Antología de Benedetti, más vivo que nunca por Joan Manuel Serrat

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El 14 de septiembre de 1920 nacía en Paso de los Toros, Uruguay, uno de los poetas más queridos y seguidos de todo el ámbito del español: MARIO BENEDETTI. Hoy, cuando se cumplen cien años desde aquel día, esta antología de sus poemas nos devuelve a un BENEDETTI más vivo que nunca: sus versos siguen siendo recitados, cantados, compartidos y recordados como si hubieran sido escritos ayer, como si contaran el mundo y las emociones que conocemos y vivimos en 2020.

Y es que la poesía de BENEDETTI ha trascendido el ámbito de lo literario y se siente, a ambos lados del océano, como parte de un patrimonio popular que nos enlaza a todos y que nos legamos unos a los otros de generación en generación.

En esta antología poética se unen de nuevo dos figuras queridas en el ámbito de la cultura en español. Una de ellas es, claro está, Benedetti. La otra, Joan Manuel Serrat (al que se ha llamado “el más latinoamericano de los cantautores españoles”), con cuyas canciones ocurre el mismo fenómeno que con los poemas de Benedetti: basta con escuchar los primeros acordes de una de ellas para que todos recordemos inmediatamente su letra.

En 1985 el poeta y el cantautor trabajaron juntos para componer el disco El sur también existe con canciones musicadas por Serrat que son en su mayoría versiones de poemas de Benedetti (todas excepto la que da título al disco, que ambos compusieron en coautoría) y que se convertiría, desde el principio, en uno de los más emblemáticos de Serrat. Ese fue el punto de partida de una amistad entre los dos que se mantuvo intacta hasta la muerte del poeta en 2009.

Ahora, cuando se cumplen treinta y cinco años de ese periodo de creación conjunta, Benedetti y Serrat vuelven a dialogar en este volumen, y ese diálogo vuelve a ser tan intenso y enriquecedor como lo fue entonces. En esta ocasión, el fruto de esa «conversación» es una antología que recoge algunos de los mejores poemas del autor uruguayo. El paso del tiempo le ha mostrado a Serrat nuevas facetas de la poesía de Benedetti y, con ello, también de la vida del autor. Porque poesía y vida van unidas en la obra de Benedetti, de todos los Benedettis que hay en Benedetti, como dice Serrat en su prólogo a la edición, «el oficinista rutinario, el montevideano de clase media, el periodista comprometido, el viajero curioso, el militante de la patria doméstica, el exiliado y el desexiliado, y también el intelectual parcial, el luchador político y, por supuesto, el poeta minucioso y trabajador que nunca dejó de ser». Porque Benedetti es el poeta de la vida, el de la experiencia cotidiana; y esta antología es una prueba del amor de Serrat por su poesía.

Cada lector de Benedetti podría organizar su antología personal del poeta, la que incluye sus poemas favoritos. Esta ANTOLOGÍA POÉTICA es la antología de Serrat. La selección de los poemas que la forman está hecha al dictado de su propio gusto, de sus emociones, de su conocimiento del poeta y de su obra, del redescubrimiento que supone leerle varias décadas después de El sur también existe.

Hay algo de cancionero al modo petrarquista en este libro. Porque los poemas, ordenados cronológicamente, dan cuenta de la vida del poeta, de sus inquietudes y sus desvelos, de la huella que las presencias y las ausencias, los viajes, los compromisos y los desengaños van dejando en él.

En palabras del propio Serrat, “en su obra, siempre llena de compromiso social, no falta nunca la imprescindible presencia del amor, el tema más universal de la poesía; bálsamo o veneno, el amor, siempre un apogeo de las relaciones humanas”. Generación tras generación, los enamorados colocaron en sus labios algunos de los versos aprendidos del poeta y los grabaron junto a sus nombres en las cortezas de los árboles de todos los parques. Las muchachas llenaron cuadernos con poemas de Benedetti y, desde el paredón de la fábrica, replicaba aquel que aprendimos huérfanos o en pareja y que aún hoy repetimos como una letanía. Esencias de un perfume que al sentirlo de nuevo nos devuelve el tiempo en que, felices o no, fuimos presente; versos que son sólo nuestros, que se hilvanan en la entretela del alma y que uno acaba amando como se ama a sí mismo. Pero al tiempo que el amor, a lo largo de toda su vida, por razones literarias o personales, la nostalgia y el exilio estarán presentes en la obra de Benedetti. A veces la nostalgia provocará el exilio, y otras será el exilio el que avive la nostalgia.

Mario Benedetti ha sido uno de los escritores más fecundos y populares de América Latina. Un hombre de aspecto frágil y sencillo, de gesto y voz mesurada, que acercó a la gente su palabra despojada de solemnidad. Escribió, a contramano de las modas imperantes y de la crítica, historias que son las peripecias del hombre medio. Visitó todos los géneros literarios: la novela, el relato, el teatro, pero fue la poesía su género predilecto, el que marcó más intensamente su vocación y el más abundante y popular de toda su obra. Probablemente Benedetti sea el poeta más leído en nuestro idioma y, con toda seguridad, el más cantado.»

UN DATO:

BENEDETTI publicó más de ochenta libros de los que se han hecho millares de ediciones en veinticinco lenguas y más de cincuenta países. Escribió poesía, cuento, novela, ensayo, crítica literaria… Fue letrista musical y sus poemas se han realizado cientos de versiones que han cantado, además de Serrat, artistas como Nacha Guevara, Daniel Viglietti, Pablo Milanés, Soledad Bravo, Rosa León, y Tania Libertad entre muchos otros. Y por todo ello es uno de los autores más importantes del catálogo editorial de Alfaguara tanto en España como en la región norte y central de América Latina en todos los formatos: trade, bolsillo, ebook y audiolibro.

Con esta antología, Alfaguara ―que ha contado con la colaboración de la editorial Visor para hacerla posible―, y con la reedición de la biografía definitiva del poeta, Un mito discretísimo. La biografía de Mario Benedetti, escrita por la directora de la Fundación Benedetti en Uruguay, Hortensia Campanella, celebra el centenario del poeta. «Emociona descubrir que la obra de un autor está tan viva que, en cada momento, por muchos años que pasen, consigue interpelarte hasta sentir que cuenta tu propia vida ―declara Pilar Reyes, directora editorial de Alfaguara―. Emociona también comprobar que el poeta más joven del mundo cumpliría hoy cien años.»

HAN DICHO:

“Me apasiona su poesía y su actitud ante la vida. Ha legado a Latinoamérica los ideales de libertad, justicia y solidaridad. Benedetti no nos dejará nunca, siempre estarán sus poesías”. Joan Manuel Serrat

“De su mundo literario nos quedan los bellos poemas y relatos que escribió, reivindicando con amor esas vidas incrustadas en la monotonía de la rutina, de heroísmo discreto, que van puntualmente a la oficina”. Mario Vargas Llosa

“Él nos enseñó que la poesía no es inventarse un lenguaje raro al margen de la sociedad sino tratar de la manera más respetuosa posible el lenguaje de la tribu. La necesidad de una dimensión cívica y ética de las palabras me parece importante y ahí está la enseñanza de Mario Benedetti”. Luis García Montero

“Esa combinación de tristeza e ironía, y de ingenuidad a veces rabiosa, que hay en sus versos, y en su vida, es la música que debe sonar de fondo”.- Juan Cruz

“Los versos de Benedetti saben a calle y a corazón partido y por eso muchos de ellos han sido cantados”. Joaquín Sabina

DE BENEDETTI (Paso de los Toros, Uruguay, 1920-Montevideo, 2009). Se educó en un colegio alemán y se ganó la vida como taquígrafo, vendedor, cajero, contable, funcionario público y periodista. Autor de novelas, relatos, poesía, teatro y crítica literaria, publicó más de cincuenta libros y ha sido traducido a veintitrés idiomas. Fue galardonado con, entre otros, el Premio Reina Sofía de Poesía 1999 y el Premio Iberoamericano José Martí 2000.

CON LETRA GRANDE

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Con Letra Grande: “SE LLAMABA ELENA ARIZMENDI”, la biografía

De las numerosas mujeres mexicanas olvidadas por la historia oficial, figura ELENA ARIZMENDI (Editorial Tusquets, 259 páginas, Biblioteca Fernando Díez Urdanivia, Escuela de Periodismo Carlos Septién García, Gabriela Cano), cuya recopilación en esta edición especial Centenarios, rescata la memoria de una pionera del feminismo hispanoamericano y fundadora de importantes instituciones de enfermería durante la Revolución mexicana, además de ser la musa y amante en la vida real de José Vasconcelos.

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Ficcionada como ‘Adriana’ por la pluma y los altibajos emocionales y pasionales de Vasconcelos, quien fuera candidato a la presidencia de México y uno de los pilares intelectuales del siglo XX, ELENA ARIZMENDI (1884-1949), al fin se le hizo justicia entre la misoginia de nuestra historia y el olvido de la literatura, en síntesis una reparación histórica.

Protagonista de una pasión extramatrimonial, que llega a todos los extremos imaginables, en Las Memorias de José Vasconcelos, refiere la autora Gabriela Cano, editadas en cuatro volúmenes (Ulises criollo, La tormenta, El desastre y El proconsulado), entre 1935 y 1939, se dedican algunas de sus mejores páginas a la intensa relación pasional que el protagonista, el propio José Vasconcelos , vivió con Adriana, cuyo nombre en la vida real era ELENA ARIZMENDI.

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“La relación amorosa entre Vasconcelos y Adriana -refiere la autora- comienza a desenvolverse en el volumen inicial de estas memorias, Ulises criollo, que abarca desde la niñez del protagonista hasta el inicio de la Revolución mexicana, cuando Vasconcelos y Adriana (Arizmendi) se conocen y comienzan un apasionado idilio extramatrimonial.

La historia amorosa adquiere mayor vehemencia en el siguiente volumen, La tormenta, que alude tanto a la tormenta revolucionaria de la que Vasconcelos fue protagonista, como la tormenta interior que le significó la relación pasional con Arizmendi y la inevitable ruptura ocurrida hacia 1916.

Fundadora de la Cruz Blanca, gestora, escritora feminista, amiga cercana del presidente Francisco I. Madero y su esposa Sara, acusada de ser una transgresora de los límites del decoro convencional mexicano, ELENA ARIZMENDI ocupa por méritos propios un sitio preponderante en la identidad histórica de México.

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ESCRITORA GABRIELA CANO

CON LETRA GRANDE

Por Roberto Rondero

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AUTOENGAÑO

En el centenario de su muerte, Emiliano Zapata. La fuerza de la imagen, por el 22

A partir de este lunes y hasta el próximo jueves 8 de abril, a las 11 y 17:00 horas, la telera nuestra de Canal 22, el Canal Cultural de México, transmitirá una programación especial dedicada a EMILIANO ZAPATA, la figura revolucionaria que permanece en el imaginario colectivo mexicano. 

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Su influencia ha llegado más allá de su participación en la Revolución Mexicana. El Caudillo del Sur se ha convertido en un estandarte de libertad y lucha, que es narrada en una programación especial.

 En el marco del centenario del asesinato de Emiliano Zapata, Canal 22 presenta un conjunto de cápsulas producidas por el Instituto Morelense de Radio y Televisión, además de producciones propias, a través de las cuales se conmemora y enaltece su importancia en el movimiento armado revolucionario y en la historia de México.

 En el primer programa se aborda el fenómeno de la fotografía, que llegó a México en 1839 y jugó un papel muy importante en las batallas de la Revolución Mexicana.

A lo largo de media hora, la historiadora Gabriela Hernández, el artista fotográfico Adalberto Ríos, la historiadora del arte Isadora Escobedo y el artista visualXolotl Polo, describen las funciones, las características y las influencias de las imágenes más populares de Emiliano Zapata.

Asimismo, se habla de la intervención y la fuerza que le dieron los muralistas Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros a esta imagen del revolucionario, la cual ha sido una de las más reproducidas de todos los tiempos.

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Emiliano Zapata. Se dice de mí. Mitos y leyendas de Emiliano Zapata

Martes 9 de abril, 11:00 y 17:00 h.

 Muchas son las historias que se cuentan sobre Emiliano Zapata; algunas perduran a través de las letras y otras por la tradición oral; unas coinciden y otras se contradicen, pero todas mantienen vivo al líder revolucionario. Las voces de familiares e historiadores se reúnen en la segunda entrega para narrar lo que saben de aquel hombre al que califican como guapo, inteligente, activo, trabajador y justo.

 Además, se plantea la devoción que Emiliano Zapata tenía por la Virgen de Guadalupe; reviven los testimonios que aseguraban que hablaba náhuatl; y relatan cómo el consejo de ancianos le dio a Zapata el liderazgo de la lucha contra el gobierno. También se muestran las distintas versiones que existen sobre la muerte de quien lideró del Ejército Libertador del Sur. 

Emiliano Zapata. Corridos Surianos, Juglares de la Revolución Zapatista

Jueves 11 de abril, 11:00 y 17:30 horas

Esta emisión se centra en los corridos zapatistas, que a raíz del movimiento armado, y los episodios violentos ocurridos de 1911 a 1919, en el estado de Morelos, ganaron popularidad en la región centro-sur del país. A lo largo del programa, el historiador Ricardo Pérez Monfort habla de cómo estos cantares fueron utilizados como herramienta ideológica, pues fueron una expresión popular arraigada en los sectores menos privilegiados de la sociedad, además de que sirvieron para salvaguardar la memoria del acontecimiento zapatista y ayudaron a construir las leyendas y mitos populares, esenciales para la narrativa de los corridos.

Al mismo tiempo, los músicos Fermín Bello Jesús Peredo mencionan la importancia de Marciano Silva, autor de los llamados corridos zapatistas, así como la labor de los Trovadores Surianos, quienes crearon, mantuvieron y cultivaron el repertorio para preservar dichos archivos memoriales.

Memoria viva de ciertos días: Zapata y Villa

Miércoles 10 de abril, 11:00 y 17:00 h.

El programa recuerda la unión de Emiliano Zapata y Francisco Villa, las adversidades a las que se enfrentaron durante la Revolución Mexicana, los ejércitos que lideraron, las ideologías que defendieron y las batallas que libraron juntos.

Óptico

Miércoles 10 de abril, 11:30 y 17:30 h.

En este capítulo de Óptico se repasan las fotografías de Zapata y se analiza por qué algunas de ellas se volvieron icónicas, así como la interpretación que se les ha dado a través del tiempo. Al terminar, se presenta Xochimilco 1914, cortometraje que revive el encuentro que el Caudillo del Sur y Centauro del Norte tuvieron en una vieja casa de la actual Ciudad de México, ambos acompañados de sus ejércitos.

 

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EL FIN DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL, HOY POR LA TELERA DE H2

En un especial de cuatro horas, la telera nuestra de H2 hace historia con EL FIN DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL (20 horas), cuando un día como hoy pero de hace 100 años, se firmara el armisticio que diera por terminado uno de los conflictos más sangrientos que haya tenido la humanidad, esto a inicios del siglo XX, de 1914 a 1918.

Dicho armisticio se firmó el 11 de noviembre de 1918. La llegada de las tropas estadounidenses, a principios de ese año, debilitó progresivamente a los alemanes y sus oficiales, en privado, concedieron que no tenían ninguna esperanza de victoria.

Una serie de cartas, la forma de comunicación más confiable en una época en la que los métodos electrónicos estaban en su infancia, marcó el camino hacia la paz.

Las negociaciones formales empezaron el 8 de noviembre de 1918 en un lujoso vagón de tren que había sido instalado en un bosque cerca de París.

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La delegación alemana, liderada por el civil Matthias Erzberger, no tuvo otra opción que aceptar los duros términos de Reino Unido, Francia y Estados Unidos.

Al final de un día trascendental, el contraalmirante Sir George Hope, miembro de la delegación británica, escribió a su esposa Arabella.

Paradojas del devenir histórico, 21 años después el inicio de la Segunda Guerra Mundial, volvió a poner en la palestra bélica a la Alemania nacionalsocialista de Adolfo Hitler en contra del planeta y del eje aliado.

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Ingmar Bergman, centenario

ROMA.- Cien años atrás se encendía la luz de Upsala, aquél resplandor de arte puro, de humanas contradicciones, de intuición formidable en la oscuridad del alma humana que hoy reconocemos en INGMAR BERGMAN.

Cien años del nacimiento (14 de julio de 1918), pocas semanas de la muerte (el 30 de julio de 2007), el mismo día que Michelangelo Antonioni, burla de un destino indiferente que hizo que cada uno robase espacio al otro en la gloria póstuma.

Del Festival de Cannes al “Cinema Ritrovato” de Bolonia los momentos dedicados a la memoria de Bergman, mientras se multiplican cada día y ya con dos filmes (uno rubricado por Margarethe Von Trotta) suscitan discusiones, reflexiones, elogios.

Y luego los casi previsibles homenajes al genio, y cada vez retorna la pregunta que acompaña siempre la memoria de los grandes artistas: qué deja su obra, dónde se encuentran los fragmentos de aquella luz cegadora que se traduce en obras maestras perfectas como “Fresas salvajes”, “El séptimo sello”, la “Trilogía del Silencio”, “Gritos y Susurros”, “Fanny y Alexander”.

La primera respuesta obvia llevar a observar a Woody Allen, que del mito de Bergman estuvo siempre obsesionado, hasta cambiar sus figuras estilísticas abandonando siempre más a menudo la elegancia de la comedia de conversación para elegir la vía de la introspección psicoanalítica con títulos como “Hannah y sus hermanas”, “Crimen y Misterio”, “Otra Mujer”, “Esposas y Maridos”.

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El segundo aliciente no habla de heredad, pero sí de consonancia astral, aquella sintonía entre estrellas lejanas e inexorablemente atraídas que por toda la vida influenció a Fellini en su diálogo silencioso con Bergman, tanto que por un breve momento los dos hicieron hasta amago de proyectar un filme a dos voces.

Más sorprendente -lo confiesa Olivier Assayas a Von Trotta – es la impronta bergmaniana sobre la Nouvelle Vague, aquella sensibilidad a los secretos del alma femenina que se encuentra en el primer Rohmer, en las obras más sinceras de Francois Truffaut, en el cine de Francois Ozon y del propio Assayas (“Sills Maria”).

Y los arroyuelos de esta inexhausta investigación ética y religiosa se insinúan, en los años ’70, también en la obra del alemán Fassbinder y en las reflexiones estéticas de Alexander Kluge. Más superficiales los giros del cine norteamericano que descubre el psicoanálisis, en la nueva onda del cine rumano (Christian Mungiu realizó desde el comienzo de su profesar la fe bergmaniana).

La barrera de la formación luterana y el magisterio de Strindberg e Ibsen mantienen lejos a Bergman de las raíces del cine italiano así como, por paradoja, limitan su influencia en el cine escandinavo que, Liv Ullman aparte, busca la distancia del maestro inalcanzable.

A cien años del nacimiento puede expresarse que nadie puede decirse, con total certeza, distante de Bergman: porque ninguno como él supo indagar el alma femenina, pues ningún otro ha sabido trasladar el psicoanálisis de experiencia abstracta al inconciente con una visibilidad lacerante, porque su idea del cine como espacio cerrado en el que se mueven y toman forma los sentimientos y las pasiones es auténtica arquitectura de la imagen.

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Esto es y quizás es
menos conocida la pasión omnívora del espectador Ingmar hacia el cine del mundo.

En su videoteca personal Sokurov se hallaba junto a “Pretty Woman”, el cine mudo de sus maestros Molander y Sjoberg se entrecruzaba con las comedidas musicales de Jacques Demy, Polansky (por él amadísimo y otro heredero de sus pasiones secretas) estaba junto a Kubrick y Sergio Leone.

Acaso el único elemento del cine de Bergman que halla pocos equivalentes en el cine de hoy es el sentido del encuadre que compartía con John Ford. En su idea de la imagen, el espacio es aquello diseñado por el artista, un cuadro perfecto en el cual inscribir los movimientos de los personajes que no tienen necesidad de “sentir” la cámara de cine para dar cuerpo a sueños, pesadillas, confesiones y palabras.

Una vez, Max von Sydow, uno de sus grandes intérpretes, dijo de Bergman: “Cuando estamos en el set el ojo de Ingmar nos escudriña como un entomólogo. Entre nosotros solo una lente y dentro de la exposición nos movemos como bacterias enloquecidas hasta descubrir la verdad descarnada de nuestra alma. Por ello Bergman no tiene necesidad de palabras, le sirve simplemente suscitar la verdad no osamos confesar”. Una técnica que, paradoja, pertenece a un cineasta de la verdad y de la ficción absoluta como Lars von Trier.

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POR Giorgio Gosetti / ANSA

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FRASES PERSE DE JUAN RULFO

En el centenario de su natalicio, el escritor jalisciense JUAN RULFO, la mejor manera de homenajearlo es visitando o revisitando su obra, desde la primera línea de su obra maestra, EL LLANO EN LLAMAS, en la que dejó para la posteridad literaria algunas frases de su universo melancólico, recopiladas por Verne en El País.

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Aquí algunas de ellas: “Cada suspiro es como un sorbo de vida del que uno se deshace”, “¿La ilusión? Eso cuesta caro. A mí me costó vivir más de lo debido”, “Nada puede durar tanto, no existe ningún recuerdo por intenso que sea que no se apague”, “Hay pueblos que saben a desdicha. Se les conoce con sorber un poco de aire viejo y entumido, pobre y flaco como todo lo viejo”, “La muerte no se reparte como si fuera un bien, nadie anda buscando tristezas”.

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UN DATO:

La fotografía fue la segunda pasión artística de Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno (Sayula, 1917). Comenzó a capturar imágenes antes de publicar sus libros y a lo largo de su vida desarrolló distintos proyectos fotográficos, propios y por encargo. Después de los dos retratos del escritor que aparecen a continuación, se muestran nueve imágenes hechas por el propio Rulfo.

 

CON LETRA GRANDE

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