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Tina Turner abre las puertas del Salón de la Fama del Rock and Roll

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CLEVELAND.– “¡Estoy absolutamente emocionada de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll entre artistas tan increíbles! ¡Gracias por todo su continuo amor y apoyo a lo largo de los años! Con amor, Tina”, así lo declaró TINA TURNER luego de ser incluida en su clase de miembros de 2021.

La ceremonia de inducción se llevará a cabo el 30 de octubre, 2021 en el Rocket Mortgage Fieldhouse en Cleveland, Ohio con una transmisión simultánea de radio en SiriusXM por canal del Salón de la fama del Rock & Roll, 310.

La ceremonia de inducción saldrá al aire posteriormente en HBO y via streaming en HBO Max. Tina será incluida en la categoría de intérprete junto a Carole King, The Go-Go’s, JAY-Z, Foo Fighters y Todd Rundgren; con Clarence Avant (Premio Ahmet Ertegun), LL Cool J, Billy Preston, Randy Rhoads (Premio a la excelencia musical) y Kraftwerk, Charley Patton y Gil Scott-Heron (Premio a la influencia temprana). Turner y Carole King se unen a Stevie Nicks como las únicas mujeres que han sido incorporadas varias veces, con Turner previamente incluida como parte de Ike & Tina Turner en 1991.

TINA TURNER es venerada en todo el mundo, inspirando a millones a través de su propia historia personal, su canto, su baile y más. Su legado musical es una colección de algunas de las canciones más conocidas de todos los tiempos, solo diga la frase You’re Simply the Best, ¡sería difícil encontrar a una persona que no conozca la siguiente línea! Ella es uno de las artistas más vendidas de todos los tiempos (200 + millones de discos), con múltiples números 1, discos de platino en todo el mundo, 12 premios Grammy ® , un Premio Grammy A La Trayectoria , una estrella tanto en los paseos a la fama de Hollywood y St. Louis paseo de la fama y mucho más.

Tina saltó a la fama por primera vez en 1958 a los 19 años como dúo con Ike Turner, dando lugar a Ike & Tina Turner Revue . Produjeron una serie de éxitos notables como A Fool In Love (1960), It’s Gonna Work Out Fine (1961), River Deep – Mountain High (1966), Proud Mary (1971) y Nutbush City Limits (1973). En 1976, tras años de soportar el abuso físico, emocional y sexual por parte de Ike, Tina pide el divorcio e inicia su carrera en solitario.

En 1977, volvió a subir al escenario haciendo giras rigurosas, lanzando un puñado de álbumes, pero no igualaron la fanfarria o el éxito de sus increíbles shows en vivo. Luego, en noviembre de 1983, lanzó una versión de Let’s Stay Together de Al Green, que se convirtió en un éxito. En junio de 1984, a los 45 años, lanzó el álbum Private Dancer y su segundo sencillo What’s Love Got to Do with It se convirtió en un éxito mundial al igual que el álbum. Private Dancer fue 5x platino en los Estados Unidos y 3x platino en el Reino Unido, catapultando a Tina de nuevo al estrellato.

Después de su papel principal en Mad Max Beyond Thunderdome (1985) y su álbum Break Every Rule (1986), Tina se embarcó en la colosal Break Every Rule World Tour, con 218 shows, incluido un concierto en el Estadio Maracaná, Río de Janeiro en 1988; un récord mundial Guinness por la mayor asistencia a conciertos en ese momento, con más de 180.000 espectadores. El éxito de Tina siguió con el álbum Foreign Affair (1989) que incluía una de las canciones más importantes de los 80 en The Best. Los años 90 continuaron con el gran éxito de Tina, incluida la película biográfica de 1993 What’s Love Got To Do With It con Angela Bassett respresentando a Tina , y el lanzamiento de GoldenEye (1995) , el tema musical de la película de James Bond GoldenEye , como parte de su álbum de 1996 Wildest Dreams.

Su último álbum de estudio Twenty Four Seven llegó en 1999, con Tina anunciando su retiro después de la gira del álbum. Fue honrada por los Kennedy Center Honors en 2005, con Beyoncé rindiendo homenaje a su ídolo, y Tina, haciendo un cover de Proud Mary. Más tarde, Tina se asociaría con Beyoncé en los Premios Grammy de 2008 para una actuación especial, a menudo aclamada como uno de los momentos Grammy más icónicos de la historia. Más tarde ese mismo año, Tina anunció que estaba saliendo de una jubilación para una última gira y celebrar sus 50 años de carrera en el escenario. En los últimos tiempos, Tina lanzó su conmovedora y apasionante autobiografía My Love Story, así como su historia llevada al escenario, con el estreno de Tina: The Tina Turner Musical en Aldwych Theatre, Londres en 2018.

Un éxito monumental, el espectáculo continúa funcionando y desde entonces se ha inaugurado en Hamburgo (2019), Broadway (2019) y Utrecht (2020) con gran recibimiento por parte del público y la prensa. 2020 vio el lanzamiento de otros dos libros Tina Turner: That’s My Life y Happiness Becomes You’ Ese mismo año,la súper estrella global, productor y DJ KYGO hizo un remix del éxito What’s Love Got to do With It, logrando que Tina se convirtiera en la primera artista en tener un éxito top 40 en siete décadas consecutivas en el Reino Unido.

A principios de este año, el largometraje documental TINA fue lanzado con elogios de la crítica, de los directores ganadores del Oscar® Dan Lindsay, TJ Martin y Lightbox, la compañía de producción fundada por el productor ganador del Oscar Simon Chinn y el productor ganador del Emmy® Jonathan. Chinn, junto con la productora nominada al Emmy Diane Becker. La película es una mirada reveladora e íntima a la vida y carrera del ícono musical Tina Turner, trazando su improbable ascenso a la fama temprana, sus luchas personales y profesionales a lo largo de su vida y su resurgimiento aún más improbable como fenómeno global en la década de 1980.

Disponible en HBO (Estados Unidos), SKy Documentaties and Altitude film ( UK), FOXTEL ( Australia) Tina continúa siendo una de las artistas más queridas del mundo y esta increíble carrera continúa ganando impulso y encontrando nuevos fanáticos.

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“El Padre” y la vejez insoportable

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LONDRES.- El primer trabajo fílmico del escritor y cineasta francés Florian Zeller, EL PADRE, se asemeja de inicio a una película aparentemente distante como Sexto sentido de Night Shyamalan. Porque la realidad dilatada de Anthony (Anthony Hopkins), este distinguido anciano que vive en una gran casa londinense, es tan verdadera y posible que piensa en un ataque a su cordura.

EL PADRE adquiere tal similitud cuando Anthony conoce a su hija Anne (Olivia Colman), a quien reconoce y con quien habla, pero un instante después, ya no la reconoce o, al entrar en el salón, encuentra a un extraño sentado, ni siquiera demasiado agradable, haciéndose pasar por su cuñado.

EL PADRE es más que hablar de demencia senil, es un film que se vive paso a paso, secuencia tras secuencia, con los mismos ojos que Anthony, y eso es muy difícil de soportar. En los cines con Bim – a partir del 20 de mayo en el idioma original (con subtítulos en italiano).A partir del 27 de mayo en versión italiana-, THE FATHER, que ganó dos Oscar, a Hopkins por Mejor Actor en un papel protagónico y el del Mejor Guion no Original, firmado por el mismo director francés de 41 años junto a Christopher Hampton (Expiación, The Dangerous Relationships).

La película está basada en la obra THE FATHER (Le père) también escrita por Florian Zeller, que se estrenó en París en 2012, ganando el Premio Molière a la Mejor Comedia, antes de debutar en Broadway y en el West End de Londres, donde ganó los premios Tony y Olivier al Mejor Actor (fue para Frank Langella y Kenneth Cranham respectivamente).

En THE FATHER, Anthony, de 81 años, además de perder continuamente su reloj y creer cada vez que le fueron robados, rechaza a toda la gente, o más bien a los cuidadores, que su afectuosa y paciente hija Anne intenta imponerle. El hecho es que su hija ya no podrá visitarlo como antes porque decidió mudarse a París con un hombre que acaba de conocer.

Es inevitable, como sucede en la escena más desgarradora de la película, que el viejo Anthony en un momento dado se encuentre llorando, invocando a su madre como un niño, y diciendo desesperadamente a sí mismo: “Me siento como un árbol perdiendo todas sus hojas”.

En el reparto, más allá de Hopkins y Colman (nominada al Oscar por el papel de Anne y ganadora del Oscar por The Favorite en 2019), encontramos a Mark Gatiss (The Favorite, la serie de televisión Sherlock), Imogen Poots (Green Room, Let’s Not Throw Us Down), Rufus Sewell (Judy, la serie de televisión The Man in the High Castle) y Olivia Williams (Victoria and Abdul, An education).

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Ni tarda ni perezosa, Glenn Close entra de lleno al mundo musical

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NUEVA YORK.- Si no se puede con el Oscar, GLENN CLOSE irá por el Grammy, el caso es que la famosa actriz de 74 años, ni tarda ni perezosa, decidió lanzarse al mundo del jazz, para lo cual se unió a Ted Nash, para un nuevo álbum que sale a la venta este día.   

Después de que una vez más no obtuvo el premio Oscar, GLEN CLOSE se adentra en el mundo musical con su amigo y saxofonista Nash

El álbum de jazz está compuesto por canciones compuestas por Nash, de las cuales Close le puso su voz en tres de ellas.

CLOSE consideró que el jazz es algo nuevo para ella. “El jazz siempre me ha intimidado porque pensé que era una cosa cerebral”, admitió en una entrevista. “Ted y Wynton y todos los músicos increíbles del Jazz at Lincoln Center me abrieron los ojos y ahora encuentro un consuelo extremo en el jazz”.

El álbum está inspirado en el espectáculo Transformation, que tuvo lugar durante tres noches, justo antes de la pandemia, en el Jazz at Lincoln Center de Nueva York. Aunque Close no se considera músico, su sueño es tocar un bajo eléctrico.

“Tengo un fabuloso bajo eléctrico Gibson y estoy tomando lecciones”, dijo la actriz de Connecticut. “Solo quiero estar en contexto”. 

GLENN CLOSE encabezó recientemente titulares de música por su juguetón baile de Da Butt en los Premios de la Academia.

“Aprendí de (música) go-go y ciertamente de la escena musical de Washington de esos años. Pude hacer ese pequeño fragmento de Da Butt porque había visto el video musical de Spike (Lee). Cerca de los Oscar y después, estaba haciendo este maravilloso personaje para Gore Verbinski que no saldrá en un par de años… pero, era todo (música) funk. Y ahora he vuelto al jazz. Es muy divertido e interesante”, dijo Close.

La actriz galardonada con premios Emmy y Tony está acostumbrada a sus estrenos en cine y televisión, pero lanzar un álbum es una novedad para ella: “Estoy muy, muy emocionada de que salga al mundo, especialmente ahora”.

Close colaboró con Nash en sus discos anteriores, pero ambos coprotagonizan Transformation: Personal Stories of Change, Acceptance, and Evolution, un álbum hablado de jazz con 11 piezas que abordan temas serios como raza, política, identidad y más. Nash, un miembro de la Jazz at Lincoln Center Orchestra, tenía la labor de componer música para acompañar las palabras, que incluyen versos nuevos con fragmentos seleccionados por Close de los poetas Ted Hughes y Conrad Aiken, el biólogo E.O. Wilson y el dramaturgo Tony Kushner.

Close, quien da su voz a tres canciones, convocó a amigos como el músico y director artístico de Jazz at Lincoln Center Wynton Marsalis, además de algunos de los músicos del lugar, para completar el álbum. La actriz nominada al Oscar Amy Irving lee One Among Many, escrita por la exradical Judith Clark a pedido de Close, y el actor ganador del Emmy Wayne Brady interpreta tres canciones temas e incluso escribió uno titulado A Piece by the Angriest Black Man in America (or, How I Learned to Forgive Myself for Being a Black Man in America), sobre su experiencia como un hombre negro en Estados Unidos.

“Siento que cada vez que hay un nuevo proyecto, es una oportunidad para crecer como artista y adoptar nuevas ideas. Creo que eso es algo que a medida que envejezco, me doy cuenta de que es más importante para mí”, dijo Nash.

“Fue muy conmovedor y Ted no sabía si iba a poder hacerlo, de hecho. Pero cuando pones tu alma en tu instrumento, en tu música, creo que fue una experiencia muy sanadora para él”, dijo Close. “Una experiencia muy transformadora”.

“Cuando (mi hijo) comenzó a leer la pieza, no esperaba sentir lo que sentí”, explicó Nash. “De pronto me di cuenta de que todos los demás están oyendo esto. Están escuchando esta pieza personal que era una carta para mí y yo estoy tocando (música) con ella. Me sentí muy completo. En todo caso, me ayudó a tener una oportunidad más profunda de expresión”.

Close, Nash, la orquesta y los invitados especiales grabaron el álbum en Jazz at Lincoln Center en Nueva York el año pasado antes de la pandemia de coronavirus. Close dijo que antes de hacer el álbum el jazz la intimidaba un poco.

“Pensaba que tenías que saber lo que estás escuchando, pero ahora simplemente estoy inspirada por él porque creo que es profundamente estadounidense y también profundamente humano”, dijo la actriz. “Es una expresión de la condición humana, la disonancia, la armonía. Todos esos instrumentos diferentes retroalimentándose. En un mundo bueno, todos tienen la oportunidad de ponerse de pie y tocar su parte”.

Aunque Close, de 74 años, es más conocida por sus películas y ocho nominaciones al Oscar, además de tres Emmy por su trabajo en la TV, siempre ha estado cerca de la música. Uno de sus tres Tony fue por el musical Sunset Boulevard y también fue nominada por su actuación en Barnum. Incluso recibió una nominación al Globo de Oro a la mejor canción original como coautora del tema Lay de Albert Nobbs de 2011, una película producida, coescrita y protagonizada por Close, dirigida por el colombiano Rodrigo García.

Al preguntarle si alguna vez ha tomado un instrumento, respondió riendo: “Los tomo, pero no necesariamente los toco”.

“Mi gran sueño es aprender a tocar el bajo. Quiero sentarme al fondo con un sombrero genial. De hecho tengo un bajo Gibson muy chévere y comencé a tomar clases, pero entonces salgo a trabajar y todo se derrumba y se me olvidan cosas”, dijo. “Pero si puedo aprender unas seis canciones y tocarlas muy bien, creo que sería divertido”.

Hacer equipo con Nash le permitió cumplir otro sueño: lanzar un álbum de larga duración sobre el mundo real. Y Nash tiene grandes expectativas para su colaboración: quiere provocar un cambio en el mundo.

“Puedes sacar lo que quieras de este proyecto, sea simplemente disfrutar de Wayne Brady y la manera en que habla o pensar que lo que está diciendo es suficientemente profundo para llevarte a emprender una acción, o algo entremedio. Mi meta es llevar a la gente a algún tipo de acción reflexiva, pero quizá esa es una meta idealista”.

Otra meta: ganar un Grammy, especialmente porque eso acercaría a Close a ser una estrella EGOT (acrónimo usado para artistas que han ganado premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony).

“Los premios nunca deberían ser la razón para hacer nada… pero sí creo que, y esto es algo personal, me encantaría ver a Glenn ganar un Grammy porque entonces tendría tres de los cuatro EGOT”, dijo Nash.

Close conoce de Grammys. Fue postulada tres veces en la década de 1980, aunque dijo: “Se me olvidó, de hecho, que estuve nominada a un Grammy”.

Una vez incluso llegó a competir con John Lennon, Yoko Ono y Jesse Jackson. ¿Quién ganó? Jack Nicholson, Ben Kingsley y Robin Williams, fallecido en 2014.

“¡Ahhh!”, dijo posando una mano sobre su corazón. “Estoy muy orgullosa de haber perdido ante Robin Williams”.

“Bueno, me encantaría que esto recibiera un (Grammy)”, agregó. “Incluso ser nominada sería increíble”.

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Britney Spears, Demi Lovato y Paris Hilton, unidas por las docuseries

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HOLLYWOOD.- BRITNEY SPEARS, DEMI LOVATO y PARIS HILTON están acostumbradas al éxito, a los dimes y diretes y al escrutinio público a través de los medios de comunicación, pero ahora también se verán unidas por las docuseries.

Las tres han sufrido en carne propia el acoso de los paparazzi, el interés obsesivo de los fans, seguidores y revistas de chismes, acerca de su fragilidad y aspectos íntimos.

Ahora las vidas de estas famosas, se ven reflejadas en las docuseries Demi Lovato: Dancing with the Devil de Michael Ratner y Alexandra Dean y el documental de Britney Spears This is Paris de Samantha Stark.

Un interés renovado, en el caso de la cantante de Toxic (sobre la que ya hay otras películas de no ficción en proceso), que resultaron útiles para relanzar su acción legal contra la protección de su padre (se habla de una nueva audiencia a mediados de julio), que ahora gestiona su herencia, aunque Britney Spears ha tachado en Instagram de “hipócritas” las películas sobre ella porque critican a los medios que la atacaron pero “luego les gustan” continuando exaltando “las partes negativas y más traumáticas de mi vida”.

Las opiniones de Demi Lovato y Paris Hilton, coproductoras ejecutivas, son totalmente diferentes. En el caso de los docuseries de cuatro partes de YouTube Demi Lovato: Dancing with the Devil de Michael D. Ratner, la cantante, sus colaboradores y su familia también relatan sin censura la sobredosis casi fatal que enfrentó la estrella del pop en 2018 y las consecuencias que causó. “Tuve la oportunidad de contar mi historia en un momento en que el mundo había sido hecho en silencio por covid -explica Lovato en las reuniones de streaming organizadas por la revista deadline para los contendientes de la temporada en las categorías documentales y programas ‘no escritos’- . Fue una experiencia terapéutica”.

De acuerdo con Paris Hilton en This Is Paris de Alexandra Dean (YouTube Originals), por primera vez habla sobre el abuso que sufriría en un internado especializado en “enderezar” a chicos difíciles. Antes de que la película debutara “estaba aterrorizada – dice – pero cuando la cantidad de amor y apoyo recibido de todo el mundo salió, fue abrumador”.

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Casting de automóviles en la novena de “Rápidos y Furiosos”

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LOS ANGELES.- Contadas películas piden tanto ser vistas en una sala de cine como las de la saga RÁPIDOS Y FURIOSOS. La novena entrega aspira a convertirse en uno de los acontecimientos cinéfilos de la temporada veraniega.

Y cuando se pensaba que se había visto todo VIN DIESEL revela que también hacen audiciones para los autos que utilizan en las películas de RÁPIDOS Y FURIOSOS. El éxito de la franquicia alrededor del mundo es innegable, inclusive nos hemos acostumbrado a ver cómo la taquilla explota cada vez que una nueva entrega llega a salas, lo cual podría volver  a suceder con RÁPIDOS Y FURIOSOS al apostar por una alocada historia que lleve a los protagonistas al espacio. 

Es habitual escuchar sobre los procesos de audición que se llevan a cabo para encontrar el reparto idóneo en cada película. Algunos actores envían videos caseros a los productores y directores, otros más leen sus líneas de manera presencial y esperan semanas para saber si se hicieron del personaje. ¿Te imaginas un automóvil haciendo una de estas pruebas para ser conducido por Roman (Tyrese Gibson) o Letty ( Michelle Rodriguez)? Por inusual que parezca, Diesel lo confirmó en entrevista con Uproxx.

No sólo se trata de cuántos caballos de fuerza tienen en su interior o la belleza del diseño con marcadas líneas aerodinámicas, el secreto detrás de cada uno de los autos protagonistas que hemos visto en todas las producciones de esta saga va de acuerdo con el personaje que entrará por sus puertas. Por esta razón han asociado a Dominic (Diesel) como un sujeto rudo e intimidante, por lo que siempre lo vemos conduciendo algún tipo de muscle car o al menos un modelo de potencia desbordante, sí… de acuerdo a su personalidad. El planteamiento de la producción que busca un vehículo según las características de su conductor es realmente práctico y termina por mantener contenta a su enorme base de seguidores.

El 2 de julio será cuando el blockbuster invite al regreso masivo del público a las salas. Y para celebrarlo, nadie mejor que Vin Diesel, que ha lanzado un vídeo invitando a los espectadores a volver al cine y lo hace en un esmerado español.

Sin duda, el actor es consciente de la repercusión internacional de la franquicia y no ha dudado a atreverse a hablar en español para invitar a todo el público de habla hispana -el segundo idioma más hablado del mundo- a disfrutar tanto de Fast & Furious 9 como de la experiencia cinematográfica en sí.

“Por más de 100 años, ha habido un lugar donde nos juntamos para entretenernos: el cine. Después de estar separados por tanto tiempo, es hora de volver a estar juntos, para reír, para aplaudir”, comienza a narrar Diesel, quien añade que el reparto está más que listo para “hacerle disfrutar” de nuevo al público.

“Nadie vuelve como las películas. Nos vemos pronto”, continúa en un clip cargado de espectaculares y pirotécnicas escenas de acción de la nueva entrega de la saga.

Todo un gesto del gran Dom Toretto, que muestra su compromiso tanto con el público como con los exhibidores. No hay mejor manera que calentar motores.

Fast & Furious es una de las sagas cinematográficas más exitosas del mundo, con más de 5.000 millones de dólares recaudados en taquilla y que, justamente, en este 2021, está de aniversario, puesto que se cumplen 20 años del lanzamiento de la primera entrega.

Junto con Diesel, vuelve la familia Fast, con el regreso de Michelle Rodríguez, Tyrese Gibson, Chris Ludacris Bridges, Jordana Brewster, Nathalie Emmanuel y Sung Kang; además del retorno de Justin Lin como director. Además, también estarán Charlize Theron, Helen Mirren y la incorporación de John Cena como el hermano perdido de Dom y el temible villano de esta novena entrega.

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El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

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NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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“Star Wars: The Bad Batch”, serie de estreno este día por Disney+

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HOLLYWOOD.- Ganar una guerra, en qué lado están los buenos y por quién es correcto luchar, es el punto de partida de la espectacular de la nueva serie animada STAR WARS: THE BAD BATCH, que debuta en Disney+, el Día de Star Wars, este día, con un estreno especial de 70 minutos, seguido de nuevos episodios todos los viernes a partir del 7 de mayo.

La serie retoma la historia desde el final de otra serie animada, ya de culto, en el universo de Star Wars, The Clone Wars (2009-2020), que se situó, como marco temporal de la saga, entre las películas Star ‘Attack of the Clones (2002) y Revenge of the Sith (2005). Las guerras de clones en siete temporadas relataron los conflictos en la República Intergaláctica entre el ejército de clones liderados por la Orden Jedi y los ejércitos separatistas de droides.

Guerras orquestadas por el Canciller Palpatine/Sith Lord Darth Sidious, para deshacerse del Jedi y convertir la República en el tiránico Imperio Galáctico. Justo en la séptima temporada, los aficionados del mundo concebidos por George Lucas, habían conocido al equipo de élite, Clone Force 99, creado con ‘réplicas humanas’ ‘modificadas para que adquiriera habilidades únicas, que encontramos como protagonista absoluto en la nueva serie.

Está compuesto por el Cazador coposquadra, capaz de rastrear a cada presa; estratega militar Echo, el especialista en computación tecnológica y armas; el poderoso Wrecker, con más fuerza que cualquier otro clon, el francotirador francotirador rígido.

El equipo se reunirá con una misteriosa niña, Omega y la confrontación cada vez más frontal con el Imperio lleva al grupo a rebelarse y al salir. Un lote de clones, que desde la perspectiva del imperio resulta ser “defectuoso”, como sugiere el título. No faltan los primeros episodios, sorpresas y cameos en los que los fans han estado especulando durante meses.

The Bad Batch es el sucesor espiritual de The Clone Wars – explica Brad Rau, supervisor director y coproductor ejecutivo de The bad Batch, entre otros, a uno de los nuevos hitos creativos del universo de Star Wars, Dave Filoni, director y productor ejecutivo, de producciones como The Clone Wars y The Mandalorian.

“Queríamos honrar su estilo y herencia. Trabajamos mucho en los detalles y nos centramos y ayudó a que el mismo equipo trabajara en gran medida en la serie animada de la saga”.

Dando voz a los miembros de Clone Force 99, como en The Clone Wars, en la versión original hay un actor de voz único, Dee Bradley Baker, leyenda del sector, que en su carrera ha trabajado en más de 300 producciones, de las cuales la gran parte animada, desde Avatar – La leyenda de Aang a Ben 10.

“Los soldados de Bad Batch son un equipo unido y al mismo tiempo no lo son – dice Baker – no siempre obedecen órdenes o actúan juntos como los otros clones”. En la serie “experimentan un momento de transformación” dentro y fuera del equipo, en un universo donde “la guerra ha terminado, pero las implicaciones de vivir bajo el Imperio aún no se entienden del todo. Sentaron las bases para todo lo que sabemos que sucede a continuación”.

La guionista principal de The Bad Batch es Jennifer Corbett (también coproductora ejecutiva), quien anteriormente fue oficial en Marina e hizo su debut televisivo trabajando en NCIS.

“Tener experiencia directa del uniforme, me permitió entender plenamente la dinámica en este equipo. Sé cómo convertirte rápidamente en hermanos y hermanas cuando te envían juntos en una misión. Sé que la camaradería y también se le desahogó que intercambias cuando vives en un contrato cercano con otras personas en situaciones muy estresantes. Esto es lo que quería traer a este equipo, que a pesar de ser soldados de élite son como una familia. Todo manteniendo sus diferentes perspectivas.”

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China impone murallas al Oscar y a Zhao con poder y contra la cultura

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PEKIN.– La República Popular China suspendió de manera indefinida la trasmisión de la ceremonia de los Oscar. Fue una decisión política más que cultural. En los países de partido único la cultura es manejada desde las esferas de poder. Esto no es nuevo. Pero aquí no habrá referencia directa a esta forma peculiar de trabajo cultural.

Una directora china, formada en Londres y radicada en los Estados Unidos, acaba de ganar el premio Oscar a la Mejor Película. Se llama Cloe Zhao, tiene 39 años y es reconocida como una de las cineastas más destacadas y talentosas de los últimos años.

Nacida en Pekín, su padre fue un exitoso ejecutivo del acero y su madrastra lo era la conocida actriz de comedia china Song Dandan.

Zhao abandonó su país natal a los 14 años. A mediados de 1990 se fue a vivir a Inglaterra para estudiar en Brighton, a pesar de que hablaba el idioma inglés con suma dificultad.

Pero a ella le encantaban los desafíos. Triunfó en un país diferente, en una cultura diferente por su manera de entender y hacer suyas las esferas del saber. Era brillante y muy pronto el idioma inglés no fue un obstáculo.

Después de Brighton, se fue a los Estados Unidos, país donde estudió Ciencias Políticas en Massachusetts antes de mudarse a Nueva York, en 2010. Una vez radicada en la Ciudad de los Rascacielos, se integró al posgrado de cine de la Tisch School of the Arts de Nueva York, cuyo director artístico era Spike Lee.

Aquel fue un momento crucial. Comenzó su primer largometraje Songs My Brothers Taught Me, una historia de transición a la adultez filmada en una reserva de nativos norteamericanos en Dakota del Sur, con actores no profesionales.

En medio de la filmación conoció a un jinete de rodeo llamado Brady Jandreau y decidió armar su próxima película en torno a él.

The Rider, estrenada en 2017 (y donde el padre de Zhao figura como Productor Ejecutivo), cuenta la historia de un joven llamado Brady que trata de vivir con las secuelas de un grave accidente de rodeo.

El filme fue elegido como mejor película del año por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de EE. UU. y del programa de cine de BBC Radio 4.

The Rider refinó su sello distintivo, su “art poética” en el cine de estilo neorrealista: elegir personas que no son actores para contar un drama personal emotivo y conmovedor en una forma de realidad ficticia, filmada por lo general en espacios abiertos bañados por la luz dorada del sol y con un entramado social de trasfondo.

Siempre se ha sentido como una extraña. Por eso la atraen personas de la periferia con estilos no convencionales, como los que viven en camionetas y cuyas vidas transitorias, impredecibles pero a menudo libres se documentaron en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de Jessica Bruder adaptado al cine y piedra angular de su filme.

Ese detalle la llevó a conocer la vida de muchos personajes y eligió a algunos para que interpretaran versiones de sí mismos, junto a la protagonista principal Fern, un papel ficticio interpretado por la actriz Frances McDormand.

Nomadland sonó como la gran ganadora del Oscar desde septiembre pasado, cuando se convirtió en la primera cinta en obtener los principales premios en los festivales de cine de Toronto y Venecia. La directora se convirtió en una de los cineastas más famosas de Hollywood.

Su próximo film anunciado se titula Eternals, donde usará voces distintivas para recrear una de las famosas historietas de Marvel, sobre superhéroes inmortales con actuaciones de Angelina Jolie, Salma Hayek, Richard Madden y Kumail Nanjiani.

Zhao no oculta su admiración por el Universo Cinematográfico de Marvel desde hace una década. Eternals aunque parte de los personajes que integran la historieta, tendrá su propia visión. Su estrenará en noviembre. Después de eso, trabajará en una versión de Drácula.

Antecedentes en el cine chino

El cine chino es una industria. En el pasado siglo XX unos pocos maestros asiáticos cruzaron las fronteras nacionales. Eran otros tiempos. Todavía el país no era la segunda potencia económica mundial y se permitían ciertas veleidades en busca de celebridades que contribuyeran a romper el aislamiento comercial de la Gran Muralla. La pequeña isla de Taiwán, como nación independiente, ya se estaba posicionando con nombres como Ang Lee, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Lian y Chung Mong-hong, entre muchos otros.

Frente a ellos, China contó también con un equipo cinematográfico de grandes estrellas. Y dos de ellas también lograron la aclamación mundial: Won Kar-Wai (Hong Kong) y Zhang Yimou.

SEPA MÁS

Won Kar Wai saltó a la fama en 1997 con Happy Together, un drama sobre una relación sentimental en Buenos Aires entre dos jóvenes emigrantes que sobreviven en un ambiente hostil.

Dos grandes actores chinos, Leslie Cheung y Tony Leung son los protagonistas de esta historia de 98 minutos, llena de poesía de pasión. Wong Kar Wai también estuvo al frente de otros filmes inolvidables como Chungking Express, In the mood of love y 2046.

En todas ellas, a diferencia de Cloe Zhao, crecen historias con temas chinos protagonizados por actores chinos. Igual virtud corresponde a ese otro gran maestro oriental que responde al nombre de Zhang Yimou, quien posee una de las más valiosas filmografías del mundo con obras como Sorgo Rojo (1987), Happy Times (1994), Ju Dou ( 1990), La linterna roja (1991), Ni uno menos (1999), El camino a casa (1999) y Flores de la guerra (2011).

Ninguno de estos grandes maestros pudo acariciar la dorada estatuilla que otorga la academia norteamericana. Quien más se acercó fue Zhang Yimou al ser nominado en 1992 por su cinta La linterna roja como Mejor Película de Habla No Inglesa.

Pero no pasó de una simple nominación. Tampoco esa gran actriz llamada Gong Li integró las listas como Mejor Actriz a pesar de su extraordinario trabajo en cintas como Camino a casa.

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Britney Spears hará sonar su voz en junio para liberarse de su padre

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LOS ANGELES.- BRITNEY SPEARS hace sonar su voz en la batalla legal contra su “padre maestro”. Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante “tiene la intención de hablar en persona ante el tribunal”.

Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante de 39 años “tiene la intención de dar a conocer su versión el 23 de junio sobre la protección de su padre Jamie Spears durante años.

La historia es intrincada: desde 2008, después del grave y público colapso nervioso de su hija (sus fotos con la cabeza rapada habían dado la vuelta al mundo), Jamie se ha convertido en el guardián legal de la herencia y carrera de Britney, un papel por el que se dice que le pagan unos 130 mil dólares al año. El término legal en California es “conservadurismo” y varios expertos legales habían tenido sus narices retorcidas porque este tipo de protección se aplica generalmente a aquellos que tienen trastornos mentales o son ancianos.

Durante años Britney no había discutido la situación. Todo había cambiado el año pasado cuando su abogado dijo en la corte que la estrella del pop estaba “fuertemente en contra” de la protección paterna y que ya no cantaría en público si las cosas no hubieran cambiado. Jamie respondió que la fortuna en manos de Britney ha crecido gracias a su agudeza financiera: de números rojos hace una década a 60 millones de dólares en la última valoración de Forbes.

La batalla legal de los tribunales había salido a las calles. Manifestantes del movimiento #FreeBritney, que ha cosechado membresías, desde Cher hasta Paris Hilton, desde Miley Cyrus hasta la Unión Americana de Libertades Civiles, también se habían congregado ayer frente al Palacio de Justicia de Los Angeles mientras otros fans se reunían en Londres para ponerse del lado de la cantante.

Según sus defensores, después de la crisis nerviosa, la carrera de la estrella del pop despegó de nuevo y Britney está de vuelta en la cresta de la ola: apareció en la serie How I Met Your Mother, lanzó el sencillo y video Womanizer que dio el ascenso a las listas, recorrió el mundo y trajo a Las Vegas un espectáculo que se agotó.

Además de ser jueza en X Factor, publicitaba perfumes y una línea de ropa interior. Por último, el documental New York Times se estrenó en FX y Hulu a principios de este año: además de seguir la carrera de la cantante, primero como estrella infantil y luego como una adolescente prodigio del pop, la película dirigida por Samantha Stark se centra en los recientes intentos de Spears de liberarse de la protección paterna.

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Cannes no se da por vencido; del 6 al 17 de julio anuncia su Festival

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PARÍS.– Pese a la pandemia, se confirmaron las fechas del FESTIVAL DE CANNES 2021, del 6 al 17 de julio, con la presencia de famosos, estrellas y grandes autores, según Variety.

Luego de la cancelación en el último minuto del año pasado, se está preparando un gran comienzo para Cannes 2021, con Spike Lee como presidente del jurado y la apertura a cargo de la producción ANNETTE, un musical de Leos Carax,con Adam Driver y Marion Cotillard.

Destaca el film Competición oficial, comedia con Antonio Banderas y Penélope Cruz, dirigida por el dúo argentino Mariano Cohn y Gastón Duprat, que podría ser, según Variety, un título de primer nivel (también predicado en el Lido). También está en la carrera Benedetta de Paul Verhoeven con Virginie Efira como una monja lesbiana en la Italia renacentista.

Desde Francia la película en blanco y negro de Jacques Audiard PARIS, 13th DISTRICT, basada en Kipling and Dying del dibujante neoyorquino Adrian Tomine con la historia de cuatro jóvenes amigos, a veces amantes, y a menudo ambos.

Julia Ducournau con TITANE, el drama de terror protagonizado por Vincent Lindon como un padre cuyo hijo reaparece en un aeropuerto después de desaparecer durante diez años; Claire Denis con FEU, con Juliette Binoche como una mujer dividida entre dos hombres, su pareja de toda la vida (Vincent Lindon) y su mejor amiga. También se habla de Mia Hansen-L›ve con BERGMAN ISLAND, melodrama sobrenatural con Mia Wasikowska, Tim Roth y Vicky Krieps, sobre un par de directores estadounidenses que viajan a la isla sueca de Faro para escribir sus respectivas películas, y Emmanuelle Bercot con DE SON VIVANT, un drama que cubre un año en la vida de un enfermo terminal, una madre afligida, un médico y una enfermera , con Catherine Deneuve, Benoît Magimel y Cécile de France.

La selección oficial de este año también podría presumir de WHERE IS ANNE FRANK, un largometraje animado de Ari Folman, cuyo documental Waltz With Bashir debutó en competición en 2008. Folman, a quien se le ha concedido acceso a los archivos de la familia Frank, sigue la historia de Kitty, la amiga ficticia de Ana Frank, que se despierta hoy en Ámsterdam después de un milagro y viaja a través de Europa para averiguar qué le pasó a Anne en los últimos siete meses de su vida.

Otros directores también están bien posicionados para el estreno mundial en Cannes 2021.

Este es el caso de Joachim Trier con LA PEOR PERSONA DEL MUNDO; LA FRACTURE de Catherine Corsini y TOUT S’EST BIEN PASSÉ de Francois Ozon, una película sobre la eutanasia basada en el libro del mismo nombre de Emmanuelle Bernheim, con Sophie Marceau. Algunas películas francesas, señala Variety, serían predicadas para Venecia, en particular LOST ILLUSIONS de Xavier Giannoli, una adaptación del clásico literario de Honoré de Balzac; y EN UNA MEDIA MAÑANA DESPEJADA por Bruno Dumont con Lea Seydoux y Blanche Gardin, sobre un famoso periodista cuya vida fue interrumpida por un extraño accidente automovilístico. La selección oficial del Festival de Cannes se dará a conocer el 27 de mayo.

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Habrá secuela de Game of Thrones: “House of the Dragon” por HBO

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NUEVA YORK.– HBO comenzó la fase de producción de HOUSE OF THE DRAGON, la primera secuela de Game of Thrones cuyo estreno está previsto para 2022 y dará inicio a una saga de ficciones derivadas.

La serie compartió este lunes una fotografía de la primera lectura de guion en su perfil de Twitter, en la que aparecen sus futuros protagonistas, Paddy Considine, Olicia Cooke, Emma D’Arcy, Matt Smith y Stebe Toussaint, entre otros.

House of the Dragon está inspirada en el libro Fire & Blood (2018), cuya narración se sitúa unos 300 años antes de los hechos narrados en la serie de Game of Thrones y se adentra en la historia de los Targaryen, una de las casas más importantes de este universo de fantasía épica.

En octubre de 2019 se dio a conocer que esta sería la primera serie derivada del fenómeno histórico de Game of Thrones (2011-2019), que causó sensación en todo el mundo y tiene el récord de la producción de ficción más premiada de los Emmy (59 galardones en total).

Al mismo tiempo que se daba luz verde a House of the Dragon se interrumpieron los planes para otra serie derivada de Game of Thrones que iba a protagonizar Naomi Watts y que no convenció a los responsables de la cadena tras rodar su primer episodio (conocido en la industria como piloto).

Por otro lado, en enero se supo que HBO estaba empezando a dar forma a una nueva precuela que giraría sobre las novelas cortas de Los cuentos de Dunk y Egg, de George R.R. Martin.

También hay otras tres ideas en desarrollo: 9 Voyages (9 viajes), sobre los viajes marítimos de Corlys Velaryon; Flea Bottom, acerca del barrio más pobre de Desembarco del Rey, y 10.000 Ships (10.000 barcos), en torno a la princesa Nymeria.

Estos proyectos, así como una hipotética serie animada, están en una fase muy prematura y es posible que no todos vean la luz.

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Cantantes mexicanos y latinos en crisis en EU: Nikoas Carreón

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LOS ÁNGELES.-“Los cantantes de origen mexicano y latinos están en plena quiebra, cayendo al fondo de la barranca, debido a la falta de trabajo y de concretar fechas para presentarse en espectáculos masivos, que están suspendidos, como consecuencia de la pandemia del Covid19 que azota al estado de California, declaró el cantautor de origen poblano NIKOLAS CARREÓN.

Para CARREÓN “nadie se atreve a contratarlos, ni para fiesta particulares, bares, restaurantes o festivales, por las severas medidas sanitarias impuesta por el gobierno de California, donde se registran un alto índice de contagios y fallecimientos por la pandemia del Covid19, por ello ante la falta de trabajo como cantante o musico, uno debe buscar un empleo alterno, que muchas ocasiones no hay para poder sobrevivir y mantener a sus familias”.

“El gobierno actual de Joe Biden no apoya a los habitantes de esta ciudad de Los Ángeles, menos a nosotros los latinos y mexicanos”, explicó Carreón. En el sector de Los Ángeles, 35 cantantes, mariachis y grupos musicales con trabajo fijo, actuaban antes de pandemia. En la actualidad sin trabajo se pronostica que varios desparecerán.

Carreón en su última visita a México el pasado 6 noviembre de 2019, dio a conocer su CD con cumbias titulado Gracias los Ángeles, ante los medios de comunicación de la capital.

Debido a la pandemia ya no pudo regresar a presentar su última producción Vives en mi corazón, con canciones de su autoría y de otros compositores. El artista promueve los nuevos temas de su autoría Si la bailamos pegado y Cuando tenga dinero, alusivo a la falta de recursos económicos desde marzo de año pasado, cuando se declaró la terrible pandemia del Covid19.

Como productor Niko Carreón, produjo a la cantante de origen mexicano Valeria Verón, interpretando varios de sus exitosos covers.

“La situación para nosotros es muy difícil, por la falta de oportunidades de conseguir un contrato, pero tengo fe y espero que termine esa situación con ayuda de Dios Todo Poderoso”, concluyó el interprete de No te vayas.

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En un Oscar desangelado ganan “Nomadland”, Zhao, McDormand, Hopkins y 3 mexicanos en sonido

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LOS ÁNGELES.- Chloé Zhao se convirtió el domingo en la segunda mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección por su película Nomadland, en una peculiar gala en la era de la pandemia que marca la noche más importante de Hollywood.

Su drama sobre la gente de precarios recursos que recorre el territorio estadounidense en camionetas es la favorita de la fiesta, que se celebra en persona y en vivo en la estación de trenes del histórico centro de Los Ángeles.

“Esto es para cualquiera que tenga la fe y el valor de aferrarse a la bondad en su interior. Y aferrarse a la bondad de los demás”, declaró Zhao al recibir el premio, tras llegar a la gala junto a “nómadas” de la vida real que interpretaron versiones ficcionales de sí mismos.

Nacida en Pekín, Zhao es la primera asiática que gana como directora y la segunda mujer en lograrlo tras Kathryn Bigelow, quien lo obtuvo en 2010 por The Hurt Locker.

El premio a la actriz de reparto se lo llevó, como se esperaba, la surcoreana Youn Yuh-jung por su retrato de la abuela en Minari, un drama autobiográfico sobre una familia coreana que migra a Estados Unidos.

Youn recibió el premio de manos del actor Brad Pitt, diciéndole “¡Finalmente! Un gusto conocerte. ¿Dónde estabas cuando estábamos filmando?”.

En un entrañable discurso, dijo que no creía en las competencias y que no tenía sentido vencer sobre Glenn Close, quien volvió a perder el premio de la academia tras haber sido nominada ocho veces.

“Interpretamos roles distintos. No podemos competir una con la otra. Esta noche tuve un poco de suerte”, añadió.

El director danés Thomas Vinterberg recibió el premio de la Academia a la mejor película internacional por Another Round con un emotivo homenaje a su hija Ida, quien falleció en un accidente de coche poco después de que comenzara el rodaje en mayo de 2019.

“Terminamos haciendo esta película para ella, como un monumento a ella”, dijo, entre lágrimas, el creador de la comedia dramática sobre los altibajos del alcoholismo.

Daniel Kaluuya, quien ganó como actor de reparto por “Judas y el mesías negro”, recibió después su estatuilla de mejor ánimo y diciendo que se sentía “feliz de estar vivo”.

La cinta de Pixar Soul, que explora el sentido de la vida, se llevó la estatuilla a mejor película animada, mientras “Mi maestro el pulpo”, de Netflix, triunfó como mejor documental.

Los mexicanos Jaime Baksht, Carlos Cortés y Michelle Couttolenc -junto a Nicolas Becker y Phillip Bladh-– ganaron al premio al sonido por El sonido del metal, una potente descripción de la experiencia de la sordera.

La actriz y directora Regina King marcó el inicio de la heterodoxa gala diciendo que los invitados, la mayoría de los cuales no llevan tapabocas, “han sido vacunados, testeados, vueltos a testear, están socialmente distanciados y siguen rigurosos protocolos”.

“Estamos de luto por la pérdida de muchos”, recordó.

Antes de que comenzara el show, los artistas se detuvieron brevemente para dejarse fotografiar y dar entrevistas rápidas y distanciadas, en lo que los organizadores llamaron una “alfombra roja diminuta”.

Las actrices Carey Mulligan y Andra Day deslumbraron con el glamour que suele reinar en los Óscar.

La usual multitud de fotógrafos era muy reducida debido a la pandemia y hasta los ejecutivos de los estudios tuvieron que ver la gala por televisión.

“Estamos aquí, ¿no es una locura? ¡Seres humanos en carne y hueso!”, dijo Riz Ahmed, nominado a mejor actor por “El sonido del metal”.

Con las salas de cine cerradas todo el año y el estreno retrasado de las grandes producciones, Nomadland y sus mayores rivales a mejor película –Minari y El sonido del metal-– capturaron el “zeitgeist” de la pandemia en un impresionante retrato de los marginados de la sociedad.

Contendientes como Promising Young Woman, cuyo guion original se alzó con el Oscar, y El juicio de los 7 de Chicago tocan temas relevantes en estos tiempos, como el #MeToo y las protestas contra el racismo, pero aún así es improbable que se lleven el premio final de la noche.

El rubro a mejor actriz está “en el aire” y “podría ir en cualquier dirección”, dijo el columnista de los premios en Deadline, Pete Hammond.

Las cinco candidatas, incluidas Viola Davis (La madre del blues) y Carey Mulligan (Promising Young Woman), vienen de ganar premios importantes este año.

El coprotagonista de Davis, Chadwick Boseman, quien murió el año pasado de cáncer antes del estreno de la película donde interpreta a un trompetista atormentado por actos racistas atroces, es favorito para ganar el tercer Óscar póstumo de la historia para un actor.

Pero Anthony Hopkins, quien interpreta a un enfermo de demencia senil en El padre, podría dar una sorpresa. La cinta ganó el Oscar a mejor guion adaptado.

El evento culminante de la temporada de premios de Hollywood se postergó dos meses y se realiza principalmente en la estación de trenes Union Station de Los Ángeles, elegida por sus grandes espacios para aplicar el distanciamiento social en esta gala de la era del covid-19.

En el espectáculo previo, un coro de niños interpretó la nominada a mejor canción Huvasik desde el pequeño puerto islandés del mismo nombre.

Los nominados europeos que no pudieron viajar a Estados Unidos están reunidos en los “centros” de Londres y París.

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Oscar llega a su edición 93 con todas las medidas de seguridad

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LOS ÁNGELES.- La expectativa crece y todo está preparado para la 93 edición de la entrega de los premios Oscar, que, debido a la pandemia del coronavirus, este año cambió de fecha y se llevará a cabo bajo estrictas medidas de seguridad sanitarias, y cuya transmisión internacional en vivo, será por ABC, mientras que para México por la señal de TNT y Azteca 7, a partir de las 19:00 horas, con una inusual alfombra roja por !E.

La cita será en el Dolby Theatre y en Union Station, en el downtown de Los Ángeles.

Las y los presentadores, seran: Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle, Bryan Cranston, Laura Dern, Harrison Ford, Regina King, Marlee Matlin, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Brad Pitt, Reese Witherspoon, Renée Zellweger y Zendaya.

Los candidatos de la 93 edición son los siguientes: Mejor Película: The Father, Judas and the Black Messiah, Mank, Minari, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Director: Thomas Vinterberg, Another Round, David Fincher, Mank, Lee Isaac Chung, Minari, Chloe Zhao, Nomadland, Emerald Fennell, Promising Young Woman.

Mejor Actriz Protagónica: Viola Davis, Ma Rainey’s Black Bottom, Andra Day, The United States vs. Billie Holiday, Vanessa Kirby, Pieces Of A Woman, Frances McDormand, Nomadland, Carey Mulligan, Promising Young Woman.

Mejor Actor Protagónico: Riz Ahmed, Sound of Metal, Chadwick Boseman, Ma Rainey’s Black Bottom, Anthony Hopkins, The Father, Gary Oldman, Mank, Steven Yeun, Minari.

Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas And The Black Messiah, Sacha Baron Cohen, The Trial Of The Chicago 7, Leslie Odom Jr., One Night In Miami, Paul Raci, Sound Of Metal, Lakeith Stanfield, Judas And The Black Messiah.

Mejor Actriz de Reparto: Maria Bakalova, Borat Subsequent Moviefilm, Glenn Close, Hillbilly Elegy, Olivia Colman, The Father, Amanda Seyfried, Mank, Yuh-Jung Youn, Minari.

Mejor Fotografía: Judas and the Black Messiah, Mank, News of the World, Nomadland, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Película Internacional: Another Round (Dinamarca), Better Days (Hong Kong), Collective (Rumania), The Man Who Sold His Skin (Túnez), ¿Quo Vadis, Aida? (Bosnia).

Película de Animación: Onward, Over the Moon, A Shaun the Sheep Movie: Armageddon, Soul Wolfwalkers.

Diseño de vestuario: Emma, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Mulan, Pinocchio.

Mejor documental: Collective, Crip Camp he mole agent, My octopus teacher, Time.

Mejor Cortometraje Documental: Colette, A concerto is a conversation, Do not split, Hunger Ward, “A love song for Latasha.

Maquillaje y Peinado: Emma, Hillbilly Elegy, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Pinocchio.

Mejor Canción Original: Husavik, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, Fight For You, Judas and the Black Messiah, lo Sì (Seen), The Life Ahead”, Speak Now, One Night in Miami, Hear My Voice,”The Trial of the Chicago 7.

Diseño de producción: The Father, Ma Rainey’s black bottom, Mank, News of the world, Tenet.

Mejor Edición: The Father, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Guion Original: Judas and the Black Messiah (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas), Minari (Lee Isaac Chung), Promising Young Woman (Emerald Fennell), Sound of metal (Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder), The Trial of the Chicago 7 (Aaron Sorkin).

Mejor Guion Adaptado: Borat Subsequent Moviefilm (Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Erica Rivinoja y Dan Swimer), The Father (Christopher Hampton y Florian Zeller), Nomadland (Chloé Zhao), One Night in Miami (Kemp Powers), The White Tiger (Ramin Bahrani).

Mejores Efectos Especiales: Love and Monsters, The Midnight Sky, Mulan, The One and Only Ivan, Tenet.

Mejor Película Corta de Animación: Burrow, Genius Loci, If Anything Happens I Love You, Opera, Yes People.

Mejor Película Corta de Acción Real: Feeling Through, The Letter Room, The Present, Two Distant Strangers, White Eye.

Mejor Banda Sonora: Da 5 Bloods, Mank, Minari, News of the World.

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The Chemical Brothers lanzan su single The Darkness That You Fear

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THE CHEMICAL BROTHERS han lanzado su primera música nueva desde No Geography de 2019, un disco que de acuerdo con Q tiene “la plasticidad vertiginosa y adaptativa de su mejor trabajo” y es “vívidamente melódico, inquietantemente inventivo” de acuerdo con Uncut.

Tom Rowlands de The Chemical Brothers comenta: The Darkness That You Fear es una pieza musical esperanzadora. Cuando descubrimos que la combinación de las diferentes voces funcionaba según el flujo de la música, nos sentimos optimistas, como si fuera algo que queríamos compartir”.

Ruffmercy, el director con sede en Bristol que ha trabajado anteriormente con artistas como Thom Yorke, Run The Jewels y DJ Shadow, hizo un video tremendamente alucinógeno y maravillosamente evocador para la pista.

Por su parte, Ruffmercy comenta sobre The Darkness That You Fear: “Cuando escuché la canción por primera vez, inmediatamente me conecté con el tema y la vibra positiva general. Se habían anunciado nuevas reglas gubernamentales para relajar el encierro y, combinadas con el sol brillante, me sentí optimista sobre el próximo verano. También desencadenó una fuerte sensación de nostalgia que me llevó a volver a buscar inspiración visual en el período en el que descubrí por primera vez a The Chemical Brothers a mediados de los noventa. El video combina imágenes de archivo rave de mediados a finales de los 90 con texturas de película Super 8 pintadas a mano y animación dibujada a mano. Me encanta usar el color para crear caos y evocar emociones y este fue el proyecto perfecto para hacer eso”.

La portada de The Darkness That You Fear es de una obra de arte del venerado artista británico, el difunto Sir Terry Frost. Como parte del Record Store Day de 2021 se lanzará una edición limitada de 12”de The Darkness That You Fear el 12 de junio.

The Darkness That You Fear es el primer lanzamiento de Chemical Brothers desde Eve of Destruction del álbum No Geography, para coincidir con su gran gira de otoño de 2019 que culminó con un espectáculo con entradas agotadas en el O2 Arena de Londres.

The Chemical Brothers (junto con sus colaboradores visuales desde hace mucho tiempo, Smith y Lyall) también crearon la instalación de cierre de Electronic – From Kraftwerk to The Chemical Brothers“, la exposición más popular que jamás haya celebrado el Museo del Diseño de Londres.

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De Niro no ve la suya: su divorcio le costaría la mitad de su fortuna

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HOLLYWOOD.- La pandemia del coronavirus unida a los problemas económicos que le está acarreando su divorcio de Grace Hightower, ha puesto a la estrella de Hollywood ROBERT DE NIRO en una complicada situación monetaria.

En una audiencia virtual, la abogada del actor pidió a la corte que se desestime el acuerdo prenupcial de la pareja, pues se le pide un millón de dólares anualmente, conforme a dicho tratado, mismo que se firmó en 2004 cuando Robert y Grace decidieron darse una nueva oportunidad.

La abogada del artista, Caroline Krauss, dio a conocer las condiciones en las que está el mejor actor en los premios Oscar en 1981 con la película Toro salvaje.

“El señor De Niro tiene 77 años, y aunque ama su oficio, no debería verse obligado a trabajar a este ritmo prodigioso porque tiene que hacerlo. ¿Cuándo terminará eso? ¿Cuándo tendrá la oportunidad de quizás no coger todos los proyectos que se le presenten? ¿O no trabajar seis días a la semana durante 12 horas al día simplemente para seguir el ritmo de la sed de la señorita Hightower por Stella McCartney?”, ha dicho la letrada haciendo referencia a la pasión de su ex mujer por la moda.

“De Niro podría enfermar mañana, y la fiesta habrá terminado“, concluyó la abogada.

Al respecto, el representante legal de la exesposa del actor manifestó que no pueden ser ciertos los problemas financieros de De Niro, pues con El irlandés, filme de 2019, recibió una cifra cercana a los US$5 millones, y de ahí gastó US$450.000 que destinó para unas vacaciones de Acción de Gracias y US$1 millón que les dio a sus hijos entre 2019 y 2020.

El actor es dueño de una de las cadenas de hoteles y restaurantes más de prestigiosas de Estados Unidos y parte de Europa, Nobu. Ambos se vieron afectados por las restricciones que han obligado a mermar la actividad de los locales, además del cierre total de los meses de cuarentena.

Publican medios internacionales que la historia entre De Niro y Hightower lleva años dando de qué hablar. La pareja se casó en 1997. Ella era azafata de vuelo y tras dos años de matrimonio firmaron su primer divorcio en el 99.

En 2004 ambos sorprendieron al darse una nueva oportunidad, aunque quisieron hacer un acuerdo prenupcial que beneficiase a ambos en caso de una nueva separación. En 2018 llegó ese segundo desencuentro y, de acuerdo a lo firmado, el intérprete de Los intocables de Eliot Ness debe abonar un millón de dólares al año a su expareja.

También Hightower solicita que le sea entregada la mitad de la fortuna de De Niro, que según sus cálculos, está avaluada en cerca de 500 millones de dólares.

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Cristina Saralegui regresa por Prende TV, streaming de Univision

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MIAMI.- La presentadora de la televisión hispana CRISTINA SARALEGUI, de 73 años y su popular emisión El Show de Cristina, regresarán a las pantallas con un canal temático en la plataforma de streaming gratuito de Univision, PrendeTV, anunció la cadena.

Se trata del primer programa de entretenimiento de Univision que formará parte de la plataforma, lanzada el mes pasado.

El nuevo canal temático tiene por nombre “Cristina” y estará dedicado en exclusiva al popular programa de la presentadora de origen cubano, quien ha logrado superar su alcoholismo y sus continuas depresiones.

SARALEGUI comenzó su carrera en una de las revistas de su abuelo, Vanidades, y posteriormente lanzó su programa El Show de Cristina en Univisión en 1989, que durante años registró los mayores niveles de audiencia de la televisión hasta que fue cancelado en 2009 por un descenso de popularidad.

La presentadora se trasladó posteriormente a la cadena televisiva hispana Telemundo con su programa Pa’lante con Cristina, pero en 2012 no fue renovado.

La periodista entrevistó a los grandes artistas hispanos del momento como Selena Quintanilla, Emilio y Gloria Estefan, Celia Cruz y Jennifer López, entre otros muchos otros, lo que le dio fama internacional.

Junto a El Show de Cristina, PrendeTV agregó otros tres canales: PrendeTV Junior, dedicado a contenido infantil, y otros dos especializados en series y telenovelas, denominados Series de Suspenso y Novelas y Risas.

PrendeTV es la aplicación en español más descargada en el AppStore y Google Play Store, indicó la cadena, que destacó además que figura entre las tres más populares de la categoría de televisión en español de Roku.

Con estas incorporaciones, la plataforma tiene ahora 50 canales de “streaming” y más de 30,000 horas de material bajo demanda, con gran contenido de la propia Univision y Televisa.

Ambas empresas anunciaron este mes su fusión con el objetivo de crear la empresa más grande de contenidos en español del mundo en un mercado de “streaming” cada vez más competitivo.

Señalaron que buscan atender a los 600 millones de hispanoparlantes del mundo, pero analistas coinciden en que su meta principal son los 60 millones de habitantes de origen hispano de Estados Unidos.

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El cineasta danés Thomas Vinterberg va por el Oscar

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LOS ÁNGELES.– Pese a la tragedia que vivió durante la filmación de ANOTHER ROUND cuando su hija falleció en un accidente automovilístico, el cineasta THOMAS VINTERBERG terminó contra viento y marea su película, entre la comedia y las sombras, el pacto de cuatro maestros daneses cansados del mundo que pasan los días borrachos en un “experimento” poco científico.

THOMAS VINTERBERG está nominado al Premio Oscar por Mejor Director, ceremonia a realizarse el próximo domingo. VINTERBERG escribió el guion, originalmente una obra de teatro, al darse cuenta de que muchas de las grandes hazañas de la historia mundial fueron realizadas por personas regularmente intoxicadas con alcohol, la misma sustancia que puede destrozar vidas y familias.

Como pudo, el realizador consiguió terminar esta película excepcionalmente divertida, tierna y trágica, que le ha valido una rara nominación al Oscar como Mejor Director.

“La película siempre estuvo destinada a reafirmar la vida y estar llena de amor, y hasta cierto punto cruda”, dijo VINTERBERG a la AFP en una entrevista a través de Zoom.

“Pero la tragedia que ocurrió en mi vida nos dejó a todos indefensos y abiertos”, señaló.

El papel de los profesores está encarnado por cuatro de los amigos cercanos y colaboradores de el realizador, incluido el exvillano de 007 Mads Mikkelsen, quienes pasaron el rodaje haciendo “todo lo que pudieron” para hacerlo reír en estas circunstancias, contó el director.

“Había tanto amor en el set, y creo que se puede ver en la pantalla”, contó VINTERBERG, cuya obra es una de las favoritas para llevarse a casa el Oscar a la Mejor Película Internacional el domingo.

Si bien el film aborda claramente el tema del alcohol, también se trata de “vivir inspirado, de olvidarse de uno mismo, de ser curioso y estar en el momento y todo lo que conlleva el beber”.

Esos elementos de afirmación de la vida se inspiraron en su fallecida hija Ida, quien debía interpretar a la hija de Mikkelsen, y cuyos amigos de la vida real interpretan a compañeros de clase en una competencia de bebida entre adolescentes alrededor de un lago.

“Hay un grupo alarmante de personas y países que se conectaron con esto de la bebida”, bromeó Vinterberg.

“Sí, beben de manera diferente en California, ponen la botella en una bolsa [de papel], mientras que en Dinamarca, los adolescentes corren por las calles con las botellas a la vista”, dijo.

“Pero parece que la película se conecta a un nivel diferente y, con suerte, logramos elevar este film… a uno sobre algo más”.

“MI PROPIO JARDÍN”

El humor no siempre se ha asociado con este director, quien cofundó el movimiento cinematográfico ascético de vanguardia Dogma 95 con Lars Von Trier, y dirigió películas que abordan temas como el abuso infantil, como The Celebration y The Hunt.

Pero Vinterberg, de 51 años, ha desafiado a menudo las categorizaciones.

El famoso “manifiesto” de Dogma 95, que imponía estrictos límites naturalistas a los directores, era siempre mitad en serio, mitad irónico.

Y aunque ya ha incursionado en Hollywood -por ejemplo, con Lejos del mundanal ruido en 2015, protagonizada por Carey Mulligan, también nominada al un Oscar-, sus películas más aclamadas son a menudo las más danesas y locales.

“Parece que es cuando excavo en mi propio jardín cuando la gente realmente se interesa, también en el extranjero”, dijo.

Los temas universales de Another Round pueden explicar en parte cómo VINTERBERG se metió entre los aspirantes al Oscar al mejor director por una película en idioma no inglés (Minari del también nominado Lee Isaac Chung está en coreano e inglés).

“Los placeres del alcohol, pero también el lado destructivo de beber, han existido durante miles de años, casi en todas las culturas”, explicó VINTERBERG.

El director sirvió alcohol a su elenco durante los ensayos, y vieron videos de YouTube rusos juntos para observar episodios de embriaguez extrema.

“Necesitábamos ver a estos personajes estando en la zona”, recordó. “No es que estuvieran muy borrachos, pero había alcohol”.

En el set, sin embargo, todo el mundo estaba sobrio, aclaró Vinterberg. “Tenían que actuar, básicamente, y creo que lo hicieron bien”.

Por mucho que la producción de Another Round sea una historia de contrastes (tragedia y camaradería, humor y filosofía) los destinos de los profesores divergen cuando la tentación del alcohol se apodera de ellos en diversos grados.

Pero la película en sí “no quería moralizar” ni “hacer una publicidad de alcohol”, dijo Vinterberg. “De forma muy importante, no quería tener un mensaje”.

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Los premios Oscar afectados por el desinterés y las bajas audiencias

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NUEVA YORK.- Este domingo se emitirá en la red ABC (TNT y !E por cable) la primera velada del Oscar de la era del coronavirus, y el temor de los organizadores es que haya un “contagio” con los demás premios de esta temporada, durante la cual los Grammy perdieron el 53% del público y los Globos de Oro el 60% respecto de las ediciones 2020.

El virus del desinterés afecta incluso a los expertos del sector: “Cuando hasta para mí es difícil apasionarme, empieza a ser un problema”, dijo al New York Times Jeanine Basinger, fundadora del departamento de estudios sobre cine de la Wesleyan University, y autora de ensayos sobre Hollywood como The Star Machine. El riesgo está a la vista de los especialistas y sobre todo del equipo de productores encabezados por Steven Soderbergh, es por que ello que para frenar la hemorragia, el realizador -ganador del Oscar por Traffic- habría impuesto en su contrato una cláusula categórica para que la entrega de las estatuillas no sea por Zoom.

Por lo tanto, los premios serán en vivo, aunque distribuidos en varias locaciones: no solo dos en Los Ángeles, sino también Londres y otra veintena en conexión vía satélite.

Los participantes, además, no podrán usar mascarilla frente a las cámaras (aunque sí cuando no estén siendo filmados), porque la realización del show, en cuanto a medidas anti Covid, será tratada como un estudio de filmación, con medición de la fiebre al entrar y al menos tres hisopados a los participantes en los días previos a la ceremonia.

Habrá asimismo una versión reducida de la alfombra roja, con tres fotógrafos y un número limitado de periodistas -habrá medios no estadounidenses llegados de Japón, Canadá, Gran Bretaña, Francia, Brasil, España, México y Australia- mantenidos a debida distancia de los entrevistados.

Todo para dar la impresión de un espectáculo que avanza sin trastornos pese a los temores por el Covid. Y gracias asimismo al poder de Hollywood para transformar la realidad.

Sin embargo, los datos de Nielsen conceden pocas ilusiones: la audiencia de los Oscar ya estaba en caída libre antes de la pandemia: -44% de 2014 al año pasado, cuando 23,6 millones de personas miraron el film surcoreano “Parasite” al ganar el primer premio.

Si esta vez la baja fuera comparable a la del Globo de Oro, sería una catástrofe para la Academia y para ABC, que por la exclusiva de la emisión en directo se comprometió a pagar casi mil millones de dólares hasta 2028.

Anticipando resultados menos que estelares, la emisora puso en venta este año espacios publicitarios a precios de descuento: dos millones de dólares por 30 segundos, el 13% menos que en 2020.

Algunos muy fieles, como Verizon, volverán, pero no Ferrero, cuyos Kinder-Joy -que habían debutado en el Oscar de 2018- esta vez no serán de la partida.

Los Óscar no obligarán a los nominados y sus acompañantes a llevar mascarilla ante las cámaras, pero sí pedirán a todos los asistentes que se cubran la boca y la nariz cuando se encuentren fuera de plano.

La revista Variety dio este lunes algunos detalles de una reunión que los responsables de los Oscar mantuvieron esta mañana con nominados y publicistas de Hollywood.

Así, Variety aseguró que, debido a que los Óscar se concebirán como si fuera el rodaje de un programa televisivo o una película, las mascarillas no serán obligatorias mientras se esté ante las cámaras (por ejemplo, durante la ceremonia).

Pero cuando los candidatos o sus acompañantes no aparezcan en pantalla (por ejemplo, durante las pausas comerciales) sí tendrán que llevar mascarilla.

El pasado sábado, los productores de la gala dejaron entre interrogantes si los asistentes a los Óscar de la pandemia tendrían que llevar mascarilla en todo momento.

“Esto es lo que tenemos que decir sobre eso: las mascarillas jugarán un papel muy importante en la historia de esa noche”, dijo Steven Soderbergh, productor de la ceremonia junto a Stacey Sher y Jesse Collins.

Por otro lado, la Academia de Hollywood está planeando una gala con aforo limitado de unas 170 personas.

Se requerirán varias pruebas PCR a los asistentes en los días previos, habrá controles de temperatura y también se organizarán rotaciones de los invitados a lo largo de la velada para garantizar el distanciamiento.

UNA GALA SEGURA Y CON ESTÉTICA DE CINE

Una ceremonia preparada como si fuera una película y cien por ciento segura contra el coronavirus es la doble receta que propondrán los Óscar, que se retrasaron dos meses por la pandemia y que se celebrarán este domingo 25 de abril.

Los productores explicaron el sábado que los Óscar tendrán una estética de cine, se transmitirán en 24 frames por segundo y con un formato panorámico, emplearán encuadres más típicos de una cinta que de la televisión, y serán “tres horas de entretenimiento” fundamentadas en el “optimismo” y la “sinceridad”.

La gran fiesta del cine se ha conjurado para celebrar una ceremonia lo más presencial posible y para ello cambiará su centro de operaciones del Dolby Theatre a Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles (EE.UU.).

En cualquier caso, los Oscar están preparando dos subsedes en Londres y París para quienes no puedan acudir a Los Ángeles.

Por otro lado, los cerebros de estos Oscar explicaron que la alfombra roja será este año “muy pequeñita” y que formará parte de la previa del show, donde además se verán las interpretaciones de las cinco nominadas al premio a la mejor canción.También habrá un programa especial posterior a la ceremonia.

Por ahora, la relación de presentadores de estos Oscar tan peculiares incluye a Brad Pitt, Zendaya, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Harrison Ford, Laura Dern, Regina King, Marlee Matlin, Reese Witherspoon, Renée Zellweger, Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle y Bryan Cranston.

Los productores indicaron que faltan un par de presentadores por anunciarse.

Laura Pausini actuará el 25 de abril en la ceremonia de los Oscar, cantando I Yes (Seen), la canción escrita por Dianne Warren nominada a la estatuilla y parte de la banda sonora de la película ‘Life Ahead of Her’ con Sophia Loren.

La actuación -que también contará con los otros nominados con sus canciones nominadas a Mejor Canción Original, Celeste, H.E.R., Leslie Odom, Jr., Daniel Pemberton, Molly Sandén- estará en el centro de Oscar: Into The Spotlight’, el espectáculo de apertura en la ceremonia 93.

Los productores Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh lo anunciaron. Una de las actuaciones se grabará en Husavik, Islandia, cuatro se llevarán a cabo en la Terraza Familiar Dolby del Museo de Cine de la Academia en Los Ángeles.

Presentado por los actores Ariana DeBose (Hamilton) y Lil Rel Howery (Bad Trip), Oscar: Into the Spotlight narrará en 90 minutos el viaje de los candidatos a la noche más grande de Hollywood, ofreciendo a los fans de todo el mundo y a los expertos la oportunidad de husmear alrededor del evento y llevando la música de los Oscar a las festividades por primera vez.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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