LOS ÁNGELES.-Disney sigue el ejemplo de Warner Bros y ha decidido lanzar sus películas insignia tanto en cines como en su plataforma de streaming Disney+ a la misma hora, día y fecha. Es el caso de Viuda Negra con Scarlett Johansson como Natasha Romanoff, que se ha pospuesto para su estreno hasta el 9 de julio.
Lo mismo le sucede a la película Cruelle, con Emma Stone, programado para su lanzamiento el 28 de mayo. Ambas películas estarán disponibles a un costo adicional en comparación con la suscripción mensual a la plataforma.
Cruella De Vill estaba algo chiflada, era fanática de las pieles y tenía una personalidad oscura, y todo eso la convirtió en una de las mejores villanas en la historia de Disney. 60 años después del estreno de la película animada (de 1961), Cruella tendrá su propio live action en el que será interpretada por la ganadora del Oscar Emma Stone.
La nueva versión, de acuerdo con Disney, retrata los primeros días de una de las villanas más notorias del cine e icono de la moda (aunque sin hacer abrigos con cachorros).
Cruella está dirigida por Craig Gillespie (Yo soy Tonya) y producida por Andrew Gunn (Un viernes de locos), Marc Platt (El regreso de Mary Poppins) y Kristin Burr (Christopher Robin: un reencuentro inolvidable), con Emma Stone y Michelle Wright (Baby Driver) como productora ejecutiva. Además, con una villana que además es una figura importante en la moda, los vestuarios fueron creador por la diseñadora de vestuario dos veces ganadora del Oscar Jenny Beavan, quien recientemente trabajó en Mad Max: Furia en el camino.
De hecho, la decisión de Disney es como un rayo de luz para las cadenas de películas y se produce después de que Warner diera un paso atrás de los nuevos estrenos en 2022, que tendrán una ventana exclusiva para los cines de 45 días. Y después de que la industria comenzó a refundarse gracias a la reapertura de mercados importados como Los Ángeles y Nueva York, que estuvieron cerrados por un período más largo que otras ciudades estadounidenses debido a la pandemia.
HOLLYWOOD.- Cuando una película tiene éxito no suele tardar en salir una secuela, o al menos en hablarse de ella. Al fin y al cabo, si se va a aprovechar la popularidad de una historia, debe hacerse mientras está fresca en la mente del público, es cuando hay más probabilidades de que sigan dispuestos a gastar dinero en él.
Por ello, COMING TO AMERICA tendría una secuela después de más 30 años. Aunque la comedia sobre un príncipe africano que acaba en la ciudad de Nueva York tuvo mucho éxito en su momento, ¿el público de hoy seguiría respondiendo a ella? Es posible.
El objetivo es más bien atraer a los espectadores que conocen y aman la película en el mejor de los casos, los que incluso la hayan visto en el cine en su momento. No sólo eso, la película está salpicada de apariciones de invitados del antiguo grupo. Entre otros, hay un reencuentro con la emblemática barbería, también vuelve McDowells, un local de comida rápida modelado descaradamente a partir de McDonalds.
Por otro lado, un importante interludio musical al principio de la película sólo está para hacer llorar a algunos en casa frente a sus pantallas llevados por la nostalgia.
Estrenada en Amazon Prime Video,COMING TO AMERICA rememora sin pudor el desfile de estrellas de los años 80 y 90.
Tras la muerte de su padre (James Earl Jones), el príncipe Akeem Joffer (Eddie Murphy) es declarado rey del estado de Zamunda. Sin embargo, no hay señales de alegría, después de todo, también ha heredado varios de sus problemas; uno de ellos, la sucesión al trono. Akeem y su esposa Lisa (Shari Headley) tienen tres hijos, pero ni Meeka (KiKi Layne) ni las dos hijas menores pueden optar al trono que está reservado a los descendientes varones.
Así, el general Izzi (Wesley Snipes), líder del país vecino de Nextdoria, entra en escena amenazando con anexionar Zamunda.
Pero entonces Akeem se entera de que podría tener un hijo, engendrado sin saberlo durante su viaje a Estados Unidos: Lavelle Junson (Jermaine Fowler).
El príncipe ilegítimo es hasta ahora igualmente inconsciente de su buena fortuna y también lo está pasando un poco mal con las expectativas puestas en él.
Mientras, hay que reconocer que en algún momento la película se aleja de la retrospección soñadora y quiere contar algo propio. Al menos en parte.
Así, el foco de atención se aleja gradualmente de Akeem y se dirige hacia su hijo, hasta ahora desconocido, que es el nuevo príncipe, hay que reconocer que tiene un camino inverso al de su padre. Mientras que este último, como hombre rico, quiso de repente vivir una vida de pobreza y trabajo, Lavelle convierte a un don nadie en príncipe. Pero tienen en común los problemas en el amor.
Por desgracia, el resultado no es realmente convincente. Esto se debe en menor medida al nuevo protagonista Jermaine Fowler (Sorry to Bother You), quien llena su papel de energía y encanto.
Más bien, hay una vez más problemas con el guion, frente a los cuales el conjunto sólo puede actuar parcialmente. Así que, al igual que con el predecesor, se echan en falta chistes realmente buenos, aunque de vez en cuando se pueden encontrar razones para sonreír. Esto se puede atribuir más a los actores y actrices que allí vemos y que conocemos, por ejemplo, las desinhibidas interpretaciones de Leslie Jones y Wesley Snipes, los propios gags suelen ser muy inofensivos.
La comedia dirigida por Craig Brewer, deambula sin un objetivo real. Así, la película toca numerosos temas, desde el racismo hasta el amor, pasando por el papel de la mujer, sin perseguir ninguno de forma más consistente. Lo más importante es que hay demasiados personajes, lo que hace que todos se interpongan en el camino de los demás.
Mientras que Coming to America seguía viviendo del dúo Murphy y Arsenio Hall, la secuela hace malabares con numerosos personajes. No se aprende mucho sobre las hijas, aunque son un tema importante. El interés amoroso de Lavelle, Mirembe (Nomzamo Mbatha), está simplemente ahí. Ni siquiera hay tiempo para el desarrollo de una verdadera relación entre Akeem y su hijo.
Al final, hay un montón de cursilerías, pero eso no puede ocultar el hecho de que la película tiene un contenido sorprendentemente escaso. En general, se puede ver. Pero no habría necesitado la secuela, ciertamente.
El final y las consecuencias para muchos personajes y su desarrollo previamente mostrado, son insatisfactorios con respecto al antagonista de la obra, incluso lamentable, si no vergonzoso; uno recuerda cómo se dibujó el personaje en la primera mitad y qué alusiones se hicieron en relación con él. Al igual que en la primera parte, las decisiones de los protagonistas se ven recompensadas de forma cuestionable y, en ciertos momentos, uno empieza a preguntarse si los creadores de esta obra querían hacer algún tipo de declaración.
Gran parte de lo que el filme hizo bien en la primera mitad,lo hace mal en la segunda, lo que tiene un efecto muy negativo en cómo se siente uno cuando pasan los créditos.
Así que una obra con mucho potencial se convirtió en una comedia que se puede ver, pero que ciertamente no tiene que ser. Para los fans de la predecesora quizá sea una película que merezca la pena ver, para los que sólo tengan curiosidad es más bien un paréntesis para una acogedora noche de sábado.
Esta secuela comete el mismo error que tantas películas similares anteriores, comienza con fuerza y bombardea al espectador con un aluvión de apariciones de invitados, gags, réplicas e ideas interesantes, sólo para no acertar con la mezcla de trama y humor en la segunda mitad.
La historia, escasa y demasiado predecible, no compensa en ningún nivel la comedia, cada vez más reducida, y el final es insatisfactorio en demasiados aspectos.
Ciertamente no es una mala película, pero tampoco es una obra que se pueda recomendar sin reservas.
LOS ÁNGELES.- Netflix prepara una serie de animé basada en TERMINATOR. La plataforma de streaming y la productora Skydance preparan una serie de animé basada en el personaje de Terminator, el icónico cyborg asesino de la franquicia creada por James Cameron en 1984.
Según informó el sitio especializado The Hollywood Reporter, la producción estará a cargo de Mattson Tomlin, quien coescribió el guion de The Batman, la película que estrenará en marzo del año próximo y contará con Robert Pattinson (Tenet) en el papel del Caballero de la Noche.
Tomlin ya había trabajado junto a Netflix, además, para la película Proyecto Power, con Jamie Foxx y Joseph Gordon-Levitt, que fue lanzada en agosto de 2020 y sigue a un narcotraficante, un policía y un exsoldado que se unen para frenar la distribución de una pastilla que otorga superpoderes a las personas durante cinco minutos.
Terminator, originalmente una cinta de acción y ciencia ficción de bajo presupuesto, se transformó en un clásico del género a partir del estreno en 1991 de Terminator 2: el juicio final, nuevamente protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton y dirigida por Cameron, que en la 64a. edición de los premios Oscar se llevó cuatro estatuillas.
La franquicia continuó con Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), Terminator: La salvación (2009) y Terminator Génesis (2015), las cuales ampliaron la historia sin la participación del cineasta canadiense, que en 2019 produjo Terminator: Destino oculto, para dar continuidad a los acontecimientos de El juicio final en una nueva línea de tiempo fiel a su visión.
ROMA.- Incluido por la prensa internacional entre los 100 genios vivientes, y por la revista Forbes entre los 500 hombres más ricos del mundo, con un patrimonio que supera los 3 mil millones de dólares, el productor y realizador estadounidense STEVEN SPIELBERG cumple este día 75 años consagrado como un mito del cine.
Nacido en Cincinnati el 18 de diciembre de 1946, Spielberg tiene en su haber 57 películas realizadas, 179 producciones dirigidas con éxito y unos 40 proyectos abandonados (o cedidos a otros).
Conviven en Spielber el soñador y el hombre de negocios, el jovencito que vive en una nube y el perfecto liberal estadounidense, el eterno muchacho aún signado por el racismo y el bullying que le hicieron un infierno la adolescencia y el “pater familia” que trajo al mundo cuatro hijos, con dos mujeres distintas, y tiene otros tres adoptados con su actual pareja, Kate Capshaw.
En el día de su cumpleaños todos estarán a su alrededor y no faltaran los mensajes de augurio de sus amigos más queridos: George Lucas, Martin Scorsese, Francis Coppola, todos unidos por la etiqueta de “movie brats”, los campeones de la Nueva Hollywood en sus comienzos en los años 70.
Pero el demonio de la dirección se había apoderado del joven Steven mucho antes. Hijo de un ingeniero electrónico y de una pianista -ambos judíos-, “esclavizó” a todos desde niño, dirigiéndolos en un corto rodado con una cámara 8 mm.
Los temas del entonces joven Steven fueron siempre aventureros y épicos, incluso tras al traslado de la familia a Nueva Jersey, donde la etiqueta de “sucio judío” hería a diario al adolescente Spielberg, oscureciendo también el tono de sus historias.
En 1957, a los 11 años, rodó un catastrófico choque entre dos trenes de juguete (The Last Train Wreck) y luego un western (The Last Gun), donde también actuó.
En 1961 realizó su primer mediometraje, un relato de guerra filmado en su casa, llamado Escape to Nowhere.
La influencia de su amado David Lean se funde con su pasión por las historietas de ciencia ficción y de aventura: simuló un incidente entre aeroplanos filmando en el aeropuerto de Phoenix, y adaptó una historia escrita por su hermana Nancy en Firelight, una saga futurista de 140 minutos que su padre hizo proyectar en un cine alquilado para la ocasión.
En compensación, no se destacó como estudiante modelo en Saratoga y en Los Ángeles, donde asistió con poco provecho a la universidad estatal. Prefirió pasar sus jornadas de estudio en Universal, donde se fingió empleado durante meses hasta que, descubierto, indujo al jefe de personal a contratarlo realmente.
Su historia de amor con el cine está emparentada con numerosos récords: a los 22 años debutó con su primer “corto” profesional (Amblin), que le valió un contrato de siete años con Universal.
Dos años después dirigió el episodio piloto de la serie El teniente Colombo, y logró financiación para su primer filme, Duel, comprometiéndose a rodarlo en diez días a partir de un relato de Richard Matheson, que escribió el guion con él.
Entregó la película terminada en 13 días, dejando con la boca abierta a los productores, que decidieron distribuirlo primero en el cine y solo después en televisión.
Duel le ganó también la estima de su amigo George Lucas, quien había apostado a su fracaso y en cambio terminó dándole un porcentaje de la recaudación del primer episodio de “La guerra de las galaxias”.
Luego de una road movie al estilo de la Nueva Holllywood, Sugarland Express, invitada a Cannes en 1974, concluyó de hecho ese movimiento llevando al éxito planetario Tiburón, en 1975, con 470 millones de dólares de recaudación y una cosecha de tres Premios Oscar.
Dos años después, en 1977, reescribió el modelo de la ciencia ficción Encuentros cercanos del tercer tipo, con su actor fetiche Richard Dreyfuss y uno de sus autores predilectos, François Truffaut.
A principios de los años 80 batió otros dos récords: coronó su sueño de autor con el triunfo de E.T. El Extraterrestre, que lo llevó a la historia del cine, y dirigió para su amigo, el productor Lucas, el primer episodio de la saga de Indiana Jones.
Tras Los cazadores del arca perdida filmará otros tres episodios y tiene otros dos guiones en el cajón.
En 1985 mostró por primera vez su lado más comprometido con El color púrpura, dedicado a los temas de la esclavitud en Estados Unidos”. El filón del compromiso civil dará obras como Amistad, Lincoln, The Post y sobre todo La lista de Schindler, la obra maestra de 1993 con la que ganó dos Premios Oscar, como Mejor Película y Mejor Director.
En esa ocasión donó toda su ganancia a una fundación en memoria de la Shoah, considerando que ese dinero estaba “teñido de la sangre” de las víctimas. Pero en el mismo año confirmó su vocación de realizador de éxitos de taquilla con una historia de dinosaurios ideada por Michael Crichton: Jurassic Park fue su mayor éxito comercial.
En 1998 logró otro récord, el filme de guerra más verídico jamás filmado, Salvar al soldado Ryan, con el que ganó otro Oscar (cuatro en total hasta ahora).
La pandemia frenó el estreno de su nuevo trabajo como director y productor, una ambiciosa remake del musical West Side Story, con un joven elenco de actores, cantantes y bailarines de toda etnia, rodado íntegramente en Nueva York y con la aparición de Rita Moreno, descubierta por Robert Wise en el film original, que cumplirá 60 años en 2021.
El estreno de la remake parece reservarse ya un récord de candidaturas al Oscar para el año próximo.
“Mi mamá -contó el realizador a Vanity Fair– era una pianista clásica. Nuestra casa estaba llena de álbumes de música clásica. La columna sonora del musical fue el primer álbum de música popular que mi familia haya dejado entrar en casa alguna vez. De niño, me enamoré de ella por completo. La de West Side Story es una tentación que me acompañó mucho tiempo y a la que finalmente cedí”.
NUEVA YORK.-GODZILLA VS. KONG, uno de los esperados filmes del 2021, podría ser estrenada directamente en streaming, con Netflix y HBO Max en abierta disputa con Warner.
Netflix hizo una oferta de más de 200 millones de dólares por quedarse con el filme en el que se enfrentan los dos mega monstruos, con HBO Max del otro lado.
GODZILLA VS. KONG, la próxima película de monstruos de Legendary Pictures, por el momento será estrenada en el cine, aunque los rumores de que llegue directamente a la televisión son cada vez más fuertes.
“Planeamos lanzar la película en cines el próximo año como estaba programado”, afirmó un portavoz de Warner Bros.
Sin embargo, fuentes citadas por The Hollywood Reporter dijeron que la oferta de Netflix indudablemente atrajo a Legendary, que financió el 75% del presupuesto.
Pero uno de los problemas que encuentran los productores es que Netflix no tiene presencia en China, país amante de las películas de monstruos.
El último filme de Godzilla, King of the Monsters, recaudó sólo en China 386 millones de dólares, mientras que Skull Island, con King Kong como estrella, sumó 168 millones de dólares en el gigante asiático, alrededor del 30% de los 567 millones de dólares brutos de la película.
GODZILLA VS. KONG, la cuarta película de la serie, está programada para ser estrenada el 21 de mayo de 2021.
Las decisiones sobre el destino de la película, de la cual Warner Bros. tiene un 25%, un se están manejando al más alto nivel, con el CEO de WarnerMedia, Jason Kilar, y la presidenta de la compañía, Ann Sarnoff, calculando todavía la oferta para un lanzamiento en streaming en HBO Max.
Otra opción que no se descarta es que la película tenga un doble estreno, en televisión y en cines, como ocurrirá con Wonder Woman 1984, que será estrenada finalmente el 25 de diciembre próximo, luego de una serie de postergaciones como consecuencia de la pandemia del coronavirus.
GODZILLA VS. KONG es dirigida por Adam Wingard, quien se inició con thrillers de bajo presupuesto y películas de terror, y cuenta con los actores Alexander Skarsgard, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall y Kyle Chandler, entre otros.
HOLLYWOOD.- El guionista y cineasta estadounidense QUENTIN TARANTINO firmó un convenio con una importante editorial para publicar dos libros propios, uno de los cuales será una novela que retomará a los personajes y la premisa de su último filme, Érase una vez en Hollywood.
Según informó el sitio especializado norteamericano Deadline, el trato con Harper, del conglomerado editorial HarperCollins,contempla además el libro de no ficción titulado Cinema Speculation.
La novela Érase una vez en Hollywood llegará a las librerías estadounidenses a mediados de 2021 y es una forma en la que el doble ganador del Oscar a mejor guion original homenajeará a los libros que adoraba leer cuando crecía.
En Estados Unidos era habitual que el estreno de una película fuera acompañado por la adaptación al formato novelado de la historia, y era algo que el creador de Perros de la calle y Tiempos violentos quería replicar, se añadió en el artículo.
El libro retomará a los personajes que interpretaron Brad Pitt y Leonardo DiCaprio y brindará una mirada fresca a la trama que a comienzos de este año fue nominada a 10 premios Oscar y que le reportó la estatuilla a mejor actor de reparto para Pitt.
En tanto, Cinema Speculation, fue descripto por Harper como una “búsqueda a fondo en las películas de los ’70, un rico mix de ensayos, reseñas, escritos personales” de Tarantino, y aún no tiene fecha de publicación estimada.
Antes de empezar a trabajar en su décima y (supuestamente) última película, Quentin Tarantino acaba de firmar un contrato de dos libros con Harper, informó Deadline: “La novela Once Upon A Time In Hollywood trazará las vidas del actor de televisión Rick Dalton y su doble Cliff Booth, tanto hacia adelante como hacia atrás en el tiempo”.
HA DICHO:
“En los años setenta, las novelizaciones de películas fueron los primeros libros para adultos que crecí leyendo”, dijo Tarantino en un comunicado esta mañana. “Y hasta el día de hoy tengo un gran afecto por el género. Así que, como aficionado a las novelas cinematográficas, me enorgullece anunciar Once Upon A Time In Hollywood, mi contribución a este subgénero de la literatura a menudo marginado pero querido. También estoy emocionado de explorar más a fondo a mis personajes y su mundo en un esfuerzo literario que puede (con suerte) sentarse junto a su contraparte cinematográfica “.
HOLLYWOOD.- Los estudios Universal planean dar por terminada la saga deRÁPIDO Y FURIOSO,con otros dos nuevos filmesque se sumarán a F9 – Rápidos y Furiosos 9, la novena película de la franquicia que se debía estrenar este año pero que por la pandemia fue aplazada para mayo de 2021. Con nueve largometrajes estrenados desde 2001 -a los de la saga principal se le suma un muy lucrativo spin-off de 2019 con el protagónico de Dwayne Johnson y Jason Statham.
RÁPIDO Y FURIOSO es la franquicia más recaudadora de la historia de Universal, con casi seis mil millones de dólares abonados en las taquillas de todo el mundo.
Aunque parecía que la dinastía de filmes encabezados por Vin Diesel enfocados en la velocidad, las explosiones y la acción desenfrenada seguiría indefinidamente, el sitio especializado estadounidense Deadline confirmó este miércoles que el final está ya en el horizonte.
El realizadorJustin Lin, responsable también de “F9” y de otros cuatro títulos de la saga, está ya en conversaciones para dirigir las últimas dos películas, con la misión de darle un cierre adecuado a una trama que se expandirá por más de dos décadas.
De acuerdo con el medio de comunicación norteamericano, aunque aún es pronto se descuenta que se trataría de una gran historia contada en dos cintas -al estilo de Avengers: Infinity War y Avengers: Engame o Harry Potter y las reliquias de la Muerte – parte 1 y 2- y que Diesel volvería a ser de la partida, al igual que Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Chris Ludacris Bridges, Jordana Brewster, Nathalie Emmanuel y Sung Kang.
La franquicia de Rápido y Furiososobrevivió a la trágica muerte de Paul Walker, coprotagonista desde el comienzo con Vin Diesel y fallecido en un accidente automovilístico en 2013, y parece que incluso perdurará más allá de su propio final.
Es que es seguro que después de las últimas dos cintas habrá más películas derivadas y hasta series de TV.
ROMA.- Hollywood lo intentó con Tenet de Christopher Nolan: debería haber sido la película para el ‘gran regreso’ de la audiencia, pero la recaudación fue por debajo de las expectativas (especialmente en EE. UU., donde recaudó solo 41 millones dólares, para un total mundial de unos 285 millones de dólares) y las cifras aún preocupantes de la pandemia están llevando una vez más a las grandes multinacionales a repensar los estrenos cinematográficos.
El movimiento más preocupante para los exhibidores es el aplazamiento de No Time To Die, el capítulo 25 / o de 007, el último con Daniel Craig, que debería haber llegado a finales de noviembre: el debut se ha aplazado para abril de 2021. Una decisión que, entre las reacciones más inmediatas, llevó a la segunda cadena internacional de cines del mundo, Cineworld, a decidir cerrar (al menos hasta los primeros meses de 2021, pero no hay certezas) sus 128 cines en Gran Bretaña y Irlanda, que pone en riesgo 5.500 puestos de trabajo, y 543, bajo la marca Regal, en Estados Unidos.
Obstáculos para el sector, al que se podrían sumar nuevas medidas cautelares más restrictivas en los distintos países para evitar contagios, como los que también podrían llegar a Italia con la nueva Dpcm.
Actualmente hay cuatro éxitos de taquilla esperados, con el lanzamiento programado en los Estados Unidos desde noviembre hasta fin de año, pero según Variety, aún son posibles nuevos movimientos. Para la nueva película de Pixar / Disney Soul (que tendrá un estreno mundial en el Festival de Cine de Londres el 11 de octubre y el Festival de Cine de Roma se inaugurará el 15 de octubre), que llegará el 20 de noviembre a los Estados Unidos, estamos considerando una ‘lanzamiento en Disney + también considerando el gran crecimiento en suscripciones que vino con el debut en la plataforma Mulan (que en cambio decepcionó por las recaudaciones en China, donde se estrenó en los cines). También en noviembre, el 25 (y el 23 de diciembre en Italia) debería llegar The Croods 2 – Una nueva era, una secuela, que permaneció en la tubería durante mucho tiempo, de la película de animación de 2013.
Mientras que “Free Guy” de Shawn Levy, protagonizada por Ryan Reynolds, está programado para debutar en diciembre, como un personaje “no jugador” en un videojuego que se convierte en el protagonista; “Dune” de Denis Villeneuve con Timothée Chalamet, una nueva adaptación del clásico de ciencia ficción de Frank Herbert, y de Warner Bros “Wonder Woman 1984” de Patty Jenkins, la nueva aventura de la superheroína interpretada por Gal Gadot.
La empresa matriz de Mickey revolucionó el estreno de muchas de sus películas hace dos semanas, comenzando con Black Widow, protagonizada por Scarlett Johansson, trasladada de noviembre al 7 de mayo; Eternals con Angelina Jolie, del 12 de febrero al 5 de noviembre de 2021; Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, del 7 de mayo al 9 de julio de 2021. Otros retrasos “excelentes” de las mayores incluyen Fast and Furious 9 con Vin Diesel y Charlize Theron, de abril al 28 de mayo de 2021 para el Día de los caídos, y West Side Story dirigida por Steven Spielberg, que se desarrolló del 25 de diciembre de 2020 al 10 de diciembre de 2021. Las brujas de Robert Zemeckis debería tener un lanzamiento “híbrido” con Anne Hathaway, Octavia Spencer y Stanley Tucci, nueva adaptación.
HOLLYWOOD.- DISNEY PLUS lanzó el tráiler de WandaVision, la primera seriede Marvel con actores de LOS VENGADORES para Disney. La serie, que le da continuidad y vida al personaje de Visión, que falleció en Vengadores Infinity War, aún no tiene fecha de estreno, sólo se sabe que será a finales de este año.
La plataforma de streaming DisneyPlus tiene previsto arribar a Latinoamérica el 17 de noviembre.
El trailer confirma que la serie se desarrolla en parte en un mundo alternativo que recrea las comedias televisivas de la década de 1950.
Esta es una realidad “fabricada” por los poderes de Scarlet Witch/Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) como manera de traer a la vida a su amado Vision (Paul Bettany), fallecido en el final de Avengers: Infinity War.
Es el modo de “revivir” a Vision para la fase 4 de Marvel (que ya no tendrá a su Iron Man original ni a su Capitán América original). Vision falleció a mano de Thanos en la que fue la primera parte de la película más taquillera de todos los tiempos, Vengadores Endgame.
El tráiler ofrece también un adelanto de Mónica Rambeau (Teyonah Parris), personaje de Marvel a quien se instaló en Capitana Marvel, cuando apareció como la hija de la mejor amiga de Capitana Marvel. En las historietas Rambeau fue la segunda Capitana Marvel y también se le conoce como Photon y Pulsar.
Disney Plus también dio a conocer el nuevo póster oficial de la serie. La trama de WandaVision llega, entre otras cosas, para cerrar algunas historias inconclusas, como por qué no se hizo nada con Visión durante los 5 años que pasaron entre Infinity War y Endgame, y para romper el divorcio acentuado en los últimos años entre el universo de películas de Marvel y las series de Marvel.
Este divorcio tuvo los consabidos fracasos de las series de Netflix (Iron Fist, The Punisher, Jessica Jones, Luke Cage y Daredevil, este último el de mayor éxito), otras con menor repercusión para diferentes canales y plataformas, y Agents of SHIELD, que durante varias temporadas fue a la par de la trama de los Vengadores e incluso tuvo algunas apariciones estelares de protagonistas de las películas como Nick Fury (Samuel L. Jackson) con Phil Coulson (Clark Gregg) como personaje principal, pero que se le alejó bastante del universo Marvel en la última y definitiva temporada.
LOS ÁNGELES.- El escritor estadounidense WINSTON GROOM, autor de la novela Forrest Gump, que fue llevada al cine,murió a los 77 años de edad.
La novela Forrest Gump fue adaptada a la pantalla grande en 1994, convirtiéndose en una de las películas más icónicas de Hollywood y un fenómeno de la cultura pop. Protagonizada por Tom Hanks, la famosa cinta ganó seis premios Oscar.
La alcaldesa Karin Wilson de Fairhope, Alabama, dijo en un mensaje en las redes sociales que Groom había muerto en ese poblado del sur de Alabama. Una casa funeraria local también confirmó el fallecimiento y dijo que los preparativos para el funeral están pendientes. “Aunque será recordado por crear a Forrest Gump, Winston Groom fue un periodista talentoso y autor reconocido de historia estadounidense. Extendemos nuestros corazones y oraciones a su familia”, afirmó la gobernadora de Alabama, Kay Ivey, en un comunicado.
Forrest Gump es la narración improbable de un hombre torpe que participó o fue testigo de puntos clave en la historia del siglo XX, desde el bloqueo por parte del gobernador segregacionista George Wallace de la puerta de un auditorio en la Universidad de Alabama a reuniones con presidentes.
Groom creció en Mobile, Alabama, y se graduó de la Universidad de Alabama en 1965, según una biografía publicada por esa institución. Estuvo en la Cuarta División de Infantería del Ejército de 1965 a 1969, añadió. Su servicio incluyó pasar cierto tiempo en Vietnam, uno de los muchos escenarios en los que se desarrolla Forrest Gump.
Escribió 16 libros, tanto de ficción como de no ficción. Uno de ellos, Conversations with the Enemy, acerca de un prisionero de guerra estadounidense en Vietnam acusado de colaborar con el enemigo, fue finalista al Premio Pulitzer, según la universidad.
La cinta dominó los premios de la Academia de 1995, ganando seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director para Robert Zemeckis y Mejor Actor para Tom Hanks. Además de novelas, Groom escribió numerosos trabajos de no ficción sobre diversos temas, incluyendo la Guerra Civil, la Primera Guerra Mundial y el equipo de futbol americano colegial Alabama Crimson Tide.
UN DATO:
Forrest Gump es un tipo de poca inteligencia. Todos lo excluyen o maltratan y luego tiene una malformación en las piernas. Pero cuando se deshace de los soportes mecánicos se convierte en corredor y luego en campeón de béisbol. Primero conoció a Elvis y, moviéndose con torpeza, inspiró ciertos pasos. Forrest, esperando en la parada de autobús de Savannah, les cuenta su historia a los que, uno tras otro, se sientan junto a él esperando el autobús.
Este miércoles falleció a los 82 años la vedette, bailarina y actriz mexicana, de origen paraguayo, WANDA SEUX.
Juana Amanda Seux Ramírez, mejor conocida como WANDA SEUX, fue una vedette y actriz que llegó a México en 1976 con una propuesta de espectáculo diferente, estilo Las Vegas. Su belleza cautivó a propios y extraños en los 80’s, en la que fue una de las estrellas más importantes y reconocidas de la época.
En los últimos años, Wanda Seux sufrió de cáncer de mama, una embolia y varios infartos, situación que provocó un deterioro en su salud física.
WANDA SEUX fue parte clave del documental Bellas de Noche, en Netflix, donde muestran a las estrellas y reinas del cabaret mexicano.
Wanda Seux nació en Paraguay el 3 de enero de 1948, hija de un padre militar de origen francés. Sus padres se separaron y Wanda no conoció a su padre hasta los diez años de edad. Convivió muy poco con su padre, siendo criada por su madre y su padrastro. La familia se mudó a un pueblo en la provincia de Salta, Argentina. Wanda afirma haber sufrido cierto tipo de abuso sexual de parte de su padrastro cuando era niña.
Desde los dos años de edad fue invitada para participar como modelo en diversos festivales y eventos escolares y sociales. A los once años la invitan a participar en un desfile de modas para jovencitas. Empezó a ejercer de modelo en Orán. Estudió y se recibió como profesora de inglés. A los 18 años se trasladó a Buenos Aires, donde obtuvo un trabajo como bailarina de danzas árabes en un restaurante. Pasó de ser bailarina a media vedette. Tomó el nombre artístico de “Wanda” en 1972 por recomendación de un novio que le sugirió que su nombre real sonaba demasiado fuerte.
Es descubierta bailando danzas árabes por el actor y productor Eber Lobato, el marido de la célebre vedette argentina Nélida Lobato, quienes regresan a Argentina luego de triunfar el Lido de Paris con la idea de refrescar los espectáculos de vedettes. La eligieron debido a su figura delgada pero bien formada. Debutó en 1973 con Lobato y Zulma Faiad en el Teatro El Nacional en la revista Escándalos.32Como modelo, participó en el calendario Marca 1974. Luego de un tiempo viajó a Venezuela para trabajar en el Hotel Tamanaco. Fue allí donde Wanda recibió una invitación de parte de Hugo López (promotor de estrellas como Julio Iglesias y Raphael) para realizar una gira en México.
Llegó a México en 1976 siendo ya una vedette, pero con una propuesta diferente, pues su espectáculo era tipo Las Vegas y emulaba a los shows ofrecidos por figuras como Shirley MacLaine o Liza Minnelli. Se decía que su producción costaba un total de nueve mil dólares. Su espectacular vestuario lo confeccionaban directamente de Argentina, con los modistos del Teatro Nacional. En sus primeros shows, Seux fue acompañada por algunas de las Bluebell Girls del Lido de París.
Fue conocida como La bomba de oro y se le consideraba la Barbie de las vedettes debido a su rubia cabellera y estilizada figura. En sus espectáculos incluía variedades como lanzadores de cuchillos y boleadores de fuego. Seux fue la estrella del cabaret El Capri, en el Hotel Regis de la Ciudad de México. De ahí saltó al Follies Bergère y después, durante cuatro años fue estrella del centro nocturno Marrakesh, que era propiedad de la empresa Televisa.
Durante los próximos años, apareció de manera regular en telenovelas y programas unitarios en México. En 1999 participó en el espectáculo teatral Las inolvidables de la noche, con las también vedettes Rossy Mendoza, Amira Cruzat, Grace Renat y Malú Reyes. En 2009, apareció a sus 60 años en la revista Playboy. En ese mismo año creó al personaje Super Wanda, como parte del elenco del programa de espectáculos La Oreja.
En 2013 regresó al cine con el cortometraje Perdona nuestras ofensas, de Israel Ahumada. En ese mismo año, la vedette participa como modelo en el videoclip del tema Sobrenatural del grupo de rock mexicano Víctimas del Doctor Cerebro.
En 2017 co-estelarizó la obra teatral Divas por siempre, al lado de la comunicadora Shanik Berman, el comediante Manuel El Loco Valdés y las también vedettes Lyn May, Grace Renat y la Princesa Yamal. En ese mismo año, Seux es objeto de un homenaje en el documental Dejar la piel, del cineasta Israel Ahumada.
LOS ÁNGELES.- El actor estadounidense, de 43 años, CHADWICK BOSEMAN murió anoche víctima del cáncer de colón. Protagonista de la multigalardonada película Pantera Negra, ha conmovido a la opinión pública, así como su familia y seguidores.
Chadwick Boseman falleció en su casa de Los Ángeles, derivado del cáncer de colon que le había sido diagnosticado en 2016, según informó su publicista a medios estadounidenses.
Chadwick Boseman nunca hizo pública su enfermedad mientras estuvo con vida, y fue justamente en los últimos años en los que obtuvo e interpretó los roles que más notoriedad le trajeron a su carrera.
“Un verdadero luchador, Chadwick Boseman perseveró a través de todo y les trajo muchos de los filmes que han llegado a amar tanto”, escribió su familia en una declaración publicada en el mismo perfil de Boseman de Twitter, @chadwickboseman.
El papel más conocido del actor, aquel que lo llevó a atravesar todo tipo de fronteras, fue el del personaje de cómic de la editorial Marvel en la saga de los Avengers, T’Challa/Pantera Negra.
Lo interpretó por primera vez en Capitán América: Civil War (2016) y luego en las monumentales Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019), pero fue en Pantera Negra en la que más destacó.
La cinta, estrenada en la primera parte de 2018, fue la primera de Marvel protagonizada por un superhéroe de raza negra, y en este caso de origen africano.
Fue un éxito arrollador tanto en taquilla como en crítica: es una de las cintas más recaudadoras de la historia con más de 1.300 millones de dólares abonados en las boleterías de todo el mundo y consiguió siete nominaciones a los premios Oscar, de los cuales ganó tres.
Otros papeles destacados del artista fueron 42 (2013) en el que encarnó al icónico beisbolista Jackie Robinson, el primero de raza negra en llegar a las grandes ligas; y 5 Sangres, estrenada este mismo año bajo las órdenes de Spike Lee.
HOLLYWOOD.- 35 años de lo que parecía ser una película más, de las del “montón” que produce Hollywood, pero oh sorpresa, VOLVER AL FUTURO, cuyo estreno fue un 3 de julio pero de 1985, rompió todos los pronósticos.
VOLVER AL FUTURO logró lo que nadie esperaba: terminó arriba en las recaudaciones ese año, consiguió unanimidad en la crítica y rápidamente se volvió de culto, generando enormes expectativas con su “continuará” sobre el final, repetido en la segunda (1989), para cerrar la saga con una tercera película en 1990.
Los rumores de una cuarta entrega siempre han estado presentes. Pero nunca se concretó. Quizás en parte por la enfermedad temprana de Michael J. Fox (mal de parkinson); quizás porque a diferencia de otras sagas, en esta sus productores no quisieron arruinar su perfección.
Todas las películas enfrentan problemas antes y durante su rodaje. Muchos proyectos incluso quedan en el camino en alguna etapa previa y jamás ven la luz, o la ven muchos años después. Pero los de VOLVER AL FUTURO fueron varios.
El actor principal fue remplazado cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje. Michael J. Fox siempre había sido la primera opción pero estaba ocupado. Se llamó entonces a Eric Stoltz. Tras cinco semanas de rodaje (y una vez que Spielberg regresó a Estados Unidos tras una breve ausencia), Zemeckis decidió que Stoltz no era el idóneo para interpretar a Marty. Aunque Spielberg y él se percataron de que volver a realizar las mismas tomas ya hechas con Stoltz costaría tres millones de dólares adicionales al presupuesto inicial de catorce millones, decidieron continuar con dicho proceso. Stoltz no era muy cómico y, al contrario, había dado “una actuación dramática” para Zemeckis. Sin embargo, la carrera de Stoltz nunca tuvo un rol preponderante o principal en ninguna otra película, aunque sí tuvo actuaciones destacadas en papeles secundarios y en esa época venía de ser nominado al Globo de Oro como Mejor actor de reparto por su papel en Mask.
Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, también estuvo en carpeta. Devolvió el guion desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó el por entonces chico maravilla que nunca más deslumbró en ninguna película. Su última aparición importante por así decirlo en un rol secundario fue en Hitchcock (2012). “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”.
John Cusack fue otro de los candidatos para ser Marty. Finalmente los gastos fueron 19 millones de dólares contra… 381 millones de recaudación.
En abril de 1981, Columbia Pictures puso la producción en un proceso turnaround (podríamos traducirlo como “plan canje” con otro estudio, dado que no le terminaba de llenar. Tuvo 44 rechazos antes de lograr arrancar la filmación. Así, se detuvo el proyecto durante 4 años, por lo que el guion fue reeditado en al menos dos ocasiones. Se le consideraba una cinta muy inocente y juvenil, mientras los estudios apuntaban a tramas más para adultos.
Gale y Zemeckis optaron por llevar el proyecto a Disney, sin embargo “nos dijeron que una madre que se enamoraba de su hijo no era un tema apropiado para una película familiar bajo el sello de Disney”, de acuerdo a Gale.
Gale y Zemeckis pensaron en aliarse con Steven Spielberg, que produjo “Used Cars” y “Locos por ellos”, las cuales fueron consideradas un fracaso en taquilla pese a recaudar más de lo que gastaron.
Actualmente el filme se enseña en las escuelas de cine.
RECHAZO DEL GUION
Para película de ciencia ficción le faltaba profundidad, respecto a otros exponentes de su tiempo, como Terminator, por ejemplo (estrenada en 1984), una idea de la vida en el futuro, excusas para los grandes efectos “especiales” de la época (hoy en día totalmente obsoletos).
De hecho, tiene muy pocos efectos especiales Volver al futuro. Para comedia pecaba de inocente. Le faltaba el toque subido de todo que se veía en Colegio de Animales, La venganza de los Nerds y Despedida de Soltero, con Tom Hanks. Y para ser cómica le falta el chiste cada 2 minutos, como en Dónde está el piloto. A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado inocente y suave.
Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.
CURIOSIDADES:
La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una camioneta. Pero esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guion tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.
La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Y en los 80 no habían muchas opciones (quizás en esta época hubieran elegido algún “bicho” de Tesla). Querían que encuadrara de lleno con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, que le daban un aire futurista.
El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante apenas dos años por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico para intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado.
El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Y vaya razón que tuvo.
Los viajes en el tiempo los obsesionaban a los escritores. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre.
El presidente de Universal de entonces se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título.
Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una “jodita” y hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor.
Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses.El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco.
“Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.
El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarla para principios de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.
EN NÚMEROS:
–Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el el mundo. El costo había sido de 19 millones. Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. En enero de 1989 se implementó un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Además, el set de filmación había costado 2 años de trabajos de construcción.
HOLLYWOOD.- Un 31 de mayo pero de 1930, en San Francisco, nace CLINT EASTWOOD, hijo de Clinton Eastwood, trabajador siderúrgico y de piezas en el medio oeste después de la gran depresión.
El niño crece errante (cambiará 10 escuelas en 10 años) y se queda en California cuando sus padres se van a vivir a Texas. “Hablé poco, dijo, vivía en un mundo propio y lo único que me apasionaba era la música”. También le gustaban las serpientesy la actuación con la que conquistó a las chicas. Con el deseo de emerger, la mirada magnética y el andar perezoso copiados por su ídolo Gary Cooper lograron romper pequeñas partes en las películas B de la década de 1950; luego se convirtió en el protagonista de la serie Los hombres de la pradera, que despegó en CBS en 1959.
En el set robó los secretos del oficio y pronto se hizo popular en la televisión. El personaje de Leo Di Caprio en Once Upon a Time in Hollywood de Tarantino es un homenaje sumergido en veneno en ese momento de su carrera, ya que fue cuando su agente le propuso el guion de Por un puñado de dólares (1964). Lo que lo intrigó, dice, fue haber reconocido en la trama las películas de Kurosawa que Hollywood había filmado con Los siete magníficos.
También aceptó complacer a su primera esposa, Maggie Johnson, pero se enfrentó con CBS que no quería dejarlo en libertad para el momento de la filmación en Italia. En la maleta, al final, puso un nuevo contrato para la televisión y un poncho comprado para la ocasión.
Por su parte, Sergio Leone confió en él después de la negativa de muchos otros actores y una negociación apretada sobre la remuneración a la baja. Para caracterizar el personaje del Hombre sin nombre, le impuso un sombrero y un cigarro toscanos: un sufrimiento constante para alguien que detestaba fumar. Pero así nació su fortuna y un cliché sin precedentes en la historia del oeste. Eastwood regresó a casa sin saber acerca de la gran recaudación de la película: la película también había cambiado su título. Se sorprendió cuando Leone lo llamó al año siguiente en el set de Por unos pocos dólares más; lo que estaba naciendo era una relación de niño adoptivo.
El bueno, el malo y el feo del 66 fue un éxito internacional, pero las tres películas aterrizaron en Hollywood solo después de 1967 y Eastwood se duplicó reemplazando a Enrico Maria Salerno, quien en italiano le había dado una nueva gama de tonos. Volvería al oeste una y otra vez, tanto como actor (Colgarlo más alto) y como director (El caballero pálido), hasta la epopeya de El despiadado que hoy establece su icono inconfundible.
1968 marca el tercer punto de inflexión de su carrera: conoce a Don Siegel en el set de The Man with the Leather Tie, un western metropolitano y violento, y aprende de él lo que Leone no podría darle: cómo hacerse creíble sin un poncho sobre él. Guardó el sombrero (de texano esta vez) y el carácter cerrado y áspero. También hereda el espíritu anarquista, libertario y poco convencional de Siegel.
En los años 70, la serie Inspector Callaghan con Siegel le dio gran popularidad. Su debut como director es en Play Misty for me (1971). Nació su productora Malpaso, pronto conocida por su capacidad para reducir los costos innecesarios de los estudios. Ahora produce todas sus películas y, a pesar de algunos fracasos, es un “valor seguro” para la distribución de Warner. En la época del inspector Callaghan, tanto él como Siegel fueron acusados de fascismo y violencia excesiva en la representación de la policía, tuvo una feroz crítica del estereotipo del personaje.
Ambos respondieron en 1979 con Fuga da Alcatraz. Mientras tanto, Eastwood había construido una sólida reputación como una estrella totalmente estadounidense, héroe impecable en un mundo corrupto. En 1993 filmó Los despiadados. También llegó la gloria del Oscar con dos estatuillas y una avalancha de nominaciones. Dos años después, habría tenido un Oscar en su carrera y luego dos más entre Mystic River y Million Dollar Baby; con Gran Torino celebra como el nuevo John Ford.
EL ADN DE EASTWOOD:
Eastwood es un apasionado del cine como un oficio completo, por los antecedentes atormentados de los personajes que todos deben expiar por una culpa y buscar la redención. Pero la característica real en común con la gran tradición de Hollywood es la economía expresiva: pocos movimientos de máquina, gran atención a los actores, profundidad de campo, sentido del espacio, actitud épica que tiende a la elegía. Varias veces dijo que quería desaparecer de sus películas como actor y luego se negó a sí mismo en el recientefilme The Mule; de hecho, está cada vez más inspirado por personajes reales que trae a la pantalla como héroes cotidianos, desde Sniper hasta Sully o historias del pasado como EJ Hoover o Changelling.
Pero ahora que cumple 90 años para todos nosotros, CLINT EASTWOOD siempre permanece como el silencioso, el atormentado, el irónico hombre sin nombre.
NUEVA YORK.- La industria cinematográfica, de las más afectadas por la pandemia mundial, no se detiene en modificar sus esquemas tradicionales luego de cerrar las salas cinematográficas en casi todo el mundo: la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, ha decidido de manera temporal que los Golden Globe (Globos de Oro) eliminen ciertas reglas para las películas extranjeras.
Producciones rodadas fuera de Estados Unidos, en una lengua que no sea el inglés, podrán ahora sí ser candidatas a los próximos premios aunque no hayan sido exhibidas en una sala de cine de su país de origen, como se preveía desde el comienzo de los premios, anunció la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood, que cada año entrega los galardones en enero.
Las nuevas normas de elegibilidad son temporales y vinculadas con la marcha de la pandemia, estableció la asociación con sede en Los Ángeles.
Las películas en lengua extranjera ya no deberán ser distribuidas exclusivamente en su país de origen durante los 15 meses, que van del 31 de diciembre del año precedente a los premios, como se preveía en el estatuto: serán admisibles también los filmes que “ya tenían previsto salir entre el 15 de marzo y una fecha determinada por la Hollywood Foreign Press cuando las salas en ese país hayan reabierto y hayan salido en cualquier país y en cualquier formato”.
Esto significa “luz verde” también para la distribución tanto en televisión como en pago por evento o vía cable, en servicios de streaming pago o en las redes.
La organización también revocó temporalmente la norma según la cual sus miembros, que cada año asignan los premios que se consideran precursores de los Oscar, deben poder ver en persona las películas internacionales en un cine o en un “screening room” en el área de Los Ángeles.
Este año bastará con que los distribuidores contacten a la asociación y proporcionen un link o un DVD para ver desde casa “hasta que hayan reabierto las salas de Los Ángeles”.
Los nuevos requisitos siguen a una decisión semejante tomada el 26 de marzo por la Hollywood Foreign Press para las películas en inglés candidatas a los Globos de Oro, y a otra que llegó a fines de abril de parte de la Academy of Motion Pictures Arts and Science para las nominaciones al Oscar.
La próxima edición también verá la competencia de películas estrenadas directamente en Internet, sin haber pasando nunca por las salas, con la condición de que tengan una fecha de distribución ya en calendario.
Este jueves en el programa 24XSEGUNDO, bajo la conducción de Óscar Uriel, Gabriela Meza y Esteban Macías, por la telera nuestra de Golden a las 14:00 horas (pre-estreno por Golden Premier esta noche a las 20:30 horas y retransmisión por Golden Edge el viernes a las 13 horas), se reunirán de manera virtual por primera ocasión en 18 años, el elenco original de la película AMARTE DUELE, que obtuvo un éxito en taquilla y en su distribución a nivel internacional.
AMARTE DUELE, dirigida por Fernando Sariñana, atrajo la atención del público mexicano, con los roles estelares de Martha Higareda (Renata) y Luis Fernando Peña (Ulises), una pareja que mantenía un amor imposible, comenzando porque eran de distintas clases socioeconómicas.
Durante el reencuentro virtual en el programa 24XSEGUNDO, Martha Higareda, Luis Fernando Peña, Alfonso Herrera, Ximena Sariñana, Armando Hernández, y otros integrantes del elenco, rememoraron todo lo que pasó durante la filmación de la película.
“No sé si les ocurrió a mis compañeros -recuerda Martha Higareda en el programa- pero cuando vi el primer espectacular de la película no lo podía creer. Fue una sensación increíble y mi padre me dijo que me preparara porque la gente empezaría a reconocerme. Acostumbraba ir a comer a un mercadito cerca de mi casa y recuerdo que mientras comía unos tacos se me acercó una persona a decirme que yo era la de Amarte duele, ahí me di cuenta que ya no había regreso”.
Poncho Herrera, por su parte, recordó el casting al cual fue invitado por la misma Ximena Sariñana: “Me acuerdo que formaba parte de un grupo de teatro amateur. Ximena nos dijo: “va a haber un casting, ¿quieren ir? Hicimos el casting y al final de cuentas fue así como llegué a Amarte duele. Fue mi primera experiencia con la ficción. De mi cabello fue mi decisión traerlo así y hasta me dijeron “no te lo cambies”.
Martha recordó que el papá de Ximena le llevó los videos de los castings y cuando vio a Poncho le gustó físicamente, así que decidió poner su granito de arena para que se quedara con el papel por guapo.
En 24xSegundo, el elenco también recordó todo lo que les ha dejado en lo personal y profesional esta película, así como las vivencias e historias nunca antes reveladas.
NUEVA YORK. – La actriz Rachel Matthews, conocida por su trabajo en la película Happy Death Day y por ser la voz de Honeymaren en el filme de Disney Frozen 2,dio positivo en la prueba de coronavirus.
La joven, de 26 años, confirmó la noticia en las últimas horas a través de su cuenta de Instagram, donde también contó a sus seguidores cómo fueron sus síntomas a diario.
“Hola chicos, di positivo por Covid-19 y he estado en cuarentena desde la semana pasada. No estoy segura de cuál es el siguiente paso (tengo información encontrada, así que los mantendré informados), pero obviamente permaneceré en cuarentena hasta que se me indique lo contrario”, escribió.
“Me siento mejor, pero publicaré información que espero sea útil para algunos”, continuó. “Tengamos en cuenta nuestras decisiones, ahora es el momento de ser inteligentes y responsables. Cuidemos el uno del otro!”, sentenció la muchacha.
ROMA. – Un 15 de febrero de 1950 fue proyectado en Boston por primera vez el filme de animación CENICIENTA, basado en un cuento de hadas de Charles Perrault, el doceavo clásico de Disney, uno de los más importantes del estudio estadounidense.
Se trató de una película que colocó a Disney a un nuevo período de oro luego de las dificultades económicas provocadas por la Segunda Guerra Mundial. Walt Disney Company tenía una deuda de 4 millones de dólares y no tenía un éxito de boleterías desde hacía 13 años, desde la salida de Blancanieves y los siete enanos” (1937).
CENICIENTA costó 3 millones de dólares pero la película recaudó con los años 85 millones. Fue a raíz de la redistribución en los cines en cinco ocasiones en América del Norte y siete, por ejemplo, en países como Italia. Amada por muchas generaciones, luego de la versión de 1950, la historia de la dulce huérfana hostigada por la madrastra y sus dos hermanastras fue incorporada en numerosos filmes. Baste recordar, por ejemplo A Cinderella Story y la más reciente Cenicienta dirigida por Kenneth Branagh, con Lily James en el rol de la protagonista. Un cuento de hadas de Charles Perrault que tiene como tema el chantaje a la protagonista.
En ayuda de la doncella llega el hada madrina, una criatura en grado de regalarle una velada mágica con solo un toque de su varita. Y bastará un delicado zapato de cristal para cambiar para siempre la vida de la doncella.
El filme de 1950, dirigido por Wilfred Jackson, Hamilton Luske y Clyde Geronimi, entrega en su banda sonora canciones inolvidables: Los sueños son deseos y Bibbidi-Bobbidi-Bu, escritas por Mack David, Jerry Livingston y Al Hoffman.
Y fue con este largometraje que se impuso definitivamente el concepto de clásico de Disney. Esto es la línea que impuso el precedente Blancanieves y los siete enanos, inspirado en un cuento europeo, y fue el primer gran éxito de la empresa tras casi diez años de resultados mediocres en las taquillas. Desde 1937 que el estudio no obtenía un éxito tan grande de crítica y público. El 4 de marzo de 1950 la película se distribuyó en todas las salas estadounidenses e inició la leyenda Disney.
Fue por dicho filme que se emplearon usados actores en vivo. En los estudios Disney se recreaban las escenas de las películas en verdaderos y propios set, donde los actores interpretaban ante los animadores, que podían así tomar nota para las poses y las expresiones.
Las modelos elegidas para los tramos en los que participaba Cenicienta fueron para su doblaje Ilene Woods y Helene Stanley, que años después interpretaron también Aurora La bella durmiente del bosque y Anita (Los 101 dálmatas).
LOS ÁNGELES.- Desde las 17:30 horas con la Alfombra Roja por E! y a las 19:30 con la ceremonia en vivo desde el Dolby Theatre de Hollywood (TNT, Azteca 7), se llevará a cabo la edición 92 de los Premios Oscar, que no contará de nuevo con un conductor central y cuya presencia musical estará a cargo de la multipremiada en la reciente entrega de los Grammy, Billie Eilish, a la par de rendir durante la ceremonia un homenaje al recién desaparecido Kobe Bryant para enaltecer su legado que trascendió el tabloncillo.
De las películas nominadas The Joker está a la cabeza con 11, y le siguen con 10 Érase una vez … en Hollywood de Quentin Tarantino, 1917 de Sam Mendes (éxito de taquilla en la última taquilla) y The Irishman de Martin Scorsese, pero no menos trascendente lo que ha logrado el filme Parásitos, del surcoreano Bong Joon, nominado en seis categorías: Mejor Película, Mejor Película Extranjera, Mejor Director, Guion Original, Diseño de Producción y Edición.
Es la primera película coreana en recibir una nominación a Mejor Película, y también la sexta cinta en ser nominada simultáneamente a Mejor Película y largometraje internacional.
Dieciséis años después del primer Oscar para Return Cold Mountain, como actriz de reparto, Renee Zellweger está lista para ganar su segunda estatuilla, esta vez como protagonista, por la actuación más exigente de su carrera, en el papel del icono Judy Garland en Judy de Rupert Goold. Como en el caso de Joaquin Phoenix, Zellweger llega como favorita en la noche de los Oscar, luego de sus victorias en los Golden Globes y los Sag Awards.
La sorpresa como Mejor Actriz podría ser Scarlett Johansson, compitiendo por primera vez y con una doble nominación: entre los protagonistas del drama familiar Story of a Wedding de Noah Baumbach y entre los no protagonistas del Jojo Rabbit de Taijo Waititi. Debut en doble competencia también para la única actriz negra en la competencia entre todos los actores candidatos este año, Cynthia Erivo , que compite entre los protagonistas del drama histórico Harriet de Kasi Lemmons, y como coautora de la canción original de la película.
Para Mejor Actor nadie pone en duda la victoria de Joaquin Phoenix por Joker. Sin embargo, no faltan oponentes peligrosos comenzando con Adam Driver, director, padre y esposo en crisis, en Noah Baumbach’s Story of a Wedding;Antonio Banderas, el alter ego de Pedro Almodóvar en Pain and Glory; Jonathan Pryce , en el papel del cardenal Bergoglio en Los dos Papas de Fernando Meirelles y Leonardo DiCaprio , actor simplemente popular y ya en caída libre en Érase una vez en.. Hollywood por Quentin Tarantino.
Rami Malek, Olivia Colman, Mahershala Ali y Regina King, actores ganadores de Premios Óscar en 2019, entregarán premios en las categorías principales.
– Gary Rydstrom, Tom Johnson y Mark Ulano, por Ad Astra
– Tom Ozanich, Dean Zupancic y Tod Maitland, por Joker
– Mark Taylor y Stuart Wilson, por 1917
– Paul Massey, David Giammarco y Steven A. Morrow, por Le Mans’66
– Michael Minkler, Christian P. Minkler y Mark Ulano, por Érase una vez… en Hollywood
ROMA.- Pese a recaudar 175.5 millones de dólares, será necesario conocer el juicio de los analistas, que esperaban aún más para el noveno y último episodio de la saga de STAR WARS que domina esta semana el ranking de la taquilla estadounidense, superando a Jumanji, que había recaudado con 26.1 millones de dólares.
En tercer lugar (era el segundo hace una semana), otro éxito de taquilla de los resbalones de la casa de Disney, Frozen II, que recaudó 12.3 millones de dólares (la cosecha total es de 386.5 millones de dólares).
VER TRAILER STAR WARS 9:
En cuarto lugar aparece Cats,que recaudó 6.5 millones en su primer estreno en los cines estadounidenses, y en el quinto sitio Cena con un crimen, que perdió dos posiciones (el los ingresos totales superan los 89 millones).
HOLLYWOOD.- “Su instructor es uno de los mejores que ha producido este programa. Sus logros son legendarios. Lo que tiene que enseñarle puede significar la diferencia entre la vida y la muerte”. Los pilotos de aviones de combate tienen un nuevo instructor: 34 años después de la película que lo convirtió en una estrella, TOM CRUISE regresa para interpretar a Pete MaverickMitchell, en la secuela de la película de 1986 que se estrenará en los cines de todo el mundo en 2020.
El nuevo tráiler que ve a Cruise envejecer pero siempre en forma fue lanzado por Paramount Pictures en todos los países. Por lo poco que puedes adivinarse, la película está ambientada más o menos hasta el día de hoy y ve a Maverick llamado a instruir a una nueva generación de pilotos para aviones de combate. El director de Top Gun: Maverickes Joseph Kosinski.
“Su reputación la precede”, sus superiores le preguntan a Maverick. “Tengo que admitir que no esperaba una invitación para regresar”, es la respuesta. “No es una invitación, es una orden”, la réplica.
Entonces, después de más de treinta años de servicio en la Marina, el teniente Pete Mitchell (Tom Cruise) no ha perdido la audacia cuando es llamado a entrenar a un destacamento de estudiantes de la academia para una misión especializada a la que nadie en el mundo ha llevado nunca cumplimiento.
UN DATO:
La película, que comenzó a rodarse en el verano de 2018, no incluirá a la actriz Kelly McGillis, que enamoró al piloto rebelde.
