El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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De Niro no ve la suya: su divorcio le costaría la mitad de su fortuna

HOLLYWOOD.- La pandemia del coronavirus unida a los problemas económicos que le está acarreando su divorcio de Grace Hightower, ha puesto a la estrella de Hollywood ROBERT DE NIRO en una complicada situación monetaria.

En una audiencia virtual, la abogada del actor pidió a la corte que se desestime el acuerdo prenupcial de la pareja, pues se le pide un millón de dólares anualmente, conforme a dicho tratado, mismo que se firmó en 2004 cuando Robert y Grace decidieron darse una nueva oportunidad.

La abogada del artista, Caroline Krauss, dio a conocer las condiciones en las que está el mejor actor en los premios Oscar en 1981 con la película Toro salvaje.

El señor De Niro tiene 77 años, y aunque ama su oficio, no debería verse obligado a trabajar a este ritmo prodigioso porque tiene que hacerlo. ¿Cuándo terminará eso? ¿Cuándo tendrá la oportunidad de quizás no coger todos los proyectos que se le presenten? ¿O no trabajar seis días a la semana durante 12 horas al día simplemente para seguir el ritmo de la sed de la señorita Hightower por Stella McCartney?”, ha dicho la letrada haciendo referencia a la pasión de su ex mujer por la moda.

De Niro podría enfermar mañana, y la fiesta habrá terminado“, concluyó la abogada.

Al respecto, el representante legal de la exesposa del actor manifestó que no pueden ser ciertos los problemas financieros de De Niro, pues con El irlandés, filme de 2019, recibió una cifra cercana a los US$5 millones, y de ahí gastó US$450.000 que destinó para unas vacaciones de Acción de Gracias y US$1 millón que les dio a sus hijos entre 2019 y 2020.

El actor es dueño de una de las cadenas de hoteles y restaurantes más de prestigiosas de Estados Unidos y parte de Europa, Nobu. Ambos se vieron afectados por las restricciones que han obligado a mermar la actividad de los locales, además del cierre total de los meses de cuarentena.

Publican medios internacionales que la historia entre De Niro y Hightower lleva años dando de qué hablar. La pareja se casó en 1997. Ella era azafata de vuelo y tras dos años de matrimonio firmaron su primer divorcio en el 99.

En 2004 ambos sorprendieron al darse una nueva oportunidad, aunque quisieron hacer un acuerdo prenupcial que beneficiase a ambos en caso de una nueva separación. En 2018 llegó ese segundo desencuentro y, de acuerdo a lo firmado, el intérprete de Los intocables de Eliot Ness debe abonar un millón de dólares al año a su expareja.

También Hightower solicita que le sea entregada la mitad de la fortuna de De Niro, que según sus cálculos, está avaluada en cerca de 500 millones de dólares.

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Los premios Oscar afectados por el desinterés y las bajas audiencias

NUEVA YORK.- Este domingo se emitirá en la red ABC (TNT y !E por cable) la primera velada del Oscar de la era del coronavirus, y el temor de los organizadores es que haya un “contagio” con los demás premios de esta temporada, durante la cual los Grammy perdieron el 53% del público y los Globos de Oro el 60% respecto de las ediciones 2020.

El virus del desinterés afecta incluso a los expertos del sector: “Cuando hasta para mí es difícil apasionarme, empieza a ser un problema”, dijo al New York Times Jeanine Basinger, fundadora del departamento de estudios sobre cine de la Wesleyan University, y autora de ensayos sobre Hollywood como The Star Machine. El riesgo está a la vista de los especialistas y sobre todo del equipo de productores encabezados por Steven Soderbergh, es por que ello que para frenar la hemorragia, el realizador -ganador del Oscar por Traffic- habría impuesto en su contrato una cláusula categórica para que la entrega de las estatuillas no sea por Zoom.

Por lo tanto, los premios serán en vivo, aunque distribuidos en varias locaciones: no solo dos en Los Ángeles, sino también Londres y otra veintena en conexión vía satélite.

Los participantes, además, no podrán usar mascarilla frente a las cámaras (aunque sí cuando no estén siendo filmados), porque la realización del show, en cuanto a medidas anti Covid, será tratada como un estudio de filmación, con medición de la fiebre al entrar y al menos tres hisopados a los participantes en los días previos a la ceremonia.

Habrá asimismo una versión reducida de la alfombra roja, con tres fotógrafos y un número limitado de periodistas -habrá medios no estadounidenses llegados de Japón, Canadá, Gran Bretaña, Francia, Brasil, España, México y Australia- mantenidos a debida distancia de los entrevistados.

Todo para dar la impresión de un espectáculo que avanza sin trastornos pese a los temores por el Covid. Y gracias asimismo al poder de Hollywood para transformar la realidad.

Sin embargo, los datos de Nielsen conceden pocas ilusiones: la audiencia de los Oscar ya estaba en caída libre antes de la pandemia: -44% de 2014 al año pasado, cuando 23,6 millones de personas miraron el film surcoreano “Parasite” al ganar el primer premio.

Si esta vez la baja fuera comparable a la del Globo de Oro, sería una catástrofe para la Academia y para ABC, que por la exclusiva de la emisión en directo se comprometió a pagar casi mil millones de dólares hasta 2028.

Anticipando resultados menos que estelares, la emisora puso en venta este año espacios publicitarios a precios de descuento: dos millones de dólares por 30 segundos, el 13% menos que en 2020.

Algunos muy fieles, como Verizon, volverán, pero no Ferrero, cuyos Kinder-Joy -que habían debutado en el Oscar de 2018- esta vez no serán de la partida.

Los Óscar no obligarán a los nominados y sus acompañantes a llevar mascarilla ante las cámaras, pero sí pedirán a todos los asistentes que se cubran la boca y la nariz cuando se encuentren fuera de plano.

La revista Variety dio este lunes algunos detalles de una reunión que los responsables de los Oscar mantuvieron esta mañana con nominados y publicistas de Hollywood.

Así, Variety aseguró que, debido a que los Óscar se concebirán como si fuera el rodaje de un programa televisivo o una película, las mascarillas no serán obligatorias mientras se esté ante las cámaras (por ejemplo, durante la ceremonia).

Pero cuando los candidatos o sus acompañantes no aparezcan en pantalla (por ejemplo, durante las pausas comerciales) sí tendrán que llevar mascarilla.

El pasado sábado, los productores de la gala dejaron entre interrogantes si los asistentes a los Óscar de la pandemia tendrían que llevar mascarilla en todo momento.

“Esto es lo que tenemos que decir sobre eso: las mascarillas jugarán un papel muy importante en la historia de esa noche”, dijo Steven Soderbergh, productor de la ceremonia junto a Stacey Sher y Jesse Collins.

Por otro lado, la Academia de Hollywood está planeando una gala con aforo limitado de unas 170 personas.

Se requerirán varias pruebas PCR a los asistentes en los días previos, habrá controles de temperatura y también se organizarán rotaciones de los invitados a lo largo de la velada para garantizar el distanciamiento.

UNA GALA SEGURA Y CON ESTÉTICA DE CINE

Una ceremonia preparada como si fuera una película y cien por ciento segura contra el coronavirus es la doble receta que propondrán los Óscar, que se retrasaron dos meses por la pandemia y que se celebrarán este domingo 25 de abril.

Los productores explicaron el sábado que los Óscar tendrán una estética de cine, se transmitirán en 24 frames por segundo y con un formato panorámico, emplearán encuadres más típicos de una cinta que de la televisión, y serán “tres horas de entretenimiento” fundamentadas en el “optimismo” y la “sinceridad”.

La gran fiesta del cine se ha conjurado para celebrar una ceremonia lo más presencial posible y para ello cambiará su centro de operaciones del Dolby Theatre a Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles (EE.UU.).

En cualquier caso, los Oscar están preparando dos subsedes en Londres y París para quienes no puedan acudir a Los Ángeles.

Por otro lado, los cerebros de estos Oscar explicaron que la alfombra roja será este año “muy pequeñita” y que formará parte de la previa del show, donde además se verán las interpretaciones de las cinco nominadas al premio a la mejor canción.También habrá un programa especial posterior a la ceremonia.

Por ahora, la relación de presentadores de estos Oscar tan peculiares incluye a Brad Pitt, Zendaya, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Harrison Ford, Laura Dern, Regina King, Marlee Matlin, Reese Witherspoon, Renée Zellweger, Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle y Bryan Cranston.

Los productores indicaron que faltan un par de presentadores por anunciarse.

Laura Pausini actuará el 25 de abril en la ceremonia de los Oscar, cantando I Yes (Seen), la canción escrita por Dianne Warren nominada a la estatuilla y parte de la banda sonora de la película ‘Life Ahead of Her’ con Sophia Loren.

La actuación -que también contará con los otros nominados con sus canciones nominadas a Mejor Canción Original, Celeste, H.E.R., Leslie Odom, Jr., Daniel Pemberton, Molly Sandén- estará en el centro de Oscar: Into The Spotlight’, el espectáculo de apertura en la ceremonia 93.

Los productores Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh lo anunciaron. Una de las actuaciones se grabará en Husavik, Islandia, cuatro se llevarán a cabo en la Terraza Familiar Dolby del Museo de Cine de la Academia en Los Ángeles.

Presentado por los actores Ariana DeBose (Hamilton) y Lil Rel Howery (Bad Trip), Oscar: Into the Spotlight narrará en 90 minutos el viaje de los candidatos a la noche más grande de Hollywood, ofreciendo a los fans de todo el mundo y a los expertos la oportunidad de husmear alrededor del evento y llevando la música de los Oscar a las festividades por primera vez.

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“Nomadland” y Zhao siguen con la racha de premios, ahora los DGA

ROMA.- NOMADLAND de CHLOE ZHAO triunfó en los Premios DGA, los prestigiosos premios otorgados por el Sindicato de Directores de Hollywood. Un resultado histórico para la cineasta china, la segunda mujer en lograrlo, después de Kathryn Bigelow por The Hurt Locker).

Los DGA preceden a los Oscar, que este año se celebrarán el 25 de abril, en una temporada que ha sufrido considerables retrasos debido a la pandemia y con eventos que se siguen llevando a cabo en modo virtual.

ZHAO, de 39 años, autora de la película independiente The Rider, elogió a sus compañeros nominados en su discurso, que todavía tratarán de instalar su película estadounidense adorada por la crítica en los Premios de la Academia. “Quiero darle las gracias por enseñarme mucho y por darme su apoyo, haciendo este viaje mucho más especial”, dijo a los cineastas rivales. Entre esos directores se encontraban David Fincher (Mank), Emerald Fennell (Promising Young Woman) y Lee Isaac Chung (Minari), quien también compitió como mejor director en los Premios de la Academia.

Zhao ahora se presenta como una gran favorita. Si bien es cierto que el Sindicato de Directores de América el año pasado prefirió a Sam Mendes (1917) al ganador del Oscar Bong Joon-ho (Parásitos), en los seis años anteriores siempre predijo correctamente al ganador del Óscar.

Nomadland es un drama semi-ficticio, sigue a una comunidad de viejos estadounidenses que viven en camionetas, dejados al margen por la Gran Recesión, inventando una nueva vida en el Oeste estadounidense.

Zhao, quien nació en Pekín, dijo que espera que el público pueda “experimentar la vida de las personas que podrían considerar ‘la otra'” y así “dejar el sentimiento un poco menos solo”. Describió la dirección como una salida y un remedio para su propia experiencia de “soledad, muy intensa en mi vida”.

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Sin una clara favorita las cinco actrices que se disputan el Oscar

LOS ÁNGELES.- Retratos de dos leyendas de la música, Billie Holiday y Ma Rainey, una venganza contra el abuso masculino, una madre luchando con el luto más difícil de tratar, y un nómada moderno, son los personajes encarnados por las cinco actrices que este año se disputarán el Oscar a Mejor Actriz. Ellas son: ANDRA DAY (Billie Holiday), VIOLA DAVIS (Ma Rainey’s Black Bottom), CAREY MULLIGAN (A Promising Woman), VANESSA KIRBY (Pieces of a Woman) y FRANCIS MCDORMAND (Nomadland).

VIOLA DAVIS

Una carrera que por el momento parece sin una favorita definida, no obstante que Viola Davis es también la nueva ganadora del Premio Sag otorgado por la Unión de Actores, a menudo indicativo para los Oscar.

Después de hacer historia en los Premios de la Academia, como la actriz negra que recibió más nominaciones (cuatro), VIOLA DAVIS, ya ganadora en 2017 de la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por Barriere, podría convertirse en la segunda actriz afroamericana después de Halle Berry en 2002 (como Andra Day) en ganar el Óscar a la Mejor Actriz en un papel principal con Black Bottom de Ma Rainey de Charles C. Wolfe, con ChadWick Boseman (para él nominado póstumamente para un papel principal). Una película, que al igual que Barriere está basada en un drama de August Wilson y es coproducida por Denzel Washington.

CAREY MULLIGAN

De vuelta a la carrera por los Oscar, 11 años después de la nominación a An education, la londinense CAREY MULLIGAN, nacida en 1985, da la cara al camaleón vengativo de la película de reveng/comedia negra A promising woman de la directora debut Emerald Fennell, coproducida por Margot Robbie. El personaje principal es Cassie, de treinta años de edad, que lleva a a hombres dispuestos a aprovecharse de borrachos, confundidos o que parecen indefensos. Si “entiendes por qué Cassie está de luto también entiendes por qué hace lo que hace – explicó Carey Mulligan – . La historia resulta ser cierta. Más allá del género y el tono, de divertido a aterrador, sientes que estamos hablando de trauma y vidas reales”.

ANDRA DAY

En 1973, Diana Ross recibió una nominación al Óscar por su ensayo como Billie Holiday en The Lady of the Blues. 48 años después es ANDRA DAY de 36 años, cantautora e intérprete, aquí en su debut cinematográfico como protagonista para conseguir su primera nominación, gracias a un ensayo casi simbiótico, para Estados Unidos vs Billie Holiday de Lee Daniels.

La película cuenta la historia principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks a su pasado), cuando el FBI la convierte en el blanco de una vigilancia constante que bordea la persecución, por su compromiso con una sociedad racista. “Me sorprendió su fuerza, su capacidad para luchar sola, su resiliencia, su poder interno – explicó Andra Day-. Realmente la considero la madrina de la lucha por los líderes de los derechos civiles”.

VANESSA KIRBY

Después de ganar audiencia internacional gracias a su interpretación de la joven princesa Margarita en The Crown, la británica VANESSA KIRBY, nacida en 1988, debutó entre los nominados al Oscar, como una madre que luchaba con un luto devastador, la de la muerte de su hija recién nacida, en Pieces of a woman de Kornel Mundruczo, con Martin Scorsese como coproductor ejecutivo. “Estaba buscando algo que me asustara, un reto -explicó la actriz-. No soy madre y me encontré en este papel casi animal que representaba el dolor de muchas mujeres”. La noticia de la nominación al Oscar le llegó en el set de Misión Imposible 8, mientras estaba maquillada: “Hice un fuerte suspiro – le dijo a Los Angeles Times– que la maquilladora pensó que alguien había muerto”.

FRANCES MCDORMAND

La reina del set más anti-diva de Hollywood, FRANCES MCDORMAND, ya ganadora de dos Oscar, en 1997 por Fargo y en 2018 por Three Posters in Ebbing, Missouri, regresa a la carrera, tanto como actriz principal como co-presentadora de Nomadland de Chloé Zhao, León de Oro en Venecia 2020 y llegando a Star (Disney+) a partir del 30 de abril.

En la película Frances McDormand como Fern, decide vivir como un trabajador’, esos trabajadores mayores, víctimas de la crisis económica que se mueven por las calles de los Estados Unidos como nuevos nómadas en busca de empleos estacionales. “Hacer ese tipo de vida, moverse constantemente por los grandes espacios -explicó la actriz- pagando gastos con trabajo ocasional son decisiones difíciles, pero tienen mucho que ver con el sueño americano que no es sólo el sueño del éxito económico”.

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Harvey Weinstein apela su sentencia de 23 años y pide un nuevo juicio

NUEVA YORK.-El ex magnate y todopoderoso de Hollywood HARVEY WEINSTEIN apeló su condena de 23 años de prisión y pide un nuevo juicio.

En las 166 páginas de apelación presentadas, los abogados de Harvey Weinstein se quejan de que a su ayudante no se le ha dado un “juicio justo” y critican duramente al juez James Burke por permitir el testimonio de cuatro mujeres cuyos cargos no resultaron en acusación criminal: fueron escuchadas “sólo para mostrar a Weinstein como abominable”, se lee en los documentos.

Burke -según la defensa del ex productor- también es “culpable” de no permitir que Weinstein llamara a un detective del NYPD en el estrado de testigos que había estado directamente involucrado en la investigación y había escuchado de una mujer que probablemente había mentido sobre haber sido abusada sexualmente por el ex jefe de Miramax. La lista de críticas a Burke es larga e incluye el hecho de que no debería haber permitido al jurado deliberar sobre la violación en tercer grado en relación con un incidente de 2013. La fiscalía de Manhattan respondió a los cargos con una breve nota: “Responderemos en la corte”.

Weinstein fue declarado culpable en febrero de 2020 de acto sexual criminal en primer grado y violación en tercer grado: un total de 23 años de prisión, incluyendo 20 años por agredir a Miriam Hailey, una ex asistente de producción en Project Runway, y tres más por la violación en tercer grado (relaciones sexuales no consensuadas) de Jessica Mann. Los jurados lo absolvieron de dos cargos más graves de “agresión sexual depredadora”, al tiempo que se comprobaba haber también violado a la actriz Annabella Sciorra a principios de la década de 1990.


Su fallo fue la culminación del caso que estalló en 2017 cuando el New York Times y The New Yorker lo llevaron a la fama, descubriendo un escándalo aparentemente de dominio público en el mundo del cine. La condena de Weinstein fue una victoria para el #MeToo que ahora sigue a detalle el nuevo capítulo de la batalla en los tribunales.

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Debaten de nuevo si los premios Oscar permitirán formato virtual de Zoom

NUEVA YORK.- Los premios Oscar 2021 podrían eventualmente incluir formato virtual a través de Zoom. Después de las protestas de algunos nominados y discusiones con los organizadores, la Academia podría permitir que aquellos que luchan por venir a Los Ángeles asistan a la ceremonia en formato virtual.

Esta versión surgió de Hollywood Reporter, que anticipa una reunión entre los candidatos y los productores de “Noche de las estrellas” Steven Soderbergh, Stacey Sher y Jesse Collins en cuya agenda están “actualizaciones en el programa” y detalles sobre qué hacer en caso de que se necesite una participación virtual el 25 de abril.

La reunión estaba programada la semana pasada y luego cancelada repetidamente. A principios de marzo, los organizadores habían descartado categóricamente el uso de videoconferencias después del fracaso de audiencia grabado por otros premios realizados en formato híbrido, en particular los Grammy.

A los candidatos se les ofreció la única opción de intervenir en persona en Union Station, la histórica estación de tren de Los Ángeles cuyo tamaño permitiría el distanciamiento social contra Covid, una opción accesible para aquellos que viven en la Meca del cine, menos para aquellos que tienen que venir de lejos como los representantes de las cinco películas internacionales en la competición: el danés Another Round de Thomas Vinterberg que también está nominado para dirigir, Collective de Rumania también se postula para mejor documental, The Man who sold his skin tunecino con Monica Bellucci, Better Days de Hong Kong y Quo Vadis Aida de Bosnia y Herzegovina.

Luego están las directoras Emerald Ferrell (Promising Young Woman) y Chloe Zhao (Nomadland), ninguna de las cuales está en los Estados Unidos en estos días, así como Carey Mulligan (Promising Young Woman), Sacha Baron Cohen (Borat 2, The Chicago 7 Trial), Anthony Hopkins (The Father), Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) y Yuh-Jung Youn (Minari).

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Johnny Depp, mal y de malas: le niegan apelación contra “The Sun”

LONDRES.– Mal y de malas para JOHNNY DEEP, el Tribunal de Apelaciones británico denegó al actor estadounidense la posibilidad de recurrir una sentencia de noviembre a favor del diario sensacionalista The Sun contra el que se había querellado por difamación.

La estrella de Hollywood, de 57 años, había demandado al grupo editor del periódico, News Group Newspapers (NGN), por un titular de abril de 2018 en que lo presentaba como un “golpeador de esposas” en referencia a su exmujer, la actriz Amber Heard, de 34 años.

Esta vez la apelación de Johnny Depp terminó en un naufragio. No podrá apelar ante los tribunales británicos contra el Sun de Rupert Murdoch, tabloide que el actor había demandado por haber sido tachado en 2018 de marido “golpista” hacia Amber Heard, ex modelo, actriz y última esposa de Johnny.

El inquieto, atormentado y turbulento protagonista de Piratas del Caribe había criticado duramente ese veredicto, calificando de injusto y anunciando su intención de apelar con sus abogados ante el tribunal superior. Pero la posibilidad de recurrir -que en el sistema británico tiene que ser examinada y aprobada por un juez- le fue denegada por supuesta falta de argumentos suficientes primero por el mismo magistrado en el primer juicio y ahora también por un tribunal de segunda instancia.

La derrota legal en el Reino Unido se convierte así en definitiva; y, después de haber tenido ya un fuerte impacto en la imagen y carrera cinematográfica de Depp podría tener efectos devastadores incluso en las disputas legales aún abiertas en el caso de divorcio de Estados Unidos.

Siempre amado por el público, también y sobre todo femenino, el actor de 57 años se encuentra inmerso en la campaña MeToo.

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En los Premios Oscar, el streaming dominará como nunca la pantalla

LOS ÁNGELES.-Como nunca antes, la próxima entrega de los Premios Oscar tendrá en el streaming su máxima plataforma, la vía por la que los cinéfilos de todo el mundo han podido presenciar las principales películas nominadas, dado que las salas cinematográficas han estado cerradas durante muchos meses debido a la pandemia y confinamiento.

La noche de los Premios Oscar el próximo 25 de abril, registra récord de mujeres candidatas, dos de ellas -Zhao y Ferrell- aspirantes por Mejor Dirección.

La nueva tendencia en los Premios Oscar es: #OscarsNotSoWhite), a la par de que los suscriptores de plataformas tienen las primicias para ver de primera mano las cintas candidatas a lo mejor del año en diversas categorías. Esto se sumará a la pérdida del encanto de una ceremonia con toda la pompa y circunstancia, donde por la pandemia se quita el encanto resplandeciente de la estatuilla y al menos nadie aparecerá con jeans, en pijama, o empleando zoom.

NOMADLAND, por ejemplo, obtuvo el León de Oro en Venecia, tiene seis nominaciones pero aún no se ha estrenado en los cines, mientras se anuncia que a partir del 30 de abril estará disponible en Star inside Disney+, es decir, después de la gala.

De igual manera solo los suscriptores de Netflix han podido deleitarse con la película de David Fincher MANK, con un enorme Gary Oldman, un film que con 10 nominaciones, Incluyendo Mejor Película, es el rey de la víspera. THE CHICAGO 7 TRIAL, también se ve por Netflix, escrita y dirigida por Aaron Sorkin (una historia real con un formidable reparto que incluye, entre otros a Sacha Baron Cohen, Frank Langella, Joseph Gordon Levitt, Eddie Redmayne, y Mark Rylance, capaz de transportarnos a 1968).

En la misma plataforma pero con menos nominaciones también se puede ver BUT RAINEY’S BLACK BOTTOM con Viola Davis, AMERICAN ELEGY con Glenn Close, NEWS FROM THE WORLD con Tom Hanks, MIDNIGHT SKY de George Clooney, la película animada OVER THE MOON y AGAIN LIFE FRONT OF ITSELF de Edoardo Ponti (con Laura Pausini nominada por la canción Io Sì), las conmovedoras PIEZAS DE MUJER con Vanessa Kirby, FROM 5 BLOODS – AS BROTHERS of Spike Lee, THE WHITE TIGER de Ramin Bahran, el documental CRIP CAMP: A DISABILITY REVOLUTION y los cortos If something happens I love you and A love song for Latasha.

Para los suscriptores de Amazon hay un puñado de títulos dignos del Oscar, comenzando con el aclamado SOUND OF METAL que tiene seis incluyendo Mejor Película, Guion Original, Actor Principal (Riz Ahmed, rapero de ascendencia paquistaní), escrita y dirigida por el recién llegado Darius Marder. Y luego BORAT 2 con Sacha Baron Cohen, el documental TIME de Garrett Bradley y THAT NIGHT IN MIAMI.

En Disney+ se puede ver SOUL de Docter y ONWARD – BEYOND MAGIC, ambas de animación.
En Sky, además de recuperar PINOCCHIO de Matteo Garrone (dos nominaciones), también está la animación de SHAUN, VITA DA PECORA: FARMAGEDDON.

La lista de películas inéditas que esperan la sala y no están en streaming es realmente larga, mientras que se mantiene sólo en las categorías principales: MINARI, escrita y dirigida por el estadounidense de origen coreano Lee Isaac Chung, con 6 nominaciones, EL PADRE de Florian Zeller, con Anthony Hopkins y Olivia Colman, el biopic THE UNITED STATES vs BILLIE HOLIDAY de Lee Daniels, con la candidata a Mejor Actriz Andra Day, QUO VADIS, AIDA? por Jasmila Žbanić (Mejor Película Internacional, JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, también con seis nominaciones incluyendo Mejor Película (está en la lista Warner), así como la muy esperada sorpresa PROMISING YOUNG WOMAN, con Carey Mulligan, con seis nominaciones incluyendo el de la directora Emerald Fennell, y ANOTHER ROUND de Thomas Vintenberg.

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Sharon Stone, duro y directo contra depredadores sexuales en su libro

NUEVA YORK.– En The Beauty of Living Twice (La belleza de vivir dos veces), las nuevas memorias de SHARON STONE, la actriz ofrece una dura mirada y un “yo acuso” contra los depredadores sexuales de Hollywood, su carrera y la recordada escena del filme Basic Instinct.

Aunque alaba a algunos ejecutivos de cine y co-protagonistas (especialmente a su protagonista de Basic Instinct, Michael Douglas), Stone denunció que un productor anónimo la presionó para que tuviera relaciones sexuales con un co-protagonista masculino en una película para ayudar a salvar la cinta.

En un extracto de su libro, que estará en las librerías y en venta on line a partir del 30 de marzo, la estrella de Ratched y Casino detalla una serie de situaciones desagradables de acoso sexual que sufrió durante sus 40 años de carrera.

La actriz de 63 años aseguró que era “nadie” en Hollywood antes de esa película, y explicó lo mucho que luchó para conseguir el papel.

 “Basic Instinct fue mi película número 18″, escribió.

 “Durante años, me habían golpeado haciendo un montón de películas de mierda… tenía 32 años”.

 Recordó que “después de ofrecer el papel a otras 12 actrices que lo rechazaron”, Michael Douglas y el director Paul Verhoeven “accedieron a probar conmigo”.

“Ya había hecho Total Recall con Paul, pero Michael Douglas no quería probar conmigo”, dijo. “Oye, yo no era nadie comparada con él, y esta fue una película muy arriesgada”.

 Sin embargo, la pareja finalmente hizo buena química y salió adelante.

Respecto a la famosa escena en la que su personaje se abre estratégicamente de piernas, haciendo sudar a sus policías interrogadores, aseguró que eligió hacerla porque “era correcta para la película y para el personaje; y porque, después de todo”, la hizo.

La película se convirtió en un éxito y su personaje le dio una ventaja que necesitaba para navegar en la industria que finalmente la había reconocido.

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Bertolucci fue el más internacional de los cineastas italianos

ROMA.- BERNARDO BERTOLUCCI (16 de marzo de 1941-26 de noviembre de 2018) cumpliría 80 años, el más internacional de los cineastas italianos. Ha sido el único realizador de la península que obtuvo un Oscar al Mejor Director en 1988, gracias a EL ÚLTIMO EMPERADOR, que le llevó a ganar nueve estatuillas.

En su casa de Roma tampoco faltaban los Globos de Oro, los premios a la carrera de la Mostra de Venecia y de la Academia de Los Ángeles, el Leopardo de Honor en Locarno y una avalancha de premios nacionales, incluidos David di Donatello, Nastri d’Argento y Ciak d’oro.

El de Bertolucci fue un camino surcado por éxitos (su estrella brilla en el Camino de la Fama de Los Ángeles) al igual que en suelo italiano donde inició con su ópera prima, La commare secca (1962) y en la escena internacional con la nominación al Oscar por Il conformista (1970).

Habría cumplido 80 años si la enfermedad no se hubiera apoderado de él, primero por una cirugía de espalda incapacitante y luego por un tumor incurable que le ocasionó su deceso el 26 de noviembre de 2018.

Cuatro años antes, su ciudad natal, Parma, le regalaba la satisfacción tal vez ambicionada en secreto: un título honorífico en historia y crítica de las artes escénicas.

Con su habitual sonrisa irónica, Bertolucci subió al palco para una memorable lección magistral que recorrió todas las etapas de su vida artística, comenzando por la infancia y la enseñanza de su padre, el poeta Attilio, para luego continuar un viaje como un eterno adolescente, con los ojos muy abiertos frente al “misterio del cine”.

De hecho, ese es el título del libro que, gracias a la pasión de su esposa, Claire Peploe, llega hoy a las librerías de Italia y reproduce aquella mágica lección, un ejercicio de sinceridad, memoria, poesía y técnica que recorre con mirada lúcida toda su obra.

El editor de libro, Michele Guerra, recordó que aquel día, tras haber entregado su diploma en la cátedra, el 16 de diciembre de 2014, fue para Bertolucci un verdadero “regreso a casa”.

La ocasión estuvo teñida de emoción y recuerdos, como para marcar la verdadera característica que connota su éxito: llevar su tierra a los rincones más recónditos del mundo, de China al Tíbet, del Sahara a París, sin arrancar nunca sus raíces, extraordinariamente evidente en el poema más ambicioso, el díptico del Novecento.

Bertolucci fue, antes que nada, un poeta, si bien la impronta paterna se revela solo en una antología adolescente, En busca del misterio, publicada en 1962 y premiada como ópera prima.

El cineasta fue un poeta por su visión casi infantil del cine como una linterna mágica del inconsciente, un lugar de sombras y ambigüedad en el que el hombre se pierde en busca de sí mismo mientras la sociedad que lo rodea lo transforma y lo desborda todo.

También lo fue al dejar la universidad para seguir a otro poeta, Pier Paolo Pasolini, elegido como maestro y a quien acompañó en el descubrimiento del “oficio” cinematográfico en el set de Accattone, en el que ambos debutaron, uno como director, el otro como aprendiz.

La poesía estuvo presente incluso en los viejos por el mundo, en la búsqueda de un secreto que llevaba dentro y que proyecto en el niño emperador de su “kolossal” sobre la reencarnación de Buda o en los dos niños amigos, obligados luego a crecer como Italia a través del fascismo en Novecento.

En un examen más detenido, muchas de sus películas revelan un punto de vista secretamente infantil o adolescente: tanto en Antes de la revolución (rodada en Parma) y en El Conformista, en los godardianos Socio, Último tango en París y, más tarde The Dreamers, en el inquieto Joe de La Luna, en la chica viajera de Té en el desierto y en la soleada Lucy de Yo bailo solo, hasta el adolescente Lorenzo en su última película , Tú y yo de 2012.

Evidentemente hay excepciones, cuando Bertolucci mira las transformaciones de su país con un ojo desencantado entre La estrategia de la araña, la otra cara de El conformista; La tragedia de un hombre ridículo, el pensativo Asedio, que es quizás su última y verdadera obra maestra.

El deseo que deja Bertolucci en las páginas de su libro es precisamente que el cine italiano recupera pronto su madurez, que vaya de la mano de una constante estatura internacional, pero en la que no se menoscaben las dos fortalezas de su obra: la luz del asombro de la mirada de un niño la mirada y la fuerza consciente de las propias raíces.

La última mención de su título honorífico lo devuelve a su verdadero mundo incluso hoy.

“Parma y las tierras bajas y colinas que la rodean -leemos- han aparecido en muchas de sus películas, desde Antes de la revolución en adelante, testificando el profundo vínculo que ha mantenido Bernardo Bertolucci con sus lugares de origen”.

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Con el deceso de Eduardo Moreno Laparade, sobrino de “Cantinflas”, culminaron 20 años de litigios

Por años el rostro de Eduardo Moreno Laparade, sobrino de Mario Moreno Cantinflas, quien falleció la tarde este sábado a consecuencia de haber contraído el Covid-19, ocupó repetidamente espacios en los espectáculos por los dimes y diretes en el conflicto legal en contra de Mario Moreno Ivanova por los derechos legales de las películas del cómico mexicano, litigio que finalmente ganó.

Moreno Laparade quien fuera periodista, había sido sometido a una traqueotomía y fue intubado.

La noticia fue dada a conocer en redes sociales por el actor y productor Jorge Ortiz de Pinedo, quien en su cuenta de Twitter, lamentó la sensible pérdida del sobrino de “Cantinflas”.

Eduardo Moreno Laparade era hijo de Eduardo Moreno Reyes, hermano de Mario Moreno Cantinflas, y quien fungió como su apoderado legal por más de 45 años.

Tras la muerte de su padre, Moreno Laparade asumió el mismo puesto que le valió un largo y desgastante pleito legal contra Mario Moreno Ivanova, hijo único de Canfinflas, por los derechos legales de los filmes del cómico mexicano. Pero en 2014, la corte concedió el fallo a favor del hoy difunto Moreno Laparade, como el titular de las películas de su tío.

Eduardo Moreno Laparade creó la Fundación Mario E. Moreno en honor a Cantinflas, y estuvo al frente de ella desde su conformación.

A Eduardo Moreno Laparade su tío, Mario Moreno Cantinflas, lo apodaba El Mariachi porque se la pasaba todo el tiempo a caballo en el rancho El Detalle, una de las propiedades que tenían en San Luis Potosí.

Hijo de Eduardo Moreno Reyes, quien fuera el apoderado de Cantinflas durante más de 45 años, siempre acompañaba a su padre y a su tío en los asuntos legales, sin sospechar que luego del fallecimiento de El mimo de México, el 20 de abril de 1993, se inscribiría en un pleito legal desgastante de más de 20 años en contra de su primo, Mario Moreno Ivanova, el único hijo de Cantinflas.

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Murió Christopher Plummer a los 91 años, el inolvidable capitán de “La novicia rebelde”

El veterano actor CHRISTOPHER PLUMMER falleció a los 91 años en su hogar en Connecticut en compañía de su esposa y mejor amiga por 53 años, Elaine Taylor.

Deadline dio a conocer el deceso del inolvidable intérprete de La novicia rebelde y All the money in the world.

Su manager y amigo por 46 años, Lou Pitt, señaló que “Chris era un hombre extraordinario que amaba y respetaba profundamente su profesión con excelentes modales a la antigua, un humor autocrítico y la música de las palabras”.

“Era un tesoro nacional que disfrutaba profundamente de sus raíces canadienses. A través de su arte y su humanidad, tocó todos nuestros corazones y su vida legendaria perdurará para todas las generaciones venideras. Él estará para siempre con nosotros”, añadió.

Plummer pasó los últimos 75 años como un incondicional del escenario y la pantalla, el último de los cuales cubrió más de 100 películas. Es mejor conocido por interpretar al Capitán John Von Trapp en el clásico de 1965 dirigido por Robert Wise The Sound of Music, pero ganó su Oscar por la película Beginners de 2010, y recientemente fue nominado al Oscar por la película All The Money In The Worls, dirigida por Ridley Scott. 

Plummer se crió en Montreal y comenzó su carrera profesional en el teatro y la radio tanto en francés como en inglés. Después de que Eva Le Gallienne le diera su debut en Nueva York (1954), protagonizó muchas producciones célebres en Broadway y el West End de Londres y ganó elogios a ambos lados del Atlántico.

Ganó dos premios Tony por el musical Cyrano y por Barrymore, además de siete nominaciones al Tony, la última por su King Lear (2004) y por Clarence Darrow en Inherit the Wind (2007); también tres premios Drama Desk y la medalla del National Arts Club.

Ex miembro destacado del Royal National Theatre de Sir Laurence Olivier y de la Royal Shakespeare Company de Sir Peter Hall, donde ganó el premio Evening Standard de Londres al mejor actor en Becket; también ha dirigido el Festival Stratford de Canadá en sus años de formación con Sir Tyrone Guthrie y Michael Langham.

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Va de nuevo: hasta octubre el filme de James Bond, “No Time To Die”

NUEVA YORK.- La próxima entrega de las aventuras del agente secreto James Bond, NO TIME TO DIE, que debería haberse estrenado en las salas el pasado 2 de abril, llegará hasta el 8 de octubre, debido a la pandemia de Covid-19.

Londres está en pleno confinamiento, mientras que Estados Unidos sufre una crisis sanitaria que no se veía desde hace un siglo. El jueves, el virólogo estadounidense Anthony Fauci, al presentar en la Casa Blanca el plan de lucha contra el Covid-19 del nuevo gobierno a cargo de Joe Biden, ratificó un “eventual” retorno a la “casi normalidad” -esto incluiría cines, teatros, restaurantes y escuelas- a inicios del otoño si para fines del verano se logra que el 70% de la población esté vacunada.

La postergación de la programación no tomó por sorpresa a Hollywood: se había hablado ya del tema la semana pasada.

NO TIME TO DIE es el filme 25 de la serie, inspirada inicialmente en las novelas de Ian Fleming y el último en el que el británico Daniel Craig interpretará al célebre espía.

El elenco incluye a otras estrellas, como Rami Malek, en el papel de Safin, el enemigo de Bond; Lashana Lynch; Léa Seydoux; Ben Whishaw y Christoph Waltz.

La compañía Metro Goldwyn Mayer (MGM) tiene el control de la distribución en América del Norte mientras que Universal posee los derechos internacionales. La película demandó un presupuesto de alrededor de 200 millones de dólares y se necesitan ingresos globales de taquilla sustanciales para equiparar la inversión, argumentó la revista Variety.

El último filme de Bond, Spectre, recaudó en 2015, 880.6 millones de dólares, cifra imposible de obtener en meses durante los cuales la mayor parte de los cines están cerrados y los pocos que están abiertos funcionan con capacidad reducida.

 NO TIME TO DIE fue la primera película víctima de la pandemia, cuando en marzo pasado su estreno había sido pospuesto para noviembre, y luego aplazado nuevamente para abril.

La postergación anunciada hoy podría inducir a estudios rivales a hacer lo mismo para las pocas películas todavía en cartel este año.

En tanto, el puesto vacante dejado por James Bond ya fue ocupado por el thriller de acción de Universal Nobody, que se debería haber estrenado el 26 de febrero.

Por su parte, Sony aplazó los lanzamientos de Peter Rabbit 2, Ghostbuster:Afterlife y Cenicienta, mientras que Focus Feature cambió el estreno de Last Night in Soho, de Edgar Wright, del 23 de abril al 22 de octubre.

También es probable, señaló Variety, que F9, la secuela de Rápido y furioso de Universal, no conserve su fecha de estreno, programada en principio para el 28 de mayo.

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Murió la actriz francesa Nathalie Delon, ex esposa de Alain Delon

PARIS.-La actriz francesa NATHALIE DELON, quien protagonizó las películas de Jean-pierre Melville The Samurai, murió este día en París a los 79 años. Su hijo, Anthony Delon lo dio a conocer: “Mi madre murió esta mañana a las 11 de la mañana, en París, rodeada de sus afectos. Estoy muy triste.

“Me hace mucho mal cuando se van los que he amado”, dijo por su parte quien fuera su esposo, Alain Delon. “Nathalie fue mi primera mujer y la única señora Delon”, agregó el actor.

La actriz participó en unos treinta filmes en papeles secundarios, hasta el inicio de los años 80 y después se desempeñó como realizadora.

Dirigió Llaman a eso un accidente (1982), y Sweet Lies, con Treat Williams, entre otras. Publicó sus memorias en 2006.

De origen español, nació con el nombre de Francine Canovas, el 1 de agosto de 1941 en Ojda, Marruecos. Llegó a París en 1962 tras separarse de su primer marido, Guy Barthélémy, con quien tuvo una hija.

Tenía 21 años cuando por azar conoció a Alain Delon en una discoteca parisina, cuando éste era novio de Romy Schneider.

Empezó una pasión clandestina hasta que Delon dejó a Romy para casarse con ella en agosto de 1964, en el mayor secreto.

La pareja viajó en el barco “France” en luna de miel y se instaló en Los Ángeles, donde, un mes más tarde, nació su hijo Anthony.

El fantasma de Romy Schneider planeaba sobre su relación. “Alain no me hablaba de ella, pero yo veía algunas veces una sombra de tristeza invadir su mirada”, afirmó mucho tiempo después.

Luego se deterioró su relación en la mansión en Hollywood donde vivían, pues Nathalie vivía atormentada por las conquistas efímeras de su marido. Se divorciaron en febrero de 1969. Alain Delon inició después una relación con la también actriz Mireille Darc. 

Pero “nos  veíamos con frecuencia. Hacía parte de su vida y ella de la mía. Estuvimos juntos en Navidad. Nos tomamos fotos, las últimas”, relató Alain Delon este jueves a la prensa parisina.

El papel de Jane en The Samurai de 1967 le dio notoriedad, pero luego Nathalie Delon hizo una treintena de películas, también haciéndose pasar por personajes no prominentes. En la década de 1980 pasó detrás de la cámara y escribió un libro de recuerdos en 2006.

Alain Delon dejó a Romy Schneide  para casarse con ella en agosto de 1964, y la pareja se mudó a Los Ángeles donde Anthony nació. Pero el fantasma de Schneider siempre estuvo presente en la relación entre los dos: “Alain – Nathalie dijo en una entrevista – nunca me habló de ella, pero de vez en cuando vi en su mirada una sombra de tristeza”.

En el set de The Samurai la tensión entre los dos ya era muy alta, el divorcio llegó en 1969. Nathalie se fue con su hijo, Alain comenzó su relación con Mireille Darc. Hace apenas un mes,publicó una foto de sus padres uno al lado del otro en Instagram.

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“Las ideas vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos”: David Lynch

HOLLYWOOD.- Lo llamaron el último hombre del Renacimiento, el auténtico surrealista americano, y el director más misterioso de Hollywood. De hecho, ninguna definición se ajusta plenamente al personaje y el talento de DAVID KEITH LYNCH, originario de Missoula, Montan, quien cumple este miércoles 20 de enero día 75 años.

A los 20 años, Lynch se mudó a Filadelfia para asistir a la academia de Bellas Artes. La pintura ha sido su pasión, durante la escuela secundaria aprendió a dibujar en la Escuela Corcoran en Washington, y considera a Francis Bacon “un héroe, el artista moderno más grande”.

En Filadelfia se apasionó por la imagen en movimiento y como un ensayo de fin de curso presenta el cortometraje Six Figures Getting Sick. “Fue sólo una de mis pinturas. Había una figura ocupando el centro del lienzo. Mientras miraba la figura de la imagen sentí un ligero cambio en el aire y atrapé un pequeño movimiento. Y quería que la imagen realmente pudiera moverse, al menos por un tiempo”.

A partir de aquí comienza para él una aventura todavía envuelta en misterio: aterrizó en Los Ángeles, en 1971, utiliza una beca del American Film Institute para comenzar a filmar su primer largometraje. El dinero se acaba y le tomará seis años para que Eraserhead vea la luz del día. El resultado se considera imposible de distribuir pero gracias a la ayuda de algunos amigos, Lynch logra proyectarlo en alguna habitación como un espectáculo de medianoche y, con la película en su maleta, aterriza en Europa en el Festival Fantástico de Avoriaz.

Con el aire perdido del provincial americano, sin siquiera un chaleco para defenderse del frío en los Alpes franceses, vaga entre cinéfilos y estrellas con el aire de un extraterrestre aterrizado en la tierra. La proyección de la película, una pesadilla surrealista con los ojos abiertos, filmada en blanco y negro y dominada por la aterradora encarnación de un feto de origen incierto (Lynch nunca revelará lo que es y lo enterrará en secreto organizando una vigilia fúnebre con la tripulación), resulta en un evento auténtico.

Eraserhead gana el premio, se convierte en un objeto de culto, despierta mil interpretaciones y durante diez años se proyectará por la noche en lo alto en muchas salas de arte estadounidenses. El director siempre se negará a explicar el significado de las imágenes subliminales e inquietantes que pasan por la película haciendo suya un mantra entonces respetado en el futuro (“las películas hablan por sí solas, inútiles para solapar intenciones y explicaciones”) tanto que ninguna de sus obras distribuidas en video casero contiene entrevistas explicativas.

Además, todo su arte es de experiencias visuales, meditación, viajes a las obsesiones inconscientes y juveniles, como para recrear el tejido emocional de una generación y de la América profunda. No es casualidad que sus mayores éxitos, desde Blue Velvet hasta The Secrets of Twin Peaks se encuentran en pequeños pueblos aislados, entre el frío de las montañas y las grandes llanuras del noroeste.

El punto de inflexión en la carrera cinematográfica de David Lynch llega con la segunda película, Elephant Man (1980) para la que, gracias al compromiso de amigos y colaboradores con los que formó una especie de “familia artística” que durará con el tiempo, llama la atención de Mel Brooks. El director de Frankenstein Junior, después de ver la primera película del forastero de Filadelfia, acepta producirla: a cambio obtendrá nueve nominaciones al Oscar por una película en blanco y negro ambientada en el Londres victoriano y entregará a Hollywood la nueva estrella del momento.

Paradójicamente, la oportunidad de la vida se convertirá en el mayor fracaso de Lynch. Dino De Laurentiis le da el proyecto de la vida: la adaptación de una saga visionaria como Dune de Frank Herbert. Luchando con un presupuesto de éxito (45 millones en 1984) y la presión de los medios de comunicación, el director se pierde y no será apreciado ni por el público ni por la crítica, sin emplear los recortes impuestos por De Laurentiis y también por la versión más larga preparada para la televisión. Al borde de una profunda depresión y listo para volver a sus viejos amores (pintura, pero también la música que lo verá emerger como compositor y voz solista), David Lynch trae a De Laurentiis un nuevo guion, casi en compensación por el fracaso anterior.

En un entorno nostálgico del clásico noir, puso en Blue Velvet (1986) todas sus obsesiones, los fantasmas de los pueblos de montaña en los que creció, los sonidos de la América de los años 50, la fascinación del mal y las misteriosas damas oscuras. Elige a actores baratos como el olvidado Dennis Hopper, su icono Isabella Rossellini, el joven Kyle McLachlan descubierto en Dune; conoce al músico Angelo Badalamenti que hará su fortuna, paga la confianza del productor con un verdadero triunfo crítico y la segunda (de tres) nominaciones al Oscar al Mejor Director.

Tres años más tarde, el productor Mark Frost le abrió las puertas con la serie de ABC The Secrets of Twin Peaks: los estadounidenses nunca habían visto nada parecido y la serie se convertirá en el punto de referencia de toda la ficción de principios de siglo, así como la obsesión del director por volver a sus personajes en Fire Walks With Me (1992) y los nuevos Twin Peaks de 2017.

Mientras tanto, ganó la Palma de Oro en Cannes con Wild Heart, hizo el noir más misterioso de los años 90 (Lost Roads y Mulholland Drive), dado rienda suelta a su fantasía surrealista con Inland Empire, ganó un León de Oro en Venecia en 2006.

El Premio de la Academia de Carrera 2019 pone fin a su talento. Pero fuera del cine se ha consolidado, mientras tanto, como un artista destacado con exposiciones en todo el mundo (famosa la colaboración con Loubotin para las instalaciones de Fetish), discos y videos experimentales, dignos de un genio sin esquemas ni límites.

“Las ideas -dice de sí mismo- vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos.”

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James Earl Jones, 90 años del actor tartamudo de voz privilegiada

LOS ÁNGELES.- Es el actor con una de las voces más inconfundibles del cine americano y protagonista con papeles que han hecho historia. Es JAMES EARL JONES, quien cumple este día 90 años.

EARL JONES nació el 17 de enero de 1931 en Mississippi pero criado en Michigan. JONES es conocido, entre otras destacadas actuaciones, por su papel como Alex Haley en Roots, seguido de Thulsa Doom en Conan el Bárbaro, y el Almirante Greer en The Hunt, en filmes como Octubre Rojo, Power Games, Under the Sign of Danger. Su papel como el rey Joffy Joffer en Coming to America (1988), el padre del príncipe Akeem interpretado por Eddie Murphy, también es inolvidable.

Pero su fama también está ligada a su carrera como actor de voz. La suya es la voz de Dart Fener en las sagas de Star Wars y Mufasa en El Rey León (así como en su secuela y remake).

También es la voz detrás del anuncio de This is CNN. Sus actuaciones le valieron diez nominaciones al Emmy, ganando 3 de ellas, 5 premios Globo de Oro y un Premio de la Academia al Mejor Actor Principal por la película To Rise Lower, mientras que en 2012 recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria. Por sus obras de teatro, ganó dos premios Tony.

Sin embargo, JONES, una de las voces más reconocibles del mundo, tiene un pasado como tartamudo. Como él mismo relató en el pasado en una entrevista, cuando era niño, criado por sus abuelos maternos, luchó con una forma de tartamudeo que lo dejó casi mudo durante los primeros ocho años de su vida. “Como un niño- recodó – sólo me comunicé con mi familia o al menos con aquellos que no se sentían avergonzados por mi tartamudez y vergüenza. En cambio, me comuniqué con animales con bastante libertad, a saber, cerdos, vacas y pollos. A ellos no les importa cómo suene tu voz”.

JONES también fue presa de las burlas de sus compañeros de clase en la escuela y en un momento dejó de hablar. En cambio, lo hizo en la escuela secundaria y gracias a un profesor de inglés que comenzó en la poesía.

El actor una vez escribió un poema tan hermoso que el mismo maestro dudó que fuera original. Así que lo invitó a recitarlo de memoria delante de la clase. Lo cual hizo porque fueron sus palabras y desde entonces ha estado en el camino de ponerse detrás del trastorno del habla.

Hoy, a pesar de los éxitos de su carrera, no se siente capaz de decir que ha salido completamente de ella. “No puedo decir que estoy curado – comentó ¡trabajo en ello!”.

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Faye Dunaway cumple 80 años

LOS ÁNGELES.- FAYE DUNAWAY cumple 80 años, icono de los setentas, durante su carrera la actriz ganó un Premio Oscar, tres Globos de Oro, un Bafta y un Emmy, mientras que en 2011 el gobierno francés le otorgó el honor de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras.

DUNAWAY nació en Bascom, Florida, hija de un militar del Ejército de los Estados Unidos, hizo su debut en los escenarios en la década de 1960, cuando a sus 20 años consiguió un pequeño papel en Broadway, en el programa And The Night Came.

El despegue para la juvenil actriz fue en 1966 cuando Elliot Silberstein la quería para Empezó a jugar con Anthony Quinn. Dunaway fue elegida por Arthur Penn para Gangster Story (1967), inspirada en la historia de Bonnie y Clyde, donde alternó junto a Warren Beatty y Gene Hackman. Su interpretación de Bonnie le valió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz en un Papel Protagonista.

Después de trabajar junto a Jane Fonda en E venne la notte de Otto Preminger y The Thomas Crown Case con Steve McQueen, de Norman Jewison, a finales de la década de 1960 la actriz aterrizó en Italia, donde tuvo el papel de Julia en la película Lovers (1968) dirigida por Vittorio De Sica. El otro protagonista fue Marcello Mastroianni, como Valerio. Un romance nació entre los dos personajes y pronto la ficción se trasladó al mundo de la realidad y Dunaway y Mastroianni comenzaron una historia de amor que tendría tres años de duración. La actriz más tarde regresó a Hollywood.

El pináculo de su carrera llegaría en la década de 1970 con películas como Chinatown de Roman Polanski (1974), como Evelyn Cross Mulwray, que le valió su segunda nominación al Oscar, y The Crystal Hell (1974), dirigida por John Guillermin, cuyo elenco incluía a Paul Newman, Steve McQueen, William Holden, Fred Astaire, Jennifer Jones y Robert Wagner.

El Oscar a Mejor Actriz llegó con la interpretación de Diana Christensen en la película de Sidney Lumet de 1976 Fifth Power, sobre el abuso de las noticias. Por el mismo papel también ganó el Globo de Oro.

En la década de 1980 Faye Dunaway se dedicó principalmente a la televisión apareciendo en algunos episodios de la serie Lieutenant Colombo y también regresó a trabajar en Italia, interpretando a la reina Isabel de Castilla en el guion Cristoforo Colombo de Alberto Lattuada, en la película de Carlo Vanzina The Match y con Lina Wertm’ller en In a Moonlight Night.

En 2017, Dunaway, a quien Hollywood también dedicó una estrella a lo largo del famoso Paseo de la Fama, participó en la ceremonia de los Oscar, y junto a Warren Beatty se equivocó al mencionar a La La Land como Mejor Película en lugar de la ganador oficial Moonlight.

De hecho, el error no fue de los presentadores, sino de los encargados de entregar los sobres con los nombres de los ganadores. En una entrevista con Variety, Dunaway reveló que se siente un poco culpable. “Yo podría haber hecho algo – admitió –. ¿Cómo no pude ver el nombre de Emma Stone en la tarjeta?

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Suspenden proyecciones al aire libre en el Festival Sundance en L.A.

NUEVA YORK. – Un aumento récord en los casos de Covid-19 en el condado de Los Ángeles, California, obligó al Instituto Sundance a suspender los planes de realizar proyecciones al aire libre en el sur de California como parte de su festival de cine 2021 que comenzará a fines de este mes.

En cambio, los asistentes al festival podrán ver las películas, cuyos boletos ya adquirieron, on line. Las proyecciones incluirán eventos de preguntas y respuestas en vivo con cineastas y actores.

“Queríamos reunirnos en persona cuando fuera posible y planeamos subir y bajar elementos en función de la situación de salud en nuestras ubicaciones en el momento del evento”, dijeron los organizadores del Instituto Sundance en un comunicado.

El condado de Los Ángeles ha sido el epicentro de la pandemia en California, superando recientemente las 10,000 muertes por Covid-19 y lidiando con el 40% de las muertes en el estado, saturando los sistemas hospitalarios.

Otros eventos anuales importantes en Los Ángeles también fueron modificados debido a la pandemia. La Academia de la Grabación anunció el martes que los Premios Grammy 2021 ya no se llevarán a cabo este mes y serán transmitidas en marzo.

Estados Unidos sigue reportando cifras récord de casos de coronavirus, y alcanzó de esta manera los 21 millones, ya que se informaron otras 3,326 muertes y se contabilizaron más de 250,000 casos en las últimas horas, según el recuento de NBC News.

Hasta esta mañana, 357,958 personas han muerto y 21.1 millones resultaron contagiados en el país por el virus.

Algunos estados establecieron récords de un solo día el martes: Alabama, 5,498 casos; Arizona, 253 muertos; Mississippi, 91 muertos; y Virginia Occidental, 46 muertos.

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Steven Spielberg, el cineasta de los récords, celebra 75 años de vida

ROMA.- Incluido por la prensa internacional entre los 100 genios vivientes, y por la revista Forbes entre los 500 hombres más ricos del mundo, con un patrimonio que supera los 3 mil millones de dólares, el productor y realizador estadounidense STEVEN SPIELBERG cumple este día 75 años consagrado como un mito del cine.

Nacido en Cincinnati el 18 de diciembre de 1946, Spielberg tiene en su haber 57 películas realizadas, 179 producciones dirigidas con éxito y unos 40 proyectos abandonados (o cedidos a otros).

Conviven en Spielber el soñador y el hombre de negocios, el jovencito que vive en una nube y el perfecto liberal estadounidense, el eterno muchacho aún signado por el racismo y el bullying que le hicieron un infierno la adolescencia y el “pater familia” que trajo al mundo cuatro hijos, con dos mujeres distintas, y tiene otros tres adoptados con su actual pareja, Kate Capshaw.

En el día de su cumpleaños todos estarán a su alrededor y no faltaran los mensajes de augurio de sus amigos más queridos: George Lucas, Martin Scorsese, Francis Coppola, todos unidos por la etiqueta de “movie brats”, los campeones de la Nueva Hollywood en sus comienzos en los años 70.

Pero el demonio de la dirección se había apoderado del joven Steven mucho antes. Hijo de un ingeniero electrónico y de una pianista -ambos judíos-, “esclavizó” a todos desde niño, dirigiéndolos en un corto rodado con una cámara 8 mm.

Los temas del entonces joven Steven fueron siempre aventureros y épicos, incluso tras al traslado de la familia a Nueva Jersey, donde la etiqueta de “sucio judío” hería a diario al adolescente Spielberg, oscureciendo también el tono de sus historias.

En 1957, a los 11 años, rodó un catastrófico choque entre dos trenes de juguete (The Last Train Wreck) y luego un western (The Last Gun), donde también actuó.

En 1961 realizó su primer mediometraje, un relato de guerra filmado en su casa, llamado Escape to Nowhere.

La influencia de su amado David Lean se funde con su pasión por las historietas de ciencia ficción y de aventura: simuló un incidente entre aeroplanos filmando en el aeropuerto de Phoenix, y adaptó una historia escrita por su hermana Nancy en Firelight, una saga futurista de 140 minutos que su padre hizo proyectar en un cine alquilado para la ocasión.

En compensación, no se destacó como estudiante modelo en Saratoga y en Los Ángeles, donde asistió con poco provecho a la universidad estatal. Prefirió pasar sus jornadas de estudio en Universal, donde se fingió empleado durante meses hasta que, descubierto, indujo al jefe de personal a contratarlo realmente.

Su historia de amor con el cine está emparentada con numerosos récords: a los 22 años debutó con su primer “corto” profesional (Amblin), que le valió un contrato de siete años con Universal.

Dos años después dirigió el episodio piloto de la serie El teniente Colombo, y logró financiación para su primer filme, Duel, comprometiéndose a rodarlo en diez días a partir de un relato de Richard Matheson, que escribió el guion con él.

Entregó la película terminada en 13 días, dejando con la boca abierta a los productores, que decidieron distribuirlo primero en el cine y solo después en televisión.

Duel le ganó también la estima de su amigo George Lucas, quien había apostado a su fracaso y en cambio terminó dándole un porcentaje de la recaudación del primer episodio de “La guerra de las galaxias”.

Luego de una road movie al estilo de la Nueva Holllywood, Sugarland Express, invitada a Cannes en 1974, concluyó de hecho ese movimiento llevando al éxito planetario Tiburón, en 1975, con 470 millones de dólares de recaudación y una cosecha de tres Premios Oscar.

Dos años después, en 1977, reescribió el modelo de la ciencia ficción Encuentros cercanos del tercer tipo, con su actor fetiche Richard Dreyfuss y uno de sus autores predilectos, François Truffaut.

A principios de los años 80 batió otros dos récords: coronó su sueño de autor con el triunfo de E.T. El Extraterrestre, que lo llevó a la historia del cine, y dirigió para su amigo, el productor Lucas, el primer episodio de la saga de Indiana Jones.

Tras Los cazadores del arca perdida filmará otros tres episodios y tiene otros dos guiones en el cajón.

En 1985 mostró por primera vez su lado más comprometido con El color púrpura, dedicado a los temas de la esclavitud en Estados Unidos”. El filón del compromiso civil dará obras como Amistad, Lincoln, The Post y sobre todo La lista de Schindler, la obra maestra de 1993 con la que ganó dos Premios Oscar, como Mejor Película y Mejor Director.

En esa ocasión donó toda su ganancia a una fundación en memoria de la Shoah, considerando que ese dinero estaba “teñido de la sangre” de las víctimas. Pero en el mismo año confirmó su vocación de realizador de éxitos de taquilla con una historia de dinosaurios ideada por Michael Crichton: Jurassic Park fue su mayor éxito comercial.

En 1998 logró otro récord, el filme de guerra más verídico jamás filmado, Salvar al soldado Ryan, con el que ganó otro Oscar (cuatro en total hasta ahora).

La pandemia frenó el estreno de su nuevo trabajo como director y productor, una ambiciosa remake del musical West Side Story, con un joven elenco de actores, cantantes y bailarines de toda etnia, rodado íntegramente en Nueva York y con la aparición de Rita Moreno, descubierta por Robert Wise en el film original, que cumplirá 60 años en 2021.

El estreno de la remake parece reservarse ya un récord de candidaturas al Oscar para el año próximo.

 “Mi mamá -contó el realizador a Vanity Fair– era una pianista clásica. Nuestra casa estaba llena de álbumes de música clásica. La columna sonora del musical fue el primer álbum de música popular que mi familia haya dejado entrar en casa alguna vez. De niño, me enamoré de ella por completo. La de West Side Story es una tentación que me acompañó mucho tiempo y a la que finalmente cedí”.

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George Clooney, hospitalizado por una pancreatitis; bajó 14 kilos

LOS ÁNGELES.- Luego de sufrir de intensos dolores de estómago, el actor GEORGE CLOONEY, de 59 años, fue hospitalizado de emergencia, comprobándose que la pérdida de 14 kilos ocasionada por el personaje que debía protagonizar para su nuevo filme, derivó en una pancreatitis.

Cuatro días después de que comenzara el rodaje de The Midnight Sky, Clooney comenzó a sentir fuertes dolores de estómago, y fue llevado a la sala de emergencias. “Tal vez traté de bajar de peso demasiado rápido -explicó- y no me cuidé lo suficiente. Tomé unas semanas para mejorar y como director no fue fácil porque se necesita energía. Estábamos en este glaciar en Finlandia, lo que hizo la obra mucho más difícil. Pero definitivamente ayudó con el personaje”.

La película fue dirigida y protagonizada por George Clooney y escrita por Mark L. Smith. Este relato post-apocalíptico sigue a Augustine (Clooney), un científico solitario en la Antártida que intenta evitar que Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas regresen a la Tierra, golpeados por una misteriosa catástrofe global. Clooney dirige la adaptación de la aclamada novela de Lily Brooks-Dalton Distance between the Stars. Protagoniza junto a David Oyelowo, Kyle Chandler, Demián Bichir y Tiffany Boone.

UN DATO:

The Midnight Sky, disponible en Netflix a partir del 23 de diciembre, fue dirigida y protagonizada por George Clooney y escrita por Mark L. Smith.

Clooney seguirá en observación médica.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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