Casting de automóviles en la novena de “Rápidos y Furiosos”

LOS ANGELES.- Contadas películas piden tanto ser vistas en una sala de cine como las de la saga RÁPIDOS Y FURIOSOS. La novena entrega aspira a convertirse en uno de los acontecimientos cinéfilos de la temporada veraniega.

Y cuando se pensaba que se había visto todo VIN DIESEL revela que también hacen audiciones para los autos que utilizan en las películas de RÁPIDOS Y FURIOSOS. El éxito de la franquicia alrededor del mundo es innegable, inclusive nos hemos acostumbrado a ver cómo la taquilla explota cada vez que una nueva entrega llega a salas, lo cual podría volver  a suceder con RÁPIDOS Y FURIOSOS al apostar por una alocada historia que lleve a los protagonistas al espacio. 

Es habitual escuchar sobre los procesos de audición que se llevan a cabo para encontrar el reparto idóneo en cada película. Algunos actores envían videos caseros a los productores y directores, otros más leen sus líneas de manera presencial y esperan semanas para saber si se hicieron del personaje. ¿Te imaginas un automóvil haciendo una de estas pruebas para ser conducido por Roman (Tyrese Gibsono Letty ( Michelle Rodriguez)? Por inusual que parezca, Diesel lo confirmó en entrevista con Uproxx.

No sólo se trata de cuántos caballos de fuerza tienen en su interior o la belleza del diseño con marcadas líneas aerodinámicas, el secreto detrás de cada uno de los autos protagonistas que hemos visto en todas las producciones de esta saga va de acuerdo con el personaje que entrará por sus puertas. Por esta razón han asociado a Dominic (Diesel) como un sujeto rudo e intimidante, por lo que siempre lo vemos conduciendo algún tipo de muscle car o al menos un modelo de potencia desbordante, sí… de acuerdo a su personalidad. El planteamiento de la producción que busca un vehículo según las características de su conductor es realmente práctico y termina por mantener contenta a su enorme base de seguidores.

El 2 de julio será cuando el blockbuster invite al regreso masivo del público a las salas. Y para celebrarlo, nadie mejor que Vin Diesel, que ha lanzado un vídeo invitando a los espectadores a volver al cine y lo hace en un esmerado español.

Sin duda, el actor es consciente de la repercusión internacional de la franquicia y no ha dudado a atreverse a hablar en español para invitar a todo el público de habla hispana -el segundo idioma más hablado del mundo- a disfrutar tanto de Fast & Furious 9 como de la experiencia cinematográfica en sí.

“Por más de 100 años, ha habido un lugar donde nos juntamos para entretenernos: el cine. Después de estar separados por tanto tiempo, es hora de volver a estar juntos, para reír, para aplaudir”, comienza a narrar Diesel, quien añade que el reparto está más que listo para “hacerle disfrutar” de nuevo al público.

“Nadie vuelve como las películas. Nos vemos pronto”, continúa en un clip cargado de espectaculares y pirotécnicas escenas de acción de la nueva entrega de la saga.

Todo un gesto del gran Dom Toretto, que muestra su compromiso tanto con el público como con los exhibidores. No hay mejor manera que calentar motores.

Fast & Furious es una de las sagas cinematográficas más exitosas del mundo, con más de 5.000 millones de dólares recaudados en taquilla y que, justamente, en este 2021, está de aniversario, puesto que se cumplen 20 años del lanzamiento de la primera entrega.

Junto con Diesel, vuelve la familia Fast, con el regreso de Michelle Rodríguez, Tyrese Gibson, Chris Ludacris Bridges, Jordana Brewster, Nathalie Emmanuel y Sung Kang; además del retorno de Justin Lin como director. Además, también estarán Charlize Theron, Helen Mirren y la incorporación de John Cena como el hermano perdido de Dom y el temible villano de esta novena entrega.

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El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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China impone murallas al Oscar y a Zhao con poder y contra la cultura

PEKIN.– La República Popular China suspendió de manera indefinida la trasmisión de la ceremonia de los Oscar. Fue una decisión política más que cultural. En los países de partido único la cultura es manejada desde las esferas de poder. Esto no es nuevo. Pero aquí no habrá referencia directa a esta forma peculiar de trabajo cultural.

Una directora china, formada en Londres y radicada en los Estados Unidos, acaba de ganar el premio Oscar a la Mejor Película. Se llama Cloe Zhao, tiene 39 años y es reconocida como una de las cineastas más destacadas y talentosas de los últimos años.

Nacida en Pekín, su padre fue un exitoso ejecutivo del acero y su madrastra lo era la conocida actriz de comedia china Song Dandan.

Zhao abandonó su país natal a los 14 años. A mediados de 1990 se fue a vivir a Inglaterra para estudiar en Brighton, a pesar de que hablaba el idioma inglés con suma dificultad.

Pero a ella le encantaban los desafíos. Triunfó en un país diferente, en una cultura diferente por su manera de entender y hacer suyas las esferas del saber. Era brillante y muy pronto el idioma inglés no fue un obstáculo.

Después de Brighton, se fue a los Estados Unidos, país donde estudió Ciencias Políticas en Massachusetts antes de mudarse a Nueva York, en 2010. Una vez radicada en la Ciudad de los Rascacielos, se integró al posgrado de cine de la Tisch School of the Arts de Nueva York, cuyo director artístico era Spike Lee.

Aquel fue un momento crucial. Comenzó su primer largometraje Songs My Brothers Taught Me, una historia de transición a la adultez filmada en una reserva de nativos norteamericanos en Dakota del Sur, con actores no profesionales.

En medio de la filmación conoció a un jinete de rodeo llamado Brady Jandreau y decidió armar su próxima película en torno a él.

The Rider, estrenada en 2017 (y donde el padre de Zhao figura como Productor Ejecutivo), cuenta la historia de un joven llamado Brady que trata de vivir con las secuelas de un grave accidente de rodeo.

El filme fue elegido como mejor película del año por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de EE. UU. y del programa de cine de BBC Radio 4.

The Rider refinó su sello distintivo, su “art poética” en el cine de estilo neorrealista: elegir personas que no son actores para contar un drama personal emotivo y conmovedor en una forma de realidad ficticia, filmada por lo general en espacios abiertos bañados por la luz dorada del sol y con un entramado social de trasfondo.

Siempre se ha sentido como una extraña. Por eso la atraen personas de la periferia con estilos no convencionales, como los que viven en camionetas y cuyas vidas transitorias, impredecibles pero a menudo libres se documentaron en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de Jessica Bruder adaptado al cine y piedra angular de su filme.

Ese detalle la llevó a conocer la vida de muchos personajes y eligió a algunos para que interpretaran versiones de sí mismos, junto a la protagonista principal Fern, un papel ficticio interpretado por la actriz Frances McDormand.

Nomadland sonó como la gran ganadora del Oscar desde septiembre pasado, cuando se convirtió en la primera cinta en obtener los principales premios en los festivales de cine de Toronto y Venecia. La directora se convirtió en una de los cineastas más famosas de Hollywood.

Su próximo film anunciado se titula Eternals, donde usará voces distintivas para recrear una de las famosas historietas de Marvel, sobre superhéroes inmortales con actuaciones de Angelina Jolie, Salma Hayek, Richard Madden y Kumail Nanjiani.

Zhao no oculta su admiración por el Universo Cinematográfico de Marvel desde hace una década. Eternals aunque parte de los personajes que integran la historieta, tendrá su propia visión. Su estrenará en noviembre. Después de eso, trabajará en una versión de Drácula.

Antecedentes en el cine chino

El cine chino es una industria. En el pasado siglo XX unos pocos maestros asiáticos cruzaron las fronteras nacionales. Eran otros tiempos. Todavía el país no era la segunda potencia económica mundial y se permitían ciertas veleidades en busca de celebridades que contribuyeran a romper el aislamiento comercial de la Gran Muralla. La pequeña isla de Taiwán, como nación independiente, ya se estaba posicionando con nombres como Ang Lee, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Lian y Chung Mong-hong, entre muchos otros.

Frente a ellos, China contó también con un equipo cinematográfico de grandes estrellas. Y dos de ellas también lograron la aclamación mundial: Won Kar-Wai (Hong Kong) y Zhang Yimou.

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Won Kar Wai saltó a la fama en 1997 con Happy Together, un drama sobre una relación sentimental en Buenos Aires entre dos jóvenes emigrantes que sobreviven en un ambiente hostil.

Dos grandes actores chinos, Leslie Cheung y Tony Leung son los protagonistas de esta historia de 98 minutos, llena de poesía de pasión. Wong Kar Wai también estuvo al frente de otros filmes inolvidables como Chungking Express, In the mood of love y 2046.

En todas ellas, a diferencia de Cloe Zhao, crecen historias con temas chinos protagonizados por actores chinos. Igual virtud corresponde a ese otro gran maestro oriental que responde al nombre de Zhang Yimou, quien posee una de las más valiosas filmografías del mundo con obras como Sorgo Rojo (1987), Happy Times (1994), Ju Dou ( 1990), La linterna roja (1991), Ni uno menos (1999), El camino a casa (1999) y Flores de la guerra (2011).

Ninguno de estos grandes maestros pudo acariciar la dorada estatuilla que otorga la academia norteamericana. Quien más se acercó fue Zhang Yimou al ser nominado en 1992 por su cinta La linterna roja como Mejor Película de Habla No Inglesa.

Pero no pasó de una simple nominación. Tampoco esa gran actriz llamada Gong Li integró las listas como Mejor Actriz a pesar de su extraordinario trabajo en cintas como Camino a casa.

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Cannes no se da por vencido; del 6 al 17 de julio anuncia su Festival

PARÍS.– Pese a la pandemia, se confirmaron las fechas del FESTIVAL DE CANNES 2021, del 6 al 17 de julio, con la presencia de famosos, estrellas y grandes autores, según Variety.

Luego de la cancelación en el último minuto del año pasado, se está preparando un gran comienzo para Cannes 2021, con Spike Lee como presidente del jurado y la apertura a cargo de la producción ANNETTE, un musical de Leos Carax,con Adam Driver y Marion Cotillard.

Destaca el film Competición oficial, comedia con Antonio Banderas y Penélope Cruz, dirigida por el dúo argentino Mariano Cohn y Gastón Duprat, que podría ser, según Variety, un título de primer nivel (también predicado en el Lido). También está en la carrera Benedetta de Paul Verhoeven con Virginie Efira como una monja lesbiana en la Italia renacentista.

Desde Francia la película en blanco y negro de Jacques Audiard PARIS, 13th DISTRICT, basada en Kipling and Dying del dibujante neoyorquino Adrian Tomine con la historia de cuatro jóvenes amigos, a veces amantes, y a menudo ambos.

Julia Ducournau con TITANE, el drama de terror protagonizado por Vincent Lindon como un padre cuyo hijo reaparece en un aeropuerto después de desaparecer durante diez años; Claire Denis con FEU, con Juliette Binoche como una mujer dividida entre dos hombres, su pareja de toda la vida (Vincent Lindon) y su mejor amiga. También se habla de Mia Hansen-L›ve con BERGMAN ISLAND, melodrama sobrenatural con Mia Wasikowska, Tim Roth y Vicky Krieps, sobre un par de directores estadounidenses que viajan a la isla sueca de Faro para escribir sus respectivas películas, y Emmanuelle Bercot con DE SON VIVANT, un drama que cubre un año en la vida de un enfermo terminal, una madre afligida, un médico y una enfermera , con Catherine Deneuve, Benoît Magimel y Cécile de France.

La selección oficial de este año también podría presumir de WHERE IS ANNE FRANK, un largometraje animado de Ari Folman, cuyo documental Waltz With Bashir debutó en competición en 2008. Folman, a quien se le ha concedido acceso a los archivos de la familia Frank, sigue la historia de Kitty, la amiga ficticia de Ana Frank, que se despierta hoy en Ámsterdam después de un milagro y viaja a través de Europa para averiguar qué le pasó a Anne en los últimos siete meses de su vida.

Otros directores también están bien posicionados para el estreno mundial en Cannes 2021.

Este es el caso de Joachim Trier con LA PEOR PERSONA DEL MUNDO; LA FRACTURE de Catherine Corsini y TOUT S’EST BIEN PASSÉ de Francois Ozon, una película sobre la eutanasia basada en el libro del mismo nombre de Emmanuelle Bernheim, con Sophie Marceau. Algunas películas francesas, señala Variety, serían predicadas para Venecia, en particular LOST ILLUSIONS de Xavier Giannoli, una adaptación del clásico literario de Honoré de Balzac; y EN UNA MEDIA MAÑANA DESPEJADA por Bruno Dumont con Lea Seydoux y Blanche Gardin, sobre un famoso periodista cuya vida fue interrumpida por un extraño accidente automovilístico. La selección oficial del Festival de Cannes se dará a conocer el 27 de mayo.

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Oscar llega a su edición 93 con todas las medidas de seguridad

LOS ÁNGELES.- La expectativa crece y todo está preparado para la 93 edición de la entrega de los premios Oscar, que, debido a la pandemia del coronavirus, este año cambió de fecha y se llevará a cabo bajo estrictas medidas de seguridad sanitarias, y cuya transmisión internacional en vivo, será por ABC, mientras que para México por la señal de TNT y Azteca 7, a partir de las 19:00 horas, con una inusual alfombra roja por !E.

La cita será en el Dolby Theatre y en Union Station, en el downtown de Los Ángeles.

Las y los presentadores, seran: Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle, Bryan Cranston, Laura Dern, Harrison Ford, Regina King, Marlee Matlin, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Brad Pitt, Reese Witherspoon, Renée Zellweger y Zendaya.

Los candidatos de la 93 edición son los siguientes: Mejor Película: The Father, Judas and the Black Messiah, Mank, Minari, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Director: Thomas Vinterberg, Another Round, David Fincher, Mank, Lee Isaac Chung, Minari, Chloe Zhao, Nomadland, Emerald Fennell, Promising Young Woman.

Mejor Actriz Protagónica: Viola Davis, Ma Rainey’s Black Bottom, Andra Day, The United States vs. Billie Holiday, Vanessa Kirby, Pieces Of A Woman, Frances McDormand, Nomadland, Carey Mulligan, Promising Young Woman.

Mejor Actor Protagónico: Riz Ahmed, Sound of Metal, Chadwick Boseman, Ma Rainey’s Black Bottom, Anthony Hopkins, The Father, Gary Oldman, Mank, Steven Yeun, Minari.

Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas And The Black Messiah, Sacha Baron Cohen, The Trial Of The Chicago 7, Leslie Odom Jr., One Night In Miami, Paul Raci, Sound Of Metal, Lakeith Stanfield, Judas And The Black Messiah.

Mejor Actriz de Reparto: Maria Bakalova, Borat Subsequent Moviefilm, Glenn Close, Hillbilly Elegy, Olivia Colman, The Father, Amanda Seyfried, Mank, Yuh-Jung Youn, Minari.

Mejor Fotografía: Judas and the Black Messiah, Mank, News of the World, Nomadland, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Película Internacional: Another Round (Dinamarca), Better Days (Hong Kong), Collective (Rumania), The Man Who Sold His Skin (Túnez), ¿Quo Vadis, Aida? (Bosnia).

Película de Animación: Onward, Over the Moon, A Shaun the Sheep Movie: Armageddon, Soul Wolfwalkers.

Diseño de vestuario: Emma, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Mulan, Pinocchio.

Mejor documental: Collective, Crip Camp he mole agent, My octopus teacher, Time.

Mejor Cortometraje Documental: Colette, A concerto is a conversation, Do not split, Hunger Ward, “A love song for Latasha.

Maquillaje y Peinado: Emma, Hillbilly Elegy, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Pinocchio.

Mejor Canción Original: Husavik, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, Fight For You, Judas and the Black Messiah, lo Sì (Seen), The Life Ahead”, Speak Now, One Night in Miami, Hear My Voice,”The Trial of the Chicago 7.

Diseño de producción: The Father, Ma Rainey’s black bottom, Mank, News of the world, Tenet.

Mejor Edición: The Father, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Guion Original: Judas and the Black Messiah (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas), Minari (Lee Isaac Chung), Promising Young Woman (Emerald Fennell), Sound of metal (Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder), The Trial of the Chicago 7 (Aaron Sorkin).

Mejor Guion Adaptado: Borat Subsequent Moviefilm (Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Erica Rivinoja y Dan Swimer), The Father (Christopher Hampton y Florian Zeller), Nomadland (Chloé Zhao), One Night in Miami (Kemp Powers), The White Tiger (Ramin Bahrani).

Mejores Efectos Especiales: Love and Monsters, The Midnight Sky, Mulan, The One and Only Ivan, Tenet.

Mejor Película Corta de Animación: Burrow, Genius Loci, If Anything Happens I Love You, Opera, Yes People.

Mejor Película Corta de Acción Real: Feeling Through, The Letter Room, The Present, Two Distant Strangers, White Eye.

Mejor Banda Sonora: Da 5 Bloods, Mank, Minari, News of the World.

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De Niro no ve la suya: su divorcio le costaría la mitad de su fortuna

HOLLYWOOD.- La pandemia del coronavirus unida a los problemas económicos que le está acarreando su divorcio de Grace Hightower, ha puesto a la estrella de Hollywood ROBERT DE NIRO en una complicada situación monetaria.

En una audiencia virtual, la abogada del actor pidió a la corte que se desestime el acuerdo prenupcial de la pareja, pues se le pide un millón de dólares anualmente, conforme a dicho tratado, mismo que se firmó en 2004 cuando Robert y Grace decidieron darse una nueva oportunidad.

La abogada del artista, Caroline Krauss, dio a conocer las condiciones en las que está el mejor actor en los premios Oscar en 1981 con la película Toro salvaje.

El señor De Niro tiene 77 años, y aunque ama su oficio, no debería verse obligado a trabajar a este ritmo prodigioso porque tiene que hacerlo. ¿Cuándo terminará eso? ¿Cuándo tendrá la oportunidad de quizás no coger todos los proyectos que se le presenten? ¿O no trabajar seis días a la semana durante 12 horas al día simplemente para seguir el ritmo de la sed de la señorita Hightower por Stella McCartney?”, ha dicho la letrada haciendo referencia a la pasión de su ex mujer por la moda.

De Niro podría enfermar mañana, y la fiesta habrá terminado“, concluyó la abogada.

Al respecto, el representante legal de la exesposa del actor manifestó que no pueden ser ciertos los problemas financieros de De Niro, pues con El irlandés, filme de 2019, recibió una cifra cercana a los US$5 millones, y de ahí gastó US$450.000 que destinó para unas vacaciones de Acción de Gracias y US$1 millón que les dio a sus hijos entre 2019 y 2020.

El actor es dueño de una de las cadenas de hoteles y restaurantes más de prestigiosas de Estados Unidos y parte de Europa, Nobu. Ambos se vieron afectados por las restricciones que han obligado a mermar la actividad de los locales, además del cierre total de los meses de cuarentena.

Publican medios internacionales que la historia entre De Niro y Hightower lleva años dando de qué hablar. La pareja se casó en 1997. Ella era azafata de vuelo y tras dos años de matrimonio firmaron su primer divorcio en el 99.

En 2004 ambos sorprendieron al darse una nueva oportunidad, aunque quisieron hacer un acuerdo prenupcial que beneficiase a ambos en caso de una nueva separación. En 2018 llegó ese segundo desencuentro y, de acuerdo a lo firmado, el intérprete de Los intocables de Eliot Ness debe abonar un millón de dólares al año a su expareja.

También Hightower solicita que le sea entregada la mitad de la fortuna de De Niro, que según sus cálculos, está avaluada en cerca de 500 millones de dólares.

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China no transmitirá por censura oficial los premios Oscar este año

PEKIN.- China no transmitirá la ceremonia de los premios Oscar 2021. Un cortometraje y las declaraciones de la directora Chloé Zhao, nominada al Oscar por Nomadland, son los motivos que han llevado al Gobierno del gigante asiático a tomar la decisión de censurar la fiesta del cine estadounidense en China y la no tan autónoma Hong Kong.

La cadena de televisión abierta más grande de la ciudad, TVB, ha optado por no emitir los premios de la Academia por primera vez en más de 50 años, a pesar de que una película de Hong Kong está nominada por primera vez desde 1993.

El drama juvenil de Derek Tsang Better Days, nominado este año al Oscar como Mejor Película Internacional, le ha dado a Hong Kong su primera oportunidad de gloria en los premios de la Academia desde que Farewell My Concubine obtuviera el premio en 1993. Pero en un acto ruin contra el posible impacto del éxito de los Premios Oscar de Chloé Zao y Do Not Split, el Gobierno chino ha censurado la ceremonia que no se emitirá en Hong Kong por primera vez en más de 50 años.

TVB, que ha realizado la retransmisión de los Oscar desde 1969, ha optado por no renovar los derechos del evento aparentemente obligada por China. En un comunicado a los medios de comunicación, un portavoz de TVB dijo que “fue una decisión puramente comercial”. Ninguna otra emisora o canal de televisión de pago de Hong Kong ha anunciado planes para hacerse con los derechos en lugar de TVB.

A principios de este mes, los reguladores de medios de Beijing instruyeron a los medios de prensa de la China continental que no transmitieran la cobertura en directo de la ceremonia de los Oscar y que minimizaran sus informes sobre el evento en general. Se cree quela Academia de Hollywood despertó la ira del gobierno chino con la nominación del documental corto ‘Do Not Split’, que explora las protestas a favor de la democracia en Hong Kong ocurridas en 2019.

Por eso han decidido censurar la ceremonia de los Oscar, con muchos seguidores entre los cinéfilos chinos. Al malestar oficial se suman las declaraciones, en una entrevista del 2013, realizadas por la cineasta china Chloé Zhao, nominada en la categoría de Mejor Directora por Nomadland, donde supuestamente criticaba al régimen de su país. La animosidad contra la realizadora ha hecho que la película Nomadland no se estrene en el país asiático e incluso ha complicado las relaciones cinematográficas de China y Estados Unidos llegando al extremo que la película ‘Los eternos’, también de Disney, puede ver cancelado su estreno en Oriente.

De las dos declaraciones de Zhao que ofendieron a las autoridades chinas, una parece más fácil de suavizar que la otra. En una entrevista de diciembre de 2020 con el medio australiano news.com.au se citó a Zhao diciendo: “Estados Unidos es ahora mi país”, lo que algunos lectores en China interpretaron como si ella dijera le hubiera dado la espalda a su país. La publicista de Zhao corrigió lo que pareció ser un error de comprensión, ya que la cineasta sigue considerándose china. 

Pero la segunda cita que le causó problemas a Zhao podría afectar más la situación, a pesar de que apareció hace casi una década. En ella hablaba de lo que la atrajo a su primer largometraje, sobre un adolescente nativo americano que lucha por encontrar su camino en una reserva. “Se remonta a cuando yo era adolescente en China, un lugar donde hay mentiras por todas partes”, dijo, retratando en esas mentiras un estado autoritario empeñado en moldear y controlar todas las narrativas nacionales.

China ha codiciado durante mucho tiempo el reconocimiento artístico que representan los Premios Oscar y su popularidad internacional, pero el Partido Comunista Chino también sigue empeñado en controlar con mano de hierro su narrativa. Extraña que en China no quieran disfrutar la gloria de una directora como Zhao, con un padre con vínculos estrechos a una empresa estatal, presentando una película crítica con el sistema social estadounidense. Está claro que la censura no ve más allá de su propio egosistema.

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“Nomadland” y Zhao siguen con la racha de premios, ahora los DGA

ROMA.- NOMADLAND de CHLOE ZHAO triunfó en los Premios DGA, los prestigiosos premios otorgados por el Sindicato de Directores de Hollywood. Un resultado histórico para la cineasta china, la segunda mujer en lograrlo, después de Kathryn Bigelow por The Hurt Locker).

Los DGA preceden a los Oscar, que este año se celebrarán el 25 de abril, en una temporada que ha sufrido considerables retrasos debido a la pandemia y con eventos que se siguen llevando a cabo en modo virtual.

ZHAO, de 39 años, autora de la película independiente The Rider, elogió a sus compañeros nominados en su discurso, que todavía tratarán de instalar su película estadounidense adorada por la crítica en los Premios de la Academia. “Quiero darle las gracias por enseñarme mucho y por darme su apoyo, haciendo este viaje mucho más especial”, dijo a los cineastas rivales. Entre esos directores se encontraban David Fincher (Mank), Emerald Fennell (Promising Young Woman) y Lee Isaac Chung (Minari), quien también compitió como mejor director en los Premios de la Academia.

Zhao ahora se presenta como una gran favorita. Si bien es cierto que el Sindicato de Directores de América el año pasado prefirió a Sam Mendes (1917) al ganador del Oscar Bong Joon-ho (Parásitos), en los seis años anteriores siempre predijo correctamente al ganador del Óscar.

Nomadland es un drama semi-ficticio, sigue a una comunidad de viejos estadounidenses que viven en camionetas, dejados al margen por la Gran Recesión, inventando una nueva vida en el Oeste estadounidense.

Zhao, quien nació en Pekín, dijo que espera que el público pueda “experimentar la vida de las personas que podrían considerar ‘la otra'” y así “dejar el sentimiento un poco menos solo”. Describió la dirección como una salida y un remedio para su propia experiencia de “soledad, muy intensa en mi vida”.

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Cumplió su sueño Amanda Seyfried: ser Marion Davies en “Mank”

LOS ÁNGELES.- Como un “sueño”, así calificó la actriz AMANDA SEYFRIED, haber personificado a la estrella de la edad de oro de Hollywood Marion Davies en el film MANK, que se perfila entre los favoritos para obtener el Oscar a Mejor Película.

“Crecí entre las películas mudas, en blanco y negro. Mi padre es un verdadero cinéfilo y todavía tiene un sótano lleno de películas y proyectores”, así lo relata AMANDA SEYFRIED en el encuentro en streaming organizado por la American Cinemateque, dedicada a la película que traza la génesis de Fourth Power desde la perspectiva de Herman J. Mankiewicz (interpretado por Gary Oldman), el guionista (con o sin la contribución, incluso por escrito, del director Orson Welles, es el nudo en el centro de la trama) de una piedra angular de la historia del cine.

Un homenaje de Fincher a su padre Jack (fallecido en 2003), autor del guion de Mank, que llega a los Premios Oscar con 10 nominaciones, entre ellas la de Amanda Seyfried, como favorita como Mejor Actriz de Reparto. “Tan pronto como David me habló del proyecto me di cuenta de que iba a ser una obra maestra. Fue un honor verlo en el trabajo y contribuir a una película rodada al estilo de las realizadas en esos años”, explica la actriz, quien debutara en el mundo del espectáculo a los 11 años como modelo y luego en la televisión de 15 años en telenovelas. “Conocí ese Hollywood a través de los ojos de mi padre, que era especialmente aficionado a Charlie Chaplin y Buster Keaton. La primera película de esa época que me mostró fue Nosferatu”.

Para Seyfried, entre los méritos de Mank está también conocer a profundidad a Marion Davies, actriz y compañera del magnate de la prensa William Randolph Hearst, una fuente de inspiración.

Los que conocían a Marion Davies “conocían el carácter de Welles, era una caricatura, y él no tenía mucho en común con ella” -señala Amanda Seyfried-. “Marion ciertamente tuvo muchas más oportunidades de abrirse paso en Hollywood gracias a Hearst, pero también era muy apreciada en el ambiente. No creo que fuera Hearst quien le compró una carrera, muchos de ellos la consideraban muy talentosa y yo soy una de ellas. Aprendí mucho de ella. Era brillante, tenía una amplia gama en comparación con lo que algunas personas piensan”. Mank “la muestra desde esta perspectiva y era hora de hacerlo. Fue como respirar nueva vida, la película ayudó a aclarar, a revitalizar su legado”.

También porque “ser actriz en esos años era mucho más difícil que hoy, las iniquidades eran gigantescas, no creo que me hubiera agradado. Tengo la suerte de vivir en 2021, aunque el compromiso y el trabajo también son fundamentales hoy en día”.

Marion Davies mostró entonces lo brillante que era incluso después de dejar Hollywood, cuidando bien sus inversiones y apoyando a varias organizaciones filantrópicas infantiles a las que donó más de un millón de dólares. “Su relación con Hearst, en mi opinión, no tuvo nada que ver con que fuera tan rico. Estaban enamorados, había sentimientos reales entre ellos”.

Para enriquecer a Mank, también estuvo su alquimia con Gary Oldman: “Ya habíamos trabajado juntos (en el horror de fantasía Blood-Red Riding Hood de Catherine Hardwicke, rodada en 2011) y esto fue muy útil para nosotros. Tenemos una forma similar de trabajar en el set y prepararnos para escenas. No sé si Gary incluso me ayudó a conseguir el papel de Marion, pero sé que le dijo algunas cosas bonitas sobre mí a David Fincher. Tengo la sensación de que voy a darle las gracias toda mi vida”.

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Sin una clara favorita las cinco actrices que se disputan el Oscar

LOS ÁNGELES.- Retratos de dos leyendas de la música, Billie Holiday y Ma Rainey, una venganza contra el abuso masculino, una madre luchando con el luto más difícil de tratar, y un nómada moderno, son los personajes encarnados por las cinco actrices que este año se disputarán el Oscar a Mejor Actriz. Ellas son: ANDRA DAY (Billie Holiday), VIOLA DAVIS (Ma Rainey’s Black Bottom), CAREY MULLIGAN (A Promising Woman), VANESSA KIRBY (Pieces of a Woman) y FRANCIS MCDORMAND (Nomadland).

VIOLA DAVIS

Una carrera que por el momento parece sin una favorita definida, no obstante que Viola Davis es también la nueva ganadora del Premio Sag otorgado por la Unión de Actores, a menudo indicativo para los Oscar.

Después de hacer historia en los Premios de la Academia, como la actriz negra que recibió más nominaciones (cuatro), VIOLA DAVIS, ya ganadora en 2017 de la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por Barriere, podría convertirse en la segunda actriz afroamericana después de Halle Berry en 2002 (como Andra Day) en ganar el Óscar a la Mejor Actriz en un papel principal con Black Bottom de Ma Rainey de Charles C. Wolfe, con ChadWick Boseman (para él nominado póstumamente para un papel principal). Una película, que al igual que Barriere está basada en un drama de August Wilson y es coproducida por Denzel Washington.

CAREY MULLIGAN

De vuelta a la carrera por los Oscar, 11 años después de la nominación a An education, la londinense CAREY MULLIGAN, nacida en 1985, da la cara al camaleón vengativo de la película de reveng/comedia negra A promising woman de la directora debut Emerald Fennell, coproducida por Margot Robbie. El personaje principal es Cassie, de treinta años de edad, que lleva a a hombres dispuestos a aprovecharse de borrachos, confundidos o que parecen indefensos. Si “entiendes por qué Cassie está de luto también entiendes por qué hace lo que hace – explicó Carey Mulligan – . La historia resulta ser cierta. Más allá del género y el tono, de divertido a aterrador, sientes que estamos hablando de trauma y vidas reales”.

ANDRA DAY

En 1973, Diana Ross recibió una nominación al Óscar por su ensayo como Billie Holiday en The Lady of the Blues. 48 años después es ANDRA DAY de 36 años, cantautora e intérprete, aquí en su debut cinematográfico como protagonista para conseguir su primera nominación, gracias a un ensayo casi simbiótico, para Estados Unidos vs Billie Holiday de Lee Daniels.

La película cuenta la historia principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks a su pasado), cuando el FBI la convierte en el blanco de una vigilancia constante que bordea la persecución, por su compromiso con una sociedad racista. “Me sorprendió su fuerza, su capacidad para luchar sola, su resiliencia, su poder interno – explicó Andra Day-. Realmente la considero la madrina de la lucha por los líderes de los derechos civiles”.

VANESSA KIRBY

Después de ganar audiencia internacional gracias a su interpretación de la joven princesa Margarita en The Crown, la británica VANESSA KIRBY, nacida en 1988, debutó entre los nominados al Oscar, como una madre que luchaba con un luto devastador, la de la muerte de su hija recién nacida, en Pieces of a woman de Kornel Mundruczo, con Martin Scorsese como coproductor ejecutivo. “Estaba buscando algo que me asustara, un reto -explicó la actriz-. No soy madre y me encontré en este papel casi animal que representaba el dolor de muchas mujeres”. La noticia de la nominación al Oscar le llegó en el set de Misión Imposible 8, mientras estaba maquillada: “Hice un fuerte suspiro – le dijo a Los Angeles Times– que la maquilladora pensó que alguien había muerto”.

FRANCES MCDORMAND

La reina del set más anti-diva de Hollywood, FRANCES MCDORMAND, ya ganadora de dos Oscar, en 1997 por Fargo y en 2018 por Three Posters in Ebbing, Missouri, regresa a la carrera, tanto como actriz principal como co-presentadora de Nomadland de Chloé Zhao, León de Oro en Venecia 2020 y llegando a Star (Disney+) a partir del 30 de abril.

En la película Frances McDormand como Fern, decide vivir como un trabajador’, esos trabajadores mayores, víctimas de la crisis económica que se mueven por las calles de los Estados Unidos como nuevos nómadas en busca de empleos estacionales. “Hacer ese tipo de vida, moverse constantemente por los grandes espacios -explicó la actriz- pagando gastos con trabajo ocasional son decisiones difíciles, pero tienen mucho que ver con el sueño americano que no es sólo el sueño del éxito económico”.

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Harvey Weinstein apela su sentencia de 23 años y pide un nuevo juicio

NUEVA YORK.-El ex magnate y todopoderoso de Hollywood HARVEY WEINSTEIN apeló su condena de 23 años de prisión y pide un nuevo juicio.

En las 166 páginas de apelación presentadas, los abogados de Harvey Weinstein se quejan de que a su ayudante no se le ha dado un “juicio justo” y critican duramente al juez James Burke por permitir el testimonio de cuatro mujeres cuyos cargos no resultaron en acusación criminal: fueron escuchadas “sólo para mostrar a Weinstein como abominable”, se lee en los documentos.

Burke -según la defensa del ex productor- también es “culpable” de no permitir que Weinstein llamara a un detective del NYPD en el estrado de testigos que había estado directamente involucrado en la investigación y había escuchado de una mujer que probablemente había mentido sobre haber sido abusada sexualmente por el ex jefe de Miramax. La lista de críticas a Burke es larga e incluye el hecho de que no debería haber permitido al jurado deliberar sobre la violación en tercer grado en relación con un incidente de 2013. La fiscalía de Manhattan respondió a los cargos con una breve nota: “Responderemos en la corte”.

Weinstein fue declarado culpable en febrero de 2020 de acto sexual criminal en primer grado y violación en tercer grado: un total de 23 años de prisión, incluyendo 20 años por agredir a Miriam Hailey, una ex asistente de producción en Project Runway, y tres más por la violación en tercer grado (relaciones sexuales no consensuadas) de Jessica Mann. Los jurados lo absolvieron de dos cargos más graves de “agresión sexual depredadora”, al tiempo que se comprobaba haber también violado a la actriz Annabella Sciorra a principios de la década de 1990.


Su fallo fue la culminación del caso que estalló en 2017 cuando el New York Times y The New Yorker lo llevaron a la fama, descubriendo un escándalo aparentemente de dominio público en el mundo del cine. La condena de Weinstein fue una victoria para el #MeToo que ahora sigue a detalle el nuevo capítulo de la batalla en los tribunales.

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Judas y el Mesías negro: “puedes matar a un revolucionario, no a la revolución”

LOS ÁNGELES.-Además de ser una película intensa durante las dos horas que abarca, lo que más impacta en JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO es cómo Estados Unidos no ha podido cerrar la herida del racismo, desde el reciente caso Floyd hasta el recuerdo del trabajo “sucio” del FBI contra los Panteras Negras en la década de los sesenta.

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, actualmente en cartelera, posee un guion creíble, nunca retórico, además de una sólida actuación del reparto, en especial de Lakeith Stanfield.

La película destaca la verdadera historia de Fred Hampton, un activista socialista revolucionario, presidente de la rama de Illinois del Partido Pantera Negra en Chicago y vicepresidente del BPP nacional, una estrella afrodescendiente asesinada a los 21 años en un bombardeo policial.

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, accesible de manera digital a partir del 9 de abril para Warner Bros, tiene todo para ganar el Oscar, justo en la era de la inclusión y por ser una obra totalmente producida, dirigida, escrita e interpretada por afroamericanos.

La cinta está nominada a seis estatuillas: Mejor Película, Mejor Actor de Reparto para Daniel Kaluuya (Scappa – Get Out) y Lakeith Stanfield (Selma, Snowden), Guión Original, Fotografía y Canción, JUDAS AND THE BLACK MESSIAH. Sin duda hace honor a la frase que se marca a lo largo de la película: “La Revolución es la única solución”.

Chicago, 1968. William O’Neal (Stanfield) es un joven ladrón muy inteligente que ama los coches. Después de un robo que terminó mal, para evitar la cárcel, se convierte en un informante del FBI con una misión específica: infiltrarse en el Partido de las Panteras Negras de Illinois, encargado de vigilar a su carismático líder, el joven presidente Fred Hampton (Kaluuya).

LA TRAMA:

El agente especial Roy Mitchell (Jesse Plemons), O’Neal se regodea en controlar la situación y ganarse la confianza del carismático Hampton, un gran orador y muy buen político capaz de hacer alianzas con los diversos grupos criminales negros, y no sólo para ampliar su consenso y poder. Se alió, entre otros, con Las Coronas, los Jóvenes Patriotas, los Jóvenes Lores y los extremistas blancos, los llamados rednecks.

De hecho, O’Neal seguirá, paso a paso, el ascenso político de Hampton, su arresto y encarcelamiento, su enamoramiento de su compañera de revolución Deborah Johnson (Dominique Fishback), y nunca decepcionará, con dinero de por medio, al poderoso director del FBI J. Edgar Hoover (Martin Sheen), profundamente motivado para reprimir el fenómeno de las Panteras Negras que aterrorizaba a los estadounidenses.

La película se estrena y se cierra con imágenes de un documental de PBS de 1989 sobre derechos civiles llamado Eyes on the Prize II: American at the Racial Crossroads 1965-198‘. Es el testimonio del verdadero William O’Neal que defiende sus elecciones de espías, diciendo que todavía se ensució las manos, no siendo un intelectual de la sala de estar y contextualizando con la escena del tiempo.

Esta posición se rompe por el hecho de que después de que el documental de O’Neal fue visto, murió atropellado por un coche. Para muchos, pero no para su esposa, un suicidio como el de Judas. Algo nunca aclarado.

La frase de culto de esta obra, es: “Puedes matar a un revolucionario, pero no a la revolución”.

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Debaten de nuevo si los premios Oscar permitirán formato virtual de Zoom

NUEVA YORK.- Los premios Oscar 2021 podrían eventualmente incluir formato virtual a través de Zoom. Después de las protestas de algunos nominados y discusiones con los organizadores, la Academia podría permitir que aquellos que luchan por venir a Los Ángeles asistan a la ceremonia en formato virtual.

Esta versión surgió de Hollywood Reporter, que anticipa una reunión entre los candidatos y los productores de “Noche de las estrellas” Steven Soderbergh, Stacey Sher y Jesse Collins en cuya agenda están “actualizaciones en el programa” y detalles sobre qué hacer en caso de que se necesite una participación virtual el 25 de abril.

La reunión estaba programada la semana pasada y luego cancelada repetidamente. A principios de marzo, los organizadores habían descartado categóricamente el uso de videoconferencias después del fracaso de audiencia grabado por otros premios realizados en formato híbrido, en particular los Grammy.

A los candidatos se les ofreció la única opción de intervenir en persona en Union Station, la histórica estación de tren de Los Ángeles cuyo tamaño permitiría el distanciamiento social contra Covid, una opción accesible para aquellos que viven en la Meca del cine, menos para aquellos que tienen que venir de lejos como los representantes de las cinco películas internacionales en la competición: el danés Another Round de Thomas Vinterberg que también está nominado para dirigir, Collective de Rumania también se postula para mejor documental, The Man who sold his skin tunecino con Monica Bellucci, Better Days de Hong Kong y Quo Vadis Aida de Bosnia y Herzegovina.

Luego están las directoras Emerald Ferrell (Promising Young Woman) y Chloe Zhao (Nomadland), ninguna de las cuales está en los Estados Unidos en estos días, así como Carey Mulligan (Promising Young Woman), Sacha Baron Cohen (Borat 2, The Chicago 7 Trial), Anthony Hopkins (The Father), Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) y Yuh-Jung Youn (Minari).

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En los Premios Oscar, el streaming dominará como nunca la pantalla

LOS ÁNGELES.-Como nunca antes, la próxima entrega de los Premios Oscar tendrá en el streaming su máxima plataforma, la vía por la que los cinéfilos de todo el mundo han podido presenciar las principales películas nominadas, dado que las salas cinematográficas han estado cerradas durante muchos meses debido a la pandemia y confinamiento.

La noche de los Premios Oscar el próximo 25 de abril, registra récord de mujeres candidatas, dos de ellas -Zhao y Ferrell- aspirantes por Mejor Dirección.

La nueva tendencia en los Premios Oscar es: #OscarsNotSoWhite), a la par de que los suscriptores de plataformas tienen las primicias para ver de primera mano las cintas candidatas a lo mejor del año en diversas categorías. Esto se sumará a la pérdida del encanto de una ceremonia con toda la pompa y circunstancia, donde por la pandemia se quita el encanto resplandeciente de la estatuilla y al menos nadie aparecerá con jeans, en pijama, o empleando zoom.

NOMADLAND, por ejemplo, obtuvo el León de Oro en Venecia, tiene seis nominaciones pero aún no se ha estrenado en los cines, mientras se anuncia que a partir del 30 de abril estará disponible en Star inside Disney+, es decir, después de la gala.

De igual manera solo los suscriptores de Netflix han podido deleitarse con la película de David Fincher MANK, con un enorme Gary Oldman, un film que con 10 nominaciones, Incluyendo Mejor Película, es el rey de la víspera. THE CHICAGO 7 TRIAL, también se ve por Netflix, escrita y dirigida por Aaron Sorkin (una historia real con un formidable reparto que incluye, entre otros a Sacha Baron Cohen, Frank Langella, Joseph Gordon Levitt, Eddie Redmayne, y Mark Rylance, capaz de transportarnos a 1968).

En la misma plataforma pero con menos nominaciones también se puede ver BUT RAINEY’S BLACK BOTTOM con Viola Davis, AMERICAN ELEGY con Glenn Close, NEWS FROM THE WORLD con Tom Hanks, MIDNIGHT SKY de George Clooney, la película animada OVER THE MOON y AGAIN LIFE FRONT OF ITSELF de Edoardo Ponti (con Laura Pausini nominada por la canción Io Sì), las conmovedoras PIEZAS DE MUJER con Vanessa Kirby, FROM 5 BLOODS – AS BROTHERS of Spike Lee, THE WHITE TIGER de Ramin Bahran, el documental CRIP CAMP: A DISABILITY REVOLUTION y los cortos If something happens I love you and A love song for Latasha.

Para los suscriptores de Amazon hay un puñado de títulos dignos del Oscar, comenzando con el aclamado SOUND OF METAL que tiene seis incluyendo Mejor Película, Guion Original, Actor Principal (Riz Ahmed, rapero de ascendencia paquistaní), escrita y dirigida por el recién llegado Darius Marder. Y luego BORAT 2 con Sacha Baron Cohen, el documental TIME de Garrett Bradley y THAT NIGHT IN MIAMI.

En Disney+ se puede ver SOUL de Docter y ONWARD – BEYOND MAGIC, ambas de animación.
En Sky, además de recuperar PINOCCHIO de Matteo Garrone (dos nominaciones), también está la animación de SHAUN, VITA DA PECORA: FARMAGEDDON.

La lista de películas inéditas que esperan la sala y no están en streaming es realmente larga, mientras que se mantiene sólo en las categorías principales: MINARI, escrita y dirigida por el estadounidense de origen coreano Lee Isaac Chung, con 6 nominaciones, EL PADRE de Florian Zeller, con Anthony Hopkins y Olivia Colman, el biopic THE UNITED STATES vs BILLIE HOLIDAY de Lee Daniels, con la candidata a Mejor Actriz Andra Day, QUO VADIS, AIDA? por Jasmila Žbanić (Mejor Película Internacional, JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO, también con seis nominaciones incluyendo Mejor Película (está en la lista Warner), así como la muy esperada sorpresa PROMISING YOUNG WOMAN, con Carey Mulligan, con seis nominaciones incluyendo el de la directora Emerald Fennell, y ANOTHER ROUND de Thomas Vintenberg.

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“La Liga de la Justicia” no se da por vencida para deleite de sus fans

ROMA.- Un drama familiar había llevado a Zack Snyder a abandonar, en 2017 en la fase de postproducción (conservando su firma), su proyecto más ambicioso, la historia de los icónicos superhéroes de DC que se unen en LA LIGA DE LA JUSTICIA.

Para terminar y ‘corregir’ la obra había sido elegida Joss Whedon (Los vengadores), entonces muy popular y ahora en desgracia por las acusaciones de comportamiento inapropiado, abuso verbal, y no sólo por varias actrices sino también por actores que a lo largo de los años han trabajado con él.

La película había salido muy cortada y reelaborada, decepcionando tanto al público como a la crítica. Ahora, gracias a una movilización de fans en las redes sociales y a los 70 millones de dólares puestos a disposición por Warner Bros, el director original ha vuelto al proyecto y acaba de transmitirse en Estados Unidos y el resto del mundo, en Italia en Sky Cinema Uno y Now (streaming bajo demanda), su versión extralarge (tres horas y 54 minutos), LA LIGA DE LA JUSTICIA de Zack Snyder.

La trama sigue centrada en Batman (Ben Affleck), Wonder Woman (Gal Gadot), todavía sacudida por el sacrificio de Superman (Henry Cavill), Alista también a otros superhéroes: Flash (Ezra Miller), Cyborg (Ray Fisher) y Aquaman (Jason Momoa), todos juntos para luchar contra la nueva amenaza global, representada por el alienígena invasor Stepranwolf (Ciaran Hinds) y sus Parademons. Snyder vuelve a colorear la historia con un mayor aliento épico y ritual para escenificar lo que el director ve como una mitología.

El escenario vuelve a prevalecer en un mundo sombrío y casi sin esperanza, lleno de sueños y pesadillas y “purificado” por el aligeramiento a menudo pospuesto, acompañado por Whedon. La duración es excesiva y no faltan giros vacíos, pero desaparecen algunas incoherencias en la textura y simplificaciones creadas por los cortes.

El corte del director en su conjunto inmediatamente se ganó a los fans, ya involucrados en una nueva campaña en las redes sociales, con el hashtag #RestoreTheSnyderverse, para pedir a Warner Bros, que regresara para las películas sobre superhéroes de DC a la dirección que Snyder quería darle, tal vez a partir del proyecto de La Liga de la Justicia 2.

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Con Minari, Corea del Sur quiere de nuevo el Oscar; este año adiós a la informalidad y nada vía Zoom

LOS ÁNGELES.– Poco más de un año después del triunfo de Bong Joon-Ho en los Premios Oscar con la cinta Parásitos, Corea del Sur regresa a los Premios de la Academia con MINARI, una delicada y poderosa historia familiar, inspirada en la historia personal del director Lee Isaac Chung, nacido en Denver, de padres surcoreanos que tienen asuntos en los Estados Unidos.

La película, producida por el Plan B de Brad Pitt, que llegará a Italia distribuida por la Academia Dos, ha obtenido seis nominaciones: Mejor Película, Dirección, Guion original, Banda Sonora, Mejor Actor en un papel principal para Steven Yeun, el primer actor asiático-estadounidense (nació en Seúl y creció entre Canadá y Estados Unidos), Mejor Actriz de Reparto.

Los premios Oscar 2021 quieren recuperar el glamour de antaño y la alfombra roja, y decidieron establecer para este año nuevas reglas, como prohibir las vestimentas informales y las transmisiones vía Zoom.

El equipo que está detrás de la organización de los Oscar 2021, cuya 93 ceremonia de premiación se llevará a cabo en Los Ángeles el próximo 25 de abril, se niega a permitir que continúe la nueva normalidad adoptada en tiempos de pandemia.

“Para aquellos de ustedes que no pueden asistir debido a la programación o la continua inquietud por viajar, queremos que sepan que no habrá una opción de Zoom para estar en el espectáculo”, se lee en la carta, citada hoy por el sitio de noticias Deadline.

“Haremos todo lo posible para brindarles una velada segura y agradable para todos ustedes en persona, así como para todos los millones de fanáticos del cine en todo el mundo, y creemos que lo virtual disminuirá esos esfuerzos”, subrayaron.

Los organizadores aclaran que, si bien los detalles como la corbata negra no son obligatorios, el uso de pantalones deportivos están prohibidos.

“Te estás preguntando sobre el código de vestimenta. Nuestro objetivo es una fusión de Inspirational y Aspirational, que en palabras reales significa que lo formal es totalmente genial si quieres ir allí, pero lo informal en realidad no lo es”, advierte la carta. La noche más importante del cine se llevará a cabo de manera presencial en Union Station, en el centro de Los Ángeles, así como en el lugar tradicional del evento anual, el Dolby Theatre de Hollywood, en un hecho sin precedentes.

“Por supuesto, su primer pensamiento es: ¿se puede hacer eso de forma segura?”, se adelantaron los productores. “La respuesta es SÍ, se puede”.

“Estamos tratando el evento como un escenario de películas activo, con cadencias de prueba especialmente diseñadas para garantizar resultados al minuto, incluido un equipo de seguridad Covid en el lugar con capacidad de prueba de PCR”, precisaron.

Este año, a diferencia de los anteriores, los invitados a la reunión se limitan a los nominados, sus invitados y los presentadores de los Oscar. El resto del mundo podrá sintonizar ABC el domingo 25 de abril por la noche, para poder ver a sus estrellas favoritas.

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“La guerra te cambia para poder entender la vida”: Oliver Stone

ROMA.-“Buscar luz es, para todos los directores, encontrar la tinta adecuada para escribir la película, contar las sombras sin sentirse abrumado”, así lo expresó OLIVER STONE en la masterclass inaugural de la sexta edición de Filming Italy, que se efectuará desde esta noche hasta el 21 de marzo de 2021 vía streaming, junto a la presidenta honoraria Claudia Gerini y, en representación de Estados Unidos, Harvey Keitel.

En esta reunión de seminarios web, el director, guionista, productor de cine y actor estadounidense, nacido en 1946, conversó con cientos de estudiantes conectados en línea para contar sobre su carrera y su libro LOOKING FOR LIGHT (El barco de Teseo).

“Demasiada gente y por mucho tiempo me preguntaron cómo encontré el dinero para mi primera película Salvador o para Platoon, así que decidí escribir cómo fueron las cosas realmente. Y necesitan saber que me tomó 20 años hacer Platoon, porque ninguno de los estudios quería financiarlo. Como dice el título del libro, se necesita mucho tiempo para encontrar luz, tanto para el hombre mismo como para el director cuando filma una escena y quiere un efecto particular”.

OLIVER STONE, quien obtuvo dos veces el Oscar al Mejor Director por Platoon y Nacido el 4 de julio, añade: “De niño quería ser escritor, pero luego tuve que rendirme y alistarme para ir a Vietnam. También había considerado la idea de la escuela de cine como una posible ocupación, pero no sabía si me daría la oportunidad de expresarme realmente. Pero fue allí donde seguí en la mitología griega, que en realidad no estaba en el programa, lo que cambió mi perspectiva, tanto como hombre como como escritor de guiones. De hecho, siempre me ha gustado la historia griega y romana y la forma en que vieron la guerra”.

Pero entonces el director señala: “La diferencia entonces para aquellos que fueron a la guerra como yo y sobrevivieron, es precisamente entender lo importante que es la vida y lo mucho que tienes que ser consciente de ello. Mi experiencia en Vietnam me cambió y si me tomó tantos años hacer Platoon es porque quería hacer una película en el signo de la verdad sobre cómo realmente fueron y eso no atraía en América. La guerra es una experiencia que te cambia, una experiencia definitiva que te transforma. Estados Unidos, añade, nunca ha querido ver ciertas verdades, ver veteranos en silla de ruedas como Tom Cruise en la OTAN el 4 de julio”.

“Mi país – continúa Stone – está enamorado de la guerra, es muy popular en los Estados Unidos, es parte de la mentalidad estadounidense. No lo acepto como el hecho de que Estados Unidos siempre necesitó un enemigo”.

En las series de televisión, cada vez más populares hoy en día, Oliver Stone externó: “Puedes hacer películas de muchas maneras y con duraciones diferentes. Hoy en día se puede hacer una película incluso con un teléfono móvil, el problema en todo caso es el de la distribución que ciertamente no le gustan las películas largas. También las hice y luego los vi cortar precisamente por problemas de distribución, pero esto es normal”. ¿La oportunidad de hacer una secuela del libro? Es algo que me encantaría, pero aún no lo sé”, concluyó.

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Bertolucci fue el más internacional de los cineastas italianos

ROMA.- BERNARDO BERTOLUCCI (16 de marzo de 1941-26 de noviembre de 2018) cumpliría 80 años, el más internacional de los cineastas italianos. Ha sido el único realizador de la península que obtuvo un Oscar al Mejor Director en 1988, gracias a EL ÚLTIMO EMPERADOR, que le llevó a ganar nueve estatuillas.

En su casa de Roma tampoco faltaban los Globos de Oro, los premios a la carrera de la Mostra de Venecia y de la Academia de Los Ángeles, el Leopardo de Honor en Locarno y una avalancha de premios nacionales, incluidos David di Donatello, Nastri d’Argento y Ciak d’oro.

El de Bertolucci fue un camino surcado por éxitos (su estrella brilla en el Camino de la Fama de Los Ángeles) al igual que en suelo italiano donde inició con su ópera prima, La commare secca (1962) y en la escena internacional con la nominación al Oscar por Il conformista (1970).

Habría cumplido 80 años si la enfermedad no se hubiera apoderado de él, primero por una cirugía de espalda incapacitante y luego por un tumor incurable que le ocasionó su deceso el 26 de noviembre de 2018.

Cuatro años antes, su ciudad natal, Parma, le regalaba la satisfacción tal vez ambicionada en secreto: un título honorífico en historia y crítica de las artes escénicas.

Con su habitual sonrisa irónica, Bertolucci subió al palco para una memorable lección magistral que recorrió todas las etapas de su vida artística, comenzando por la infancia y la enseñanza de su padre, el poeta Attilio, para luego continuar un viaje como un eterno adolescente, con los ojos muy abiertos frente al “misterio del cine”.

De hecho, ese es el título del libro que, gracias a la pasión de su esposa, Claire Peploe, llega hoy a las librerías de Italia y reproduce aquella mágica lección, un ejercicio de sinceridad, memoria, poesía y técnica que recorre con mirada lúcida toda su obra.

El editor de libro, Michele Guerra, recordó que aquel día, tras haber entregado su diploma en la cátedra, el 16 de diciembre de 2014, fue para Bertolucci un verdadero “regreso a casa”.

La ocasión estuvo teñida de emoción y recuerdos, como para marcar la verdadera característica que connota su éxito: llevar su tierra a los rincones más recónditos del mundo, de China al Tíbet, del Sahara a París, sin arrancar nunca sus raíces, extraordinariamente evidente en el poema más ambicioso, el díptico del Novecento.

Bertolucci fue, antes que nada, un poeta, si bien la impronta paterna se revela solo en una antología adolescente, En busca del misterio, publicada en 1962 y premiada como ópera prima.

El cineasta fue un poeta por su visión casi infantil del cine como una linterna mágica del inconsciente, un lugar de sombras y ambigüedad en el que el hombre se pierde en busca de sí mismo mientras la sociedad que lo rodea lo transforma y lo desborda todo.

También lo fue al dejar la universidad para seguir a otro poeta, Pier Paolo Pasolini, elegido como maestro y a quien acompañó en el descubrimiento del “oficio” cinematográfico en el set de Accattone, en el que ambos debutaron, uno como director, el otro como aprendiz.

La poesía estuvo presente incluso en los viejos por el mundo, en la búsqueda de un secreto que llevaba dentro y que proyecto en el niño emperador de su “kolossal” sobre la reencarnación de Buda o en los dos niños amigos, obligados luego a crecer como Italia a través del fascismo en Novecento.

En un examen más detenido, muchas de sus películas revelan un punto de vista secretamente infantil o adolescente: tanto en Antes de la revolución (rodada en Parma) y en El Conformista, en los godardianos Socio, Último tango en París y, más tarde The Dreamers, en el inquieto Joe de La Luna, en la chica viajera de Té en el desierto y en la soleada Lucy de Yo bailo solo, hasta el adolescente Lorenzo en su última película , Tú y yo de 2012.

Evidentemente hay excepciones, cuando Bertolucci mira las transformaciones de su país con un ojo desencantado entre La estrategia de la araña, la otra cara de El conformista; La tragedia de un hombre ridículo, el pensativo Asedio, que es quizás su última y verdadera obra maestra.

El deseo que deja Bertolucci en las páginas de su libro es precisamente que el cine italiano recupera pronto su madurez, que vaya de la mano de una constante estatura internacional, pero en la que no se menoscaben las dos fortalezas de su obra: la luz del asombro de la mirada de un niño la mirada y la fuerza consciente de las propias raíces.

La última mención de su título honorífico lo devuelve a su verdadero mundo incluso hoy.

“Parma y las tierras bajas y colinas que la rodean -leemos- han aparecido en muchas de sus películas, desde Antes de la revolución en adelante, testificando el profundo vínculo que ha mantenido Bernardo Bertolucci con sus lugares de origen”.

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Los premios Bafta corrigen la plana en mujeres nominadas este año

LONDRES.- NOMADLAND y ROCKS con siete nominaciones cada una; EL PADRE, MANK, MINARI y MUJER JOVEN PROMETEDORA con seis nominaciones cada una, conforman el selecto grupo de filmes que aspiran a los Premios BAFTA el próximo 11 de abril, a realizarse de manera virtual.

Cuatro mujeres en la carrera por Mejor Directora contrastan con lo acaecido el año anterior cuando la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de la Televisión, no incluyeron a ninguna mujer en el máximo galardón a realizadores.

Anthony Hopkins y Frances McDormand, por su parte, figuran entre los nombres más destacados de la lista de nominados a los premios Bafta, los británicos Oscar.

Hopkins ha sido nominado por su actuación en The Father, en la que interpreta a un hombre que se desliza en la demencia. La actriz de Fargo Frances McDormand, ha sido seleccionada por su papel en la aclamada road movie independiente Nomadland, que también produjo, en la que interpreta a una mujer nómada que se muda al Oeste americano. La directora china de la película, Chloe Zhao, es una de las cuatro mujeres en la lista de mejor director.

Las otras son Shannon Murphy por Babyteeth, un drama australiano, la bosnia Jasmila Zbanic por la película Quo Vadis, Aida? y la británica Sarah Gavron por Rocks.

Rocks está protagonizada por Bukky Bakray, una adolescente negra de Londres que se queda en su propio negocio después de ser abandonada por su madre. Bakray se enfrentará a McDormand en la categoría de Mejor Actriz.

La Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión introdujo cambios en los procesos de votación y membresía y la categoría de cine nacional se amplió a 10 nominaciones.

También amplió las nominaciones a Mejor Director, Actor y Actriz de cinco a seis para los premios de este año, que se retrasaron debido a la pandemia de coronavirus. La estrella de Black Panther Chadwick Boseman recibió una nominación póstuma por su actuación como trompetista problemático en Black Bottom de Ma Rainey. También está nominado en la categoría de Mejor Actor la estrella de Rogue One Riz Ahmed por su interpretación de un baterista con fugas auditivas en Sound Of Metal.

Otra ronda, de Thomas Vinterberg, obtuvo cuatro nominaciones a los BAFTA- British Academy Film and Television Awards.

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“Coming to America” reafirma que las secuelas nunca fueron buenas

HOLLYWOOD.- Cuando una película tiene éxito no suele tardar en salir una secuela, o al menos en hablarse de ella. Al fin y al cabo, si se va a aprovechar la popularidad de una historia, debe hacerse mientras está fresca en la mente del público, es cuando hay más probabilidades de que sigan dispuestos a gastar dinero en él.

Por ello, COMING TO AMERICA tendría una secuela después de más 30 años. Aunque la comedia sobre un príncipe africano que acaba en la ciudad de Nueva York tuvo mucho éxito en su momento, ¿el público de hoy seguiría respondiendo a ella? Es posible.

El objetivo es más bien atraer a los espectadores que conocen y aman la película en el mejor de los casos, los que incluso la hayan visto en el cine en su momento. No sólo eso, la película está salpicada de apariciones de invitados del antiguo grupo. Entre otros, hay un reencuentro con la emblemática barbería, también vuelve McDowells, un local de comida rápida modelado descaradamente a partir de McDonalds.

Por otro lado, un importante interludio musical al principio de la película sólo está para hacer llorar a algunos en casa frente a sus pantallas llevados por la nostalgia.

Estrenada en Amazon Prime Video, COMING TO AMERICA rememora sin pudor el desfile de estrellas de los años 80 y 90.

Tras la muerte de su padre (James Earl Jones), el príncipe Akeem Joffer (Eddie Murphy) es declarado rey del estado de Zamunda. Sin embargo, no hay señales de alegría, después de todo, también ha heredado varios de sus problemas; uno de ellos, la sucesión al trono. Akeem y su esposa Lisa (Shari Headley) tienen tres hijos, pero ni Meeka (KiKi Layne) ni las dos hijas menores pueden optar al trono que está reservado a los descendientes varones.

Así, el general Izzi (Wesley Snipes), líder del país vecino de Nextdoria, entra en escena amenazando con anexionar Zamunda.

Pero entonces Akeem se entera de que podría tener un hijo, engendrado sin saberlo durante su viaje a Estados Unidos: Lavelle Junson (Jermaine Fowler).

El príncipe ilegítimo es hasta ahora igualmente inconsciente de su buena fortuna y también lo está pasando un poco mal con las expectativas puestas en él.

Mientras, hay que reconocer que en algún momento la película se aleja de la retrospección soñadora y quiere contar algo propio. Al menos en parte.

Así, el foco de atención se aleja gradualmente de Akeem y se dirige hacia su hijo, hasta ahora desconocido, que es el nuevo príncipe, hay que reconocer que tiene un camino inverso al de su padre. Mientras que este último, como hombre rico, quiso de repente vivir una vida de pobreza y trabajo, Lavelle convierte a un don nadie en príncipe. Pero tienen en común los problemas en el amor.

Por desgracia, el resultado no es realmente convincente. Esto se debe en menor medida al nuevo protagonista Jermaine Fowler (Sorry to Bother You), quien llena su papel de energía y encanto.

Más bien, hay una vez más problemas con el guion, frente a los cuales el conjunto sólo puede actuar parcialmente. Así que, al igual que con el predecesor, se echan en falta chistes realmente buenos, aunque de vez en cuando se pueden encontrar razones para sonreír. Esto se puede atribuir más a los actores y actrices que allí vemos y que conocemos, por ejemplo, las desinhibidas interpretaciones de Leslie Jones y Wesley Snipes, los propios gags suelen ser muy inofensivos. 

La comedia dirigida por Craig Brewer, deambula sin un objetivo real. Así, la película toca numerosos temas, desde el racismo hasta el amor, pasando por el papel de la mujer, sin perseguir ninguno de forma más consistente. Lo más importante es que hay demasiados personajes, lo que hace que todos se interpongan en el camino de los demás.

Mientras que Coming to America seguía viviendo del dúo Murphy y Arsenio Hall, la secuela hace malabares con numerosos personajes. No se aprende mucho sobre las hijas, aunque son un tema importante. El interés amoroso de Lavelle, Mirembe (Nomzamo Mbatha), está simplemente ahí. Ni siquiera hay tiempo para el desarrollo de una verdadera relación entre Akeem y su hijo.

Al final, hay un montón de cursilerías, pero eso no puede ocultar el hecho de que la película tiene un contenido sorprendentemente escaso. En general, se puede ver. Pero no habría necesitado la secuela, ciertamente.

El final y las consecuencias para muchos personajes y su desarrollo previamente mostrado, son insatisfactorios con respecto al antagonista de la obra, incluso lamentable, si no vergonzoso; uno recuerda cómo se dibujó el personaje en la primera mitad y qué alusiones se hicieron en relación con él. Al igual que en la primera parte, las decisiones de los protagonistas se ven recompensadas de forma cuestionable y, en ciertos momentos, uno empieza a preguntarse si los creadores de esta obra querían hacer algún tipo de declaración.

Gran parte de lo que el filme hizo bien en la primera mitad, lo hace mal en la segunda, lo que tiene un efecto muy negativo en cómo se siente uno cuando pasan los créditos.

Así que una obra con mucho potencial se convirtió en una comedia que se puede ver, pero que ciertamente no tiene que ser. Para los fans de la predecesora quizá sea una película que merezca la pena ver, para los que sólo tengan curiosidad es más bien un paréntesis para una acogedora noche de sábado.

Esta secuela comete el mismo error que tantas películas similares anteriores, comienza con fuerza y bombardea al espectador con un aluvión de apariciones de invitados, gags, réplicas e ideas interesantes, sólo para no acertar con la mezcla de trama y humor en la segunda mitad.

La historia, escasa y demasiado predecible, no compensa en ningún nivel la comedia, cada vez más reducida, y el final es insatisfactorio en demasiados aspectos.

Ciertamente no es una mala película, pero tampoco es una obra que se pueda recomendar sin reservas.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Se estrena el documental sobre Quentin Tarantino, “Los primeros 8”

LOS ÁNGELES.-¿Cuál es el “corazón salvaje” de Quentin Tarantino capaz de conectar con toda la gama de emociones humanas a través de personajes que sólo tienen una misión: hacer ‘lo correcto’ y hacerlo inmediatamente?. Esta es una de las muchas directrices de QT8 | QUENTIN TARANTINO – LOS PRIMEROS OCHO de Tara Wood, que se estrena a partir de hoy en MioCinema, un documental que cuenta toda su carrera a través de los testimonios de quienes trabajaron con él y, por supuesto, imágenes de sus películas.

Mientras tanto, se anuncia que simultáneamente en 25 países, se publicará su primera novela Érase una vez en Hollywood, bajo el sello The Ship of Theseus, que precede a la película del mismo nombre y cuenta sus orígenes y formas de inspiración.

¿Cómo sale Tarantino de este documental en el que el director nunca aparece, pero sólo se cuenta? Especialmente como entusiasta, como indica su sonoridad, un forastero que en un momento dado lo hizo, pero que nunca montó su cabeza. Un hombre entonces lleno de carisma contagioso capaz de gritar en el set, que siempre sigue en primera persona: “¡Muy bien! ¡Está bien con la escena! Pero filmamos otro porque nos encanta hacer películas”.

“Manic nerd”, “cinephile enciclopédico” (“puedes decir todo lo que sabes sobre una película, pero al final te enterrará con las cosas que sabe”) , “celuloide en vivo”, “DJ director”, son sólo algunas de las expresiones atribuidas a Tarantino que es definitivamente uno que realmente disfruta rodando: “A veces tuvimos que interrumpir la escena porque escuchas su risa”, dice el guionista Scott Spiegel.

El documental comienza cuando Tarantino, después de su experiencia en una tienda de cintas de vídeo, inicia a escribir guiones (A Life at best, Natural Born Killers y From Sunset to Dawn), y luego hace su debut con LE IENE (Palma de Oro en Cannes), en el Oscar al mejor guion original fue a PULP FICTION hasta su octava película como director: THE EIGHTFUL EIGHT.

Hablando de él, siempre con verdadero entusiasmo, están sus actores fans como Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Tim Roth y Christoph Waltz. Pero también hay entrevistas con personajes que han seguido toda su carrera como los productores Stacey Sher y Richard Gladstein.

Entre las sorpresas de este documental, destaca su reconocida capacidad para escribir personajes femeninos sus opiniones acerca del productor Harvey Weinstein acusado de numeroso acoso sexual.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios