A sus casi 80 años, Bob Dylan reta a la artritis para tocar su guitarra

NUEVA YORK.- La artritis no le permite sostener la guitarra, por lo que toca en el escenario apoyándose en el piano eléctrico. Pero incluso la voz, que David Bowie describió como “arena y pegamento”, ya no es lo que solía ser, tanto que en el último álbum Rough and Rowdy Ways, más que cantar BOB DYLAN declara los versos de sus canciones más recientes.

Se acerca el onomástico 80 de BOB DYLAN -24 de mayo-, pero la edad no detiene al genio. “Se niega a permitir que su carrera sea embalsamada”, escribió Paul Morley en uno de los nuevos libros a punto de ser lanzado antes del aniversario.

El legado de DYLAN es enorme y difícil de cuantificar: sólo la semana pasada el Premio Nobel de Literatura acudió a un juez para cerrar una demanda de 7,5 millones de dólares reclamada por la viuda de su colaborador Jacques Levy por el acuerdo de 300 millones de dólares que recaudó en diciembre con la venta del catálogo musical a Universal Music.

Mientras tanto, las festividades se están preparando: Patti Smith, que fue a Estocolmo en 2016 para recoger el Premio Nobel en su nombre- celebrará a Dylan el 22 de mayo en el Festival de Primavera en el Parque Cultural Kaatsbaan, en el estado de Nueva York. Fiesta habrá también en Duluth, donde Dylan nació hace 80 años, mientras estaba en la cercana Hibbing, donde la familia se mudó después de que su padre Abram Zimmermann perdiera su trabajo, y se planea un monumento en el patio de la escuela secundaria donde Bob (Zimmy) se diplomo’ en 1959.

También en el centro de las celebraciones está la publicación de tres nuevos libros y un re-lanzamiento: You Lose Yourself You Reaparece de Morley en la librería en abril, es una “respuesta personal” a un personaje enigmático y transformador, mientras que la biógrafa Clinton Heylin volverá a examinar los años formativos en La doble vida de Bob Dylan.

Sean Latham, profesor de la Universidad de Tulsa y director del Instituto de Estudios Bob Dylan, creado mediante la compra de más de cien mil recuerdos de Dylann directamente del artista, The World of Bob Dylan se estrenará el 30 de abril con una antología de nuevos ensayos académicos, mientras que Bob Dylan: No Direction Home de 1986, del periodista y amigo de New York Times Robert Shelton, será actualizado y reeditado.

Esquivo como siempre y atrapado en la casa de Point Dume en Malibú desde que el Covid-19 le impidió ir a Japón hace un año para una nueva etapa de la “gira interminable”, es poco probable que los celebrados marchen el aniversario en público. Pero Dylan ha acostumbrado a los fans a esperar lo inesperado: como cuando en 1965 “sonaba eléctrico” en Newport o, más recientemente, comenzó a hacer whisky Heaven’s Door. O cuando todavía prestaba canciones icónicas a comerciales de Apple, Cadillac, Pepsi, Budweiser, Ibm y la cadena de lencería Victoria’s Secrets. Este último, rodado en 2004 en la Plaza de San Marcos de Venecia, contiene la única aparición del cantante en una publicidad: Dylan “bendecido”, en el fondo del Gran Canal, con la supermodelo-ángel Adriana Lima, tocando la canción Love Sick del álbum de 1997 Time out of mind.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Una década de “InnerSpeaker”, de Tame Impala, con corto incluido

Con motivo del lanzamiento de la edición del 10º aniversario de InnerSpeaker a través de Island Records Australia, TAME IMPALA aka Kevin Parker revela InnerSpeaker Memories.  El cortometraje capturado en los días felices por Matt Sav y editado por Alex Haygarth presenta imágenes nunca antes vistas de la grabación de InnerSpeaker en el idílico Wave House Studio en Australia Occidental.

Para el 10º aniversario de su lanzamiento, TAME IMPALA presenta una reedición de lujo en 4LP del álbum debut InnerSpeaker. Grabado en 2009 en Australia Occidental, InnerSpeaker fue la primera prueba de larga duración de Parker y una invitación explosiva a lo que se convertiría en su inimitable mundo de tintes psicológicos.

Esta edición de lujo ampliada del álbum incluye los singles Solitude Is Bliss, Lucidity, Expectation entre la lista de canciones del álbum original, además de: 
 – Un collage de bocetos del álbum
– Una jam desenterrada y de larga duración 
– Nuevas mezclas de temas del álbum original
– Instrumental 
– Un folleto de lujo de 40 páginas


Además, la tienda web de Tame Impala se ha actualizado con una nueva gama InnerSpeaker, que incluye nuevos diseños de camisetas, una manta de lujo y un cojín. 

Acerca de Tame Impala

Parker ha surgido como una de las voces más influyentes de la última década. The Slow Rush, el multipremiado cuarto álbum de estudio de Tame Impala, se publicó a través de Interscope en 2020. El álbum aterrizó en el número 1 de álbumes en múltiples territorios y fue su álbum más alto en las listas de éxitos hasta la fecha, tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, con 14 posiciones en el top 10 de las listas de éxitos en todo el mundo.

El álbum sirve como una profunda reflexión sobre el paso del tiempo. “The Slow Rush es un opus extraordinariamente detallado”, dijo Pitchfork. “Tengo que maravillarme de que todo este sonido e historia provenga de Parker solo, pulsando cada cuerda y girando cada mando”. The Slow Rush ha acumulado más de mil millones de streams, y sigue creciendo. 

Además de su éxito en las listas, recientemente ha ganado un montón de premios ARIA, llevándose a casa el Álbum del Año, el Mejor Grupo, el Mejor Álbum de Rock, el Ingeniero del Año y el Productor del Año. Parker fue nominado a dos premios GRAMMY en 2021 como Mejor Álbum Alternativo y Mejor Canción de Rock por el single Lost In Yesterday. Esto marca la tercera nominación en la categoría Alternativa para Parker, habiendo sido nominado previamente por Currents y Lonerism. The Slow Rush también fue nominado a dos Billboard Music Awards y a un American Music Award (AMA).

Gracias a la demanda de los fans de una actuación trascendental en directo, Tame Impala ha sido cabeza de cartel en festivales y teatros de todo el mundo y ha publicado cuatro álbumes de larga duración: InnerSpeaker, Lonerism, Currents, con certificación de platino de la RIAA, y The Slow Rush. Como escritor y productor, Parker ha colaborado con The Weeknd, Travis Scott, SZA, Lady Gaga, Mark Ronson, Kanye West, Kali Uchis, Theophilus London, Miguel y A$AP Rocky, entre otros.

Tras las actuaciones de Tame Impala Sound System recibidas con entusiasmo en Perth a principios de este mes, la gira reprogramada de Tame Impala comenzará en 2021 en el Spark Arena de Auckland el sábado 5 de diciembre y continuará por Brisbane, Sydney, Melbourne, Adelaida y Perth.

TAME IMPALA | FECHAS DE LA GIRA 2021

Presentado por triple j, Laneway Presents, Frontier Touring y Chugg Entertainment

Domingo 5 de diciembre – Spark Arena, Auckland NZ
Martes 7 de diciembre – Qudos Bank Arena, Sydney NSW
Jueves 9 de diciembre – Brisbane Entertainment Centre, Brisbane QLD
Domingo 12 de diciembre – Rod Laver Arena, Melbourne VIC
Lunes 13 de diciembre – Rod Laver Arena, Melbourne VIC
Miércoles 15 de diciembre – Adelaide Entertainment Centre, Adelaida SA
Sábado 18 de diciembre – RAC Arena, Perth WA

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McCartney escribe su autobiografía musical “The Lyrics” (1965-2021)

ROMA.- THE LYRICS: 1965 TO THE PRESENT, es el título del autorretrato que comprende 154 canciones de PAUL MCCARTNEY, editado y presentado por el ganador del Premio Pulitzer Paul Muldoon, que estará en las librerías para noviembre de este año. En Italia será lanzado para la editorial Rizzoli que anuncia la publicación.

“No sé cuántas veces me preguntaron si escribiría una autobiografía, pero nunca había sido el momento adecuado. Lo único que siempre he sido capaz de hacer, en casa o sobre la marcha, es escribir nuevas canciones. Sé que cuando llegas a cierta edad, un diario ayuda a recordar los días pasados. Pero nunca tomé notas. Lo que me queda son mis canciones, cientos de canciones que, entiendo, equivalen a una especie de diario. En estas canciones hay toda una vida útil”, aseveró Paul McCartney.

Se trata de dos volúmenes de box set en los que McCartney relata, con extraordinaria sinceridad, su vida y arte a través de 154 canciones que cubren todas las etapas de su carrera, desde composiciones juveniles tempranas hasta la legendaria década con los Beatles, desde alas hasta álbumes en solitario. Organizadas en orden alfabético, no cronológico, las letras finales de las canciones se recogen aquí por primera vez, junto con la historia de las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y los lugares que las inspiraron. Hay materiales inéditos y preciosos de su archivo personal, manuscritos, cartas, fotografías.

“Espero que lo que escribí muestre a los lectores algo sobre mis canciones y mi vida que nunca habían visto antes. Traté de decir algo sobre cómo nace la música, lo que significa para mí y lo que espero que signifique para los demás también”, explicó Paul McCartney, quien escribió su primera canción a la edad de 14 años. “Estos textos, extraídos de cinco años de conversaciones con Paul McCartney, están tan cerca de una autobiografía como podemos tener. Lo que Pablo nos dice sobre su proceso creativo confirma algo que antes sólo podíamos sospechar: nos enfrentamos a un escritor de importancia primaria que encaja perfectamente en la larga tradición de la poesía en inglés”, dice Paul Muldoon.

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Falleció Mary Wilson, fundadora de las Supremes, ícono de los 60’s

LOS ÁNGELES.- MARY WILSON, la cantante de Motown y fundadora de las Supremes, la banda negra femenina más grande en las décadas de 1960 y 1970, falleció a los 76 años.

A los 15 años, WILSON y Florence Ballard fundaron el grupo (entonces llamado The Primettes) en Detroit. Se les unió Diana Ross. “Mary Wilson fue extremadamente especial para mí. Fue una pionera, una diva y la echaremos mucho de menos”, dijo Berry Gordy, fundadora del legendario sello Motown, que estaba detrás de muchos de los éxitos de la banda.

WILSON murió en su casa de Las Vegas, dijo su publicista Jay Schwartz a ET News. Hace apenas dos días Wilson subió un breve clip a YouTube para celebrar febrero, el mes de la historia negra y anunciando: “noticias emocionantes sobre The Supremes, Florence Ballard y materiales inéditos”.

La banda alcanzó el éxito a finales de la década de los sesenta con éxitos como Stop! En el nombre del amor y Amor del bebé. Pero después del lanzamiento de Diane Ross en 1970 para una carrera en solitario, el grupo nunca recuperó su dominio en las listas americanas, a pesar de tener algunos éxitos como River Deep, Mountain High y Stoned Love.

Fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 1986 escribió un libro de memorias, Dreamgirl: My Life As a Supreme, que describía su vida con la banda – y su relación con Ross.

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Lang Lang con nuevo tema y video de “Bach: Goldberg Variations Extended Edition”

Después del exitoso concierto virtual del pasado 12 de diciembre llamado Reaching Dreams Through Music que ofreció LANG LANG al lado de estrellas como Sam Smith, Diana Krall,  Ron Howard, Jon Batiste, Misty Copeland entre otros más, estrena tema y video, que forman parte de BACH: GOLDBERG VARIATIONS EXTENDED EDITION.

El concierto también destacó el impacto de la música en la vida de los niños de todo el mundo, al tiempo que abogó por un acceso equitativo a la educación musical.

El concierto culminó con un gran final con Lang Lang tocando virtualmente junto a más de treinta pianistas jóvenes de todo el mundo, con el Coro de Jóvenes de Nueva York.

Ahora para comenzar el 2021 Lang Lang está lanzando una serie de nuevas grabaciones incluidas en su próxima Bach: Goldberg Variations Extended Edition y que verá la luz el próximo 12 de febrero. La nueva versión de su aclamado álbum doble incluye siete pistas adicionales, entre ellas arreglos para piano solo de algunos de los escritos vocales e instrumentales más hermosos de Bach.

Las nuevas piezas se encuentran entre los descubrimientos personales de Lang Lang: transmiten la ternura y la belleza de la escritura melódica de Bach y complementan las Variaciones Goldberg. Como dice Lang Lang, “las siete piezas que acabo de grabar como parte de este proyecto se han sumado a mi comprensión de la música de Bach”.

UN DATO:

Schumann: Arabesque in C Major, Op. 18 el que puedes escuchar aquí: https://open.spotify.com/album/7C03vx3Ps7iRJ57disLBpC?si=DGegyM2KTlKNo1Cu498ijQ

Y aquí puedes verlo: https://youtu.be/pgYGOFWlHcI

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Pablo Milanés culminó año con su nuevo tema “Esperando el milagro”

LA HABANA.- El trovador cubano PABLO MILANÉS dejó terminada en la última noche de 2020 su nueva canción Esperando el milagro, que invita a una profunda reflexión sobre la trágica pandemia de coronavirus que asola al planeta.

El artista quiso publicar Esperando el milagro el jueves 31 de diciembre en su canal de YouTube como un epílogo musical de todo lo padecido y sentido en 2020. La estructura musical y temática del tema hace alusión a una oración, a un ruego o súplica con evocaciones religiosas que invita a meditar sobre un futuro que, pese a todo, el músico quiere sentir esperanzador.

“He hecho lo que sé, una canción, y he querido aproximarla a la religiosidad, pues todo el mundo, en el afán de salvarse, en el miedo que existe alrededor de todo lo que está pasando, de la tragedia que está viviendo el planeta…más bien reza que piensa”

El cantautor agregó: “He querido hacer esta canción como si fuera una oración al modo del Padre Nuestro católico, como si fuera una misa divulgada por un Papa, por un sacerdote, por un babalao, por cualquier guía de cualquier religión…. Creo que el milagro se puede traducir de distintas formas y el milagro, en este caso, se traduce en la forma que pueden trabajar los pueblos, los países, los gobernantes para hacer que todo funcione mejor, que la sanidad funcione mejor, que la ciencia funcione mejor, todo eso puede resultar en un milagro para la humanidad”.

Grabado entre La Habana y Madrid, en el estreno de esta composición le acompañan Miguel Núñez, al piano; y Caridad R. Varona, al chelo.

Milanés grabó la voz de esta canción el 28 de diciembre, minutos después de haber conocido la triste noticia del fallecimiento del compositor mexicano Armando Manzanero, precisamente víctima de la Covid.

Por el fallecimiento de Manzanero, Milanés, reconoció que la grabación tuvo una mayor carga sentimental.

Acompañado por los instrumentistas Caridad R. Varona y Miguel Núñez, el cantautor iniciará en 2021 su nueva gira Días de Luz, con la que apuesta por “abrir un nuevo horizonte, tan necesario en estos tiempos, a partir de una reflexión más intimista y a la vez esperanzadora”.

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Una Playlist navideña a la orden

LONDRES.- Lo mejor que uno puede esperar para una lista de reproducción selecta es que ayuda a aliviar una Navidad tan difícil. A continuación, se puede comenzar con Happy Christmas, el clásico pacifista grabado por John Lennon con la Plastic Ono Band en 1971.

Y ya que la canción fue producida por Phil Spector, el genio maldito de la muralla del sonido, vale la pena pescar en el legendario Un regalo de Navidad para ti, un álbum de Navidad (incluido en los 500 mejores títulos de la historia) hecho por Spector: si hay que elegir una canción esa es Frosty The Snowman por los Ronettes. Le golpea el pie con el ritmo oscilante de What Christmas Means To Me, de John Legend con Stevie Wonder.

Para permanecer en un campo de jazz y no olvidar la canción de Navidad más clásica, se puede cambiar a White Christmas en la versión de Charlie Parker, entonces otro súper clásico, Let It Sno como la Orquesta Conde Basie y una joya, Christmas in New Olreans, con Louis Armstrong y la gran banda de Benny Carter.

También puede seleccionarse Christmas Waltz cantado por Tony Bennett, luego volar con Herbie Hancock con I’ll Be Home for Christmas y cerrar la sección Swing con el bluesone orquestal de Etta James Merry Christmas Baby y la versión traviesa de Santa Baby.

Un paseo a través de Home for Holydays con Cindy Lauper y Norah Jones y te metes en un ambiente más rock pop con 2000 Millas de los Pretenders, Christmas Time por smashing pumpkins, Christmas (Baby, Please Come Home) de U2, Father Christmas de Kinks, We Wish You a Merry Christmas de Weezer, Thank God It’s Christmas de Queen, Christmas All Over Again de Tom Petty & The Heartbreakers, Wonderful Christmastime de Paul McCartney.

Para ir entonces a climas más inusuales está el dúo pop Summer Camp con Christmas Wrapping, otoño con Hark the Herald Angels Sing, Pearl Jam con Let me Sleep (It’s Christmas Time), los Ramones con I Don’t Want To Fight Tonight, Christmas in Hollis de Run D.M.C. Kelly Finnigan’s Santa’s Watching You (una primera) es un puente a algún soul groove como el James Brown de Santa Claus Go Straight to The Ghetto.

Finalmente Robbie Williams con el nuevo sencillo (y video en el que interpreta a Boris Johnson) Can’t Stop Christmas (Columbia Records/Sony Music), contenido en la versión de lujo del álbum The Christmas Present : con un espíritu irónico reflexiona sobre un 2020 sin precedentes: “Santa Claus está en su trineo, pero ahora está a dos metros de distancia”, una melodía alegre con el tintineo de campanas para imaginar el espíritu de la Navidad 2020.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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El cantante regio Jerónimo Sada tiene en “Mariachi de autor” su onceavo disco

El popular cantante JERÓNIMO SADA, nacido en Monterrey, Nuevo León, se graduó de médico antes de entrar en el medio artístico, no sin antes destacar en sus estudios de guitarra clásica.

Sada pisó el escenario primero como intérprete de música instrumental, para posteriormente fusionar estos sonidos con su voz e inspiración. A lo largo de sus más de 12 años de trayectoria, se ha presentado por toda la República Mexicana y Estados Unidos, en formato acústico, pop, jazz y mariachi, interpretando canciones de algunos de sus once discos

Su disco más reciente, Mariachi de autor, lo dio a conocer en el Lunario del Auditorio Nacional, apadrinado por el tenor mexicano Fernando de la Mora. Fue reconocido por SESAC (Sociedad Europea de Plataforma de Autores y Compositores) como Latin Songwriter of the Year en Estados Unidos, en 2010.

Ha colocado varios top ten en las listas de Billboard en sus más de 100 grabaciones y lo han interpretado artistas como: Banda el Recodo, Danna Paola, El Chapo de Sinaloa, Los Cardenales de Nuevo León, Banda la Adictiva, Límite, El Trono de México y Samo, entre otros.

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UN DATO:

Sada se ha involucrado en la producción y musicalización de todos sus discos. Su libertad creativa le permite componer e interpretar cumbia, bolero, bossa nova, trova, rock, huapango, pop, balada y, por supuesto, rancheras.

Recientemente participó en el intercambio cultural de música mexicana, celebrado en Ibagué, Colombia. Sus presentaciones en la Plaza Acqua y en el Teatro Tolima, fueron recibidas con gran aceptación; en ellas, el público colombiano tuvo la oportunidad de atestiguar su calidad como cantautor y de corresponder con sus aplausos a la entrega de Jerónimo.

En breve el cantautora estará en su ciudad natal exponiendo sus éxitos, entre ellos: Botón por botón, Si me miras así, El mariachi no se raja, Se renta y varios más que lo identifican.

Jerónimo Sada sigue en la búsqueda de nuevas posibilidades para seguir sorprendiendo a su público.

Por Óscar Velázquez García / ANSA

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Revelan secretos musicales de Beethoven

LAUSANA.- La música de BEETHOVEN no tiene más secretos gracias a Big Data: por primera vez, el análisis científico basado en grandes cantidades de datos ha permitido identificar las características del estilo del músico y el resultado se considera el primer paso de una inminente revolución en el estudio de este arte.

Publicado en la revista Plos One, el análisis fue realizado por el Politécnico de Lausana (Epfl) y está coordinado por Martin Rohrmeier.

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“Los nuevos métodos de vanguardia basados ​​en estadísticas y ciencia de datos nos permiten analizar la música de una manera nueva, que estaba más allá del alcance de la musicología tradicional”, señala Rohrmeier. “Nuestro objetivo, agregó, es entender cómo funciona la música”.

Para descifrar el estilo musical de Beethoven, los investigadores analizaron las partituras de los 16 cuartetos de cuerdas compuestos por el músico durante su vida.

“Básicamente, hemos generado una gran cantidad de datos digitales, en los que buscamos los esquemas musicales de Beethoven”, dice Fabian Moss, primer autor del estudio. Los Cuartetos de cuerdas de Beethoven, composiciones para dos violines, una viola y un violonchelo, representan más de 8 horas de música y contienen cerca de 30 mil acordes.

Para identificar el estilo del músico, los investigadores analizaron los acordes, tanto los tipos utilizados como la forma en que se repiten. Los dos tipos principales de acordes se llaman dominantes y tónicos y tienen roles centrales para acumular tensión y liberarla. Pero en general, hay una gran cantidad de tipos de acordes, incluidas muchas variantes de los acordes dominantes y tónicos. Los cuartetos de cuerdas de Beethoven, por ejemplo, contienen más de mil tipos. 

Sin embargo, el estudio revela que en las obras de Beethoven, la mayor parte de la música de Cuarteto de cuerdas está gobernada por los acordes dominantes y tónicos y sus numerosas variaciones y que la transición más frecuente de un acorde a otro pasa del dominante. a la tónica.

 

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EL GENIO MUSICAL DE ENNIO MORRICONE, NUEVE DÉCADAS DE VIDA

Hay una maravillosa esquizofrenia en la vida artística de ENNIO MORRICONE (nacido en Roma el 10 de noviembre de 1928) que este domingo celebra sus 90 años con el paso audaz del eterno niño del introvertido que siempre lo ha caracterizado: ha compuesto más de 500 melodías, a menudo inmortales, para cine y televisión, su toque como arreglista ha caracterizado la música pop italiana de los años 60 (entre Edoardo Vianello, Mina y muchos otros), pero su verdadera pasión es la música sinfónica, la experimentación. e innovación musical, a raíz de un maestro como Goffredo Petrassi y de las improvisaciones del grupo Nuova Consonanza, al que contribuyó a dar nueva vida desde 1964.

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Hijo del trompetista y graduado del Conservatorio de Santa Cecilia en el mismo tema y en la dirección de la orquesta, Morricone se ha sentado durante mucho tiempo en el confinado panteón de los mejores músicos de cine de todos los tiempos, según lo confirmó la estrella en el Paseo de la Fama en Los Ángeles, el Oscar a la carrera de 2007, la gran cantidad de premios que marcan su carrera e incluso la cabecera de un asteroide. Su música ha sido siempre un impacto transversal que infecta a las más diversas generaciones, y le aseguró la fama más allá de la sala de cine con más de 70 millones de discos vendidos.

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El guitarrista de U2 The Edge siempre lo ha considerado su músico, grupos como Metallica o Ramones abren sus conciertos con un homenaje a él, Quentin Tarantino ha saqueado sus melodías dos veces (Kill Bill y Inglourious Basterds ) lo convirtió en un homenaje público para convencerlo de firmar una banda sonora original para” The Hateful 8 “con la que el músico ganó su primer Oscar tras cinco nominaciones. Pero al final, Ennio celebrará mañana su “Novant’Ennio da Oscar” en casa, en el corazón de la antigua Roma, junto con su amada esposa María y los cuatro hijos: un “den”. donde nacieron sus obras maestras y las que deja de mala gana, aunque en pocos días estará en París para una velada especial en el marco de la gran retrospectiva sobre Sergio Leone organizada por la Cinemateca Francesa. Porque entonces, a pesar de los cientos de partituras que han hecho época, es siempre la asociación con Sergio Leone para ser el símbolo ideal para el cine de Morricone.
Los dos se conocen en la escuela, en la escuela primaria, y cuando el director novato se dirige a él en 1964 (Por un puñado de dólares), todavía no sabe que gran parte de su inesperado triunfo se debe a los inventos del músico, obligado a Obra sin orquesta y con poco dinero, capaz de transformar un silbato, una trompeta, un disparo en la síntesis más formidable de la epopeya occidental. En esta actuación inquietante, Morricone hace uso de todo su talento como arreglista que le había ganado una buena reputación en el mundo de la música ligera italiana. La amistad entre los dos nunca fallará y marcará una carrera de éxitos hasta la última película de Leone Érase una vez en América, que también para el músico representa uno de los desafíos compositivos más complejos e importantes.

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Aquí puedes ver el vídeo de Cinema Paraíso.

Este es el caso de Elio Petri para quien Morricone inventa los sonidos de “Investigación de un ciudadano” o de Gillo Pontecorvo escribiendo con él la partitura de la Batalla de Argelque lo inspira Queimada y que estará entre los amigos más queridos. hasta el final. ¿Cuál es el genio de Morricone? En primer lugar, un conocimiento perfecto de los clásicos que lo acompaña en sus incursiones estilísticas muy sugerentes y le permite utilizar la gran orquesta, el pequeño grupo, los solistas y los coros con la mayor naturalidad; luego una armonía casi física con la emoción y la épica; Finalmente, un hábito de organizar los motivos que le permiten ir de la mano con las ideas visuales de los directores sin desviarse nunca de su propio camino expresivo.
“Cada vez, dijo, trato de crear una banda sonora que atraiga tanto al director como al público, pero sobre todo debe gustarle también, porque de lo contrario no estoy contento, debo ser feliz ante el director”. música “.

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Aquí puedes ver el bueno, el malo y el feo.

Es una fidelidad monógama que nunca la abandona y que conlleva desafíos cada vez más infranqueables, como se ha demostrado a menudo en la madurez cuando comenzó a actuar en público como director de sus composiciones. Y con su varita en la mano, frente a su orquesta, Morricone revela su ductilidad camaleónica cada vez: compositor contemporáneo, creador de épicas para el público más amplio, cantante nostálgico de emociones secretas. No es casualidad que, en 2007, en el escenario del Oscar fuera Clint Eastwood quien entregara la codiciada estatuilla: Eastwood no habría existido sin Leone y Morricone. 

Y el músico había encontrado en el actor el primer símbolo de su amada música en todo el mundo.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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CIUDAD DE MÉXICO.- En Chile es conocido como el comediante que apareció en un comercial hace 18 años, y que ha realizado campañas para una marca de  jugos durante todo ese tiempo, con más de 75 mensajes publicitarios grabados, en donde representa al Guatón de la fruta (en algunos países de Sudamérica, se le llama ‘guata’ al estómago que es prominente.

Pero GUSTAVO BECERRA es algo más que eso. Es un artista integral, completo, polifacético y divertido, entregado a la comedia, a la dirección, a la dramaturgia, un estudioso incansable de todo lo que tenga que ver con el arte escénico e incluso, un profesional de la música, con la que piensa conquistar México, gracias a su proyecto denominado SWING DEL MONO.

“Toda mi vida he amado la música y hasta tengo obsesión por las guitarras. Tengo nueve de colección y me han costado caritas, entre ellas tengo una joyita que es una guitarra sueca de una empresa y es del año 57. Debe haber unas diez en Chile y debe costar unos 2 millones de pesos. En mi vida no he tenido muchas cosas, pero siempre he tenido plata para comprarme una guitarra, y me endeudo y todo el cuento, pero no me duele”.

Luego de 28 “horas de vuelo” en las tablas, participando en obras como El Hombre de la Mancha y My Fair Lady, siendo dirigente del Sindicato de Actores, haciendo televisión, tocando con sus grupos (entre ellos, La Sonora Guatón), y tomando cuanto seminario, taller y curso se pueda, Becerra al fin tiene un espacio para armar y desarmar lo que quiera.

“De alguna manera, la música siempre ha formado parte de mi carrera, pero ahora quiero dedicarle más tiempo. De hecho, mi carrera de actor la pagué en parte con lo que ganaba cantando en restaurantes, más adelante cantaba en bares y hasta hoy día, en mis shows siempre hay música. 

“Es por eso que ahora necesito darle a la música el lugar que corresponde en mi vida. Estoy haciendo mi tercer intento de disco profesional, pero ahora con mayor madurez y además una sensibilidad más acorde con el resultado musical. Creo que es el trabajo más autentico que he hecho”.

“Estamos trabajando para llegar a México y que conozcan mi música, que es romántica y con una influencia musical entre Mont Laferte y los Ángeles Negros. Viajé  hace dos años y me enamoré de la Ciudad de México y de todo. Es un lugar donde todo pasa al mismo tiempo, dan ganas de vivir ahí. Creo que los chilenos estamos íntimamente ligados con México y obvio que seria una gran ventaja ser escuchado allá, ya que el mercado chileno es demasiado pequeño. Si se da la oportunidad, como estamos planeando, será maravilloso empezar por allá esta nueva faceta”.

Y es que a GUSTAVO BECERRA, le une con nuestro país una anécdota personal: “Luego de una separación amorosa, hace dos años, estaba yo en México el 2 de noviembre, para el Día de Muertos, y fue entonces cuando compuse Vida, una de las canciones puntales para mi nuevo trabajo, donde hago referencia directa a la ciudad y a esa celebración. Creo que sólo es una o intuición artística, pero es tan fuerte, que deseo que mi producción musical sea escuchada en tierra azteca primero, sería genial”, concluyó.

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 Por Óscar Velázquez

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40 años sin Charles Chaplin

HOLLYWOOD.- CHARLES SPENCER CHAPLIN, el actor conocido como CHARLES CHAPLIN, Charlot en Francia, Charlie entre los anglosajones y Carlitos Chaplín en nuestras pampas, dejaba este mundo el 25 de diciembre de 1977, a los 88 años, en su casa de Vevey, Suiza, luego de haber divertido y emocionado al público durante decenios.

Se dijo muchas veces que Chaplin fue el artista de mayor universalidad de la historia, más que Miguel Ángel o William Shakespeare, porque con su hombrecito de bastón, bigotito, bombín y enormes zapatos había podido conmover tanto a los grandes públicos estadounidenses, europeos y sudamericanos como a los espectadores del más remoto villorio perdido en alguna jungla, desierto o lugar abandonado a la buena de Dios.

CHAPLIDOS.jpgEs que con aquel vagabundo era difícil no congeniar: era un hombre común enfrentado a un mundo hostil, con arbitrariedades de todo tipo, enamoradizo y amante de la justicia por naturaleza, finísimo en sus rasgos pero, además, graciosísimo en su gestualidad, hábil en el movimiento dentro de aquellos fotogramas titilantes del cine mudo y capaz de transitar entre el absurdo y lo surreal sin que la cuerda se le rompiera.

Nacido en Londres el 16 de abril de 1889, tuvo padres que actuaban en el music hall, humilde escenario en el que debutó a los cinco años y en la década de 1910 se integró a la troupe de Fred Karno, un empresario que viajó por toda Europa y Estados Unidos con una extensa compañía de entretenimientos.

En ella figuraba el “flaco” Stan Laurel, entonces Arthur Stanley Jefferson, quien fue su compañero de filas durante varias giras por ese país y Canadá -aunque parece que Chaplin nunca lo soportó, quizá por celos- y en 1914 nuestro héroe ya había fijado su vista en el arte naciente del cine, todavía espectáculo de feria o barracón.

CHAPLINUNO.jpgSin datos acerca de qué pasó antes, ese año rodó 36 cortos de dos bobinas, entre ellos “Kid Auto Races at Venice”, dirigido por Henry Lehrman, en el que se supone que creó su emblemático vestuario, destinado a representar la contracara de un hombre de la alta sociedad, una identidad que le duró hasta 1936, cuando rodó “Tiempos modernos”.

Durante varios títulos actuó como ladero de la “star” Mabel Normand, al tiempo que se especializaba como organizador de “gags”, pero ya en “Caught in the Rain” (1914) y “El vagabundo” (1916) su nombre aparece como director, lo mismo que en “Día de pago” (1916), “La calle de la paz”, “En las termas”, “Carlitos aventurero”, “El inmigrante” (todas de 1917) y “Vida de perros”, “Armas al hombro” y “The bond” (1918).

Para entonces ya es un hombre muy rico y en 1919 funda el sello United Artists, junto a los también famosos David Wark Griffith y el matrimonio integrado por Douglas Fairbanks y Mary Pickford.

Decía: “Cuando un hombre se pasea por la calle no hay nada de qué reírse, pero colocado en una situación ridícula o embarazosa, el ser humano se convierte en motivo de risa para sus semejantes. En esto se basa la situación cómica”.

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Debuta en el largometraje con “El pibe” (1921), cuando su nombre ya tiene una estatura mayor y eso le permite incursionar en el melodrama, vuelve a los cortos con “Día de pago” (1922) y “El peregrino” (1923), en la que la crítica costumbrista se mezcla con lo social, e ingresa definitivamente al largo con “Una mujer de París” (1923), protagonizada por Edna Purviance, una actriz que lo amó hasta sus últimos días sin que él la incluyera entre sus parejas oficiales.

Lo que sigue es un listado memorable: “La quimera del oro” (1925), “El circo” (1928), “Luces de la ciudad” (1931), “Tiempos modernos” (1936), “El gran dictador” (1940), seguidas después de la guerra por “Monsieur Verdoux” (1947), “Candilejas” (1952), “Un rey en Nueva York” (1957) y “Una condesa de Hong Kong” (1967), con Sophia Loren y Marlon Brando y en la que él sólo aparece en un papel episódico y su única película en colores.

Si bien gozó de idolatría popular en vida y recibió numerosos premios, la vida particular de Chaplin no fue fácil: su madre pasó los últimos años en varios neuropsiquiátricos y él se casó sucesivamente con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O’Neill, con las que tuvo once hijos -ocho con Oona-, lo que derivó en pleitos millonarios, escándalos y otros problemas.

El dramaturgo y Premio Nobel Eugene O’Neill, padre de su última esposa, nunca le perdonó la diferencia de edades, con 36 años a favor de él.

En 1952, mientras filmaba “Candilejas”, estaba en auge la caza del brujas organizada por el senador Joseph McCarthy, que veía comunistas en todas partes, y condenó a mucha gente de Hollywood a la cárcel, la desocupación, el exilio, la delación y otras locuras; entonces Chaplin fue tildado de comunista y debió abandonar Estados Unidos junto a su familia, casi para siempre.

Volvió a ese país en 1972 para recibir un Oscar honorario por la totalidad de su obra y un año después la archifamosa música de “Candilejas” recibió otro premio de la Academia de Hollywood, ya que hasta ese momento y por razones extra comerciales la película no se había proyectado en el condado de Los Ángeles.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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José José, otra ronda de quimios

CDMX.- El Príncipe de la Canción JOSÉ JOSÉ, regresó a la CDMX para enfrentar la segunda etapa de quimioterapias en su lucha contra el cáncer de páncreas que padece desde hace varios meses.
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El intérprete ha respondido favorablemente al tratamiento, a pesar de que llegó en mal estado al Instituto Nacional de Ciencias Médicas y Nutrición Salvador Zubirán, debido a varias enfermedades que ya padecía, ha logrado tener una mejoría en su salud, así dejó ver en algunas entrevistas que realizó después de dar a conocer, que estaba delicado.
El cantante continúa su lucha para vencer la pancreatitis que se le diagnosticó en marzo de este año, es por ello que el intérprete de El Triste, ya arrancó este jueves la segunda etapa de quimioterapias, serán seis más, las cuales se le aplicarán entre junio y julio.
Confía en lo que los médicos le han señalado y si­gue en un tratamiento que lo ha hecho subir un poco de pe­so, pues en el primer trimestre del año se encontraba apenas en 58 kilogramos.
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De las recomendaciones que tuvo fue rehabilitación y fisioterapia en casa, lo que le ha dado un buen desempeño físico, además de sus citas en el Instituto de Nutrición, esporádica­mente asiste a sesiones con el psiquiatra, pues también se le diagnosticó depresión, además tiene un tratamiento especial con el odontólogo.
CON INFORMACIÓN DE ANSA
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