“A ALGUNOS LES GUSTA EL CALOR”, LA PELÍCULA TIENE 60 AÑOS.

LOS ÁNGELES.-El papel de ‘Daphne’ en ‘Some Like It Hot’  (Una Eva y dos Adanes), tenía que ser Jerry Lewis , pero el popular actor se negó porque no quería vestirse como una mujer. Jack Lemmon, quien por esa interpretación recibió una nominación al Oscar, cada año le envió una caja de chocolates a Lewis, en su cumpleaños, para agradecerle por rechazar el papel. Y esta es solo una de las muchas curiosidades relacionadas con la película de Billy Wilder que el American Film Institute ha incluido en el ranking de las mejores cien películas estadounidenses de todos los tiempos y que este año marca el sexagésimo aniversario del lanzamiento. ‘A algunos les gusta el calor llegó a los teatros estadounidenses el 29 de marzo de 1959, después de tres meses de trabajo, y aterrizó en Italia en septiembre de 1959.

Considerada una de las mejores comedias de la historia del cine estadounidense, la película ganó un Oscar y tres Globos de Oro, incluido el Globo de Oro a la mejor actriz Marilyn Monroe y al mejor actor de Jack Lemmon, quien también recibió un premio por su actuación. BAFTA. En 1989 fue elegido para la conservación en el Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

Filmada en 35 mm, la película debería haber sido en color, de acuerdo con el contrato que contemplaba cómo todas las películas en las que Marilyn Monroe jugaba eran en color, pero Wilder logró convencerla de que filmara la película en blanco y negro, porque las pantallas las pruebas revelaron que la composición de Jack Lemmon y Tony Curtis, en el papel de ‘Daphne’ y ‘Josephine’ les dio a sus rostros un tinte verdoso.

La película retoma una noticia que realmente sucedió y la vuelve a trabajar de acuerdo con los cánones de la farsa estadounidense, con malentendidos, disfraces y gags memorables.

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La historia es la de dos músicos de jazz sin un centavo que en 1929 Chicago son testigos involuntarios de la masacre del Día de San Valentín. Escapados milagrosamente, pero conscientes de ser cazados por la pandilla de Ghette Colombo, ejecutora de la masacre, intentan desaparecer disfrazándose de dos músicos de jazz, Josephine y Daphne, y comenzando con una orquesta femenina en Florida. Transformar a Tony Curtis y Jack Lemmon en dos chicas convincentes se dice que el director, después de haberlos arreglado y vestido, obligó a los dos actores a hacer un giro para que los estudios demostraran la credibilidad del disfraz. 

Para ayudar a Lemmon y Curtis a actuar como una mujer, Wilder llamó a Vander Clyde., mejor conocido como Barbette, que era un especialista en personajes femeninos. Tony Curtis dirá que también se inspiró en Grace Kelly y su madre, mujeres elegantes y compuestas, mientras que el personaje de Jack Lemmon es más llamativo y desgarbado. Para los disfraces, se decidió recurrir a Orry Kelly, uno de los mejores sastres de la época, que diseñaba prendas de mujer basadas en la composición de Lemmon y Curtis.

Para las escenas en las que Tony Curtis pretende ser un multimillonario, el actor dijo, entonces, que se inspiró en Cary Grant, en el vestido, en la postura y en la forma de hablar. La filmación de la película, según las historias que hicieron a los dos actores, pero también a Billy Wilder, no fue fácil. Marilyn no abandonó los caprichos de una diva y, para empezar, el conjunto tenía que organizarse en Hotel Del Coronado en San Diego, California, porque la actriz no quería moverse y quería estar cerca del escenario. A pesar de esto, todas las mañanas se presentaba al menos dos horas tarde y, a menudo, por capricho, se negaba a abandonar el camerino.

La escena en la que el jugador de ukelele Zucchero (Marilyn Monroe), huyendo de los asuntos de amor equivocados y en busca del príncipe azul, debe preguntar: “¿Dónde está el bourbon?” Fue filmada 59 veces porque la actriz olvidó la broma. , o se confundió, hasta que se introdujo una pizarra en la que estaban escritas sus líneas. Las pizarras se colocaron en un punto en el set lejos de los disparos, pero a menudo en la película vemos que Marilyn sigue el guión con sus ojos.

Wilder finalmente declaró que trabajar con ella “Era como estar en vuelo, con un loco en el avión”. Luego también dirá:” “Es difícil hablar de Marilyn, fue tan encantador; fue difícil trabajar con ella pero, de una forma u otra, lo que salió de la pantalla fue increíble. resplandor emitido”. La banda sonora es obra de Adolph Deutsch y para ayudar a Marilyn a cantar, usó a Judy Garland, quien le dio algunas lecciones. La broma que cierra la película es memorable ”Bueno, nadie es perfecto ” (bueno, nadie es perfecto), incluido en el ranking de los mejores cien bares del cine estadounidense.

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“Artes”, en la señal 11.1, a partir del viernes 1 de febrero

Canal Once te lleva a explorar recintos, obras y artistas de México, con el estreno de la cuarta temporada de a las 13:00 h, con repetición los domingos a las 14:00 hrs.

Serie documental coproducida con Estudio Rizoma, en colaboración con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), que ofrece un recorrido a través de museos, galerías, teatros, escuelas y otros recintos culturales significativos, para mostrar la belleza del arte en diversas manifestaciones.

Esta nueva entrega de la televisora del Instituto Politécnico Nacional divide los programas en tres bloques que incluyen el testimonio de creadores, especialistas y funcionarios; la descripción de obras y recintos orgullosos de su acervo; además, el registro de presentaciones y diversas actividades culturales.

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“Artes” es una ventana abierta a los artistas y sus obras, a los procesos de creación en distintas disciplinas y al conocimiento del arte en general, que muestra en exclusiva trabajos como los de Vassily Kandinsky, pionero de la abstracción, con una exitosa exhibición en el Museo del Palacio de Bellas Artes; la puesta en escena del clásico “Blanca Nieves”, de la Compañía Nacional de Danza; la instalación de la obra del escultor y pintor mexicano Jorge Marín en la explanada del Palacio de Bellas Artes, y las disciplinas que se imparten en las Escuelas de Iniciación Artística y Literatura del INBA, entre muchos otros.

Aprecia la variedad de expresiones artísticas dedicadas a la difusión del patrimonio cultural, con el estreno de la cuarta temporada de “Artes”, por Canal Once, a partir del viernes 1 de febrero a las 13:00 h, con repetición los domingos a las 14:00 hrs.

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Adiós Bernardo Bertolucci

ROMA.- El gran maestro del cine italiano Bernardo Bertolucci falleció en Roma a los 77 años de edad. Lo reportó el diario La Republica.

Nacido en Parma el 16 de marzo de 1941, Bertolucci era hijo del poeta Attilio y de Ninetta Giovanardi. Crecido junto a su hermano Giuseppe (también él director cinematográfico y conocido autor teatral), era además el nieto del productor de cine Giovanni Bertolucci.

El fallecido director fue el creador de verdaderas joyas de la pantalla grande como “El último tango en Paris”, “Novecento”, “Los soñadores” y “El último emperador” con la que ganó un oscar como mejor director en 1987.

Desde temprana edad respira el aire del cine en su casa, que de adolescente lo empujará a hacer cortometrajes en 16 mm como Death of a pig y La teleferica (1956-1957), filmada en la casa de Casarola sull’Appenino Emilia. Decisivo para su carrera una amistad, que con Pier Paolo Pasolini, le presentó a él su padre cuando el director se llevará a casa junto a ellos.

lvCvpre3fEyq1oiOI6sbUmP7YU5.jpgEl cineasta Bernardo Bertolucci admitió que la escena de abuso sexual a María Schneider en “El último tango en París” fue real. La secuencia fue realizada sin la aprobación de la actriz francesa, ya que tanto Marlon Brando como el director italiano pactaron no contarle lo que iba a suceder.

La escena más famosa de la cinta, en la que el personaje interpretado por Marlon Brando viola analmente a la coprotagonista usando mantequilla como lubricante, estaba fuera de libreto.

“No quería que Maria fingiese la humillación, quería que la sintiera”, confesaba Bertolucci en una entrevista en La Cinémathèque Française de París.

Sin embargo, ante la viralización este año, del video de una entrevista en la que Bertolucci admite que se humilló a la actriz Maria Schneider durante la escena de violación de la cinta, el cineasta salió a hablar y rechazó que se haya tratado de una violación, como han catalogado y repudiado diversas estrellas de Hollywood.

Según el portal TVyN, en un comunicado que el director hizo llegar a los medios de comunicación de Roma, aclaró que la actriz Maria Schneider sí estaba enterada de la violencia a la que sería sometida por el actor Marlon Brando durante la escena, ya que ella leyó el guión.

“He dicho, pero tal vez no he sido lo suficientemente claro, que decidí no informar a Maria del uso de la mantequilla. Queríamos que tuviera una reacción espontánea a ese uso impropio”, expresó el director en el comunicado.

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Salen a dar amor con su teatro

En el  Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro

Como pocas veces sucede en el teatro infantil, actuado por niños, con esta versión de Salir al mundo estamos ante un trabajo creativo de actores: intérpretes en cabal sentido.

Se dice fácil, pero quienes nos dedicamos a estos menesteres sabemos lo que implica esa tarea. Ante ello, uno vuelve a revisar el programa y confirma que no se trata de una compañía capitalina, sino la de una ciudad del norte del país que ha sido azotada por la violencia del crimen organizado y que el centralismo cultural tiende a ignorar con regularidad.

La compañía de Teatro Infantil “Tomás Urtusástegui” de Reynosa, Tamaulipas, ha venido a ofrecernos un montaje de una obra autoría de la mexicana Berta Hiriart, que más que digno, supera cualquier expectativa de lo que el público pueda considerar “para niños”. Es una historia que habla acerca de cómo prepararse para vivir en la sociedad a través de un aventurero, y sus conmovedores personajes, y de la importancia de los referentes que habrán de moldear su vida (como sus padres).

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Debo apartar el extraordinario trabajo de Martha Valdivia, la directora de escena y de la compañía. No sólo es pulcro, brillante como pocos en su tipo, sino a todas luces especializado, ¿en qué sentido? Si la tarea de dirección requiere de talento, estudio y experiencia, la de dirigir a niños se cuece aparte.

Sobre todo si lo que se propone en escena no parte del prejuicio de tratar de discapacitados a los infantes o del reduccionismo de creer que  sus ejecutantes están limitados a interpretar. Aquí a los niños se le trata como lo que son pero los asume como entes con poder creativo. Hemos visto pasar en este Encuentro varios trabajos similares que convierten a este montaje, en una excepción a la regla.

El trabajo de Valdivia lo lleva más allá, no hubo traspié en la memoria de sus actores (que oscilan entre los 11 y los 4 años), todos están en perfil y situación dramática, no escupen texto, se nota que entienden lo que dicen y el público lo goza y celebra. Un ojo agudo es capaz de advertir que hay un TRABAJO previo, exhaustivo, paciente, constante y absolutamente amoroso de la tamaulipeca en su quehacer con cada uno de sus actores: dicción pulcra, corrección de tonos y dotado de detalles. Son conmovedores no por su cualidad de niños sino por su calidad escénica. Debo destacar el trabajo de Alondra Vega.

La puesta en escena no aborda temas sencillos, pero acude a símbolos fácilmente entendibles, y la selección musical es de buen gusto, original en la mayoría de las piezas de Michael Giacchino (el compositor de célebre animaciones como Up! y Coco), que esperemos que en su programa regular de temporada se le refiera el crédito de autoría.

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Sin duda es uno de los mejores trabajos que hemos presenciado en este XXX Encuentro Nacional. Es verdad que entre el público se encontraban familiares de los actores (quienes viajaron dieciséis horas en carretera para la presentación en Ciudad de México), pero también había público ajeno y expectante de encontrar buen teatro. Todos, de pie y con el mismo entusiasmo, dedicaron genuina ovación.

¿Qué pasaría si más teatro como este inundara las escuelas, las ciudades y las localidades rurales del país en lugar de dejar que su juventud se entregue al ocio y a los brazos del crimen? Al menos estos niños de Reynosa, demuestran que hay otro camino y están preparados para salir al mundo y entregar amor con su teatro.

Cobertura . Daniel Lares Muñoz / Fotografías: Homero Martín.

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Estreno teatral “Del manantial del corazón”…del corazón de Yucatán

El olor a incienso y copal inunda el espacio cuya composición delata el costumbrismo que nos espera. Cuatro cruces vestidas con huipiles mayas a las que corresponden mesas con altares, enmarcan el espacio. Al centro un mueble rectangular tejido en mimbre. Mujeres en huipil y concentradas en rezos, llevan consigo la contradicción del mestizaje.

 

“Una mujer a la que le matan un hijo, es muy propensa a quedar loca”

Le obra discursa en la pérdida de un hijo desde la óptica de un grupo de mujeres mestizas de la zona maya yucateca, con su particular visión, ingenuidad, candidez, y desde sus prejuicios y su ignorancia. Si ser mujer en las urbes de hoy todavía presenta condiciones hostiles en muchas áreas, lo que expone la puesta en escena nos evidencia lo que ocurre en las comunidades rurales e indígenas.

Y aunque la obra denuncia, hasta el espectador menos habituado al teatro se engancha porque lo hace con un lenguaje sencillo entre el humor y el drama social con ciertas dosis de melodrama desde amor maternal (atención al chairismo que cree que el género es el problema de la telenovela mexicana).

Conchi León ante ello, emplea recursos que nos remiten al teatro regional (mezcla entre carpa y show de variedades) tan popular en su estado, que impuso la dinastía Herrera, particularmente a través de su máxima estrella, el inolvidable Héctor Herrera “Cholo” fallecido en 2010. León vacila al límite de cruzar hacia el regodeo cómico en el que suelen caer algunos actores en este contexto. Ante ello acierta en no caricaturizar.

Sin embargo, gracias a la solidez de la propuesta escénica, la obra sale avante porque la chabacanería le aporta identidad.  Los silencios medidos y la energía de las palabras no dejan de evocar cosas. Al espectador se le lleva hábilmente en una montaña rusa de emociones que hace a Desde el… especialmente conmovedora.

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“¿Quién les da derecho a decidir cuánta vida hay en una vida?”

En Yucatán, como en los estados del sureste, las mestizas conviven dentro del cuadro de la vida cotidiana, aún en las zonas de mayor concentración urbana como Mérida, lo que no sucede en todos los estados con sus grupos étnicos.

Desde Mestiza Power, León ha discursado sobre el papel de esas mujeres en la sociedad actual y cada vez se lo nota mayor maestría. Además del espectáculo y del siempre atractivo formato de tener al público sobre el escenario (cuando se presentan en espacios a la italiana) la obra ofrece la interacción lúdica con la cosmovisión maya  a través de rituales como el hetzmek (bautizo) que resulta novedoso sobre todo para públicos lejanos geográfica y culturalmente con ese otro México del que se sabe muy poco.

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             Yucatán, el microcosmo del “otro” teatro

Conchi León, junto con Raquel Araujo, es quizá de las figuras yucatecas con mayor notoriedad de la actualidad en la escena teatral nacional más allá que no dejan el quehacer en su estado, que se los posibilita. Nos alegra especialmente que sean mujeres.

Sin demérito de su trabajo, ello refleja lo variopinto de las condiciones para que en cada estado los artistas logren regularidad en su producción. Sin duda no es lo mismo Nuevo León (o Yucatán), que Durango o Campeche y ello depende en buena medida no sólo del gobierno federal sino, particularmente, de las Secretarías de Cultura de los Estados.

No hablamos de un asunto de talento, que en cualquier lado lo encontramos de maneras incluso sorprendentes. En mi experiencia personal, lo antes dicho se explica desde la visión y ejecución de una política cultural (cuando verdaderamente existe): a mayor dinámica vertical gubernamental (por no llamarle cacicazgo), mayor mecenazgo totalitario y carácter “eventual” se le confiere a la actividad cultural, por más festivales y pirotécnica publicitaria que hagan.

Por el contrario, a mayor co-participación exigida al artista, consistente en responsabilidad compartida (con rentabilidad socio-cultural) a cambio de recursos, gestión y reconocimiento, mayor y más regular es la producción local. Ello también depende del desarrollo de la iniciativa privada regional y su participación en los servicios culturales. Por otro lado, para que sea oferta sea “buena”, depende primordialmente de la formación del público.

Yucatán, con sus luces y sombras, es una muestra de una política cultural que lleva rumbo desde hace un buen tiempo; acierto de Teatros de Ciudad de México que retoma lo que vale la pena. En TV & Show nos congratulamos de que esta compañía nos regale un trabajo que, en efecto, emana del corazón.

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Datos:

Título: DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN

Dramaturgia y dirección: Conchi León.

Actúan: Conchi León, Addy Teyer, Randia Escalante, Lourdes León y Gaby Varela Michelle.

Lugar: Teatro Sergio Magaña (Sólo hasta el 15 de octubre).

Funciones: (viernes 6, sábado 7, domingo 8, jueves 12, viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de octubre): jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en el Teatro Sergio Magaña, (Santa María La Ribera, Metro San Cosme).

*Posible traspaso al Teatro Benito Juárez para conclusión de temporada al 22 de octubre.

Admisión: 141 pesos, entrada general, 50 por ciento de descuento a estudiantes, maestros, militares, trabajadores de gobierno e INAPAM.

Duración: 70 minutos aproximadamente.

La programación de Teatros CDMX está disponible y se actualiza en: http://www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. También cuenta con app (Android e iOS) “TeatrosCDMX”.

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Por Daniel Lares Muñoz (@dan_lares)

FOTOS: Cortesía de la Producción. TV&SHOW / Rondero’s Medios