Carteles homenaje a la Mejor Película del Premio Ariel

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y la 16 Bienal Internacional del Cartel en México (BICM) exhibirán LA PERSISTENCIA DE LA MÁQUINA SENSIBLE, del 26 de octubre al 6 de diciembre de este año en la Galería Abierta Gandhi de las Rejas de Chapultepec.

Como parte de su vocación de fortalecer el desarrollo y promoción de la cinematografía nacional, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, (AMACC) reconoce año con año el Premio Ariel a los mejores trabajos de los cineastas mexicanos. Desde su fundación en 1946, la Academia ha sido partícipe de la historia de nuestro cine.

Sin duda, uno de cuyos registros más importantes de dicha historia son los carteles de las películas mismas que constituyen el primer elemento que conocemos y reconocemos de la obra fílmica. Dado que su principal objetivo es seducir a la audiencia, los carteles son el punto de atracción entre la creación fílmica y los espectadores. 

Es por ello que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) y la Bienal Internacional del Cartel en México (BICM), dentro del marco de las actividades de su décimo sexta edición, convocaron a 62 diseñadores y artistas gráficos de México y Latinoamérica a participar con su trabajo creativo en la reinterpretación totalmente libre de los carteles de las películas que han ganado el Ariel a la Mejor Película, desde 1947 hasta 2019, para conformar la exposición La persistencia de la máquina sensible: una colección de carteles que celebra, desde perspectivas totalmente originales y novedosas las distintas visiones de los artistas a lo mejor del cine mexicano, de su historia y la de su máximo galardón. 

La persistencia de la máquina sensible es una exposición que se presenta en la Galería Abierta Gandhi, rejas del Bosque de Chapultepec (Paseo de la Reforma s/n junto a la puerta Gandhi, frente al museo Tamayo), a partir del 26 de octubre y hasta el 6 de diciembre, donde el público podrá revivir, recordar y descubrir historias memorables del cine mexicano a través de un recorrido cronológico de 62 carteles. 

Acerca de la AMACC

La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, A.C., es una organización civil con más de 70 años de historia, cuyo objetivo es promover la difusión, la investigación, la preservación, el rescate, el desarrollo y la defensa del cine mexicano. Está integrada por los ganadores del premio Ariel, que la misma Academia otorga, así como por miembros del gremio cinematográfico de reconocida trayectoria, pertenecientes a todas las generaciones actualmente en activo.

www.amacc.org.mx

Acerca de la Bienal

La Bienal Internacional del Cartel en México (BICM) se realiza cada dos años y convierte a nuestro país en el punto mundial de encuentro y desarrollo del diseño. Fundada y dirigida por el diseñador Xavier Bermúdez, desde hace treinta años la BICM abre horizontes al diseño gráfico en México y se ha convertido en un espacio para la difusión de la cultura visual universal. Su prioridad es promover la cultura del diseño como parte de la vida diaria y transmitir propuestas creativas, funcionales e interesantes para la sociedad.

En 2020 y de manera virtual y presencial, su programación contempla exposiciones en lugares públicos y cerrados, entregas de reconocimientos, clases magistrales y conferencias, donde la inteligencia, empatía y colaboración hacen sinergia en cuatro sedes: Ciudad de México, San Luis Potosí, Guadalajara y Xalapa.

EN REDES:

#16BICM #LosCartelesdelAriel #ElCinePersiste

www.amacc.org.mx

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Broadway, cerrado hasta 2021

NUEVA YORK.- Las tradicionales salas teatrales de Nueva York, y como consecuencia de los rebrotes de casos de coronavirus en Estados Unidos, permanecerán cerradas hasta el verano estadounidense de 2021, anunció hoy la Liga de Broadway.

La organización confirmó en su cuenta de Twitter que suspenderá la venta de entradas y las presentaciones hasta el 30 de mayo de 2021, lo que marca otro retraso inducido por el Covid-19 antes de que regresen las producciones de teatro en vivo.

Los titulares de entradas deben comunicarse con su punto de compra para realizar cambios y reembolsos.

“Con casi 97 mil trabajadores que dependen de Broadway para su sustento y un impacto económico anual de 14,800 millones para la ciudad, nuestra membresía está comprometida a reabrir tan pronto como las condiciones nos lo permitan”, afirmó Charlotte St. Martin, presidenta de la Liga de Broadway, en un comunicado.

“Trabajamos incansablemente con múltiples socios para sostener la industria una vez que volvamos a levantar el telón”, dijo.

Se proyecta tentativamente que las producciones que regresan reanuden las actuaciones durante una serie de fechas continuas a partir de junio de 2021, según BroadwayWorld.com.

Los espectáculos de Broadway fueron suspendidos el 12 de marzo pasado. En ese momento, se estaban ejecutando 31 producciones, incluidos ocho nuevos espectáculos.

En ese momento se bajó el telón además de los ensayos de otras ocho producciones, que iban a ser inauguradas en primavera.

El 8 de abril pasado, un reportero en Albany le preguntó al gobernador Andrew Cuomo sobre la cancelación inicial de las funciones de Broadway, cuando todavía se especulaba con una fecha esperada de reapertura para el 7 de junio de 2020.

El gobernador respondió en ese momento: “No usaría lo que Broadway piensa como un barómetro de cualquier cosa a menos que estén en el negocio de la salud pública y hayan visto mejores números y modelos”.

Sarah Jessica Parker, quien iba a aparecer en un reestreno de primavera de Plaza Suite junto a su esposo Matthew Broderick, escribió en un artículo de opinión para Variety esta semana, en el que espera que las personas que huyeron de Nueva York durante la pandemia regresen y abran sus billeteras para entradas de teatro.

 “Estoy animando a la gente a que vuelva a Nueva York y reinvierta en nuestra comunidad”, escribió la actriz de 55 años.

“Ya sea que se trate de un teatro o de una pequeña empresa, no se puede reabrir una empresa hasta que los clientes estén allí; es una cuestión psicológica”, amplió.

 La industria teatral neoyorquina atrajo en 2019 un récord de 15 millones de personas.

 “El teatro es la forma en que inducimos a los visitantes a venir a nuestra ciudad y planificar esas tardes y noches especiales”, agregó la estrella de Sex and the City.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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La política, el contenido favorito del 77° Festival Internacional de Cine de Venecia del 2 al 12 de septiembre

VENECIA.- Es un récord: de las dieciocho películas en competición en este 77º Festival Internacional de Cine de Venecia (del 2 al 12 de septiembre), más de la mitad, no menos de diez, tienen contenidos políticos e ideológicos. Hay de todo, desde la hija de Marx hasta las luchas de clases en un México distópico, desde la tragedia del desmembramiento de Yugoslavia hasta los efectos de un ataque terrorista en Italia en la década de 1980. 

Cari compagni di Andrei Konchalovksy

Aquí las diez películas.

MISS MARX de Susanna Nicchiarelli narra la vida al borde de una de las hijas del filósofo y economista Eleanor. Brillante y apasionada, luchó por los derechos de la mujer y la abolición del trabajo infantil, amaba la literatura, especialmente Shakespeare, y el teatro. Su gran amor, Edward Alling, activista con quien compartió política y teatro, la llevó al suicidio con tan solo 42 años.

WIFE OF SPY de Kiyoshi Kurosawa. Japón, 1940. Un comerciante de Kobe viaja a la Manchuria ocupada por los japoneses. Por casualidad es testigo de un hecho que lo convence de que ha descubierto una conspiración. Su esposa, sin embargo, no quiere que él revele el descubrimiento, por su propio bien y para defender su amor.

PADRENOSTRO de Claudio Noce protagonizada por Valerio, diez años. Su vida de niño da un vuelco cuando, junto a su madre, presencia el atentado a su padre Alfonso por parte de un grupo de terroristas. La película está inspirada en la infancia del director y el bombardeo que afectó a su padre, subjefe de policía en diciembre de 1976.

Y MAÑANA EL MUNDO ENTERO por Julis Von Heinz. Alemania se ve afectada por una serie de ataques terroristas neofascistas. Luisa, de veinte años, se une al movimiento Antifa que quiere reaccionar con valentía a todo esto. Pero la niña también intenta impresionar a Alfa, una activista de la que se enamora.

NUEVO ORDEN de Michel Franco. Lucha de clases en México. Mientras se realiza una fiesta de cumpleaños en una gran villa repleta de importantes exponentes de la aristocracia mexicana, estalla una violenta revuelta del pueblo contra la policía en la ciudad. Los alborotadores llegan para atacar la propia villa.

QUO VADIS, AIDA? por Jasmila Zbanic En 1995, durante las guerras que llevaron a la disolución de Yugoslavia, el ejército serbio toma la ciudad bosnia de Srebrenica, donde Aida, traductora de la ONU, vive con su esposo e hijos. Aida cree que está a salvo en el campo base de la ONU donde trabaja, pero la suya es solo una falsa certeza.

SUN CHILDREN de Majid Majidi cuenta la historia de Ali, de 12 años, y sus tres amigos que trabajan duro para sobrevivir y mantener a sus familias, incluso cometiendo delitos menores para ganar dinero rápidamente. Todo cambia cuando Ali tiene la tarea de encontrar un tesoro escondido, pero primero debe inscribirse en la Sun School, una organización benéfica que busca educar a los niños de la calle.

NOCHE de Gianfranco Rosi. Filmado a lo largo de tres años en Siria, Irak, Kurdistán, Líbano, el docu-film da voz a esos dramas que trascienden las divisiones geográficas y el tiempo. Esa es la tragedia de las guerras civiles, las dictaduras y el apocalipsis de Isis. La guerra y el dolor están en el fondo de todas estas historias, detrás de estos teatros dramáticos.

LAILA IN HAIFA de Amos Gitai es filmada en una discoteca de Haifa frecuentada por israelíes y palestinos, un lugar donde se encuentran las personas más dispares: judíos, musulmanes, gays, heterosexuales, travestis y tres mujeres, que en ese microcosmos, un lugar de encuentro y paz, encuentran refugio de cualquier acoso.

¡QUERIDOS COMPAÑEROS! por Andrei Konchalovsky. URSS, Novocherkassk, 1962. Lyudmila, miembro del partido comunista local, es un militante fundamentalista. Durante una manifestación, la mujer es testigo de un tiroteo contra manifestantes ordenado por el gobierno a reprimir la huelga: un hecho que cambiará su mundo para siempre.

WIFE OF SPY de Kiyoshi Kurosawa

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Nominados al Ariel 62 se darán a conocer esta noche por Noticias 22

Esta noche a las 20:00 horas por la telera nuestra y pública de Canal 22, en el marco de la campaña Contigo en la distancia de la Secretaría de Cultura, se hará una transmisión especial junto con la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, quien en voz de la actriz Marina de Tavira dará a conocer a los nominados de la 62 entrega de los Premios Ariel 2020, el máximo galardón al cine en México.

Para esta entrega, en la que se reconoce a las producciones cinematográficas exhibidas durante el 2019, se inscribieron 62 filmes en las categorías de cortometraje animación, cortometraje documental, cortometraje ficción, largometraje animación, largometraje documental, largometraje ficción y película iberoamericana. Entre las 24 categorías de premiación con las que la AMACC distingue la labor de los realizadores del cine en México también se encuentran: efectos especiales, guion original, revelación actoral y ópera prima.

Esta cobertura especial se hará a través de Noticias 22, cuya emisión de este día estará dedicada por completo a la próxima entrega de los Premios Ariel. Después del comunicado de la AMACC, los conductores Laura BarreraRafael García Villegas y Julio López, acompañados del crítico de cine Leonardo García Tsao, comentarán las nominaciones y a su vez, algunos de los nominados compartirán sus impresiones; asimismo, se entrevistará a la actriz María Rojo y a la compositora Lucía Álvarez, quienes serán galardonadas este año con el Ariel de Oro por su destacada trayectoria en la industria cinematográfica mexicana.

También en entrevista, Mónica Lozano, directora de la Academia, dará a conocer los pormenores sobre la entrega de los Ariel 2020, que este año se hará de manera virtual debido a la contingencia sanitaria.

EN REDES:

Periscope y Facebook Live.

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Friends, 25 años y no deja de ser noticia

LOS ÁNGELES.- Ya pasaron más de 25 años de su estreno y casi 16 de su final. Sin embargo, el elenco de FRIENDS y todo lo que ocurrió durante las grabaciones de la exitosa comedia que se emitió entre 1994 y 2004 y se convirtió en un fenómeno global, no dejan de ser noticia.

En los últimos días, las declaraciones de Lisa Kudrow, la recordada y delirante Phoebe del programa, volvieron a traer al ruedo una de las polémicas más comentadas sobre la serie.

En declaraciones a The Sunday Times, la actriz se refirió a las críticas por la falta de diversidad en el elenco de FRIENDS, algo que muchas personas comentaron en su momento y que hoy señalan como una decisión de la producción que hizo “envejecer mal” a la ficción y a otras polémicas.

“Ahí está ese tipo cuya esposa descubre que es gay, está embarazada y los tres se ocupan juntos de la crianza. También tuvimos la temática de la maternidad subrogada”, apuntó, en referencia a dos momentos muy recordados de la tira: cuando el personaje de Ross es padre y cuando el personaje que encarnó la propia Kudrow decide prestarle su vientre al hermano para llevar adelante la gestación de sus sobrinos.

En las últimas semanas también circularon algunos datos sobre la posible reunión del elenco, que por estos días tenía pensado estrenar un especial que debió ser postergado por la pandemia, como ocurrió con cientos de producciones audiovisuales.

ERRORES Y POLÉMICAS DE FRIENDS

·        El embarazo de Phoebe. Con el paso del tiempo, se reveló que los guionistas debieron sumar esa circunstancia a la historia porque Lisa Kudrow estaba embarazada de su hijo Julian. Así, en lugar de disimular la situación con planos cortos o escenas donde no se viera la panza de la actriz, prefirieron modificar la historia y cambiar de alguna manera el rumbo que iba a tomar el personaje. De ese modo surgió la idea de que ella se sometiera a un tratamiento para la subrogación de vientre.

·        El embarazo de Rachel. Los fanáticos más meticulosos detectaron un “error” en el guión. Es que, según se pudo ver en uno de los episodios más emblemáticos, el personaje interpretado por Aniston descubrió que estaba embarazada durante el casamiento de Monica y Chandler que transcurrió en mayo. Tiempo después, a finales de la octava temporada, dio a luz a Emma también en mayo, por lo que habría tenido un embarazo que duró un año.

·        Polémica. Algunos críticos de la sitcom apuntaron al cumplirse 25 años de su estreno que uno de los temas más controversiales sobre el que la ficción hizo bromas fue el sobrepeso que tenía el personaje de Monica durante su infancia y adolescencia. Hubo escenas en las que los padres de la joven la obligaban a comer sobras “que no entraban en la heladera” o era víctima de bullying y esto se mostró de manera humorística.

·        Barry. El año pasado, varios de los actores secundarios de la tira hicieron revelaciones muy sorprendentes que impactaron al público. Uno de ellos fue Mitchell Whitfield, el intérprete de Barry en la ficción, aquel dentista a quien Rachel deja “plantado” en el altar. Whitfield contó en una entrevista con The Guardian que estuvo a punto de quedar elegido para interpretar a Ross en la sitcom. “Llegué hasta el final, pero a último momento me dijeron: ‘Vamos a traer a otro tipo más para la audición’. Esa persona resultó ser David Schwimmer. “A mi esposa todavía le molesta que no haya obtenido el papel de Ross. Podría haber ganado millones de dólares”, señaló en la entrevista.

·        El cumpleaños de Rachel. Una incongruencia del guión hizo comentar a varios fanáticos un pequeño desliz: en una escena el personaje interpretado por Jennifer Aniston le asegura a Gunther, el hosco mesero del Central Perk, que su cumpleaños es el 5 de mayo. Pero más adelante, en un capítulo en el que Rachel es detenida y debe mostrar su carnet de conducir ella menciona que es del signo de acuario, por lo que, según el zodíaco, debería haber nacido entre el 20 de enero y el 18 de febrero.

·        Identidad y controversia. Uno de los personajes que llamó la atención a lo largo de las diez temporadas de la sitcom fue el padre de Chandler, de quien él se avergonzaba porque era transgénero. En un momento de la trama se reveló que decidió cambiar su identidad para llamarse Helena Handbasket. Martha Kauffman, una de las creadoras del programa afirmó en 2019 que el tema no estuvo tratado con respeto. “Creo que no teníamos el conocimiento necesario sobre las personas transgénero en esa época”, afirmó en una entrevista con USA Today.

·        Números. Los recordados departamentos de los amigos donde transcurre mayoritariamente la serie cambian repentinamente su numeración. Al comienzo se vio que eran “4” y “5” y en las últimas temporadas pasaron a ser “19” y “20”.

·        Paolo. Fue uno de los personajes secundarios más controversiales y algunos fanáticos de la pareja de Rachel y Ross llegaron a detestarlo. El novio italiano de Rachel, que en la ficción se llamó Paolo, fue interpretado por el actor Cosimo Fusco, quien el año pasado reveló que durante el rodaje improvisó casi todas las líneas en italiano de su personaje. Esto incluyó, claro, una escena memorable en la que él está junto a Rachel frente al ventanal mirando las estrellas.

·        Enojo. Otro de los personajes que generó repudio entre el público fue el de Julie, una novia científica que tuvo Ross, interpretada por Lauren Tom. Según le contó al diario The Guardian, cada vez que grababan una escena, el público que asistía a los rodajes la abucheaba. De alguna manera, la creían responsable de la ruptura entre los personajes Ross y Rachel, sin dudas la pareja más emblemática del programa.

·        El pizarrón de Joey y Chandler. Recientemente se reveló un dato que intrigaba a los más fanáticos de la serie. Para muchos, era un verdadero misterio por qué el departamento que compartían Chandler y Joey tenía una suerte de pizarra en la que en cada emisión se veían distintos dibujos y mensajes. Paul Swain, uno de los empleados de Warner de ese momento del equipo de iluminación, reveló en 2018 cuál fue su curioso rol en una entrevista: “La pizarra era responsabilidad del departamento de arte. Sin embargo, a veces nos dábamos cuenta de que no había nada. Entonces me dijeron: ‘Te debes encargar de que cada vez que grabemos haya algo dibujado’, y yo quedé encantado”. A partir de entonces, se encargó de dibujar sobre la pizarra o de dejar mensajes escritos con algunos chistes y hasta referencias a capítulos anteriores de la tira.

·        ¿Se conocían? En los comienzos de Friends Rachel aparece ante su amiga Monica luego de huir de un casamiento fallido. Según se puede observar en aquellas escenas iniciales, las jóvenes y Ross se conocen desde que son pequeños. Así, la “novia fugitiva” debe presentarse ante los demás protagonistas. Sin embargo, en capítulos sucesivos, cuando se ven flashbacks de la adolescencia de los personajes, se revela que Rachel conocía también a Chandler de cuando eran chicos.

·        Las paredes del Central Perk. Mucho se comentó sobre la célebre cafetería donde los amigos se juntaban a diario a conversar. Pero hace poco tiempo un productor reveló un dato poco conocido: las paredes de aquel bar exhibían cuadros que debían ser cambiados cada tres episodios. La producción de esta manera tuvo como intención decorar aquel espacio con obras de artistas en ascenso que, en algunos casos, llegaron a ofrecer piezas originales de su trabajo para la serie.

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Las mujeres en la industria fílmica tienen más participación que nunca

HOLLYWOOD.- En 2019, el 40 por ciento de las películas de gran éxito incluían directoras y actrices, así como en los crews de filmación. Las mujeres han alcanzado el 58% de los protagonistas contra el 30% cuando un hombre está detrás de la cámara o escribe el guion.

El estudio recientemente publicado del Centro para el Estudio de la Mujer en Televisión y Cine de la Universidad Estatal de San Diego también está en la sombra. ¿Efecto El irlandés? Como en la película de Martin Scorsese que asignó solo siete palabras a la actriz Anna Paquin (la hija del hitman Frank Sheeran en la saga de Netflix sobre la desaparición de Jimmy Hoffa) en 2019 las mujeres hablaron menos que en el pasado con solo el 34 por ciento de roles con diálogo, una caída del uno por ciento.

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Por lo tanto, Hollywood sigue siendo un mundo predominantemente masculino, pero en los últimos días otro estudio reveló que en 2019 las películas dirigidas por mujeres habían superado la taquilla alcanzando niveles récord (10.6 de las 100 mejores). El aumento en las directoras habría tenido un efecto directamente proporcional en la distribución de roles.

El aumento también afecta a los estudios por primera vez: hasta ahora, las películas independientes han privilegiado las partes femeninas, pero ahora la brecha se está cerrando: 45% en producciones importantes, contra 55% en cine independiente.

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En It’s a Man’s (Celluloid) World también se descubre que el reparto se acerca a la igualdad de género: si el 40% de las partes protagonistas han sido para mujeres, el 43% de las películas tienen tenía protagonistas masculinos, con el 17 por ciento restante coprotagonizando juntos o hombres y mujeres.

La proporción es la más alta registrada desde que el centro de San Diego comenzó a llevar cuentas: en 2002, solo el 16% de los protagonistas de una película eran mujeres con un pico mínimo en 2011: solo el 11 por ciento.

El informe se basó en 2300 personajes de las 100 películas más exitosas del año basadas en datos recopilados por Box Office Mojo que incluye títulos como Avengers: Endgame, Joker y Maleficent: Mistress of Evil.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“El cielo y el infierno” se estrena por tlnovelas este sábado a las 22:00 horas

EL CIELO Y EL INFIERNO es la nueva emisión especializada en el mundo de las telenovelas, que se estrena el próximo sábado 26 de octubre, a las 22:00 horas, por el canal tlnovelas.

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EL CIELO Y EL INFIERNO reúne a un grupo de experimentados periodistas de espectáculos que, como ángeles o demonios, someterán en un purgatorio lo bueno y lo malo de las telenovelas y sus estrellas, para que el público decida si alcanzaron la gloria o cayeron en desgracia.

En EL CIELO Y EL INFIERNO el público conocerá los secretos y rumores de interesantes y divertidos sucesos ocurridos en los foros de emblemáticas telenovelas como La usurpadora, Destilando Amor, El premio mayor, El Maleficio y María Mercedes, entre otras.

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ÁNGELES Y DEMONIOS:

El panel de periodistas y especialistas que integran el purgatorio de EL CIELO Y EL INFIERNO es multigeneracional, reuniendo a grandes figuras del periodismo de espectáculos y a jóvenes comunicadores: Chucho Gallegos, Mara Patricia Castañeda, Matilde Obregón, Alfredo Gudinni, Gil Barrera, Dioni González, Roberto Rondero, Ingrid Leija y Alejandro Zúñiga. También se contará con la participación de la actriz Carmen Salinas.

PROMO EL CIELO Y EL INFIERNO

El primer programa de El Cielo y El Infierno estará dedicado a la telenovela Sortilegio, protagonizada por Jacqueline Bracamontes, William Levy y David Zepeda, a propósito de su reestreno en la señal, el próximo 28 de octubre.

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EL CIELO Y EL INFIERNO se transmitirá en exclusiva para los suscriptores de las señales de tlnovelas en México, Latinoamérica, Europa y Blim TV.

UN DATO:

tlnovelas retransmite las telenovelas más exclusivas y exitosas de todos los tiempos y cuenta con 2 producciones propias de gran éxito: L@s 5 Mejores y Confesiones.

Su cobertura abarca México, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

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Los premios EMMY por TNT; “Juego de tronos” lidera con 32 nominaciones

En este Dominguito Sagrado, la gala de entrega de los 71º premios Emmy, desde el Microsoft Theater de Los Ángeles, sin maestro de ceremonias, se transmitirá a las 19:00 horas por la telera nuestra de TNT, mientras que la alfombra roja podrá seguirse por !E desde las 17:10 horas.

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Juego de Tronos, la serie más galardonada en la historia de los Emmy, ha confirmado su condición de favorita tras recibir diez galardones en las galas previas. La superproducción de HBO basada en las novelas de George R.R. Martin partía este año con 32 nominaciones, con las que ha logrado batir el récord de candidaturas para una serie en una misma edición de estos premios. Se enfrentará por una estatuilla a la mejor serie dramática a Killing Eve, Better Call Saul, Bodyguard, Ozark, Pose, Succession y This is Us.

Todo indica que pese a su final, Juego de tronos dejará nuevamente en el camino a otras producciones.

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Por su parte, Veep y The Marvelous Mrs. Maisel parten como favoritas en la carrera al Emmy a la Mejor Comedia, una categoría en la que también fueron nominadas Barry, Fleabag, Muñeca rusa, The Good Place y Schitts Creek. Finalmente, el reconocimiento a la mejor serie limitada se decidirá entre Chernobyl, Así nos ven, Fuga en Dannemora, Fosse/Verdon y Heridas abiertas.

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“Las historias reales” de Lifetime Movies tienen a Adela Micha en la conducción

Esta noche a las 21:50 horas por la telera nuestra de LIFETIME, la periodista y conductora ADELA MICHA, presentará y conducirá HISTORIAS REALES de LIFETIME, a las 21:50 horas.

El ciclo de HISTORIAS REALES en LIFETIMES MOVIES, está compuesto por una serie de películas inspiradas que se encuentran protagonizadas por mujeres delante y detrás de cámaras, como actrices, productoras, directoras, escritoras, y/o guionistas.

Actrices reconocidas como Demi Moore, Queen Latifah y Angela Bassett, tuvieron su primera oportunidad como directoras en Lifetime Movies. Actrices como Catherine Zeta-Jones, Christina Ricci y Alyssa Milano, son algunas de las protagonistas de estas películas producidas exclusivamente por y para LIFETIME.

Previo, durante y después de la transmisión, Adela Micha ofrecerá el contexto periodístico necesario con todos los detalles sobre la producción de cada filme.

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DE ADELA:

“El mundo de la mujer no es moda para mí, es parte de mi compromiso permanente, profesional, en todos los medios. Por todo esto presentar el ciclo de películas más importante para LIFETIME, es lo mío. Todo lo que se hace por la mujer es producto de una lucha, de una conquista, crear un espacio no es cosa gratuita. Celebro que así sea. Lifetime Movies está a la vanguardia al presentar películas basadas en hechos reales, porque siempre he creído que la realidad supera a la ficción”

“No es cosa fácil hacer esta selección, esta antología única en la historia del cine para tv. Sí han existido antecedentes y han sido esfuerzos loables pero nada con la óptica de mostrar todas las facetas de la condición humana de la mujer en situaciones límite; son historias basadas en hechos reales de las que se ha encargado siempre en forma profesional el periodismo. Estoy orgullosa y agradecida porque me hayan elegido, es muy representativo y parte entrañable de mi profesión de periodista”.

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HAN DICHO:

“Estamos muy orgullosos de ofrecer siempre una perspectiva femenina en nuestro contenido, con protagonistas mujeres delante y detrás de cámaras, en este caso nos sentimos muy privilegiados de contar con la participación de la reconocida periodista Adela Micha, quien comparte muchos atributos de marca con LIFETIME, pues ambos son auténticos, provocadores, profesionales y llenos de talento”, expresó Carmen Larios Senior VP Contenido Multiplataforma de Lifetime Latinoamérica.

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PELÍCULAS:

Miércoles 14

Harry & Meghan: A Royal Romance

Fue la boda la que cautivó al mundo entero: mil 900 millones de personas sintonizaron para ver al príncipe Harry y Meghan Markle casarse. ¿Pero cómo una actriz estadounidense conquistó al soltero más codiciado del mundo? ¿Y cómo mantuvieron su romance en secreto? Esta película para televisión captura la realidad de este cuento de hadas moderno.

Miércoles 21

Oscar Pistorius: Blade Runner Killer

Un relato dramatizado del ascenso a la fama del medallista de oro sudafricano paralímpico, Oscar Pistorius, y su romance con la modelo Reeva Steenkamp que terminó en su prematura muerte el Día de San Valentín. Una mirada al interior de los eventos que condujeron a su muerte y los juicios en la corte.

Miércoles 28

Happy Face Killer

El asesino en serie Keith Jesperson mata al menos a ocho mujeres a lo largo de cinco años y burla a las autoridades con cartas inquietantes y confesiones firmadas con una cara feliz.

EN REDES:

LATAM: @milifetime/www.facebook.com/milifetime/milifetime.tv

BRASIL: @meulifetime/www.facebook.com/meulifetime/meulifetime.com

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Fans de Game of Thrones protestan desilusionados por el final de la serie

NUEVA YORK.- Casi un millón de fanáticos de la serie televisiva GAME OF THRONES ha solicitado que se “reescriba la última temporada, con autores competentes”.

Este domingo se transmitirá el último capítulo por HBO en Estados Unidos y ya firmaron la petición en Change.org en la que protestan por cómo David Benioff y D.B. Weiss están escribiendo la palabra fin de la saga basada en el ‘best-seller’ de George R.R. Martin Crónicas del hielo y del fuego.

La polémica se desencadenó, como un dragón que vomita fuego, el domingo pasado, luego de la quinta transmisión en la que Daenerys Targaryen (Emilia Clark) prendió fuego al centro de reuniones de los Dothraki.

Desde Forth Worth in Texas, Dylan D., primer firmante de la petición, recogió más de 800 mil firmas y se dirigió a Change.org: “Benioff y Weiss se rebelaron terriblemente incompetentes cuando no tuvieron fuentes en las que apoyarse. La serie amerita un final que tenga sentido”.

La protesta es sólo la última de una serie de reacciones de fanáticos desilusionados y listo a hacer justicia por sí mismos, por ejemplo, modificando los algoritmos de Google, para que aparezcan las fotos de Benioff e Weiss en respuesta a la búsqueda de “malos autores”.

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Entre las razones de la polémica existe una falta de atención en el editing (una taza de café apareció en el “final cut” de la cuarta transmisión), pero también la evolución “extra dark” de personales como Daenerys que están induciendo a 3,500 padres estadounidenses a lamentarse por haber llamado a la hija como ella.

La última temporada de la serie, que desde 2011 obtuvo 190 reconocimientos, entre ellos, 47 Premios Emmy, conquistó una media de 43 millones de espectadores por entrega si se incluye el ‘playback’, el streaming y las repeticiones, 10 millones más que en la séptima temporada.

En cuanto a Benioff e Weiss, mientras HBO prepara la “precuela”, ponen manos a la obra a una nueva cita: serán directores y guionistas de una nueva Guerra de las Galaxias en las salas, en 2022.

 “Obviamente estamos preocupados”, dijo al Washington Post a propósito de la expectación por el final: ‘Sabemos que muchos lo odiarán. Esperamos que suceda como cuando terminó Breaking Bad: la discusión fue si valía la pena o no”.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Taller de Stand Up y Comedia para todo público, el 7 de mayo con Le Chicharé

En la celebración de dos décadas en los escenarios, el actor y comediante LE CHICHARÉ impartirá su Taller -para todo público- de STAND UP y COMEDIA, desde el 7 de mayo (martes y jueves, 20:00 horas) en la colonia Narvarte, tanto para amateurs como profesionales.

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El Taller abarcará los siguientes temas: Teorías de la Comedia, Stand Up Comedy, Herramientas de Comedia, Improvisación, Activación creativa, Manejo de público, Delivery, y Escritura de rutina.

Aquí puedes ver el video de Le Chicharé:

 

¡VIVA LA COMEDIA CON LE CHICHARÉ

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Paltrow & Falchuk, boda del año

NUEVA YORK.- El mundo de Hollywood tendrá la boda del año cuando GWYNETH PALTROW se case finalmente este fin de semana con BRAD FALCHUK en la casa que tiene la actriz en los Hamptons, barrio de mansiones cerca de Nueva York, informaron fuentes locales.

Las fuentes citadas por el sitio de espectáculos Page Six precisaron que la pareja dará el “sí” ante un pequeño grupo de amigos y familiares más cercanos. Serán apenas unas 50 personas las que asistan a la ceremonia.

Se trata del segundo matrimonio para ambos. Paltrow, de 46 años, estuvo casada con el músico Chris Martin, de Coldplay, hasta su separación en 2014.

Falchuk, productor y guionista de 47, estuvo casado con la productora de televisión Suzanne Bukinik. Ambos comenzaron a salir cuando se conocieron en el set de su éxito televisivo “Glee” en 2014.

Comprometidos desde principios de este año, la actriz escribió en su revista Goop sobre su decisión de volver a casarse.

“He decidido volver a intentarlo, no solo porque creo que he encontrado al hombre con el que debía estar, sino porque he aceptado el alma”, expresó la ganadora de un Premio Oscar.

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El enlace en los Hamptons será más pequeño de lo que muchos esperaban, sobre todo tras la gran fiesta de compromiso que la pareja celebró a mediados de abril en un teatro de Los Ángeles y a la que invitaron a más de 400 personas. A ese evento acudieron Julia Roberts, Cameron Diaz, su padrino Steven Spielberg, y Jennifer Aniston, entre otros. Paltrow estuvo comprometida con Brad Pitt a mediados de los años 90, aunque rompieron en junio de 1997 sin llegar a casarse.

En diciembre de 2003 y hasta 2014 estuvo casada con Chris Martin, líder de la banda de música Coldplay, con quien tienen dos hijos, Apple y Moses. Anunciaron su separación en marzo de 2014, el mismo año en el que la actriz empezó a salir con Falchuk.

La ganadora del Oscar por “Shakespeare In Love” conoció al creador de los guiones de series como “American Horror Story” o “9-1-1” en el rodaje de otra de sus creaciones, “Glee”, donde Paltrow interpretó a la profesora sustituta Holly Holliday en cinco capítulos. Si bien en los últimos meses Paltrow había asegurado que esperaba que su boda se asemejara a “un cuento de hadas”, hace algunas semanas reveló que no se estaba implicando demasiado en los preparativos del enlace debido a la gran cantidad de responsabilidades que tiene como actriz y como madre de dos niños.

“Estoy muy ocupada estos días, así que prefiero no implicarme demasiado en los preparativos”, subrayó. “Tengo demasiadas cosas entre manos y por ello he decidido delegar todas esas tareas en verdaderos profesionales”, dijo.

La actriz nacida en Los Ángeles, California, agregó que no es una “persona que se obsesione demasiado con estas cosas”.

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CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Filmes italianos en promoción por el mundo

ROMA.- Los ministerios de Relaciones Exteriores y de Bienes Culturales de Italia promoverán en 100 ciudades del mundo la producción cinematográfica italiana de calidad mediante la iniciativa “Fare cinema” (Hacer cine), en el marco del plan de promoción integrada “Vivir a la italiana”.

    La iniciativa cuenta con el soporte de la red diplomática consular y los Institutos Italianos de Cultura.

    Las películas históricas, pero también la producción cinematográfica contemporánea, se vuelven parte integrante de la promoción de la marca Italia en el mundo, en consideración a las repercusiones positivas, directas e indirectas, económicas, turísticas y de imagen, que genera consigo en el exterior la industria del cine italiano.
 
download.png  La primera edición de “Fare Cinema” se realizará entre el 21 y el 27 de mayo y estará dedicada a los “oficios del cine”, es decir todas aquellas profesiones -actores, realizadores, guionistas, directores de fotografía, compositores, maquilladores- que componen la máquina de la producción cinematográfica y contribuyen al éxito de una obra de cine.

    Serán cien las personalidades que en cien ciudades contarán el cine italiano a través de conferencias, encuentros con el público, seminarios, relatos y experiencias de trabajo cotidiano, hecho con pasión, creatividad y grandes competencias técnicas.

    La organización de los eventos está confiada a las sedes diplomático-consulares y a los Institutos Italianos de Cultura, con el objetivo de alcanzar a un público calificado de operarios del sector, aumentando el interés del público internacional y creando oportunidades de distribución en el exterior a las producciones de cine y televisión italianas.

    “Fare Cinema” será presentado mañana en Roma en los estudios Cinecittà, con una velada que combinará testimonios y músico, con la interpretación en vivo de temas de Nino Rota, Ennio Morricone y Nicola Piovani.

    Precisamente Ennio Morricone y Paolo Genovese, ambos premiados con el Oscar, están entre las personalidades que colaborarán con la iniciativa. 

INFORMACIÓN ANSA

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El antimanual de la telenovela mexicana

El año que recién concluyó (2017) sin duda no ha sido el mejor para las telenovelas de producción nacional. No lo fue en ratings, ni en publicidad o exportaciones, tampoco a nivel creativo y mucho menos en credibilidad. No obstante que la severa crisis de audiencia de la televisión abierta data del 2015 (con orígenes más remotos), aún no logra remontar. ¿Por qué? ¿Cuáles son las causas? Aquí en TV&SHOW aportamos algunas respuestas: Ratings HR Media

LOS NÚMEROS HABLAN: LOS RATINGS MÁS BAJOS DE LA HISTORIA DE LA TVMX.

La actual situación obliga a la industria de la televisión en el país a replantear (una vez más) los paradigmas de su modelo desde lo medular porque a juzgar por los resultados en antena de los proyectos a los que se les autorizó luz verde durante el año, se evidencia que se apuesta más por un continuismo gatopardista dirigido a una audiencia que si bien antes fue “masiva” ahora, cada vez con mayor notoriedad, sólo está representando uno (o algunos) de los segmentos del universo total.

Lo anterior va contracorriente de la tendencia de las televisiones en abierto de éxito a nivel mundial que, frente a la multiplicación de ofertas y plataformas, se consolidan como los primeros referentes del espectáculo aglutinador multitudinario, pero para ello han tenido que elevar la calidad. En México no se advierte en la ficción medidas que con contundencia atajen la crisis buscando recuperar audiencia perdida o atrayendo a nueva.

Los números, casos de la vida real

Aún no publica su Informe Anual del 2017 pero sabemos que para el 2016, Televisa había producido más de 90 mil horas de programación original para televisión abierta y de paga, una buena parte de ello telenovelas. En la venta neta de los segmentos, el 37 por ciento fue para contenido de los cuales 24 por ciento correspondió a publicidad y sólo el 9 para venta de programas y licencias. En el tercer trimestre del 2017 el contenido ingresó 8 mil 24 millones de pesos, 7.5 por ciento menos que el mismo período del año anterior.

Es decir, la empresa que desde 1930 con la XEW basó su poderío en la producción y distribución de contenido propio, hoy ello sólo le representa en números efectivos lo mismo que negocios periféricos como editorial, juegos y sorteos, futbol y radio, que en teoría debieran ser catalizados por la propia fuerza del contenido original de la empresa, principalmente la telenovela, el tradicional producto “estrella”.

Para 2010 la contribución de la televisión abierta representaba el 39 por ciento de las ventas del grupo; para el 2016, del 23.4 por ciento. Recuérdese que la telenovela corona su prime-time. Del Informe del 2010 se destaca: “Televisa produjo y transmitió las 10 telenovelas más vistas en México, incluyendo el episodio final de Hasta que el dinero nos separe, que alcanzó 28.4 puntos de rating”. Si bien son cifras de Ibope y los sistemas de medición se están modificando, vuélvase a ver las cifras de las telenovelas que actualmente están al aire (cuadro de arriba). Si las ficciones de San Angel continúan “liderando”, es gracias a la caballada flaca de TV Azteca e Imagen TV, no a su fortaleza.

Y si las exportaciones no se han desplomado se debe en buena parte al incremento gradual pactado por derechos de uso de programación (PLA) en 2010 con Univisión, la cadena hispana aliada en los Estados Unidos, la cual ha visto mermadas sus cuotas de audiencia, otrora imbatibles, gracias al nuevo contexto mediático.

Para no entrar en más detalle, revísese las parrillas programáticas de bastiones tradicionales de la telenovela mexicana en la exportación como América TV (Perú) o RCN (Colombia): de las producciones que están al aire, qué horarios tienen en pantalla actualmente y, siendo más escrupulosos, qué horarios ya NO están siendo ocupados por los títulos mexicanos y porqué. Ahí el detalle.

No tocamos las cifras de TV Azteca ya que además de no contar con ellas, luego del paro total en 2015 de su producción de ficción, es bien sabido que aún no remontan significativamente sus niveles de exportación bajo la nueva era iniciada a partir del referido año; en el caso de Imagen TV, es todavía muy temprano para saberlo, después de haber entrado al aire a finales del 2016 y, dado que sus resultados en pantalla tampoco han atraído a multitudes, no se hace necesario.

Reporte Trimestral del Instituto Federal de Telecomunicaciones:

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 EL VALOR CREATIVO: EL ORIGEN DE LA CRISIS

Siendo entusiastas, lo más promisorio que se vio en las pantallas durante 2017 fueron intentos timoratos de cambio como el de Caer en Tentación (Televisa). Con las limitantes de estar capados de origen para llegar a más debido a la recurrencia toral y sistemática de toda la industria de subestimar el valor creativo, partiendo de la dramaturgia.

Misma fórmula, mismos resultados

Los mexicanos no hemos comprendido que la ponderación por el valor creativo es más que una ocurrencia ideológica: es una estrategia práctica para obligar al modelo a empezar a oxigenarse desde el principio del eslabón de la cadena, la dramaturgia, para después permear en toda la cadena de producción. De lo contrario no habrá forma de que la ficción mexicana tenga posibilidad de remontar y abreviar el rezago.

Seguiremos viendo, en general, historias que no emocionan apuntaladas con conflictos enclenques, estructuras frágiles, maniqueísmo ramplón, diálogos intrascendentes, personajes predecibles, actuaciones baladís, producciones con escenografías de cartón que no alcanzan a distinguir entre disfraz y caracterización, pretensiones infumables (como pasar telenovelas por series) además de una revolución tecnológica que debido a lo anterior en lugar de enaltecer, sobreexpone las deficiencias, muchas veces con lamentable crudeza.

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La telenovela mexicana sin credibilidad

Hoy somos testigos de edificios dramatúrgicos, y por ende de producción, que al llegar a pantalla ya no resisten, digamos, un primer sismo, ni siquiera el primer ventarrón del exigente contexto actual de un televidente/usuario con múltiples opciones y referentes.

Producciones tristemente célebres como En tierras salvajes (Televisa) o La hija pródiga (TV Azteca) se aúpan como monumentos a lo cutre y referentes de aquello que los haters en internet aficionan conceptualizar como “parece como de telenovela”. ¿Dónde está el trabajo corporativo-ejecutivo para reconstruir la credibilidad del género y de la industria? Ello impacta también en la incursión de la serie. Sí, pagan justos por pecadores.

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Este contexto explica por qué producciones que se venden como promesa de “novedosas” como Caer en Tentación o Las Malcriadas, la primera un remake picante de Las Estrellas y la segunda, un “original” incoloro del otrora Azteca 13, no tenían desde el visionado del primer capítulo posibilidad de éxito contundente.

Y no es un asunto de “opinión” de este autor, verifíquese los datos duros de los ratings. La de Televisa ha estado al borde de caer en la tentación pero del sólo dígito y la de Azteca no ha aparecido en el top 5 de HR-Media ni por casualidad, ¡y hablamos de las estelares! Según el reporte del IFT, el horario de éstas representa el punto máximo de personas con el televisor encendido (29.7%), aunque es cierto que es también el más competido, lo evidente es que nada más no prenden las ficciones en ese horario desde hace mucho.

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Mismo caso con las pretensiones “modernizadoras” como Papá a toda madre o ¡Muy padres!, además de ser el colmo: mismo argumento en los mismos horarios de dos pantallas diferentes, son la demostración de que si el contexto no es propicio, cualquier buen argumento terminará por diluirse en nada, y en México nos exhibimos con estas producciones por partida doble: una no logra rebasar los 14 puntos y la otra ni sus luces.

Incluso dentro de las producciones más rescatables del año como Mi marido tiene familia, tampoco registraron niveles de audiencia como para sonar campanas de júbilo. Sin embargo, a éstas se les autoriza segunda temporada, verbigracia Rosario Tijeras. El contexto sí afecta el comportamiento en pantalla de las ficciones en lo particular.

Mucha tradición… ¿y la experiencia?

Lo curioso es que en los pisos ejecutivos de ninguna televisora no parece advertirse nada de ello. La de México, ante el nuevo panorama, pareciera más una industria incipiente como la de Ecuador que el de una anglosajona (vanguardia referencial) o acaso turca, sudcoreana e incluso una con el acabado de la brasileña.

El nuevo televidente, difícilmente advierte (notorio en blogs y redes) que la nuestra es una industria con una tradición de más de medio siglo produciendo ficción dramática audiovisual, sin considerar nuestro longevo antecedente cinematográfico. Este 2018 se cumplirán sesenta años de Senda Prohibida, la telenovela que inauguró formalmente el género en México, tal y como se le conoció y reprodujo alrededor del mundo.

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EL ANTIMANUAL DE LA TELENOVELA MEXICANA

Debido a todo lo anterior es que propongo esta serie de consideraciones que apuestan por condensar no como un canon en piedra pero sí como un referente, todo lo que no hace y debiera hacer la producción actual de la ficción dramática en México. Ojo, no sólo la telenovela. Está basado en el decálogo propuesto por este autor en la serie ¿Por qué la crisis de la telenovela mexicana?

Advierto que muchos de estos puntos, podrían parecer ante los ojos de algunos lectores una obviedad. Lo cierto es que en la práctica (pantalla) no se aplican realmente y son medidas que están funcionando en el panorama internacional, otras son producto de reflexiones de este autor como guionista y periodista.

1.- Respeta a la audiencia.

Los realizadores de las telenovelas de hoy tienden, consciente o inconscientemente, a tratar de discapacitada a su audiencia, algunos en realidad la menosprecian. Lo que además de anacrónico resulta en un probado grave error. Ya no se le habla a la “masa” sino a audiencias (en plural). La condición sociocultural no es pretexto. Una cosa es hacer diálogos sencillos (sin carecer de significado) frente a la complejidad que demanda el consumo de una historia para una OTT o canal Premium y otra, es un discurso degradante. Hagamos historias con diferentes niveles de lectura, porque la multiplataforma exige la relectura y la reescritura para una audiencia activa

2.- Sin historia, no hay historia.

La dramaturgia es el principio del eslabón de la cadena y su calidad es un valor que persiguen las audiencias de hoy. Es asimismo un catalizador creativo: representa el mapa y los planos de los que depende la construcción del futuro edificio, ¿qué tipo de edificaciones está dispuesta a levantar la industria mexicana? Del perfil, el talento y la capacidad de los escritores dependerá el nivel de las historias y será el punto de origen para reconstruir la credibilidad de la ficción dramática nacional. ¿Qué queremos ser: maquiladores o generadores de contenidos de valor?

3.- No abaratar, conciliar el valor creativo con los criterios de rentabilidad.

La mexicana fue una industria que encapsulada en una burbuja enmarcada dentro de un sistema monopólico, en la que se originó, dogmatizó su fórmula como imperecedera e inamovible. Gracias a Kodak y a Blockbuster, sabemos en qué deriva eso. A ello añádasele la incursión generacional de una tecnocracia que puso énfasis en lo administrativo y minimizó lo creativo, tratando a la telenovela como un negocio de baratilleros de plástico y no en uno inserto en una industria creativa. Hoy el mainstream mundial invierte más en las ficciones originales, porque también cuestan más. La clave conduce a CÓMO se invierte y que ello se refleje en la pantalla. Error sacrificar la calidad a costa de elevar la utilidad, lo estamos pagando muy caro.

4.- Apostar por la capacidad de los actores sobre su aspecto físico.

La ficción televisiva del concierto internacional de hoy ha escalado a alcances cinematográficos, el llamado séptimo arte. No sólo eso, establece parámetros paralelos cada vez más exigentes con trabajos sorprendentes. La telenovela, guste o no, tiene que responder a esos referentes, lo que implica no sólo confeccionar dramaturgias más audaces y complejas que demandan actores-intérpretes con amplio rango, preparación y talento.

Por ende, ya no aplica más aquellos productores que con toda soberbia (y desconocimiento) pretendieron que un apuntador y un sistema industrial (en apariencia infalible) podría hacer pasar a un modelo por actor sin preparación ni talento de por medio. Ante un viewer actual, éstos no trascienden de un primer episodio. En ello reside otra columna para reconstruir la credibilidad de la industria.

5.- Ponderar el valor creativo en todas las áreas de la producción.

Hoy vemos con crudeza cómo la falta de rigor en los diferentes departamentos de una producción, se hizo estándar dentro de la industria. Desde la dramaturgia y el talento artístico hasta cada una de las áreas que intervienen, requieren de privilegiar una exigencia creativa que haga de su proyecto (aún en un contexto industrial de producción) una experiencia única, irrepetible y con un sello distintivo no sólo para el mercado nacional sino para que pueda tener repercusión en el internacional frente a referentes de diversas facturas.

El know how de hoy más que saber operar una cámara (a la que ya todo mundo tiene acceso), implica qué se hace con ella.

6.- Evitar los lugares comunes.

La creación escénica audiovisual si bien tiene sus reglas en cada género, es también resultado de una evolución comunicativa de ida y vuelta. Los géneros no son piezas de museo. Tienen que influenciarse de todo y de todos y al mismo tiempo aportar una identidad. Ahí juegan un papel fundamental la libertad creativo-artística. La telenovela tiene un serio problema de credibilidad por la reiteración anacrónica y, a veces, absurda de sus propios cánones que en algún momento fueron inventiva de alguien en un contexto determinado. Atrevámonos a captar nuevas audiencias y reconciliar a las que se han ido. Si parece “como de telenovela”, hay que hacerlo diferente.

7.- “Describe tu aldea y serás universal”.

Un apotegma acuñado por el novelista ruso León Tolstoi. So pretexto de la exportación, a la telenovela no sólo se le edulcoró sino se le desmanteló de su mayor tesoro: su identidad latinoamericana y, particularmente, mexicana. Incluso una historia para el mercado hispano en Estados Unidos, tiene que tener rasgos de identidad.

Ha tenido que venir en 2017 Disney-Pixar para que a través de una bofetada tronada como Coco no sólo se nos recuerde todo lo que en México no estamos contando sobre nosotros mismos sino de la fuente vasta (y virgen) que tenemos alrededor para inspirar la nueva creación. Nuestros riquísimos microcosmos socio-culturales pueden tocar con éxito la inteligencia emocional de la audiencia nacional y empatizar con el macrocosmos de las audiencias del mundo. Adiós al paradigma snob.

8.- Representar con autenticidad a la audiencia del presente.

La telenovela es ante todo una experiencia emocional. El productor Miguel Sabido, uno de los impulsores del “entertainment education”, argüía que “es el mayor educador emocional de Latinoamérica”. Aunado a ello el melodrama, como género narrativo base (aunque ya no único), requiere de cercanía contextual para conectar.

Agreguemos además que sus conflictos parten de situaciones domésticas, y su formato de emisión le otorga una familiaridad inigualable. Por lo tanto, la telenovela tiene y debe abordar con autenticidad los avatares de la sociedad a la que sirve. Y no olvidemos otro factor, por su repercusión es una válvula de escape del sentir colectivo y de la interlocución de unos sectores con otros.

9.- Ser responsable de lo que se propone en pantalla.

Siendo un estudiante de preparatoria, este autor tuvo oportunidad de acudir a uno de los eventos organizados por Televisa denominados “Espacio”. Ahí pregunté en una sesión abierta a un célebre productor de telenovelas respecto a qué pensaba de las constantes opiniones que aseguraban que “sus telenovelas eran basura”. El personaje se acomodó ufano en su saco y sólo alcanzó a responder, “yo hago lo que el público pida y si no les gusta, que le cambien”.

Ahí hablaba en realidad la televisión monopólica que se sabía única e inamovible. En el contexto actual una postura así no sólo no aplica sino que resulta un despropósito. Un productor de una narco-novela que durante 80 episodios pondera como héroes a criminales, es, sin más, responsable de lo que pone en pantalla como referente social. ¿Qué televisión queremos? “¿Tienen el valor o les vale?

10.- Investigar y documentar con rigor el universo de la ficción.

Parece una obviedad pero es sorprendente cómo en telenovelas y ahora en bioseries hay una impresionante falta de verdad escénica, verosimilitud, plagada de pifias básicas respecto de los universos dramáticos que se presentan. Ello tiene que ver con el punto 5 aquí planteado, pero también con una constante falta de rigor que se evidencia en una deficiente ambientación, escenografía, vestuario, caló o jerga de lenguaje en el diálogo y de situaciones que sacan de la convención a la audiencia: no hay manera de producir ESPECTÁCULO. Sin más, escritores y producción, hay que hacer la tarea: investigar. De lo contrario, jamás sorprenderán, es seguro.

11.- Si vas a hacer un remake, no calques, aprópiatelo.

“Costureros”, es un término empleado en la industria mexicana para referir a aquellos escritores que parchan, empatan, adicionan retazos a una tela (historia) antes empleada para otra cosa y reutilizarla para hacerla pasar por algo novedoso. A esto se debe en parte, los lamentables remedos de historias que vemos en pantalla como el refrito del refrito o de  nuevas versiones de éxitos probados en el extranjero pero sin ninguna identidad y capadas de creación auténtica.

No estigmaticemos la adaptación, en todo caso, debiera generarse un contexto propicio (otra vez punto 5) que permita que cuando se recurra a ello, pueda crearse un título por lo menos interesante, propio y no las cosas fatuas e inconsistentes que vemos en pantalla.

12.- Que la tesis tenga el mismo peso que la antítesis.

Sí, guionistas, está en los manuales de Syd Field y Robert McKee. Resulta de una candidez asombrosa ver cómo en una producción como Papá a toda madre creen pasar por modernos al insertar una pareja “abiertamente” gay, cometiendo el error de darle el mismo tratamiento maniqueo de siempre con sólo invertir los roles. Si antes los vilipendiados y el objeto de escarnio eran minorías como los homosexuales, ahora éstos adoptan el rol de víctimas de folletín lacrimógeno y quienes se oponen a ellos, el papel de villanos, ¿así o más predecible?

El mundo actual exige una dramaturgia diferente, presentar matices, no blancos ni negro absolutos. Revísese tan sólo un melodrama eficaz como “Extraordinario” (Stephen Chbosky, 2017). Exponer las diferentes tonalidades no sólo enriquece el relato sino que aumenta el interés de la audiencia y por tanto, su atención, en un contexto mediático que la fragmenta.

13.- INNOVAR

Otro perogrullo que no apareció en ninguna producción del 2017 y por ende hay que evidenciarlo. Es curioso que no se permita ni gestione la inventiva creativa en una industria creativa. Confrontarnos con es dura realidad pudiera llevarnos a una conciencia activa para actuar en consecuencia.

La innovación no debe ser una palabra adicionada en un discurso políticamente correcto dentro de la industria. Debe ser una práctica común, oxígeno vital para la superación y certidumbre comercial de la misma. Hoy se atiende en lo tecnológico, que es un activo que se compra, ¿se puede decir lo mismo del valor y talento creativo? Hoy la innovación debe empezar por lo creativo para que todo lo demás, lo administrativo e incluso lo tecnológico, pueda responder y armonizar con ello.

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EN RESUMEN:

  1. Respetar a la audiencia por sobre todas las cosas.
  1. Sin historia, no hay historia.
  1. No abaratar, conciliar el valor creativo con los criterios de rentabilidad.
  1. Apostar por la capacidad de los actores sobre su aspecto físico.
  1. Ponderar el valor creativo en todas las áreas de la producción.
  1. Evitar los lugares comunes.
  1. “Describe tu aldea y serás universal”.
  1. Representar con autenticidad a la audiencia del presente.
  1. Ser responsable de lo que se propone en pantalla.
  1. Investigar y documentar con rigor el universo de tu ficción.
  1. Si vas a hacer un remake, no calques, aprópiatelo.
  1. Que la tesis tenga el mismo peso que la antítesis.

Rescato una declaración reciente a Radio Times de la célebre actriz Jodie Foster, que ha incursionado en la dirección, donde denuncia a los blockbusters chatarra: “Los Estudios que producen mal contenido para contentar a las masas y a los accionistas, son como el fracking: obtienes el mejor rendimiento ahora, pero en el proceso arruinas la tierra”. Hoy en México ya padecemos los estragos de un fracking que ha dejado tierras muy áridas y, en algunos casos, radioactivas.

La buena noticia es que en el caso en cuestión, es reversible si se deciden a emprender cambios de fondo y no sólo atienden a la forma. Es posible remontar. Este trabajo es sólo una muestra que pretende animar a ello pero tenemos que procurar, abonar y arar mucho la tierra. El asunto es que el tiempo corre y el mundo sigue avanzando.

Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

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La extraña fantasía de Stranger Things 2

Para que una historia como la de STRANGER THINGS funcione como lo hace, tiene que apostar sin tibiezas a construir una fantasía muy bien contada para que convierta lo más inverosímil en verosímil y no pierdan a la audiencia. Un desarrollo como el de los hermanos Duffer siempre corre el riesgo mayor de traspasar esa delicada frontera.

¿De qué trata la serie estrella de Netflix? En la primera lectura, sobre cómo los habitantes de un pequeño poblado estadounidense son acechados por seres extraños y los experimentos de un laboratorio secreto gubernamental que les roba la tranquilidad. En una lectura mayor, esencialmente habla sobre la fraternidad de un grupo de púberes amigos en una época en particular, la década de los ochenta del siglo XX. En éste último detalle descansa la clave de su éxito.

Y es que el universo de Stranger Things no sólo está empapado de éxitos taquilleros del cine de ese momento como E. T. (1982), Poltergeist (1982), Los Cazafantasmas (1984) o Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977), sino en lo que hoy son referentes ineludibles de la cultura pop occidental.

Nostalgia sin trampas

En contraposición con la ficción azteca, la nostalgia por el pasado es empleada como vínculo emocional para conectar con el televidente, no como una trampa para aferrarse a un lenguaje y un estilo narrativo como le ocurre tristemente a la telenovela mexicana.

La serie, aunque sin duda las tiene como referentes, no es Los años maravillosos, no es Alf; ni las películas a las que homenajea, es una ficción dramática de su tiempo: pondera las actuaciones, respeta la inteligencia de la audiencia, adopta estándares de producción de la más alta calidad cinematográfica y desarrolla un tempo narrativo y estructural de acuerdo con su plataforma base, una Over The Top (OTT), en este caso Netflix.

La historia es la estrella

Que alguien explique a los productores mexicanos cómo la estrella es la dramaturgia (la historia), porque debo recordar que aquí la única luminaria antes del estreno de la primera temporada (el año pasado) era Winona Ryder, a quien sirvió para refrescar su carrera. La serie tuvo un gran éxito internacional y sus actores centrales se han convertido en celebridades.

El reparto de Carmen Cuba resulta estupendo de cabo a rabo, a nadie se le puede escatimar talento escénico. Hay actuaciones de antología en su reparto infantil que ya quisiéramos ver en protagónicos adultos en México con varias producciones en su haber. Todos están en personaje, conmueven y resultan entrañables.

“El diablo está en los detalles”

Un logro extraordinario de esta producción que no debemos dejar pasar, es su trabajo de ambientación y recreación de época. Y, atención a este detalle, no se trata solo de un asunto de presupuesto (que lo es), también es de rigor profesional. Aquí hay investigación y una plena conciencia de que todo lo que aparece en pantalla cuenta, genera una atmósfera y es reconocido por la audiencia como en la música, el Every breath you take de The Police del final de la segunda temporada.

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Una envoltura de Nuggets, un televisor Zenith, la nave de juguete de Star Wars del momento, un peinado de moda o un disfraz de Cazafantasmas cuyos aditamentos juegan con la historia del capítulo no sólo contribuyen al poder narrativo, identifican y hacen único al serial. Frente a una bio-serie nacional de emisión reciente, tenemos que cerrar los ojos de la pena ajena ante el cúmulo de sus errores básicos en este sentido.

El cambio generacional

El laboratorio está ahí para justificar las extrañas cosas y sucesos que van ocurriendo en Hawkins pero también para poner en época el discurso: Estados Unidos produce estos experimentos para generar armas frente al peligro de su todavía potencia opositora, la Unión Soviética, en plena Guerra Fría. Eso lo sabemos por el diálogo que coincide con el punto de vista predominante de la ficción dramática de aquella época.

Sin embargo, en Stranger Things esos “enemigos” nunca aparecen personalizados porque lo que le ocurre a Hawkins (como aldea microcósmica narrativa) es propiciado por esas oscuras actividades, supuestamente buscando un bien mayor. Lo advertimos, por ejemplo, en los motivos del “padre” de Eleven. El enemigo no es aquél que se dice sino el que nosotros vemos en acción: Los experimentos se hacen a espaldas de los pobladores pero son ellos, la gente común, quienes terminan pagando las consecuencias. O sea, la historia política de cualquier nación moderna como Estados Unidos.

El discurso central que ha predominado posterior al 11 de septiembre de 2001: “el enemigo está en casa”, lo que vemos en el tratamiento de series como The Americans, Homeland, 24, Designated Survivol e incluso en House of Cards. La televisión en épocas de Trump le habla a la audiencia de su tiempo, y lo sabe porque está obligada a ello.

No es casual que sus creadores sean los hermanos Matt y Ross Duffer (1983), que pertenecen a lo que se considera la generación millenial. Curioso es, por cierto, que el primer nombre de esta serie de grandes ligas lo lleven ellos, unos jóvenes que inician sus treintas, en el marco de la industria del entretenimiento más competida del mundo, y en contraposición (lo siento por la insistencia) de lo que ocurre en nuestro país.

Por lo pronto los creadores han anunciado que siguen con dos siguientes temporadas. Claro, hasta el momento, en medio de un mundo en que un otrora todo-poderoso puede caer en desgracia con un chasquido. Esas son las stranger things de nuestra época.

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POR DANIEL LARES MUÑOZ (@dan_lares)

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“Días de Teatro”, al fin por la telera abierta y pública de Canal 22

Después de varios años, al fin con DÍAS DE TEATRO (Canal 22, próximo lunes 20 de noviembre, 22 horas) nace un programa por la telera nuestra, abierta y pública de cada día dedicado a las artes escénicas, lo que ninguna televisora ha incluido pese a la extensa oferta y demanda del teatro mexicano, no solo comercial.

¿Cuál es el pionero de los melodramas televisivos?, ¿cómo acercar al público actual al teatro por medio de la televisión?, ¿cuáles son las obras dramatúrgicas más representativas? DÍAS DE TEATRO es el nuevo programa de Canal 22 que  apuesta por una nueva forma de mostrar esta expresión artística, a partir de este lunes 20 de noviembre, a las 22:00 horas.

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A manera de micro teatro, este programa busca fomentar el interés en dicha arte escénica a través de un espacio televisivo que dé cabida y testimonio de los diferentes aspectos del teatro en México y el mundo.

A lo largo de 13 episodios el crítico y periodista, Fernando de Ita, será el encargado de guiar al televidente a través de una revisión histórica de la actividad teatral como una manera de situar y entender estas manifestaciones en el presente.

 Al mismo tiempo, cada capítulo estará dedicado a un tipo de teatro, con la finalidad de representar fragmentos de las puestas en escena más representativas de la historia dramatúrgica, desde las obrasMacbeth y Ricardo III de Shakespeare, hasta Las tres hermanas, de Anton Chéjov, Antígona, de Sófocles y Bodas de sangre, de Federico García Lorca, pasando por el humor en los escritos de Jorge Ibargüengoitia y Eugene Ionesco. 

Algunos de los ejes temáticos de dicho proyecto son: el clásico del teatro estadounidense, Un tranvía llamado deseo; los mecanismos de poder que afectan la intimidad de pareja; el matrimonio; el teatro de carpa; clásicos de la tragicomedia y las diferencias clasistas dentro de la sociedad, entre otros.

 DÍAS DE TEATRO es un espacio dedicado a revivir al teatro a través de la telera nuestra de cada día.

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La nueva trilogía de “Star Wars” ya tiene a su director: Rian Johnson

HOLLYWOOD.-RIAN JOHNSON, el director y guionista de Star Wars VIII: The Last Jedi, se hará cargo de una nueva trilogía de la célebre saga de ciencia-ficción ideada por George Lucas, informó hoy la compañía Lucasfilm.

Sin grandes detalles acerca de la trama y las fechas de estreno, Lucasfilm apuntó que la primera película de esa trilogía será dirigida y escrita por Johnson, quien contará con su colaborador Ram Bergman para la producción de ese filme.

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No obstante, sí se sabe que estas tres películas no formarán parte de la historia de Skywalker, el principal hilo narrativo de las películas de Star Wars, sino que “introducirán nuevos personajes de un rincón de la galaxia de Star Wars que no ha sido explorado anteriormente”.

“A todos nos ha encantado trabajar con Rian en The Last Jedi”, dijo la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy.

“Es una fuerza creadora, y verle construir The Last Jedi desde el inicio hasta el final fue uno de los grandes placeres de mi carrera. Rian hará cosas increíbles con el lienzo en blanco de esta nueva trilogía”, añadió.

Por su parte, y en una nota conjunta, Johnson y Bergman señalaron que disfrutaron muchísimo de su colaboración con Lucasfilm y Disney: “Star Wars es la mitología moderna más grande y nos sentimos muy afortunados de haber contribuido a ello. Estamos deseando continuar con esta nueva serie de películas”.

Star Wars VIII: The Last Jedi, dirigida por Johnson y que desembarcará en la gran pantalla el 15 de diciembre, es el próximo lanzamiento de la saga y tiene como protagonistas a Daisy Ridley y Mark Hamill.

Star Wars VIII: The Last Jedi continuará la narración iniciada por Star Wars VII: The Force Awakens (2015).

Este largometraje recaudó en todo el mundo 2.068 millones de dólares y se convirtió así en la tercera película más taquillera de la historia, solo por detrás de Avatar (2009), con 2 mil 788 millones, y Titanic (1997), con 2 mil 187 millones.

En el horizonte de la franquicia también aparecen la película Solo: A Star Wars Story, que se estrenará en mayo de 2018 y que narrará las jóvenes aventuras de Han Solo; y el episodio IX de Star Wars, todavía sin título y que bajo la dirección de J.J. Abrams llegará a la gran pantalla en diciembre de 2019.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Lo narco de “Narcos”

¿Qué es lo que hace adictiva a NARCOS, la serie producción original de NETFLIX?

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Es cierto lo que afirma Eneko Ruiz en El País respecto a que al prescindir de Pablo Escobar (el gran Wagner Moura) NARCOS se ha convertido en una nueva serie. Coincido también que dramáticamente esta tercera temporada es mejor que sus anteriores.

Si en la primera temporada notábamos imprecisiones y errores sobre todo de ambientación, ahora hay que reconocer que la historia creada por Chris Brancato, Eric Newman y Carlo Bernard ha ido aplicando rigor y enmendando lo corregible porque se nota su madurez. No han enmendado en atribuir el realismo mágico a García Márquez; habría que presentarles a Rulfo, su antecesor, sin demérito del colombiano.

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                     La madurez en la pantalla

Es doloroso admitirlo pero en términos de calidad de producción, la temporada uno de la serie de José Padilha estaba a poco de cruzar la raya y entregarse a lo naif de una serie-novela de la televisión abierta mexicana de la actualidad; en cambio en su más reciente entrega, se aprecia más al estándar anglosajón. Netflix ya confía en su ahora franquicia.

Otro de esos aspectos es la estructura de su narrativa. La tercera temporada es mucho más sólida y trepidante. Las pulsiones del ritmo son cadenciosamente contundentes, aceleran y desaceleran para meternos por una puerta y sacarnos en otra que a veces conducirán a inquietantes callejones sin salida. Han disminuido la voz en off de los protagonistas, las elipsis (saltos de tiempo) van y vienen con intermediación de imágenes documentales de archivo de los sucesos reales en los cuales se basa la historia principal.

Ante ello, han acertado en apuntalarse sobre uno de los mayores atractivos de la serie desde su inicio: reparte culpas y hay crítica para todos. Evita el nacionalismo ramplón de “nosotros los salvadores del mundo” que ya nadie les compraría, no obstante de ser una producción estadounidense y estar contada a partir de una agente de la DEA, la agencia anti narcóticos.

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Depende de la audiencia es la “droga” (y el pasón)

Saben bien el perfil de su audiencia. Tan bien lo saben que la serie no pudo ser entendida por la audiencia de Univisión, cada vez más distante del cutrismo de los teledramáticos mexicanos de hoy pero aún atolondrada por años de esa tradición. Se usó para tratar de contener el efecto (ahora sabemos efímero) de la narco-novela El señor de los Cielos de Telemundo pero NARCOS es harina de otro costal.

Tan se dirige para otro lado que su estrella principal, el actor chileno Pedro Pascal, ostenta un perfil físico que jamás sería admitido para un rol protagónico de esas telenovelas convencionales que se resisten a morir. Pascal contiene el desasosiego, elude la trampa de la estridencia a la que podría llevarle la dualidad moral de su personaje y logra dar al agente Peña una interpretación shakespeariana seductora y adictiva. No es casual que forme parte del reparto de la serie estrella de HBO, Game of Thrones, con su personaje del príncipe Oberyn Martell amén de su paso por series como Buffy la Cazavampiros, The Good Wife y Homeland.

El casting narcótico

El casting es otro de los aciertos y aunque algunos acentos nos puedan brincar, por ahí pasan estupendos actores. Descubrimientos como el de Matías Varela o Arturo Castro y estrellas de la televisión y el cine hispano como Miguel Ángel Silvestre (Velvet), Javier Cámara (Hable con ella), Damián Alcázar (El Infierno) y Margarita Rosa de Francisco (Café con aroma de mujer).

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NARCOS es como una carretera que se transita a oscuras y sin líneas visibles, que aunque su destino es por todos conocido ni el más precavido se salva de cruzarse con un animal extraviado, un tráiler sin frenos viniendo de frente o de criminales reclamando territorio.

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             Cuidado con la adicción

No celebro las series que ponderan criminales como las narco-novelas. En realidad no es el caso de NARCOS como se le ha señalado, que amenaza con llegar a territorio mexicano. Es más bien la justificada ambigüedad de sus personajes lo que dispone ese escenario.

Al delirante ritmo de Tuyo de Rodrigo Amarante, tema principal de la banda sonora, varios de sus personajes resultan tan inquietantes como dealers (vendedores de droga) que invitan a completar un pasón. En este caso, un serializado de diez episodios o, ya muy entrados, los treinta hasta hoy disponibles.

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Por Daniel Lares Muñoz (TW: @dan_lares)

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El cine del recuerdo a lo grande, en los clásicos de la Cineteca Nacional

Qué tal ver a Gene Kelly bailando prodigiosamente en Un americano en París o a las míticas divas, Betty Davis y Joan Crawford, juntas por única vez en ¿Qué pasó con Baby Jane? (que inspiró la serie de Amazon Feud) o a una futura estrella Sigourney Weaver en el filme setentero de Ridley Scott Alien, El octavo pasajero o una de las obras maestras de Billy Wilder, Pacto de Sangre, precursoras del thriller.

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Todas estas joyas de la cinematografía que han revolucionado el arte y la cultura pop mundial se exhiben en una sala de cine con el exitoso programa de la Cineteca Nacional CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE que se realiza por quinta ocasión consecutiva en su única sede en Coyoacán cada fin de semana. En un par de meses concluye su corrida 2017.

Tecnología de punta para una gran experiencia

Las exhibiciones se realizan en el sistema DCP (Digital Cinema Package), que ofrece una excelente calidad para proyecciones de gran formato y sonido digital estéreo, 5.1 o 7.1 dependiendo de la copia. En la mayoría de los casos, se exhibe en imagen 2K (Alta Definición) y algunas selectas han sido en 4K (Ultra Alta Definición), remasterizadas. Tal es el caso de la película de Godard Pierrot el loco y el clásico de David Lean, Lawrence de Arabia, exhibida el año pasado, para la cual incluso se respetó el intermedio teatral del metraje original de 1962.

Con la remasterización de las copias, hacen parecer a películas como El Halcón Maltés, que abrió el cine negro con Humphrey Bogart a la cabeza, o a la súper producción  Lo que el viento se llevó producciones filmadas tan sólo un par de años atrás. Por no decir lo que puede representar para un ojo sensible, admirar en la pantalla de una de las salas mayores de la Cineteca, la portentosa fotografía de Gordon Willis en Manhattan.

Unos clásicos permanentes y para todos

En tiempos de Netflix, un programa como CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE logra convocar no sólo a los viejos cinéfilos sino también a los cientos de jóvenes que cotidianamente deambulan por el complejo de Mayorazgo en busca de opciones alternativas. La sala de cine seguirá presente mientras no olvide el centro de su atractivo: la experiencia.

En pocas palabras, la remasterización de audio e imagen significa para el cinéfilo tradicional una proyección sin ralladuras, brincos ni desgaste que motiven los otrora reclamos al operador de cabina (“cácaro”) y para el novel, una presentación digital afín de “estreno” con colores vivos y sonido envolvente cuyo poder del relato, cual clásico, sea capaz de sorprenderlo.

La Cineteca, servicio de primera… con una gran deuda

La calidad del servicio de la Cineteca no desmerece a la de los grandes complejos comerciales; por el contrario, empezando por su esmerada programación y pasando por atractivos como su museo y las tiendas aledañas, resulta una experiencia única visitarla. La gran deuda de la institución pública la encontramos más bien en su nomenclatura, pues no ha logrado extender a nivel “Nacional” este exitoso esquema de servicio más allá de las fronteras de la actual CDMX, más que con algunos programas temporales.

Los clásicos: cuándo y cómo

Por lo regular se realizan sólo dos funciones para cada película: una los sábados y otra los domingos. En algunos casos, dado el éxito, se extienden a 3 o 4 funciones (el viernes y lunes siguientes). Como ocurrió con el ciclo de Stanley Kubrick que fue retomado por la cadena Cinépolis en varios de sus complejos con estupendas versiones restauradas.

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Se exhiben regularmente en la sala 1 con aforo de 400 personas cuyo tamaño evoca a los viejos y enormes cines de antaño. En la sala 10 se disponen de 180 butacas. TV&SHOW ha podido corroborar la gran demanda que el programa ha tenido en varias de sus funciones, incluso con localidades agotadas horas antes de la función, como el de la proyección del clásico musical Cantando bajo la lluvia, por lo que recomienda comprar los boletos en línea para no llevarse la sorpresa de quedarse fuera.

La Cineteca Nacional reportó a esta revista digital que hasta el 15 de octubre, con la exhibición del clásico de horror El Exorcista, habían asistido a estas funciones, 17 mil 55 espectadores. Como dato adicional para los cinéfilos, contrario a los cines comerciales que han estandarizado la proyección de cine digital por cuestiones de rentabilidad, sus salas mayores conservan los proyectores de 35 y 16mm para proyecciones especiales.

TV & Show les ofrece la programación completa de Clásicos…  hasta diciembre.

Octubre:

20 y 21 /  Lejos de Vietnam (1967)

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La entonces nueva ola, liderado por Chris Marker e integrado por directores icónicos como Jean-Luc Godard, Alain Resnais o Agnès Varda, realizó este filme para generar “contrainformación” que ayudara a desbaratar la propaganda y las falsas noticias que contribuyeron a justificar un genocidio en Vietnam en los sesenta. Este manifiesto cinematográfico presenta un análisis complejo sobre la memoria histórica, la crueldad humana y las perversiones del imaginario político, pero, sobre todo, demuestra el poder del cine como instrumento insurgente.

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28 y 29 / Zorba el griego (1965)

Luego de enterarse de que heredó una mina en la isla de Creta, un joven escritor británico viaja a Grecia para hacerse cargo de ella. En el puerto de El Pireo conoce a Zorba, un hombre mayor de alegre extravagancia e impulsos tan violentos como creativos, quien decide ayudarlo a completar su empresa y enseñarle, de paso, lecciones de vida. Adaptación de la clásica novela de Nikos Kazantzakis, Zorba el griego ha sido recordada a través de los años por la poderosa interpretación que Anthony Quinn hizo del personaje titular: un hombre maduro que ha internalizado los aspectos más dolorosos de su pasado y que ha optado por abordar cada momento con todo el candor posible.

Noviembre:

4 y 5 / La noche avanza (1951)

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Marcos Arizmendi, un mujeriego y fanfarrón jugador de jai-alai, acepta perder un juego a causa de un chantaje, convirtiéndose en blanco de la mafia de las apuestas. La noche avanza es otra aproximación de Roberto Gavaldón al tono dramático y visual del film noir urbano, previamente explorado en La otra (1946), La diosa arrodillada (1947) y En la palma de tu mano (1950). Con la Ciudad de México en plena modernización como telón de fondo, el villanesco antihéroe de esta cinta, interpretado por Pedro Armendáriz sin su característico bigote, transita por un entorno en el cual el cabaret, el Frontón México y la vida nocturna de la urbe adquieren un importante rol protagónico.

11 y 12 / Mr. Klein (1976)

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París, 1942. A pesar de la ocupación de Francia por los nazis, Robert Klein lleva una vida tranquila: tiene un hermoso apartamento, una amante y un negocio floreciente. Los problemas surgen cuando la policía lo busca, confundiéndolo con un judío del mismo nombre. El señor Klein iniciará, entonces, una obsesionada búsqueda de su homónimo para demostrar que no es él. Situando a su protagonista como víctima de una persecución legal, Mr. Klein crea un clima de intriga y misterio en torno a la identidad del individuo y el Holocausto. La dirección de Joseph Losey destaca por la utilización simbólica de los espejos como representación de ese otro señor Klein al que nunca vemos, pero que siempre está presente.

18 y 19 / Barbarella (1968)

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En un futuro intergaláctico de amor y paz, la sensual agente del gobierno de la Tierra, Barbarella, es enviada a localizar al científico Durand Durand, creador de una poderosa arma que no debe caer en manos equivocadas. Durante su viaje vivirá toda clase de aventuras, peligros y placeres. Esta comedia de ciencia ficción se distinguió por un erotismo irreverente, cortesía del director Roger Vadim, quien con trazos de psicodelia sesentera realizó toda una farsa kitsch del género. A pesar de una trama simple, la suma de elementos como la música y decorados pop, la participación del mimo Marcel Marceau y el striptease en gravedad cero de Jane Fonda, han hecho de la película una obra de culto.

25 y 26 / Intriga Internacional (1959)

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Previo al furor que en los años sesenta comenzaría a provocar el cine de espías al estilo de James Bond, el “amo del suspenso” dirigió una entrega que se inscribe en este subgénero cumpliendo con todos sus tópicos y sin dejar de lado un estilo personal. Cary Grant interpreta al desafortunado Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad neoyorkino que es confundido con un agente del gobierno por un grupo de espías extranjeros. Su persecución a lo ancho de todo Estados Unidos le dio a Hitchcock la oportunidad de realizar un filme de absoluto entretenimiento con fascinantes tintes de suspenso, muy emparentados con su trabajo en películas como La ventana indiscreta, Topaz (1969), e inclusive Psicosis.

Diciembre:

1 y 2 / Rosenda (1948)

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El solterón Ponciano Robles acostumbra ayudar a la gente de su pueblo. Un arriero le ruega que pida por él la mano de una campesina llamada Rosenda. El padre de la joven acepta, pero el arriero se arrepiente y se va del pueblo. Dejándose llevar por su buen corazón, Ponciano acepta la tarea de velar por la joven abandonada. El director Julio Bracho presentó en esta película costumbrista un retrato de las “fuerzas vivas” pueblerinas, además de una interesante historia de amor entre la debutante Rita Macedo y el experimentado Fernando Soler. Evitando el folclorismo y lo pintoresco, Rosenda resultó un filme con la más pura sensibilidad mexicana, fiel retrato de la provincia michoacana.

8 y 9 / Tarde Perros (1975)

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Inspirado en hechos reales, este thriller recrea un peculiar atraco sucedido en 1972 durante un caluroso día de verano neoyorkino. Antes del cierre, Sonny (Al Pacino) y su compañero Sal (John Cazale) irrumpen en un banco de Brooklyn para asaltarlo rápidamente, sin embargo, todo sale mal comenzando por el hecho de que casi no hay dinero. La situación poco a poco empeora: los policías los tienen acorralados, la muchedumbre rodea el lugar y la presencia de las cámaras de televisión hacen del evento todo un circo mediático. Colaboradores en Serpico (1973), Pacino y el director Sidney Lumet, hacen equipo nuevamente en esta vibrante película que se llevó el Óscar al Mejor Guión en 1976.

15 y 16 / Ascensor para el cadalso (1957)

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Julien Tavernier, un exoficial ahora empleado de un influyente empresario, y Florence Carala, esposa del patrón, planean el asesinato de éste. Ellos prevén reunirse después de lograr su objetivo, sólo que un infortunio provoca una serie de hechos que complica su plan para estar juntos. Considerada por algunos como el primer trabajo formal de la Nueva Ola Francesa, la opera prima de Louis Malle conjuntó una atmósfera melancólica en torno a una pareja envuelta por la desesperanza y el azar, potencializada por la música a cargo del trompetista Miles Davis y una fotografía en claroscuros que retrata París bajo un candor que recuerda el imaginario del film noir estadounidense.

22 y 23 / ¡Ay, qué tiempos, señor don Simón! (1941)

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La Cineteca cierra el año y su quinta edición con uno de los grandes clásicos de la filmografía mexicana. Dirigida por Julio Bracho y con fotografía de Gabriel Figueroa.

México, principios del siglo XX. Inés, una joven y bella viuda, asiste a un espectáculo nocturno sólo para hombres y comprueba que su novio Miguel le es infiel con una tiple de teatro. Su visita al evento provoca un escándalo; pero esto no impide que ella coquetee con don Simón, presidente de la Liga de Defensores de las Buenas Costumbres, para así darle celos a Miguel. Considerada una apuesta ágil dentro del llamado cine de añoranza porfiriana, la ópera prima de Julio Bracho se convirtió en un gran éxito de taquilla y de crítica gracias a una irónica historia de enredos amorosos que hace eco de las vicisitudes sociales de la época, encabezada por el talento del actor Joaquín Pardavé.

PARA NO OLVIDAR:

Lugar: Cineteca Nacional.

Dirección: Av. México-Coyoacán, No. 389, Col. Xoco.

Metro Coyoacán, (L3). Al salir caminar sobre Mayorazgo. Existen dos estaciones de Ecobici en esta calle. También se puede llegar en auto desde Av. México-Coyoacán.

Horarios: Funciones desde la mañana (consultar cartelera en www.cinetecanacional.net [*])

Costos: $50 entrada general y $30 para menores de 25 años, estudiantes y adultos mayores. Martes y miércoles, ambos días el costo del boleto es de $30 para cualquier función (Este descuento no aplica para Muestra, Foro y Talento emergente).

* La Cineteca ya cuenta con sistema de compra electrónica anticipada.

Estacionamiento: El costo es de $25; motos, $15, por tiempo indefinido al adquirir boleto.

POR DANIEL LARES MUÑOZ (@daniel-lares)

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Nace Dopamine, nueva empresa generadora de contenidos premium

CANNES, Francia. – En el marco de la feria internacional de la industria de la televisión y el entretenimiento, el Mercado Internacional de Programas de Comunicaciones (MIPCOM), Ricardo B. Salinas Pliego, Benjamín Salinas y Grupo Salinas lanzan DOPAMINE, una nueva empresa independiente generadora de contenidos originales de alta calidad y llenos de emoción para todas las audiencias y plataformas globales.

Para Fidela Navarro, CEO de DOPAMINE, “el contexto mundial de la industria de entretenimiento es complejo, hay una audiencia más exigente por contenidos originales, de alta calidad y on demand, junto con una multiplicidad de productoras y diversas plataformas de distribución. Lo anterior acompañado por un desequilibrio de mercado entre la demanda de mejores contenidos y la oferta limitada de los mismos. En Grupo Salinas vemos esto como una oportunidad financiera, comercial y creativa que
pensamos capitalizar con Dopamine”.

DOPAMINE creará contenidos innovadores y altamente emocionales que satisfagan la demanda actual y futura a nivel internacional, con un sello propio y las cualidades para ser transmitidos en cualquier plataforma en el mundo. “Dopamine nace con el objetivo de crear contenido audiovisual original y premium de nueva generación. Con la visión de ser líderes en el mercado de las emociones.

DOPAMINE generará, desarrollará y producirá historias para todo tipo de plataformas de distribución. Lanzada con un gran capital en inversión, apuesta por nuevos modelos de negocio y alianzas estratégicas para codesarrollos y coproducciones”, aseguró Fidela Navarro.

Esta nueva iniciativa de Grupo Salinas irrumpe en el mercado global, aprovechando la solidez y experiencia internacional de este conjunto de empresas, el cual asegurará su éxito con un presupuesto inicial de 200 millones de dólares, permitiéndole ser un jugador global y atraer al mejor talento a cuadro y detrás de cámaras, con directores, productores, guionistas, editores y creadores de clase mundial.

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“Las Malcriadas” no quieren ganar

¿Y la reinvención de TV Azteca? La más reciente producción de ficción del prime time, Las Malcriadas, no está hecha para lograr el liderazgo en ningún sentido.

Resulta una hazaña retener la atención sin aburrirse después de los primeros quince minutos del capítulo uno; no levanta en los siguientes, pero rigor llama. ¿En qué escena hallamos el discurso de “reinvención” prometido por la nueva dirección de la compañía?

La extraña combinación del reparto (como en los inicios de la nueva Telemundo con los acentos) produce una ensalada inverosímil de interpretaciones y perfiles que no ayudan a salvar un guión cuyo desarrollo nos evoca más a una casa de las faldas de los cerros de la periferia metropolitana capitalina, levantada a base de la autoconstrucción, que a su pretensión de pasar por un novedoso apartamento de una respetada inmobiliaria.

Si profundizamos en ello, corro el riesgo de deprimir al lector. Por ello a cambio, propongo compartir reflexiones a partir de lo que representa esta producción en la pantalla de la televisión abierta mexicana de los tiempos que corren.

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Producción ¿original?

Como sucedió con el caso de Sueño de Amor (Televisa, 2016), si nos atuviéramos a producciones como Las Malcriadas que se venden especialmente como “originales” (una confesión de parte que adentro saben de tal exigencia), podemos entender por qué los productores no confían en los proyectos con esa etiqueta. Flaco favor.

¿No había en todo México mejor proyecto que este para darle luz verde? En el supuesto de que todos sean así, pues sí, les damos la razón. Las historias originales son Frankesteins condenados al fracaso y no hay nada que hacer. La época dorada del serial tipo anglosajón y de la telenovela extranjera no existe y debe obedecer a su buena suerte.

Sigamos avocados a depender excesivamente de los originales de industrias foráneas para que generen plusvalía y derechos de autor-licencias; empoderemos su autoridad creativa y terminemos de cederles el mango del sartén del mercado internacional.

Conformémonos con servir de simples maquiladores de producción de “contenido”. Sólo como referencia, revisemos las causas de la débil posición de México en otras industrias frente a Estado Unidos y Canadá en las negociaciones del TLCAN.

Algo debe decirles también, espero, que por lo regular sus adaptaciones de remakes dejen mucho que desear. Como he escrito trabajos al respecto, no extenderé en ello. Sólo debo reiterar en señalar el error de resistirse a atender en serio el fondo de la crisis actual: la ponderación de la quintaescencia creativa en una industria creativa.

Ver ¿Por qué la crisis de la telenovela mexicana? Parte III: dramaturgia

https://daniel-laresmunoz.blogspot.mx/2017/02/por-que-la-crisis-de-la-telenovela_7.html

Desconocer la propia historia

Cuando la otrora Imevisión incursionó en la producción de telenovelas (Nada Personal, 1996) no exenta de riesgos, advertía que se enfrentaba con Sansón a las patadas y emprendió entonces con una clara propuesta de diferenciación:

Las historias rosas de cenicienta versus las realistas con expertise y audacia dramatúrgica; realización uniforme de maquila versus una artesanal con aspiraciones cinematográficas; estrellas de escándalo frente a actores con capacidad histriónica. ¿Dónde se refleja (o rescata) eso en Las Malcriadas? La austeridad se advertía en el número de locaciones o la nómina del reparto no en lo cutre de los valores de producción.

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La crisis: problema de industria no de una televisora

Lo antes expuesto nos lleva a pensar que (como en Televisa) o la resistencia interna de las viejas guardias de TV Azteca le juegan malas pasadas a su actual administración o la inteligencia ejecutiva no ha sabido leer y comprender las exigencias de los nuevos tiempos: peor aún, ambos factores.

Su nueva directiva en ficción ya lleva más de un año al frente y después del efímero y relativo éxito del remake de Rosario Tijeras (que naufragó en la pantalla estadounidense), a Las Malcriadas le anteceden La Fiscal de Hierro (look alike de Telemundo), y el refrito infortunado de Nada Personal que dejo en el lector si vale la pena recordarlo.

En el top 5 de los ratings proporcionados por HR Media (que miden el Valle de México) no ha aparecido ni por equivocación la producción estelar del Ajusco. Le supera incluso una repetición del medio día de Las Estrellas (Lo que la vida me robó).

La caballada del hipódromo está (muy) flaca

Con ello TV Azteca junto con la excesiva moderación de Imagen TV (¿la “nueva televisión” para cuándo?), propician que, pese a los bajones de audiencia y su propia crisis, Televisa siga manteniendo el primer lugar de sintonía. Atención, no por ofrecer la mejor propuesta, sino por tener en pantalla la menos mala de la franja. Triste el caso de la industria mexicana. San Ángel tiene que agradecer a sus “competidores” nacionales.

Como ha asentado con anterioridad el Telévoro de Roberto Rondero en TV & Show, ver a actrices con probada capacidad escénica como Rebecca Jones ofrecer los papeles más desafortunados de su carrera no es alentador para nadie.

Las televisoras mexicanas de hoy son como los viejos cines unisala de principios de los noventa que pretendían aferrarse a su cuota de mercado con el mismo servicio y títulos en cartelera como Juana la cubana, Cambiando el destino y La risa en vacaciones frente a la sofisticación del cine extranjero y la ineludible llegada del formato multi-sala (y los megaplex), la televisión por cable y la consolidación de los formatos de video en casa.

El final de aquella historia es por todos conocido.

Por Daniel Lares Muñoz (@daniel_lares)

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