Murió la actriz francesa Nathalie Delon, ex esposa de Alain Delon

PARIS.-La actriz francesa NATHALIE DELON, quien protagonizó las películas de Jean-pierre Melville The Samurai, murió este día en París a los 79 años. Su hijo, Anthony Delon lo dio a conocer: “Mi madre murió esta mañana a las 11 de la mañana, en París, rodeada de sus afectos. Estoy muy triste.

“Me hace mucho mal cuando se van los que he amado”, dijo por su parte quien fuera su esposo, Alain Delon. “Nathalie fue mi primera mujer y la única señora Delon”, agregó el actor.

La actriz participó en unos treinta filmes en papeles secundarios, hasta el inicio de los años 80 y después se desempeñó como realizadora.

Dirigió Llaman a eso un accidente (1982), y Sweet Lies, con Treat Williams, entre otras. Publicó sus memorias en 2006.

De origen español, nació con el nombre de Francine Canovas, el 1 de agosto de 1941 en Ojda, Marruecos. Llegó a París en 1962 tras separarse de su primer marido, Guy Barthélémy, con quien tuvo una hija.

Tenía 21 años cuando por azar conoció a Alain Delon en una discoteca parisina, cuando éste era novio de Romy Schneider.

Empezó una pasión clandestina hasta que Delon dejó a Romy para casarse con ella en agosto de 1964, en el mayor secreto.

La pareja viajó en el barco “France” en luna de miel y se instaló en Los Ángeles, donde, un mes más tarde, nació su hijo Anthony.

El fantasma de Romy Schneider planeaba sobre su relación. “Alain no me hablaba de ella, pero yo veía algunas veces una sombra de tristeza invadir su mirada”, afirmó mucho tiempo después.

Luego se deterioró su relación en la mansión en Hollywood donde vivían, pues Nathalie vivía atormentada por las conquistas efímeras de su marido. Se divorciaron en febrero de 1969. Alain Delon inició después una relación con la también actriz Mireille Darc. 

Pero “nos  veíamos con frecuencia. Hacía parte de su vida y ella de la mía. Estuvimos juntos en Navidad. Nos tomamos fotos, las últimas”, relató Alain Delon este jueves a la prensa parisina.

El papel de Jane en The Samurai de 1967 le dio notoriedad, pero luego Nathalie Delon hizo una treintena de películas, también haciéndose pasar por personajes no prominentes. En la década de 1980 pasó detrás de la cámara y escribió un libro de recuerdos en 2006.

Alain Delon dejó a Romy Schneide  para casarse con ella en agosto de 1964, y la pareja se mudó a Los Ángeles donde Anthony nació. Pero el fantasma de Schneider siempre estuvo presente en la relación entre los dos: “Alain – Nathalie dijo en una entrevista – nunca me habló de ella, pero de vez en cuando vi en su mirada una sombra de tristeza”.

En el set de The Samurai la tensión entre los dos ya era muy alta, el divorcio llegó en 1969. Nathalie se fue con su hijo, Alain comenzó su relación con Mireille Darc. Hace apenas un mes,publicó una foto de sus padres uno al lado del otro en Instagram.

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“Las ideas vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos”: David Lynch

HOLLYWOOD.- Lo llamaron el último hombre del Renacimiento, el auténtico surrealista americano, y el director más misterioso de Hollywood. De hecho, ninguna definición se ajusta plenamente al personaje y el talento de DAVID KEITH LYNCH, originario de Missoula, Montan, quien cumple este miércoles 20 de enero día 75 años.

A los 20 años, Lynch se mudó a Filadelfia para asistir a la academia de Bellas Artes. La pintura ha sido su pasión, durante la escuela secundaria aprendió a dibujar en la Escuela Corcoran en Washington, y considera a Francis Bacon “un héroe, el artista moderno más grande”.

En Filadelfia se apasionó por la imagen en movimiento y como un ensayo de fin de curso presenta el cortometraje Six Figures Getting Sick. “Fue sólo una de mis pinturas. Había una figura ocupando el centro del lienzo. Mientras miraba la figura de la imagen sentí un ligero cambio en el aire y atrapé un pequeño movimiento. Y quería que la imagen realmente pudiera moverse, al menos por un tiempo”.

A partir de aquí comienza para él una aventura todavía envuelta en misterio: aterrizó en Los Ángeles, en 1971, utiliza una beca del American Film Institute para comenzar a filmar su primer largometraje. El dinero se acaba y le tomará seis años para que Eraserhead vea la luz del día. El resultado se considera imposible de distribuir pero gracias a la ayuda de algunos amigos, Lynch logra proyectarlo en alguna habitación como un espectáculo de medianoche y, con la película en su maleta, aterriza en Europa en el Festival Fantástico de Avoriaz.

Con el aire perdido del provincial americano, sin siquiera un chaleco para defenderse del frío en los Alpes franceses, vaga entre cinéfilos y estrellas con el aire de un extraterrestre aterrizado en la tierra. La proyección de la película, una pesadilla surrealista con los ojos abiertos, filmada en blanco y negro y dominada por la aterradora encarnación de un feto de origen incierto (Lynch nunca revelará lo que es y lo enterrará en secreto organizando una vigilia fúnebre con la tripulación), resulta en un evento auténtico.

Eraserhead gana el premio, se convierte en un objeto de culto, despierta mil interpretaciones y durante diez años se proyectará por la noche en lo alto en muchas salas de arte estadounidenses. El director siempre se negará a explicar el significado de las imágenes subliminales e inquietantes que pasan por la película haciendo suya un mantra entonces respetado en el futuro (“las películas hablan por sí solas, inútiles para solapar intenciones y explicaciones”) tanto que ninguna de sus obras distribuidas en video casero contiene entrevistas explicativas.

Además, todo su arte es de experiencias visuales, meditación, viajes a las obsesiones inconscientes y juveniles, como para recrear el tejido emocional de una generación y de la América profunda. No es casualidad que sus mayores éxitos, desde Blue Velvet hasta The Secrets of Twin Peaks se encuentran en pequeños pueblos aislados, entre el frío de las montañas y las grandes llanuras del noroeste.

El punto de inflexión en la carrera cinematográfica de David Lynch llega con la segunda película, Elephant Man (1980) para la que, gracias al compromiso de amigos y colaboradores con los que formó una especie de “familia artística” que durará con el tiempo, llama la atención de Mel Brooks. El director de Frankenstein Junior, después de ver la primera película del forastero de Filadelfia, acepta producirla: a cambio obtendrá nueve nominaciones al Oscar por una película en blanco y negro ambientada en el Londres victoriano y entregará a Hollywood la nueva estrella del momento.

Paradójicamente, la oportunidad de la vida se convertirá en el mayor fracaso de Lynch. Dino De Laurentiis le da el proyecto de la vida: la adaptación de una saga visionaria como Dune de Frank Herbert. Luchando con un presupuesto de éxito (45 millones en 1984) y la presión de los medios de comunicación, el director se pierde y no será apreciado ni por el público ni por la crítica, sin emplear los recortes impuestos por De Laurentiis y también por la versión más larga preparada para la televisión. Al borde de una profunda depresión y listo para volver a sus viejos amores (pintura, pero también la música que lo verá emerger como compositor y voz solista), David Lynch trae a De Laurentiis un nuevo guion, casi en compensación por el fracaso anterior.

En un entorno nostálgico del clásico noir, puso en Blue Velvet (1986) todas sus obsesiones, los fantasmas de los pueblos de montaña en los que creció, los sonidos de la América de los años 50, la fascinación del mal y las misteriosas damas oscuras. Elige a actores baratos como el olvidado Dennis Hopper, su icono Isabella Rossellini, el joven Kyle McLachlan descubierto en Dune; conoce al músico Angelo Badalamenti que hará su fortuna, paga la confianza del productor con un verdadero triunfo crítico y la segunda (de tres) nominaciones al Oscar al Mejor Director.

Tres años más tarde, el productor Mark Frost le abrió las puertas con la serie de ABC The Secrets of Twin Peaks: los estadounidenses nunca habían visto nada parecido y la serie se convertirá en el punto de referencia de toda la ficción de principios de siglo, así como la obsesión del director por volver a sus personajes en Fire Walks With Me (1992) y los nuevos Twin Peaks de 2017.

Mientras tanto, ganó la Palma de Oro en Cannes con Wild Heart, hizo el noir más misterioso de los años 90 (Lost Roads y Mulholland Drive), dado rienda suelta a su fantasía surrealista con Inland Empire, ganó un León de Oro en Venecia en 2006.

El Premio de la Academia de Carrera 2019 pone fin a su talento. Pero fuera del cine se ha consolidado, mientras tanto, como un artista destacado con exposiciones en todo el mundo (famosa la colaboración con Loubotin para las instalaciones de Fetish), discos y videos experimentales, dignos de un genio sin esquemas ni límites.

“Las ideas -dice de sí mismo- vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos.”

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Steven Spielberg, el cineasta de los récords, celebra 75 años de vida

ROMA.- Incluido por la prensa internacional entre los 100 genios vivientes, y por la revista Forbes entre los 500 hombres más ricos del mundo, con un patrimonio que supera los 3 mil millones de dólares, el productor y realizador estadounidense STEVEN SPIELBERG cumple este día 75 años consagrado como un mito del cine.

Nacido en Cincinnati el 18 de diciembre de 1946, Spielberg tiene en su haber 57 películas realizadas, 179 producciones dirigidas con éxito y unos 40 proyectos abandonados (o cedidos a otros).

Conviven en Spielber el soñador y el hombre de negocios, el jovencito que vive en una nube y el perfecto liberal estadounidense, el eterno muchacho aún signado por el racismo y el bullying que le hicieron un infierno la adolescencia y el “pater familia” que trajo al mundo cuatro hijos, con dos mujeres distintas, y tiene otros tres adoptados con su actual pareja, Kate Capshaw.

En el día de su cumpleaños todos estarán a su alrededor y no faltaran los mensajes de augurio de sus amigos más queridos: George Lucas, Martin Scorsese, Francis Coppola, todos unidos por la etiqueta de “movie brats”, los campeones de la Nueva Hollywood en sus comienzos en los años 70.

Pero el demonio de la dirección se había apoderado del joven Steven mucho antes. Hijo de un ingeniero electrónico y de una pianista -ambos judíos-, “esclavizó” a todos desde niño, dirigiéndolos en un corto rodado con una cámara 8 mm.

Los temas del entonces joven Steven fueron siempre aventureros y épicos, incluso tras al traslado de la familia a Nueva Jersey, donde la etiqueta de “sucio judío” hería a diario al adolescente Spielberg, oscureciendo también el tono de sus historias.

En 1957, a los 11 años, rodó un catastrófico choque entre dos trenes de juguete (The Last Train Wreck) y luego un western (The Last Gun), donde también actuó.

En 1961 realizó su primer mediometraje, un relato de guerra filmado en su casa, llamado Escape to Nowhere.

La influencia de su amado David Lean se funde con su pasión por las historietas de ciencia ficción y de aventura: simuló un incidente entre aeroplanos filmando en el aeropuerto de Phoenix, y adaptó una historia escrita por su hermana Nancy en Firelight, una saga futurista de 140 minutos que su padre hizo proyectar en un cine alquilado para la ocasión.

En compensación, no se destacó como estudiante modelo en Saratoga y en Los Ángeles, donde asistió con poco provecho a la universidad estatal. Prefirió pasar sus jornadas de estudio en Universal, donde se fingió empleado durante meses hasta que, descubierto, indujo al jefe de personal a contratarlo realmente.

Su historia de amor con el cine está emparentada con numerosos récords: a los 22 años debutó con su primer “corto” profesional (Amblin), que le valió un contrato de siete años con Universal.

Dos años después dirigió el episodio piloto de la serie El teniente Colombo, y logró financiación para su primer filme, Duel, comprometiéndose a rodarlo en diez días a partir de un relato de Richard Matheson, que escribió el guion con él.

Entregó la película terminada en 13 días, dejando con la boca abierta a los productores, que decidieron distribuirlo primero en el cine y solo después en televisión.

Duel le ganó también la estima de su amigo George Lucas, quien había apostado a su fracaso y en cambio terminó dándole un porcentaje de la recaudación del primer episodio de “La guerra de las galaxias”.

Luego de una road movie al estilo de la Nueva Holllywood, Sugarland Express, invitada a Cannes en 1974, concluyó de hecho ese movimiento llevando al éxito planetario Tiburón, en 1975, con 470 millones de dólares de recaudación y una cosecha de tres Premios Oscar.

Dos años después, en 1977, reescribió el modelo de la ciencia ficción Encuentros cercanos del tercer tipo, con su actor fetiche Richard Dreyfuss y uno de sus autores predilectos, François Truffaut.

A principios de los años 80 batió otros dos récords: coronó su sueño de autor con el triunfo de E.T. El Extraterrestre, que lo llevó a la historia del cine, y dirigió para su amigo, el productor Lucas, el primer episodio de la saga de Indiana Jones.

Tras Los cazadores del arca perdida filmará otros tres episodios y tiene otros dos guiones en el cajón.

En 1985 mostró por primera vez su lado más comprometido con El color púrpura, dedicado a los temas de la esclavitud en Estados Unidos”. El filón del compromiso civil dará obras como Amistad, Lincoln, The Post y sobre todo La lista de Schindler, la obra maestra de 1993 con la que ganó dos Premios Oscar, como Mejor Película y Mejor Director.

En esa ocasión donó toda su ganancia a una fundación en memoria de la Shoah, considerando que ese dinero estaba “teñido de la sangre” de las víctimas. Pero en el mismo año confirmó su vocación de realizador de éxitos de taquilla con una historia de dinosaurios ideada por Michael Crichton: Jurassic Park fue su mayor éxito comercial.

En 1998 logró otro récord, el filme de guerra más verídico jamás filmado, Salvar al soldado Ryan, con el que ganó otro Oscar (cuatro en total hasta ahora).

La pandemia frenó el estreno de su nuevo trabajo como director y productor, una ambiciosa remake del musical West Side Story, con un joven elenco de actores, cantantes y bailarines de toda etnia, rodado íntegramente en Nueva York y con la aparición de Rita Moreno, descubierta por Robert Wise en el film original, que cumplirá 60 años en 2021.

El estreno de la remake parece reservarse ya un récord de candidaturas al Oscar para el año próximo.

 “Mi mamá -contó el realizador a Vanity Fair– era una pianista clásica. Nuestra casa estaba llena de álbumes de música clásica. La columna sonora del musical fue el primer álbum de música popular que mi familia haya dejado entrar en casa alguna vez. De niño, me enamoré de ella por completo. La de West Side Story es una tentación que me acompañó mucho tiempo y a la que finalmente cedí”.

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Sophia Loren podría romper un récord si es nominada al Oscar

HOLLYWOOD.– Un año singular en la historia del Premio Oscar, podría ocurrir cuando en la carrera por Mejor Actriz, figuran veteranos de la actuación, como Meryl Streep, Michelle Pfeiffer y Ellen Burstyn, agregándose a la selecta Sophia Loren, con su actuación en La vida antes de ella, de Edoardo Ponti.

La revista Variety ubicó a la diva italiana en la lista de aspirantes a Oscar para la película dirigida por su hijo, que estará en Netflix a partir del 13 de noviembre.

”La actriz italiana -reseña Variety- ganadora del Oscar, consiguió su estatuilla de oro para La ciociara en 1962, lo que la convirtió en la primera actriz en ganar un Oscar para una película en lengua extranjera. Obtuvo otra nominación en 1965 para Italian Wedding y si logra obtener una nominación para Life Ahead of Herself, podría surgir un nuevo récord.

En 2021, serán 56 años desde la última nominación de Sophia Loren, de ser así romperá el récord actual de Henry Fonda como la brecha más larga entre la primera y la última nominaciones. Fonda fue nominado por primera vez en 1941 por Furore y ganó el Oscar en 1982 por On the Golden Lake, un intervalo de 41 años.

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Pier Paolo Pasolini, sus reflexiones vivas a 45 años de su asesinato

ROMA.- ”Reunión en sí misma y pensando” es un verso de La mejor juventud, de principios de 1950, cuyo autor es PIER PAOLO PASOLINI, quien este día, a 45 años después de su muerte, de su asesinato el 2 de noviembre de 1975, recuerda al poeta, realizador y cineasta reflexivo que da vida al corsario intelectual que ataca el conformismo de lo bien pensado, las ideas y el ser de la pequeña burguesía dominante y el poder de los palacios que son la expresión.

”Contra todo esto no debes hacer nada más que simplemente seguir siendo tú mismo: lo que significa ser continuamente irreconocible. Olvidar inmediatamente los grandes éxitos: y continuar sin temor, obstinado, eternamente opuesto, a exigir, querer, identificarse con los diferentes; escandalizar; a la blasfemia”, como dice uno de sus últimos escritos, preparado para un discurso en el Congreso del Partido Radical.

También es la forma de ser de PASOLINI, su escándalo con ideas como con su vida y homosexualidad, junto con sus poemas, sus novelas, sus películas y, sobre todo, los innumerables escritos críticos, teóricos y civiles sobre las artes y la sociedad, que lo han transformado en una presencia constante, casi siempre creciendo, del debate cultural no sólo italiano, un punto de referencia y una presencia siempre viva entre estudiosos y estudiantes, así como nos quejamos de cómo la gran parte de la cultura literaria del siglo XX se olvida de manera.

Los muchos y diferentes escritos, recogidos en diez volúmenes del Meridiani Mondadori, de este ”poeta, filólogo y chamán, pedagogo socrático y mártir en el sentido literal del término (es decir. ‘testigo’)’,como lo resume Valerio Magrelli, que murió a los 53 años, sigue suscitando lecturas e interpretaciones, yuxtaposiciones e ideas que muestran la fuerza y el núcleo universal incandescente en nuestro mundo de sus visiones, sus ideas, sus profundos análisis revelados son casi profecías sobre la sociedad industrial que todavía nos hablan en nuestra civilización electrónica.

Nacido en Bolonia el 5 de marzo de 1922, PASOLINI vivió en los años 40 en Casarsa, en Friuli, con su amada madre y hermano y se fue en 1950 a Roma, para escapar del escándalo causado por la denuncia pública de ”corrupción de menores” vinculado a su homosexualidad y su profesión como profesor, que también le costó la expulsión del Pci. En la capital cada vez más, a lo largo de los años, su historia biográfica se identifica con ese escritor, artista, erudito e intelectual a menudo agitado, comprometido a testificar y defender, incluso en la corte, su diversidad radical, hasta su muerte en la noche entre el 1 y el 2 de noviembre de 1975 en el hidroscalo de Ostia, asesinado por uno o más de sus ”chicos de la vida”.

PIER PAOLO PASOLINI, hombre de tempestades.

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La fascinación por Federico Fellini en el centenario de su natalicio

RIMINI. – La fascinación por el misterio, la cuestión de la trascendencia, la atracción por otras partes del cine de FEDERICO FELLINI, es el hilo conductor del fin de semana inaugural de una cartelera dedicada del Festival de Rimini al director en el centenario de su nacimiento, con 25 citas en dos meses, y que culminará a principios de 2021 con la inauguración del Museo Internacional Federico Fellini.

Este viernes 9 de octubre en el cine Fulgor será Igort, uno de los dibujantes italianos más conocidos y director de Linus, quien contará ‘su’ Fellini, una ‘devoción’ que le llevó a reinventar unos famosos carteles de Fellini con otros cuatro diseñadores: cinco Placas originales hechas para el Museo Fellini y vista previa en Rimini. 

El sábado 10 el Museo de la Ciudad acogerá una conferencia sobre Fellini y lo Sagrado y un diálogo con Pupi Avati, mientras que el 27 de octubre en la Cineteca Municipal comenzará una exposición sobre Fellini y el psicoanálisis, con tres películas – Il Bidone, Las tentaciones del Dr. Antonio, Y el barco se va – comentaron los psicoanalistas.

Una sección del programa estará dedicada, a partir del 30 de octubre, a la presentación de libros y proyectos de investigación dedicados a la obra de Fellini y su patrimonio artístico. 

El teatro Galli animará su escenario con algunos espectáculos inspirados en el arte visionario de Fellini: en particular, el sábado 31 de octubre, en el 27 aniversario de la muerte del director, se escenificará un homenaje con las melodías de Nino Rota interpretadas por Federico. Mondelci & Le Muse Ensemble. Incluso Amarcort Film Festival, como todos los años, dedicará parte de su programación a Fellini: el 24 de noviembre en el cine Fulgor el dibujante Milo Manara recibirá el premio A Fellini en el mundo 2020. De la amistad entre Manara y Fellini cobraron vida dos obras maestras del cómic mundial: Viaje a Tulum.

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Kate Winslet y Saoirse Ronan estrenarán la polémica Ammonite

LONDRES.KATE WINSLET y SAOIRSE RONAN protagonizan AMMONITE, la nueva película del director británico Francis Lee cuyo tráiler acaba de ser estrenado, que explora la relación imaginaria entre la paleontóloga Mary Anning (Winslet). y otra mujer, Charlotte Murchison, interpretada por Ronan.

Con posibilidades para competir por un Oscar, la película se presentará en septiembre en Toronto y en octubre en el Festival de Cine de Londres.

La paleontóloga Anning, quien vivió en Dorset en la primera mitad del siglo XIX, fue rechazada por los científicos de la época y sólo más recientemente se ha reconocido el valor de sus descubrimientos. 

El cineasta Francis Lee, quien se hizo famoso en 2017 con su historia de amor gay La tierra de Dios, fue criticado el año pasado luego de revelar el tema de Ammonite por parte de una descendiente de la paleontóloga, Barbara Anning, quien calificó la trama de “sensacionalista”, “porque” no hay evidencia de que Mary fuera lesbiana. Lee defendió su elección en Twitter: “Después de presenciar la rutina rectificada de la historia gay a través de la cultura, y dado que no hay evidencia de que Anning tuviera relaciones heterosexuales, debería permitírsele verla en el cine”.

Su película, había especificado Lee, no era una biografía en imágenes: siguiendo el ejemplo de la vida del científico, estaba destinada a ser una investigación sobre las relaciones entre personas del mismo sexo en el siglo XVIII. 

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A sus 71 años, Merryl Strepp más allá del bien y del mal de Hollywood y el Oscar

HOLLYWOOD.- Reconocida por unanimidad como una de las principales estrellas de Hollywood, MERYL STREEP tiene el récord de nominaciones al Oscar, 21 en total, más que cualquier otro actor o actriz en la historia, ganando tres estatuillas como Mejor Actriz de Reparto por Kramer contra Kramer (1979) y Mejor Actriz Principal por Sophie’s Choice (1982) y The Iron Lady (2011). 

STREEP Es la única actriz que ha sido nominada a un Oscar por películas producidas en cinco décadas, es decir, en los setenta, ochenta, noventa, dos mil dos mil diez. También es una de las siete actrices (junto con Helen Hayes, Ingrid Bergman, Maggie Smith, Jessica Lange, Cate Blanchett y Renée Zellweger) que ganó el Oscar como Mejor Actriz Orincipal y Mejor Actriz de Reparto. 

Las otras películas para las que fue nominada a un Oscar son The hunter (1978), La mujer del teniente francés (1981), Silkwood (1983), My Africa (1985), Ironweed (1987), A cry in the night ( 1988), Postcards from Hell (1990), Madison County Bridges (1995), The Voice of Love (1998), Music of the Heart (1999), The Orchid Thief (2002), The Devil Wears Prada ( 2006), The Doubt (2008), Julie & Julia (2009), The Secrets of Osage County (2013), Into the Woods (2014), Florence (2016) y The Post (2017). 

Streep es particularmente conocida por su capacidad de adaptarse de manera camaleónica a los roles que interpreta. También tiene un récord de 31 nominaciones al Globo de Oro y 9 victorias (incluida una para su carrera). También es ganadora de dos premios Screen Actors Guild Awards, dos Critics Choice Awards, tres Premios Emmy, un Premio en el Festival de Cine de Cannes, dos Premios BAFTA, un Oso de Oro (Lifetime Achievement) y un Oso de Plata en el Festival de Berlín. Recibió el AFI Life Achievement Award en 2004, el Kennedy Center Honor en 2011 y el Golden Globe for Lifetime Achievement en 2017 por su contribución a la cultura estadounidense a través de las artes escénicas.

De cara ovalada, nariz larga y delgada, ojos penetrantes, Streep es una belleza poco convencional que siempre ha caracterizado cada papel. En 2018, Meryl Streep volvió a interpretar a Donna Sheridan en Mamma Mia. 

 Está casada con Don Gummer, tiene cuatro hijos y un nieto.

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Chiara Mastroianni, hija de famosos, sigue ganando adeptos en el cine

ROMA. – Es el HOTEL DE LOS AMORES PERDIDOS. En la habitación 212 (como el número del artículo en el código civil francés en el que se establece que los cónyuges se deben respeto, lealtad, ayuda, asistencia), se viven los límites entre presente y pasado.  Es el lugar donde María (una intensa e irónica Chiara Mastroianni, hija en la vida real de Catherine Deneuve y Marcelo Mastroianni) encuentra a su esposo de unos veinte años (Vincent Lacoste) y a los jóvenes amantes con quienes se ha ‘distraído’ a lo largo de los años. 

Mientras que desde la ventana puede seguir mirando hoy, observando hacia su departamento al otro lado de la calle donde su matrimonio con Richard (Benjamin Biolay) parece haberse derrumbado. Es la trama central de la película EL HOTEL DE LOS AMORES PERDIDOS, una comedia agridulce de Christophe Honoré.

La actriz Chiara Mastroianni, quien con la película ganó el premio a la Mejor Actriz en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes en 2019, destaca en la sexta película con Honoré. Una asociación que comenzó en 2007, que también incluye Les Biens-Aimés (2011) donde la actriz italiano-francesa protagonizó con su madre Catherine Deneuve. Y una vez más aparece la vida familiar y la mezcla de arte, porque en el papel de Richard, está el cantante y actor Benjamin Biolay, quien en realidad estuvo casado con Chiara Mastroianni de 2002 a 2005 y es el padre de su hija Anna.

“María es un personaje hermoso – explicó la actriz hace un par de semanas en la reunión en línea (desde su casa) organizada por el Lincoln Center en Nueva York -. Hay algo muy diferente en ella como persona, ella nunca actúa con un doble propósito. Fue maravilloso interpretarlo, tener su energía “. 

Chiara Mastroianni, de 47 años, no se ha conformado con ser solo la hija de Catherine Deneuve y Marcelo Mastroianni.

Con información de ANSA

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