Expo-homenaje “Fellini 100 Genio inmortal” en el centenario de su natalicio

ROMA.Fellini 100 Genio inmortal. La muestra, será la exposición de homenaje al gran soñador del cine, que sabía contar historias y anticipar con su herencia el futuro, un artista capaz de representar en sus visiones las ilusiones, las caídas y las victorias de todo un país, se presentó en Roma.

FELLINI, el realizador que supo mantener el precioso don de jugar y asombrarse, será celebrado con varias iniciativas durante todo 2020, y hasta 2021, por el centenario de su nacimiento, ocurrido en Rimini el 20 de enero de 1920.

Las iniciativas, como la muestra presentada, se reúnen bajo la etiqueta Fellini 100, con un logo firmado por Paolo Virzí. Fueron realizadas en conjunto por el Ministerio de Bienes Culturales, la Región Emilia Romagna, el Ministerio de Exteriores, el municipio de Rimini, el Centro Experimental de Cinematografía, la Cineteca de Bolonia, el Instituto Luce y el Museo del Cine de Turín.

Las celebraciones comenzarán el 14 de diciembre con la apertura de la muestra, que estará abierta hasta el 15 de marzo en Castel Sismondo.

Luego seguirán meses de eventos, clases magistrales, encuentros -en Italia y en Institutos de Cultura Italianos en el exterior- hasta la gran cita de diciembre de 2020 con la apertura del Museo Internacional Federico Fellini, siempre en Rimini, un proyecto ambicioso que quiere reflejar toda la complejidad de la figura felliniana.

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Ambas iniciativas, curadas por Marco Bertozzi y Anna Villari, y proyectadas por Studio Azzurro, conjugan la poesía felliniana con la tecnología más moderna, apuntando a un involucramiento total -físico y mental- del visitante.

Partiendo de la frase felliniana “Todo se imagina”, la muestra (que será itinerante, porque en abril está programada en el Palazzo Venezia de Roma, para ir luego a Los Angeles, Moscú y Berlín) reconstruye el universo del gran maestro rotando en torno a tres núcleos temáticos.

Se trata de la historia de Italia, desde los años 20 hasta los 80, contada a través de películas; los compañeros de viaje de Fellini, reales e imaginarios (incluyendo a Tonino Delli Colli, Giuseppe Rotunno, Tonino Guerra, Nino Rota); y el proyecto el museo, que tendrá en Castel Sismondo una de sus sedes.

Entre los materiales presentes en el recorrido, junto a películas, diseños, trajes, partituras, objetos de escena, cartas y fotos, habrá asimismo documentos inéditos, como el primer guion de Amarcord, llamado inicialmente Il borgo, y el guion de Ocho y medio propiedad de Lina Wertmuller, que en esa película fue asistente de dirección de Fellini.

El montaje de la muestra permitirá al espectador “entrar en muchos sets diferentes, para vivir diferentes experiencias empezando precisamente por la taquilla del cine. Luego se sigue cruzando los umbrales de luz que marcan el ingreso al mundo imaginario cinematográfico”, dijo Leonardo Sangiorgi, de Studio Azzurro.

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Entre los puntos salientes a lo largo del recorrido, también el mar y la niebla de Rimini, así como su amado cine Fulgor, donde Fellini vio sus primeras películas, y la línea del tiempo con los 100 años del realizador en 30 fotos emblemáticas.

El museo será también un triunfo para la tecnología, con una experiencia totalmente inmersiva entre pantallas “líquidas” y la sala de la niebla, evocando las escenas más famosas de las películas.

Además de Castel Sismondo, la estructura se extenderá a Palazzo Valloni y la Piazza dei Sogni, una gran área urbana con un recorrido de instalaciones y escenografías fellinianas.

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“Vincent, girasoles contra el mundo”, el Van Gogh de Mario Iván Martínez

El mayor reconocimiento que obtuvo MARIO IVÁN MARTÍNEZ en su estreno teatral VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO, aparte de la ovación del público que abarrotó el Teatro Helénico, fue la presencia de los actores Héctor Bonilla e Ignacio López Tarso, quien tuvo para el actor una deferencia nunca antes escuchada: “Te admiro Mario… Mario Iván…Te tengo envidia…pura…clara, pero con envidia”.

Para López Tarso, el Van Gogh de Mario Iván Martínez, “es un Van Gogh perfecto, aplaudo y admiro mucho más tus caracterizaciones interiores, lo que sostiene a un personaje”.

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VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO es un deleite teatral, con un montaje escénico creativo, es el proyecto de vida que le llevó a Mario Iván Martínez, junto con su directora Luly Rede, y la producción de Paul Comadurán y Fernando Memije, con la escenografía e iluminación a cargo de Xóchitl González, tres años de ardua investigación, inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental Vincent, pinceladas de un genio de Peter Knaapp y Francois Bertrand, producido por el museo de Orsay, el museo Van Gogh y el Centro Cultural Tijuana.

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Para enriquecer su trabajo, el actor -quien dedicó esta puesta en escena a su madre Margarita Isabel (1914-2017), visitó el año pasado Francia, Holanda e Inglaterra, en lugares donde el célebre pintor realizara la mayor parte de su proceso creativo.

La obra se aleja del mito, acercando al público al hombre con sus virtudes y flaquezas, con sus obsesiones e inagotable inquietud poética, así como la relación intrínseca con su hermano Teo, con el que mantuvo comunicación a través de más de 600 cartas.

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Para Mario Iván Martínez, “Van Gogh no vivió lo suficiente para ver reconocido su talento, pero tampoco habría podido soñar que se convertiría en una fuente de inspiración para posteriores generaciones artistas. Vincent quiso exorcizar el dolor a través de su arte; la pintura fue el impulso vital que le garantizó la redención y su historia es digna de ser contada”.

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UNA FRASE:

“No vivo para mí mismo , sino para la generación venidera. Puedo existir sin el buen Señor, pero no puedo, sin torturarme, dejar de lado algo más grande que yo, que es mi vida, la capacidad de crear”.

REPARTO:

Mario Iván Martínez, Paula Comadurán, Fernando Memije, Luly Rede, Paula Comadurán, y Fernando Memije.

DIRECCIÓN: Luly Rede.

TEMPORADA: Hasta el 23 de septiembre, Teatro Helénico.

FOTOS: Lourdes Córdoba

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Diez años sin Michael Jackson, del auge a la caída estrepitosa del ídolo del pop

LOS ÁNGELES.- Este martes se cumplirán diez años del fallecimiento de MICHAEL JACKSON, una oportunidad para recordar uno de los eventos más dramáticos del auge y caída de la historia del espectáculo. Uno de los genios absolutos del pop, el increíble bailarín que cambió el rumbo de la danza, el Peter Pan que no quería ser negro, se hundió en un vórtice fangoso de pesadillas de depredadores sexuales de niños.

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En la era Metoo, nadie se atreve a celebrar sus hazañas en el décimo aniversario de su muerte: ni siquiera su amigo, mentor y productor Quincy Jones ha realizado un concierto programado en Londres para celebrar a Jackson en un tributo genérico a la música de cine.

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Las grandes redes estadounidenses no tienen nada en el programa, se habla de un musical en Broadway para el próximo año, pero se dice que la producción está en problemas.

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Desde el punto de vista legal, Michael Jackson había sido absuelto de las acusaciones de pedofilia: los juicios habían comenzado en 1993, la absolución es de 2003, en el centro hay muchos acuerdos extrajudiciales. Pero el documental Leaving Neverland (Neverland fue el nombre de su infame Ranch-playground) con los testimonios de aquellos que formaron parte de la gira de “jóvenes amigos” de Michael. Incluso los detalles de su muerte dan la señal de un desastre existencial: Jackson murió porque su médico personal le administró el anestésico quirúrgico al que era adicto a pesar de que ya había tomado una cantidad considerable de drogas poderosas. Fue en estas condiciones que intentó enfrentar su regreso a la escena: solo mire “.

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¿Hay espacio en esta pintura para recordar la música? Michael Jackson fue el rey del pop, dejó tres álbumes inmortales como Off The Wall, Thriller y Bad, fenómenos comerciales de la historia de la música grabada, un icono que ha cruzado las fronteras musicales.

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Sus funerales fueron vistos en televisión por una gran audiencia en los cuatro rincones del mundo. Y en este momento, cuando el biopic nostálgico es una tendencia en el cine, los mil millones de dólares recaudados por Bohemian Rapsody ha demostrado que la tendencia puede ser muy rica: los 80 están listos para ser explotados. Y en algunos aspectos, los 80 fueron Michael Jackson y no solo por esa formidable trilogía negra y pop: solo piensen en los exitosos videoclips de Thriller y Bad.

Y aquí está el punto: hay dos generaciones que crecieron con esa música, millones de bailarines, tanto profesionales como no, que bailan imitando a Michael Jackson. Y luego están aquellos que, como niños, han estado en el letón o en el baño con Michael y los niños de hoy, quienes también tendrán que explicar que él fue el genio de Thriller.

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CON LETRA GRANDE: “100% CEREBRO”

¿Qué hay en nuestra cabeza? El funcionamiento del cerebro es de un entramado fascinantes y aún bastante incomprendido, de que el libro 100% CEREBRO (Ediciones B, 242 páginas), escrito por PEDRO BEKINSCHTEIN, doctor en Biología por la Universidad de Buenos Aires y con un posdoctorado en la Universidad de Cambridge, ofrece todo el conocimiento del que se dispone sobre el “órgano rockstar” de una manera profunda y accesible, poniendo de manifiesto la gran cantidad de procesos y de aspectos que gobierna en nuestras vidas.

Con una introducción que dice al calce Sin cerebro no existe el mundo, este libro está estructurado en siete capítulos (Neurocerebro, Neurogenes, Neurocultura, Neurotodos, neurotodas y neurotodxs; De que neurolado estás, Neurociencia Ficción, y Neuropasado, Neuropresente y Neurofuturo.

En su Neuroadvertencia (SIC), Bekinschtein, anota: “No soy médico, no soy psicólogo ni psicopedagogo. Sí soy doctor, pero de esos que no curan. O sea, tengo un doctorado no habilitante para diagnosticar ni recetar absolutamente nada. 1000% Cerebro está destino a divulgar caprichosamente cierta información que los científicos guardamos celosamente acerca de este órgano rockstar llamado cerebro.

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“Las palabras de este libro deberían tener un destino que ayude a alguien a sonar interesante en una conversación de bar con amigos o hacerse el canchero en una primera, segunda, tercera o por qué no, una cuarta cita. También, a reconquistar a una persona que los dejó por aburridos o ignorantes. Además espero que los hagan reflexionar un poco acerca de la importancia de la ciencia, de los descubrimientos científicos y de la poca atención que la sociedad les presta a los nerds.

Pero de ninguna manera deberá el lector utilizar este libro para autodiagnosticarse y automedicarse y mucho menos para diagnosticar y medicar  a otros en lugar de consultar con un especialista. Y no hablo de un especialista en literatura, sino en salud mental”.

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FRASES:

“Señora, su hijo nació sin hemisferio izquierdo, seguramente cuando crezca será creativo publicitario. Lo lamento mucho”. Dicho en una sala de parto del Hospital de Cerebros Quemados.

“La memoria autobiográfica es como un documental ficcionado de la vida que cambia su guió a cada instante”. Futuro proverbio de las redes sociales.

“Djio que nunca me olvidaría. A continuación abrió su cráneo y echó ácido en su cabeza”. Del libro Gente Intensa, del antropólogo Horacio D. Mente.

EN REDES:

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500 horas de imágenes inéditas contiene el documental sobre Maradona en Cannes

CANNES. – Un documental sobre los emocionantes años que el exfutbolista argentino DIEGO MARADONA jugó en el club italiano Napoli se estrenó este día en el Festival de Cannes y cautivó tanto a críticos como al público.

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DIEGO MARADONA es el simple y contundente título elegido por el realizador británico Asif Kapadia, ganador de un Oscar, para este film, que incluye dos “scudetti” y la victoria de la Copa del Mundo de 1986 de la selección nacional de futbol de Argentina. La película está basada en 500 horas de imágenes nunca antes vistas, tomadas por dos camarógrafos que lo siguieron en su carrera en Nápoles como “nuevo gladiador”, dijo el cineasta.

“Frente a algunos de sus goles, la gente dijo ‘Maradona no los anotó, Dios lo hizo'”, dijo hoy Kapadia en conferencia de prensa.

El documental inicia el 5 de julio de 1984, cuando Napoli compró a Maradona arriesgando la bancarrota y continúa con los dos gloriosos títulos de la serie en 1987 y 1990.

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También, da cuenta de lucha del futbolista contra la cocaína, sus relaciones con la Camorra, los hijos nacidos fuera de su matrimonio con Claudia Villafañe y una serie de escándalos, con escuchas telefónicas y prostitutas.

La película culmina con la “noche de los errores”, cuando Maradona llevó a Argentina a superar a Italia en las semifinales de la Copa del Mundo 1990 en el estado San Paolo de Nápoles, con la mayoría de los fanáticos napolitanos alentando al Pibe de Oro en lugar de a los jugadores de su país.

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“Mujeres de Picasso”, siempre sì en NY

NUEVA YORK.- A pesar de las controversias desatadas por el movimiento #MeToo, que el año pasado definió al maestro del cubismo como un “paciente misógino”, las mujeres de Pablo Picasso se destacaron en Nueva York.

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Una gran exposición, De Fernande a Jacqueline, presenta obras de Gagosian en Madison Avenue 35 inspiradas en sus musas. Pinturas, dibujos y esculturas dan testimonio del “papel central” interpretado por Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Francoise Gilot, Sylvette David y Jacqueline Roque en la vida de Picasso, explicò la galería.

La exposición se organizó en colaboración con los herederos del artista para honrar la memoria del historiador británico de arte John Richardson, biógrafo de Picasso, quien falleció en marzo a los 95 años. Cuando una mujer entró en la vida de Picasso, todo cambió: arte, hogar, poesía, incluso el perro, una vez confiada a Richardson Dora Maar. La exposición de Nueva York, abierta hasta el 22 de junio, es una de las tres organizadas en los últimos meses sobre las mujeres de Picasso: en junio, Dora Maar y Olga Khokhlova serán objeto de exposiciones separadas en el Centro Pompidou de París (del 5 de junio al 29 de julio). ) y en el CaixaForum en Madrid del 19 de junio al 22 de septiembre.

En Gagosian hay piezas famosas, como la pintura “El sueño” de 1932 que el magnate del casino Steve Wynn dañó con el codo en la víspera de la venta: representa a Marie-Thérèse dormida y fue prestada por el financiero Steve Cohen, quien en 2013 le pagó Wynn $ 155 millones, mucho menos que el precio acordado antes del daño. La relación entre Picasso y sus mujeres ha llevado a revisar su legado a la luz del movimiento #MeToo.

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En noviembre pasado, en un acto de “arte guerrillero”, Michelle Hartney publicó una leyenda al lado de “The Dreamer” de 1932 en el Metropolitan de Nueva York, en la que condenó a Picasso por “la enfermedad mental de la misoginia” y lo criticó por iniciar el Relación con Walther cuando solo tenía 17 años.

“No eran simplemente musas silenciosas”, respondió Gagosian, anticipando las controversias: “Fernande y Francoise publicaron libros de memorias; Olga y Marie-Thérèse guardaron vastos archivos de fotos y cartas durante décadas; Dora dio entrevistas a historiadores del arte y documentó La vida de Picasso con sus fotografías. Las mujeres de Picasso son indispensables para comprender al artista y su obra “.

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El genio de Fellini en magna exposición

PADUA – Shakespeare escribió: “somos parte del asunto de los sueños” y Federico Fellini es uno de sus mejores ejemplos. El director, dibujante, poeta, el hombre que a su esposa Giulietta Masina antes de ser operado, en 1993, el año del Oscar, dejó una carta en la mesita de noche en el hospital con la frase inicial: “Todavía un beso antes de ir a dormir”.

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FELLINI fue un artista de la imagen donde la realidad, las mil caras de la realidad, se convierten en visión de sueño y viceversa.

La carta a su esposa, protagonista de películas como La Strada, Giulietta degli spiriti o Ginger and Fred, con otro compañero de viaje en el campo del séptimo arte como Marcello Mastroianni, es una de las muchas piezas significativas que integra la exposición en Padua, desde esta día y hasta el 1 de septiembre (catálogo de Skira), dedicada a Fellini, el genio del cine nacido en Rimini el 20 de enero de 1920 y fallecido el 31 de octubre de 1993 en Roma, después de un ataque cerebral unos meses antes en su ciudad natal.

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La exposición, comisariada por Vincenzo Mollica, Alessandro Nicosia y Francesca Fabbri Fellini, y organizada por el Departamento de Cultura y con la colaboración de Rai y Rai Teche, titulada HACIA EL CENTENARIO. FEDERICO FELLINI. 1920-2020, comienza las celebraciones que recordarán los cien años transcurridos desde el nacimiento del director. 

Una exposición destinada no solo a rendir homenaje a uno de los protagonistas más conocidos del mundo del cine italiano, ganador de cinco Premios Oscar, para mostrar a través de los diversos signos de su obra, incluidas muchas obras inéditas, la complejidad humana y cultural, sino también para dar a conocer su trabajo a las nuevas generaciones con la esperanza de que una vez que salgan todos “tienen el deseo de ir a casa y ver una película propia”, como dice su sobrina Francesca.

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El itinerario de la exposición abarca desde imágenes de la familia en Rimini hasta documentos de principios de la década de 1940 en Roma para revistas de teatro o comedias de radio, ahora con Marcello Marchesi, como “Primer trabajo”, ahora con Ruggero Maccari. Luego el cine es el maestro, con los documentos en Sceicco Bianco de 1952, con la escritura de la carta de Alberto Sordi o el plan de trabajo, el guión de Dolce vita de 1960, los contratos de Mastroianni y Anita Ekberg, las cartas de protesta de las asociaciones católicas contra la proyección de la película, los carteles de las muchas obras maestras, 8 1/2 o Amacord, la cabeza en papel maché de Satyricon, el modelo de “La nave va”, los papeles Salida de los archivos ministeriales de “revisiones preventivas”.

Están los trajes de Casanova, historia veneciana con Donald Sutherland; solo los recuerdos transmitidos en el monitor de quienes trabajaron con él, como Tonino Guerra. Hay casi 200 de los dibujos que Fellini ha creado durante su vida para dar cuerpo a sus personajes, sus fantasías, incluso eróticas en la eterna confrontación entre el hombre y la mujer: se titula una habitación “prohibida a los menores”.

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 “Lo que sé, dijo Fellini, es que quiero contarlo. Francamente parece ser el único juego que vale la pena jugar”.

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“El genio” en el nuevo trailer de Aladdin

LOS ÁNGELES.- Durante los premios Grammys 2019 se lanzó un nuevo trailer de la película Live Action de Aladdin y mostró lo que todos querían ver, el Genio interpretado por Will Smith.

El primer teaser del film, que se estrenará en mayo de 2019, había dejado afuera a este personaje central, pero el misterio finalmente se develó. “¿De verdad no sabés quién soy? Genios, deseos, lámparas… ¿Nada de eso te suena?”, le dice Smith a Aladdin.

Aquí puedes ver el tráiler de “Aladino” de Disney

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25 años sin Federico Fellini, genio del arte

ROMA.- El fallecimiento de Federico Fellini hace 25 años, tras dolorosos meses de hospitalización en una clínica de Roma, el 31 de octubre de 1993, dejó un vacío no solamente en la historia del cine, sino en una idea del arte ligada a los genios multiformes de la creación en estado puro.

A la par de talentos como Pablo Picasso, Andy Warhol o Ingmar Bergman, Fellini descolló con su estilo, el realismo fantástico, no tanto como un modo de representación cinematográfico sino como una visión del mundo, con una dimensión casi circense del set de filmación, expresión y modelo de una sociedad. Una densidad particular tuvieron sus guiones concebidos muchas veces con literatos como Ennio Flaiano, Bernardino Zapponi, Tonino Guerra y Tullio Pinelli.

Nacido en Rímini el 20 de enero de 1920 mantuvo una carrera que rozó lo onírico y la indagación junguiana de la psiquis.

El arco expresivo de Fellini recorrió desde la tierna ingenuidad de la adolescencia, a la representación de los últimos como depositarios de la felicidad, en “La Strada” (1954); de la provincia como lugar del encanto, en “I vitelloni” (1953), al monstruo de las metrópolis, en “La dolce vita” (1960); de la irrupción del inconciente, en “Ocho y medio” (1963), hasta el largo y doloroso viaje por la memoria y el arquetipo en la última parte de su carrera con obras como “Satyricon” (1969) y “Amarcord” (1973). Para llegar al canto final de la soledad de los poetas con “La voz de la Luna” filmada en 1990.

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El hilo conductor que conecta a todas estas fases expresivas es el circo como parábola de la ficción y de la representación, pero es en verdad el sueño, como espejo de la vida, el que vuelve a Fellini un artista absoluto, el único capaz de ver al mundo a través de un filtro tan personal como universal. Su impronta sobre el cine internacional resultó tan fuerte como para impulsar a una generación entera de directores estadounidenses a mirarse en su espejo y volverlo un ícono o modelo a seguir más o menos declarado. Paul Mazursky hizo de su “Alex in Wonderland” (“El mundo de Alex de 1970) una cita explícita de la relación entre vida y cine que copió de Fellini. Martin Scorsese diseñó a sus antihéroes de “Mean Streets” (“Calles salvajes”, de 1973) teniendo presente la estructura por un lado de “Los inútiles”, con el sustrato católico de la Italia provinciana y por otro, el monstruo metropolitano la “Roma” estrenada el año anterior. “Adaptation” (“El ladrón de orquídeas, de 2002) y “Quieres ser John Malkovich” (1999), de la dupla formada por Spike Jonze y Charlie Kaufman, son homenajes explícitos al surrealismo visionario que ambos directores leyeron en el imaginario felliniano, en especial en “Ocho y medio”.

Vincent Minnelli le pagó su tributo en la representación de la ciudad eterna de “Nina” (1976), mientras que Woody Allen se alineó con trabajos como “Stardust Memories” (1980) en el uso del psicoanálisis como fotografía del yo escindido y Rob Marshall en “Nine” (2009) tomó un éxito de Broadway para recrear un sueño circense a medias entre “Ocho y medio” y “Los Clowns” (1970).
 

Pero fue Bob Fosse el verdadero heredero y cómplice de Fellini más allá del Atlántico entre “Sweet Charity” (1969) que mira a “Giulietta de los espíritus” (1965), o “Cabaret” (1972) que recupera el eco de “La dolce vita” y una obra maestra como “All that Jazz” (1979), un tributo felliniano en clave musical. Como con justicia señaló acertadamente el historiador estadounidense Peter Bondanella las influencias de este tipo de cosmogonía interior también se sintieron en Europa.

Bergman más de una vez admitió mirarse en el espejo de la trayectoria, tan distinta como paralela, de su amigo Federico. Y Francois Truffaut en “Noche americana” (1973) filmó su respuesta a “Ocho y medio”, haciendo el set como simulación de la vida.

En Gran Bretaña, Fellini encontró a un intérprete personal en Peter Greenaway entre la cita en “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante”(1989) y el explícito homenaje de “Ocho mujeres y media” (1999). Mientras que, y no parece una paradoja, el danés Lars von Trier es quien detectó la crueldad secreta del último Fellini en su representación de un mundo en decadencia que extravió coordenadas y parece perder humanidad.

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Fellini se mantuvo cerca de Rossellini desde el comienzo del neorrealismo, pero luego se acercó a Alberto Lattuada en su debut como director de “Luces de Variedades”(1951).
Encontró en Lina Wertmuller a una compañera de camino fiel desde “Los basiliscos” que en 1963 refiere en “Los inútiles” de 10 años antes y luego en el deslumbrante realismo de “Pasqualino Siete Bellezas” (1977). Tuvo en Giuseppe Tornatore a un admirador más distanciado, aunque las semejanzas entre “Cinema Paradiso” (1988) y “Amarcord” son deseadas. Y contó con dos herederos similares y opuestos en Matteo Garrone con su nostálgica “Pinocho” en plan de rodaje y Paolo Sorrentino con “La Gran Belleza” (2013) que se manifestó explícito continuador de su modelo.

Por lo demás, Sorrentino se llena de homenajes a Fellini en “Youth” (2015) y “Loro” (2018), en la clave del realismo grotesco que caracterizó al director de “La ciudad de las mujeres” (1980).

Pero el dilema permanece sin resolverse: Fellini se puede citar, se puede ciertamente imitar, pero es casi imposible reproducirlo en su plenitud más allá del cine. Para un director “normal” no resulta fácil acercarse a un genio único y hacer propia su experiencia, más interior que estética.

Fellini fue Italia y el país se reflejó en sus sueños y sus pesadillas. Ettore Scola le hizo el más bello de los homenajes, “Qué extraño llamarse Federico” (2013), y afirmó que con su muerte se corrió un telón, a través del cual hoy solamente se filtran pálidos destellos. 

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Ingmar Bergman, centenario

ROMA.- Cien años atrás se encendía la luz de Upsala, aquél resplandor de arte puro, de humanas contradicciones, de intuición formidable en la oscuridad del alma humana que hoy reconocemos en INGMAR BERGMAN.

Cien años del nacimiento (14 de julio de 1918), pocas semanas de la muerte (el 30 de julio de 2007), el mismo día que Michelangelo Antonioni, burla de un destino indiferente que hizo que cada uno robase espacio al otro en la gloria póstuma.

Del Festival de Cannes al “Cinema Ritrovato” de Bolonia los momentos dedicados a la memoria de Bergman, mientras se multiplican cada día y ya con dos filmes (uno rubricado por Margarethe Von Trotta) suscitan discusiones, reflexiones, elogios.

Y luego los casi previsibles homenajes al genio, y cada vez retorna la pregunta que acompaña siempre la memoria de los grandes artistas: qué deja su obra, dónde se encuentran los fragmentos de aquella luz cegadora que se traduce en obras maestras perfectas como “Fresas salvajes”, “El séptimo sello”, la “Trilogía del Silencio”, “Gritos y Susurros”, “Fanny y Alexander”.

La primera respuesta obvia llevar a observar a Woody Allen, que del mito de Bergman estuvo siempre obsesionado, hasta cambiar sus figuras estilísticas abandonando siempre más a menudo la elegancia de la comedia de conversación para elegir la vía de la introspección psicoanalítica con títulos como “Hannah y sus hermanas”, “Crimen y Misterio”, “Otra Mujer”, “Esposas y Maridos”.

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El segundo aliciente no habla de heredad, pero sí de consonancia astral, aquella sintonía entre estrellas lejanas e inexorablemente atraídas que por toda la vida influenció a Fellini en su diálogo silencioso con Bergman, tanto que por un breve momento los dos hicieron hasta amago de proyectar un filme a dos voces.

Más sorprendente -lo confiesa Olivier Assayas a Von Trotta – es la impronta bergmaniana sobre la Nouvelle Vague, aquella sensibilidad a los secretos del alma femenina que se encuentra en el primer Rohmer, en las obras más sinceras de Francois Truffaut, en el cine de Francois Ozon y del propio Assayas (“Sills Maria”).

Y los arroyuelos de esta inexhausta investigación ética y religiosa se insinúan, en los años ’70, también en la obra del alemán Fassbinder y en las reflexiones estéticas de Alexander Kluge. Más superficiales los giros del cine norteamericano que descubre el psicoanálisis, en la nueva onda del cine rumano (Christian Mungiu realizó desde el comienzo de su profesar la fe bergmaniana).

La barrera de la formación luterana y el magisterio de Strindberg e Ibsen mantienen lejos a Bergman de las raíces del cine italiano así como, por paradoja, limitan su influencia en el cine escandinavo que, Liv Ullman aparte, busca la distancia del maestro inalcanzable.

A cien años del nacimiento puede expresarse que nadie puede decirse, con total certeza, distante de Bergman: porque ninguno como él supo indagar el alma femenina, pues ningún otro ha sabido trasladar el psicoanálisis de experiencia abstracta al inconciente con una visibilidad lacerante, porque su idea del cine como espacio cerrado en el que se mueven y toman forma los sentimientos y las pasiones es auténtica arquitectura de la imagen.

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Esto es y quizás es
menos conocida la pasión omnívora del espectador Ingmar hacia el cine del mundo.

En su videoteca personal Sokurov se hallaba junto a “Pretty Woman”, el cine mudo de sus maestros Molander y Sjoberg se entrecruzaba con las comedidas musicales de Jacques Demy, Polansky (por él amadísimo y otro heredero de sus pasiones secretas) estaba junto a Kubrick y Sergio Leone.

Acaso el único elemento del cine de Bergman que halla pocos equivalentes en el cine de hoy es el sentido del encuadre que compartía con John Ford. En su idea de la imagen, el espacio es aquello diseñado por el artista, un cuadro perfecto en el cual inscribir los movimientos de los personajes que no tienen necesidad de “sentir” la cámara de cine para dar cuerpo a sueños, pesadillas, confesiones y palabras.

Una vez, Max von Sydow, uno de sus grandes intérpretes, dijo de Bergman: “Cuando estamos en el set el ojo de Ingmar nos escudriña como un entomólogo. Entre nosotros solo una lente y dentro de la exposición nos movemos como bacterias enloquecidas hasta descubrir la verdad descarnada de nuestra alma. Por ello Bergman no tiene necesidad de palabras, le sirve simplemente suscitar la verdad no osamos confesar”. Una técnica que, paradoja, pertenece a un cineasta de la verdad y de la ficción absoluta como Lars von Trier.

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POR Giorgio Gosetti / ANSA

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PELÉ, aquel jovencito menor de 17 años que llorara al ganar el campeonato del mundo en Suecia, en 1958, ha sido el más grande futbolista de todos los tiempos, con un tricampeonato de FIFA y una carrera en la que rebasó la cifra mágica de mil goles tanto en la Selección brasileña como en el único equipo con el que jugó toda su vida: Santos.

PELÉ: EL ÚLTIMO SHOW, un recuerdo al Rey del futbol, al hombre que deleitó a millones de personas con su don inigualable en una cancha. Ver para creer.

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