Un oponente formidable y un campeón mundial indiscutible en la cima de su carrera, el boxeador que fue encarcelado después de ser declarado culpable de violación en 1992, declarado más tarde en bancarrota en 2003 y culpable de posesión de cocaína y conducir bajo la influencia en 2007.

“Lo vi en el apogeo de su carrera, y luego, cuando las cosas se pusieron malas y llenas de baches, también lo vi. Así que lo que me entusiasma de la película es mostrar esos momentos”, agregó. “Creo que todos, jóvenes y viejos, podrán entender el viaje de este hombre”.

Durante la entrevista, Foxx mostró una fotografía de su físico totalmente cambiado a como se lo conoce, y reveló un régimen de ejercicio agotador en preparación para el papel, que consiste en decenas de flexiones y natación. Además, tendrá que aumentar de peso a medida que avance la filmación.

“¿Cómo me veré? Garantizo que la gente me va a encontrar en la calle y me pedirá autógrafos, pensarán que soy Mike”, aseguró el actor tejano.

Con información de ANSA

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“EU tiene que cambiar”: Robert De Niro, padre de seis hijos birraciales

 NUEVA YORK. – Como padre de seis niños birraciales, ROBERT DE NIRO compartió sus pensamientos sobre las tensiones raciales actuales en los Estados Unidos asegurando que ni siquiera él está convencido de ciertas cosas, aunque sabe que la situación en el país “tiene que cambiar”.

“Mis hijos son todos mitad negros y yo no tengo, ni siquiera yo, doy ciertas cosas por sentado”, señaló en el programa The Tonight Show Starring Jimmy Fallon.

 “Cuando las personas aseguran que les dicen a sus hijos, ‘mantengan sus manos (arriba) cuando los detengan, los detenga cualquiera, policías, mantengan sus manos en el volante, no hagan un movimiento repentino, no pongan su manos abajo, no hagan esto’. Escuchas eso… Eso da miedo. Eso tiene que cambiar”, subrayó la estrella de 76 años.

Al referirse a las protestas en curso provocadas por la muerte del afroamericano George Floyd a manos de la policía de Minneapolis el 25 de mayo pasado, la estrella de Taxi Driver dijo que “cualquiera que lastime a otra persona sin otra razón que no sea la autodefensa o la defensa de otras personas alrededor no debería estar haciendo ese trabajo”.

De Niro tiene una hija, Drena, de 48 años, y un hijo, Raphael, de 44 años, con su ex esposa Diahnne Abbot. Además, tiene dos hijos gemelos, Julian y Aaron, de 24 años, con su ex Toukie Smith; y un hijo, Elliot, de 22 años, y una hija, Helen, de 8, con su ex esposa Grace Hightower.

Si bien admitió que él no tiene todas las respuestas, hizo un llamamiento a la reforma policial en los Estados Unidos. “No soy policía, así que no sé las cosas cotidianas por las que pasan”, dijo. “Pero aún así, tiene que haber un cambio y las personas deben ser capacitadas y ser más sensibles a ciertas cosas. No es que las personas no lo sean muchas veces, pero todavía hay quienes no lo son y eso tiene que cambiar”.

De Niro se refirió también a la pandemia del coronavirus, que puso en jaque la economía más poderosa del mundo, y su dudar culpó al presidente Donald Trump.

“Todo esto podría haberse evitado si Trump hubiera escuchado a su gente en la comunidad de inteligencia”, dijo De Niro sobre la pandemia. “Seguían diciéndole que algo venía”.

“Lo que me asusta es que la gente tenía miedo de decirle la verdad. Y si le dices la verdad, entonces él se enojará contigo y te dejará ir, ¿y luego qué? Es una locura. Es como decirle a un pariente loco… evitas discutir con ellos porque se volverán locos, pero ellos dirigen el país, tienes que hacerlo!”, subrayó el ganador de dos premios Oscar.

Con información de ANSA

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Clint Eastwood, el héroe cotidiano del cine, cumplirá este domingo 90 años

HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.

El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.

En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.

También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.

Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo. 

El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.

1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él.  Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.

En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados ​​de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje. 

Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford. 

EL ADN DE EASTWOOD:

Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el reciente filme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling

Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.

Con información de ANSA

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“Big Little Lies” y “The Handmaid’s Tale”, las ganadoras de los Globos

HOLLYWOOD.- En el año del “#metoo” y el “efecto Weinstein”, que revolucionaron la escena hollywoodense a partir de múltiples denuncias por abuso de poder y acoso sexual contra decenas de figuras de la industria, tres series protagonizadas por mujeres y con temáticas femeninas, en especial BIG LITTLE LIES, fueron las ganadoras en las tres categorías posibles en los Globo de Oro, que se entregaron anoche en Hollywood.

Oprimidas, golpeadas, madres solteras, asesinas, policías, comediantes, estrellas de cine o incluso reinas; las mujeres marcaron el ritmo de muchas de las ficciones más elogiadas del año con relatos de liberación, reivindicación o sufrimiento, y dominaron también en las nominaciones en las categorías de mejor miniserie, mejor serie dramática y mejor comedia de televisión o plataforma de streaming.

Quizás como pocas veces antes en la producción televisiva, las mujeres ocupan mayoritariamente un espacio no marginal; son reales, capaces tanto de heroicidad o de completos desastres, pero por fin tridimensionales.

Para el rubro estrella, es decir el de mejor miniserie, no se esperaba ninguna sorpresa; luego de barrer con todos los premios Emmy en septiembre pasado, “Big Little Lies” se llevó cuatro Globos de Oro (y no se llevó otros dos porque las nominadas competían en las mismas categorías).

La serie de HBO sobre un crimen, una mujer golpeada y otra de ellas violada, llamó la atención este año por su refrescante estructura narrativa pero sobre todo por su retrato del sufrimiento del abuso y la fuerza de un grupo de amigas para decir “basta”.

Nicole Kidman como mejor actriz de miniserie y Laura Dern y Alexander Skarsgård como actores de reparto, completaron el gran triunfo en la TV.

También eran previsibles las estatuillas como mejor serie dramática y mejor actriz dramática para Elisabeth Moss por “The Handmaid´s Tale”, que relata la historia de un Estados Unidos distópico en el que la sociedad ha virado hacia una teocracia dictatorial dirigida por hombres y las mujeres son sometidas como en la antigüedad.

Allí brilló Moss (“Mad Men”) como Ofred, una criada obligada a reproducirse con uno de los líderes del régimen por ser de las pocas mujeres vivas que puede quedar embarazada.

PORTMAN (1).jpg“Ya no somos la historia al margen, nosotras somos la historia, escribimos la historia”, dijo Moss al recibir el premio por la serie que originalmente se vio en Estados Unidos por la plataforma Hulu y que en Argentina podrá verse desde marzo por Paramount Channel.

No tan esperado pero sí acorde al clima general resultaron los triunfos de “The Marvelous Mrs. Maisel” como mejor comedia televisiva y de Rachel Brosnahan como mejor actriz de comedia, por la misma serie.

La comedia, disponible en la plataforma de Amazon, retrata la historia de un ama de casa neoyorquina a la que su marido abandona para irse con otra mujer, su familia la maltrata y decide probar suerte como comediante en la muy masculina escena del stand up de la “Gran Manzana” a fines de los 50.

Los galardones para los rubros actorales masculinos resultaron más variados: Sterling K. Brown ganó por la serie dramática “This Is Us”, Ewan McGregor por su genial representación de dos hermanos gemelos en la miniserie “Fargo” y Aziz Ansari por la comedia de su autoría “Master of None”.

Este último es el único premio de la noche para la plataforma Netflix, que así retrocede varios casilleros respecto al año pasado, aunque una mirada general de los galardonados confirma el dominio actual de las compañías de streaming y los canales de pago, como Amazon, Hulu y HBO, en la producción de series de calidad.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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