PARÍS.- A los 93 años falleció la cantante e icono de la música francesa JULIETTE GRÉCO, amiga de poetas y músicos, quien encarnó el alma más profunda de Saint-Germain des-Près, el barrio histórico de la margen izquierda parisina frecuentado por artistas de todo el mundo.
Así lo anunció la familia en un mensaje enviado a la agencia France Presse. “Juliette Gréco – falleció rodeada de sus seres queridos en la amada casa de Ramatuelle. Su vida fue fuera de lo común”. “Pasión, lucha, amor y risa intensa”, fueron las palabras que utilizó el artista para definir su existencia. “Soy un payaso en la vida y luego me gusta reír. La mayor cualidad de la seducción es el sentido de la ironía”.
Juliette Gréco nació el 7 de febrero de 1927 en Montpellier, en el sur de Francia. Con su hermana Charlotte, sin embargo, creció cerca de Burdeos, en la casa de sus abuelos, después de la separación de sus padres.
Los biógrafos describen una infancia melancólica en la que la joven Juliette, que prefería que la llamaran Jujube o Toutoute, como la llamaban en la familia, se expresaba sobre todo a través de la danza. Luego la guerra, que obliga a la familia a huir a una propiedad en Périgord, en el suroeste del país, que sirve de pasaje a la Resistencia.
En 1943, vivió el horror: su madre y su hermana fueron deportadas, y ella misma estuvo presa en Francia durante unos diez días. Un período de su vida que contará en una autobiografía publicada en 1983, Jujube.
VENECIA.- Es un récord: de las dieciocho películas en competición en este 77º Festival Internacional de Cine de Venecia (del 2 al 12 de septiembre), más de la mitad, no menos de diez, tienen contenidos políticos e ideológicos. Hay de todo, desde la hija de Marx hasta las luchas de clases en un México distópico, desde la tragedia del desmembramiento de Yugoslavia hasta los efectos de un ataque terrorista en Italia en la década de 1980.
Cari compagni di Andrei Konchalovksy
Aquí las diez películas.
MISS MARXde Susanna Nicchiarelli narra la vida al borde de una de las hijas del filósofo y economista Eleanor. Brillante y apasionada, luchó por los derechos de la mujer y la abolición del trabajo infantil, amaba la literatura, especialmente Shakespeare, y el teatro. Su gran amor, Edward Alling, activista con quien compartió política y teatro, la llevó al suicidio con tan solo 42 años.
WIFE OF SPY de Kiyoshi Kurosawa. Japón, 1940. Un comerciante de Kobe viaja a la Manchuria ocupada por los japoneses. Por casualidad es testigo de un hecho que lo convence de que ha descubierto una conspiración. Su esposa, sin embargo, no quiere que él revele el descubrimiento, por su propio bien y para defender su amor.
PADRENOSTRO de Claudio Noce protagonizada por Valerio, diez años. Su vida de niño da un vuelco cuando, junto a su madre, presencia el atentado a su padre Alfonso por parte de un grupo de terroristas. La película está inspirada en la infancia del director y el bombardeo que afectó a su padre, subjefe de policía en diciembre de 1976.
Y MAÑANA EL MUNDO ENTERO por Julis Von Heinz. Alemania se ve afectada por una serie de ataques terroristas neofascistas. Luisa, de veinte años, se une al movimiento Antifa que quiere reaccionar con valentía a todo esto. Pero la niña también intenta impresionar a Alfa, una activista de la que se enamora.
NUEVO ORDEN de Michel Franco. Lucha de clases en México. Mientras se realiza una fiesta de cumpleaños en una gran villa repleta de importantes exponentes de la aristocracia mexicana, estalla una violenta revuelta del pueblo contra la policía en la ciudad. Los alborotadores llegan para atacar la propia villa.
QUO VADIS, AIDA?por Jasmila Zbanic En 1995, durante las guerras que llevaron a la disolución de Yugoslavia, el ejército serbio toma la ciudad bosnia de Srebrenica, donde Aida, traductora de la ONU, vive con su esposo e hijos. Aida cree que está a salvo en el campo base de la ONU donde trabaja, pero la suya es solo una falsa certeza.
SUN CHILDREN de Majid Majidi cuenta la historia de Ali, de 12 años, y sus tres amigos que trabajan duro para sobrevivir y mantener a sus familias, incluso cometiendo delitos menores para ganar dinero rápidamente. Todo cambia cuando Ali tiene la tarea de encontrar un tesoro escondido, pero primero debe inscribirse en la Sun School, una organización benéfica que busca educar a los niños de la calle.
NOCHE de Gianfranco Rosi. Filmado a lo largo de tres años en Siria, Irak, Kurdistán, Líbano, el docu-film da voz a esos dramas que trascienden las divisiones geográficas y el tiempo. Esa es la tragedia de las guerras civiles, las dictaduras y el apocalipsis de Isis. La guerra y el dolor están en el fondo de todas estas historias, detrás de estos teatros dramáticos.
LAILA IN HAIFA de Amos Gitai es filmada en una discoteca de Haifa frecuentada por israelíes y palestinos, un lugar donde se encuentran las personas más dispares: judíos, musulmanes, gays, heterosexuales, travestis y tres mujeres, que en ese microcosmos, un lugar de encuentro y paz, encuentran refugio de cualquier acoso.
¡QUERIDOS COMPAÑEROS!por Andrei Konchalovsky. URSS, Novocherkassk, 1962. Lyudmila, miembro del partido comunista local, es un militante fundamentalista. Durante una manifestación, la mujer es testigo de un tiroteo contra manifestantes ordenado por el gobierno a reprimir la huelga: un hecho que cambiará su mundo para siempre.
ROMA.- Vaya cumpleaños el que “celebra” el actor malagueño ANTONIO BANDERAS, a través de sus redes dio a conocer que ha dado positivo a covid-19 y se encuentra en cuarentena.
El mismo Banderas ha confirmado el contagio a través de sus cuentas de Instagram y Twitter junto a una imagen suya de la infancia: “Quiero hacer público que hoy, 10 de agosto, me veo obligado a celebrar mi 60 cumpleaños siguiendo cuarentena al haber dado positivo en la enfermedad covid-19, causada por el coronavirus”.
Si existe un lugar donde Josè Antonio Domínguez Bandera, conocido en todo el mundo como ANTONIO BANDERAS, tiene derecho a celebrar un cumpleaños que nunca olvidará – sus 60 años mañana – es Málaga donde nació el 10 de agosto. en 1960 por un padre policía y una madre maestra, mientras caían las estrellas en la noche de San Lorenzo. Málaga es la cuna, Málaga es el refugio, Málaga es la ciudad del corazón. De aquí partió a los 19 años con un diploma de la escuela de arte dramático en el bolsillo y la decepción de una carrera como futbolista en el club de la ciudad por una fractura en el pie.
Buscaba fortuna en los escenarios de Madrid y mientras se ganaba el pan entre el arte y la artesanía (también era modelo y camarero) el destino le hace conocer a un hermano mayor por elección propia, Pedro Almodóvar, ya definido como el talento naciente del posfranquista gracias a su deslumbrante debut con Pepi, Luci, Bon y las chicas del montón en 1980.
La correspondencia artística entre los dos fue inmediata y en 1982 estuvieron juntos en el plató de Labirinto di passioni. A Banderas se le asigna un pequeño papel, el del terrorista Sdec que tiene una fugaz historia de amor con Riza Niro, la monarca exiliada inspirada caprichosamente por el Sha de Persia: un destino singular para el actor que se convertirá en un símbolo sexual amado por las mujeres. al otro lado del mundo: “Es gracioso – dice de sí mismo – pero en mis más de 100 películas he sido más homosexual que latin lover. Y ciertamente no están en la vida cotidiana. En cambio, me he ganado una reputación de seductor que ahora acepto sin vergüenza, pero siempre lo encuentro vagamente surrealista “.
A pesar de tanto cine, muchas veces elegido sin criterio en la ruta Madrid-Hollywood, Antonio Banderas siempre ha llevado el teatro en su corazón: afirmado y rico, no dudó ni un momento cuando le propusieron volver como profesor y productor: hace unos años fundó su Academia, el Teatro Soho Caixa Bank de Málaga donde estudian 600 alumnos de toda España y hace un año puso en escena su versión de A Chorus Line allí.
Las colaboraciones con Almodóvar son por ahora siete (más un cameo) y marcan su carrera: estuvo en Matador y en La ley del deseo, ganó la atención internacional con Mujeres al borde de un crisis nerviosa (1988) y después de Legami al año siguiente se fue de Europa a América gracias a imagen que su pigmalión le había cosido: una mezcla de testosterona, bondad, fuerza irónica e histriónico controlado.
Pero en 2011 regresó de Almodóvar (La piel che habito) para reconstruir un vínculo con sus raíces y ocho años después, haciéndose “doble” de su maestro frente a la cámara, conquistó primero La Palma con Dolor y Gloria, oro en Cannes y luego la nominación al Oscar (una primicia en su palmarés). Mientras tanto, se había convertido en una promesa y luego en un “valor seguro” del cine escapista al estilo de Hollywood.
Ha trabajado con grandes como Jonathan Demme (el aclamado Philadephia todavía en el papel de un gay), Neil Jordan (Entrevista con el vampiro), Alan Parker (Evita), De Palma (Femme fatale), Incluso Woody Allen (Conocerás al hombre de tus sueños), ha hecho una amistad férrea con Robert Rodríguez desde Desperado hasta Spy Kids, ha atravesado todos los géneros (incluso con la nostalgia de haber hecho más acción esa comedia), pero fue con La máscara del Zorro de Martin Campbell (1998) que se convirtió en una verdadera estrella. A pesar del fracaso de la secuela, esa película ahora es su marca registrada y los duetos con Catherine Zeta Jones por un lado y Anthony Hopkins por el otro son ahora legendarios. (1998) de Martin Campbell, quien se convirtió en una verdadera estrella.
Guapo y mediterráneo, irónico y atlético, romántico y frágil, seductor y caballero, Antonio Banderas domina la escena americana de principios del siglo XXI. También le ayuda la inquebrantable relación amorosa con Melanie Griffith, la paternidad de la bella Stella (comparte escena con ella y su esposa en su primer director Crazy in Alabama, 1999), el cariño que siempre ha mostrado por su hijastra Dakota. Johnson.
En 2015 cuando Banderas cambie de pareja por tercera vez (en España se casó con la actriz Ana Leza desde muy joven) uniéndose a la holandesa Nicole Kimpel que hoy maneja su vida y estuvo cercana a él en 2017 después de sufrir un infarto.
Caprichoso, vital, leal, curioso, Antonio Banderas es un actor al que siempre le ha gustado escapar de la coacción del modelo que lo caracteriza. También por esta razón aceptó de buen grado convertirse en una caricatura de sí mismo primero como El gato con botas en Shrek (en la que dobló a su doble animado tanto en inglés como en español y luego en italiano) y luego con la serie de chat de comercial del Mulino Bianco. Hay un sprite inquieto que siempre lo acompaña en el plató y que le ha hecho dar lo mejor de sí en películas que no siempre son perfectas (como el hermoso noir apocalíptico Automata de Gabe Ibáñez en 2014, pero también los valientes Panama Papers por Soderbergh en 2019).
Ahora tiene otra película en puerta que parece seguir sus elecciones habituales: puro cine de entretenimiento, sin mucha inventiva, a la espera de las oportunidades de calidad que una vez más llegarán de su Europa: la convulsa Los nuevos mutantes, fuera del establo de Marvel, pero pospuesto demasiadas veces para no plantear dudas. Mejor apostar por la Competencia oficial de la prometedora pareja Mariano Cohn-Gaston Duprat en la que hará un dueto con una amiga de toda la vida como Penélope Cruz. Ambos quieren confirmación y pueden volver a brillar junto con una comedia llena de adrenalina ambientada en el mundo del cine.
Para Antonio se trata de jugar en casa. ¿Hay algún aire de confirmación tras el gran regreso de Dolor y gloria?
Netflix confirmó el inicio de rodaje de la quinta y última parte de la exitosa serie La Casa de Papel en Dinamarca, España y Portugal a partir de este lunes 3 de agosto, temporada en la que se incorporan al elenco los actores Miguel Ángel Silvestre y Patrick Criado.
MIGUEL ÁNGEL SILVESTRE
El atraco llega a su fin en la serie creada por Alex Pina y producida por Vancouver Media para Netflix., constará en su temporada final con 10 episodios.
PATRICK CRIADO
HA DICHO:
El creador y Productor Ejecutivo Alex Pina, dijo: “Hemos dedicado casi un año a pensar cómo destrozar a la banda. Cómo poner contra las cuerdas al Profesor. Cómo llegar a situaciones irreversibles para muchos personajes. El resultado es la quinta temporada de La Casa de Papel. La guerra alcanza sus cotas más extremas y salvajes, pero es también la temporada más épica y emocionante”.
ELENCO:
Úrsula Coberó (Tokio), Álvaro Morte (El Profesor), Itziar Ituño (Lisboa), Pedro Alonso (Berlín), Miguel Herrán (Rio), Jaime Lorente (Denver), Esther Acebo (Estocolmo), Enrique Arce (Arturo), Darko Peric (Helsinki), Hovik Keuchkerian (Bogotá), Luka Peros (Marsella), Belén Cuesta (Manila), Fernando Cayo (Coronel Tamayo), Rodrigo de la Serna (Palermo), Najwa Nimri (Inspectora Sierra), José Manuel Poga (Gandía), entre otros.
Miguel Ángel Silveste (Sky Rojo, Sense 8 ) y Patrick Criado (Nominado al Premio Goya por La gran familia española, Vivir sin permiso) están confirmados como las nuevas incorporaciones al elenco.
PRODUCCIÓN:
Jesús Colmenar vuelve como Productor Ejecutivo y Alex Pina como showrunner y Productor Ejecutivo. Cristina López Ferraz regresa como Directora de Producción y Productora Ejecutiva; Javier Gómez Santander (Guionista), Migue Amodeo (Director de Fotografía) y Esther Martínez-Lobato son los co-productores ejecutivos. La Casa De Papel Parte 5 será dirigida por Jesús Colmenar, Koldo Serra y Álex Rodrigo.
NUEVA YORK.- No solo Donald Trump es un fiel seguidor y consumidor de la hidroxicloroquina para combatir la Covid-19, también la estrella del pop Madonna, quien fue censurada en sus perfiles sociales por defender la controvertida terapia rechazada por las autoridades médicas de todo el mundo.
La diva, quien donó un millón de euros a los esfuerzos de la Unión Europea para encontrar una vacuna hace semanas, también compartió teorías de conspiración sobre el virus con sus fanáticos en un video que indica que la vacuna Covid “se ha descubierto, demostrado su eficacia y disponible durante meses”.
Madonna agregó: “Prefieren controlar a las personas con miedo y dejar que los ricos se hagan cada vez más ricos”.
En el video, que Instagram desapareció al llamarlo “información falsa”, la cantante protege a la controvertida Dra. Stella Immanuel de Houston, una médico general que afirma haber tratado a 350 pacientes con hidroxicloroquina.
Immanuel habló con un grupo llamado Médicos de primera línea de Estados Unidos fuera de la Corte Suprema de Washington durante un evento difundido en varias plataformas desde el sitio web Breitbart fundado por Steve Bannon.
La Reina del Pop y el actor neozelandés KJ Apa compartieron un video de 45 minutos que ya circula en todas las redes sociales, el cual muestra a una doctora en una conferencia de prensa diciendo que ya existe la cura para la covid-19 y que los cubrebocas no son necesarios.
Pero la información del video es falsa.
De acuerdo con la Organización Mundial de la Salud (OMS) todavía no se encuentra una cura para la covid-19.
La publicación, luego de ser eliminada, provocó protestas: “Pura locura”, comentó Annie Lennox: “No puedo creer que respaldes (le dijo a Madonna) una charlatanería tan peligrosa. Solo espero que tu perfil haya sido pirateado y que nos des una explicación”.
BERLÍN.– El músico británico ROGER WATERS cumplió tres décadas de la histórica promesa que hiciera en julio de 1989, cuando afirmó que solo sería posible interpretar The Wall -mítico álbum de Pink Floyd- en vivo cuando hubiera caído el Muro de Berlín, símbolo de la división entre Este y Oeste.
Un año justo después de esa entrevista, y casi nueve meses después de la caída del muro de Berlín en noviembre de 1989, se instaló un magno escenario en la que alguna vez fue “tierra de nadie”, la zona de Berlín entre la Potsdamer Platz y la puerta de Brandeburgo. Así, el 21 de julio de 1990 se llevó a escena uno de los eventos en vivo más simbólicos de la historia del rock.
Esa grandiosa puesta en escena tiene una historia nada sencilla, y no solo por su complejidad técnica. Para comprender su génesis hay que remontarse hasta 1979, cuando -bajo pleno control de Waters- Pink Floyd editó The Wall.
Éxito clamoroso, en la obra el bajista y cofundador del grupo cuenta la historia de Pink, una estrella de rock presa de la desilusión y de la paranoia que pone un muro entre él y la realidad. Y esa realidad está poblada de sus pesadillas, las instituciones escolares, el nazismo, el consumismo de una sociedad cada vez más materialista.
La banda estaba entonces dividida por las diferencias y Waters soportaba cada vez menos su papel de divo. Nació así la idea de un tour, ya legendario, que se llevó a cabo entre 1981 y 1982, y durante el cual se construía un muro que separaba la banda de su público y que solo al final era derribado.
Ese muro que signaba el punto de máxima distancia de la gente algunos años se convertirá en una metáfora de libertad de extraordinaria potencia.
En 1982 Alan Parker dirigió el filme inspirado en el doble álbum, y precisamente en este filme por primera vez aparecen aquellos muñecos e invenciones gráficas de Gerald Scarfe destinadas a permanecer en el imaginario de todos los fans de Pink Floyd.
El concierto de Berlín fue una empresa realizada solo por Waters, quien se había separado de David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason. En principio se había dirigido a algunos amigos como Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Eric Clapton, Rod Stewart, pero no aceptó ninguno de ellos.
El elenco fue integrado entonces por Bryan Adams, The Band, Paul Carrack, Cindy Lauper, Thomas Dolby, Joni Mitchell, Ute Lemper, Sinead O’Connor, Van Morrison, los Scorpions, Paddy Moloney, y James Galway.
Una puesta en escena grandiosa, con momentos de teatro musical en los que intervinieron actores como Albert Finney y Tim Curry, Marianne Faithfull, la orquesta sinfónica de la Radio de Berlín oriental y la banda de las Fuerzas Armadas soviéticas, los muñecos de ocho metros y el cerdo volante, el derrumbe del muro que signa el final del concierto transmitido por 52 países.
La potencia visual del espectáculo amplificó el significado simbólico de un concierto fundado en un álbum que de festivo no tenía nada.
Y sin embargo ninguna otra obra era más apta para celebrar un evento que cambió el mundo frente a 350 mil personas. Ese muro que dividió a una estrella de rock enloquecida de la realidad se había convertido en el Muro de Berlín: una vez más la música había demostrado ser el instrumento privilegiado para dar cuerpo a los sueños de un mundo mejor. Y aquella noche en Berlín a todos les pareció que era realmente posible.
Por segundo año consecutivo Film&Arts celebra con una transmisión en vivo y en directo a las 14:15 horas, tiempo de México, desde el Champ Do Mars, el 131° aniversario histórico del tradicional CONCIERTO DE PARÍS que conmemora la toma de la bastilla del 14 de julio de 1789.
Esta vez, el pueblo parisino celebrará codo a codo el Día de la Bastilla, al pie de la Torre Eiffel, asistiendo a un magno concierto plagado de estrellas de la música que concluirá con la tradicional exhibición de fuegos artificiales.
Dirigida por Eun Sun Kim y acompañada por el Coro de Radio France, la orquesta invitará a miles de personas a experimentar grandes arias y famosas piezas de concierto en compañía de prestigiosos solistas como: Sol Gabetta, Lisa Batiashvili, Fatma Said, Ludovic Tézier, Sonya Yoncheva, Kathia Buniatishvili, Lucienne Renaudin-Vary, Benjamin Bernheim.
El Concierto de París será el primer gran espectáculo de la música clásica europea que se celebra después de varios meses. También será el primer concierto del Coro de Radio Francia desde marzo.
UN DATO:
La Torre Eiffel está íntimamente ligada, desde su construcción, a los fuegos de artificio, no solo como espectadora sino también como protagonista del espectáculo.
El primer espectáculo celebrado en la torre fue el 14 de julio de 1888, cuando ni siquiera había acabado todavía su construcción. El 17 de junio de 1989, el Ayuntamiento de París organizó un homenaje a los 100 años de Historia en torno a la Torre. Cantantes, bailarines y acróbatas, rodeados por juegos de luz y rayos láser multicolores, participaron en un mágico evento de una hora de duración.
Diez años más tarde, en la noche del 31 de diciembre de 1999, la Torre Eiffel da la bienvenida al año 2000 haciendo soñar al planeta con un espectáculo mágico, auténtico baile de fuego y luz, que fue retransmitido por 250 canales de televisión de todo el mundo.
En 2009 se conmemoraba el 120 aniversario de la Torre. Precedido de un concierto de Johnny Hallyday en el Campo de Marte, fue un espectáculo de magia, fuego y, por primera vez, de impresionantes proyecciones de vídeo, que inundaron el cielo parisino. La Torre llegó incluso a bailar sobre sus pilares y a girar sobre sí misma al ritmo de la música, para deleite de las más de 700.000 personas congregadas en el Campo de Marte.
Desde entonces, las pirotécnicas rivalizan cada año en creatividad para ofrecer al público un espectáculo cada vez más mágico, desde los jardines de Trocadéro o desde la propia Torre, aprovechando totalmente su estructura, desde los pilares hasta la cima.
¿DÓNDE VERLO?
Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).
COPENHAGUE.- Al cumplirse 20 años de la muerte de nueve fans por aplastamiento durante su actuación en el famoso festival danés de Roskilde, la banda estadounidense PEARL JAM publicó una carta en la que menciona: “Veinte años después nuestra banda tiene once niños más. Nuestra comprensión de la gravedad y la pérdida que sienten los padres de esos niños ha crecido exponencialmente, magnificada a medida que imaginamos a nuestros propios hijos muriendo en circunstancias como Roskilde 2000. Es impensable, pero ahí está. Nuestra peor pesadilla”, remarca el texto escrito por el guitarrista Stone Gossard en nombre de todo el grupo, que replica la agencia DPA.
A pesar de destacar que “sus estómagos se revuelven al recordar a aquellos jóvenes muriendo y pensando que podría haber sido diferente”, el grupo reconoció que el dolor que sienten “es una milésima parte del de las familias, las mamás y los papás, hermanas y hermanos, mejores amigos” de las víctimas.
“Nuestro más sentido pésame y disculpas a las familias que perdieron a sus hijos ese día. Hemos conocido a algunas de las familias a lo largo de los años. Con algunos, hemos forjado fuertes amistades, compartiendo y apoyándonos mutuamente”, puntualiza el texto.
Y concluye: “Estamos siempre a la sombra de su dolor y pérdida y aceptamos esa sombra y estamos siempre agradecidos de compartir ese espacio sagrado. El espacio creado por la ausencia de esos nueve jóvenes”.
Aunque la tragedia ocurrió durante la actuación de Pearl Jam, la banda no se enteró de lo ocurrido hasta finalizado su set.
Como consecuencia, el grupo se negó durante varios años a participar de festivales y escribió la canción Love boat captain en homenaje a las víctimas.
VENECIA.- La Bienal de Venecia “comprimió” el calendario de sus principales eventos, concentrándolos en el último trimestre del año, pero confirmó las fechas de la Muestra de Cine, del 2 al 12 de septiembre, con el cierre al diálogo con el Festival de Cannes.
El presidente de la Bienal, Roberto Cicutto, trazó el programa modificado por la emergencia sanitaria del coronavirus, con la esperanza de que surjan de la crisis nuevas oportunidades.
Entretanto el 64o. Festival Internacional del Teatro, dirigido por Antonio Latella, se desarrollará del 14 al 24 de septiembre en lugar del 29 de junio al 13 de julio, y el 14o.
Festival de Danza Contemporánea, dirigido por Marie Chouinard, se realizará del 13 al 25 de octubre, en vez del 5 al 14 de junio.
Además del 77º Festival de Cine de Venecia, el 48º Festival Internacional de Música Contemporánea, dirigido por Ivan Fedele, también se confirma del 25 de septiembre al 4 de octubre. La 17a. Exposición Internacional de Arquitectura ya se cambió y está programada del 29 de agosto al 29 de noviembre.
Para la Muestra del Lido los preparativos continúan en espera de lo que Cicutto definió como una “semiliberación”: “Teníamos una fecha límite para fines de mayo. Queremos a toda costa estar listos”, dijo, precisando que “estamos haciendo simulaciones sobre el día-tipo”.
“Los soportes en línea serán importantes para la prensa internacional, pero pondremos todo en una propuesta que comprobaremos con los productores. Deberemos esperar para tener las condiciones por respetar, no tendremos una bola de cristal”.
Cicutto resaltó que la emergencia del coronavirus impondrá también un cambio de línea a la reseña: “Los festivales -recordó- jugaron un rol importante para la valorización de los artistas y de la industria cinematográfica, pero hoy quien viene a Venecia debe volver con la idea de promover el valor de los filmes, no de los efectos respecto al estreno en las salas”. “También los otros festivales deberán elegir los contenidos y la promoción del valor cultural, todo el resto -puntualizó- deberá hacerlo la industria cinematográfica”.
Y entre los otros festivales no faltó una mención a Cannes: “Todo es posible -resaltó Cicutto- y todo puede ser estudiado, pero parece desconcertante que Thierry Fremaux (el delegado general de la muestra francesa, NDR) diga que continúa estudiando y no diga nada de lo que quiere hacer”. “Nosotros vamos para adelante con nuestro programa, si Cannes está aún pensando no hay diálogo. No hay ninguna hipótesis hasta la fecha”, remarcó.
El presidente de la Bienal espera también un rol de precursor para la Muestra desde el punto de vista de las medidas de seguridad.
“Creo que el Festival -auguró- debe gozar de una ‘extraterritorialidad’, una señal que luego puede encontrar lugar con un control de las presencias en sala, y Venecia podrá ser un gran laboratorio. Una cosa es administrar 6-7 lugares limitados, otra cosa son miles de salas en el territorio nacional”.
En cuanto a ver en la crisis una oportunidad, para Cicutto “la contingencia nos obligará a compactar todas las disciplinas, y este comportamiento lo veo como una señal de algo en lo que en la Bienal estamos pensando, dar una mayor flexibilidad y diálogo entre las disciplinas y continuidad en la presencia de los contenidos”.
“La nueva tecnología, más allá de que permite la presencia constante, debe utilizarse de forma diversificada”, añadió.
En este sentido, tendrá un nuevo papel el Archivo histórico de las artes contemporáneas, el ASAC, para el que se está pensando con el municipio una mudanza al Arsenal.
“Me gustaría que se convirtiera en el ‘Davos de las artes contemporáneas’, el MIT de la investigación de las artes contemporáneas, donde las personas que más tienen que decir encuentren un hogar. Debe convertirse en una oficina en la que se construyan muestras, contenidos que permanezcan, se expandan y se profundicen. Y esto solo puede ocurrir con residencias temporales de artistas”, concluyó.
ROMA.- La gran diva del cine italiano, la musa de Luchino Visconti, LUCÍA BOSÉ, nacida en Milán en 1931, después de la guerra, falleció a los 89 años.
La madre de Miguel Bosé trabajó desde muy joven en una pastelería, pero sintió la llamada de la celebridad como las muchas chicas hermosas que el final de la guerra trajo a la vida. Entonces, a la edad de dieciséis años, tomó el autobús a Stresa y se embarcó en la aventura del certamen de belleza Miss Italia 1947.
Ella salió con la banda tricolor de la ganadora del certamen. Tenía una sonrisa tímida y contagiosa, una voluntad de hierro, un aroma de la vida cotidiana. Pasan solo tres años y las puertas de Cinecitta se abren para ella. Solo en 1950, el maestro indiscutible del cine popular neorrealista, Peppe De Santis (No hay paz entre los olivos) y la estrella en ascenso de Michelangelo Antonioni (Cronaca di un amore) le ofreció un rol protagónico. Vale la pena detenerse en los dos personajes que interpreta, la tímida pastora Ciociara y la infeliz clase media alta Paola, para comprender su potencial como actriz.
Para la joven italiana se abren las puertas de un mundo más grande: “Nos conocimos en Madrid durante una cena en la casa de un amigo, así Lucía Bosé rememoraba su primer encuentro con el legendario torero Luis Miguel Dominguin, quien se convirtió en su marido en el ’56. “Estaba haciendo una pelicula. Nos enamoramos y fuimos con él a España. Todos conocen el resto de la historia”.
De hecho, la historia de amor dio la vuelta al mundo, desató pasiones, hizo la felicidad de las revistas y terminó muy mal. Lucía fue amiga cercana de Pablo Picasso. Fue madre en tres ocasiones.
Dominguin obligó a su esposa a abandonar los sets y retirarse. Bosé regresará una vez que haya recuperado su libertad a un alto precio: en 1968 gracias a la terquedad del más intelectual de los directores catalanes, Pedro Portabella (Nocturno 29) y luego a Italia con los hermanos Taviani (Bajo el signo del escorpión, 1969).
Bolognini la elige como su musa en tres películas, desde Metello hasta la televisión con The Charterhouse of Parma, Nelo Risi (The infame column), Liliana Cavani (The guest), Giulio. (Arcana) pero también Marguerite Duras, Jeanne Moreau, Beni Montresor. Ahora es en todos los aspectos una gran dama del cine europeo y quizás por esta razón, después de la Crónica de una muerte anunciada (87) y algunas otras apariciones, decide por segunda vez abandonar la escena.
Todas sus energías se concentran en un nuevo sueño, una pasión: compró un antiguo molino cerca de Segovia y lo convirtió en el museo de los ángeles dedicado al arte contemporáneo. “Junto con mis tres hijos, llegó a decir, es lo más hermoso que he podido hacer en mi vida”.
ROMA.- Baste decir LA DOLCE VITA,obra maestra fílmica y de inspiración, para pensar en Italia, en la bella Anita Ekberg en la Fontana di Trevi y en el indolente y apuesto Marcello Mastroianni.
“La Dolce Vita” es Italia en todo el mundo. El filme de Federico Fellini, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes con un jurado presidido por George Simenon, que logró el Oscar al Vestuario (Piero Gherardi) y otras decenas de premios internacionales, cumple 60 años y otros tantos de influencia cultural.
Está incluida en todas las clasificaciones de películas que hicieron la historia del cine mundial, y pese a una recepción negativa de la crítica, pedidos de censura eclesiástica y prohibición para menores de 16 años, es el sexto film más visto en Italia desde 1950 hasta ahora.
Solo en el año de su estreno lo vieron 13.6 millones de personas, y las fotos de las filas fuera del cine fueron inmortalizadas en Divorzio all’italiana de Pietro Germi y Nuovo Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore.
El preestreno fue en cine Fiamma de Roma (hoy cerrado) en la noche del 2 al 3 de febrero, y en el Capitol de Milán el 5 de febrero: los silbidos cubrieron el sonido de los aplausos.
Según la leyenda, el maestro de Rímini recibió hasta escupitajos. La sconcia vita (La vida indecente) tituló el Osservatore Romano en un comentario anónimo (atribuido a Oscar Luigi Scalfaro, futuro presidente de la República).
Los jóvenes pensaron en un “filme del pecado”, de esos que se van a ver con un hermano mayor, mientras Fellini recibió en un solo día en Milán 400 telegramas que lo acusaban de ser comunista, traidor y ateo.
Escrito con Ennio Flaiano, Tullio Pinelli (y Brunello Rondi), fotografiado por Otello Martelli y con la célebre música de Nino Rota, el film producido por Angelo Rizzoli y Peppino Amato (después de que Dino De Laurentiis se fue), fue rodado en Roma entre la primavera y el verano boreal de 1959, entre la casa de Fellini -es decir Cinecittà- y varias locaciones en la capital.
Via Veneto fue totalmente reconstruida en estudios, mientras la Fontana di Trevi: según la leyenda, la nórdica “Anitona”, Anita Ekberg, no tuvo problemas para permanecer en el agua gélida, mientras un Mastroianni recalcitrante tuvo que darse fuerza con bebidas alcohólicas.
Pero la gran protagonista del filme es Roma, aquella a caballo entre los años 50 y 60 donde se mueve Marcello (Mastroianni), un periodista que se ocupa de chismes mientras se ve frustrado en su ambición de ser escritor, atraído por la buena vida, la aristocracia y mujeres como la inquieta y aristocrática Maddalena (Anouk Aimee).
“El grotesco sacado a la luz por la mirada antropológica de Fellini se toma por un elogio acrítico de la Italia eufórica y mundana en las temporadas del boom. Una confusión debida al título azucarado del filme, cuya ironía fue superada por el escándalo”, escribió el crítico Óscar Iarussi en Amarcord Fellini, publicado para el centenario del realizador.
Sesenta años después, más allá de las escenas de culto y del imaginario que instaló, incluyendo varios neologismos (como “paparazzo”), está claro que el visionario Fellini anticipó una muy actual época de “fake news” y mezcla de crónica con chismes, además de crisis de las élites sociales y culturales cuyos decadentes ritos aristocráticos rozan lo patético.
PARÍS.- El realizador estadounidense SPIKE LEE fue elegido presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes, programado del 12 al 23 de mayo de 2020.
Se trata del primer cineasta negro en desempeñar ese papel, concedido el año pasado al mexicano Alejandro Iñarritu. “Cuando me llamaron no lo podía creer, estaba feliz, sorprendido y orgulloso al mismo tiempo”, declaró Lee, de 62 años. “Me honra ser la primera persona de la diáspora africana” en Estados Unidos que asume esta función, agregó.
VENECIA – Próximo a realizarse, el tradicional Carnaval de Venecia 2020 constará de 150 eventos, 50 iniciativas para niños y adolescentes, y muchos eventos culturales con la participación de más de 300 artistas entre el centro histórico y el continente. El evento, programado del 8 al 25 de febrero, se titula La vida es un juego de locura en el que el corazón siempre tiene la razón, inspirado, como recordó el alcalde Luigi Brugnaro, en una frase de Erasmo de Rotterdam.
Será un Carnaval dirigido por Massimo Checchetto, girará en torno al tema del amor declinado junto con el juego y una pizca de locura. Todos los espectáculos tradicionales serán confirmados, con algunas novedades más, como una cita, aún sorprendente, programada en la plaza de San Marcos para el Día de San Valentín, el día de los enamorados.
La organización es impresionante, con un presupuesto de 2 millones de euros (la mitad de los cuales es financiado por patrocinadores), coordinado por el consejo de la administración municipal de Vela municipalizado, con la participación de las instituciones culturales de la ciudad, otras filiales y la coordinación de fuerzas. de la orden para garantizar una fiesta de seguridad.
Entre los eventos importantes, los que ahora están más vinculados a la tradición, se encuentran: el 8 de febrero, la fiesta tradicional en el agua con un espectáculo en botes a lo largo del Río di Cannaregio, que abrirá los locos bailes de amor con dos actuaciones. Al día siguiente, domingo 9 de febrero, se renovará la procesión de agua de remo, comenzando desde Punta della Dogana y llegando a Rio di Cannaregio, donde se abrirán los puestos de comida y vino con los manjares de la cocina veneciana. Gran final con la llegada de Pantegana.
Piazza San Marco siempre será el escenario de espectáculos y desfiles, pero también un lugar para encuentros lúdicos en nombre del amor, máscaras y espectáculos locos.
El domingo 16 de febrero habrá un vuelo del Ángel desde el campanario de San Marco; mientras que el vuelo de L’Aquila está programado para el domingo 23. Gran final martes 25 de febrero con el tradicional Svolo de la gran pancarta del León de San Marco para celebrar el cierre del Carnaval de Venecia con adiós a 2021 “Venecia está brillando de nuevo – it subrayó Brugnaro: el carnaval es una oportunidad para mostrar amor por Venecia al permanecer en la ciudad durante varios días, de manera lenta, lenta, sin golpes ni huidas “.
ROMA-.-Dedicado al siempre recordado cineasta SERGIO LEONE (1929-1989) se ha dedicado en su honor, en el Museo Ara Pacis, la exposición C’era una volta (Era un vez) concebida y creada por la Cinémathèque Française y la Cineteca di Bologna.
Al interior de esta exposición, se encuentra el universo cinematográfico y privado de SERGIO LEONE, un viaje marcado por objetos personales, como su escritorio, algunos de sus libros o el piano Petrof donde Ennio Morricone hizo escuchar a su amigo de la infancia (eran compañeros de clase en la escuela primaria) las partituras de las bandas sonoras de sus películas, junto con modelos, sets, guiones, guiones gráficos, bocetos, disfraces, accesorios, cientos de fotografías del set y la familia.
Un mundo de imágenes y sonidos enriquecidos por las pantallas, que remiten a los visitantes a las obras maestras del cineasta, capaces de revolucionar las formas de narración, el género occidental en primer lugar, y de celebrar el mito.
La exposición también es una oportunidad para aprender más de Sergio Leone en la relación con su ciudad. Le encantaban los stornelli romanos, por ejemplo, y solía comer en Trastevere, su barrio, como el platillo Checco er carettiere. ¿Cuáles eran sus platillos favoritos? Los de la cocina de Roma: las alcachofas a la giudia, las latas con salsa amatriciana, los rollitos con salsa, el pastel de patata, el pastel de zabaglione, el vino de los Castelli Romani.
Se exhibirá la proyección de tres películas del cineasta, intercaladas con canciones romanas que le encantaba escuchar este domingo 5 de enero, además de poder comer los spaguetis occidentales en el Bar “Boario” adyacente a la “Ciudad de la Otra Economía” (antiguo matadero Testaccio) donde habrá también una comida clásica de sus películas como salchichas y frijoles.
Aquí puedes ver el tráiler “Por un Puñado de Dólares”
PARÍS.– 44 años después, Valentine Monnier no pudo callar más. Y convencerla de que hablara fue la última película de su atacante en la vida real, el cineasta Roman Polanski. “Tenía solo 18 años”, dice Valentine, cuando Polanski la violó, “con extrema violencia”. Ella era una joven fotógrafa, modelo, ocasionalmente actriz. Hoy, en Le Parisien, lo cuenta todo.
“En 1975, escribió en un texto después de pedir repetidamente el apoyo de figuras como Brigitte Macron o la ministra Marlene Schiappa, “fui violada por Roman Polanski. No tenía conexión con él, ni personal ni profesional, y apenas lo conocía. Fue de extrema violencia, después de un descenso de esquí, en su chalet en Gstaad, Suiza. Me golpeó, me llenó de golpes hasta que me opuse a más resistencia, luego me violó y me hizo sufrir. Tenía solo 18 años “.
¿Por qué el último trabajo de Polanski, J’accuse,la ha empujado a salir? Después de haber recibido siempre respuestas evasivas o impotentes desde un punto de vista judicial dada la prescripción de los hechos, decidió revelarle todo a Le Parisien: “El retraso de la reacción no significa que haya olvidado, dice, la violación es una bomba para relojería: la memoria no se borra, se vuelve fantasma y te persigue, te cambia insidiosamente. El cuerpo a menudo termina siendo afectado por lo que la mente ha mantenido separada, hasta que la edad o un evento ocurre antes de la memoria traumática”.
En la película, Polanski escenifica el error judicial por excelencia, la historia del capitán Alfred Dreyfus: “es sostenible, con el pretexto de una película, escondiéndose detrás de la Historia, escuchar a J’accuse ser contado por el que lo marcó , mientras que a usted, la víctima, le está prohibido acusarlo?”
Hija de industriales alsacianos, Valentine decidió en su momento ir a celebrar a las montañas con amigos, invitados de Polanski. Valentine dice que Polanski le preguntó muy claramente si quería tener sexo con él en un paseo en telesilla. Ella dijo que no. Luego, por la noche, cenó con él en un restaurante del que volvería por la pista con antorchas. En el chalet, Polanski la llamó y cuando salió al rellano comenzó su furia: golpes, golpes, una píldora que la hizo tragar antes de violarla: “Estaba totalmente en estado de shock, pesaba 50 kilos. Polanski era pequeño pero musculoso y 42 años, en el apogeo de su fuerza: ganó en dos minutos. Luego llegó la disculpa de la directora, llorando, con su promesa de no decir nada.
Polanski, de 86 años, fue condenado en 1977 por agresión sexual infantil en los Estados Unidos, un país en el que aún no puede regresar. Su esposa, Sharon Tate, fue asesinada por un culto dirigido por Charles Manson en 1969 en los Estados Unidos mientras estaba embarazada. Actualmente vive en Francia con su última esposa, la actriz Emmanuelle Seigner, con quien tuvo dos hijos.
PARÍS. – La francesa BRIGITTE BARDOT, símbolo de la sensualidad y el erotismo a nivel mundial en los sesenta, eje de tendencias y modas, retirada del mundo del espectáculo a los 42 años, cumple 85 años en la intimidad y alejada de los medios de comunicación.
Desafiante, atrevida y mordaz, fue capaz de conquistar a varias generaciones, pero pareció incapaz de asimilar el tamaño de su éxito, atravesó por tres intentos de suicidio, amenazas de bomba y polémicas varias, hasta que decidió recluirse.
Aquella imagen de la pantalla gigante de 1956, desplegando encantos sin rubores, bailando descalza sobre una mesa, se ha transformado en polvo del tiempo.
Tan atrevida que hasta visita a un pintor de fama, pero Picasso la desaira, se mantiene fiel a su querida Jacqueline y no la retrata como ella deseaba.
Su éxito fue precoz, en plena adolescencia, con apenas 15 años, la prestigiosa revista Elleya la había seleccionado como estrella de su portada, modelo de la mujer francesa.
Ha pasado mucho tiempo y hoy celebra su onomástico 85. Ya no es eco en un mundo dominados por las tecnologías de la comunicación.
La bella y encantadora rubia, alguna vez censurada en Estados Unidos, por sus sensualidad y osadías, está recluida en la intimidad de sus afectos.
Bardot rodó más de 50 filmes y dejó huella. Decidió retirarse prematuramente en 1973, a los 42 años. Ni el mismísimo Marlon Brando logró convencerla y “la Bardot” rechazó una oferta de un millón de dólares por tenerlo como pareja en un filme. Desde entonces tomó una determinación: el icono internacional de la sensualidad, se convirtió en una acérrima defensora de los animales. Fue por lo único que apareció en la vida pública.
BRIGITTE BARDOT es una leyenda, pero nadie le rinde homenaje.
El cambio de guardia en Downing Street da paso a una nueva era en la tercera temporada de The Crown, a partir del domingo 17 de noviembre sólo por Netflix, mientras la Reina Isabel (Olivia Colman) y su familia luchan para enfrentar los desafíos de una Gran Bretaña que cambia rápidamente.
LA TRAMA:
Desde la paranoia de la guerra fría a los jet setters, la era espacial, la exuberancia de la década de 1960 y la larga resaca de la década de 1970, Elizabeth y la realeza deben adaptarse a un mundo nuevo, más liberado, pero también más turbulento.
THE CROWN es una serie original escrita por Peter Morgan,
ELENCO:
También está protagonizada por Helena Bonham Carter como la princesa Margarita, Tobias Menzies como el duque de Edimburgo, Josh O’Connor como el príncipe Carlos, Erin Doherty como la princesa Anne, Ben Daniels como Lord Snowdon, Jason Watkins como el primer ministro Harold Wilson y Charles Dance como Lord Mountbatten.
ROMA.- Lo llamaron “el Miguel Ángel del futbol”, hasta que falló un penal en la Copa Mundial 2018 en Rusia. DIAMANTINO, EL JUGADOR DE FUTBOL MÁS FUERTE DEL MUNDO, es una película escrita y dirigida por Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt, que se estrena y que obtuviera la Semana de la Crítica en el Festival de Cine de Cannes, nominada para un European Film Awards.
Este filme es una fábula surrealista y pop, una coproducción franco-brasileña-portuguesa distribuida por I Wonder Pictures, construida alrededor de la figura de Diamantino Matamouros, futubolista mundialmente famoso interpretado por Carloto Cotta (31, Tabú), recordado por el campeón portugués Cristiano Ronaldo. Al igual que él, Diamantino fue un genio de la pelota.
UNA FRASE:
“¿Quién es Diamantino? “Un devorador de Nutella” – sonríe el actor Carloto Cotta.
“Fue muy divertido usar su ropa, de hecho, usar sus zapatos: filmamos muchas escenas en el campo de mi equipo de futbol. También tuve que marcar un gol con una red vacía. Una pequeña venganza personal ”.
Comedia política sobre el ascenso de la xenofobia y la ultraderecha en Europa protagonizada por un alter ego de Cristiano Ronaldo. Esta es la fantasiosa y delirante historia de Diamantino (Carloto Cotta). El es un joven futbolista de escala mundial, que desgraciadamente, llega un momento en que pierde la Copa del Mundo debido a que ya no tiene la magia y el toque que le caracterizaba. Cae en una espiral de la que debe salir buscando un nuevo propósito vital. Decide adoptar a un refugiado de Mozambique pero termina en una trampa y manchado por los planes de sus hermanas gemelas malvadas y sus asuntos ilegales. Todo ello envuelto en un drama caracterizado por la confrontación al fascismo, la crisis de los refugiados, la modificación genética y la persecución de una nueva fuente de genialidad.
UN DATO:
De hecho, entre los efectos especiales, visiones místicas, dos hermanas terribles (Anabela y Margarida Moreira), problemas con los impuestos y el acoso de los súper agentes (Aicha Brito y Filipa Vargas), las extrañas historias de Diamantino pronto se alejan de las glorias estrictamente futbolísticas para jugar con ellas. Conflictos diversos, desde el culto a las celebridades hasta la pérdida de la fama, la clonación, los migrantes, el surgimiento de pensamientos antieuropeos y populismos xenófobos, y la evocación de muros.
A veces, incluso una comedia, reír, puede llevar a preguntas. “En la película, continúa Cotta, hablamos de un Portugal imaginario”.
“En realidad, no tenemos movimientos políticos tan extremos como los que veo en otros países europeos. Pero no creo que estos sean problemas que pertenecen a un nacional más que a otro. Todo debe revisarse desde una perspectiva más universal, no local. No soy nadie para decir o abordar estos problemas, solo soy un actor. Pero quizás las raíces del problema están precisamente en el deseo de dividir, de separar ”.
Pero al final, entre las carreras en Lamborghini, los deseos de tener hijos, grandes éxitos y derrotas sonoras, ¿se parece realmente Diamantino al legendario Ronaldo? “Quién sabe, el actor se ríe, para mí parece Carloto Cotta”.
ROMA.- El Instituto Luce Cinecittá presentará el proyecto Federico Fellini in frames en la próxima edición del Festival de Venecia, como adelanto de las celebraciones que tendrán lugar en 2020, cuando se cumpla el centenario del nacimiento del genial cineasta italiano.
Como si se tratara de una recomendación terapéutica, al igual que caminar 30 minutos al día, quienes asistan a la Mostra, del 28 de agosto al 8 de septiembre, recibirán cada día una “píldora” de Fellini para sentirse mejor. Con Federico Fellini in frames (Federico Fellini en cuadros) el festival se anticipa a los festejos del año próximo y celebra también al cine, porque las historias del director de Amarcord (1973) son sueño y magia plasmados en películas.
Estas “píldoras” que llevará el Istituto Luce a Venecia forman parte de su Archivo Histórico. Este año el homenaje es para el realizador oriundo de Rímini y es agradable pensar que a él le hubiese gustado esta “biografía en píldoras”: crónicas cinematográficas, galas de estreno, premiaciones, filmaciones de los detrás de escena y otras de él mientras trabaja en el set de rodaje.
Esos videoclips se verán en la sala antes de la exhibición de las películas de la Selección Oficial.
También se proyectará la restauración del filme El jeque blanco (1952), realizada por la Fundación Cineteca de Bologna en el marco del Proyecto Fellini 100, junto a Rti-Mediaset e Infinity.
Se trató de la primera película suya en absoluto, en la que el cineasta Michelangelo Antonioni fue coautor de la historia; el escritor Ennio Flaiano coautor del guión; Nino Rota de la música y el gran Alberto Sordi su protagonista (a propósito, en 2020 también se cumplen cien años de su nacimiento).
Además, en la sección Venezia Classici se exhibirá en concurso el documental “Fellini fine mai” (Fellini nunca termina) con el que Eugenio Cappuccio homenajea de manera no convencional al maestro de maestros con materiales de archivo de Teche Rai.
En el Festival de Venecia Fellini presentó su segunda película, I Vitelloni (Los inútiles, 1953), que se llevó el León de Plata al Mejor Director, y al año siguiente repitió el premio con La Strada.
En 1955 la crítica no recibió muy bien a Il Bidone (Almas sin conciencia), lo que lo convenció de no llevar más sus películas a Venecia e ir, en cambio, al Festival de Cannes, donde La Dolce Vita (1960) ganó la Palma de Oro.
Recién volvió en 1969 con Satyricon y luego con E la Nave Va en 1983.
En Federico Fellini in frames, en las 18 piezas de archivo, se encuentran las crónicas de la Mostra por la presentación de I Vitelonni y La Strada y los aplausos en Via Veneto, en Roma, por Notti di Cabiria (1957), con Giulietta Masina y Amedeo Nazzari. También se ven imágenes del rodaje de La Dolce Vita, con los recorridos de la pulposa Anita Ekberg desde el set hasta la Fontana di Trevi; el estreno en el cine Fiamma y finalmente, los aplausos en Cannes.
Se suman las postales de Estados Unidos, cuando 8½ se llevó el Oscar a la Mejor Película en 1964, y de Cinecittá, con las pruebas de Giulietta Masina y Sandra Milo para Giulietta degli Spiriti (1965); las pruebas técnicas en el set de La cittá delle donne (1980) y el doblaje con Oreste Lionello y Gigi Proietti para Casanova (1976).
En ese archivo hasta está la chica del anuncio del film jamás realizado, Duet Love (1969), con Fellini e Ingmar Bergman, que iba a ser producido por Universal.
En orden cronológico cierra Venecia: con la llegada del realizador italiano en lancha al Lido para la presentación de E la nave va.
ROMA.- La ingenuidad y la tristeza de Pinocho, la marioneta de madera creada por el escritor Carlo Collodi, están presentes el rostro del actor FEDERICO IELAPI, quien lo interpreta en PINOCCHIO, el nuevo filme de Matteo Garrone que se encuentra en etapa de postproducción.
Luego de la primera fotografía de Roberto Benigni en la piel de Geppetto y la difusión del trailer de la película, ahora se conoce la foto de Ielapi, caracterizado como Pinocho.
El director de la película dijo a la prensa que está “muy feliz de haber tenido como colaborador a un gran artista como Mark Coulier”, comprometido en la caracterización de personajes de Harry Potter y que ganó dos premios Oscar por el maquillaje en las películas Grand Budapest Hotel (2014) y The Iron Lady (2011).
“Sabíamos que no queríamos recurrir a técnicas digitales en la creación de los personajes de Pinocho y, por este motivo, se lo confiamos a Mark, que gracias a su especial maquillaje logró devolver la magia y junto al realismo de las criaturas imaginadas por Collodi, nos sorprendió y transportó a una atmósfera de cuento”, agregó Garrone. “Esperamos que el mismo estupor se traslade al público, y especialmente a los espectadores más pequeños”, concluyó sobre el filme, una coproducción entre Italia y Francia, por Archimede, Rai Cine y Le Pacte.
PINOCCHIO, distribuida por 01 Distribution, se estrenará en Italia el día de Navidad.
El reconocido comunicador peruano Jhonatan Cabrera, productor y promotor de INKAZTECA, certifica que es un evento gastronómico intercultural, que pretende empoderar a destacados chefs de México y Perú, así como posicionar la gastronomía de estos países en Europa”.
En entrevista, Cabrera hace referencia a la unión entre Perú y México en materia gastronómica:
-¿Por qué precisamente Perú y México?
-Perú y México son dos estrellas relativamente jóvenes en el ámbito gastronómico mundial y son muy representativos de Latinoamérica… La comida de ambos países es un atractivo central para el turismo internacional y eso hay que difundirlo y promocionarlo”.
-Esta gran feria gastronómica tendrá lugar en Bélgica, desde donde planea proyectarse al mundo…
-Se lleva a cabo en Bruselas porque esta bellísima ciudad es la sede del Parlamento Europeo, y un punto ideal para proyectar a nuestros países como las potencias culinarias que son”.
-Esta fiesta cultural se celebró por primera vez haces unos meses con tal éxito y cobertura internacional , que ya se prepara la segunda edición…
-La segunda edición de INKAZTECA se llevará a cabo a partir del 15 de enero del 2020, en un emblemático municipio de Bruselas y contará con la presencia de autoridades europeas, que darán un reconocimiento a nuestros chefs participantes, además de una visita oficial al Parlamento Europeo, en donde ellos serán agasajados por autoridades belgas… También estarán con nosotros embajadores de México, Perú y Bolivia, entre otros”, agregó el periodista peruano, quien radica por aquellos lares, desde donde es también corresponsal de importantes medios de comunicación internacionales.
Hablando concretamente de la cocina mexicana, ¿cómo se ve o qué se sabe de ella en el viejo continente?
-En Europa la cocina mexicana es vista como una cocina versátil, basada en una biodiversidad, capaz de deleitar a los paladares más exigentes del mundo… En lo personal, me encantan los tacos, los burritos, los frijoles, el aguacate… En fin, tienen una riqueza enorme”.
-¿Quiénes pueden participar en INKAZTECA?
-Puede participar cualquier profesional de la gastronomía, que de una u otra forma contribuya con el empoderamiento y desarrollo de la misma, y que a través de sus platos difundan la cultura culinaria de sus países”.
-¿Cómo se llevará a cabo la selección o inscripción de estos participantes?
-Dentro de algunas semanas estaremos de visita en México para invitarlos a participar en este increíble evento, que no se pueden perder… Mientras tanto, pueden encontrar mayor información en nuestras redes”.
