50 años sin Janis Joplin, la mujer que abrió brecha a las rockeras

LOS ÁNGELES.- En un día como hoy pero de hace 50 años, JANIS JOPLIN no se presentó en el estudio de grabación esa tarde del 4 de octubre de 1970. El teléfono de su habitación en el Landmark Motor Hotel de Los Ángeles sonaba en blanco. Su famoso Porsche psicodélico todavía estaba en su lugar en el estacionamiento. La tarea de buscarla fue encomendada a John Byrne Cooke, fotógrafo y su road manager: y así fue él quien la encontró muerta, boca abajo junto a la cama. La autopsia realizada por el famoso forense Thomas Noguchi no dejó lugar a dudas: la vida del ícono femenino más poderoso de la historia del rock había sido una sobredosis de heroína.

Es el trágico y prematuro final de la muy intensa y desesperada existencia de una niña que cambió para siempre el papel y la imagen de la mujer en el mundo de la música, un universo en ese momento dominado por un machismo feroz. Janis fue la primera mujer súper estrella de rock: no le fue fácil abrirse camino pero ciertas situaciones mueren difíciles cuando piensas que el último y fuerte ataque al machismo del mundo del espectáculo llegó hace unos meses por parte de Dua Lipa, estrella del pop mundial que solo tiene 25 años.

La vida de JANIS JOPLIN fue muy difícil desde que era una niña, cuando en la escuela secundaria en Forth Worth, Texas, donde nació el 19 de enero de 1943, fue víctima del acoso más feroz: tenía sobrepeso y estaba atormentada por el acné y los insultos de sus compañeros. Su único espacio de felicidad era la música, el Blues en particular. 

Antes de terminar la universidad, hizo autostop a San Francisco, que se convertiría en “su ciudad”. En ese momento Frisco, y en particular el distrito de Haight-Asbury, era la capital del movimiento hippy, una concentración única de pacifismo, fermento musical y cultural (en North Beach estaban los Beat) y experimentación con sustancias. 

Ponerse en contacto con el mundo de la música era inevitable: fue una amiga suya quien le dio la primera oportunidad profesional con Big Brother and the Holding Company: la voz aguda y ronca, llena de dolor y deseo de amor, imbuida del blues de Bessie Smith y Odetta o el alma rugiente de Etta James conmociona al público y a la crítica: la actuación en el festival de Monterey en 1967 anuncia al mundo que nació una estrella. En 1968 editan su segundo disco con la banda, Cheap Thrills, con la portada ilustrada por Robert Crumb, el genio del cómic underground y algunas de las canciones sobre las que se construye la leyenda de Janis: Summertime, Piece of my Heart y Bola y cadena. 

A pesar de llegar al # 1 en la lista de álbumes, Cheap Thrills es el último álbum grabado con la banda. La actuación en el Festival de Cine de Monterey de 1967 anunciaba al mundo que ha nacido una estrella. 

A partir de ese momento inició su carrera en solitario, lamentablemente muy corta. Solo tendrá tiempo para grabar I Got Dem Ol ‘Kozmic Blues Again Mama! y para terminar las grabaciones de Pearl (su apodo), que se lanzará póstumamente en 1971: aquí también hay títulos legendarios, comenzando por Mercedes Benz y especialmente Me and Bobby McGee, un cover de una canción de Kris Kristofferson, que fue el único sencillo de su carrera en llegar a la cima de la lista. 

Su vida ya estaba devastada por la heroína, malas relaciones y por miedos nunca vencidos y deseos insatisfechos. Pero también lleno de momentos de música inalcanzable: JANIS JOPLIN fue simplemente un presagio, una chica que podría llevar el mundo del blues y el soul al rock con absoluta naturalidad.

Debido a sus excesos en el escenario no siempre estuvo a la altura: Woodstock, por ejemplo, no fue una de sus mejores actuaciones. Subió al escenario diez horas después de la hora prevista: un tiempo demasiado largo para no llenarse de consumo excesivo de heroína y alcohol. Dice Pete Townshend: “En Woodstock, Janis no hizo su mejor actuación probablemente debido al alcohol y las drogas. Pero incluso cuando no estaba en forma, podía ser extraordinaria”. 

Como si hubiera estado regulada por la sincronicidad, su muerte está ligada a una serie de coincidencias: poco antes de morir, al saber que Bessie Smith, la mayor cantante de blues de la historia y su ídolo, fue enterrada en una tumba con una lápida anónima, ella compró uno nuevo adecuado a la estatura del personaje. 

Una de sus últimas canciones se llama Buried Alive With The Blues, enterrada viva con el blues. 

Janis murió dos semanas después de Jimi Hendrix: ambos a los 27 años, como Jim Morrison, que morirá un año después. Él también a los 27. Son la trinidad secular del Club 27, el círculo de artistas que murieron prematuramente a la misma edad, a la que se unieron trágicamente Kurt Cobain y Amy Winehouse. 

Lo que más importa es el extraordinario legado musical que dejó Joplin, fue que abrió el camino a las mujeres del rock, quien demostró que el talento y el poder emocional pueden cambiar las reglas del juego. Un modelo imprescindible para generaciones de artistas. Pero también prueba de que incluso una niña perseguida por matones con música puede aprender a volar.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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A 20 años de la peor pesadilla para Pearl Jam, la tragedia de Roskilde

COPENHAGUE.- Al cumplirse 20 años de la muerte de nueve fans por aplastamiento durante su actuación en el famoso festival danés de Roskilde, la banda estadounidense PEARL JAM publicó una carta en la que menciona: “Veinte años después nuestra banda tiene once niños más. Nuestra comprensión de la gravedad y la pérdida que sienten los padres de esos niños ha crecido exponencialmente, magnificada a medida que imaginamos a nuestros propios hijos muriendo en circunstancias como Roskilde 2000. Es impensable, pero ahí está. Nuestra peor pesadilla”, remarca el texto escrito por el guitarrista Stone Gossard en nombre de todo el grupo, que replica la agencia DPA.

A pesar de destacar que “sus estómagos se revuelven al recordar a aquellos jóvenes muriendo y pensando que podría haber sido diferente”, el grupo reconoció que el dolor que sienten “es una milésima parte del de las familias, las mamás y los papás, hermanas y hermanos, mejores amigos” de las víctimas.

“Nuestro más sentido pésame y disculpas a las familias que perdieron a sus hijos ese día. Hemos conocido a algunas de las familias a lo largo de los años. Con algunos, hemos forjado fuertes amistades, compartiendo y apoyándonos mutuamente”, puntualiza el texto.

Y concluye: “Estamos siempre a la sombra de su dolor y pérdida y aceptamos esa sombra y estamos siempre agradecidos de compartir ese espacio sagrado. El espacio creado por la ausencia de esos nueve jóvenes”.

Aunque la tragedia ocurrió durante la actuación de Pearl Jam, la banda no se enteró de lo ocurrido hasta finalizado su set.

Como consecuencia, el grupo se negó durante varios años a participar de festivales y escribió la canción Love boat captain en homenaje a las víctimas.

Con información de ANSA

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Festival de Venecia tiene fecha, no así el Festival de Cannes en la reactivación

VENECIA.- La Bienal de Venecia “comprimió” el calendario de sus principales eventos, concentrándolos en el último trimestre del año, pero confirmó las fechas de la Muestra de Cine, del 2 al 12 de septiembre, con el cierre al diálogo con el Festival de Cannes.

El presidente de la Bienal, Roberto Cicutto, trazó el programa modificado por la emergencia sanitaria del coronavirus, con la esperanza de que surjan de la crisis nuevas oportunidades.

Entretanto el 64o. Festival Internacional del Teatro, dirigido por Antonio Latella, se desarrollará del 14 al 24 de septiembre en lugar del 29 de junio al 13 de julio, y el 14o.

Festival de Danza Contemporánea, dirigido por Marie Chouinard, se realizará del 13 al 25 de octubre, en vez del 5 al 14 de junio.

Además del 77º Festival de Cine de Venecia, el 48º Festival Internacional de Música Contemporánea, dirigido por Ivan Fedele, también se confirma del 25 de septiembre al 4 de octubre. La 17a. Exposición Internacional de Arquitectura ya se cambió y está programada del 29 de agosto al 29 de noviembre.

Para la Muestra del Lido los preparativos continúan en espera de lo que Cicutto definió como una “semiliberación”: “Teníamos una fecha límite para fines de mayo. Queremos a toda costa estar listos”, dijo, precisando que “estamos haciendo simulaciones sobre el día-tipo”.

 “Los soportes en línea serán importantes para la prensa internacional, pero pondremos todo en una propuesta que comprobaremos con los productores. Deberemos esperar para tener las condiciones por respetar, no tendremos una bola de cristal”.

 Cicutto resaltó que la emergencia del coronavirus impondrá también un cambio de línea a la reseña: “Los festivales -recordó- jugaron un rol importante para la valorización de los artistas y de la industria cinematográfica, pero hoy quien viene a Venecia debe volver con la idea de promover el valor de los filmes, no de los efectos respecto al estreno en las salas”. “También los otros festivales deberán elegir los contenidos y la promoción del valor cultural, todo el resto -puntualizó- deberá hacerlo la industria cinematográfica”.

Y entre los otros festivales no faltó una mención a Cannes: “Todo es posible -resaltó Cicutto- y todo puede ser estudiado, pero parece desconcertante que Thierry Fremaux (el delegado general de la muestra francesa, NDR) diga que continúa estudiando y no diga nada de lo que quiere hacer”. “Nosotros vamos para adelante con nuestro programa, si Cannes está aún pensando no hay diálogo. No hay ninguna hipótesis hasta la fecha”, remarcó.

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El presidente de la Bienal espera también un rol de precursor para la Muestra desde el punto de vista de las medidas de seguridad.

“Creo que el Festival -auguró- debe gozar de una ‘extraterritorialidad’, una señal que luego puede encontrar lugar con un control de las presencias en sala, y Venecia podrá ser un gran laboratorio. Una cosa es administrar 6-7 lugares limitados, otra cosa son miles de salas en el territorio nacional”.

En cuanto a ver en la crisis una oportunidad, para Cicutto “la contingencia nos obligará a compactar todas las disciplinas, y este comportamiento lo veo como una señal de algo en lo que en la Bienal estamos pensando, dar una mayor flexibilidad y diálogo entre las disciplinas y continuidad en la presencia de los contenidos”.

“La nueva tecnología, más allá de que permite la presencia constante, debe utilizarse de forma diversificada”, añadió.

 En este sentido, tendrá un nuevo papel el Archivo histórico de las artes contemporáneas, el ASAC, para el que se está pensando con el municipio una mudanza al Arsenal.

 “Me gustaría que se convirtiera en el ‘Davos de las artes contemporáneas’, el MIT de la investigación de las artes contemporáneas, donde las personas que más tienen que decir encuentren un hogar. Debe convertirse en una oficina en la que se construyan muestras, contenidos que permanezcan, se expandan y se profundicen. Y esto solo puede ocurrir con residencias temporales de artistas”, concluyó.

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Con información de ANSA

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Richard Markson y Józef Olechowski, por Escenarios de Canal 22, hoy 17.30 hrs.

Canal 22 estrena, dentro de su barra Escenarios dedicada a presentar lo más destacado de las artes escénicas y los festivales más importantes de México y el mundo, el concierto de música de cámara ejecutado por Richard Markson y Józef Olechowski.

Desde el Auditorio Blas Galindo del CENART, Markson (chelista y director de orquesta inglés) en compañía de Olechowski (pianista, compositor y director nacido en Polonia) presentaron, en abril del 2015, una variada selección de obras de Claude Debussy, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms y Robert Schumann.

Entre las piezas que formaron parte del repertorio se encuentran: Sonata para violonchelo y piano I. Prologue: Lent, sostenuto e molto risoluto, de Claude Debussy; Sonata en La mayor para violonchelo y piano Op. 69 III. Adagio cantabile – Allegro vivace, de Ludwig van Beethoven; Pieza no. 2 en Fa mayor para chelo y piano, de Robert Schumann; Sonata no. 2 en Mi menor para violonchelo y piano Op. 38 III. Allegro, de Johannes Brahms; así como variaciones de Ein Mädchen oder Weibchen de la ópera La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart.

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Un descontón más al cine mexicano: Adiós a las Diosas de Plata este año

Periodistas Cinematográficos de México (PECIME) no llevará a cabo este año la 48 entrega de premios Diosas de Plata al Cine Mexicano. A pesar del esfuerzo de los socios de cumplir con esta tradición que casi llega al medio siglo de vida, una mínima cantidad de dinero impide a la agrupación completar el costo total que implica la organización y realización del evento.
PECIME lamenta no haber contado con el apoyo y comprensión del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) para la realización del evento que tiene como único propósito promover, difundir y apoyar al cine, lo cual ha venido haciendo desde hace 47 años organizando con sus propios recursos la entrega de las Diosas de Plata.

 

PECIME es una asociación civil sin fines de lucro que este 2019 cumple 73 años de haber sido fundada por el periodista, escritor, poeta y crítico de cine, Efraín Huerta. Desde 1962, reconoce con su premio Diosa de Plata al talento que participa en la industria cinematográfica nacional. La presea la han recibido figuras como Silvia Pinal, María Félix, María Elena Marqués, Christiane Martel, Joaquín Cordero, Julio Alemán y Armando Silvestre, entre otros.

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Esta tradición se ha extendido a las nuevas generaciones de cineastas y artistas quienes también han recibido la Diosa de Plata, como son los casos de Guillermo del Toro, Michel Franco, Issa López, Eugenio Derbez, Ana de la Reguera, Tessa Ia, Arcelia Ramírez, Ileana Fox y Loreto Peralta, entre otros artistas de la actualidad.

La agrupación, cada año, con sus propios recursos, organiza el evento sin más interés que contribuir a la promoción y difusión de la cultura cinematográfica de nuestro país. Al evento el público e invitados tienen acceso de manera gratuita, pues el interés de PECIME es contribuir a acercar a la gente con el cine y no el de obtener un beneficio económico.

En los años recientes, la organización del evento ha sido todo un reto para PECIME, porque los costos de producción (renta de teatro, de pantallas, instalación de alfombra roja, etc.) aumentan por encima de la capacidad económica de la agrupación, por lo que nos hemos visto en la necesidad de buscar la ayuda oficial.

 

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El año pasado (2018) por primera vez PECIME ingresó a la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados el proyecto de la 48 entrega de Diosas de Plata al cine mexicano buscando completar el presupuesto de que disponía la agrupación para llevar a cabo la ceremonia.

En diciembre pasado, se publicó en el Diario Oficial, página 95, que se nos asignaba un presupuesto de 700 mil pesos que, aunque inferior en 50% a lo solicitado y no alcanzar a cubrir los gastos del evento, ayudaba para sumarlos a los recursos de PECIME y así poder llevar a cabo la ceremonia de este año.

En enero de este año, el nuevo gobierno y concretamente la Secretaría de Cultura, anunció nuevas reglas y una nueva convocatoria que prácticamente desapareció los resultados publicados previamente en el Diario Oficial y dejó sin efecto los presupuestos antes asignados.

El cambio nos afectó porque la cantidad que se nos había asignado (los 700 mil pesos) sólo existieron en la publicación.

 

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Laurel y Hardy, el biopic sobre los inmortales sale

LONDRES.- Después de un tiempo te acostumbras: John C. Reilly es Oliver Hardy y Steve Coogan es Stan Laurel. La pareja de legendarios comediantes inmortales estadounidenses de los años treinta es como volver a la vida en una película de crepúsculo, llena de melancolía y sentido de amistad, como lo es ‘Stanlio and Ollio’ de Jon S. Baird, que luego de la presentación en el Festival de Roma. En la sala de Lucky Red el 1 de mayo.

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Melancolía, porque se refiere a la última parte de su vida en la que el foco en ellos era ahora tenue; Amistad, porque en esta su puesta de sol, incluso física, las dos realmente descubren que se aman muy bien.

La película escrita por Jeff Pope (el guionista de Philomena) nos lleva en 1953 cuando los dos comediantes más queridos del mundo, pero ahora en decadencia y con una salud temblorosa, salen para una gira teatral en Inglaterra.

Después de su edad de oro, Stanlio y Ollio se pusieron en manos de un empresario inglés fraudulento que los llevó a la provincia inglesa donde encontraron teatros semivacíos y audiencias distraídas.

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Pero los dos no se rinden, cada uno a su manera: Stan continúa escribiendo chistes y bocetos (él es el alma creativa de la pareja) para una película que Hollywood les ha prometido y que nunca harán, mientras que el epicúreo Ollio hacer con la comida y las mujeres.

El encanto de su arte continúa brillando un poco en la risa de los espectadores cuando logran llenar un teatro en Londres, pero es solo su canto de cisne. Sin embargo, en dificultades, encontrarán ese sentido de amistad que quizás antes, deslumbrado por el éxito, no había tenido la capacidad o el valor de expresar.

“A la edad de ocho años me vestí como Stanlio, dijo el director. La mía es una antigua pasión. Me intrigó el hecho de que nadie había ido a investigar a estos dos personajes extraordinarios cuando se encontraron con poco dinero y problemas de salud. eso fue lo que sucedió entonces —continuó Jon S. Baird—, hablamos con los nietos de Stanlio, leímos libros y contactamos con personas que los conocían. Surgió un rompecabezas al que solo agregué unas pocas licencias artísticas.

Para Steve Coogan, actor y comediante británico, “fue un gran desafío hacer Laurel. De niño hice su imitación y comencé a partir de ahí”.

John C. Reilly, un actor estadounidense ganador de un Oscar, que tuvo que someterse a muchas prótesis y un largo truco para actuar como un sobrepeso, Ollio dijo: “Ollio era un romántico en lo profundo de su corazón, le encantaba la poesía, las mujeres, “La belleza y la comida. Pero los dos no solo eran actores talentosos, grandes comediantes, eran dos personas llenas de humanidad y esto explica su larga supervivencia en el mundo del entretenimiento”.

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House of Cards regresa a Netflix el 2 de Noviembre, la sexta y última temporada

La ganadora del Globo de Oro y nominada al premio Emmy, Robin Wright, regresa como la Presidente de Estados Unidos en la sexta y última temporada de la premiada y referenciada serie, House of Cards. Los nominados al Oscar®, Diane Lane y Greg Kinnear, así como Cody Fern se unen a Wright en esta temporada junto al nominado al premio Emmy Michael Kelly, Jayne Atkinson, la también nominada al Oscar® Patricia Clarkson, la nominada al premio Emmy Constance Zimmer, Derek Cecil, Campbell Scott y Boris McGiver en la sexta y última temporada. Los productores ejecutivos de House of Cards son Melissa James Gibson, Frank Pugliese, Robin Wright, David Fincher, Joshua Donen, Dana Brunetti, Eric Roth, Michael Dobbs y Andrew Davies. La serie fue creada por Beau Willimon y es producida por Donen/Fincher/Roth, con MRC como el estudio, para Netflix.

En 2013, House of Cards se convirtió en la primera serie original online en recibir múltiples nominaciones en los Primetime Emmy Awards. La serie ha recibido 53 nominaciones al Emmy hasta la fecha, con siete victorias — incluyendo el primer Emmy para un servicio de streaming con el triunfo de David Fincher por “Mejor Dirección para una Serie Dramática”. House of Cards recibió seis nominaciones a los Globos de Oro y obtuvo dos victorias. La histórica serie ha recibido 11 nominaciones a los premios SAG con dos victorias; un premio AFI; cuatro nominaciones a los Writers Guild Awards, con un triunfo; dos nominaciones a los premios BAFTA; cuatro nominaciones a los Producers Guild Awards; dos a los Directors Guild Awards y un premio Peabody, entre otros reconocimientos.

House of Cards por Netflix

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NUEVA YORK.- El estadounidense Robert Redford, ganador de dos premios Oscar, anunció que abandonará la actuación a sus 81 años de edad, tras el estreno de su última película “The Old Man And The Gun”, donde interpreta a Forrest Tucker.

 

Así como la realidad se entrelaza con la ficción, un último trabajo (diseñado como robo, NDR) por Tucker en el filme también será el último esfuerzo cinematográfico para Redford.

El mítico artista, productor y director hizo el anuncio en una entrevista con EW (Entertainment Weekly), aclarando que tiene fe en aquello que ya había sostenido en 2016.

Es por eso que Redford asegura que ya le llegó la hora de jubilarse, pero todo indica que en esta ocasión va en serio.

“Nunca digas nunca, pero he llegado a la conclusión de que este es el fin para mí, en términos de actuación. Voy a jubilarme después de esta película porque he estado ejerciendo mi trabajo desde que tenía 21 años. Creo que es suficiente. ¿Por qué no decir adiós con algo que es muy optimista y positivo?”, ha declarado.

“The Old Man And The Gun” habla de la verdadera historia de Forrest Tucker, un criminal profesional que adora robar bancos y que continuamente se escapa de la prisión. “Para mí, explicó Redford, se trató de un personaje maravilloso de interpretar en este momento de mi vida. Lo que me impresionó realmente de él es que robó 17 bancos, pero también fue atrapado 17 veces, fue a prisión 17 veces, pero también se escapó 17 veces. Así que me hizo preguntar si no robaba para escapar, que la verdadera emoción de su vida era huir”.

Al mismo tiempo el actor, sin embargo, no aclaró si el adiós al cine significará también la despedida a su carrera como director y se limitó a decir simplemente “ya veremos”.

“Soy una persona impaciente, así que para mí es difícil sentarme y hacer una toma y después otra toma y después otra toma más. En este momento de mi vida la pintura me daría más satisfacciones porque no soy dependiente de nadie. Sólo soy yo, como yo solía ser”, aclaró.

“The Old Man And The Gun”, dirigida por David Lowery y coprotagonizada por Sissy Spacek y Casey Affleck, tendrá su premier en el festival de Toronto, el próximo 6 de septiembre.

Trailer oficial “The Old Man And The Gun”,


El año pasado, Redford y Jane Fonda presentaron en el festival de Venecia la película “Our souls at night”, una historia sobre el amor en la vejez, y fueron galardonados con el León de Oro a toda su carrera. Clase 36, Redford comenzó su carrera en los años 60 y luego se convirtió en uno de los galanes más admirados de Hollywood con más de sesenta películas en su extensa filmografía. A punto de cumplir 82 años, el 18 de agosto próximo, el cofundador del festival de Sundance deja así una docena de títulos imprescindibles y varias actuaciones memorables. Entre ellas se encuentran “El candidato” (1972); “Las aventuras de Jeremiah Johnson” (1972); “El gran Gatsby” (1974), en la que apareció junto a Mia Farrow; “Descalzos por el parque” (1967), con Jane Fonda; “Tal como éramos” (1973), con Barbra Streisand; “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (1969) o “El golpe” (1973), al lado de su colega Paul Newman. A estas se sumaron “Todos los hombres del presidente” (1976), sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman y “Memorias de África” (1985), al lado de Meryl Streep. 
#hisotira, #hombre.

Desde su debut en la realización con “Gente Corriente” en 1980 (filme con el que ganó los Oscar de mejor dirección y mejor película, más otras dos estatuillas-, el actor dirigió ocho largometrajes más, entre ellos títulos como “Quiz Show” (1994), “El hombre que susurraba a los caballos (1998) o “Leones por corderos” (2007). 

INFORMACIÓN ANSA

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La napolitana Claudia Cardinale cumplirá 80 años este domingo

NÁPOLES.- “Nunca escondí mi edad y nunca seré una diva”, dijo la legendaria actriz CLAUDIA CARDINALE que cumple 80 años el domingo y lo festejará actuando en el Teatro San Carlos de Nápoles.
El presente está en el teatro con un homenaje a “su” Pasquale Squitieri, pero en el futuro no excluye el cine “aunque es más fácil hacerlo en Estados Unidos o en Francia que en Italia”.
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Cardinale no renuncia a la naturaleza salvaje y anti conformista que en los años de oro del cine italiano la hicieron musa inspiradora de los realizadores más destacados de la época, de Luchino Visconti a Federico Fellini, Pietro Germi o Sergio Leone.

“Nunca escondí mi edad, nunca fui ni seré una diva. Soy una mujer normal, como tantas otras”, afirmó ante la prensa en el teatro San Carlos de Nápoles.

El domingo próximo festejará en es ese gran escenario en coincidencia con la primera de Lady Macbeth del distrito de Mtsensk de Shostakovich.
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Extraña pareja, la comedia de Neil Simon, readaptada según una idea de Squitieri, la verá en el escenario junto a Ottavia Fusco.
La protagonista de “Il Gattopardo” dijo que Squitieri “fue el amor de mi vida” y “en su homenaje” actuará en la comedia por él adaptada.
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Cardinale recordó de su ex socio Alain Delon que “cuando terminábamos de filmar había una cola de hombres y mujeres para ir a la cama con él”.

También trabajó con otros grandes como Marcello Mastroianni, Alberto Sordi, David Niven y Brigitte Bardot a lo largo de su extensa carrera.
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CON INFORMACIÓN DE ANSA
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