“The United States vs. Billie Holiday” redime a la cantante y precursora de los derechos civiles

ROMA.- BILLIE HOLIDAY no solo fue una de las cantantes más sobresalientes de la escena musical, también es considerada una artista que desafió al racismo, por ello vuelve al centro de la escena en el film de Lee Daniels, THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY, de Lee Daniels, cuya protagonista, Andra Day, está nominada a los premios Golden Globe por su interpretación de la cantante de blues cuya vida fue tormentosa desde su traumática infancia debido a que su madre la obligó a prostituirse a los 11 años.

Andra Day stars in THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY from Paramount Pictures. Photo Credit: Takashi Seida.

Víctima del abuso del alcohol y las drogas, HOLIDAY también supo ser una mujer fuerte, generosa y libre, incluso en su sexualidad.

HOLIDAY fue defensora de los derechos civiles y siempre estuvo en la mira del gobierno estadounidense y del FBI de Hoover: una persecución que también contribuyó a la muerte prematura del cantante en 1959, a la edad de 44 años.

Un torbellino de contradicciones, arte, tragedia y coraje, se aprecian en este film acerca de la gran artista afroamericana.

La película, que llega a Estados Unidos a través de Hulu el próximo 26 de febrero, acaba de ganar dos nominaciones al Globo de Oro: a Mejor Actriz de Drama para Andra Day (incluso entre las favoritas para una nominación al Oscar) que vuelve a competir también en las cinco mejores canciones, Tigress and Tweed, interpretada y escrita por ella con Raphael Saadiq.

“Soy fan de Billie Holiday desde los 11 o 12 años -explicó Andra Day, nacida en 1984, en el encuentro online con Lee Daniels organizado por la American Cinemateque-, inmediatamente me llamó la atención su voz, tan diferente de los estridentes a los que estaba acostumbrada. Era una voz única poco frecuente y a lo largo de los años, su ejemplo me ha animado a estar orgullosa de mi voz e individualidad, me enseñó a usar el poder del arte con cuidado y sabiduría”.

El vínculo de Lee Daniels, director de películas como Precious y The Butler, con Billie Holiday ya había pasado por el cine: La dama del blues (dirigida por Sidney J. Furie en 1972, con Diana Ross en el papel principal) es la cinta que me inspiró a convertirme en director. La vi a los 13 y me impactó.

Fue la primera vez que vi una historia de amor negro, una historia tan intensa y profunda en lugares y con una música que me pertenecía a mí y a artistas como Diana Ross, Billy Dee Williams y Richard Pryor. Quería que mis films se sintiera como me sentí yo después haber visto eso”, explicó.

Cuarenta años después “me llegó este hermoso guion sobre Billie Holiday y me doy cuenta de lo mucho que no sabía sobre sus luchas”.

“Cuando pensamos en el movimiento por los derechos civiles, nombres como Martin Luther King, Malcolm X, Gandhi, Rosa Parks aparecen de inmediato. En mi opinión Billie Holiday dio impulso a ese movimiento, con su canción Strange Fruit (una de sus ramas símbolo, que habla del linchamiento de un hombre negro, la ‘fruta extraña’ que cuelga del árbol) y es un hecho que no se encuentra en los libros de historia. Entonces yo también luché contra mis adicciones y como artista entiendo el camino de Billie, sentí que tenía que hacerle justicia”.

La película sigue a la cantante principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks de su pasado), cuando el FBI, y uno de sus principales emisarios, Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund), para truncar la carrera de la artista, que continuaba cantando Strange Fruit en sus conciertos, la convierte en el objetivo de control constante al borde de la persecución.

Debido a la adicción de Billie a la heroína, encuentros erróneos, problemas personales y profesionales y, a veces la utilización por parte de las autoridades de pruebas falsas, la mujer acaba detenida varias veces (en 1947 también cumple un año de prisión), pero cada vez más minada físicamente, hasta el final, no se rinde.

“Sabía que el gobierno había perseguido a Billie Holiday, pero no sabía hasta dónde había llegado”, dijo Andra Day, quien perdió 17 kilos para el papel y reinterpretó todas las canciones.

“El único modo que tenían para llevar adelante aquel sistema de opresión era aplastar la verdad, aquello que cantaba Billie.

Me asombró su fuerza para luchar sola, su resiliencia, su poder interior. Realmente la considero la madrina de la lucha por los derechos civiles”.

En ella “había un deseo de ser escuchada y al mismo tiempo una gran vulnerabilidad. Siendo una mujer negra viviendo en Estados Unidos, conozco esa soledad y ese sentimiento invisible”, acotó.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Murió la actriz francesa Nathalie Delon, ex esposa de Alain Delon

PARIS.-La actriz francesa NATHALIE DELON, quien protagonizó las películas de Jean-pierre Melville The Samurai, murió este día en París a los 79 años. Su hijo, Anthony Delon lo dio a conocer: “Mi madre murió esta mañana a las 11 de la mañana, en París, rodeada de sus afectos. Estoy muy triste.

“Me hace mucho mal cuando se van los que he amado”, dijo por su parte quien fuera su esposo, Alain Delon. “Nathalie fue mi primera mujer y la única señora Delon”, agregó el actor.

La actriz participó en unos treinta filmes en papeles secundarios, hasta el inicio de los años 80 y después se desempeñó como realizadora.

Dirigió Llaman a eso un accidente (1982), y Sweet Lies, con Treat Williams, entre otras. Publicó sus memorias en 2006.

De origen español, nació con el nombre de Francine Canovas, el 1 de agosto de 1941 en Ojda, Marruecos. Llegó a París en 1962 tras separarse de su primer marido, Guy Barthélémy, con quien tuvo una hija.

Tenía 21 años cuando por azar conoció a Alain Delon en una discoteca parisina, cuando éste era novio de Romy Schneider.

Empezó una pasión clandestina hasta que Delon dejó a Romy para casarse con ella en agosto de 1964, en el mayor secreto.

La pareja viajó en el barco “France” en luna de miel y se instaló en Los Ángeles, donde, un mes más tarde, nació su hijo Anthony.

El fantasma de Romy Schneider planeaba sobre su relación. “Alain no me hablaba de ella, pero yo veía algunas veces una sombra de tristeza invadir su mirada”, afirmó mucho tiempo después.

Luego se deterioró su relación en la mansión en Hollywood donde vivían, pues Nathalie vivía atormentada por las conquistas efímeras de su marido. Se divorciaron en febrero de 1969. Alain Delon inició después una relación con la también actriz Mireille Darc. 

Pero “nos  veíamos con frecuencia. Hacía parte de su vida y ella de la mía. Estuvimos juntos en Navidad. Nos tomamos fotos, las últimas”, relató Alain Delon este jueves a la prensa parisina.

El papel de Jane en The Samurai de 1967 le dio notoriedad, pero luego Nathalie Delon hizo una treintena de películas, también haciéndose pasar por personajes no prominentes. En la década de 1980 pasó detrás de la cámara y escribió un libro de recuerdos en 2006.

Alain Delon dejó a Romy Schneide  para casarse con ella en agosto de 1964, y la pareja se mudó a Los Ángeles donde Anthony nació. Pero el fantasma de Schneider siempre estuvo presente en la relación entre los dos: “Alain – Nathalie dijo en una entrevista – nunca me habló de ella, pero de vez en cuando vi en su mirada una sombra de tristeza”.

En el set de The Samurai la tensión entre los dos ya era muy alta, el divorcio llegó en 1969. Nathalie se fue con su hijo, Alain comenzó su relación con Mireille Darc. Hace apenas un mes,publicó una foto de sus padres uno al lado del otro en Instagram.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Lang Lang con nuevo tema y video de “Bach: Goldberg Variations Extended Edition”

Después del exitoso concierto virtual del pasado 12 de diciembre llamado Reaching Dreams Through Music que ofreció LANG LANG al lado de estrellas como Sam Smith, Diana Krall,  Ron Howard, Jon Batiste, Misty Copeland entre otros más, estrena tema y video, que forman parte de BACH: GOLDBERG VARIATIONS EXTENDED EDITION.

El concierto también destacó el impacto de la música en la vida de los niños de todo el mundo, al tiempo que abogó por un acceso equitativo a la educación musical.

El concierto culminó con un gran final con Lang Lang tocando virtualmente junto a más de treinta pianistas jóvenes de todo el mundo, con el Coro de Jóvenes de Nueva York.

Ahora para comenzar el 2021 Lang Lang está lanzando una serie de nuevas grabaciones incluidas en su próxima Bach: Goldberg Variations Extended Edition y que verá la luz el próximo 12 de febrero. La nueva versión de su aclamado álbum doble incluye siete pistas adicionales, entre ellas arreglos para piano solo de algunos de los escritos vocales e instrumentales más hermosos de Bach.

Las nuevas piezas se encuentran entre los descubrimientos personales de Lang Lang: transmiten la ternura y la belleza de la escritura melódica de Bach y complementan las Variaciones Goldberg. Como dice Lang Lang, “las siete piezas que acabo de grabar como parte de este proyecto se han sumado a mi comprensión de la música de Bach”.

UN DATO:

Schumann: Arabesque in C Major, Op. 18 el que puedes escuchar aquí: https://open.spotify.com/album/7C03vx3Ps7iRJ57disLBpC?si=DGegyM2KTlKNo1Cu498ijQ

Y aquí puedes verlo: https://youtu.be/pgYGOFWlHcI

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5 años sin el camaleónico Bowie

LONDRES.– Este domingo se cumplen 5 años sin el londinense oriundo de Brixton al sur de Londres, David Robert Jones, mejor conocido como DAVID BOWIE, una estrella de rock que pudo ser mucho más que un rockero y algo más que una estrella.

Para sus fans y seguidores fue un shock: pocos sabían que uno de los genios más revolucionarios de la historia del rock había sido un enfermo desesperado durante algún tiempo, pero en ese triste día de 2016 todo el mundo entendió que esa despedida había sido preparada como el último acto de una aventura artística que cambió el mundo. Y, en cierto modo, el shock fue aún mayor, cuando, escuchando las notas de Black Star, un álbum de una profundidad emotiva, uno se encontró frente a la obra maestra de un hombre que decidió contar su fin anulando de la manera más definitiva el límite entre el arte y la vida.

El mundo descubrió con Bowie la idea de que un músico podría ser simultáneamente una figura que, muy adelantado a los tiempos, puso en juego una ambigüedad sexual descarada y al mismo tiempo se mezcló con el Cabaret de Berlín, el teatro kabuki, el Mimo de Lindsay Kemp.

Un artista que no era Bowie probablemente habría pasado toda su vida en los laureles de Ziggy, pero decidió liberarse de ese alter ego tan engorroso para asumir primero la identidad del duque blanco delgado, el Duque Blanco lanzado para conquistar América pero esclavo de la cocaína y luego sumergirse en Berlín a mediados de la década de 1970 para producir la famosa trilogía de Berlín con uno de los muchos giros estilísticos impactantes.

Es impresionante pensar cuántas cosas ha sido David Bowie, la de Let’s Dance y la del rock muy duro y en bancarrota comercialmente de Thin Machine, un crooner con un carisma sin igual, un autor brillante, un icono de estilo, un explorador de sonido, un actor, un artista que en todo lo que se preocupaba poco sobre el mercado pero ganó montañas de dinero gracias a Bowie Bonds gracias a los bonos de Bowie , una operación financiera sin precedentes, un pintor vinculado al expresionismo alemán, un actor con un importante plan de estudios que consiste en películas como El hombre que cayó a la tierra, La última tentación de Cristo, Miriam despierta a medianoche, Furyo, Todo en una noche, Labirinth y que se permitió un cameo en Zoolander y una aparición en El Prestigio de Christopher Nolan.

Un carácter único, iluminado, impulsado por una curiosidad inconclusa y un deseo imparable de conocimiento, como para comunicar ese cambio y el descubrimiento de lo nuevo son un método para poner orden en el caos. David Bowie fue y sigue siendo uno de los artistas más influyentes en la historia de la cultura popular, como lo demuestra la exposición realizada por el Victoria y el Albert Museum de Londres.

BOWIE fue uno de los primeros en entender que el Rock’n’Roll podría ser mucho más que la música que anunció al mundo el nacimiento de los jóvenes como una categoría social, para adivinar que se podría ir más allá de los límites y convenciones, que alrededor de la música se podría construir un verdadero universo de signos. Incluso la muerte se ha transformado en algo más allá de su inevitable verdad. Cuando, frente al último acto, David Duncan Jones y David Bowie volvieron a ser la misma persona.

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“Naturaleza muerta”, primera obra del poeta Ernesto Flores de Anda

El escritor jalisciense ERNESTO FLORES DE ANDA, de 34 años, es un creyente ferviente de la complicidad con las palabras, de transferir las inquietudes, emociones y percepciones personales, del corazón al papel, prueba de ello es su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, publicada bajo el sello Caligrama, de Penguin Random House.

Poeta por los cuatro costados, FLORES DE ANDA comparte su pasión en su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, poemario cuyas páginas están repletas de animales, insectos y plantas, y también de alusiones a la épica griega literaria. Sus versos son sencillos y deslumbrantes y construyen un bodegón pictórico en el que conviven imágenes de elementos que representan a la vida y a la muerte.

Ernesto se ha forjado a sí mismo como escritor, experimentando con sus propios sentimientos y vivencias, devora arte sin saciarse. Sus momentos más ricos y brillantes, así como los más desgarradores y sensibles, vieron la luz en una biblioteca. Y es a través de su pluma que ha logrado reseñar la vida. Las praderas llenas de asientos amarillos en el verano jalisciense; las violetas, los caballos, los nopales, las estrellas y los álamos de los ríos.

Pero también ha fluctuado en los extremos, pues tanto de manera introspectiva como abierta, ha desentrañando descarnadamente el misterio de la muerte; con sus constantes de oscuridad, dolor, ausencia y silencio. Escribe poesía desde hace más de una década y su sensibilidad es tal que, esgrimiendo el verso, ha sabido describir el mundo con sus infalibles luces y sombras; con sus pecados y virtudes, con su geografía y sus cielos.

El poemario Naturaleza muerta se presenta como un lienzo barroco en donde las luces y las sombras conviven en la belleza.

HA DICHO:

“Los antiguos pintores del barroco neerlandés que en los siglos XVI y XVII retrataban alimentos y objetos inmóviles de la naturaleza con el mayor esmero posible y con toda la destreza que podría esperarse de cualquier pintor de renombre, muy pronto se apoderaron de un símbolo que en todas partes es sinónimo de la fugacidad de la vida y del lacerante recuerdo de la proximidad de la muerte: el cráneo”, cuenta el autor.

Los poemas de de Anda conforman un espacio en el que el ser humanos se relacionan con Dioses griegos, vive batallas mitológicas, y convive con objetos. De esta forma, el lector no solo lee, sino que observa lo que lee y las imágenes que acompañan.

Así, De Anda le escribe a Ulises, a Apolo y Afrodita, a la vez que atiende a los búhos, el cactus o el jarrón de flores, y lo hace apoyándose de lleno en la belleza: “No hay naturaleza muerta./ Este búcaro con rosas/ pulula, aunque yo advierta/ que se mueren silenciosas», dicen un poema. A la manera de un lienzo barroco, las luces y la sombras se alían para hablar de lo clásico, “pero de forma accesible a todo público, profano y exigente“, dice el autor, que define su poesía como algo “telúrico y urgente”.

Al mismo tiempo, analiza la época actual para la composición poética y afirma que “el hecho de que en la edad presente no tenga mucha repercusión no obedece a que exista un vacío espiritual en el corazón de las sociedades modernas, sino a que la poesía que se hace en nuestros días o bien está llena de cierto patetismo íntimo del que muchos lectores sensatos de mi generación huyen, o bien es incapaz de comunicarse con el lector como consecuencia de un lenguaje deficiente”.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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El Festival Internacional Cervantino 2020 sólo por Canal 22

La edición 48 del FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO (FIC), se transmitirá desde este día y hasta el próximo 31 de octubre por Canal 22.

El evento cultural por excelencia, donde se reúnen el teatro, la danza, el cine, la literatura y la música, entre otras expresiones artísticas, se llevará a cabo este año en formato a distancia, donde Canal 22, el Canal de los Festivales, transmitirá una selección de los espectáculos que forman parte de esta edición a partir del 14 y hasta el 31 de octubre.  

¿DÓNDE VERLO?

Las transmisiones se realizarán a través de las dos señales de televisión abierta y de distribución a nivel nacional: la 22.1 que se transmite en la Ciudad de México y área metropolitana, así como a través de 25 repetidoras al interior de la república, y en todo el territorio por sistemas de cable (Sky 1122 HD/122 SD, Megacable 1122 HD, Dish 622 HD/122 SD, Izzi 22 SD y Total play 22 HD).

Es importante comentar que, en estos momentos, esta señal en el interior del país transmite la programación de educación a distancia Aprende en casa II, por lo que la invitación para seguir las transmisiones es a través de la página de internet http://www.canal22.org.mx.  

Y la señal 22.2, puede verse por televisión abierta en la Ciudad de México y zona metropolitana y a través de sistemas de cable en todo el territorio nacional (Sky 1278 HD/265 SD, Megacable 125 SD, Dish 304 SD, Izzi 481 SD y Total play 143 SD), así como en trasmisión en directo en línea en http://www.canal22.org.mx.  

Miércoles 14  

Música  

La Bruja de Texcoco  

EN VIVO CC Helénico  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Danza  

Compañía Nacional de Teatro  

Beethoven en la Intimidad “Ludwig en tu casa 2.0”  

EN VIVO Desde el Palacio de Bellas Artes, CDMX  

A las 21 h., a través de la señal 22.2  

Sábado 17  

Música – ¡Clic Clac!  

Toompak  

Reciclart School  

Desde el Teatro José María Rodero, Madrid España  

A las 14 h., a través de la señal 22.1  

Y a las 15 h., a través de la señal 22.2  

Danza – Escenarios  

Compañía Nacional de Teatro  

Beethoven en la intimidad “Ludwig en tu casa 2.0”  

Desde el Palacio de Bellas Artes, CDMX  

A las 16 h., a través de la señal 22.1  

Y a las 17 h., a través de la señal 22.2  

Domingo 18  

Música  

Orquesta Filarmónica del Desierto, Coahuila de Zaragoza  

Concierto mexicano  

Desde Saltillo, Coahuila  

A las 16 h., a través de la señal 22.1  

Lunes 19  

Danza  

Teatro Línea Sombra  

Danzantes del Alba  

Desde el Auditorio del Estado, Guanajuato  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Martes 20  

Música  

Son del Montón “Colectivo”  

Afro-Son  

Desde Guanajuato  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Miércoles 21  

Danza  

Lux Boreal  

Mamá. Adaptación libre de la obra de Sófocles “Edipo Rey”  

Desde Baja California  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Jueves 22  

Música  

The Guadaloops  

Soma  

Desde Guanajuato  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Viernes 23  

Música  

Troker  

Singular-Plural  

Desde el Teatro Diana Guadalajara, Jalisco  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Sábado 24  

Teatro – ¡Clic Clac!  

Triciclo Rojo  

Sawatzky y el cocinero de cuentos  

Desde CDMX  

A las 14 h., a través de la señal 22.1  

Y a las 15 h., a través de la señal 22.2  

Música – Escenarios  

Cuarteto Latinoamericano  

Aniversario de Ludwig van Beethoven  

Desde el Palacio de Bellas Artes, CDMX  

A las 16 h., a través de la señal 22.1  

Teatro  

Argos Teatro  

Hierro. Texto y puesta en escena: Carlos Celdrán  

Desde Cuba  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Domingo 25  

Música  

Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato  

BTHVN 5  

Desde Guanajuato  

A las 16 h., a través de la señal 22.1  

Música  

Seth Glier  

Desde Washington DC, EUA  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Lunes 26  

Música  

Varios artistas  

Canción de Autor-Trova-Pop  

Desde Cuba  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Martes 27  

Música  

Varios artistas  

Música Popular de Cuba  

Desde Cuba  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Miércoles 28  

Música  

Varios artistas  

Música de Concierto de Cuba  

Desde Cuba  

A las 20 h., a través de la señal 22.2  

Sábado 31  

Ópera – ¡Clic Clac!  

Escenia Ensamble  

TrasCandilejas: El Barbero de Sevilla  

Desde Guadalajara  

A las 14 h., a través de la señal 22.1  

Y a las 15 h., a través de la señal 22.2  

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Inclusión, prioridad en los Oscar

NUEVA YORK.– Cinco años después de la polémica sobre la exclusión de afroamericanos en los premios Oscar, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences revoluciona los criterios de inclusión para su premio más importante, el de Mejor Película.

En la primera acción concreta para responder a las presiones para promover la diversidad en el mundo del cine, la Academia anunció que, a partir de la edición 2024 de la entrega de premios, para ser incluido entre los candidatos a la estatuilla más deseada, un film deberá responder a al menos dos de los cuatro estándares aplicables, tanto frente a la cámara como en bambalinas.

En junio pasado, los organizadores de los premios habían hecho un anuncio previo sobre la reforma y no explicaron cómo sería aplicada. En su momento, hubo muchos aplausos pero también críticas y se desataron nuevas controversias.

La actriz, productora y guionista Kistie Alley, definió a la decisión como “orwelliana” y dijo que es “una desgracia para los artistas de todo el mundo”.

También criticó hasta el exdirector de Inteligencia estadounidense, Richard Grenell, quien afirmó -sin fundamento y si bien es abiertamente gay- que los nuevos criterios demuestran que “los demócratas controlan Hollywood”.

Entre los nuevos estándares solicitados por la Academia, se prevé que al menos uno de los actores protagonistas pertenezca a una minoría étnica. Como alternativa, el 30% del elenco deberá estar integrado por dos mujeres, personas LGBT, otras minorías y/o discapacitados. La iniciativa está inspirada en aquella adoptada en 2019 por el British Film Institute.

“La idea es reflexionar acerca de la diversidad de la población global tanto en la creación de películas como en el público”, dijeron el presidente de la Academia, David Rubin, y la directora ejecutiva, Dawn Hudson. Ambos desean que los estándares “oficien de catalizadores para cambios duraderos y esenciales en la industria del espectáculo”.

En tanto, a partir de 2022, y luego en 2023, cada candidatura a Mejor Película deberá estar acompañada por una declaración de aceptación de los estándares, un primer paso para alentar a los estudios a pensar concretamente cómo ser más inclusivos. Luego, a partir de 2024, cada película deberá responder a dos de los cuatro estándares: minorías representadas en el elenco;, en la dirección creativa; en las oportunidades de prácticas y aprendizaje; en los equipos de marketing, de comunicación y de la distribución.

Estos nuevos criterios habían sido una promesa en junio, tras las protestas por el asesinato del afroamericano George Floyd por parte de la policía blanca de Minneapolis.

La decisión es parte de los pasos que Hollywood se comprometió a dar hace cinco años tras la polémica #OscarSoWhite por no haberle entregado el Oscar a Selma, el film de la afroamericana Ava DuVernay sobre las marchas por el derecho al voto de los afroamericanos y, más en general, sobre la escasa presencia de películas protagonizadas, dirigidas y producidas por minorías en las nominaciones.

David Rubin, presidente de la Academia y Dawn Hudson (CEO)

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“Las tres vidas de Clara Schumann” esta noche solo por Film&Arts

Esta noche a las 21:00 horas por la telera nuestra de FILM&ARTS, se estrena en el ciclo SÁBADOS DE DOCUMENTALES, la producción LAS TRES VIDAS DE CLARA SCHUMANN. 

Esposa del compositor Robert Schumann, la vida de Clara es casi una leyenda. Aunque se conoce algo sobre su infancia austera, su extraordinario talento como pianista, algunas composiciones y su amor por su esposo y ocho hijos. Este documental pretende rastrear la vida de una mujer que algunos interpretan como moderna y segura de sí misma y que, a pesar de los importantes obstáculos de su tiempo, se convirtió en una superestrella en toda Europa.

Para el sábado 19 de septiembre a las 21:00 horas llega Miguelito Canto a Borinquen. Miguel Ángel Gonzáles Sánchez, apodado Miguelito, era un niño de Puerto Rico que ayudó a sostener a su pobre familia cantando en las calles. Allí fue visto por el legendario productor discográfico estadounidense Harvey Averne, quien contrató al niño de once años y produjo un álbum titulado Canto a Borinquen que es un culto para melómanos en América Latina. Un extraño episodio hizo que el niño desapareciera. En este documental, el cineasta Sam Zubrycki logra contactar a la familia para sacar a la luz la verdadera historia de una particular leyenda de la salsa.

Y el sábado 26 de septiembre a las 21:00 horas, finaliza el especial con Raúl Juliá: el mundo es un escenario, el documental que examina la vida y la carrera del inspirador artista, Raúl Juliá. Un carismático actor, que ganó reconocimiento en todo el mundo por su versatilidad en el escenario y en la pantalla antes de que su vida se viera trágicamente interrumpida a sus 54 años.

La historia de Raúl es de pasión, determinación y un poco de magia, todas las cualidades por las cuales sus actuaciones eran conocidas.  Sus papeles más conocidos incluyen las producciones históricas de Titus Andronicus, Two Gentlemen of Verona con Clifton Davis, The Taming of the Shrew con Meryl Streep y The Threepenny Opera, el musical de Broadway Nine y películas como Kiss of the Spider WomanMoon Over Parador, RomeroPresumen Innocent y The Addams Family.

¿DÓNDE VERLO?

Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

Sitio web: filmandarts.tv

Facebook: @FilmAndArtsTV 

Twitter: @FilmAndArtsTV 

Instagram: @filmandarts.tv

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Ahora sí abrirá el Museo Oscar para 2021 con expo de Miyazaki

LOS ÁNGELES.– Varias veces pospuesto y fuera de presupuesto, el Museo Oscar diseñado por Renzo Piano, abrirá sus puertas a finales de abril del año entrante, con una exposición inaugural dedicada al gran cine de Hayao Miyazaki. 

Los problemas de construcción antes y después de la pandemia habían retrasado al Museo de la Academia de Cinematografía durante años. Ahora, salvo imprevistos, el corte de cinta en el distrito de Miracle Mile, programado para el próximo diciembre, se estima para el 30 de abril con la primera exposición temporal dedicada al animador japonés ganador del Oscar en 2003 por El viaje de Chihiro.

La exposición está organizada en colaboración con Studio Ghibli del que Miyazaki fue fundador junto con su colega y mentor Isao Takahata: presentará 300 objetos relacionados con las películas del cineasta, muchos de los cuales salieron de Japón por primera vez. También habrá proyecciones de las obras maestras de Miyazaki, considerado uno de los más grandes, si no el más grande maestro del cine de animación vivo.

“Honrar la gran carrera de este destacado artista internacional es la forma más adecuada de abrir nuestras puertas, un símbolo del propósito global del Museo de la Academia”, dijo el director Bill Keller. 

La muestra se organiza como un recorrido por siete secciones, cada una centrada en un tema de la obra del cineasta de 79 año,s que en 2014 fue galardonado con el Oscar a la trayectoria. Una sección está dedicada a la colaboración con Takahata que dio lugar a obras maestras para la televisión como Heidi, otra fascinación ejercida en Miyazaki por complejas estructuras verticales.

El museo de la Academia estaba originalmente programado para abrir en 2017. En febrero, la noche de los Oscar, Tom Hanks anunció una nueva fecha de corte de cinta: diciembre. Pero luego estalló la pandemia, lo que obligó a un nuevo aplazamiento. 

El edificio futurista diseñado por Piano se eleva a poca distancia de Lacma (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), cuyo Resnick Pavilion también fue diseñado por el arquitecto genovés. En el proyecto Piano, las dos almas del edificio coquetean, apenas tocándose, gracias a los pasillos aéreos que conectan el ala histórica, creada en la sede de los grandes almacenes May de 1939 transformada en espacios expositivos, y una “nave voladora” desde la quese sube a un teatro con mil butacas que lleva el nombre de David Geffen, que en el futuro debería albergar la noche de los Oscar.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Un día en casa y Teatro en casa en tiempos de Covid-19, por Canal 22

A la positiva noticia de la reactivación teatral desde el próximo jueves a un 30 por ciento de capacidad en los recintos de la CDMX, para los telévoros que prefieren la sana distancia y permanecer en sus hogares, Canal 22 presenta el especial Contigo en la distancia, en el que a lo largo de varias emisiones se transmitirán las mejores propuestas de las convocatorias Un día en casa, de Canal 22, y Teatro en casa en tiempos del COVID -19, del Centro Cultural Helénico.

Contigo en la distancia es el nombre de la estrategia que la Secretaría de Cultura del Gobierno de México lanzó para acompañar a las familias y público mexicano durante la contingencia sanitaria por la presencia de COVID-19; en el marco de esta campaña, se lanzaron las convocatorias Un día en Casa y Teatro en casa en tiempos del COVID-19.

En la primera, Canal 22 convocaba al público en general a desarrollar su creatividad creando un cortometraje para frenar los contagios por COVID-19; en la segunda, el Centro Cultural Helénico invitó a familias a divertirse creando su propia obra teatral sin salir de su hogar, las seleccionadas recibirían la asesoría de dramaturgos, actores, escenógrafos y vestuaristas profesionales para realizar el montaje de su obra; en ambos casos las propuestas seleccionadas tienen como reconocimiento el que su trabajo se proyecte en la señal del Canal Cultural de México.

De esta manera, en la primera emisión de este especial, conducida por el director, productor y documentalista Roberto Fiesco, los creadores ganadores de la convocatoria Un día en casa presentarán sus proyectos, que incluyen los dos primeros lugares, segundo y tercer lugar, así como dos menciones especiales.

Los cortometrajes ganadores que se emitirán el domingo 23 de agosto son: Día 30, de Óscar García Sáenz y El segundo siete, de Jan Darío Rodríguez Swiecichowski en el primer lugar; Se tonal can calli (Un día en casa), de Misael Alva Alva, en el segundo lugar; Compañía de Miguel Ángel Fernández en el tercer lugar; y las menciones honoríficas La proyección, de Mauricio Ademir Ortega Pérez y Quizá salga hoy, de Gladys González Lizarraga.

Además, continuarán cinco programas más donde se darán a conocer aquellos materiales seleccionados por el jurado calificador de la convocatoria, de manera adicional a los ganadores.

A partir del 3 de octubre se transmitirán los proyectos ganadores de la convocatoria Teatro en casa en tiempos del COVID-19. El proceso implicó semanas de trabajo para consolidar cada obra de teatro. Fueron días de aprendizaje donde los intérpretes pudieron advertir el procedimiento que conlleva una puesta en escena semiprofesional.

Se trató de una muestra fehaciente del cúmulo de voluntades que se conjuntan para entretenerse, mejorar la convivencia familiar y adentrarse en el arte teatral.

Cabe recordar que estas son dos convocatorias emitidas como parte de Contigo en la Distancia, estrategia que es también una invitación permanente a los artistas y a la población para impulsar su creatividad y talento para desarrollar actividades y proyectos desde casa.

Desde su puesta en marcha en marzo pasado, se han emitido más de 20 convocatorias para artistas y público en general, por ejemplo, Movimiento de arte en casa que benefició a mil 351 creadores; Espacios Escénicos Independientes en Resiliencia benefició a 91 recintos independientes de espectáculos; mientras que en Alas de Lagartija. Libros de autor para todas las edades, resultaron seleccionados 10 proyectos, cada uno de los creadores literarios seleccionados recibió 21 mil pesos por obra, como pago único por los derechos de publicación de la misma. En total, se han dispersado alrededor de 40 millones de pesos.

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Yoko Ono, proactiva en la pandemia, crea dos estandartes para el MoMA

NUEVA YORK.- YOKO ONO, viuda de JOHN LENNON, sigue activa a los 87 años y creó dos grandes estandartes para el Metropolitan Museum de Nueva York -los primeros firmados por una artista en la historia de la institución- que desde hoy están instalados sobre la fachada principal de la Quinta Avenida.

La obra, llamada Dream Together (2020), ofrece a Nueva York y al mundo un mensaje de esperanza y unidad.

Creados por Yoko Ono en respuesta a la crisis del Covid-19, los estandartes están compuestos con letras negras sobre fondo blanco, y las palabras “dream” y “togheter”.

Soñar juntos es el mensaje enviado a transeúntes y visitantes desde donde usualmente, antes de la pandemia, gigantescas imágenes invitaban a visitar las principales muestras temporarias albergadas por el Met.

La propia Yoko, que este año celebra los 50 años del álbum John Lennon/Plastic Ono Band, explicó el significado de su creación, que se suma a las mascarillas de artista anti Covid A Piece of the Sky, diseñadas para el MoMA, el museo de arte moderno.

“Cuando soñamos juntos, creamos una nueva realidad. El mundo sufrió terriblemente, pero estamos juntos, incluso si a veces es difícil verlo, y la única vía de salida de la crisis será juntos. Cada uno de nosotros tiene el poder de cambiar el mundo”, afirmó.

La obra de Yoko dialogará hasta el 13 de septiembre con las cariátides de bronce The NewOnes, will free Us (2019), cuatro monumentales esculturas de la artista keniana-estadounidense Wangechi Mutu ubicadas desde hace un año en los nichos de la fachada Beaux Arts del museo, que recientemente compró dos para sus colecciones permanentes.

Para el presidente del Met, Daniel Weiss, la instalación es “un símbolo de la vida que está volviendo a Nueva York”. Después de haber recibido luz verde del gobernador Andrew Cuomo lla semana pasada, el museo reabrirá al público el 29 de agosto, con horario y accesos drásticamente reducidos.

Max Hollein, su director, definió la obra de Yoko como un “urgente, poético mensaje de unidad, positividad y aspiraciones”.

“Mientras el mundo comienza a salir lentamente de este tiempo de angustia, incertidumbre, aislamiento, Dream Together nos invita a honrar los desafíos, los sufrimientos y las pérdidas inspirando esperanza y reconociendo conexiones”, dijo Hollein observando que “durante 150 años el Met fue el lugar donde entrar en comunión con nuestra cultura local y con las culturas del mundo. Esperemos que esta obra conmovedora y optimista mande una señal de resiliencia y unidad para todos”.

CON INFORMACIÓN DE ANSA   

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“Poldark”, el drama épico y de aventura llega a su gran final por Film&Arts

POLDARK, el drama que llevó a más de 9.5 millones de británicos a estar frente al televisor finaliza con su quinta y última temporada por la telera nuestra de Film&Arts, desde esta noche a las 22:00 horas.

El caballero rebelde Ross Poldark una vez más se enfrenta en una aventura que decidirá el destino de Cornwall. De esta manera se podrán ver los últimos episodios los miércoles 5 y 12 de agosto. El episodio final se podrá ver el miércoles 19 a las 22:00 horas (MEX).

Ross Poldark es uno de los grandes héroes de la literatura: un caballero que también es un rebelde, y tiene un agudo sentido de la moral y la justicia social, pero sin astucia ni moralización. También es una gran figura romántica, atrapada entre dos mujeres de orígenes completamente diferentes. Un caballero que se casa con su sirvienta de cocina. Un hombre que no responde a ceremonias, que no cumple con las reglas y que a menudo no tiene autoridad. Tiene elementos de Darcy, Heathcliffe, Rochester, Rhett Butler y Robin Hood.

En la temporada final, la sospecha de un traidor y un posible complot lleva al pueblo de Cornwall a pender de un hilo y Ross Poldark deberá actuar para salvar todas las vidas posibles sin involucrar a Demelza que se enfrentará a peligros en el hogar.

¿DÓNDE VERLO?

Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

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Chiara Mastroianni, hija de famosos, sigue ganando adeptos en el cine

ROMA. – Es el HOTEL DE LOS AMORES PERDIDOS. En la habitación 212 (como el número del artículo en el código civil francés en el que se establece que los cónyuges se deben respeto, lealtad, ayuda, asistencia), se viven los límites entre presente y pasado.  Es el lugar donde María (una intensa e irónica Chiara Mastroianni, hija en la vida real de Catherine Deneuve y Marcelo Mastroianni) encuentra a su esposo de unos veinte años (Vincent Lacoste) y a los jóvenes amantes con quienes se ha ‘distraído’ a lo largo de los años. 

Mientras que desde la ventana puede seguir mirando hoy, observando hacia su departamento al otro lado de la calle donde su matrimonio con Richard (Benjamin Biolay) parece haberse derrumbado. Es la trama central de la película EL HOTEL DE LOS AMORES PERDIDOS, una comedia agridulce de Christophe Honoré.

La actriz Chiara Mastroianni, quien con la película ganó el premio a la Mejor Actriz en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes en 2019, destaca en la sexta película con Honoré. Una asociación que comenzó en 2007, que también incluye Les Biens-Aimés (2011) donde la actriz italiano-francesa protagonizó con su madre Catherine Deneuve. Y una vez más aparece la vida familiar y la mezcla de arte, porque en el papel de Richard, está el cantante y actor Benjamin Biolay, quien en realidad estuvo casado con Chiara Mastroianni de 2002 a 2005 y es el padre de su hija Anna.

“María es un personaje hermoso – explicó la actriz hace un par de semanas en la reunión en línea (desde su casa) organizada por el Lincoln Center en Nueva York -. Hay algo muy diferente en ella como persona, ella nunca actúa con un doble propósito. Fue maravilloso interpretarlo, tener su energía “. 

Chiara Mastroianni, de 47 años, no se ha conformado con ser solo la hija de Catherine Deneuve y Marcelo Mastroianni.

Con información de ANSA

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