Bertolucci fue el más internacional de los cineastas italianos

ROMA.- BERNARDO BERTOLUCCI (16 de marzo de 1941-26 de noviembre de 2018) cumpliría 80 años, el más internacional de los cineastas italianos. Ha sido el único realizador de la península que obtuvo un Oscar al Mejor Director en 1988, gracias a EL ÚLTIMO EMPERADOR, que le llevó a ganar nueve estatuillas.

En su casa de Roma tampoco faltaban los Globos de Oro, los premios a la carrera de la Mostra de Venecia y de la Academia de Los Ángeles, el Leopardo de Honor en Locarno y una avalancha de premios nacionales, incluidos David di Donatello, Nastri d’Argento y Ciak d’oro.

El de Bertolucci fue un camino surcado por éxitos (su estrella brilla en el Camino de la Fama de Los Ángeles) al igual que en suelo italiano donde inició con su ópera prima, La commare secca (1962) y en la escena internacional con la nominación al Oscar por Il conformista (1970).

Habría cumplido 80 años si la enfermedad no se hubiera apoderado de él, primero por una cirugía de espalda incapacitante y luego por un tumor incurable que le ocasionó su deceso el 26 de noviembre de 2018.

Cuatro años antes, su ciudad natal, Parma, le regalaba la satisfacción tal vez ambicionada en secreto: un título honorífico en historia y crítica de las artes escénicas.

Con su habitual sonrisa irónica, Bertolucci subió al palco para una memorable lección magistral que recorrió todas las etapas de su vida artística, comenzando por la infancia y la enseñanza de su padre, el poeta Attilio, para luego continuar un viaje como un eterno adolescente, con los ojos muy abiertos frente al “misterio del cine”.

De hecho, ese es el título del libro que, gracias a la pasión de su esposa, Claire Peploe, llega hoy a las librerías de Italia y reproduce aquella mágica lección, un ejercicio de sinceridad, memoria, poesía y técnica que recorre con mirada lúcida toda su obra.

El editor de libro, Michele Guerra, recordó que aquel día, tras haber entregado su diploma en la cátedra, el 16 de diciembre de 2014, fue para Bertolucci un verdadero “regreso a casa”.

La ocasión estuvo teñida de emoción y recuerdos, como para marcar la verdadera característica que connota su éxito: llevar su tierra a los rincones más recónditos del mundo, de China al Tíbet, del Sahara a París, sin arrancar nunca sus raíces, extraordinariamente evidente en el poema más ambicioso, el díptico del Novecento.

Bertolucci fue, antes que nada, un poeta, si bien la impronta paterna se revela solo en una antología adolescente, En busca del misterio, publicada en 1962 y premiada como ópera prima.

El cineasta fue un poeta por su visión casi infantil del cine como una linterna mágica del inconsciente, un lugar de sombras y ambigüedad en el que el hombre se pierde en busca de sí mismo mientras la sociedad que lo rodea lo transforma y lo desborda todo.

También lo fue al dejar la universidad para seguir a otro poeta, Pier Paolo Pasolini, elegido como maestro y a quien acompañó en el descubrimiento del “oficio” cinematográfico en el set de Accattone, en el que ambos debutaron, uno como director, el otro como aprendiz.

La poesía estuvo presente incluso en los viejos por el mundo, en la búsqueda de un secreto que llevaba dentro y que proyecto en el niño emperador de su “kolossal” sobre la reencarnación de Buda o en los dos niños amigos, obligados luego a crecer como Italia a través del fascismo en Novecento.

En un examen más detenido, muchas de sus películas revelan un punto de vista secretamente infantil o adolescente: tanto en Antes de la revolución (rodada en Parma) y en El Conformista, en los godardianos Socio, Último tango en París y, más tarde The Dreamers, en el inquieto Joe de La Luna, en la chica viajera de Té en el desierto y en la soleada Lucy de Yo bailo solo, hasta el adolescente Lorenzo en su última película , Tú y yo de 2012.

Evidentemente hay excepciones, cuando Bertolucci mira las transformaciones de su país con un ojo desencantado entre La estrategia de la araña, la otra cara de El conformista; La tragedia de un hombre ridículo, el pensativo Asedio, que es quizás su última y verdadera obra maestra.

El deseo que deja Bertolucci en las páginas de su libro es precisamente que el cine italiano recupera pronto su madurez, que vaya de la mano de una constante estatura internacional, pero en la que no se menoscaben las dos fortalezas de su obra: la luz del asombro de la mirada de un niño la mirada y la fuerza consciente de las propias raíces.

La última mención de su título honorífico lo devuelve a su verdadero mundo incluso hoy.

“Parma y las tierras bajas y colinas que la rodean -leemos- han aparecido en muchas de sus películas, desde Antes de la revolución en adelante, testificando el profundo vínculo que ha mantenido Bernardo Bertolucci con sus lugares de origen”.

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110 artistas y músicos de renombre se sienten afectados por el Brexit

LONDRES.- Sting, Elton John, Ed Sheeran, Liam Gallagher, Radiohead, Bob Geldof, Brian May de Queen, Robert Plant de Led Zeppelin, Peter Gabriel y Kim Wilde, son algunos de los nombres más relevantes de la escena musical británica que salieron a la palestra para protestar por su situación tras el Brexit.

A ellos se sumaron cantautores como Judith Weir, el director Simon Rattle y la violoncellista Nicola Benedetti: en total más de 110 artistas, todos enojados y decepcionados por el gobierno británico.

Son los voceros de la protesta por el modo en que la música -las grandes estrellas, pero sobre todo las bandas itinerantes- fueron “vergonzosamente” abandonadas después del Brexit.

La queja llegó en la forma de una carta publicada por el Times donde denuncian que los acuerdos hicieron de Europa una “zona de exclusión” para los músicos.

Tras el fin de la libre circulación entre el continente y el Reino Unido, hay que obtener visas individuales antes de ir a cualquier país de la Unión Europea, con los consecuentes costos adicionales (incluyendo permisos de 350 libras para instrumentos musicales y otros equipos) y trabas burocráticas que harán “insostenibles muchas giras”.

Londres y Bruselas se culpan mutuamente por la situación, pero según los signatarios los músicos serán quienes paguen los platos rotos: sobre todo, los jóvenes y los emergentes, a quienes “ya les cuesta mantener la cabeza fuera del agua. Toda la industria musical del Reino Unido ya se vio devastada por la pandemia y las nuevas restricciones hacen más trabajosa y lejana la perspectiva del regreso a las salas de concierto, giras y festivales.

El negociador europeo del Brexit, Michel Barnier, negó haberse opuesto a la libre circulación de los músicos durante los coloquios, asegurando que presentó en Londres “propuestas bastante ambiciosas en términos de movilidad”.

Según el diario The Independent, fue Londres la que rechazó una propuesta estándar de la Unión que concede una exención de visa de tres meses a los artistas y creadores, algo que Downing Street negó.

En los últimos días, la secretaria de Estado británica para la Cultura, Caroline Dinenage, aseguró que la puerta “quedó abierta” para nuevas discusiones “si la UE está lista para considerar las propuestas muy razonables del Reino Unido”.

Los músicos reclaman la creación de un “pasaporte” que dure al menos dos años, de costo económico y que comprenda a todos los Estados miembro de la UE, y que pueda ser usado también por el equipo técnico y todo el personal que hace posibles las giras.

Varias peticiones en este sentido, también en la plataforma Change.org, están recogiendo miles de firmas en estos días.

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Callar le costó a Plácido Domingo su “muerte civil”; cumple 80 años

Callar, no haber dicho lo que sabía a tiempo, le costó al tenor PLÁCIDO DOMINGO, quien hoy cumple 80 años, el descrédito mundial luego de las acusaciones de varias mujeres -sólo tres han dado sus nombres y suman 27 en total- que van desde el flirteo recurrente hasta las acusaciones sobre propuestas sexuales dentro del ámbito de trabajo y fuera de él. 

12 de diciembre de 1972, Plácido Domingo, que inauguró esa temporada en La Scala, camina por la Piazza Scala con la Ópera de fondo, en Milán. (AP Foto/Raoul Fornezza, Archivo)

La noticia que se esparció como reguero de pólvora se conoció a través de la Associated Press y luego fue refrendada por una investigación del Sindicato de Trabajadores de Ópera de Estados Unidos. De los 27 casos confirmados de mujeres acosadas por el famoso tenor, sólo tres de las víctimas han dado sus nombres: las cantantes Patricia Wulf y Ángela Turner Wilson, y Melinda McLain, coordinadora de la Ópera de Los Ángeles, quien ha puntualizado sucesos ocurridos entre 1986 y 1987.

Con seis décadas en los escenarios de todo el mundo, con una ejemplar labor humanitaria durante el sismo de 1985 en México, y personaje emblema de la ópera en el siglo 20, PLÁCIDO DOMINGO creyó que callar sería la solución en una revelación mediática que le ha cobrado factura en su imagen pública y en su vida familiar.

Debido a ello, según lo refiere Matías Bauso, en agosto de 2019 PLÁCIDO DOMINGO cantó Giovanna D’Arco en el Teatro Real. El público casi no aplaudió, algunos hasta abuchearon. En la ópera tanto las efusiones como los enojos son de gran intensidad. Los críticos hablaron de desastre, alguien escribió que la versión fue horrenda. Podía tratarse de un declive propio de la edad. Ya se acercaba a los ochenta. No era la primera vez que tenía una mala noche. A cualquiera le puede pasar.

Pero en esos días Plácido Domingo atravesaba un infierno. Estaba sufriendo chantaje de la Cientología para que él y su esposa pudieran ver a sus nietos. Se dice que el pago fue de dos millones de dólares.

Pero, cuando él creía, que nada podía ser peor, llegó el gran golpe. Una semana después, las acusaciones de abusos cayeron sobre él en cascada. Primero una decena, después otras varias más, hasta sumar 27. El efecto fue inmediato: debió dejar sus cargos al frente de importantes orquestas, se suspendieron funciones todo el mundo; más de 33 fechas fueron anuladas.

Contrario a su declive en su vida, el tenor interpretó la canción del Mundial de España 82, participó en las ceremonias de los Juegos Olímpicos Barcelona 92 y de Pekín 2008.

En ocasión del Mundial de Italia, se produjo una unión que revolucionaría el negocio musical. Todavía no eran una marca registrada, parecía una unión circunstancial, excepcional. José Carreras, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo con la dirección de Zubin Mehta. El impacto fue extraordinario. Se juntaron también para los siguientes tres mundiales.

Los Tres Tenores dieron a lo largo de 16 años 33 conciertos que batieron todas las marcas. Sus grabaciones vendieron millones de copias. El primero de sus discos mantiene el récord de ser el más vendido de la historia de la música clásica. Fueron un fenómeno. Llevaron esta música a una enorme cantidad de personas que no la había escuchado nunca. Los puristas los criticaron con ardor. Pero al lado del impacto que produjeron, esas quejas fueron un débil rumor.

Plácido Domingo defendía su derecho a ser popular, masivo: “Si los grupos de jóvenes, que no estudiaron, que no saben de música, llenan estadios y ganan millones, por qué no lo podemos hacer nosotros. Yo disfruto mucho de la masividad”, dijo.

PLÁCIDO DOMINGO goza de plena salud, su fortaleza permanece intacta. Pero en los últimos dos años su imagen pública se desmoronó. El efecto del #MeToo llegó y con fuerza al mundo de la ópera.

El tenor también es director de orquesta y compositorSus registros son los de tenor y barítono. Pero no sólo dejó su estela en la música clásica. Siempre se preocupó por ensanchar su público. De esa manera grabó canciones melódicas, boleros y hasta un disco de tangos a principios de la década del ochenta que provocó escozor en los tangueros de la vieja guardia. Sin embargo, los compositores y letristas que aún estaban en actividad, como Enrique Cadícamo y Mariano Mores, agradecieron la inclusión de sus temas que se reflejó en jugosas liquidaciones por derechos de autor y en la difusión de sus canciones en todo el mundo. Sólo en Argentina, el álbum vendió casi 100 mil copias.

De acuerdo a Matías Bauso en INFOBAE, la actitud de Plácido Domingo varió con el tiempo. En cuanto aparecieron los primeros casos, emitió un comunicado negando los hechos y lamentando que algunas mujeres se hubieran sentido mal por alguna de sus actitudes. Meses después, cuando el descalabro parecía indetenible, pidió disculpas incondicionales. Pero tiempo después volvió a cambiar, y adquirió una postura más combativa, luchando por su rehabilitación pública.

“A Plácido Domingo le llegó el ocaso. De manera inesperada. Él, quizá, imaginó que algún día notaría alguna merma en el escenario, y que ese sería el momento del adiós. Pero la caída no se debió a un decaimiento suyo sino a una sanción inmediata y masiva. Fue cancelado. Es probable que no llegue a reivindicarse en escena. El paso del tiempo es cruel. También esta época.

CON INFORMACIÓN DE INFOBAE

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La moda y el diseño están de luto: murió Pierre Cardin a los 98 años

ROMA.- PIERRE CARDIN falleció a los 98 años, el diseñador italiano nacido en Sant’Andrea di Barbarana, una aldea del municipio de San Biagio di Callalta, en la provincia de Treviso, veneto, pero criado en Francia, un país donde dio sus primeros pasos en la moda y creció, hasta convertirse en uno de los couturiers más importantes de la segunda mitad del siglo XX, un gigante de la moda y el diseño.

Pietro Costante Cardin, nacido el 2 de julio de 1922, en una familia de agricultores ricos, que terminaron en la pobreza después de la Primera Guerra Mundial, siempre había permanecido en Italia.

Tal vez entre todos los couturiers del siglo pasado, nacidos en Italia y criados en Francia, Cardin fue el que mejor representó esa mezcla de estilo entre Italia y Francia, la razón decisiva de su éxito.

A la edad de 14 años en 1936, el joven Pierre, cuyo nombre italiano era Pietro, comenzó su aprendizaje con un sastre en Saint-Etienne. Después de una corta experiencia en Manby’s, sastre en Vichy, en 1945 llegó a París trabajando primero por Jeanne Paquin y luego por Elsa Schiaparelli. 

El primer sastre de la maison Christian Dior durante su apertura en 1947 (después de ser rechazado por Cristóbal Balenciaga) participó en el éxito del maestro que inventó la Nueva Mirada. En 1950 fundó su casa de moda, experimentando con la alta moda en el 53.

Cardin se hizo famoso por su estilo futurista, inspirado en las primeras hazañas del hombre en el espacio. Prefería los cortes geométricos a menudo ignorando las formas femeninas. Le encantaba el estilo unisex y la experimentación con nuevas líneas. En 1954 introdujo el vestido de burbujas. 

Cardin también fue un precursor en la elección de nuevos mercados y en la firma de nuevas licencias. En 1959 fue el primer diseñador en abrir una tienda de alta moda en Japón. También ese año fue expulsado de la Chambre Syndacale French, por lanzar primero en París una colección empaquetada para grandes almacenes de imprentas. Pero pronto fue restablecido. Sin embargo, Cardin ha sido miembro de la Chambre Syndicale de la Haute Couture et du Pret-a-Porter y de la Maison du Haute Couture desde 1953 y renunció a Chambre Syndacale en 1966.

Sus colecciones desde 1971 se han mostrado en su sede, el Espace Cardin, en París, antes de entonces en el Teatro de Embajadores, cerca de la Embajada Americana, un espacio que el couturier también ha utilizado para promover nuevos talentos artísticos, como los afiantes o músicos.

Al igual que muchos otros diseñadores, Cardin decidió en 1994 mostrar su colección sólo a un pequeño grupo de clientes y periodistas seleccionados. En 1971 Cardin se unió a la creación de ropa por su colega Andro Oliver, quien en 1987 asumió la responsabilidad de las colecciones de alta moda, hasta su muerte en 1993.

Al diseñador le encantaba la mundanidad, el mundo del jet set, por lo que en 1981 compró los famosos restaurantes parisinos Maxim’s. Pronto abrió sucursales en Nueva York, Londres y Beijing en 1983 y flanqueó una cadena de hoteles. Entre las licencias de la línea Maxim también había un agua mineral que fue tomada y embotellada en Graviserri en el municipio de Pratovecchio Stia, provincia de Arezzo.

La pasión de los bienes raíces. Cardin había tomado posesión de las ruinas de un castillo en Lacoste habitado en el pasado por el Marqués de Sade. Después de renovar el sitio, el diseñador organizó festivales teatrales allí. Cardin también había redescubierto sus raíces italianas con la compra del palacio Ca’ Bragadin en Venecia, donde residió durante sus frecuentes estancias en la ciudad laguna (en la calle adyacente hay un espacio expositivo).

En la década de 1980 había comprado el Palais Bulles (El Palacio de la Burbuja) diseñado por el excéntrico arquitecto Lovag Antti. Todo, desde el suelo hasta el techo, estaba lleno de formas esféricas. Con su teatro de 500 asientos, las piscinas con vistas al mar Mediterráneo eran a menudo un lugar de fiestas y eventos. El interior fue amueblado con piezas de diseño, las Esculturas utilitaires diseñadas por el propio Cardin, que desde 1977 ha creado una colección de muebles elegantes con formas sinuosas.

En el Golfo de Cannes, en Théoule-sur-Mer, en el sur de Francia, esta obra arquitectónica en 1988 fue designada por el Ministerio de Cultura como monumento histórico. También una docu-película sobre la vida de Cardin presentada en el Festival de Cine de Venecia en 2019: House of Cardin de P. David Ebersole, Todd Hughes.

En julio de 2019, también una exposición monográfica dedicada al “gigante de la moda” en los EE.UU., en el Museo de Brooklyn.

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Murió la famosa cantante francesa Juliette Gréco a los 93 años

PARÍS.- A los 93 años falleció la cantante e icono de la música francesa JULIETTE GRÉCO, amiga de poetas y músicos, quien encarnó el alma más profunda de Saint-Germain des-Près, el barrio histórico de la margen izquierda parisina frecuentado por artistas de todo el mundo. 

Así lo anunció la familia en un mensaje enviado a la agencia France Presse. “Juliette Gréco – falleció rodeada de sus seres queridos en la amada casa de Ramatuelle. Su vida fue fuera de lo común”. “Pasión, lucha, amor y risa intensa”, fueron las palabras que utilizó el artista para definir su existencia. “Soy un payaso en la vida y luego me gusta reír. La mayor cualidad de la seducción es el sentido de la ironía”.

Juliette Gréco nació el 7 de febrero de 1927 en Montpellier, en el sur de Francia. Con su hermana Charlotte, sin embargo, creció cerca de Burdeos, en la casa de sus abuelos, después de la separación de sus padres. 

Los biógrafos describen una infancia melancólica en la que la joven Juliette, que prefería que la llamaran Jujube o Toutoute, como la llamaban en la familia, se expresaba sobre todo a través de la danza. Luego la guerra, que obliga a la familia a huir a una propiedad en Périgord, en el suroeste del país, que sirve de pasaje a la Resistencia. 

En 1943, vivió el horror: su madre y su hermana fueron deportadas, y ella misma estuvo presa en Francia durante unos diez días. Un período de su vida que contará en una autobiografía publicada en 1983, Jujube

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La política, el contenido favorito del 77° Festival Internacional de Cine de Venecia del 2 al 12 de septiembre

VENECIA.- Es un récord: de las dieciocho películas en competición en este 77º Festival Internacional de Cine de Venecia (del 2 al 12 de septiembre), más de la mitad, no menos de diez, tienen contenidos políticos e ideológicos. Hay de todo, desde la hija de Marx hasta las luchas de clases en un México distópico, desde la tragedia del desmembramiento de Yugoslavia hasta los efectos de un ataque terrorista en Italia en la década de 1980. 

Cari compagni di Andrei Konchalovksy

Aquí las diez películas.

MISS MARX de Susanna Nicchiarelli narra la vida al borde de una de las hijas del filósofo y economista Eleanor. Brillante y apasionada, luchó por los derechos de la mujer y la abolición del trabajo infantil, amaba la literatura, especialmente Shakespeare, y el teatro. Su gran amor, Edward Alling, activista con quien compartió política y teatro, la llevó al suicidio con tan solo 42 años.

WIFE OF SPY de Kiyoshi Kurosawa. Japón, 1940. Un comerciante de Kobe viaja a la Manchuria ocupada por los japoneses. Por casualidad es testigo de un hecho que lo convence de que ha descubierto una conspiración. Su esposa, sin embargo, no quiere que él revele el descubrimiento, por su propio bien y para defender su amor.

PADRENOSTRO de Claudio Noce protagonizada por Valerio, diez años. Su vida de niño da un vuelco cuando, junto a su madre, presencia el atentado a su padre Alfonso por parte de un grupo de terroristas. La película está inspirada en la infancia del director y el bombardeo que afectó a su padre, subjefe de policía en diciembre de 1976.

Y MAÑANA EL MUNDO ENTERO por Julis Von Heinz. Alemania se ve afectada por una serie de ataques terroristas neofascistas. Luisa, de veinte años, se une al movimiento Antifa que quiere reaccionar con valentía a todo esto. Pero la niña también intenta impresionar a Alfa, una activista de la que se enamora.

NUEVO ORDEN de Michel Franco. Lucha de clases en México. Mientras se realiza una fiesta de cumpleaños en una gran villa repleta de importantes exponentes de la aristocracia mexicana, estalla una violenta revuelta del pueblo contra la policía en la ciudad. Los alborotadores llegan para atacar la propia villa.

QUO VADIS, AIDA? por Jasmila Zbanic En 1995, durante las guerras que llevaron a la disolución de Yugoslavia, el ejército serbio toma la ciudad bosnia de Srebrenica, donde Aida, traductora de la ONU, vive con su esposo e hijos. Aida cree que está a salvo en el campo base de la ONU donde trabaja, pero la suya es solo una falsa certeza.

SUN CHILDREN de Majid Majidi cuenta la historia de Ali, de 12 años, y sus tres amigos que trabajan duro para sobrevivir y mantener a sus familias, incluso cometiendo delitos menores para ganar dinero rápidamente. Todo cambia cuando Ali tiene la tarea de encontrar un tesoro escondido, pero primero debe inscribirse en la Sun School, una organización benéfica que busca educar a los niños de la calle.

NOCHE de Gianfranco Rosi. Filmado a lo largo de tres años en Siria, Irak, Kurdistán, Líbano, el docu-film da voz a esos dramas que trascienden las divisiones geográficas y el tiempo. Esa es la tragedia de las guerras civiles, las dictaduras y el apocalipsis de Isis. La guerra y el dolor están en el fondo de todas estas historias, detrás de estos teatros dramáticos.

LAILA IN HAIFA de Amos Gitai es filmada en una discoteca de Haifa frecuentada por israelíes y palestinos, un lugar donde se encuentran las personas más dispares: judíos, musulmanes, gays, heterosexuales, travestis y tres mujeres, que en ese microcosmos, un lugar de encuentro y paz, encuentran refugio de cualquier acoso.

¡QUERIDOS COMPAÑEROS! por Andrei Konchalovsky. URSS, Novocherkassk, 1962. Lyudmila, miembro del partido comunista local, es un militante fundamentalista. Durante una manifestación, la mujer es testigo de un tiroteo contra manifestantes ordenado por el gobierno a reprimir la huelga: un hecho que cambiará su mundo para siempre.

WIFE OF SPY de Kiyoshi Kurosawa

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Justo en su cumpleaños 60, Antonio Banderas da a conocer tiene covid-19

ROMA.- Vaya cumpleaños el que “celebra” el actor malagueño ANTONIO BANDERAS, a través de sus redes dio a conocer que ha dado positivo a covid-19 y se encuentra en cuarentena.

El mismo Banderas ha confirmado el contagio a través de sus cuentas de Instagram y Twitter junto a una imagen suya de la infancia: “Quiero hacer público que hoy, 10 de agosto, me veo obligado a celebrar mi 60 cumpleaños siguiendo cuarentena al haber dado positivo en la enfermedad covid-19, causada por el coronavirus”.

Si existe un lugar donde Josè Antonio Domínguez Bandera, conocido en todo el mundo como ANTONIO BANDERAS, tiene derecho a celebrar un cumpleaños que nunca olvidará – sus 60 años mañana – es Málaga donde nació el 10 de agosto. en 1960 por un padre policía y una madre maestra, mientras caían las estrellas en la noche de San Lorenzo. Málaga es la cuna, Málaga es el refugio, Málaga es la ciudad del corazón. De aquí partió a los 19 años con un diploma de la escuela de arte dramático en el bolsillo y la decepción de una carrera como futbolista en el club de la ciudad por una fractura en el pie.

Buscaba fortuna en los escenarios de Madrid y mientras se ganaba el pan entre el arte y la artesanía (también era modelo y camarero) el destino le hace conocer a un hermano mayor por elección propia, Pedro Almodóvar, ya definido como el talento naciente del posfranquista gracias a su deslumbrante debut con Pepi, Luci, Bon y las chicas del montón en 1980.

La correspondencia artística entre los dos fue inmediata y en 1982 estuvieron juntos en el plató de Labirinto di passioni. A Banderas se le asigna un pequeño papel, el del terrorista Sdec que tiene una fugaz historia de amor con Riza Niro, la monarca exiliada inspirada caprichosamente por el Sha de Persia: un destino singular para el actor que se convertirá en un símbolo sexual amado por las mujeres. al otro lado del mundo: “Es gracioso – dice de sí mismo – pero en mis más de 100 películas he sido más homosexual que latin lover. Y ciertamente no están en la vida cotidiana. En cambio, me he ganado una reputación de seductor que ahora acepto sin vergüenza, pero siempre lo encuentro vagamente surrealista “.

A pesar de tanto cine, muchas veces elegido sin criterio en la ruta Madrid-Hollywood, Antonio Banderas siempre ha llevado el teatro en su corazón: afirmado y rico, no dudó ni un momento cuando le propusieron volver como profesor y productor: hace unos años fundó su Academia, el Teatro Soho Caixa Bank de Málaga donde estudian 600 alumnos de toda España y hace un año puso en escena su versión de A Chorus Line allí.

 Las colaboraciones con Almodóvar son por ahora siete (más un cameo) y marcan su carrera: estuvo en Matador y en La ley del deseo, ganó la atención internacional con Mujeres al borde de un crisis nerviosa (1988) y después de Legami al año siguiente se fue de Europa a América gracias a imagen que su pigmalión le había cosido: una mezcla de testosterona, bondad, fuerza irónica e histriónico controlado. 

Pero en 2011 regresó de Almodóvar (La piel che habito) para reconstruir un vínculo con sus raíces y ocho años después, haciéndose “doble” de su maestro frente a la cámara, conquistó primero La Palma con Dolor y Gloria, oro en Cannes y luego la nominación al Oscar (una primicia en su palmarés). Mientras tanto, se había convertido en una promesa y luego en un “valor seguro” del cine escapista al estilo de Hollywood. 

Ha trabajado con grandes como Jonathan Demme (el aclamado Philadephia todavía en el papel de un gay), Neil Jordan (Entrevista con el vampiro), Alan Parker (Evita), De Palma (Femme fatale), Incluso Woody Allen (Conocerás al hombre de tus sueños), ha hecho una amistad férrea con Robert Rodríguez desde Desperado hasta Spy Kids, ha atravesado todos los géneros (incluso con la nostalgia de haber hecho más acción esa comedia), pero fue con La máscara del Zorro de Martin Campbell (1998) que se convirtió en una verdadera estrella. A pesar del fracaso de la secuela, esa película ahora es su marca registrada y los duetos con Catherine Zeta Jones por un lado y Anthony Hopkins por el otro son ahora legendarios. (1998) de Martin Campbell, quien se convirtió en una verdadera estrella. 

Guapo y mediterráneo, irónico y atlético, romántico y frágil, seductor y caballero, Antonio Banderas domina la escena americana de principios del siglo XXI. También le ayuda la inquebrantable relación amorosa con Melanie Griffith, la paternidad de la bella Stella (comparte escena con ella y su esposa en su primer director Crazy in Alabama, 1999), el cariño que siempre ha mostrado por su hijastra Dakota. Johnson. 

En 2015 cuando Banderas cambie de pareja por tercera vez (en España se casó con la actriz Ana Leza desde muy joven) uniéndose a la holandesa Nicole Kimpel que hoy maneja su vida y estuvo cercana a él en 2017 después de sufrir un infarto.

Caprichoso, vital, leal, curioso, Antonio Banderas es un actor al que siempre le ha gustado escapar de la coacción del modelo que lo caracteriza. También por esta razón aceptó de buen grado convertirse en una caricatura de sí mismo primero como El gato con botas en Shrek (en la que dobló a su doble animado tanto en inglés como en español y luego en italiano) y luego con la serie de chat de comercial del Mulino Bianco. Hay un sprite inquieto que siempre lo acompaña en el plató y que le ha hecho dar lo mejor de sí en películas que no siempre son perfectas (como el hermoso noir apocalíptico Automata de Gabe Ibáñez en 2014, pero también los valientes Panama Papers por Soderbergh en 2019).

Ahora tiene otra película en puerta que parece seguir sus elecciones habituales: puro cine de entretenimiento, sin mucha inventiva, a la espera de las oportunidades de calidad que una vez más llegarán de su Europa: la convulsa Los nuevos mutantes, fuera del establo de Marvel, pero pospuesto demasiadas veces para no plantear dudas. Mejor apostar por la Competencia oficial de la prometedora pareja Mariano Cohn-Gaston Duprat en la que hará un dueto con una amiga de toda la vida como Penélope Cruz. Ambos quieren confirmación y pueden volver a brillar junto con una comedia llena de adrenalina ambientada en el mundo del cine. 

Para Antonio se trata de jugar en casa. ¿Hay algún aire de confirmación tras el gran regreso de Dolor y gloria?

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“La Casa de Papel” inicia este lunes el rodaje en Dinamarca, Portugal y España de su última temporada

Netflix confirmó el inicio de rodaje de la quinta y última parte de la exitosa serie La Casa de Papel en Dinamarca, España y Portugal a partir de este lunes 3 de agosto, temporada en la que se incorporan al elenco los actores Miguel Ángel Silvestre y Patrick Criado.

MIGUEL ÁNGEL SILVESTRE

El atraco llega a su fin en la serie creada por Alex Pina y producida por Vancouver Media para Netflix., constará en su temporada final con 10 episodios.

PATRICK CRIADO

HA DICHO:

El creador y Productor Ejecutivo Alex Pina, dijo: “Hemos dedicado casi un año a pensar cómo destrozar a la banda. Cómo poner contra las cuerdas al Profesor. Cómo llegar a situaciones irreversibles para muchos personajes. El resultado es la quinta temporada de La Casa de Papel. La guerra alcanza sus cotas más extremas y salvajes, pero es también la temporada  más épica y emocionante”.

ELENCO:

Úrsula Coberó (Tokio), Álvaro Morte (El Profesor), Itziar Ituño (Lisboa), Pedro Alonso (Berlín), Miguel Herrán (Rio), Jaime Lorente (Denver), Esther Acebo (Estocolmo), Enrique Arce (Arturo), Darko Peric (Helsinki), Hovik Keuchkerian (Bogotá), Luka Peros (Marsella), Belén Cuesta (Manila), Fernando Cayo (Coronel Tamayo), Rodrigo de la Serna (Palermo), Najwa Nimri (Inspectora Sierra), José Manuel Poga (Gandía), entre otros.  

Miguel Ángel Silveste (Sky RojoSense 8 ) y Patrick Criado (Nominado al Premio Goya por La gran familia españolaVivir sin permiso) están confirmados como las nuevas incorporaciones al elenco.

PRODUCCIÓN:

Jesús Colmenar vuelve como Productor Ejecutivo y Alex Pina como showrunner y Productor Ejecutivo. Cristina López Ferraz regresa como Directora de Producción y Productora Ejecutiva; Javier Gómez Santander (Guionista), Migue Amodeo (Director de Fotografía) y Esther Martínez-Lobato son los co-productores ejecutivos. La Casa De Papel Parte 5 será dirigida por Jesús Colmenar, Koldo Serra y Álex Rodrigo. 

ÁLEX PINA

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Madonna esparce información falsa de Covid-19 y la eliminan de las redes

NUEVA YORK.- No solo Donald Trump es un fiel seguidor y consumidor de la hidroxicloroquina para combatir la Covid-19, también la estrella del pop Madonna, quien fue censurada en sus perfiles sociales por defender la controvertida terapia rechazada por las autoridades médicas de todo el mundo.

La diva, quien donó un millón de euros a los esfuerzos de la Unión Europea para encontrar una vacuna hace semanas, también compartió teorías de conspiración sobre el virus con sus fanáticos en un video que indica que la vacuna Covid “se ha descubierto, demostrado su eficacia y disponible durante meses”.

Madonna agregó: “Prefieren controlar a las personas con miedo y dejar que los ricos se hagan cada vez más ricos”. 

En el video, que Instagram desapareció al llamarlo “información falsa”, la cantante protege a la controvertida Dra. Stella Immanuel de Houston, una médico general que afirma haber tratado a 350 pacientes con hidroxicloroquina.

Immanuel habló con un grupo llamado Médicos de primera línea de Estados Unidos fuera de la Corte Suprema de Washington durante un evento difundido en varias plataformas desde el sitio web Breitbart fundado por Steve Bannon.

La Reina del Pop y el actor neozelandés KJ Apa compartieron un video de 45 minutos que ya circula en todas las redes sociales, el cual muestra a una doctora en una conferencia de prensa diciendo que ya existe la cura para la covid-19 y que los cubrebocas no son necesarios.

Pero la información del video es falsa.

De acuerdo con la Organización Mundial de la Salud (OMS) todavía no se encuentra una cura para la covid-19.

La publicación, luego de ser eliminada, provocó protestas: “Pura locura”, comentó Annie Lennox: “No puedo creer que respaldes (le dijo a Madonna) una charlatanería tan peligrosa. Solo espero que tu perfil haya sido pirateado y que nos des una explicación”.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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A 30 años de “The Wall” en Berlín

BERLÍN.– El músico británico ROGER WATERS cumplió tres décadas de la histórica promesa que hiciera en julio de 1989, cuando afirmó que solo sería posible interpretar The Wall -mítico álbum de Pink Floyd- en vivo cuando hubiera caído el Muro de Berlín, símbolo de la división entre Este y Oeste.

Un año justo después de esa entrevista, y casi nueve meses después de la caída del muro de Berlín en noviembre de 1989, se instaló un magno escenario en la que alguna vez fue “tierra de nadie”, la zona de Berlín entre la Potsdamer Platz y la puerta de Brandeburgo. Así, el 21 de julio de 1990 se llevó a escena uno de los eventos en vivo más simbólicos de la historia del rock.

Esa grandiosa puesta en escena tiene una historia nada sencilla, y no solo por su complejidad técnica. Para comprender su génesis hay que remontarse hasta 1979, cuando -bajo pleno control de Waters- Pink Floyd editó The Wall.

Éxito clamoroso, en la obra el bajista y cofundador del grupo cuenta la historia de Pink, una estrella de rock presa de la desilusión y de la paranoia que pone un muro entre él y la realidad. Y esa realidad está poblada de sus pesadillas, las instituciones escolares, el nazismo, el consumismo de una sociedad cada vez más materialista.

La banda estaba entonces dividida por las diferencias y Waters soportaba cada vez menos su papel de divo. Nació así la idea de un tour, ya legendario, que se llevó a cabo entre 1981 y 1982, y durante el cual se construía un muro que separaba la banda de su público y que solo al final era derribado.

Ese muro que signaba el punto de máxima distancia de la gente algunos años se convertirá en una metáfora de libertad de extraordinaria potencia.

En 1982 Alan Parker dirigió el filme inspirado en el doble álbum, y precisamente en este filme por primera vez aparecen aquellos muñecos e invenciones gráficas de Gerald Scarfe destinadas a permanecer en el imaginario de todos los fans de Pink Floyd.

El concierto de Berlín fue una empresa realizada solo por Waters, quien se había separado de David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason. En principio se había dirigido a algunos amigos como Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Eric Clapton, Rod Stewart, pero no aceptó ninguno de ellos.

El elenco fue integrado entonces por Bryan Adams, The Band, Paul Carrack, Cindy Lauper, Thomas Dolby, Joni Mitchell, Ute Lemper, Sinead O’Connor, Van Morrison, los Scorpions, Paddy Moloney, y James Galway.

Una puesta en escena grandiosa, con momentos de teatro musical en los que intervinieron actores como Albert Finney y Tim Curry, Marianne Faithfull, la orquesta sinfónica de la Radio de Berlín oriental y la banda de las Fuerzas Armadas soviéticas, los muñecos de ocho metros y el cerdo volante, el derrumbe del muro que signa el final del concierto transmitido por 52 países.

La potencia visual del espectáculo amplificó el significado simbólico de un concierto fundado en un álbum que de festivo no tenía nada.

Y sin embargo ninguna otra obra era más apta para celebrar un evento que cambió el mundo frente a 350 mil personas. Ese muro que dividió a una estrella de rock enloquecida de la realidad se había convertido en el Muro de Berlín: una vez más la música había demostrado ser el instrumento privilegiado para dar cuerpo a los sueños de un mundo mejor. Y aquella noche en Berlín a todos les pareció que era realmente posible.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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El Concierto de París, en vivo y en directo por Film&Arts, a las 14:15 hrs.

Por segundo año consecutivo Film&Arts celebra con una transmisión en vivo y en directo a las 14:15 horas, tiempo de México, desde el Champ Do Mars, el 131° aniversario histórico del tradicional CONCIERTO DE PARÍS que conmemora la toma de la bastilla del 14 de julio de 1789.

Esta vez, el pueblo parisino celebrará codo a codo el Día de la Bastilla, al pie de la Torre Eiffel, asistiendo a un magno concierto plagado de estrellas de la música que concluirá con la tradicional exhibición de fuegos artificiales. 

Dirigida por Eun Sun Kim y acompañada por el Coro de Radio France, la orquesta invitará a miles de personas a experimentar grandes arias y famosas piezas de concierto en compañía de prestigiosos solistas como: Sol Gabetta, Lisa Batiashvili, Fatma Said, Ludovic Tézier, Sonya Yoncheva, Kathia Buniatishvili, Lucienne Renaudin-Vary, Benjamin Bernheim.

El Concierto de París será el primer gran espectáculo de la música clásica europea que se celebra después de varios meses. También será el primer concierto del Coro de Radio Francia desde marzo.

UN DATO:

La Torre Eiffel está íntimamente ligada, desde su construcción, a los fuegos de artificio, no solo como espectadora sino también como protagonista del espectáculo. 

El primer espectáculo celebrado en la torre fue el 14 de julio de 1888, cuando ni siquiera había acabado todavía su construcción. El 17 de junio de 1989, el Ayuntamiento de París organizó un homenaje a los 100 años de Historia en torno a la Torre. Cantantes, bailarines y acróbatas, rodeados por juegos de luz y rayos láser multicolores, participaron en un mágico evento de una hora de duración.

Diez años más tarde, en la noche del 31 de diciembre de 1999, la Torre Eiffel da la bienvenida al año 2000 haciendo soñar al planeta con un espectáculo mágico, auténtico baile de fuego y luz, que fue retransmitido por 250 canales de televisión de todo el mundo.

En 2009 se conmemoraba el 120 aniversario de la Torre. Precedido de un concierto de Johnny Hallyday en el Campo de Marte, fue un espectáculo de magia, fuego y, por primera vez, de impresionantes proyecciones de vídeo, que inundaron el cielo parisino. La Torre llegó incluso a bailar sobre sus pilares y a girar sobre sí misma al ritmo de la música, para deleite de las más de 700.000 personas congregadas en el Campo de Marte.

Desde entonces, las pirotécnicas rivalizan cada año en creatividad para ofrecer al público un espectáculo cada vez más mágico, desde los jardines de Trocadéro o desde la propia Torre, aprovechando totalmente su estructura, desde los pilares hasta la cima. 

¿DÓNDE VERLO?

Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

Sitio web: filmandarts.tv

Facebook: @FilmAndArtsTV 

Twitter: @FilmAndArtsTV 

Instagram: @filmandarts.tv

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A 20 años de la peor pesadilla para Pearl Jam, la tragedia de Roskilde

COPENHAGUE.- Al cumplirse 20 años de la muerte de nueve fans por aplastamiento durante su actuación en el famoso festival danés de Roskilde, la banda estadounidense PEARL JAM publicó una carta en la que menciona: “Veinte años después nuestra banda tiene once niños más. Nuestra comprensión de la gravedad y la pérdida que sienten los padres de esos niños ha crecido exponencialmente, magnificada a medida que imaginamos a nuestros propios hijos muriendo en circunstancias como Roskilde 2000. Es impensable, pero ahí está. Nuestra peor pesadilla”, remarca el texto escrito por el guitarrista Stone Gossard en nombre de todo el grupo, que replica la agencia DPA.

A pesar de destacar que “sus estómagos se revuelven al recordar a aquellos jóvenes muriendo y pensando que podría haber sido diferente”, el grupo reconoció que el dolor que sienten “es una milésima parte del de las familias, las mamás y los papás, hermanas y hermanos, mejores amigos” de las víctimas.

“Nuestro más sentido pésame y disculpas a las familias que perdieron a sus hijos ese día. Hemos conocido a algunas de las familias a lo largo de los años. Con algunos, hemos forjado fuertes amistades, compartiendo y apoyándonos mutuamente”, puntualiza el texto.

Y concluye: “Estamos siempre a la sombra de su dolor y pérdida y aceptamos esa sombra y estamos siempre agradecidos de compartir ese espacio sagrado. El espacio creado por la ausencia de esos nueve jóvenes”.

Aunque la tragedia ocurrió durante la actuación de Pearl Jam, la banda no se enteró de lo ocurrido hasta finalizado su set.

Como consecuencia, el grupo se negó durante varios años a participar de festivales y escribió la canción Love boat captain en homenaje a las víctimas.

Con información de ANSA

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Festival de Venecia tiene fecha, no así el Festival de Cannes en la reactivación

VENECIA.- La Bienal de Venecia “comprimió” el calendario de sus principales eventos, concentrándolos en el último trimestre del año, pero confirmó las fechas de la Muestra de Cine, del 2 al 12 de septiembre, con el cierre al diálogo con el Festival de Cannes.

El presidente de la Bienal, Roberto Cicutto, trazó el programa modificado por la emergencia sanitaria del coronavirus, con la esperanza de que surjan de la crisis nuevas oportunidades.

Entretanto el 64o. Festival Internacional del Teatro, dirigido por Antonio Latella, se desarrollará del 14 al 24 de septiembre en lugar del 29 de junio al 13 de julio, y el 14o.

Festival de Danza Contemporánea, dirigido por Marie Chouinard, se realizará del 13 al 25 de octubre, en vez del 5 al 14 de junio.

Además del 77º Festival de Cine de Venecia, el 48º Festival Internacional de Música Contemporánea, dirigido por Ivan Fedele, también se confirma del 25 de septiembre al 4 de octubre. La 17a. Exposición Internacional de Arquitectura ya se cambió y está programada del 29 de agosto al 29 de noviembre.

Para la Muestra del Lido los preparativos continúan en espera de lo que Cicutto definió como una “semiliberación”: “Teníamos una fecha límite para fines de mayo. Queremos a toda costa estar listos”, dijo, precisando que “estamos haciendo simulaciones sobre el día-tipo”.

 “Los soportes en línea serán importantes para la prensa internacional, pero pondremos todo en una propuesta que comprobaremos con los productores. Deberemos esperar para tener las condiciones por respetar, no tendremos una bola de cristal”.

 Cicutto resaltó que la emergencia del coronavirus impondrá también un cambio de línea a la reseña: “Los festivales -recordó- jugaron un rol importante para la valorización de los artistas y de la industria cinematográfica, pero hoy quien viene a Venecia debe volver con la idea de promover el valor de los filmes, no de los efectos respecto al estreno en las salas”. “También los otros festivales deberán elegir los contenidos y la promoción del valor cultural, todo el resto -puntualizó- deberá hacerlo la industria cinematográfica”.

Y entre los otros festivales no faltó una mención a Cannes: “Todo es posible -resaltó Cicutto- y todo puede ser estudiado, pero parece desconcertante que Thierry Fremaux (el delegado general de la muestra francesa, NDR) diga que continúa estudiando y no diga nada de lo que quiere hacer”. “Nosotros vamos para adelante con nuestro programa, si Cannes está aún pensando no hay diálogo. No hay ninguna hipótesis hasta la fecha”, remarcó.

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El presidente de la Bienal espera también un rol de precursor para la Muestra desde el punto de vista de las medidas de seguridad.

“Creo que el Festival -auguró- debe gozar de una ‘extraterritorialidad’, una señal que luego puede encontrar lugar con un control de las presencias en sala, y Venecia podrá ser un gran laboratorio. Una cosa es administrar 6-7 lugares limitados, otra cosa son miles de salas en el territorio nacional”.

En cuanto a ver en la crisis una oportunidad, para Cicutto “la contingencia nos obligará a compactar todas las disciplinas, y este comportamiento lo veo como una señal de algo en lo que en la Bienal estamos pensando, dar una mayor flexibilidad y diálogo entre las disciplinas y continuidad en la presencia de los contenidos”.

“La nueva tecnología, más allá de que permite la presencia constante, debe utilizarse de forma diversificada”, añadió.

 En este sentido, tendrá un nuevo papel el Archivo histórico de las artes contemporáneas, el ASAC, para el que se está pensando con el municipio una mudanza al Arsenal.

 “Me gustaría que se convirtiera en el ‘Davos de las artes contemporáneas’, el MIT de la investigación de las artes contemporáneas, donde las personas que más tienen que decir encuentren un hogar. Debe convertirse en una oficina en la que se construyan muestras, contenidos que permanezcan, se expandan y se profundicen. Y esto solo puede ocurrir con residencias temporales de artistas”, concluyó.

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Con información de ANSA

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Lucía Bosé, la musa de Luchino Visconti, madre de Miguel Bosé, murió a los 89

ROMA.- La gran diva del cine italiano, la musa de Luchino Visconti, LUCÍA BOSÉ, nacida en Milán en 1931, después de la guerra, falleció a los 89 años.

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La madre de Miguel Bosé trabajó desde muy joven en una pastelería, pero sintió la llamada de la celebridad como las muchas chicas hermosas que el final de la guerra trajo a la vida. Entonces, a la edad de dieciséis años, tomó el autobús a Stresa y se embarcó en la aventura del certamen de belleza Miss Italia 1947.

Ella salió con la banda tricolor de la ganadora del certamen. Tenía una sonrisa tímida y contagiosa, una voluntad de hierro, un aroma de la vida cotidiana. Pasan solo tres años y las puertas de Cinecitta se abren para ella. Solo en 1950, el maestro indiscutible del cine popular neorrealista, Peppe De Santis (No hay paz entre los olivos) y la estrella en ascenso de Michelangelo Antonioni (Cronaca di un amore) le ofreció un rol protagónico. Vale la pena detenerse en los dos personajes que interpreta, la tímida pastora Ciociara y la infeliz clase media alta Paola, para comprender su potencial como actriz.

Para la joven italiana se abren las puertas de un mundo más grande: “Nos conocimos en Madrid durante una cena en la casa de un amigo, así Lucía Bosé rememoraba su primer encuentro con el legendario torero Luis Miguel Dominguin, quien se convirtió en su marido en el ’56. “Estaba haciendo una pelicula. Nos enamoramos y fuimos con él a España. Todos conocen el resto de la historia”. 

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De hecho, la historia de amor dio la vuelta al mundo, desató pasiones, hizo la felicidad de las revistas y terminó muy mal. Lucía fue amiga cercana de Pablo Picasso. Fue madre en tres ocasiones.

Dominguin obligó a su esposa a abandonar los sets y retirarse. Bosé regresará una vez que haya recuperado su libertad a un alto precio: en 1968 gracias a la terquedad del más intelectual de los directores catalanes, Pedro Portabella (Nocturno 29) y luego a Italia con los hermanos Taviani (Bajo el signo del escorpión, 1969).

Bolognini la elige como su musa en tres películas, desde Metello hasta la televisión con The Charterhouse of Parma, Nelo Risi (The infame column), Liliana Cavani (The guest), Giulio. (Arcana) pero también Marguerite Duras, Jeanne Moreau, Beni Montresor. Ahora es en todos los aspectos una gran dama del cine europeo y quizás por esta razón, después de la Crónica de una muerte anunciada (87) y algunas otras apariciones, decide por segunda vez abandonar la escena.

Todas sus energías se concentran en un nuevo sueño, una pasión: compró un antiguo molino cerca de Segovia y lo convirtió en el museo de los ángeles dedicado al arte contemporáneo. “Junto con mis tres hijos, llegó a decir, es lo más hermoso que he podido hacer en mi vida”.

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“La Dolce Vita”, a 60 años de la obra maestra e inspiradora de Federico Fellini

ROMA.- Baste decir LA DOLCE VITA, obra maestra fílmica y de inspiración, para pensar en Italia, en la bella Anita Ekberg en la Fontana di Trevi y en el indolente y apuesto Marcello Mastroianni.

La Dolce Vita” es Italia en todo el mundo. El filme de Federico Fellini, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes con un jurado presidido por George Simenon, que logró el Oscar al Vestuario (Piero Gherardi) y otras decenas de premios internacionales, cumple 60 años y otros tantos de influencia cultural.

Está incluida en todas las clasificaciones de películas que hicieron la historia del cine mundial, y pese a una recepción negativa de la crítica, pedidos de censura eclesiástica y prohibición para menores de 16 años, es el sexto film más visto en Italia desde 1950 hasta ahora.

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Solo en el año de su estreno lo vieron 13.6 millones de personas, y las fotos de las filas fuera del cine fueron inmortalizadas en Divorzio all’italiana de Pietro Germi y Nuovo Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore.

El preestreno fue en cine Fiamma de Roma (hoy cerrado) en la noche del 2 al 3 de febrero, y en el Capitol de Milán el 5 de febrero: los silbidos cubrieron el sonido de los aplausos.

Según la leyenda, el maestro de Rímini recibió hasta escupitajos. La sconcia vita (La vida indecente) tituló el Osservatore Romano en un comentario anónimo (atribuido a Oscar Luigi Scalfaro, futuro presidente de la República).

Los jóvenes pensaron en un “filme del pecado”, de esos que se van a ver con un hermano mayor, mientras Fellini recibió en un solo día en Milán 400 telegramas que lo acusaban de ser comunista, traidor y ateo.

Escrito con Ennio Flaiano, Tullio Pinelli (y Brunello Rondi), fotografiado por Otello Martelli y con la célebre música de Nino Rota, el film producido por Angelo Rizzoli y Peppino Amato (después de que Dino De Laurentiis se fue), fue rodado en Roma entre la primavera y el verano boreal de 1959, entre la casa de Fellini -es decir Cinecittà- y varias locaciones en la capital.

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Via Veneto fue totalmente reconstruida en estudios, mientras la Fontana di Trevi: según la leyenda, la nórdica “Anitona”, Anita Ekberg, no tuvo problemas para permanecer en el agua gélida, mientras un Mastroianni recalcitrante tuvo que darse fuerza con bebidas alcohólicas.

Pero la gran protagonista del filme es Roma, aquella a caballo entre los años 50 y 60 donde se mueve Marcello (Mastroianni), un periodista que se ocupa de chismes mientras se ve frustrado en su ambición de ser escritor, atraído por la buena vida, la aristocracia y mujeres como la inquieta y aristocrática Maddalena (Anouk Aimee).

“El grotesco sacado a la luz por la mirada antropológica de Fellini se toma por un elogio acrítico de la Italia eufórica y mundana en las temporadas del boom. Una confusión debida al título azucarado del filme, cuya ironía fue superada por el escándalo”, escribió el crítico Óscar Iarussi en Amarcord Fellini, publicado para el centenario del realizador.

Sesenta años después, más allá de las escenas de culto y del imaginario que instaló, incluyendo varios neologismos (como “paparazzo”), está claro que el visionario Fellini anticipó una muy actual época de “fake news” y mezcla de crónica con chismes, además de crisis de las élites sociales y culturales cuyos decadentes ritos aristocráticos rozan lo patético.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Spike Lee, primer cineasta negro en ser elegido presidente del jurado de Cannes

PARÍS.- El realizador estadounidense SPIKE LEE fue elegido presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes, programado del 12 al 23 de mayo de 2020.

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Se trata del primer cineasta negro en desempeñar ese papel, concedido el año pasado al mexicano Alejandro Iñarritu. “Cuando me llamaron no lo podía creer, estaba feliz, sorprendido y orgulloso al mismo tiempo”, declaró Lee, de 62 años. “Me honra ser la primera persona de la diáspora africana” en Estados Unidos que asume esta función, agregó.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Venecia se prepara para su tradicional Carnaval y olvidar sus inundaciones

VENECIA – Próximo a realizarse, el tradicional Carnaval de Venecia 2020 constará de 150 eventos, 50 iniciativas para niños y adolescentes, y muchos eventos culturales con la participación de más de 300 artistas entre el centro histórico y el continente. El evento, programado del 8 al 25 de febrero, se titula La vida es un juego de locura en el que el corazón siempre tiene la razón, inspirado, como recordó el alcalde Luigi Brugnaro, en una frase de Erasmo de Rotterdam.

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Será un Carnaval dirigido por Massimo Checchetto, girará en torno al tema del amor declinado junto con el juego y una pizca de locura. Todos los espectáculos tradicionales serán confirmados, con algunas novedades más, como una cita, aún sorprendente, programada en la plaza de San Marcos para el Día de San Valentín, el día de los enamorados.

La organización es impresionante, con un presupuesto de 2 millones de euros (la mitad de los cuales es financiado por patrocinadores), coordinado por el consejo de la administración municipal de Vela municipalizado, con la participación de las instituciones culturales de la ciudad, otras filiales y la coordinación de fuerzas. de la orden para garantizar una fiesta de seguridad.

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Entre los eventos importantes, los que ahora están más vinculados a la tradición, se encuentran: el 8 de febrero, la fiesta tradicional en el agua con un espectáculo en botes a lo largo del Río di Cannaregio, que abrirá los locos bailes de amor con dos actuaciones. Al día siguiente, domingo 9 de febrero, se renovará la procesión de agua de remo, comenzando desde Punta della Dogana y llegando a Rio di Cannaregio, donde se abrirán los puestos de comida y vino con los manjares de la cocina veneciana. Gran final con la llegada de Pantegana.

Piazza San Marco siempre será el escenario de espectáculos y desfiles, pero también un lugar para encuentros lúdicos en nombre del amor, máscaras y espectáculos locos.

El domingo 16 de febrero habrá un vuelo del Ángel desde el campanario de San Marco; mientras que el vuelo de L’Aquila está programado para el domingo 23. Gran final martes 25 de febrero con el tradicional Svolo de la gran pancarta del León de San Marco para celebrar el cierre del Carnaval de Venecia con adiós a 2021 “Venecia está brillando de nuevo – it subrayó Brugnaro: el carnaval es una oportunidad para mostrar amor por Venecia al permanecer en la ciudad durante varios días, de manera lenta, lenta, sin golpes ni huidas “.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA/ Óscar Velázquez

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La exposición “Era una vez” rinde homenaje al cineasta Sergio Leone

ROMA-.-Dedicado al siempre recordado cineasta SERGIO LEONE (1929-1989) se ha dedicado en su honor, en el Museo Ara Pacis, la exposición C’era una volta  (Era un vez) concebida y creada por la Cinémathèque Française y la Cineteca di Bologna.

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Al interior de esta exposición, se encuentra el universo cinematográfico y privado de SERGIO LEONE, un viaje marcado por objetos personales, como su escritorio, algunos de sus libros o el piano Petrof donde Ennio Morricone hizo escuchar a su amigo de la infancia (eran compañeros de clase en la escuela primaria) las partituras de las bandas sonoras de sus películas, junto con modelos, sets, guiones, guiones gráficos, bocetos, disfraces, accesorios, cientos de fotografías del set y la familia.

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Un mundo de imágenes y sonidos enriquecidos por las pantallas, que remiten a los visitantes a las obras maestras del cineasta, capaces de revolucionar las formas de narración, el género occidental en primer lugar, y de celebrar el mito.

La exposición también es una oportunidad para aprender más de Sergio Leone en la relación con su ciudad. Le encantaban los stornelli romanos, por ejemplo, y solía comer en Trastevere, su barrio, como el platillo Checco er carettiere. ¿Cuáles eran sus platillos  favoritos? Los de la cocina de Roma: las alcachofas a la giudia, las latas con salsa amatriciana, los rollitos con salsa, el pastel de patata, el pastel de zabaglione, el vino de los Castelli Romani.

Se exhibirá la proyección de tres películas del cineasta, intercaladas con canciones romanas que le encantaba escuchar este domingo 5 de enero, además de poder comer  los spaguetis occidentales en el Bar “Boario” adyacente a la “Ciudad de la Otra Economía” (antiguo matadero Testaccio) donde habrá también una comida clásica de sus películas como salchichas y frijoles.

Aquí puedes ver el tráiler “Por un Puñado de Dólares”

FILMES:

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Otra mujer violada por Roman Polanski, ahora francesa, lanza un “Yo acuso”…

PARÍS.– 44 años después, Valentine Monnier no pudo callar más. Y convencerla de que hablara fue la última película de su atacante en la vida real, el cineasta Roman Polanski. “Tenía solo 18 años”, dice Valentine, cuando Polanski la violó, “con extrema violencia”. Ella era una joven fotógrafa, modelo, ocasionalmente actriz. Hoy, en Le Parisien, lo cuenta todo.

“En 1975, escribió en un texto después de pedir repetidamente el apoyo de figuras como Brigitte Macron o la ministra Marlene Schiappa, “fui violada por Roman Polanski. No tenía conexión con él, ni personal ni profesional, y apenas lo conocía. Fue de extrema violencia, después de un descenso de esquí, en su chalet en Gstaad, Suiza. Me golpeó, me llenó de golpes hasta que me opuse a más resistencia, luego me violó y me hizo sufrir. Tenía solo 18 años “.

¿Por qué el último trabajo de Polanski, J’accuse, la ha empujado a salir? Después de haber recibido siempre respuestas evasivas o impotentes desde un punto de vista judicial dada la prescripción de los hechos, decidió revelarle todo a Le Parisien: “El retraso de la reacción no significa que haya olvidado, dice, la violación es una bomba para relojería: la memoria no se borra, se vuelve fantasma y te persigue, te cambia insidiosamente. El cuerpo a menudo termina siendo afectado por lo que la mente ha mantenido separada, hasta que la edad o un evento ocurre antes de la memoria traumática”.

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En la película, Polanski escenifica el error judicial por excelencia, la historia del capitán Alfred Dreyfus: “es sostenible, con el pretexto de una película, escondiéndose detrás de la Historia, escuchar a J’accuse ser contado por el que lo marcó , mientras que a usted, la víctima, le está prohibido acusarlo?”

Hija de industriales alsacianos, Valentine decidió en su momento ir a celebrar a las montañas con amigos, invitados de Polanski. Valentine dice que Polanski le preguntó muy claramente si quería tener sexo con él en un paseo en telesilla. Ella dijo que no. Luego, por la noche, cenó con él en un restaurante del que volvería por la pista con antorchas. En el chalet, Polanski la llamó y cuando salió al rellano comenzó su furia: golpes, golpes, una píldora que la hizo tragar antes de violarla: “Estaba totalmente en estado de shock, pesaba 50 kilos. Polanski era pequeño pero musculoso y 42 años, en el apogeo de su fuerza: ganó en dos minutos. Luego llegó la disculpa de la directora, llorando, con su promesa de no decir nada.

Polanski, de 86 años, fue condenado en 1977 por agresión sexual infantil en los Estados Unidos, un país en el que aún no puede regresar. Su esposa, Sharon Tate, fue asesinada por un culto dirigido por Charles Manson en 1969 en los Estados Unidos mientras estaba embarazada. Actualmente vive en Francia con su última esposa, la actriz Emmanuelle Seigner, con quien tuvo dos hijos.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Brigitte Bardot cumple 85 años entre el olvido y el alejamiento mediático

PARÍS. – La francesa BRIGITTE BARDOT, símbolo de la sensualidad y el erotismo a nivel mundial en los sesenta, eje de tendencias y modas, retirada del mundo del espectáculo a los 42 años, cumple 85 años en la intimidad y alejada de los medios de comunicación.

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Desafiante, atrevida y mordaz, fue capaz de conquistar a varias generaciones, pero pareció incapaz de asimilar el tamaño de su éxito, atravesó por tres intentos de suicidio, amenazas de bomba y polémicas varias, hasta que decidió recluirse.

Aquella imagen de la pantalla gigante de 1956, desplegando encantos sin rubores, bailando descalza sobre una mesa, se ha transformado en polvo del tiempo.

Tan atrevida que hasta visita a un pintor de fama, pero Picasso la desaira, se mantiene fiel a su querida Jacqueline y no la retrata como ella deseaba.

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Su éxito fue precoz, en plena adolescencia, con apenas 15 años, la prestigiosa revista Elle ya la había seleccionado como estrella de su portada, modelo de la mujer francesa.

Ha pasado mucho tiempo y hoy celebra su onomástico 85. Ya no es eco en un mundo dominados por las tecnologías de la comunicación.

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La bella y encantadora rubia, alguna vez censurada en Estados Unidos, por sus sensualidad y osadías, está recluida en la intimidad de sus afectos.

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Bardot rodó más de 50 filmes y dejó huella. Decidió retirarse prematuramente en 1973, a los 42 años. Ni el mismísimo Marlon Brando logró convencerla y “la Bardot” rechazó una oferta de un millón de dólares por tenerlo como pareja en un filme. Desde entonces tomó una determinación: el icono internacional de la sensualidad, se convirtió en una acérrima defensora de los animales. Fue por lo único que apareció en la vida pública.

BRIGITTE BARDOT es una leyenda, pero nadie le rinde homenaje.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

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El cambio de guardia en Downing Street da paso a una nueva era en la tercera temporada de The Crown, a partir del domingo 17 de noviembre sólo por Netflix, mientras la Reina Isabel (Olivia Colman) y su familia luchan para enfrentar los desafíos de una Gran Bretaña que cambia rápidamente.

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LA TRAMA:

Desde la paranoia de la guerra fría a los jet setters, la era espacial, la exuberancia de la década de 1960 y la larga resaca de la década de 1970, Elizabeth y la realeza deben adaptarse a un mundo nuevo, más liberado, pero también más turbulento.

VER TRAILER:

https://www.youtube.com/watch?v=78QfUpkkYLE

UN DATO:

THE CROWN es una serie original escrita por Peter Morgan,

ELENCO:

También está protagonizada por Helena Bonham Carter como la princesa Margarita, Tobias Menzies como el duque de Edimburgo, Josh O’Connor como el príncipe Carlos, Erin Doherty como la princesa Anne, Ben Daniels como Lord Snowdon, Jason Watkins como el primer ministro Harold Wilson y Charles Dance como Lord Mountbatten.

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EN REDES:

netflix.com/thecrown

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