MADRID.- JOAQUÍN SABINA, de 71 años,se casócon su compañera desde hace años, Jimena Coronado, en una ceremonia íntima celebrada en el Registro Civil de Madrid.
La ceremonia, a la que asistió su compañero y colega Joan Manuel Serrat, fue oficiada por el actual ministro de Interior, el magistrado Fernando Grande-Marlaska, de gran amistad con el cantante.
Jimena, quien es peruana y fotógrafa de profesión, conoció a Sabina hace más de 20 años cuando lo entrevistó y es su compañera inseparable.
Sabina se recuperó en los últimos meses de una fuerte caída durante un concierto en el Wizink Center de Madrid.
Fue el 12 de febrero, cuando Sabina se precipitó al foso frente al escenario desde una altura aproximada de 1,70 metros, sufriendo un “traumatismo de hombro izquierdo, torácico y craneoencefálico” y un “pequeño coágulo” del que fue intervenido y luego internado en terapia intensiva.
“Fue más fuerte del que pensáis. Llevo hasta dos operaciones, titanio y un hematoma en la cabeza”, dijo al salir del hospital. “No tengo la menor intención de morirme, que se muera la muerte”, sentenció fil a su estilo.
Según contó en su última visita a Argentina, Sabina le habría pedido matrimonio a su flamante esposa en noviembre, cuando ella cumplió 50 años de edad.
Este es el segundo matrimonio del músico ya que en 1977 se casó con Lucía Inés Correa, de la que se divorció en 1985. Luego mantuvo una larga relación con Isabel Oliartque se extendió hasta 1998, fruto de la cual nacieron sus dos hijas, Carmela y Rocío.
HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.
El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.
En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.
También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.
Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo.
El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.
1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él. Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.
En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje.
Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford.
EL ADN DE EASTWOOD:
Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el recientefilme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling.
Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.
CIUDAD DE MÉXICO.- La intérprete mexicana CARLA WOLFF prepara una sorpresa para las mamás este próximo 9 de mayo a las 18:30 horas a través de Facebook, sin interrumpir el #quédate en casa, ya que tiene planeado realizar un mini show, donde interpretará temas que sus seguidores han convertido en favoritos, en sus presentaciones y en los videos que están en YouTube.
En dicha presentación rendirá homenaje musical a figuras como Lila Deneken, Camilo Sesto, Estela Raval, Dulce, Juan Luis Guerra, The Carpenters, Dionne Warwick y Céline Dion, entre otros.
CARLA WOLFF recientemente estrenó el tema Amor de la autoría del maestro Alberto Campoy, con el que sorprendió a sus fieles seguidores al hacerlo en redes sociales. Cabe mencionar que los temas de Wolff ya se encuentran en plataformas musicales como Spotify.
UN DATO:
CARLA WOLFF, originaria de la Ciudad de México, se define a sí misma como alguien que le canta al amor en todas sus facetas: “Hacerlo implica llevarlo a cabo de varias formas y así puede verse en los shows, donde tenemos diversos ritmos como música disco, salsa y hasta el amor por México, con el que hacemos homenaje a varios compositores mexicanos”, detalla.
Actualmente promociona el tema Entre paréntesis en el que muestra la otra cara de la moneda: el desamor, y que trata de una mujer que a través de una misiva está planteando los términos de su divorcio, pero confiesa que sigue enamorada por lo que Carla asegura, es un tema fuerte que además no es recurrente.
Con esta canción como carta de presentación, Wolff realizó una gira de promoción por Centroamérica a través de destinos como Panamá, Guatemala, El Salvador y Costa Rica. Este año su plan es arribar a Chile y Colombia para conquistar con un sentimiento renovado.
Para esta artista, la pasión por la música comenzó desde muy pequeña, cuando tenía cerca de tres años e inició sus primeros cantos vestida de monaguillo, sin embargo asegura que nació con pasión por el arte, ya que también ha incursionado en el baile.
“Inicié bailando clásico, luego tap, después modern stage en el que había de todo un poco, porque creo que es muy raro que un bailarín se quede con una sola faceta de expresión, es lo mismo con la música cuando cantas en muchos ritmos”, asegura.
Sin embargo, además de su amor por la música y los escenarios, Carla se ha dado el tiempo para cumplir con otros sueños. “He sido una mujer muy inquieta que me he desarrollado en muchas otras facetas en las que igual he sido madre, esposa, empresaria, y en diferentes momentos he puesto pausa en mi carrera musical por hacer otras cosas que también incluyen mi vida”, detalla.
En este sentido creó una analogía en la que cada aspecto de la vida es como un círculo que al sumarse todos, deben embonar perfectamente entre sí, además deben estar llenos para mantenerse en equilibrio, aunque aclara que cumplir con todos suele ser una tarea pesada; “claro que corres todo el día, pero también sientes una gran satisfacción al ver que todas las cosas se van logrando”, confiesa.
Asimismo refiere que una de las máximas en su día a día es la necesidad de reinventarse y plantearse nuevos retos. “Creo que tanto mujeres como hombres llegamos a cierta edad en la que pensamos que ya se acabó y que si ya se lograron ciertas cosas, ya no hay necesidad de seguir haciendo, pero creo que justamente debe ser al revés; uno se tiene que reinventar todos los días”.
Carla asegura que en su exploración como cantante lo que más disfruta es un show en vivo, en el que busca retomar los espectáculos de cabaret, que solían requerir un montaje muy completo, que se convierte en un reto para cada presentación.
“El show en vivo es el momento cúspide y mágico en el que puedo interpretar y donde ninguna noche estás igual, ya que depende de lo que traes dentro para poder interpretar algo diferente, sin importar de qué hable la canción”.
Finalmente confiesa que luego de una presentación termina en un estado completamente excitado, debido a la gran vibra que recibe del público; “es algo muy especial, incluso es difícil dormir después porque debe asentarse un poco la energía”.
Esta noche a las 20:00 horas por la telera nuestra de Tlnovelas, el final de temporada de EL CIELO Y EL INFIERNO, con la telenovela YO NO CREO EN LOS HOMBRES (2014, 121 capítulos), producción de Giselle González, historia original de Caridad Bravo Adams, con la adaptación a cargo de Aida Guajardo.
Programa de crítica periodística, entre ángeles y demonios, toca el turno de YO NO CREO EN LOS HOMBRES,con las actuaciones estelares de Adriana Louvier, Gabriel Soto, Alejandro Camacho, Flavio Medina, además de Rosa Máría Bianchi, Azela Robinson, Luz María Jerez, Macaria , Cecilia Toussaint, Juan Carlos Colombo y Sophie Alexander.
Esta producción de corte feminista abordó temáticas como la violación, violencia de género, la misoginia, la ambición desmedida y la injusticia. Siempre habrá un mañana. ¿Y tú de qué lado estás?
Periodistas experimentados darán su opinión, como Jesús Gallegos, Roberto Rondero, Matilde Obregón, Dionni González, Alfredo Gudinni, Gilberto Barrera, Fabián Lavalle y Alejandro Zúñiga.
La producción ejecutiva de EL CIELO Y EL INFIERNO, está a cargo de Alfredo Zamudio, mientras que la productora asociada es Carolina Rangel y en la dirección de contenidos, Daniel Lares Muñoz.
EL CIELO Y EL INFIERNO, final de temporada por Tlnovelas.
Esta noche a las 21:00 horas por la telera nuestra de tlnovelas, EL CIELO Y EL INFIERNO de…TRES VECES ANA, entre ángeles y demonios, producida por Angelli Nesma, una adaptación de Lazos de Amor y adaptada por Liliana Abud, Jorge Lozano y Carmen Daniels, con las actuaciones de Angelique Boyer, Sebastián Rulli, David Zepeda, Pedro Moreno y Ramiro Fumazoni.
Programa de crítica, destacados periodistas de espectáculos tocan algunos de los puntos más atractivos de las telenovelas que han sido referente en la historia de la televisión mexicana, como Jesús Gallegos, Roberto Rondero, Matilde Obregón, Dioni González, Alfredo Gudini, Alejandro Zúñiga, Fabián Lavalle, Gilberto Barrera y la participación especial de la actriz Carmen Salinas.
Con triple personaje en pantalla, Angelique Boyer encarna a cada una de las trillizas de esta historia, quienes siendo unas niñas sufren un accidente automovilístico, en el que sus padres Ignacio Álvarez del Castillo (Raúl Magaña) y Lourdes Rivadeneyra (Jackie Souza), pierden la vida. Pese a que las niñas se salvan, es Ana Lucía quien sale disparada del automóvil donde viajaban, ae a un río y es encontrada río abajo por Soledad Hernández (Blanca Guerra), una mujer a la que la vida la había quitado a su hija y que, al momento de encontrar a Ana Lucía, decide cuidarla tratando de calmar el dolor que siente por la pérdida de su hija.
20 años más tarde las trillizas se reencuentran con las secuelas que su propio destino ha marcado.
La producción ejecutiva de EL CIELO Y EL INFIERNO recae en Alfredo Zamudio, la productora asociada es Carolina Padilla, y la dirección de contenidos a cargo de Daniel Lares Muñoz.
EL CIELO Y EL INFIERNO de…TRES VECES ANA. ¿Y tú de qué lado estás? Ver para creer. Telévoros: ¡Uníos!
LOS ÁNGELES.-Después de su polémico pero exitoso filme LA PASIÓN DE CRISTO, MEL GIBSON prepara una secuela, una producción con fundamento de la fe: LA PASIÓN DE CRISTO 2: RESURRECCIÓN.
Esta película describe meticulosamente la angustia sentida por los discípulos de Cristo durante los tres días desde la Crucifixión hasta la Resurrección. La Pasión de Cristo 2: Resurrección, se estrenará en las salas cinematográficas sólo durante Semana Santa del 2021.
La película anterior también se estrenó durante la Semana Santa, registrando una recaudación internacional de 611.899.420 dólares. Por esta razón, el director decidió hacer lo mismo con la nueva película.
Aparecerán en la gran pantalla los mismos actores que forman parte del reparto principal de La Pasión…, a saber: Jim Caviezel (en el papel de Jesús), Maia Morgenstern, Christo Jivkov y Francesco De Vito.
Por primera vez en la historia del cine, se representan los tres días posteriores a la muerte de Cristo. El nuevo episodio comienza donde terminó el primero, con el entierro de Cristo, narrando así momento a momento los tres días de la muerte de Cristo.
Entre los otros episodios narrados están las intrigas del palacio de Herodes y el Domingo de Resurrección en Jerusalén. Además, el director no ha olvidado temas fuertes como: el poder, la codicia y la ambición de algunos de los personajes implicados en la crucifixión como Poncio Pilatos, Caifás y Judas.
La historia de un amor desde que nace hasta que agoniza. Así es la trama de ENTRE LOS ESCOMBROS, de Vicente Ferrer, puesta teatral a estrenarse el próximo miércoles 4 de marzo en el Foro Bellescene de la CDMX.
El escritor y director veracruzano Vicente Ferrer explora la manera en que el sismo del 2017 fractura la relación entre un hombre y una mujer. Una aventura entrañable y pasional donde también se verán reflejados aspectos de la memorable RAYUELA, del escritor argentino Julio Cortázar.
LA TRAMA:
Sus protagonistas son Alicia y Danilo. Ella es una mujer que pretende olvidar a un antiguo amor mediante sus clases de inglés, y él, un apasionado de la novela de Rayuela, que busca hacerse de un nombre como pintor. Y la relación irá viento en popa hasta el sismo de 2017 que cimbra a la Ciudad de México y con él, una sacudida enorme para los que se aman.
Vicente Ferrer platica que “explora con minucioso detalle una relación de pareja. Una de tantas que nacen en la Ciudad de México, su evolución y cómo finalmente muere a causa de los fantasmas y errores del pasado. Mi obra también surge como una forma de exorcizar los demonios que dejó el terremoto del 2017 y que arrojó secuelas muy difíciles de desvanecer”.
Como director, Vicente Ferrer le apuesta al trabajo de los actores Daniela Ruiz y Álvaro Sagone que sin más elementos escenográficos que un par de sillones, una mesa, cajas con libros y lámparas, recrean una historia de amor muy intensa pero frágil ante un terremoto. Los fantasmas del pasado los acosan y los hacen cuestionarse: ¿Perdonarías cualquier cosa por amor?
“Con la puesta en escena de la agrupación Entre los escombros –agrega Vicente Ferrer-hacemos un pequeño homenaje a Argentina y su música. También lo es para Julio Cortázar, uno de nuestros escritores latinoamericanos más notables, y por supuesto, para su novela Rayuela. Alicia y Danilo se convierten de pronto en los protagonistas de esa historia que aún nos cautiva y sacude. Por momentos se convierten en Horacio Oliveira y en Lucía (La Maga)”.
Después de obras como Un ajuste de cuentas, El acompañante, Dejar ir…, Vivir para siempre, A contrarreloj, Placer pervers”, Cartas a destiempo, entre muchas otras, Vicente Ferrer disecciona una gran historia de amor, intensa, pasional, cautivadora, de ésas que sacuden.
DEL AUTOR:
Vicente Ferrer es egresado del Círculo Teatral en el 2015, ha tomado clases con gente como Lilí de Miguelez, Roberto Ayala, Víctor Carpinteiro, Rocío Belmont, Gema Aparicio, Estela Leñero, Boris Schoemann, entre muchos otros. Posee una larga experiencia en Microteatro México, además de montajes en Veracruz, Guadalajara, Puebla, Monterrey, Aguascalientes, San Miguel de Allende, Mérida, León, entre otros sitios de la República Mexicana. En el aspecto internacional, ha colaborado en ciudades como Madrid, en España; y Bogotá, en Colombia.
La mujer de esta trama (Alicia) es representada por la actriz colombiana Daniela Ruiz, quien es egresada de la Escuela de Cine Black María en Bogotá. También estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Ciudad de México en 2016, formó parte del Taller de Dirección de Actores y Actuación con Luis Mandoki. Al personaje de Danilo le da vida el actor guatemalteco Álvaro Sagone, quien estudió en el Centro de Educación Artística de Televisa (CEA), Argos Casazul y con Patricia Reyes Spíldola. Ha participado en decenas de series y telenovelas.
Entre los escombros cuenta con Gerardo Ledezma en la asistencia de producción, dirección y escenografía; Vicente Ferrer en la producción, musicalización, sonido, diseño de escenografía e iluminación; el diseño de vestuario es de “Entre los escombros”.
Entre los escombros debutará el 4 de marzo en el Foro Bellescene (Zampoala 90, Narvarte Oriente), con funciones los miércoles a las 20:30 horas. Costo: $250.
DE LA OBRA:
Dramaturgia: Vicente Ferrer
Dirección: Vicente Ferrer
Compañía: Entre los escombros
Elenco: Daniela Ruiz y Álvaro Sagone
Sinopsis: Alicia busca olvidar a través de sus Clases de Inglés un antiguo amor, y un evento traumático del pasado. Mientras que Danilo, un apasionado de la novela Rayuela, trata de hacerse de un nombre como Pintor.
Los dos se embarcan en una relación amorosa. Todo parece ir bien, y la vida les sonríe… pero a partir del Terremoto del 2017, la relación paulatinamente irá en declive hasta su inexorable final.
¿Serías capaz de perdonar cualquier cosa por amor?
Si hay una actriz que mimetizó en cuerpo y esencia a un personaje, ella es RENÉE ZELLWEGER en el filme JUDY, dirigido por Rupert Goold y recién estrenada en México bajo el sello de Cinépolis Distribución.
Sin ser una bio epic en todo el sentido estricto fílmico, JUDY relata los últimos meses en la vida de la gran diva de Hollywood, con reminiscencias de su adolescencia y pubertad atrapada en los designios de Louis B. Mayer y su imperio, preámbulo de lo que hoy ha dejado de ser “pecados de familia” para explotar en el “MeToo” y la violencia de género.
Nominada a dos Premios Oscar en las categorías de Mejor Maquillaje y Peinado así como Mejor Actriz (ni duda cabe que Zellweger ha logrado trascender con su Judy que, por momentos, desconcierta al cinéfilo si no se trata de la encarnación de la misma luminaria que diera vida a Dorothy en el clásico El mago de Oz.
Anticipo de ello fue el Globo de Oro que obtuvo Zellweger, su nominación al BAFTA gracias a una increíble transformación no sólo física, sino en sus gesticulaciones, poses, miradas, su manera de caminar, sentarse y sufrir desde adentro los pesares de una mujer que obtuvo la fama a un gran precio, el de su vida y su libertad.
Una Judy Garland sedienta de amor, preocupada por sus hijos y con severos problemas de alcoholismo es lo que se ve en Judy (2019), la película que cuenta la última etapa por la que atravesó una de las máximas figuras de la historia de Hollywood.
La cinta recrea la última serie de conciertos que la diva ofreció en Londres a finales de los años sesenta. Tenía 46 años y ya no estaba en su época de esplendor. De hecho, fue abucheada en varias ocasiones por salir al escenario en estado de ebriedad y con una deficiente calidad vocal.
Quizás lo que más sorprende en Judy sea la transformación física de Zellweger, quien desde hace tiempo está acostumbrada a interpretar cualquier cantidad de personajes femeninos por muy distintos que estos sean. Esta capacidad histriónica le ha valido una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Actriz, en la que compite con Cynthia Erivo (Harriet), Scarlett Johansson (Marriage Story), Saoirse Ronan (Little Women) y Charlize Theron (Bombshell).
“El hecho de que Renée sea una comedienne es genial, el que sea pequeña, como lo era Judy, también, pero fue mucho más que eso. Renée tenía una cualidad humana: la gente sentía que la conocía, era una mujer que representaba a todas las mujeres. No era una Ava Gardner o una Marilyn Monroe. Tenía algo que en la gente provocaba abrazos y cercanía; le hablaban como si formara parte de sus familias. Con Renée pasa algo similar: se siente como una más”, dijo el director de la cinta Rupert Goold a la revista Arcadia.
La película recrea una ciudad londinense envuelta en psicodelia y mucho rock. Un ambiente en el que la Invasión Británica dominaba la industria musical a la que Garland había pertenecido años atrás. Gran parte de la cinta narra a una Judy desesperada por regresar al estrellato para hacerse cargo de sus dos hijos. Pero los años dorados ya han quedado atrás; en 1968, pocos recuerdan su vitrina de triunfos, en la que destacaban un Oscar, un Globo de Oro, un Grammy, un Tony y un Cecil B. DeMille.
Con el fin de ofrecer un retrato más profundo de Garland, Rupert Goold recurre a regresiones clave de la vida de Judy, principalmente a los años 30, cuando encarnó a la maravillosa Dorothyen El Mago de Oz(1939), la película que la llevó a la fama a costa de su libertad y su autoestima. Todo por culpa de un productor siniestro que la humillaba psicológicamente.
Y es que haber empezado en el negocio del espectáculo desde muy joven le acarreó severos trastornos psicológicos que después se tradujeron en relaciones amorosas tormentosas y una clara dependencia al alcohol y a los fármacos. Totalmente quebrada económicamente, Judy Garland murió a los 47 años en Londres debido a una sobredosis de barbitúricos.
“Es fácil olvidar que Judy fue como el primer hombre en la luna. Ella y Shirley Temple fueron las primeras en ser globalmente famosas desde niñas, así que vivieron cosas que nadie más vivió en términos del escrutinio público y de la enorme presión que conllevaba. Los estudios tenían que manejar esa situación y, en su defensa, se puede decir que en la época no tenían lugar las discusiones sobre salud mental que hoy suceden. Ahora, había cabezas de estudio que claramente facilitaban malas prácticas y abusos, y algunos fueron crueles y manipuladores con ella. Además venía de una familia bastante extraña para la época, y su padre era abiertamente gay”, menciona Goold para Arcadía.
La 92° ceremonia de entrega de los Premios de la Academia se llevará a cabo el próximo 9 de febrero en el Dolby Theatre de Los Ángeles, donde Renée Zellweger podría ganar su segundo Oscar.
PRODUCCIÓN:
Judy
Año 2019
Duración: 118 min.
País: Reino Unido
Dirección: Rupert Goold
Guion: Tom Edge (Obra: Tom Edge, Peter Quilter)
Música: Gabriel Yared Fotografía Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Coproducción: Reino Unido-Estados Unidos; BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox.
La Orquesta del maestro CARLOS TERCERO, icono del género jazz emprenderá una aventura rítmica a través del tiempo junto con la intérprete MARTHA VENTURA para ofrecer como binomio un espectáculo original en el célebre Salón Los Ángeles de la Ciudad de México, el próximo 28 de febrero a las 22:00 horas.
El sentimiento y la cadencia se materializan en el talento vocal de la intérprete mexicana Martha Ventura, quien acompañada por la Orquesta de Carlos Tercero, ofrecerán un espectáculo a través del tiempo, para ofrecer como binomio, un espectáculo único y original.
La atmósfera se llenará de ritmo, romance y magia de la música afroantillana de ayer y hoy, con definidos y vibrantes arreglos, con pinceladas de jazz, abordando géneros como el Bembé, Bolero, Guaracha, Guaguancó, Rumba, Danzón, Mambo, Son, Columbia, Yambú, Merengue, Bachata, los que Martha Ventura, con su privilegiada voz, ha cultivado a lo largo de su carrera de cinco décadas ininterrumpidas, en los más importantes foros nacionales e internacionales. De hecho estuvo 28 veces invitada por el Gobierno de Cuba, para perfeccionar su estilo y presentarse con figuras como Omara Portuondo y Elena Burke.
Todo lo anterior sustentado por el compositor, pianista, arreglista y director Carlos Tercero, uno de los jazzistas mexicanos más influyentes de la escena musical nacional.
Esa noche el recinto se impregnará de magnética energía, lo que no es extraño si recordamos que el Mtro. Tercero fue alumno de figuras como Dick Grove, Henry Mancini, Claire Fischer, Nelson Riddle, Pat Williams y Lalo Schifrin, por mencionar algunos. Además de haber sido invitado para dirigir a la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música de la Gendarmería Real de Marruecos, por invitación expresa de SM el Rey Hassan II. Sin dejar a un lado su destacado desempeño como director musical de diferentes figuras internacionales, Manzanero, Gualberto Castro, Eugenia León y el trombonista neoyorquino Willie Colón.
CARLOS ANTONIO TERCERO DE LEÓN
Compositor, Pianista, Arreglista, Conferencista, Director de Orquesta y Educador Musical, nació en la Ciudad de México. Su primer contacto con la música fue con el rey de los instrumentos: El piano, el que empezó a estudiar a la edad de tres años y del que no se ha separado jamás.
A instancias del laureado compositor y director de orquesta José Sabre Marroquin, obtuvo una beca para estudiar Composición y Arreglismo Contemporáneo en The Dick Grove School of Music, en California, donde recibió lecciones de maestros de la talla de Dick Grove, Henry Mancini, Claire Fischer, Sammy Nestico, Bill HoIlman, Nelson Riddle, Allyn Ferguson, Pat Williams, Billy May, Lalo Schifrin, Tom Scott, Gerald Wilson, Lennie Nieuhaus, Bob Florence, Albert Harris, Tom Mason, Jon Crosse, Jack Smalley y David Garibaldi, por mencionar algunos.
Ya son cuatro décadas de intensa creación musical como compositor, pianista y arreglista, dirigiendo además su propia Orquesta Big Band. Dentro de su amplísima y exitosa trayectoria destaca el haber sido Director Musical y Arreglista de la Orquesta Sinfónica de la Gendarmería Real de Marruecos a invitación expresa de su Majestad el Rey Hassan II en 1993, además de haber trabajado como arreglista para el sello discográfico Quality Records en Toronto, Canadá en 1996.
Ha compartido el escenario con figuras del jazz nacional como Juan José Calatayud (+), Chilo Morán (+), Eugenio Toussaint (+), Enrique Nery (+), Rodolfo “Popo” Sánchez, Tino Contreras, Víctor “Vitillo” Ruiz Pazos, Salvador “Rabito” Agüero, Roberto Aymes, Salvador Merchand, Agustín Bernal, Héctor Infanzón, Roberto “Betuco” Arballo y Cristóbal López, entre otros. Como pianista, ha trabajado acompañando a innumerables artistas, entre ellos: Armando Manzanero, Eugenia León, Gualberto Castro (+), Alberto Vázquez, Arturo Castro y sus´Castro´88, Yoshio, Sonia Rivas, Felipe Gil, María Medina, Arianna, Napoleón, Yekina Pavón, Patricia Carrión, la Big Band de México y la Orquesta de Leo Muñiz.
Sus participaciones estelares en programas de radio y televisión son incontables, pues ha sido invitado a diversas emisiones musicales y culturales transmitidas por Canal Once, Canal 7 TV Azteca, Foro TV Televisa, TV Mexiquense, etc. Entre las más recientes, están las realizadas en el programa “El Asalto a la Razón” con los periodistas Carlos Marín y Federico Gómez Pombo en Milenio TV; sin dejar a un lado Televisión Educativa. Sus composiciones musicales son difundidas por estaciones radiofónicas como Radio Educación, Radio UNAM, “Horizonte” IMER, “W” y Super Stereo Miled (Edo. de México).
Dentro de su discografía sobresalen las producciones: Fiesta Brava. Pasodobles Taurinoscon la Orquesta de Carlos Tercero. Global Entertainment. 1998. En Casa. Jazz Latino con el Quinteto de Carlos Tercero. Global Entertainment. 2001. Noche de Blanco y Negro. Con la Big Band de Carlos Tercero. Orange Records 2004. La Guerra de las Flores. Jazz Latino con el Quinteto de Carlos Tercero. Orange Records 2007.
Por todo lo anterior el Maestro CarlosTercero, es uno de los creadores musicales más doctos, originales y prolíficos, pero también es uno de los jazzistas mexicanos más influyentes de los últimos tiempos.
MADRID.- Cuatro meses después de que el tenor PLÁCIDO DOMINGO fue acusado por varias mujeres de haber cometido abusos sexuales, el famoso artista rompe el silencio. En una entrevista realizada en el programa radial español Herrera en COPE, ha denunciado que fue acusado, juzgado y sentenciado “sin pruebas” y sin oportunidad de defenderse. “Siempre he respetado a las mujeres y jamás se me ha reprochado nada a mí en mi cara. He sido un caballero y quien me conoce y ha tratado conmigo, lo sabe”, sostuvo.
Para Plácido, la ovación del público valenciano es la mejor demostración de que la gente le sigue admirando. “No sabía qué esperar del público. Pero antes de cantar se levantaron y hubo una ovación muy larga. Con un cariño extraordinario”, ha dicho. Plácido reconoce que estos meses han sido “muy duros” para su familia, aunque permanecen unidos. Además, ha desvelado que no ha intentado ponerse en contacto con algunas de las mujeres que lo acusan. “No he hablado con ellas porque sería inútil. Uno está sentenciado de cualquier forma”, se ha lamentado. Tampoco va a llevar este asunto a los tribunales por la complejidad del proceso judicial y su demora.
“La verdad saldrá algún día. No quiero vengarme de nadie, sólo quiero seguir haciendo lo que he hecho hasta ahora”, ha contado.
Y, mientras tanto, siempre queda la música. Plácido Domingo asegura que en los camerinos ya se mete de lleno en su personaje y no ve atractiva la idea de modificar las épocas o vestuarios de algunas obras. “Hay muchos directores de escena que han pensado en cambiar las épocas de las óperas o el vestuario de acuerdo con el siglo en la que lo representan. Se puede hacer, pero yo prefiero hacer un personaje en la época en que se escribió”, ha dicho.
HOLLYWOOD.- MARTIN SCORSESE tiene un clamor: “no mires THE IRISHMAN (El Irlandés) en tu móvil. “Si se desea ver una de mis películas, o la mayoría de las películas en general, no las vean en un teléfono móvil. Mírenlas en un iPad, mejor si es un iPad grande”, dijo el director, después de los primeros días del aterrizaje de su último esfuerzo cinematográfico en Netflix.
THE IRISHMAN, después de tres semanas en un número limitado de salas donde se sigue proyectando, llegó a Netflix el 27 de noviembre, en la víspera del puente de Acción de Gracias y la presencia de una película de autor junto con las mil propuestas de el cine y la televisión de la plataforma de transmisión tuvieron un efecto en la taquilla estadounidense, donde entre el miércoles y el domingo, gracias sobre todo al registro de Frozen 2 (123 millones), las entradas se vendieron por 264 millones de dólares, un 16 por ciento menos en comparación con el mismo período de 2018.
Esta disminución, según los expertos, no fue causada solo por el mal tiempo que azotó el puente de la fiesta, especialmente en los estados occidentales: la llegada a Scorsese de Netflix fue una de las más esperadas de la temporada. y ciertamente entre los candidatos al Oscar.
THE IRISHMAN ha marcado un hito en el debate sobre cómo hacer y ver cine después de que Netflix y los otros gigantes del streaming hayan revolucionado la televisión.
Tres horas y media de duración, el fresco sobre el asesino irlandés involucrado en la desaparición del jefe del sindicato de camioneros Jimmy Hoffa es un desafío a la atención del espectador.
Scorsese rechazó explícitamente este formato: “Porque el objetivo de esta película es la acumulación de detalles. Hay un efecto acumulativo al final de la película, por lo que hay que verlo de principio a fin en una sola sesión. No hay nada malo con la serie, pero mi película no es una serie”, dijo el director a Entertainment Weekly refiriéndose en particular a los últimos 20 minutos de la película en la que el protagonista Frank Sheeran (Robert De Niro en su novena película con Scorsese) se ve a sí mismo cayendo en todas las decisiones tomadas en el curso de la vida, abrazando la vida de los gángsters y alejándose de la familia.
El efecto emocional final, explicó el director, se habría perdido si no se mirara junto con el resto de la película.
ROMA.– Fellini 100 Genio inmortal. La muestra, será la exposición de homenaje al gran soñador del cine, que sabía contar historias y anticipar con su herencia el futuro, un artista capaz de representar en sus visiones las ilusiones, las caídas y las victorias de todo un país, se presentó en Roma.
FELLINI, el realizador que supo mantener el precioso don de jugar y asombrarse, será celebrado con varias iniciativas durante todo 2020, y hasta 2021, por el centenario de su nacimiento, ocurrido en Rimini el 20 de enero de 1920.
Las iniciativas, como la muestra presentada, se reúnen bajo la etiqueta Fellini 100, con un logo firmado por Paolo Virzí. Fueron realizadas en conjunto por el Ministerio de Bienes Culturales, la Región Emilia Romagna, el Ministerio de Exteriores, el municipio de Rimini, el Centro Experimental de Cinematografía, la Cineteca de Bolonia, el Instituto Luce y el Museo del Cine de Turín.
Las celebraciones comenzarán el 14 de diciembre con la apertura de la muestra, que estará abierta hasta el 15 de marzo en Castel Sismondo.
Luego seguirán meses de eventos, clases magistrales, encuentros -en Italia y en Institutos de Cultura Italianos en el exterior- hasta la gran cita de diciembre de 2020 con la apertura del Museo Internacional Federico Fellini, siempre en Rimini, un proyecto ambicioso que quiere reflejar toda la complejidad de la figura felliniana.
Ambas iniciativas, curadas por Marco Bertozzi y Anna Villari, y proyectadas por Studio Azzurro, conjugan la poesía felliniana con la tecnología más moderna, apuntando a un involucramiento total -físico y mental- del visitante.
Partiendo de la frase felliniana “Todo se imagina”, la muestra (que será itinerante, porque en abril está programada en el Palazzo Venezia de Roma, para ir luego a Los Angeles, Moscú y Berlín) reconstruye el universo del gran maestro rotando en torno a tres núcleos temáticos.
Se trata de la historia de Italia, desde los años 20 hasta los 80, contada a través de películas; los compañeros de viaje de Fellini, reales e imaginarios (incluyendo a Tonino Delli Colli, Giuseppe Rotunno, Tonino Guerra, Nino Rota); y el proyecto el museo, que tendrá en Castel Sismondo una de sus sedes.
Entre los materiales presentes en el recorrido, junto a películas, diseños, trajes, partituras, objetos de escena, cartas y fotos, habrá asimismo documentos inéditos, como el primer guion de Amarcord, llamado inicialmente Il borgo, y el guion de Ocho y medio propiedad de Lina Wertmuller, que en esa película fue asistente de dirección de Fellini.
El montaje de la muestra permitirá al espectador “entrar en muchos sets diferentes, para vivir diferentes experiencias empezando precisamente por la taquilla del cine. Luego se sigue cruzando los umbrales de luz que marcan el ingreso al mundo imaginario cinematográfico”, dijo Leonardo Sangiorgi, de Studio Azzurro.
Entre los puntos salientes a lo largo del recorrido, también el mar y la niebla de Rimini, así como su amado cine Fulgor, donde Fellini vio sus primeras películas, y la línea del tiempo con los 100 años del realizador en 30 fotos emblemáticas.
El museo será también un triunfo para la tecnología, con una experiencia totalmente inmersiva entre pantallas “líquidas” y la sala de la niebla, evocando las escenas más famosas de las películas.
Además de Castel Sismondo, la estructura se extenderá a Palazzo Valloni y la Piazza dei Sogni, una gran área urbana con un recorrido de instalaciones y escenografías fellinianas.
LONDRES.- “Quiero que mis hijos sepan cómo era su padre”, ha sostenido ELTON JOHN luego de publicar ME, la autobiografía que a sus hijos “naturalmente no se les permite leer, al menos hasta que tengan 15 o 16 años”.
Y la restricción del legendario cantautor no es sorprendente dados los coloridos relatos de la estrella en las memorias, publicadas en Italia por Mondadori, especialmente en los años en que sufría de bulimia, compras compulsivas, así como adicción a la cocaína y al alcohol. Sir Elton, entrevistado en Londres por el escritor y comediante David Walliams, ha revisado 72 años de vida y más de cincuenta de carrera entre emoción y risa.
“Un día, en 1957, mi madre trajo a casa el álbum Elvis Heartbreak Hotel, y para mí fue el final”, recordó. Pero el verdadero punto de inflexión tiene lugar años después, en la audición con Ray Williams de Liberty Records: “Le expliqué que podía cantar y componer música, pero no escribir palabras; había un montón de sobres en la mesa y me dio uno con los contactos del letrista Bernie Taupin. A partir de ahí todo comenzó “.
Una asociación de más de 30 álbumes con éxitos como Rocket Man, Crocodile Rock y Candle in the Wind. Las palabras de Taupin en las manos de Elton se convirtieron en notas. “Escribí tu canción en poco más de 15 minutos”.
Fue el comienzo de una carrera extraordinaria marcada por el exceso y la extravagancia. No faltan anécdotas sobre amigos famosos como Rod Stewart, John Lennon o Freddy Mercury. Hablando de este último, la estrella del pop luchó por contener las lágrimas. El líder de la Reina era un amante del arte y, en ese momento, Sir Elton recopiló las obras de Harry Scott, un artista que pintó barcos y niños desnudos.
Aunque devastado por el SIDA, Mercurio estuvo rodeado de medicamentos y catálogos hasta el final porque continuó comprando en una subasta. “Después de su desaparición, en la mañana de Navidad Scott me regaló una acuarela con un boleto adjunto que decía ‘Vi esta pintura en una subasta y pensé que te gustaría. Te amo’. Fue realmente conmovedor”, dijo con voz quebrada.
Otro punto de inflexión fue la reunión con Ryan White, un niño de Indiana estigmatizado por su comunidad porque había contraído el SIDA a través de una transfusión de sangre. Y que Elton decidió ayudar. “Mientras me quejaba al hotel sobre el papel tapiz o el papel tapiz, la familia de Ryan había perdonado a todos los que habían sido horribles con ellos. Seis meses después estaba limpio. Ese chico me hizo darme cuenta del nivel de mi degradación y lo arrogante y mimado que era”.
VER VIDEO YOUR SONG:
Sin Ryan, no habría fundado la Fundación Elton John Aids, una organización benéfica que hasta ahora ha recaudado £ 450 millones para la enfermedad. Incluso el encuentro con el compañero de vida David Furnish se cuenta como un giro del destino. “Había estado sobrio durante tres años, pero solo. Un día estaba en mi casa en Windsor y llamé a un amigo que trabajaba en la tienda Versace en Bond Street, invitándome con sus amigos homosexuales a no tener sexo, sino simplemente pasar un rato noche agradable juntos. Uno de los 4 amigos que trajo con él fue David “. Son una pareja de 26 años.
“En la última fase de la vida, ya no quiero viajar, solo me quedo con mi esposo y mis hijos”, concluyó la estrella del pop que partió hacia Australia para la gira de despedida que luego continuará en los Estados Unidos y Canadá. El telón, según lo anunciado, caerá en noviembre de 2021.
LOS ÁNGELES.- Sir ROD STEWART celebra 50 años como solista con el lanzamiento de su nuevo álbum, YOUR’RE IN MY HEART: ROD STEWART WITH THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA,que está disponible desde hoy. Además, el cuarto video oficial del álbum, para la canción You’re In My Heart, también se lanzó en el canal de YouTube de Stewart. Hasta ahora, los tres videos oficiales publicados anteriormente del álbum, Maggie May, I Don’t Want To Talk About It, Sailing, se han visto por más de 8.5 millones de ocasiones.
YOU’RE IN MY HEART permite que los fans escuchen los éxitos más grandes de Stewart de una manera reimaginada, combinando pistas vocales de sus canciones más populares con nuevos arreglos interpretados por The Royal Philharmonic Orchestra. El resultado es un disco atemporal que conserva el poder, el alma y la pasión que ayudó a convertir al legendario cantante y compositor en uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos.
UN DATO:
STEWART ha vendido más de 250 millones de discos en todo el mundo durante una carrera estelar que incluye nueve álbumes # 1 y 26 singles Top 10 en el Reino Unido; más 17 álbumes Top 10 y 16 singles Top 10 en Estados Unidos.
YOU’RE IN MY HEART también incluye una nueva versión de la exitosa canción It Takes Two a dueto con Robbie Williams y la nueva canción Stop Loving Her Todayde Stewart. El álbum está ya disponible en formato físico y digital, que presenta los arreglos orquestales completos. El 7 de febrero, justo a tiempo para el Día de San Valentín 2020, la colección se lanzará como un LP doble de 180 gramos. También estará disponible una versión especial de vinil de color rosa.
LA PRODUCCIÓN:
Producido por Trevor Horn, incluye nuevas versiones orquestales de los éxitos n. ° 1 de Stewart en el Reino Unido: Sailing, I Don’t Want To Talk About It y The First Cut Is The Deepest.La colección también presenta versiones de Maggie May y Reason To Believe,canciones que encabezaron las listas tanto en Reino Unido como en los Estados Unidos en 1971.
Aquí puedes ver el vídeo:
YOU’RE IN MY HEART contiene las canciones más conocidas de Stewart, incluidas versiones de los 10 éxitos principales del Reino Unido: Tonight’s The Night (Gonna Be Alright) (un éxito n. ° 1 en los Estados Unidos, The Killing of Georgie (Part 1 and II), You’re In My Heart (The Final Acclaim), I Was Only Joking, What Am I Gonna Do (I’m So In Love With You), Every Beat Of My Heart, Downtown Train, Rhythm Of My Heart y un cover Tom Traubert’s Blues (Waltzing Matilda) de Tom Waits.
Junto a los principales éxitos de Stewart están los favoritos de los fans como: Young Turks, Forever Young, If We Fall In Love Tonight, una versión de Handbags And Gladrags de su álbum acústico multiplatino, Unplugged … & Seated and Stay With Me,un éxito entre los 40 mejores que grabó con The Faces en 1971.
El lanzamiento de YOU’RE IN MY HEART coincide con el comienzo de la gira de Stewart en el Reino Unido, que comienza este fin de semana y continúa con actuaciones en noviembre y diciembre. En marzo, volverá al Caesars Palace en Las Vegas para más espectáculos.
¿Es posible amar a dos mujeres al mismo tiempo y pretender no ser acusado de infidelidad, traición y ser tachado de despreciable? En el thriller romántico EL EMBARCADERO, de los creadores de la serie La casa de papel, Álvaro Morte, Irene Arcos y Verónica Sánchez son los protagonistas de una trama donde el destino resolverá la incógnita, producción que estrenará sus primeros dos episodios en México y Brasil el próximo martes a las 22:00 horas en la telera nuestra de LIFE TIME TV.
EL EMBARCADERO relata la historia de un triángulo amoroso entre dos mujeres aparentemente muy diferentes que compartían el amor de un mismo hombre sin saberlo y cuyos destinos se cruzan tras la repentina muerte del hombre.
ELENCO:
Protagonizada por Álvaro Morte (‘El Profesor’ de La casa de papel), Irene Arcos (Vis a Vis, Elite) y Verónica Sánchez (Los Serrano, Morrocco, Sin identidad), Lifetime presentará en cuatro martes consecutivos dos episodios de esta serie de los creadores de la exitosa La casa de papel, a cargo de Alex Pina y Esther Martínez Lobato.
LA TRAMA:
Alejandra (Verónica Sánchez) recibe la noticia del suicidio de su marido Óscar (Álvaro Morte) y además descubre que, luego de 15 años casada con él, en realidad no lo conocía del todo: Óscar llevaba una doble vida con una hija y otra mujer, Verónica (Irene Arcos). Es así como Alejandra se hace pasar por una desconocida para indagar en la vida de Verónica en busca de respuestas, lo que la llevará por el mismo camino con el que se encontró Óscar.
HAN DICHO:
ÁLVARO MORTE (ÓSCAR): “Cuando Alex Pina me llamó para este proyecto, me comentó que íbamos a contar la historia de un hombre que engañaba a su mujer, pero que el gran reto era intentar empatizar con este personaje, intentar entender qué le pasó para que haga esto y quitarle un poco el peso de la culpa, la cual se les suele asociar a este tipo de personajes, porque de entrada son juzgados negativamente.En un principio, me resultó difícil entender cómo Óscar puede llegar a amar a dos personas. Pero la forma en que pude llegar a él fue pensar que él quiere a estas dos mujeres en el mismo nivel, pero de distinta forma. No es una infidelidad. Él no se enamora de Verónica porque se desenamora de Alejandra. Es algo que hasta a él le cuesta entender y comprender”.
ESTHER MARTÍNEZ LOBATO (Creador y guionista): “Normalmente en el foco de este tipo de historias se suele penalizar a alguna de las partes: ya sea a la amante, al marido por mentiroso o a la mujer por echar al hombre de su lado. Son historias donde el desengaño y la frustración tienen cargas peyorativas muy grandes. Entonces, nuestro objetivo era contar una gran historia de amor de tres personas y no focalizarnos en las traiciones, que el espectador sintiera que esos sentimientos eran verdaderos y las emociones lícitas”.
ALEX PINA (Creador): “Yo creo que la historia que más se ha contado en la literatura, en el cine y en la ficción, es la historia de un trío o de una infidelidad. Con lo cual, si contábamos algo tan común teníamos que hacerlo de una manera en que nunca se hubiera contado. Y de esta manera encontramos nuestra mejor manera de contarlo y además la mejor manera de contarlo de forma contemporánea, porque hoy en día el espectador ha visto tantísimas series que necesita algo diferente.
“El Embarcadero es una serie desprovista de artificios donde se intenta dar la vuelta a los presupuestos morales que tenemos tan asumidos y asimilados. Habla de la domesticación de los más puros y genuinos instintos del ser humano; del binomio que somos todos, entre lo público que mostramos y lo privado que escondemos; lo íntimo y lo visible, es la confrontación entre lo correcto, que tira de un lado, y lo incorrecto, lo salvaje, que tira hacia el contrario. El Embarcadero trata de colocar a los personajes y al espectador en la encrucijada constantemente”.
UN DATO:
¿Es posible amar a dos personas a la vez? Esta historia rompe con los tradicionales esquemas del amor y relata el viaje en el que Alejandra se ve inmersa el embarcarse en la búsqueda de la profunda verdad sobre ella, sus emociones, su vida, su relación con su madre y la verdad sobre su relación con Óscar y las profundas razones que desencadenaron su fatídico final.
REPARTO:
La serie es protagonizada además por Cecilia Roth (Blanca); Marta Milans (Katia); Judit Ampudia (Ada); Roberto Enríquez (Conrado); Antonio Garrido (Big Boss); Paco Mancanedo (Vincent) y Miquel Fernández (Fran). Con una dirección de Jesús Colmenar y Álex Rodrigo Rivero, la serie es una idea original de Sonia Martínez, con un guion de Esther Martínez Lobato y una producción de Álex Piña junto con los otros productores ejecutivos Domingo Corral, Sonia Martínes, Jesús Colmenar, Ismael Calleja y Franjo Araújo.
LAS PROTAGONISTAS:
VERÓNICA SÁNCHEZ: “Para mí es un sueño absoluto estar en Latinoamérica con un proyecto así y creo que es una serie que gusta a todo el mundo, pero quizás las mujeres van a estar encantadas de encontrar personajes femeninos tan originales. Creo que es una serie que habla de emociones. Alejandra es un personaje que hace un viaje, una transición, una especie de apertura mental. Empieza queriendo investigar qué ha ocurrido con su marido y acaba intentando entender cómo era su matrimonio, cómo era esta persona con la que estaba casada. Creo que es una serie quehabla de diversas maneras de entender el amor y de personajes que intentan sobrevivir siendo generosos, no juzgando”.
IRENE ARCOS: “Yo la recomendaría a todo el público, mujeres, hombres, porque es una serie que habla de la vida que hace foco en cosas que, a lo mejor a priori no entran dentro de lo que es estipulado o de lo que se supone que es el camino, pero que nos hacen pensar. Yo creo que esta serie es un poco un alimento para el alma, para entender ciertas cosas, para plantearnos qué estamos haciendo, a dónde vamos, qué es lo que queremos y qué es lo que nos hace feliceS.El Embarcadero habla de la amistad, de la maternidad, del amor, de la pérdida, del duelo. Entonces por ahí puede conectar con muchas personas. Es verdad que hay algo en la sociedad que piensa en el amor como una manera de, a lo mejor, lo que nos satisface o el llenar nuestros huecos o vacíos; y buscamos que eso nos lo dé el amor. Pero el amor no es tanto de llenarte, sino que creo que es más un acto de dentro para fuera, no de fuera para adentro. Este personaje que interpreto, Verónica, lo tiene muy claro desde el principio. Y esa manera de amar con tanta pureza con tanta generosidad, me parece que es la manera de entender lo que realmente es el amor”.
PERSONAJES
VERÓNICA (INTERPRETADA POR IRENE ARCOS)
Verónica desprende un gran magnetismo, fuerza, sensualidad y naturalidad. Tiene la valentía de sentir lo que viene, y si viene el dolor, lo afronta, lo vive y lo supera. Tras la muerte de Óscar, descubre que él no sólo había engañado a Alejandra sino que a ella también le había ocultado cosas. Verónica se sujetará en Alejandra con la que día a día se irá forjando una fuerte amistad que las mantendrá juntas.
ALEJANDRA (INTERPRETADA POR VERÓNICA SÁNCHEZ)
Mujer de ciudad, arquitecta, perfeccionista. Necesita que todo en su vida encaje. En el trabajo, está en su mejor momento y su relación con Óscar, su marido, es feliz. Su vida comienza a desmoronarse cuando Óscar aparece muerto en un escenario que apunta a un suicidio, y descubre que su marido tenía otra mujer, Verónica, y una hija. Su rigidez controladora salta en pedazos cuando decide emprender un viaje hacia la Albufera para conocer a Verónica, la amante, a quien le ocultará su verdadera identidad. Sánchez participó en producciones como Morrocco, Sin Identidad, Gran Reserva, Los Serranos, entre otros.
PROMO EL EMBARCADERO:
ÓSCAR (INTERPRETADO POR ÁLVARO MORTE)
Las opiniones, los recuerdos, las conversaciones, los flashback son piezas de un puzzle gigante que bocetan la figura de un hombre. Óscar, cree que está casado dos veces: una con Alejandra, la mujer con la que se casó, con quien espera envejecer y a quien no ha dejado de querer. Y otra con Verónica, la mujer que le enseña que se puede vivir sin reglas, sin horarios, sin agendas. Dos vidas distintas a las que no es capaz de renunciar.
CAPÍTULO 1 (MARTES 19 DE NOVIEMBRE)
Alejandra es una arquitecta de éxito, ha conseguido sortear la crisis inmobiliaria y se ha especializado en la construcción de grandes edificios. Junto a su amiga Katia acaba de cerrar un contrato para levantar un rascacielos en Valencia. La celebración durará poco, la misma noche que brinda por el avance del negocio, recibe una llamada de la Guardia Civil con la que le informan que su marido, Óscar, ha aparecido muerto en el interior de su coche en La Albufera. Devastada por la noticia, tardará poco en descubrir que la muerte de su marido vendrá acompañada por otra sorpresa: su vida estaba llena de mentiras.
CAPÍTULO 2
Alejandra ha descubierto que su marido tenía una vida paralela con otra mujer, Verónica, en La Albufera. Ocho años de relación simultánea sin que jamás haya sospechado nada y se obsesiona con la idea, necesita averiguar por qué Óscar mantuvo esa doble vida. Para responder todas las preguntas que le atormenta, Alejandra no dudará en acercarse a Verónica, eso sí, sin revelarle que ella es otra viuda de Óscar.
ROMA.– The Christmas Present (Columbia Records / Sony Music UK) se lanzará el 22 de noviembre, el primer álbum navideño de ROBBIE WILLIAMS.
“Estoy muy feliz de anunciar mi primer álbum de Navidad. He hecho mucho en mi carrera y hacer que este disco sea otro sueño hecho realidad. Fue muy divertido grabarlo y no puedo esperar para que lo escuches”, dice el artista en su trabajo de estudio 13 / o.
Un álbum doble que consta de Christmas Past y Christmas Future, con nuevas canciones y grandes clásicos de la tradición navideña, presentado con algunas estrellas invitadas especiales.
Christmas Past incluye el clásico Winter Wonderland (con los coros interpretados por el coro de LMA), Santa Baby a dúo con la cantante alemana Helene Fischer, Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! portada de The Christmas Song (popularizada por The Nat King Cole Trio), Merry Xmas Everybody de Slade con Jamie Cullum y It’s A Wonderful Life, en la que Robbie toca con su padre Peter Conway.
HISTORIAS REALES (Editorial Océano, 368 páginas), contiene el estilo literario de la escritora australiana Helen Garner, quien vive para observar, y luego lo cuenta con inteligencia y compasión. Sus historias surgen de un incidente real, propio o ajeno. Sus piezas de no ficción, escritas originalmente para prensa, abarcan los más diversos temas: «siempre vendrá una idea a salvarme justo cuando esté a punto de sentarme ante el abismo de comenzar una novela», afirma.
Es así como cuenta en este libro su experiencia al visitar un depósito de cadáveres, al navegar en un barco ruso y al cumplir cincuenta años. También narra cuando la despidieron de un colegio por hablar de sexo con sus alumnos; lo que sintió al presenciar un parto y por supuesto no pueden faltar las historias sobre su familia y el revuelo causado por uno de sus libros. En todas estas historias encontramos aquello que sólo la auténtica literatura es capaz de otorgarnos: trozos de vida.
UN DATO:
Helen Garner es una de las más importantes escritoras australianas contemporáneas; HISTORIAS REALES reúne sus principales piezas de no ficción, reportajes y artículos seleccionados por la propia autora entre los más destacados de su larga carrera.
HAN DICHO:
“Le gusta (a Helen Garner) la idea de que un cuaderno le dé acceso a todo tipo de otras vidas reales. Le da tranquilidad no tener que inventar. Poder, simplemente, salir a la calle y dejarse llevar, contar lo que sea que esté sintiendo o viendo y, con ello, convertirse en una cámara narrativa que retransmite únicamente para el lector. (…) es incapaz de vivir sin contar, afortunadamente.” Laura Fernández (Babelia – El País)
“Piezas de una cotidianidad no desprovista de emoción. Un ejercicio de exploración personal y un retrato fidedigno de las virtudes y flaquezas de los seres humanos. Garner a ratos es muy graciosa, a veces conmovedora o demoledora, pero siempre humana.” Rosa Martí (Esquire)
DE LA AUTORA:
Helen Garner nació en 1942 en Geelong, Australia, donde creció hasta ingresar en la Universidad de Melbourne. Dio clases en diferentes institutos, pero en 1972 fue despedida por responder a las preguntas de sus alumnos sobre sexo. Garner comenzó entonces a trabajar como periodista. Es autora de una amplia producción literaria tanto de ficción como de no ficción.
Desde que era una niña, a los siete años, YANZA TORMENTA se enteró que sus percepciones iban más allá de sus sentidos, entraba en estado de meditación. “Estoy influenciada por nuestras raíces, me adoctrinaron seres de luz”.
Hoy en día, YANZA tiene como misión ayudar a las personas que acudan con ella con rituales de energía positiva…”Y vaya que nos hace falta en estos momentos, valores como la bondad, la solidaridad, y el apoyo a quienes lo necesiten, evitando la confrontación, la intolerancia y la maldad”.
En conversación con TV&SHOW, la también clarividente originaria del Estado de México, comparte temas como la magia de la abundancia, la activación del amor en pareja, los objetos que no deben encontrase en el hogar, la fuerza de los colores, el signo y la protección espiritual, entre otros.
Es YANZA TORMENTA y su visión acerca del conflicto por la herencia de José José.
Este sábado a las 10:30 horas, se estrena por la telera abierta y pública de Canal Once, la emisión CRECIENDO JUNTOS, bajo la conducción de la neuropsicóloga y psicoterapeuta ESTHER OLDAK, dirigido al público infantil -con alcance para los paterfamilias-, un proyecto que surge del Programa Nacional de Convivencia Escolar de la Secretaría de Educación Pública.
En cada episodio, niñas y niños de distintas escuelas públicas, acompañarán a Esther Oldak a realizar dinámicas que les permitan aprender más sobre temas importantes para el desarrollo, tales como valores familiares, autoestima y seguridad personal, integración social, manejo del acoso escolar, relaciones familiares armónicas, equidad de género, entre otros.
En entrevista con TV&SHOW, en las instalaciones de Canal Once,Oldak se pronunció así sobre los propósitos de CRECIENDO JUNTOS: “Es en esencia un proyecto ambicioso, en el que le enseñamos a chicos y grandes a manejar sus emociones”.
-Suena fácil…
-Es un programa de prevención para reducir violencia, conductas de riesgo y hacer niños más felices. Es trabajar con las familias, empleando la prevención como medio de educación, para hacer niños más felices, empoderados y críticos.
-Tendrás un amigo a tu lado…
-Sí, se trata de “Ánimo”, un simpático personaje que estará conmigo en todos los programas, abordaremos una emoción diferente, habrá ocho niños de escuelas públicas, seleccionados al azar en cada programa, donde hablaremos de autoestima, respeto a las diferencias, valores familiares, reglas, empatía, honestidad, enojo, estereotipos, violencia, experimentos sociales. Nos acompañarán personajes de Once Niños, y dos niños reporteros irán a las escuelas para recoger testimonios. Tenemos un micrositio, para quien desee obtener material extra.
-Los padres deberán estar preparados para lo que no piensan escuchar…
-Muchas veces los padres no se imaginan lo que sus hijos saben, lo que han visto y escuchado. Se llevarán sorpresas. Hay niños que lo dirán abiertamente, lo que les enoja, como haber visto al padre borracho o que tanto la madre como su padre tengan pleitos y se insulten. Los niños les enseñarán muchas cosas.
Las edades de los niños participantes -cuatro niñas y cuatro niños- fluctúan entre los siete a diez años y la convocatoria a las escuelas públicas es voluntaria. “A los niños les enseñamos estrategias para manejar el enojo, haremos experimentos sociales, conoceremos qué les enoja, entristece, sus miedos, temores, culpas, a verse a sí mismos. Emociones, sacar el enojo. Con el manejo de emociones habrá niños más felices”, concluyó la especialista y conductora.
NUEVA YORK.- BB King habría cumplido 94 años. Nació el 16 de septiembre de 1925 en Mississippi y se convirtió en el Rey del Blues. Para rendir homenaje a una leyenda de la música, en el aniversario de su nacimiento, Google le dedica un doodle animado.
BB King, la leyenda del blues que inspiró a docenas de músicos, sumó 60 años de carrera que lo llevó de las plantaciones de algodón a la leyenda.
Perteneció a esa extraordinaria generación de músicos que electrificaron el blues y lo transformaron en música urbana, sentando efectivamente las bases de lo que ahora es rock and roll: la influencia ejercida es inmensa , comenzando por los grandes padres del rock, de los músicos por nota.
Riley B. King (su nombre real) fue uno de los guitarristas más famosos e importantes de la historia: con su Lucille (el legendario Gibson 335 renombrado así, aparentemente, con el nombre de una niña por la que dos hombres se habían peleado causando un fuego en el que se había arriesgado a morir) había creado un estilo más suave y claramente inspirado por el jazz, el ritmo y el blues más “arraigado” que personas como Muddy Waters y Howlin ‘Wolf. Un estilo hecho de glissate y notas largas, creado con una técnica inconfundible de la mano izquierda en el mango.
Su forma de tocar como solista contrastaba con su forma de cantar como un “grito”, forjado en el modelo de cantantes de big band. Musicalmente hablando, fue entrenado en Memphis. BB, su nombre artístico, era la abreviatura de Blue Boy, pero al principio era la abreviatura de Beale Street Blues Boy: Beale Street en Memphis es la calle de los clubes de blues y aún hoy es uno de los principales lugares de culto.
Uno de los seguidores más devotos de este culto fue Eric Clapton, quien en 2000 grabó un álbum con él y en 2005 participó, junto con Van Morrison, Billy Gibbons, Sheryl Crow, Darryl Hall y John Oates, John Mayer, Mark Knopfler, Glenn Frey, Gloria Estefan, Roger Daltrey, Bobby Bland y Elton John en el álbum de celebración del 80 cumpleaños.
La lista de personajes que alternaron con él abarca desde Luciano Pavarotti hasta Bruce Willis, desde Zucchero hasta David Gilmour, desde Slash hasta Phil Collins a través de Gotha de música negra, incluidos Ray Charles, Aretha Franklin, Chaka Khan, Bobby Bland y Etta James con quien creó una versión memorable de Thrill Is Gone, su mayor éxito con Sweet Little Angel y la versión conmovedora de Everyday I Have The Blues. Ciertamente, uno de los picos de la celebridad lo tocó en 1988 gracias a U2, que junto con él grabó When Love Comes To Town, en el momento de Rattle And Hum.
Al igual que muchos músicos negros de su generación, además de colaboraciones, BB King siempre se mantuvo fiel a una forma clásica de hacer música: conciertos, conciertos, y más conciertos. Siempre estaba de gira, recientemente se había resignado a no viajar en autocar con sus orquestas y solo porque había obligado a su hija a preocuparse por su estado de salud. Uno de sus conciertos fue como una cita con un viejo amigo: la orquesta comenzó a tocar una canción, se mostró disparando notas de su Lucille mientras los trompetistas tocaban bailando. Siempre estaba sonriente y sudoroso, con sus chaquetas de damasco y sus grandes manos para entregar golosinas de swing, cantó sus clásicos con bolsillos llenos de esos alfileres en forma de Lucille que durante años han sido uno de los objetos más codiciados por los fanáticos.
Era realmente una leyenda, pero no concibió una vida lejos del escenario: continuó hasta el final, desafiando la diabetes y las dolencias de la edad y una carrera muy larga, vivió sin las comodidades de las estrellas.
Su Lucille ya no toca y el mundo ha perdido a uno de los últimos grandes de una generación que ha cambiado la historia de la música.
Deberes y obligaciones, hacer lo que no nos gusta, repetir una y otra vez lugares comunes, pertenecer no importa cómo ni al costo que sea, son solamente algunos de los absurdos que no entiende Lolo, un niño extraterrestre que a lo largo de 2 mil 356 días no se halla ACÁ EN LA TIERRA, la puesta en escena del divertido y reflexivo montaje en el Teatro Helénico los sábados y domingos a las 13:00 horas, hasta el 29 de septiembre, bajo la producción de La máquina del tiempo en colaboración con Teatronautas y Los Bocanegra.
Con las convincentes actuaciones de Assira Abbate (Lolo), Vicky Araico (Dolores) y Mahalat Sánchez (Ma), ACÁ EN LA TIERRA, con dirección de Rebeca Trejo y autoría de Luis Eduardo Yee, es el grito que todos deseamos expresar y es que para el pequeño Lolo, de seis años, su juego favorito es observar este planeta y reportar a otras extraterrestres, así como oler una toronja, mirar a los pájaros, comer enfrijoladas y puré de papa con su papá, no así ir los lunes y hacer fila en la escuela (“las estúpidas filas”, grita Lolo), sin entender porque los terrícolas tienen una terrible necesidad de clasificar todo y de hacer cosas que no les gustan.
De esencia un cortometraje, ACÁ EN LA TIERRA incluye en su adaptación teatral mensajes a favor de la diversidad sexual (Lolo o Lola; Lola o Lolo), la aceptación, la tolerancia, el respeto, la libertad, la convivencia, la igualdad y la expresión de la felicidad a través de la música que nos puede llevar al espacio sideral, porque “las cosas están ahí, sólo hay que observarlas”.
Sobresale la labor actoral de Assira Abbate y Vicky Araico, junto con el diseño de escenografía e iluminación a cargo de Jesús Hernández y la música original y diseño sonoro de Rodrigo Castillo Filomarino.
Las actrices Karina Gidi y Vanessa Bauche fueron las madrinas de la temporada de ACÁ EN LA TIERRA.
UN DATO:
Temporada Teatro Helénico, sábados y domingos hasta el 29 de septiembre, 13:00 horas.
EN REDES:
@CCHelenico
@TeatronautasAC
Los Bocanegra Teatro
@Helenico
@Teatronautas
@teatrobocanegra
FOTOS Y VIDEO: Lourdes Córdoba / Edición: Saelim Fernando
Es así como cuenta en este libro su experiencia al visitar un depósito de cadáveres, al navegar en un barco ruso y al cumplir cincuenta años. También narra cuando la despidieron de un colegio por hablar de sexo con sus alumnos; lo que sintió al presenciar un parto y por supuesto no pueden faltar las historias sobre su familia y el revuelo causado por uno de sus libros. En todas estas historias encontramos aquello que sólo la auténtica literatura es capaz de otorgarnos: trozos de vida.
