En un Festival de Venecia inédito, Michel Franco ganó el León de Plata

VENECIA. – El director mexicano MICHEL FRANCO se quedó con el León de Plata del jurado por su filme Nuevo orden en la 77 edición del Festival de Cine de Venecia, mientras que Nomadland, de la directora chino-estadounidense Chloe Zhao, ganó el León de Oro a Mejor Película.

Franco ganó este fin de semana el León de Plata, también conocido como el Premio del Jurado por su nueva película Nuevo orden, protagonizada por Diego Boneta, acompañado por Dario Yazbek y Patricia Bernal.

El filme protagonizado por Frances McDormand narra el viaje de una mujer sexagenaria por el oeste norteamericano en la época de la Gran Depresión.

Zhao y McDormand participaron por videoconferencia, ya que no pudieron viajar debido a las restricciones del coronavirus.

La primera gran muestra internacional de cine de la era Covid-19, finalizó entre las aclamaciones de críticos, cineastas y actores a los organizadores por atreverse a realizar la muestra en medio de la pandemia y demostrar cómo se puede regresar al cine con seguridad.

El final de la ceremonia de cierre de la Muestra, en Sala Grande, con el anuncio de las fechas futuras dieron un sentido a la esperanza, aquella de que siente un poco un sobreviviente al observar el mañana.

Se sabía de antemano que el Covid-19, con las angustias por la pandemia que constriñen desde hace meses a no imaginar un futuro, sería una presencia difícil de manejar, protagonista, en toda la cita y ahora que finalizó un sentido de liberación, de satisfacción, de orgullo por haberlo logrado, más allá del veredicto que distinguió a “Normadland” de la directora china Chloe con el León de Oro y dejó un saber amargo en la boca del cine italiano, caracterizó la ceremonia de cierre.

El reciente presidente de la Bienal, Roberto Cicutto, lo dijo abiertamente luego de haber agradecido a todos, desde el director Alberto Barbera a los jurados, de los periodistas a los trabajadores del protocolo anti-Covid. “Fue una muestra realizada en condiciones esperamos irrepetibles”, manifestó Cicutto anunciando la apertura desde el lunes de la Bienal teatro y luego música y danza.

La gala estuvo perfectamente en línea con todo aquello que fue la Muestra del cine 2020: una emoción particular -una película inicial en blanco y negro con el Palacio del cine, actores, público, policías todos con barbijos algo que quedará en la historia- para un período que está cambiando nuestra existencia, una serie de videomensajes con los tantos vencedores presentes como en conexión Zoom de todo el mundo, se desarrollaron las conferencias de prensa, las declaraciones de amor al cine en sala al tiempo mismo de retóricas y sinceras (de la madrina Anna Foglietta, por ejemplo. “Aquí se hizo historia”, los agradecimientos y las proclamas confusas(la portuguesa Ana Rocha de Susa incontenible) sobre la estela de la conmoción como en cada ceremonia final.

Fue un León de Oro a distancia, de hecho desde la calle, porque desde Rose Bowl de Pasadena al van de Normadland se conectó una irónica Frances McDormand junto a la directora Chloe Zhao (podría ser la primera mujer asiática en conseguir la candidatura al Oscar por la dirección) agradeciendo por el premio y dedicándolo a los nómades de América narrados en el filme, “cada respiro de alguno de ellos es parte de la película”. Michel Franco, el director mexicano del distópico Nuevo Orden, vencedor del “segundo” premio, el Gran premio del jurado, entrado en el Palacio del cines con toda la numerosa y festiva delegación, pareció acoger con frialdad la noticia (acaso esperaba el León de Oro), pero luego en el escenario habló de la actualidad del filme que terminó por hablar del futuro en absoluto del presente.

“Lo empecé a preparar seis años atrás, luego estuve en Francia, los chalecos amarillos y las revueltas en Chile, Colombia, aquellas en Estados Unidos de Black Lives Matter y después la pandemia que cambió aún más las cosas y Nuevo Orden estaba ya cercano a la realidad”, dijo.

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Tom Hanks reanuda film de Elvis Presley, del cineasta Baz Luhrmann

SIDNEY.- La película de Elvis Presley de Baz Luhrmann tiene el 23 de septiembre como fecha para reanudar el rodaje en la Gold Coast de Queensland en Australia, luego de una pausa forzada en marzo, cuando uno de los protagonistas, Tom Hanks, y su esposa Rita Wilson, se infectaron con Covid-19. Así lo anunció el propio Luhrmann, quien ha dirigido películas como Moulin Rouge, Australia y El gran Gatsby, entre otras.

En la película, el doble ganador del Oscar Tom Hanks es el ‘coronel’ Tom Parker, el manager del cantante, interpretado por Austin Butler (Érase una vez en… Hollywood), mientras que Olivia DeJonge (Stray Dolls) es Priscilla Presley. La película de Warner Bros cubre la dinámica entre Presley y Parker a lo largo de 20 años, “con el telón de fondo del panorama cultural en evolución y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos”.

Hanks llegó en un jet privado el martes por la noche y se aloja en un hotel de Gold Coast, que no es uno de los hoteles designados por el gobierno estatal, para la cuarentena de dos semanas de los que llegan a Australia, con los servicios de seguridad pagados por la producción.

Hanks interpretará al coronel Tom Parker, representante de Elvis y una persona crucial en la carrera del rey del rock and roll.

Luhrmann todavía no ha escogido a un actor para interpretar al músico, aunque Variety señaló que está buscando a un intérprete que no sea conocido por el gran público.

Esta cinta del estudio Warner Bros. cuenta con un guion de Kelly Marcel, que escribió largometrajes como Fifty Shades of Grey (2015) o Venom (2018).

Ganador de dos Óscar al mejor al mejor actor por los filmes Philadelphia (1993) y Forrest Gump (1994), Hanks estrenará este año A Beautiful Day in the Neighborhood, un biopic sobre el presentador de televisión Fred Rogers; y prestará su voz de nuevo al vaquero de juguete Woody en la cinta animada Toy Story 4.

Por su parte, el realizador australiano Baz Luhrmann alcanzó la fama gracias al musical sobre un cabaret de París Moulin Rouge!, para el que contó con Nicole Kidman y Ewan McGregor como estrellas.

Luhrmann fue nominado al Oscar a mejor película por esa cinta.

Su filmografía incluye otros títulos como Romeo + Juliet (1996), Australia (2008) o The Great Gatsby (2013).

Fallecido en 1977 a los 42 años, Elvis fue una de las figuras clave de la cultura popular en el siglo XX y del despegue del rock and roll en los años 50.

Su carrera incluye éxitos como Suspicious Minds, Hound Dog, Jailhouse Rock o Can’t Help Falling in Love.

Además, el mito de Elvis sigue siendo muy lucrativo ya que en 2018 fue con 40 millones de dólares el artista fallecido que generó más ingresos para sus herederos, según la lista anual que publica la revista Forbes y que el año pasado encabezó Michael Jackson con 400 millones.

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Musicales, la pasión y el legado del cineasta Alan Parker, quien falleció a los 76 años

LONDRES.- El realizador británico ALAN PARKER, director de películas como Midnight’s Escape (Expreso de medianoche), Mississippi Burning, Will be Famous y Evita, murió a los 76 años . El British Film Institute dio a conocer que el cineasta falleció después de una “larga enfermedad”. 

PARKER estaba orgulloso de su título de baronet, otorgado por la reina Isabel en 2002 para coronar una carrera exitosa, pero estaba igualmente orgulloso de sus orígenes humildes y el acento cockney, que lo exhibió casi como un signo distintivo. ALAN PARKER era un británico de pura sangre nacido y criado en el suburbio londinense de Islington, de madre costurera y padre pintor de casas. 

En la escuela no era un alumno modelo, pero con tenacidad se aplicó en materias científicas y cosechó elogios entre sus compañeros de clase por su habilidad como narrador, a gusto con los géneros más diversos. Le gustaba la fotografía y amaba la música, especialmente la estadounidense traída por los marines a Inglaterra, tal como nació, en 1944, el año del Día D. A los 18 años abandonó el estudio para ganarse su libertad como mensajero en una agencia de publicidad: él no lo sabía, pero habría sido su suerte, ya que pronto todos lo apreciaron como redactor y narrador.

Uno de los primeros en darse cuenta de esto fue uno de los grandes productores de su generación, Alan Marshall, quien junto con David Puttnam habría sido su amigo y pigmalión. Gracias a Marshall, de hecho, habría diseñado y dirigido sus primeros comerciales y luego se habría convertido en el socio creativo de una de las agencias más buscadas en el mundo anglosajón.

“En ese momento, dijo Parker, ya no había una industria cinematográfica inglesa; después de la última ola de ‘enojo’ a principios de la década de 1960, fue el turno de anunciantes como yo que se convirtieron en directores gracias a los comerciales con los que tenían pasado el desorden “. 

Después de muchos premios en publicidad y un buen debut como guionista gracias a David Puttnam (Melody de 1971), para Parker como para Ridley Scott y Hugh Hudson, el momento de su debut como director llega en 1976: elige un camino propio, que del musical ambiental estadounidense pero todos actuaron y para niños, Little gangsters. 

El protagonista es la generación de gángsters de prohibición como Al Capone y Bugsy Malone, pero sus armas se tuercen en la cara y explotan bocanadas. Los actores en ciernes son Jodie Foster y Scott Baio, la música es de Paul Williams, quien también se encuentra entre los adultos a quienes se confían las canciones. “Siempre me ha encantado trabajar con niños y adolescentes”, dijo el director, porque siempre te dan algo que no esperas. Pero no tengo reparos en admitir que con esa primera película quería sobre todo subvertir algunas reglas del género musical y hacerme notar en Hollywood “.

Vale la pena una invitación al festival de Cannes para Parker, la llamada en espera a Hollywood y el contrato para el posterior Midnight Escape con Brad Davis y John Hurt. Marshall y Puttnam producen, el guionista escribe al novato Oliver Stone, el thriller de la prisión (basado en una historia real) viaja por el mundo, corre por seis Oscar y gana dos por el guión y la música de Giorgio Moroder.

Dos años después, sin embargo, Parker vuelve a su género favorito, el musical con otra película de culto: Serán famosos (1980) ambientada en la escuela de música y danza más famosa de Nueva York con Irene Cara entre un enjambre de debutantes talentosos. “No quería la película musical habitual en la que la acción se detiene para que la gente cante”, dijo Parker, sino una verdadera odisea de jóvenes músicos enfermos de pasión, vida, Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos), desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale) hasta el horror (el visionario Angel Heart, con Al Pacino). 

Pero la música sigue siendo su verdadera pasión y obsesión: Pink Floyd the Wall, Evita, Los compromisos (quizás su película más querida). Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos); desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale ) hasta el horror (Angel Heart, con Al Pacino).

Su formidable habilidad técnica, el ritmo milimétrico con el que dirige cada escena, la sabiduría con la que maneja a los actores como en una coreografía al estilo del Hollywood más clásico, son los signos que lo hacen siempre reconocible incluso en la diversidad de opciones narrativas. 

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Guillermo del Toro comienza a filmar “Nightmare Alley” en set “aséptico”

SAN DIEGO.– El cineasta mexicano GUILLERMO DEL TORO rodó las primeras tomas de Nightmare Alley, protagonizada por Cate Blanchett y Bradley Cooper, en un set aséptico como un quirófano, atendiendo a las restricciones impuestas por la pandemia.

Realizar una película durante esta emergencia es como “rodar en un gran quirófano. Debe estar esterilizada, tener todas las condiciones ‘clínicas’ pero al mismo tiempo tiene que permitir que comience el carnaval”, sostuvo Del Toro sobre la filmación de su nuevo thriller psicológico, que también cuenta con la actuación de Rooney Mara.

El realizador mexicano, ganador de dos premios Oscar en 2018 por La forma del agua, habló con la prensa en el panel que compartió con Scott Cooper –director de un esperado thriller de terror, Antlers, producido por Del Toro- en el marco de la Comic-Con 2020, que habitualmente se realiza en San Diego y este año se celebra de manera virtual por la pandemia.

En Comic-con@home se pueden seguir los eventos y conferencias de la Convención Internacional de comics, que también presenta adelantos de nuevas series y películas.

Filmar en tiempos de coronavirus “hace que todo sea diferente, incluso el modo en el que organizas a los extras en el set y cómo los involucras. Normalmente se hace a diario, pero ahora tienen que ser contratados durante varias semanas, aun cuando haya días en que no tienen escenas”, explicó Del Toro. Detalló que eso “se hace para evitar que durante sus pausas de rodaje vayan a trabajar en otras películas y luego deban permanecer en cuarentena antes de poder volver al set. Deben ser ‘monógamos’ con el proyecto”.

El director de El laberinto del Fauno reflexionó sobre la situación actual por el coronavirus.

“Pienso que esto durará meses y la elaboración será interesante. Para mí, hacer películas consiste en extraer belleza de la adversidad”, afirmó. Nightmare Alley, basada en la novela homónima que William Lindsay Gresham, publicó en 1946, está protagonizada por Stan (Cooper), un ladrón que se asocia con una psiquiatra (Blanchett) para convencer a las personas de que les confíen su dinero.

La novela tuvo su primera adaptación en 1947, dirigida por Edmund Goulding e interpretada por Tyrone Power, Joan Blondell y Coleen Gray. “Es una bendición tener a este elenco pero continuamente tenemos que programar los rodajes porque todos ellos son muy requeridos y tratan de conciliar con sus otros compromisos”, relató el cineasta. “Sin embargo, considero que para cada problema en cada film hay una solución satisfactoria. A veces no resulta fácil verla pero creo que hallamos la clave para hacer funcionar todo”, sostuvo.

Del Toro comparó la preparación de una película con el lanzamiento “de una nave espacial: por más detallista que seas en el momento de la cuenta regresiva siempre te invade el terror de que todo explote, y es una sensación que te queda por cierto tiempo”.

En tanto, Antlers –cuyo estreno estaba previsto en abril pasado y por la pandemia se pospuso para el 19 de febrero de 2021-, está protagonizada por KeriRussell (The Americans) y reinterpreta en una historia contemporánea al “wendigo”, figura demoníaca que pertenece a la mitología de los pueblos originarios estadounidenses.

“Es considerado un espíritu que refleja la venganza contra el género humano que abusa de la naturaleza”, sostuvo Cooper, director de películas como Crazy Heart y Hostiles.

“Ciertamente, continuamos abusando de la Madre Tierra, así como abusamos de los nativos americanos”, reflexionó. El objetivo de Cooper era rodar un filme “desconcertante, con un componente humano y emotivo muy fuerte pero también aterrorizante”.

Del Toro, productor de la película, sostuvo que un componente que amó del mito del wendigo “es que cuanto más desea más insaciable se vuelve y cuanto más desea más débil deviene. Me parece una metáfora perfecta de la insaciabilidad que existe hoy y de la privación permanente de todo aquello en lo que creemos”.

El cineasta mexicano, por último, habló de su pasión infinita por todos los géneros del cine.

“Walt Disney, Alfred Hitchcock y Luis Buñuel son los directores que más cuentan para mí y considero que actualmente, los hermanos Coen son los mejores realizadores vivos. Son excelentes narradores de historias y tienen mucho misterio”, concluyó.

POR FRANCESCA PIERLEONI/ ANSA

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Asmático, Martin Scorsese teme por su vida si se contagia de Covid-19

NUEVA YORK.- “He estado sufriendo de asma toda mi vida, y este virus aparentemente ataca los pulmones con más frecuencia que cualquier otra parte del cuerpo. Me di cuenta de que realmente podía respirar por última vez en esa habitación de mi casa que había sido un refugio y ahora se había convertido en una especie de fortaleza, y comenzaba a sentirme como mi prisión. Me encontraba solo, en mi habitación, viviendo de respiración en respiración”, es lo que el reconocido cineasta MARTIN SCORSESE, de 77 años y asmático desde hace varios años, confiesa en una entrevista con el director de La Civiltà Cattolica, padre Antonio Spadaro.

“En febrero, cuando me di cuenta de que todo se detenía, de que había una ‘pausa’, mi esposa y yo hemos mantenido la cuarentena, quedarnos en casa por un período de tiempo indefinido, y al cabo del tiempo la ansiedad se aparece constantemente. Es una nueva forma de ansiedad. La ansiedad de no saber nada, simplemente nada “, continúa Scorsese. 

“Entonces, algo vino, aterrizó en mí y dentro de mí. No puedo describirlo de manera diferente. De repente, vi todo desde un punto de vista diferente y mejor. Sí, todavía no sabía qué pasaría, pero nadie lo sabía. Podría haberme enfermado y nunca más haber salido de esa habitación, pero si hubiera sucedido, no podría haber hecho nada.

“Todo se volvió más fácil”, dice el director ganador del Oscar, y sentí una sensación de alivio. Y esta conciencia me trajo de vuelta a los aspectos esenciales de mi vida. A mis amigos y a las personas que amo, a las personas que tengo que cuidar, concluyó “.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Falleció el actor y cineasta Gabriel Retes

El director y cineasta mexicano GABRIEL RETES falleció a los 73 años, sin darse a conocer el motivo de su defunción.

El director Guillermo Arriaga, informó a través de su cuenta de Twitter el deceso de Retes, hijo de Ignacio Retes y Lucila Balzaretti. “Me acabo de enterar que murió Gabriel Retes. Me pesa. Varias películas suyas fueron muy influyentes en mi generación y era un excelente persona. Un abrazo a los suyos y a toda la comunidad cinematográfica”, publicó.

Por otra parte, la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) lamentó el fallecimiento de GABRIEL RETES y envió sus condolencias a su familia y amigos.

La filmografía de Retes superó los 50 títulos como actor y más de 30 como director, entre los que destacan Flores de papel (1977), Bandera rota (1979), La ciudad al desnudo (1989), El bulto (1992), Bienvenido/welcome (1994) y Un dulce olor a muerte (1999).

Este año trabajó en la promoción de su último filme La revolución y los artistas, una cinta satírica sobre el romance de los artistas Gerardo Murillo Dr. Atl, encarnado por el propio Retes, y Nahui Olin, en la interpretación de Meritxell Gález, y las reminiscencias en el gremio entonces integrado por otros intelectuales como José Vasconcelos, José Clemente Orozco y Diego Rivero.

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Descanse en paz GABRIEL RETES.

Con información de ANSA

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Spike Lee, primer cineasta negro en ser elegido presidente del jurado de Cannes

PARÍS.- El realizador estadounidense SPIKE LEE fue elegido presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes, programado del 12 al 23 de mayo de 2020.

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Se trata del primer cineasta negro en desempeñar ese papel, concedido el año pasado al mexicano Alejandro Iñarritu. “Cuando me llamaron no lo podía creer, estaba feliz, sorprendido y orgulloso al mismo tiempo”, declaró Lee, de 62 años. “Me honra ser la primera persona de la diáspora africana” en Estados Unidos que asume esta función, agregó.

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Luto en el cine mexicano por la muerte del director Jaime Humberto Hermosillo

“Falleció mi maestro, uno de los grandes y una de las personas que transformó la cultura fílmica en Guadalajara. Jaime Humberto Hermosillo siempre un hombre digno, valiente, transgresor y coherente. Ver La Pasion Según Berenice me hizo creer que se podía ser cineasta en provincia”, fueron las palabras vertidas en Twitter por el también cineasta Guillermo del Toro luego de enterarse del deceso del realizador mexicano a los 77 años.

HERMOSILLO nació el 22 de enero de 1942 en Aguascalientes. Se distinguió como uno de los directores más audaces y arriesgados de la cinematografía nacional. Estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), donde desarrolló sus primeros cortometrajes, mostrando sus obsesiones sobre la familia, los prejuicios y la ruptura de la moralidad.

Durante los años 80, la crisis cinematográfica lo obligó a mudarse a Guadalajara y a realizar producciones de forma independiente, de las cuales se desprende Doña Herlinda y su hijo (1984), importante cinta para el cine LGBTTTI nacional.

En los 90, la experimentación e independencia lo llevan a seguir desafiando la moralidad conservadora con cintas como La tarea (1990) y su secuela La tarea prohibida (1992), causando gran revuelo por su contenido sexual.

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Posteriormente, se convirtió en profesor en la Escuela de Artes Audiovisuales de la Universidad de Guadalajara y colaboró con sus alumnos en varios filmes. Su obra e influencia han marcado la pauta para varias generaciones de cineastas que exploran sin restricciones temas hasta entonces mal vistos por la sociedad mexicana.

Hermosillo también fue fundador de la Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara, festival con gran presencia en Iberoamérica.

Debutó en cine con La verdadera vocación de Magdalena (1972), para luego realizar El señor de Osanto (1974), El cumpleaños del perro (1975), La pasión según Berenice (1976), Naufragio (1978) y Amor libre (1979).

Algunas de sus cintas más representativas son: Doña Herlinda y su hijo (1985), Intimidades de un cuarto de baño (1991), La tarea prohibida (1992), De noche vienes, Esmeralda (1997), Ausencia (2003), Dos auroras (2005), Rencor (2006), Juventud (2010) y Un buen sabor de boca (2017).

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La exposición “Era una vez” rinde homenaje al cineasta Sergio Leone

ROMA-.-Dedicado al siempre recordado cineasta SERGIO LEONE (1929-1989) se ha dedicado en su honor, en el Museo Ara Pacis, la exposición C’era una volta  (Era un vez) concebida y creada por la Cinémathèque Française y la Cineteca di Bologna.

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Al interior de esta exposición, se encuentra el universo cinematográfico y privado de SERGIO LEONE, un viaje marcado por objetos personales, como su escritorio, algunos de sus libros o el piano Petrof donde Ennio Morricone hizo escuchar a su amigo de la infancia (eran compañeros de clase en la escuela primaria) las partituras de las bandas sonoras de sus películas, junto con modelos, sets, guiones, guiones gráficos, bocetos, disfraces, accesorios, cientos de fotografías del set y la familia.

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Un mundo de imágenes y sonidos enriquecidos por las pantallas, que remiten a los visitantes a las obras maestras del cineasta, capaces de revolucionar las formas de narración, el género occidental en primer lugar, y de celebrar el mito.

La exposición también es una oportunidad para aprender más de Sergio Leone en la relación con su ciudad. Le encantaban los stornelli romanos, por ejemplo, y solía comer en Trastevere, su barrio, como el platillo Checco er carettiere. ¿Cuáles eran sus platillos  favoritos? Los de la cocina de Roma: las alcachofas a la giudia, las latas con salsa amatriciana, los rollitos con salsa, el pastel de patata, el pastel de zabaglione, el vino de los Castelli Romani.

Se exhibirá la proyección de tres películas del cineasta, intercaladas con canciones romanas que le encantaba escuchar este domingo 5 de enero, además de poder comer  los spaguetis occidentales en el Bar “Boario” adyacente a la “Ciudad de la Otra Economía” (antiguo matadero Testaccio) donde habrá también una comida clásica de sus películas como salchichas y frijoles.

Aquí puedes ver el tráiler “Por un Puñado de Dólares”

FILMES:

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La vida y obra de Francisco Toledo será llevada a la plataforma de Netflix

La figura del popular artista, filántropo y activista  mexicano FRANCISCO TOLEDO (Juchitán, Oaxaca, 1940) será llevada al cine. Será una película animada producida para formatos caseros por Netflix y elaborada por un crew de cineastas oaxaqueños, que por el momento optaron por no hacer públicos sus nombres hasta que encuentren el financiamiento.

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El proyecto, aún sin título, será liderado por la cineasta serrana Luna Marán, quien en entrevista compartió que el equipo de creadores e ilustradores ya se encuentra trabajando. Será un proyecto ambicioso, ya que llevarán la película a la tercera dimensión y se estrenará tanto en las salas independientes, como en las comerciales de la ciudad y del interior del estado.

Francisco Toledo asumió la vida con una energía vibrante y se adelantó a su tiempo en muchas formas. “Es particularmente significativo tener la oportunidad de explorar su personalidad profunda y compleja, así como su relación con el pasado y futuro de México”, comentó Marán.

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Cabe señalar que esta no es la primera vez que Toledo se hace presente en el séptimo arte; en el año 2009 se filmó El informe Toledo, un documental con raíces juchitecas que intentó dar cuenta de una temporada, un significativo lapso de memoria y trazos en la vida del pintor oaxaqueño.

En algún punto de la génesis de este trabajo se apreció, en el centro del cuadro, el relato corto de Franz Kafka “Un informe para una academia”; a partir de allí, el realizador Albino Álvarez hizo un recorrido dentro de la mente del artista que en ese entonces tenía 75 años.

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Se avecina tempestad por el reciente filme de Clint Eastwood: “Richard Jewell”

NUEVA YORK. – Una tormenta se cierne sobre CLINT EASTWOOD por su nuevo filme sobre el atentado perpetrado en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, RICHARD JEWELL, que ya se exhibe en las salas de Estados Unidos.

En la película, el director estadounidense -premio Oscar por Million Dollar Baby- insinúa que Kathy Scruggs, una cronista negra del diario local Atlanta Journal Constitution, ofrece sexo al agente del FBI encargado de la investigación a cambio de información para una primicia acerca del culpable.

La película se presenta como una historia verdadera al estilo de The 15:17 to Paris, Sully o American Sniper.

Esta vez el motivo de Eastwood es el atentado de julio de 1996 al Centennial Park, en Atlanta, y la tempestad mediática que cambió la vida de Jewell, un guardia de seguridad que luego resultó inocente.

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Jewell, quien murió en 2007, fue efectivamente el principal sospechoso, como lo refirió el Atlanta Journal-Constitution en un artículo publicado en su primera página.

Relanzada por la CNN, la historia se propagó en todos los medios y el hombre, que nunca fue incriminado, pasó semanas encerrado en su casa, rodeado de telecámaras y periodistas hasta que fue exonerado tres meses después tras la bomba que provocó dos muertos y 111 heridos.

TRAILER “RICHARD JEWELL”:

 

En la película, Scruggs (Olivia Wilde) se encuentra con el agente del FBI (Jon Hamm) en un bar días después de la explosión. El agente, al comienzo se niega (“Ni aunque vengas a la cama conmigo”), pero luego cede cuando la mano de la periodista le acaricia los muslos y revela que la investigación apunta a Jewell, inicialmente saludado como un héroe por haber descubierto el artefacto explosivo, advertida la policía con veinte minutos de anticipación de la explosión, lo que había limitado el número de las víctimas.

“¿Quieres arrendar una habitación o vamos a mi automóvil?”, preguntó en este punto Scruggs, según un comentario de quien la conocía bien. La periodista, que murió a los 42 años en 2001 por una sobredosis de fármacos, no puede confirmar ni desmentir la versión.

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Como en muchos dramas documentales, también el último de Eastwood se toma licencia con la verdad histórica. En este caso, es menos amable con la periodista, ya que usa su verdadero nombre, y encubre al agente del FBI, a quien le inventa un nombre.

Esta semana el Atlanta-Constitution, con la ayuda del abogado Martin Singer, conocido como “el perro guardián de las estrellas”, escribió a Eastwood, al guionista Billy Ray y a la Warner Bros amenazando con llevarlos a juicio por difamación si la reputación de Scruggs no es limpiada en los títulos del encabezamiento.

En cuanto a la escena del bar en el filme, para muchos es el último ejemplo de una actitud sexista de Hollywood contra las periodistas: reporteras mujeres que van a la cama con sus fuentes para obtener noticias aparecen, entre otras, en series como House of Cards de Netflix, Sharp Objects de HBO y en la película Thank You for Smoking.

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“No vean ‘The Irishman’ en un celular”, clamor del cineasta Martin Scorsese

HOLLYWOOD.- MARTIN SCORSESE tiene un clamor: “no mires THE IRISHMAN (El Irlandés) en tu móvil. “Si se desea ver una de mis películas, o la mayoría de las películas en general, no las vean en un teléfono móvil. Mírenlas en un iPad, mejor si es un iPad grande”, dijo el director, después de los primeros días del aterrizaje de su último esfuerzo cinematográfico en Netflix.

THE IRISHMAN, después de tres semanas en un número limitado de salas donde se sigue proyectando, llegó a Netflix el 27 de noviembre, en la víspera del puente de Acción de Gracias y la presencia de una película de autor junto con las mil propuestas de el cine y la televisión de la plataforma de transmisión tuvieron un efecto en la taquilla estadounidense, donde entre el miércoles y el domingo, gracias sobre todo al registro de Frozen 2 (123 millones), las entradas se vendieron por 264 millones de dólares, un 16 por ciento menos en comparación con el mismo período de 2018.

Esta disminución, según los expertos, no fue causada solo por el mal tiempo que azotó el puente de la fiesta, especialmente en los estados occidentales: la llegada a Scorsese de Netflix fue una de las más esperadas de la temporada. y ciertamente entre los candidatos al Oscar.

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THE IRISHMAN ha marcado un hito en el debate sobre cómo hacer y ver cine después de que Netflix y los otros gigantes del streaming hayan revolucionado la televisión.

Tres horas y media de duración, el fresco sobre el asesino irlandés involucrado en la desaparición del jefe del sindicato de camioneros Jimmy Hoffa es un desafío a la atención del espectador.

Scorsese rechazó explícitamente este formato: “Porque el objetivo de esta película es la acumulación de detalles. Hay un efecto acumulativo al final de la película, por lo que hay que verlo de principio a fin en una sola sesión. No hay nada malo con la serie, pero mi película no es una serie”, dijo el director a Entertainment Weekly refiriéndose en particular a los últimos 20 minutos de la película en la que el protagonista Frank Sheeran (Robert De Niro en su novena película con Scorsese) se ve a sí mismo cayendo en todas las decisiones tomadas en el curso de la vida, abrazando la vida de los gángsters y alejándose de la familia.

El efecto emocional final, explicó el director, se habría perdido si no se mirara junto con el resto de la película.

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“El mandato de Trump en crisis, tan agotador como caótico”: Robert Redford

NUEVA YORK.- El actor y cineasta ROBERT REDFORD afirmó tajante que el gobierno tipo dictatorial del presidente DONALD TRUMP está atacando los valores de Estados Unidos, al tiempo que lo consideró “una monarquía disfrazada” que “ha sido tan agotadora como caótica”.

“Nos enfrentamos a una crisis que nunca pensé que vería en mi vida: un ataque dictatorial como el del presidente Donald Trump sobre todo lo que representa este país”, expresó el premiado actor y director en una columna en NBC News.

“Como dejaron en claro las audiencias de juicio político de la semana pasada, nuestra tolerancia y respeto compartidos por la verdad, nuestro sagrado estado de derecho, nuestra libertad esencial de prensa y nuestras preciosas libertades de expresión, todo ha sido amenazado por un solo hombre”, continuó.

El californiano de 83 años subrayó que “es hora de que Trump se vaya, junto con aquellos en el Congreso que han elegido serle leales en lugar de respetar su juramento de afirmar solemnemente su apoyo a la Constitución de los Estados Unidos”.

“Y depende de nosotros hacer que eso suceda, a través del poder de nuestros votos”, agregó la estrella, que además de actor y director es ecologista.

Ganador de dos premios Oscar (Mejor Director por Ordinary People, de 1980; y Oscar Honorífico por su Trayectoria, en 2001), Redford afirmó que “solo quedan 11 meses antes de las elecciones presidenciales”.

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Son “11 meses antes de que tengamos nuestra única oportunidad real de enderezar este barco y cambiar el curso del desastre que nos espera”, declaró hoy el fundador del Festival de Cine de Sundance en un artículo de opinión para NBC News.

“Volvamos a dedicarnos a votar por la verdad, el carácter y la integridad en nuestros representantes (sin importar de qué lado estemos)”, siguió Redford, a menos de dos meses antes de que comience la temporada de cine y televisión en Park City, Utah.

“Volvamos a ser el líder que el mundo necesita desesperadamente. Volvamos, rápidamente, a ser simplemente… estadounidenses”, instó Redford, ahora retirado del cine.

El cineasta de Santa Mónica admitió que, cuando Trump fue elegido presidente, si bien no lo votó, pensó que “era justo darle una oportunidad al tipo”.

“Y como muchos otros, lo hice. Pero casi al instante comenzó a decepcionar y luego a alarmarme. No creo que esté solo”, agregó. “Esta noche me duele ver lo que le está pasando a nuestro país. Al crecer cuando era niño durante la Segunda Guerra Mundial, vi a una Estados Unidos unida defenderse de la amenaza del fascismo”.

Recordó que volvió a ver lo mismo “durante la crisis de Watergate, cuando nuestra democracia se vio amenazada”. “Y nuevamente, cuando los terroristas pusieron nuestro mundo patas arriba”, agregó, destacando que “durante esos tiempos de crisis, el Congreso se unió y nuestros líderes se unieron”, concluyó.

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Otra mujer violada por Roman Polanski, ahora francesa, lanza un “Yo acuso”…

PARÍS.– 44 años después, Valentine Monnier no pudo callar más. Y convencerla de que hablara fue la última película de su atacante en la vida real, el cineasta Roman Polanski. “Tenía solo 18 años”, dice Valentine, cuando Polanski la violó, “con extrema violencia”. Ella era una joven fotógrafa, modelo, ocasionalmente actriz. Hoy, en Le Parisien, lo cuenta todo.

“En 1975, escribió en un texto después de pedir repetidamente el apoyo de figuras como Brigitte Macron o la ministra Marlene Schiappa, “fui violada por Roman Polanski. No tenía conexión con él, ni personal ni profesional, y apenas lo conocía. Fue de extrema violencia, después de un descenso de esquí, en su chalet en Gstaad, Suiza. Me golpeó, me llenó de golpes hasta que me opuse a más resistencia, luego me violó y me hizo sufrir. Tenía solo 18 años “.

¿Por qué el último trabajo de Polanski, J’accuse, la ha empujado a salir? Después de haber recibido siempre respuestas evasivas o impotentes desde un punto de vista judicial dada la prescripción de los hechos, decidió revelarle todo a Le Parisien: “El retraso de la reacción no significa que haya olvidado, dice, la violación es una bomba para relojería: la memoria no se borra, se vuelve fantasma y te persigue, te cambia insidiosamente. El cuerpo a menudo termina siendo afectado por lo que la mente ha mantenido separada, hasta que la edad o un evento ocurre antes de la memoria traumática”.

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En la película, Polanski escenifica el error judicial por excelencia, la historia del capitán Alfred Dreyfus: “es sostenible, con el pretexto de una película, escondiéndose detrás de la Historia, escuchar a J’accuse ser contado por el que lo marcó , mientras que a usted, la víctima, le está prohibido acusarlo?”

Hija de industriales alsacianos, Valentine decidió en su momento ir a celebrar a las montañas con amigos, invitados de Polanski. Valentine dice que Polanski le preguntó muy claramente si quería tener sexo con él en un paseo en telesilla. Ella dijo que no. Luego, por la noche, cenó con él en un restaurante del que volvería por la pista con antorchas. En el chalet, Polanski la llamó y cuando salió al rellano comenzó su furia: golpes, golpes, una píldora que la hizo tragar antes de violarla: “Estaba totalmente en estado de shock, pesaba 50 kilos. Polanski era pequeño pero musculoso y 42 años, en el apogeo de su fuerza: ganó en dos minutos. Luego llegó la disculpa de la directora, llorando, con su promesa de no decir nada.

Polanski, de 86 años, fue condenado en 1977 por agresión sexual infantil en los Estados Unidos, un país en el que aún no puede regresar. Su esposa, Sharon Tate, fue asesinada por un culto dirigido por Charles Manson en 1969 en los Estados Unidos mientras estaba embarazada. Actualmente vive en Francia con su última esposa, la actriz Emmanuelle Seigner, con quien tuvo dos hijos.

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Magna expo de Fellini en Rimini, previo al centenario de su nacimiento en 2020

RIMINI, ITALIA.- En vísperas de las celebraciones por el centenario de su nacimiento, programado para 2020 cuando se quitarán los velos en el Museo Internacional dedicado a él, Rimini recuerda a FEDERICO FELLINI con la exposición itinerante Exposición Fellini 100 y La dolce vita, que abrirá sus puertas el 14 de diciembre.

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El Ayuntamiento en sesión extraordinaria dio luz verde al proyecto ejecutivo, el último acto del proceso para el Museo que se desarrollará entre Castel Sismondo, Piazza Malatesta y el Cinema Fulgor.

La exposición gira en torno a tres núcleos de contenido: el primero cuenta la historia de Italia a partir de los años veinte y treinta a través de la imaginación de las películas de Fellini; el segundo está dedicado a la historia de los compañeros de viaje del director, colaboradores reales, imaginarios, y el tercero a la presentación del proyecto permanente del Museo Internacional Federico Fellini.

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Después de la exposición de Rimini, la exposición comenzará su viaje, deteniéndose en Roma en abril hasta junio de 2020, antes de cruzar las fronteras nacionales con exposiciones en Moscú y Berlín.

Gracias a la exposición Fellini 100 y La dolce vita será posible sacar a la luz material inédito adquirido por la administración municipal. Una sección, en particular, estará dedicada al Fondo Nino Rota, que contiene material sobre las 15 películas que vieron la colaboración entre el famoso compositor y Fellini, desde The White Sheikh de 1952 hasta Orchestra Trial de 1978.

Se exhibirá por primera vez una serie de cuadernos originales, en los cuales el colaborador historiador de Fellini expuso las indicaciones del Maestro con respecto a la música que debería haber acompañado y mejorado sus elecciones de dirección. Luego se exhibirán algunos cuadernos, incluidos los relacionados con La Dolce Vita, Otto e 1/2, Le notti di Cabiria.

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La realizadora italiana Lina Wertmuller, recibió a los 91 años el Oscar honorífico

LOS ÁNGELES.- La realizadora italiana LINA WERTMULLER, de 91 años, recibió anoche en Los Ángeles un Oscar a su trayectoria, otorgado durante los Governors Awards de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

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Wertmuller no perdió su gracia e ironía, transformando la gala en un divertido “happening”. Sobre todo cuando bromeó con Isabella Rossellini, hija del realizador Roberto Rossellini, quien estuvo sobre el escenario vestida de violeta y causó la reacción de la cineasta, evidentemente supersticiosa, que hizo varias veces el gesto de los cuernos ante las risas del público.

Presentaron el reconocimiento a la primera mujer candidata al Oscar por la dirección, en 1976, sus colegas Greta Gerwig y Jane Campion. Luego la celebraron en el escenario, sorpresivamente, Rossellini y Sophia Loren.

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Lina Wertmuller, que tenía a su lado a su hija Maria Zulima Job, tomó la palabra y con ironía subrayó que “hay que cambiar el nombre a esta estatuilla. ¿Por qué Oscar? Llamémoslo con un nombre de mujer, llamémoslo Anna”.

En la ceremonia realizada en el Hollywood & Highline Center fueron premiados por su trayectoria también David Lynch, Geena Davis y Wes Studi.

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Fallece Peter Fonda de cáncer pulmonar

HOLLYWOOD.– Derivado de un cáncer pulmonar, el actor y director PETER FONDA murió en Los Ángeles a 79 años de edad.

 

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Dos veces nominado a un Oscar, Fonda protagonizó Easy Rider, la película que marcó una generación. Fonda, quien murió en su casa, era hijo de Henry Fonda y hermano de Jane Fonda.

Era conocido también por sus papeles en las películas 3:10 to Yuma (2007) y Ghost Rider (2007).

Un representante de Fonda que protagonizó y escribió el guion de la película de culto Easy Rider, reveló al portal TMZ la noticia del fallecimiento.

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“Murió pacíficamente el viernes por la mañana, 16 de agosto a las 11:05 am, en su casa en Los Ángeles rodeado de familiares”, señaló un comunicado de la familia. “En uno de los momentos más tristes de nuestras vidas, no podemos encontrar las palabras apropiadas para expresar el dolor en nuestros corazones. Mientras lamentamos, les pedimos que se respete nuestra privacidad”, escribieron los parientes.

“Y, mientras lamentamos la pérdida de este hombre dulce y amable, también deseamos que todos celebren su espíritu indomable y su amor por la vida”, finalizó la familia Fonda. “En honor a Peter, por favor levanten un vaso a la libertad”.

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El hijo de Henry Fonda y hermano de Jane Fonda era mayormente conocido por su papel protagónico como Wyatt en Easy Rider (conocida en Latinoamérica como Busco mi destino), película por la cual fue nominado al Oscar por escribir el libreto. Pero también logró varios hitos en su carrera como cuando también fue nominado en 1997 como Mejor Actor por su papel de apicultor en Ulee’s Gold y cuando ganó un Globo de Oro en 2000 por La pasión de Ayn Rand.

Se casó en tres ocasiones. Su esposa más reciente fue Margaret DeVogelaere.

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“Federico Fellini en cuadros”, adelanto de celebraciones a cien años de su natalicio

ROMA.- El Instituto Luce Cinecittá presentará el proyecto Federico Fellini in frames en la próxima edición del Festival de Venecia, como adelanto de las celebraciones que tendrán lugar en 2020, cuando se cumpla el centenario del nacimiento del genial cineasta italiano.

Como si se tratara de una recomendación terapéutica, al igual que caminar 30 minutos al día, quienes asistan a la Mostra, del 28 de agosto al 8 de septiembre, recibirán cada día una “píldora” de Fellini para sentirse mejor. Con Federico Fellini in frames (Federico Fellini en cuadros) el festival se anticipa a los festejos del año próximo y celebra también al cine, porque las historias del director de Amarcord (1973) son sueño y magia plasmados en películas.

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Estas “píldoras” que llevará el Istituto Luce a Venecia forman parte de su Archivo Histórico. Este año el homenaje es para el realizador oriundo de Rímini y es agradable pensar que a él le hubiese gustado esta “biografía en píldoras”: crónicas cinematográficas, galas de estreno, premiaciones, filmaciones de los detrás de escena y otras de él mientras trabaja en el set de rodaje.

Esos videoclips se verán en la sala antes de la exhibición de las películas de la Selección Oficial.

También se proyectará la restauración del filme El jeque blanco (1952), realizada por la Fundación Cineteca de Bologna en el marco del Proyecto Fellini 100, junto a Rti-Mediaset e Infinity.

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Se trató de la primera película suya en absoluto, en la que el cineasta Michelangelo Antonioni fue coautor de la historia; el escritor Ennio Flaiano coautor del guión; Nino Rota de la música y el gran Alberto Sordi su protagonista (a propósito, en 2020 también se cumplen cien años de su nacimiento).

Además, en la sección Venezia Classici se exhibirá en concurso el documental “Fellini fine mai” (Fellini nunca termina) con el que Eugenio Cappuccio homenajea de manera no convencional al maestro de maestros con materiales de archivo de Teche Rai.

En el Festival de Venecia Fellini presentó su segunda película, I Vitelloni (Los inútiles, 1953), que se llevó el León de Plata al Mejor Director, y al año siguiente repitió el premio con La Strada.

En 1955 la crítica no recibió muy bien a Il Bidone (Almas sin conciencia), lo que lo convenció de no llevar más sus películas a Venecia e ir, en cambio, al Festival de Cannes, donde La Dolce Vita (1960) ganó la Palma de Oro.

Recién volvió en 1969 con Satyricon y luego con E la Nave Va en 1983.

En Federico Fellini in frames, en las 18 piezas de archivo, se encuentran las crónicas de la Mostra por la presentación de I Vitelonni y La Strada y los aplausos en Via Veneto, en Roma, por Notti di Cabiria (1957), con Giulietta Masina y Amedeo Nazzari. También se ven imágenes del rodaje de La Dolce Vita, con los recorridos de la pulposa Anita Ekberg desde el set hasta la Fontana di Trevi; el estreno en el cine Fiamma y finalmente, los aplausos en Cannes.

Se suman las postales de Estados Unidos, cuando se llevó el Oscar a la Mejor Película en 1964, y de Cinecittá, con las pruebas de Giulietta Masina y Sandra Milo para Giulietta degli Spiriti (1965); las pruebas técnicas en el set de La cittá delle donne (1980) y el doblaje con Oreste Lionello y Gigi Proietti para Casanova (1976).

En ese archivo hasta está la chica del anuncio del film jamás realizado, Duet Love (1969), con Fellini e Ingmar Bergman, que iba a ser producido por Universal.

En orden cronológico cierra Venecia: con la llegada del realizador italiano en lancha al Lido para la presentación de E la nave va.

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MILAN. – El realizador estadounidense WOODY ALLEN debutará en la Scala de Milán, templo de la lírica italiana, como director de la ópera Gianni Schicci de Giacomo Puccini, espectáculo que también filmará.

“Es algo de fábula, un sueño, estar en el teatro de ópera más grande del mundo. Si alguien me hubiese dicho que algún día iba a dirigir una ópera en la Scala mientras paseaba por Nueva York o Brooklyn le hubiese dicho que era pura locura, que ni siquiera hubiera pensado poder ver desde afuera, y mucho menos trabajar allí”, dijo hoy Allen en diálogo con los estudiantes de la Academia de la Scala.

Ellos serán los encargados de representar Gianni Schicci, dirigida por él junto a Grisha Asagaroff.

El director de Annie Hall no parece un hombre de 83 años cuando se lo ve sentado junto al protagonista de la obra, barítono italiano Ambrogio Maestri. Lejos de vérselo como una persona cerca de la jubilación, abatida por las polémicas del #MeeToo -que demoraron durante un año el estreno de su último filme, A Rainy Day in New York- se lo observa muy enérgico.

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Su paso por Milán es solo una “pausa” antes de iniciar el rodaje de su nueva película, en España. De hecho, después de la premieer de la ópera, el sábado próximo, volará desde la ciudad italiana directamente a San Sebastián. “Soy un señor que se mantiene muy activo, pero me da mucho placer tomarme una pausa para venir aquí a poner en escena una ópera en un sitio tan icónico”, explicó.

La obra, que será presentada del 6 al 19 de julio, ya había sido montada en Los Angeles en 2008 por insistencia de Plácido Domingo y desde entonces ha sido reeditada, incluso en la ciudad italiana de Spoleto, centro del país.

Sin embargo, esta vez será representada en el que Allen compara con el “palacio de Cenicienta”. Por otra parte, Gianni Schicchi es la ópera adecuada para él: breve y divertida. Lo demostró con un chiste típico de él cuando explicó que, en principio, había pensado ambientar la ópera en un mundo de ratones en el que Gianni Schicchi era una rata; o tal vez, que todos las personas fuesen “comidas sanas y Gianni un cigarrillo”.

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Pero me dijeron que era una pésima idea”, remató. En fin: la ópera está ambientada como una película del neorrealismo italiano de los años ’50. La versión es idéntica a la montada en Los Ángeles, a diferencia del final (en el que el realizador había hecho apuñalar a Gianni por Zita).

“El final no lo repito. Aquí haré otro, porque cuando vi el palco con los estudiantes me emocioné y tuve una idea nueva. Se los dije hace muy poco y representaremos esta nueva idea, la verán la noche del estreno!”, exclamó.

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El cine pistolero e inspirador de Sergio Leone, a tres décadas de su partida

ROMA.– 30 años sin SERGIO LEONE, un anarquista que se ha convertido en un clásico. Hoy su cine sigue inspirando. Un retrato del director Sergio Leone y la figura de un clásico “pistolero” en el contexto de las montañas de Sierra Nevada: este es el trigésimo aniversario de la muerte del famoso director en un sello emitido este día. El sello es válido para los artículos enviados por correo regular a América, Asia y África (el costo es de 2.40 euros) y la tirada se indica en 2.55 millones de copias.

 

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SERGIO LEONE es reconocido por unanimidad como uno de los mejores autores de la historia del cine, incluso haciendo sonreír a las personas, recordando desconfianza, ostracismo, superficialidad de los juicios que acompañaron su carrera, al menos hasta la última película, Érase una vez en América de 1984.
El resto es historia y mitología personal. A pesar de la desconfianza que rodeaba a la película, explotó como una bomba inesperada, ganancias y ventas estelares en todo el mundo, incluida Asia. Luego Sergio Leone monta la ola de éxito, pero lo hace a su manera inventando la ahora famosa Trilogía del dólar, que después de Por unos pocos dólares más lo lleva a filmar en Estados Unidos con capitales y estrellas estadounidenses El bueno, el malo y el feo en 1966. A partir de ese momento, Sergio Leone se convierte en un gurú del cine internacional: dirige Érase una vez el oeste en 1968 para coronar su representación de la epopeya occidental y luego Casi de mala gana en 1971).
Para distinguir el cine de Leone, hay un estilo, un “Maniera Leone” que ha hecho escuela y al que muchos han rendido homenaje: Quentin Tarantino primero. Sin mencionar a Clint Eastwood, quien se convirtió en director siguiendo los pasos del “padre” italiano y que le dedicó su obra maestra The Spiteful.

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El estilo de Leone se materializa en su hábil uso del zoom, en su búsqueda obsesiva de los primeros planos, en la expansión alienante de los tiempos narrativos que esperan un evento constantemente retrasado (el comienzo de ” Érase una vez el oeste “), en la ostentosa teatralidad de los ritos fundadores (el duelo final de” Lo bueno, lo malo, lo malo “). La música de Ennio Morricone, los guiones dominados con una mano segura pero alimentados por talentos siempre nuevos (Dario Argento y Bernardo Bertolucci colaboran en Érase una vez el oeste) y por cómplices / amigos como Luciano Vincenzoni.
Sergio Leone fue un productor, hombre de negocios, cazatalentos (se le debe el descubrimiento de Carlo Verdone), un alma solitaria y un marido y padre cariñosos.
En diciembre pasado, la Cinemateca Francesa y la Cineteca di Bologna le rindieron homenaje con una grandiosa exposición que también aterrizará en “su” Roma en el Ara Pacis el 12 de diciembre.

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En estos días, su película Por un puñado de dólares está de vuelta en la versión restaurada, pero el público más joven podrá encontrar todo su genio en la pantalla grande gracias a la restauración de la Cineteca di Bologna y Warner (ahora famosos directores de Érase una vez en América.
De éste cineasta podemos decir con razón: era un gigante que miraba el mundo y nunca olvidaba sus raíces, era clásico y experimentador juntos, fue capaz de revivir en la escena mundial del mito estadounidense las grandes cadenas de su matriz europea: melodrama, epopeya, comedia.
En síntesis, SERGIO LEONE aparece hoy como el Giuseppe Verdi del cine italiano.

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Derrame cerebral, causa del deceso del cineasta estadounidense John Singleton

LOS ÁNGELES.- El cineasta JOHN SINGLETON murió este lunes a los 51 años luego de que le retiraron el soporte vital, días después de sufrir un derrame cerebral y una carrera cinematográfica que comenzó con Boyz N the Hood en 1991, un drama sobre las pandillas en un barrio de Los Ángeles.

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Los parientes ordenaron a los médicos que lo hicieran después de que el director y guionista nominado al Oscar tuvo un derrame cerebral a principios de este mes. “Estamos tristes al informar que John Singleton ha muerto”, dijo la familia en un comunicado. “John falleció en paz, rodeado de su familia y amigos”.

El director candidato al Oscar nació en el centro sur de Los Ángeles, la comunidad que fue el escenario de su filme debut sobre la amistad en medio del peligro de la violencia de bandas. Fue el primer afroamericano y la persona más joven en ser candidato a un premio de la Academia al mejor director, a los 24 años, por Boyz N the Hood.

Singleton luego dirigió filmes como la cinta de acción 2 Fast 2 Furious y el drama histórico Rosewood. Es el creador y productor ejecutivo de la serie de televisión por cable Snowfall sobre el inicio de la epidemia de cocaína en Los Ángeles.

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Su familia dijo que Singleton fue “un director prolífico e innovador que cambió las cosas y abrió puertas en Hollywood, un mundo que estaba a unas pocas millas, pero a mundos de distancia, del vecindario en el que creció”.

“Nada le gustó más que dar oportunidades a nuevos talentos”, como Tupac Shakur, Regina King, Ice Cube y Taraji P. Henson, dijo la familia.

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