Va de nuevo: hasta octubre el filme de James Bond, “No Time To Die”

NUEVA YORK.- La próxima entrega de las aventuras del agente secreto James Bond, NO TIME TO DIE, que debería haberse estrenado en las salas el pasado 2 de abril, llegará hasta el 8 de octubre, debido a la pandemia de Covid-19.

Londres está en pleno confinamiento, mientras que Estados Unidos sufre una crisis sanitaria que no se veía desde hace un siglo. El jueves, el virólogo estadounidense Anthony Fauci, al presentar en la Casa Blanca el plan de lucha contra el Covid-19 del nuevo gobierno a cargo de Joe Biden, ratificó un “eventual” retorno a la “casi normalidad” -esto incluiría cines, teatros, restaurantes y escuelas- a inicios del otoño si para fines del verano se logra que el 70% de la población esté vacunada.

La postergación de la programación no tomó por sorpresa a Hollywood: se había hablado ya del tema la semana pasada.

NO TIME TO DIE es el filme 25 de la serie, inspirada inicialmente en las novelas de Ian Fleming y el último en el que el británico Daniel Craig interpretará al célebre espía.

El elenco incluye a otras estrellas, como Rami Malek, en el papel de Safin, el enemigo de Bond; Lashana Lynch; Léa Seydoux; Ben Whishaw y Christoph Waltz.

La compañía Metro Goldwyn Mayer (MGM) tiene el control de la distribución en América del Norte mientras que Universal posee los derechos internacionales. La película demandó un presupuesto de alrededor de 200 millones de dólares y se necesitan ingresos globales de taquilla sustanciales para equiparar la inversión, argumentó la revista Variety.

El último filme de Bond, Spectre, recaudó en 2015, 880.6 millones de dólares, cifra imposible de obtener en meses durante los cuales la mayor parte de los cines están cerrados y los pocos que están abiertos funcionan con capacidad reducida.

 NO TIME TO DIE fue la primera película víctima de la pandemia, cuando en marzo pasado su estreno había sido pospuesto para noviembre, y luego aplazado nuevamente para abril.

La postergación anunciada hoy podría inducir a estudios rivales a hacer lo mismo para las pocas películas todavía en cartel este año.

En tanto, el puesto vacante dejado por James Bond ya fue ocupado por el thriller de acción de Universal Nobody, que se debería haber estrenado el 26 de febrero.

Por su parte, Sony aplazó los lanzamientos de Peter Rabbit 2, Ghostbuster:Afterlife y Cenicienta, mientras que Focus Feature cambió el estreno de Last Night in Soho, de Edgar Wright, del 23 de abril al 22 de octubre.

También es probable, señaló Variety, que F9, la secuela de Rápido y furioso de Universal, no conserve su fecha de estreno, programada en principio para el 28 de mayo.

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James Earl Jones, 90 años del actor tartamudo de voz privilegiada

LOS ÁNGELES.- Es el actor con una de las voces más inconfundibles del cine americano y protagonista con papeles que han hecho historia. Es JAMES EARL JONES, quien cumple este día 90 años.

EARL JONES nació el 17 de enero de 1931 en Mississippi pero criado en Michigan. JONES es conocido, entre otras destacadas actuaciones, por su papel como Alex Haley en Roots, seguido de Thulsa Doom en Conan el Bárbaro, y el Almirante Greer en The Hunt, en filmes como Octubre Rojo, Power Games, Under the Sign of Danger. Su papel como el rey Joffy Joffer en Coming to America (1988), el padre del príncipe Akeem interpretado por Eddie Murphy, también es inolvidable.

Pero su fama también está ligada a su carrera como actor de voz. La suya es la voz de Dart Fener en las sagas de Star Wars y Mufasa en El Rey León (así como en su secuela y remake).

También es la voz detrás del anuncio de This is CNN. Sus actuaciones le valieron diez nominaciones al Emmy, ganando 3 de ellas, 5 premios Globo de Oro y un Premio de la Academia al Mejor Actor Principal por la película To Rise Lower, mientras que en 2012 recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria. Por sus obras de teatro, ganó dos premios Tony.

Sin embargo, JONES, una de las voces más reconocibles del mundo, tiene un pasado como tartamudo. Como él mismo relató en el pasado en una entrevista, cuando era niño, criado por sus abuelos maternos, luchó con una forma de tartamudeo que lo dejó casi mudo durante los primeros ocho años de su vida. “Como un niño- recodó – sólo me comunicé con mi familia o al menos con aquellos que no se sentían avergonzados por mi tartamudez y vergüenza. En cambio, me comuniqué con animales con bastante libertad, a saber, cerdos, vacas y pollos. A ellos no les importa cómo suene tu voz”.

JONES también fue presa de las burlas de sus compañeros de clase en la escuela y en un momento dejó de hablar. En cambio, lo hizo en la escuela secundaria y gracias a un profesor de inglés que comenzó en la poesía.

El actor una vez escribió un poema tan hermoso que el mismo maestro dudó que fuera original. Así que lo invitó a recitarlo de memoria delante de la clase. Lo cual hizo porque fueron sus palabras y desde entonces ha estado en el camino de ponerse detrás del trastorno del habla.

Hoy, a pesar de los éxitos de su carrera, no se siente capaz de decir que ha salido completamente de ella. “No puedo decir que estoy curado – comentó ¡trabajo en ello!”.

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Robert Redford vende el Sundance Mountain Resort, su gran pasión

UTAH.- ROBERT REDFORD, el dos veces ganador del Oscar, actor, director y ambientalista, ha vendido el Sundance Mountain Resort, el pueblo de lujo empapado en la naturaleza de Utah entre los principales destinos de montaña de América del Norte, pero continuará con el Sundance Film Festival y el Sundance Institute.

REDFORD la fundó en 1969, hace más de 50 años, convirtiéndola, entre otras cosas, desde la década de 1990, en uno de los lugares (además de Salt Lake City y Park City) del festival de cine del mismo nombre que fundó con Sidney Pollack. La venta es el resultado de un plan estratégico a largo plazo diseñado para preservar y consolidar el legado de Redford en el complejo, incluyendo un compromiso continuo con el desarrollo responsable y la conservación de la tierra.

El complejo de 2,600 acres incluye 1,845 acres de tierra restringida. Coincidiendo con este anuncio, Redford y su familia se asociaron con Utah Open Lands para proteger permanentemente más de 300 acres de hábitat natural prístino, arroyos y humedales donde se encuentra incluso la construcción más reciente, Elk Meadows.

Sundance es como ninguna otra montaña en Utah o los Estados Unidos. Dominando el cañón donde se encuentra el complejo se encuentra el Monte Timpanogos con las emblemáticas Cataratas Stewart, famosas rutas de senderismo y esquí de fondo, y durante años ha sido un lugar diferente de los otros teniendo conciencia ambiental en su centro cuando ciertamente no estaba de moda. Aunque muchos huéspedes son ricos, Everett Potter relata en uno de sus partidos, el complejo nunca ha sido llamativo o una extensión de Hollywood, a pesar de la propiedad de una estrella como Robert Redford.

Pero, ¿cómo llegó allí? Redford descubrió el área que se convertiría en Sundance en la década de 1950 cuando viajaba en motocicleta desde su casa en California (nació en Santa Mónica el 18 de agosto de 1936) para ir a la universidad en la Universidad de Colorado. Más tarde conoció y se casó con Lola Van Wagenen, una chica de Provo, la ciudad cercana, regresó y compró dos acres por $500 en 1961 a los propietarios, una familia de pastores nacidos en Escocia que dirigían un negocio de alquiler de esquís en Timp Haven.

Redford construyó una cabaña y vivió el estilo de vida del hombre de la montaña con su joven familia en el momento de sus primeras películas. Pero a finales de la década de 1960, los especuladores estaban al acecho para cambiar la cara de Utah, con construcciones intensivas inadecuadas para el plan de la naturaleza.

Redford se movilizó contra ellos, financiando la protesta. Pero mantener Sundance requería un beneficio, por lo que para el naciente Sundance Mountain Resort construyó la primera de 95 cabañas a finales de la década de1980 y finalmente permitió la construcción de más de 200 casas privadas, la mayoría de ellas enclavadas en árboles. El Foundry Grill y The Tree Room fueron abiertos, con un enorme pino creciendo en el centro del restaurante. Lo mismo ocurrió con la barra Owl, con su contador de roble encargado por el verdadero Butch Cassidy. Redford lo descubrió en Wyoming y lo restableció.

La venta reciente incluye todos los activos de la estación de montaña Sundance, incluidos los edificios del complejo, los remontes, los sitios para comer y los espacios para eventos. No afecta a la estructura o participación de Robert Redford en el Sundance Institute y Sundance Film Festival, The Sundance Catalog, Sundance TV o el Redford Center. El complejo continuará organizando talleres y eventos organizados por el Sundance Institute y el Redford Centre, incluyeno el Festival de Cine de Sundance anual.

HA DICHO:

“El cambio es inevitable y durante varios años mi familia y yo hemos estado pensando en mudarnos a una nueva propiedad para el complejo. Sabíamos que en el momento adecuado y con las personas adecuadas podíamos hacer la transición. Broadreach y Cedar comparten nuestros valores e interés en mantener el carácter único del complejo, honrando su historia, comunidad y belleza natural. Esto los hace adecuados para asegurar que las generaciones futuras puedan seguir encontrando consuelo e inspiración aquí”, dijo el actor.

UN DATO:

Broadreach Capital Partners con sede en Palo Alto, California, posee las principales empresas de gestión de hoteles/resorts, incluyendo hoteles urbanos como The Carlyle, Nueva York. Cedar Capital Partners, con sede en Nueva York y Londres, posee, entre otras cosas, The Hoxton Hotel, Roma; The Grosvenor Hotel, Edimburgo; El Hotel Lloyd, Amsterdam.

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“Bridgerton”, por la igualdad y la inclusión, suma fans por Netflix

LONDRES.– Ambientada en el período Regency de la primera mitad de la década de 1800, BRIDGERTON, recien estrenada en Navidad por Netflix, se ubicó de inmediato entre las diez mejores del mundo, tan sólo el tráiler ha tenido más de 580 mil visitas en Youtube y tantas en Twitter.

BRIDGERTON es una producción de Shondaland, la compañía estadounidense de SHONDA RIHMES, autora de éxitos como Grey’s Anatomy y Scandal. La firma es de Chris Van Dusen Practice, su antiguo colaborador. RHIMES tiene su primera colaboración con Netflix bajo su sello inconfundible: romance, personajes femeninos llevados a la primera vista y misterio. The Bridgertons Chronicle fue realizada en Inglaterra, en la ciudad de Bath, el lugar de nacimiento de las novelas de Jane Austen, y es uno de los ocho proyectos en los que la Shonda Rhimes está trabajando actualmente.

La serie transita entre Gossip Girl y Downton Abbey. La atmósfera de los castillos ingleses, el susurro de la maravillosa ropa en el color de moda en el momento, el polvo azul, los chismes, los escándalos, BRIDGERTON captura al espectador con una historia de época. Los protagonistas son ricos, atractivos y sus historias de amor se entrelazan y causan estragos en la corte.

Incluso dentro de ese tipo de sociedad, se llevan a cabo sutiles luchas de clase alta, con personajes que buscan una escalada social, respetabilidad. Las mujeres jóvenes, educadas en cada formalidad, sólo tienen un propósito: encontrar un marido y posiblemente una nobleza superior, como para los nobles jóvenes, la infelicidad está asegurada si el corazón late para una mujer de clase trabajadora. Tener una boda de alto linaje y al mismo tiempo de amor es como ganar la lotería.

La misteriosa Lady Whistledown -cuya identidad no conocemos hasta el penúltimo marco de la primera temporada- alimenta su periódico con estos secretos, revelando hechos privados. Esta vez dejamos a principios del siglo XX de Downton Abbey para aterrizar en el Londres de la Regencia, una época que va de 1795 a 1837. Un período de excesos para la aristocracia británica, con todo lo que sigue en términos de disfraces, muebles, fiestas deslumbrantes.

Es una serie inspirada en las novelas de Julia Quinn. Shondaland es la saga, publicada entre 2000 y 2016, escrita por la estadounidense Quinn Julia, autora de docenas de novelas premiadas y traducida a más de treinta idiomas y compuesta por ocho novelas, la primera de las cuales, El duque y yo, es la base de la primera temporada. Todas las novelas han sido reeditadas en Italia. Los tres primeros títulos son: Il duca e io, Il visconte che mi amava, La proposta di un gentiluomo. Durante 2021 se publicarán los otros cinco libros: Un hombre para conquistar, Un Sir Philippe con amor, Loving a Libertine, Everything in a Kiss, True Love Exists. Cada uno de los volúmenes contiene, además de la novela, el segundo epílogo escrito por el autor años más tarde).


LA TRAMA:

La historia tiene lugar entre 1813 y 1827 y cuenta las historias de los ocho hijos del vizconde Bridgerton: el primogénito Anthony, luego Benedicto, Colin, Daphne, Eloise, Francesca, Gregory y el pequeño Hyacinth.

En esta primera temporada seguimos a Daphne Bridgerton, interpretada por Phoebe Dynevor, la primogénita de la edad de su marido. Cuando su hermano rechaza su noviazgo, el periódico de escándalo de Londres, dirigido por la misteriosa Lady Whistledown, propaga calumnias sobre la joven. Por lo tanto, Daphne debe hacer malabarismos con su imagen pública y su atracción por el guapo duque de Hastingsun soltero buscado por todas las madres de los debutantes, rebeldes y con un pasado de gran sufrimiento interior. A pesar de que los dos fingen por diferentes razones de estar comprometidos, las chispas vuelan…

UN DATO:

El casting fue inclusivo. Se puede decir que BRIDGERTON es una de las primeras series resultantes de los acuerdos inclusivos lanzados recientemente en Hollywood para hacer el cine más igualitario, en los temas tratados y en la elección de los actores. Después de mucho tiempo favoreciendo a los actores blancos, los directores de casting ahora confían en perfiles de todos los orígenes, frente a los anacronismos.

Mientras que el papel de Daphne Bridgerton ha sido confiado a una actriz blanca, otros personajes son interpretados por personas de color y en los más altos niveles de la escalera social. Así es como la reina Charlotte (Golda Rosheuvel), el apuesto duque de Hastings, interpretado por Regé-Jean Page, originario de Zimbabue, es negro. Lidera el camino en una ola de películas llamadas ‘color color’ en las que el color de la piel no se tiene en cuenta en la elección de los artistas (hay una Mary Queen of Scots con Gemma Chan, una historia de David Copperfield con Dev Patel, por ejemplo).

¿Y LADY WHISTLEDOWN?

La voz de esa señora silbada, que lee los acontecimientos de la aristocracia británica, Lady Whistledown es la de Julie Andrews.

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“La madre del Blues”, tributo a Chadwick Boseman por Netflix

De los estrenos decembrinos por Netflix, sobresale LA MADRE DEL BLUES (MA RAINEY’S BLACK BOTTOM), última película de Chadwick Boseman (Black Panther), quien falleció a finales de agosto derivado de un cáncer de colón detectado hace cuatro años y que el actor guardó en el secreto.

Boseman comparte su último rol con VIOLA DAVIS en una destacada actuación como la popular cantante e blues Ma Rainey, quien destila a lo largo del filme su fama de diva en una larga sesión de grabación en la que todo sucede…hasta una tragedia.

LA MADRE DEL BLUES (Ma Rainey’s Black Bottom) es una película biográfica estadounidense de drama y musical dirigida por George C. Wolfe, bajo la producción de Denzel Washington. Está basada en la obra homónima de 1982 escrita por August Wilson.

Para este Dominguito Sagrado una acertada elección para disfrutarse por Netflix.

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Una Playlist navideña a la orden

LONDRES.- Lo mejor que uno puede esperar para una lista de reproducción selecta es que ayuda a aliviar una Navidad tan difícil. A continuación, se puede comenzar con Happy Christmas, el clásico pacifista grabado por John Lennon con la Plastic Ono Band en 1971.

Y ya que la canción fue producida por Phil Spector, el genio maldito de la muralla del sonido, vale la pena pescar en el legendario Un regalo de Navidad para ti, un álbum de Navidad (incluido en los 500 mejores títulos de la historia) hecho por Spector: si hay que elegir una canción esa es Frosty The Snowman por los Ronettes. Le golpea el pie con el ritmo oscilante de What Christmas Means To Me, de John Legend con Stevie Wonder.

Para permanecer en un campo de jazz y no olvidar la canción de Navidad más clásica, se puede cambiar a White Christmas en la versión de Charlie Parker, entonces otro súper clásico, Let It Sno como la Orquesta Conde Basie y una joya, Christmas in New Olreans, con Louis Armstrong y la gran banda de Benny Carter.

También puede seleccionarse Christmas Waltz cantado por Tony Bennett, luego volar con Herbie Hancock con I’ll Be Home for Christmas y cerrar la sección Swing con el bluesone orquestal de Etta James Merry Christmas Baby y la versión traviesa de Santa Baby.

Un paseo a través de Home for Holydays con Cindy Lauper y Norah Jones y te metes en un ambiente más rock pop con 2000 Millas de los Pretenders, Christmas Time por smashing pumpkins, Christmas (Baby, Please Come Home) de U2, Father Christmas de Kinks, We Wish You a Merry Christmas de Weezer, Thank God It’s Christmas de Queen, Christmas All Over Again de Tom Petty & The Heartbreakers, Wonderful Christmastime de Paul McCartney.

Para ir entonces a climas más inusuales está el dúo pop Summer Camp con Christmas Wrapping, otoño con Hark the Herald Angels Sing, Pearl Jam con Let me Sleep (It’s Christmas Time), los Ramones con I Don’t Want To Fight Tonight, Christmas in Hollis de Run D.M.C. Kelly Finnigan’s Santa’s Watching You (una primera) es un puente a algún soul groove como el James Brown de Santa Claus Go Straight to The Ghetto.

Finalmente Robbie Williams con el nuevo sencillo (y video en el que interpreta a Boris Johnson) Can’t Stop Christmas (Columbia Records/Sony Music), contenido en la versión de lujo del álbum The Christmas Present : con un espíritu irónico reflexiona sobre un 2020 sin precedentes: “Santa Claus está en su trineo, pero ahora está a dos metros de distancia”, una melodía alegre con el tintineo de campanas para imaginar el espíritu de la Navidad 2020.

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Un nuevo Batman negro llegará en versión de DC Comics

NUEVA YORK. – DC Comics anunció que habrá un nuevo Batman que será negro, noticia que dejó sorprendidos a los fanáticos del encapuchado, quienes reaccionaron en las redes sociales con opiniones encontradas.

La nueva serie de cómics estará escrita por el guionista de 12 Years a Slave, John Ridley, con arte de Nick Derington y Laura Braga.

El próximo en ponerse la capa y la máscara con orejas de murciélago se llamará Tim Fox y será el hijo separado del gerente comercial de Bruce Wayne, Lucius Fox. Fox apareció por primera vez como personaje de Batman en 1979, y poco a poco fue ganando importancia tanto en los cómics como en las versiones cinematográficas.

La nueva serie de Batman se desarrollará en una futurista ciudad de Gotham, que estará controlada por un magistrado, quien será el villano de la historia.

En esta versión de Gotham, todos los justicieros urbanos han sido prohibidos y el Batman original ha sido asesinado. Esa es la explicación para la aparición de Fox como el nuevo hombre-murciélago, quien tendrá la tarea de salvar a la ciudad de la corrupción del magistrado.

“En este futuro, Gotham City está controlada por el Magistrado. Este malvado régimen ha tomado el control de la ciudad, ahora bajo constante vigilancia. Todos los vigilantes enmascarados han sido proscritos y Batman ha sido asesinado”, informó DC Comics a través de un comunicado.

“Pero liderado por un Batman completamente nuevo, una nueva asamblea de guardianes de Gotham se levanta para dar esperanza a todos aquellos que la perdieron!”, continuó la compañía dueña de los derechos de personajes como Superman y Wonder Woman.

El guionista Ridley había revelado previamente al New York Times que el próximo Batman sería una persona de color.

Hablando sobre la emoción de su nuevo proyecto, Ridley dijo: “Ellos aprecian las cosas que hago. Están felices por mí. Son grandes partidarios. Pero preferirían ver Black Panther a 12 Years a Slave , seamos honestos”.

“Entonces, para poder escribir el próximo Batman, para que sepan que este próximo Batman será negro, todos los demás en el planeta pueden odiarlo, tener un problema con él, denigrarlo, pero yo tengo mi audiencia, a quienes les encanta”, agregó.

Fox hará su primera aparición en el nuevo Future State de cuatro números, The Next Batman, a partir de enero. 

EL PRIMER BATMAN EN LA PANTALLA

Desde que Batman apareció en el número 27 de Detective Comics en 1939, su poderosa y nocturna imagen caló de manera profunda en el imaginario ficcional de los lectores. En esencia, aquellos primeros superhéroes del cómic eran la revisión de los personajes extirpados de los seriales pulp, auténticos fenómenos de las emisiones radiofónicas antes de la llegada de la televisión como gran medio de comunicación de masas.

Tanto fue el éxito del implacable justiciero que pronto se decidió lanzar a Batman a su propio serial cinematográfico. Como decíamos, la televisión no era precisamente a principio de los 40 el omnipresente aparato en cada casa, así que esta clase de productos se estrenaban en los cines como previo a las películas de la cartelera.

El primer actor que se enfundó la capa del murciélago fue Lewis Wilson, en el serial que duró quince episodios producidos por Columbia Pictures. El producto final queda para la historia como curiosidad delirante, puesto que la escasez de presupuesto y las limitaciones de la época distan bastante de las intenciones de trasladar las intrépidas aventuras de Batman a la imagen real. Además, como casi todos los seriales creados en aquella época, el fuerte tono propagandístico, con los Estados Unidos inmersos en la Segunda Guerra Mundial, hacen el visionado algo indigesto.

Cambios importantes, como el hecho de que el justiciero fuera un agente al servicio del gobierno, trastocaban la esencia del original creado por Bill Finger y Bob Kane. A pesar de estos tropiezos conceptuales, sí que es cierto que introdujo aspectos que han quedado como canónicos a lo largo de la historia del Caballero Oscuro, como la aparición de la Baticueva o el aspecto de Alfred, representado hasta entonces como un hombre pasado de peso en la páginas del cómic.

A pesar de sus muchos tropiezos, el serial fue un éxito, y consiguió una secuela en 1949, con Robert Lowery en el papel del héroe, y que recibió el título de Batman y Robin.

AQUELLOS LOCOS AÑOS 60

La serie de los años 60 se ha convertido en un objeto de culto con el paso del tiempo. Hija de su época, el producto es una colorida alucinación pop que ha marcado a varias generaciones. Lo cierto es que poco tiene que ver con la imagen de Batman como oscuro vengador nocturno, y el tono de la serie, emitida de 1966 a 1968 con 120 episodios en total, se centra en la comedia y las situaciones disparatadas.

Entre el absurdo talento detectivesco y los descabellados planes de la pintoresca galería de villanos, cada episodio se convierte en auténtico desbarre que provoca sentimientos dispares, entre la perplejidad y la risa. Las míticas escenas de acción llenas de referencias comiqueras y la banda sonora, que es parte de la cultura popular por méritos propios, redondean esta esencia de producto de culto.

Muchos son los que reniegan del espíritu burlón de la serie, pero, para ser justos, las rocambolescas historias de Batman y Robin en estos 120 episodios no difieren mucho del tono que impregnaba las páginas del Batman de la viñeta durante esa época, alejado del aspecto gótico y casi vampírico de los primeros años de carrera del personaje.

BATMANÍA

En 1989 el cine de superhéroes no era, ni de lejos, la máquina de hacer dinero que es hoy en día. Pocas productoras apostaban por adaptaciones del noveno arte, y los pocos productos que llegaban a las pantallas tenían resultados entre lo cómico y lo insultante. Salvo excepciones, como el innovador Superman de finales de los 70, dirigido por Richard Donner, los héroes en la pantalla eran un yermo de falta de presupuesto sustentado en la idea de que el espectador que llega desde el cómic no es muy exigente.

Pero entonces apareció Warner, que tiró la casa por la ventana con la ambiciosa adaptación del torturado héroe de DC. Como director de orquesta, Tim Burton, joven realizador que ya había demostrado ser dueño de un surrealista universo personal, perfecto para la adaptación de la oscuridad inherente al cruzado de la capa.

Que Burton tenía una idea muy determinada de lo que significa Batman quedó claro desde los primeros compases de la producción, y certificó las preferencias personales para hacer un Caballero Oscuro a su imagen y semejanza al imponer el papel protagonista. Nadie apostaba porque el papel recayese en las manos de Michael Keaton, un tipo de imagen casi anodina, de tipo normal, actor que venía de la comedia que incendió las iras de los fanáticos del personaje.

Hablamos de un mundo sin redes sociales, pero el ruido también fue bastante evidente, con miles de cartas en las oficinas de Warner y DC mostrando frustración y desencanto ante la elección más inesperada de la historia del cine. Como decíamos al principio, las polémicas con todo lo que rodea una película de Batman no son cosa del siglo XXI, y, efectivamente, llegaron quejas no solo por Keaton. El traje, el aspecto de Gotham, las licencias que estaba tomando Burton (más cercano a la serie de Adam West que a los cómics de DC)…

BATMAN DESPUÉS DE BURTON

Tras dos entregas de las aventuras del protector de Gotham, Tim Burton cedió el testigo al recientemente desaparecido Joel Schumacher. Lo que hizo el nuevo director fue aumentar la sensación circense del espectáculo, cambiando el gótico por la psicodelia de neón y excesos. El primer elegido tras la espantada de Michael Keaton fue Val Kilmer. Actor todoterreno, su porte elegante parecía ideal para la personificación del melancólico millonario Bruce Wayne. Es curioso que, a pesar de ser a priori más aristocrático en apariencia que su antecesor, pasó sin pena ni gloria, un carisma cercenado por el propio tono de la película, Batman Forever (Joel Schumacher, 1995).

No tuvo que terminar muy convencido de la experiencia, puesto que para la siguiente entrega de la franquicia, decidió bajarse del barco. En otra de esas decisiones fuera de toda lógica, George Clooney aceptó la responsabilidad de vestir el manto. Nadie entiende muy bien qué le llevó a aceptar el papel, curtido en papeles muy diferentes a lo que proponía el universo Batman por entonces. El desastre estaba servido, y Clooney es otro de los absurdos que pueblan la que fue última entrega de aquel Batman exagerado hasta la parodia que Burton inició.

BATMAN Y SU MAJESTAD NOLAN

Pasaría un tiempo hasta que Warner recupera el interés por recuperar a su personaje insignia. Cuando llegó el momento, se apostó fuerte por el retorno. Como punto de partida, signo de lo ambicioso del proyecto, la visión de Christopher Nolan, director llamado a ser de los grandes de su generación, y que pondría el ladrillo definitivo de su carrera con el éxito de la trilogía alrededor del Caballero Oscuro.

Christian Bale, actor de método, intenso y dedicado, se vestía del superhéroe en la que es, quizá, la versión más realista de la leyenda del justiciero. Bale dotaba de humanidad a su Bruce Wayne, lleno de conflictos internos, dividido entre la responsabilidad de su cruzada y el sueño de una vida alejada del camino solitario del justiciero. Para muchos, el Batman definitivo, con el que Bale demostró su capacidad para afrontar las partes tanto físicas como emocionales del personaje.

BATFLECK Y LA LIGA DE LA JUSTICIA

La elección de Ben Affleck para la versión de Zack Snyder del icono de DC también fue motivo de tirones de pelos y alzamiento de puños en señal de venganza. Nadie tenía esperanza en que un actor en plena decadencia fuese capaz de dar sentido a la leyenda. Para sorpresa de todos, Affleck dio en el clavo con un Batman crepuscular, alejado del héroe sin tacha de moral incuestionable de otras versiones. Sin duda, es de lo mejor de la excesiva y, en ocasiones ridícula, visión de Snyder de los personajes de DC, y su uniforme es especialmente cercano a lo que podemos ver el cómic, punto diferente a las armaduras de combate urbano que habíamos visto hasta el momento.

Por desgracia, los problemas del universo cinematográfico de DC han cercenado las posibilidades de la lectura que Affleck hizo del personaje, que, a pesar de todas las licencias que se tomó Snyder en su construcción, consiguió hacer suyo.

El futuro es Pattison, actor que, por lo que parece, nunca se quitará el estigma de los comienzos de su carrera como ídolo adolescente. Ha demostrado con convicción y riesgo que hay mucho talento en sus intenciones, y tablas de sobra como para el manejo de un Batman que promete, por lo visto en los avances, grados desconocidos de introspección. Esperemos que las polémicas den paso al atronador silencio y el convencimiento hasta del escéptico combativo. Ya queda menos para que disfrutemos de The Batman (Matt Reeves, 2021). ¿Aportará algo al colapsado universo de los superhéroes? ¿Será más de lo mismo?

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Subasta de récord: el arma original de James Bond por 250 mil dólares

NUEVA YORK. – El arma original de James Bond tiene a partir de ahora un nuevo dueño, quien pagó más de un cuarto de millón de dólares por la pistola Walter PP, que utilizara el recientemente fallecido Sean Connery en la primera película del agente 007, Dr. No.

El vendedor de recuerdos de Hollywood, Julien’s Auctions, vendió la pistola Walther utilizada por Connery en la primera película de James Bond por 256,000 dólares.

La histórica arma de fuego fue el artículo más vendido en la subasta del 3 de diciembre de la casa de subastas con sede en Beverly Hills, California, que incluyó más de 500 disfraces, accesorios y artefactos de Hollywood.

“En el debut cinematográfico del personaje de James Bond, Connery usa esta arma de héroe a lo largo de la película”, escribió Julien’s Auctions en un comunicado de prensa.

“La silueta de Walther PP ha servido como la imagen icónica clave para el personaje de James Bond desde que la franquicia cinematográfica debutó con Dr. No, y esta pistola fue la primera de todas las que siguieron”, agregó.

El comprador se identificó a sí mismo como un estadounidense anónimo y fanático acérrimo de superagente secreto que “ha visto todas las películas de James Bond con sus hijos”.

Otros artículos vendidos en la subasta incluyeron dos piezas de recuerdos de Tom Cruise: un casco de piloto de combate hecho especialmente para él y usado en Top Gun, que fue vendido por 108,000 dólares, y una gorra de oficial de la Marina hecha para su personaje, en 9.375 dólares.

También fueron subastados varios accesorios del clásico de culto de 1994 de Quentin Tarantino, Pulp Fiction; una espada Katana utilizada por Bruce Willis que recaudó 35.200 dólares, 35 veces más de lo que se esperaba, y un kit médico de adrenalina con jeringa y usada en la icónica escena de la sobredosis de heroína que sufre Uma Thurman y que obtuvo 8,750 dólares.

Además, un guion de 158 páginas de The Godfather (El Padrino, 1972), marcado como Tercer borrador, se vendió por 10,240 dólares; una copia de Back to the Future Part II de 1989, 22.400 dólares; y el traje militar de Steve Martin del filme Dirty Rotten Scoundrels, 11,250 dólares.

CON INFORMACIÓN DE ANSA.

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Murió el actor británico David Prowse, Darth Vader en “Star Wars”

ROMA. – El actor británico DAVID PROWSE, quien interpretó a Darth Vader en la trilogía original de STAR WARS (La Guerra de las Galaxias), falleció a los 85 años, confirmó este domingo su agente Thomas Bowington.

 “Con gran tristeza doy a conocer la muerte de David Prowse”, sostuvo el Bowington en un mensaje en su página de Facebook, donde indicaba que falleció “ayer por la mañana, que la fuerza le acompañe siempre”.

Prowse antes de enrolarse en el mundo del cine había actuado como levantador de pesas en la ciudad inglesa de Bristol, también llegó a ser condecorado con un MBE (Miembro del Imperio Británico) por su papel en el Green Cross Code Man, un programa que promovía la seguridad vial en las carreteras de este país.

Obtuvo el papel en Star Wars principalmente por su imponente estatura, medía casi dos metros de alto. Pero debido a su fuerte acento británico del West Country, sudoeste de Inglaterra, considerado inadecuado para el papel, la voz de su personaje fue interpretada por James Earl Jones, quien con su profunda voz entró en la leyenda de la exitosa serie de películas.

Antes de iniciar su carrera en el cine, Prowse llegó a representar a Inglaterra en la modalidad de levantamiento de peso en los Juegos de la Commonwwealth a comienzos de la década de los 60.

Y antes del rol de actor, que desarrolló durante cinco décadas, sus servicios fueron requeridos dentro de los círculos de Hollywood, donde ayudó al malogrado Christopher Reeve a prepararse para las exigencias físicas del papel de Superman, como su entrenador personal.

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Miley Cyrus añora cantar en vivo, “viajar de nuevo por el mundo y conocer a mis fans”

LOS ÁNGELES.- “Lo que más me gusta es ser artista, así que siento un vacío, me duele este año sin música en vivo. No puedo esperar para volver al escenario y cantar las nuevas canciones en vivo, viajar por todo el mundo y conocer a mis fans”, compartió la cantante y actriz MILEY CYRUS, entrevistada en la radio, en RTL 102.5, en Los Ángeles, con motivo del lanzamiento este día de su nuevo álbum PLASTIC HEARTS (RCA Records/ /Sony Music).

Es el séptimo álbum de estudio de CYRUS, de 28 años, quien ha compartido su vida durante los dos últimos años con el también actor Liam Hemsworth.

Plastic Hearts contiene 12 pistas, incluyendo colaboraciones con Billy Idol, Joan Jett y Dua Lipa y fue precedido por Prisoner ft.

Acerca del álbum, Miley Cyrus está entusiasmada con la respuesta que ha tenido hasta ahora: “El disco se ha escuchado durante unas horas y la forma en que la gente lo ha percibido es el sueño de todo artista. Cuando lanzas un disco, la forma en que cada persona se relaciona con la música es única y parece que cada pista de este álbum está tocando a todas las personas de manera diferente para todos. Estoy recibiendo mucho amor y apoyo para el álbum, que es todo lo que un artista puede pedir”.

Al ser una inspiración para los demás, la artista estadounidense señala que está en la posición en la que se encuentra ahora también gracias a otras mujeres que han trabajado con ella: “Tengo que rendir homenaje y tributo a aquellos que me ayudaron a trabajar en este disco como Stevie Nicks y Joan Jett, mujeres que literalmente llevaron el camino que yo voy. Eran soldados, revolucionarias, un faro”.

La portada de Plastic Hearts fue tomada por Mick Rock, un fotógrafo histórico que a lo largo de su carrera ha inmortalizado a artistas como David Bowie, Lou Reed y Debbie Harry y que, incluso para Miley, logró capturar algo único: “El otro día me pregunté cuántas fotos me tomaron a lo largo de mi carrera y entre la alfombra roja y todo lo demás debe haber sido algo así como mil millones y no creo que nadie fuera capaz de fotografiarme de una manera tan natural como lo hizo. No inmortaliza la celebridad, la fama, rompe la personalidad que sale de lo que realmente ves. Te valora como ser humano y muestra tus energías internas, algo que me fue memorable y nunca lo olvidaré y tengo las fotos para probarlo”.

Hablando sobre su compromiso con el trabajo social, Miley Cyrus dijo: “Escribí el álbum justo después de un evento que organizo cada año en Los Ángeles que ayuda a las personas necesitadas. Muchos de ellos pertenecen a la comunidad LGBTQ, lo cual es muy importante para mí. Para mí soy una inspiración y también hablo de ello dentro de las canciones tratando de dar una visión positiva de la vida porque las dificultades siempre están ahí y lo principal es la empatía”.

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El hijo de Cuauhtémoc Blanco fue eliminado de Masterchef 2020

Ya se había salvado y se la habían perdonado a Cuau, hijo del ex futbolista y hoy gobernador del estado de Morelos, Cuauhtémoc Blanco, quien no dio una en su breve participación en MASTERCHEF, y fue eliminado por su platillo “Asado de bodas”, luego del veredicto de los jueces, los chefs Betty Vázquez, Adrián Herrera y José Ramón Castillo.

Durante la cuarta entrega del reality por Azteca Uno, se contó con la compañía del chef invitado Franco Noriega, quien visitó la cocina más famosa de México para compartir sus mejores consejos y conocimientos culinarios a los participantes con el objetivo de sobresalir en los difíciles retos y exigencias de los chefs.

Pare el reto de salvación de la noche, quedaron siete participantes que prepararon un “Caldo Rompecolchón” en donde los cuatro chefs explicaron la importancia en la preparación de la base principal que era el caldo aunado a la caramelización de los ingredientes.  

En esta preparación los cocineros más destacados fueron Soldado Esquivel con su propuesta “La Negra” y Atilana con el “Caldo Tamiahua”, recibiendo una “estrellita” de parte del Chef Herrera y comentarios positivos en general. Los menos favorecidos fueron el de Salime, Cuau, Meche, Eubiel e Itzel quien terminó con un sentimiento que la llevó a las lágrimas al no lograr sobresalir como ella lo esperaba. En este reto la ganadora fue Soldado Esquivel quien se libra del reto final.

El momento de anunciar el “Reto de Eliminación” llegó, en esta dinámica cada uno de los participantes pasó al frente en donde un gran pastel los esperaba y en el interior de cada una de las seis rebanadas contenía un anillo en donde el color de éste definió el platillo que tenían que presentar. La temática fueron tres platos típicos para una boda.

Erubiel obtuvo la opción de Postre al igual que Meche; Itzel y Salime “Mole Blanco”; finalmente, Atilana y Cuau obtienen la preparación de “Asado de Bodas”.

La primera en presentar su platillo fue Itzel, obteniendo buenos comentarios aunque hubo algunos detalles al igual que la segunda Atilana; Salime logró muy buenos comentarios mientras que Cuau y Erubiel no lograron convencer el exigente paladar de los jueces; finalmente, Meche logra buenos comentarios aunque falta estética en su platillo.  

Cuau fue el cuarto participante en entregar su mandil y abandonar su sueño de continuar en la competencia de cocina. 

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A paso lento y con más medidas, Hollywood reanuda producciones

NUEVA YORK.- Con la introducción de protocolos de seguridad mejorados, Hollywood a funcionar lentamente a medida que las películas, las series de Netflix y las cadenas reanudan sus producciones en medio de la pandemia.

La industria anunció la introducción de protocolos de seguridad mejorados y nuevas medidas diseñadas por gremios y sindicatos del espectáculo, junto con epidemiólogos y expertos en salud, para mantener baja la incidencia de Covid-19 en los sets de grabación.

Durante la primera ola de la pandemia, la industria fue tomada con la guardia baja y recibió un duro golpe, causándole pérdidas millonarias. La esperanza está puesta ahora en que, con medidas más estrictas, Hollywood podrá enfrentar mejor el futuro.

Sin embargo, los trabajadores del sector (actores, actrices, directores y productores) aún dan positivo, y no pueden regresar al trabajo debido a problemas de seguridad.

Al mismo tiempo, los estudios se enfrentan con el problema de que cientos de salas cinematográficas debieron cerrar sus puertas en medio de la crisis desatada por la pandemia. A medidas que los cines comenzaron a reabrir, la asistencia sigue siendo baja, por los temores al contagio.

Ante esta realidad, los estudios se ven obligados a impulsar los estrenos en plataformas digitales, tal como ocurrirá con Wonder Woman 1984, que se esperaba sería uno de los “tanques” del año y que, tras varias postergaciones, será estrenada tanto en cine como en HBO Max el 25 de diciembre.

La película demandó una inversión de 200 millones de dólares, y los productores ya anticipan que no recibirán los grandes números de taquilla.

“El cierre de la producción que ocurrió como resultado de la pandemia ha tenido un tremendo impacto negativo en las empresas y los medios de vida de nuestros miembros y trabajadores en toda la industria”, expresó David White, director ejecutivo nacional del Screen Actors Guild-American Federation of Television and Radio Artists (SAG-AFTRA).

Y agregó: “La pandemia ha generado una gran colaboración. Todos necesitábamos descubrir cómo trabajar juntos para recuperarnos y descubrir cómo hacer que la gente vuelva a trabajar”, agregó.

Otros sindicatos, como la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales, han elaborado protocolos similares para proteger a sus miembros.

Un miembro de ese sindicato, que trabaja en el departamento de vestuario en producciones de gran presupuesto, y que pidió permanecer en el anonimato por temor a represalias, describió algunas de las medidas de seguridad y dijo que había muchas discusiones sobre quién pagaría la factura final.

“El sindicato fue muy estricto sobre el hecho de que no volveríamos a trabajar sin hacernos una prueba”, dijo el miembro del sindicato. “Hay un ‘oficial de seguridad de Covid’ en cada sitio donde estamos trabajando”.

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Marilyn Monroe se blanqueaba toda, hasta el vello púbico

NUEVA YORK.- MARILYN MONROE tenía inclinación por blanquearse no sólo su famosa cabellera, sino también el vello de sus partes más íntimas, reveló su ex estilista en un nuevo libro.

Kenneth Battelle, quien fuera una de las peluqueras personales de la estrella fallecida en 1962, a los 36 años, relató en el recién estrenado libro Kenneth: Sheer Elegance que la actriz asistió a uno de sus estrenos más importantes, Some Like It Hot, sin ropa interior.

Si bien Battelle falleció en 2013, sus historias sobre la actriz considerada uno de los mitos de Hollywood fueron incluidos en el libro sobre su carrera trabajando con estrellas en las décadas de 1950 y 1960.

En algunos de los extractos del relato compartidos por The Daily Mail, Battelle escribió que conoció a Monroe en 1958 luego que la actriz experimentara la pérdida de parte de su cabello debido a los intensos blanqueos y permanentes mientras filmaba Some Like it Hot con sus co-protagonistas Jack Lemmon y Tony Curtis.

Battelle relató una anécdota en la cual, el día antes del estreno mundial de Some Like It Hot, en 1959, un ejecutivo de la película derramó sin querer champán en el ceñido vestido de seda de Monroe durante una fiesta.

El vestido blanco, mojado, se volvió entonces transparente.

“Se podía ver todo, como si estuviera con una camiseta mojada”, escribió Battelle.

“Iba a ponerse el abrigo de visón sobre las manchas para la conferencia de prensa, pero le dije que si no se cambiaba de vestido, al menos debería ponerse ropa interior”, relató la estilista.

Battelle reveló que Marilyn se negó a usar bragas porque no quería que se mostraran líneas visibles debajo de su vestido transparente, por lo que se le ocurrió una solución para el problema.

“Dije, ‘escuché que Jean Harlow tampoco usaba ropa interior, pero solía decolorarse el vello púbico para que no se notara'”, siguió. “Así que bajé a la farmacia del hotel y le compré leche en polvo de magnesia, 20% de peróxido y alcohol de amoníaco. Es una fórmula muy antigua para decolorar el cabello”, amplió.

“Le dije, ‘Ahora ve al baño y blanqéate’. No se veía nada cuando encendieron esas luces brillantes”, agregó. A partir de entonces, dijo, siguió con la costumbre, al parecer hasta el día de su muerte.

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Nueva temporada de “The Crown” con Emma Corrin como Lady Di

LONDRES.- Netflix tendrá disponible desde el próximo domingo 15 de noviembre la cuarta temporada de THE CROWN, la serie que retrata el reinado de Isabel II. En los nuevos episodios aparece un personaje muy controvertido para la realeza y promete dejar mucha tela para cortar, se trata de Lady Di, quien será protagonizada por la actriz Emma Corrin.

La temporada comprende 10 episodios, que se centrarán en la agitada relación del príncipe Carlos y Diana Spencer. Si existe un personaje controvertido para la realiza británica es el de Diana de Gales.

Al igual que en la tercera temporada, Olivia Colman volverá a meterse en la piel de la Reina Isabel de Inglaterra. Le acompañarán Tobias Manzies como el duque Felipe de Edimburgo, Helena Bonham Carter como la princesa Margarita, Ben Daniels como Tony Armstrong-Jones, Josh O’Connor como el príncipe Carlos, Marion Bailey como la Reina Madre y Emerald Fennell como Camilla Parker Bowles. Entre los nuevo srostros podremos ver a Emma Corrin interpretando a la Princesa Diana de Gales y a Gillian Anderson como Margaret Tatcher.

UN DATO:

En estos capítulos la serie se trasladará a los 80 y llegará hasta el cese de Margaret Tatcher, la histórica primera ministra inglesa apodada como la Dama de Hierro. Josh O’Connor declaró que “las temporadas 3 y 4 seguirán algunos de los eventos más turbulentos en la vida del Príncipe de Gales y nuestra historia nacional y estoy emocionado de darle vida al hombre en medio de todo”.

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Pier Paolo Pasolini, sus reflexiones vivas a 45 años de su asesinato

ROMA.- ”Reunión en sí misma y pensando” es un verso de La mejor juventud, de principios de 1950, cuyo autor es PIER PAOLO PASOLINI, quien este día, a 45 años después de su muerte, de su asesinato el 2 de noviembre de 1975, recuerda al poeta, realizador y cineasta reflexivo que da vida al corsario intelectual que ataca el conformismo de lo bien pensado, las ideas y el ser de la pequeña burguesía dominante y el poder de los palacios que son la expresión.

”Contra todo esto no debes hacer nada más que simplemente seguir siendo tú mismo: lo que significa ser continuamente irreconocible. Olvidar inmediatamente los grandes éxitos: y continuar sin temor, obstinado, eternamente opuesto, a exigir, querer, identificarse con los diferentes; escandalizar; a la blasfemia”, como dice uno de sus últimos escritos, preparado para un discurso en el Congreso del Partido Radical.

También es la forma de ser de PASOLINI, su escándalo con ideas como con su vida y homosexualidad, junto con sus poemas, sus novelas, sus películas y, sobre todo, los innumerables escritos críticos, teóricos y civiles sobre las artes y la sociedad, que lo han transformado en una presencia constante, casi siempre creciendo, del debate cultural no sólo italiano, un punto de referencia y una presencia siempre viva entre estudiosos y estudiantes, así como nos quejamos de cómo la gran parte de la cultura literaria del siglo XX se olvida de manera.

Los muchos y diferentes escritos, recogidos en diez volúmenes del Meridiani Mondadori, de este ”poeta, filólogo y chamán, pedagogo socrático y mártir en el sentido literal del término (es decir. ‘testigo’)’,como lo resume Valerio Magrelli, que murió a los 53 años, sigue suscitando lecturas e interpretaciones, yuxtaposiciones e ideas que muestran la fuerza y el núcleo universal incandescente en nuestro mundo de sus visiones, sus ideas, sus profundos análisis revelados son casi profecías sobre la sociedad industrial que todavía nos hablan en nuestra civilización electrónica.

Nacido en Bolonia el 5 de marzo de 1922, PASOLINI vivió en los años 40 en Casarsa, en Friuli, con su amada madre y hermano y se fue en 1950 a Roma, para escapar del escándalo causado por la denuncia pública de ”corrupción de menores” vinculado a su homosexualidad y su profesión como profesor, que también le costó la expulsión del Pci. En la capital cada vez más, a lo largo de los años, su historia biográfica se identifica con ese escritor, artista, erudito e intelectual a menudo agitado, comprometido a testificar y defender, incluso en la corte, su diversidad radical, hasta su muerte en la noche entre el 1 y el 2 de noviembre de 1975 en el hidroscalo de Ostia, asesinado por uno o más de sus ”chicos de la vida”.

PIER PAOLO PASOLINI, hombre de tempestades.

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Laura Pausini anhela el Oscar por la canción original “Io si” (“Seen”)

ROMA.- La cantautora italiana LAURA PAUSINI ha obtenido a lo largo de su carrera Seis World Music Awards, cuatro premios en el Festival de Viña del Mar, cuatro en Lo Nuestro Awards, un OGAE, un Grammy Award, cuatro Latin Grammy Awards, la primera en actuar en el estadio San Ciro, pero ahora acaricia una estatuilla de la Academia de Hollywood.

Esta italiana de 46 años podría abrazar otro logro importante: una nominación al Oscar por la Mejor Canción Original con Io si, tema del filme The Life Ahead, que marca el retorno frente a la cámara, luego de 10 años, de la legendaria Sophia Loren, dirigida por su hijo Edoardo Ponti.

“No quiero pensar que puede suceder. Porque si me animo y no gano me caigo. Por ahora, festejo la posiblidad de la nominacion”, dice la cantante que quiso realizar cinco versiones de la canción.

 Así, además de en italiano, escrita por Laura con Niccoló Agliardi -la única que se escuchará en la película-, también hay versiones en inglés, francés, español y portugués.

Io si (Seen, en inglés), primera colaboración de Laura Pausini con Diane Warren que escribió la versión original, (11 nominaciones a los Oscar, 1 Grammy Award, 1 Emmy Award, 1 Golden Globe) y primer inédito para la cantante luego de Fatti Sentire, fue el punto de inflexión, luego de un período de crisis creativa.

“Con el confinamiento por el Covid me sentí perdida”, reveló en una conexión por zoom desde Roma. “En vez de sacar todas mis inquietudes, me pregunté si interesaba a alguien que yo cante en estos momentos”, deslizó.

Con pocas ganas de ponerse a trabajar en un nuevo álbum (que podría llegar en Navidad 2021), “continuaba postergando el momento en el cual comenzar a escuchar más de 500 canciones”, confesó, pero “luego apareció la propuesta de Diane Warren y comprendí porque hasta ahora había dicho que no a otros proyectos cinematográficos: esperaba emocionarme así, reconocerme en un filme que narra sobre dos personas, de encuentros que pueden cambiar la vida y pueden salvarla”.

“Y fue el momento justo para colaborar con Diane después de años de conocernos”, indicó.

El proyecto le provocó además un encuentro con otra gran mujer y artista. “Es una emoción observar en escena a Sophia (quien interpreta a una sobreviviente del Holocausto que se preocupa de los hijos de las prostitutas, NDR) y poder apreciar su generosidad al interpretar una historia intensa, italiana y con un significado socialmente importante y lamentablemente muy actual”, dijo Pausini.

“La primera vez que nos encontramos fue en 2003 y existió siempre una empatía entre nosotras. Es maternal, protectora y de ella afecta siempre su ser ícono en todo aquello que hace. Es la representación de la mujer italiana en el imaginario de los extranjeros”, expresó la catautora.

 Sophia Loren, revela Laura Pausini, estará además en el videoclip de la canción.

Y a propósito de mujeres, Laura habla de la paridad de género sin invocar las cuotas rojas. “Debe haber quién lo merece, tanto mujer como hombre. Es verdad que existen las disparidades, pero me parece que a veces se exagera un poco sobre esta cuestión. Lo que se debe combatir es la violencia. Y es aquello que deseamos gritar con el concierto. ‘Una, ninguna, cien mil’, que fue pospuesto para junio próximo. La violencia es inaceptable y lamentablemente el lockdown no ha ayudado a combatirla”, desgranó.

“Vivimos en la incertidumbre y cada uno quiere proponer alguna cosa para remediar. Existen 570.000 personas entre los artesanos y ciertamente no somos nosotros cantantes en poder ayudar por sí solos”.

Fedez (famoso rapero italiano, NDR) propuso un fondo, pero creo que es el Gobierno a deber hacerse cargo: con 600 euros por persona se necesitarían unos 350 millones de euros. Al llamado efectuado algún tiempo atrás no tuvimos respuesta, pero la situación es complicada”, subrayó e insistió en que el arte debe ser salvaguardado.

“Es que el arte salva, ayuda donde estamos refugiados cuando estuvimos encerrados en casa tantos días, nos amparamos en la música, en el cine, en los libros. Refieren a la cultura, pero sobre todo al estado emocional del ser humano”, completó Pausini.

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Esta noche el estreno de “Breaking Music”, docureality por Film&Arts

De Berlín a Buenos Aires, del lied alemán al tango argentino, este Dominguito Sagrado a las 22:00 horas por la telera nuestra de FILM&ARTS, se estrena a nivel mundial BREAKING MUSIC, una producción original que combina tres formatos, el viaje musical, el reality y el concierto.  

El destacado barítono alemán Benjamin Appl recibe una extraña propuesta de un mecenas anónimo para hacer un viaje de investigación musical donde va a explorar las similitudes y diferencias de estos dos géneros musicales.

Benjamin decide aceptar la propuesta con las condiciones que ha puesto el misterioso mecenas: en Buenos Aires será asistido en todo momento por un guía y traductor local; la duración de la investigación será de seis días; tendrá que dar un concierto de su propio repertorio al público local y, por último, deberá realizar un concierto en Berlín durante el cual hará una narración de su experiencia transmitiendo sus valiosas vivencias personales, y donde cada pieza musical estará relacionada con lo que experimentó en Buenos Aires.

En BREAKING MUSIC, la mirada y la narración del viajero, le permiten a la audiencia acceder a un punto de vista nuevo e improbable. El lied alemán y el tango – a pesar de estar separados por más de 100 años – se van entretejiendo naturalmente junto al azar del viaje y los encuentros con los artistas locales crean nuevos vínculos que convierten el encuentro en un intercambio revelador.

UN DATO:

Benjamin Appl fue BBC New Generation Artist y ECHO Rising Star Artist para la temporada 2015/16, apareciendo en recitales en importantes lugares europeos. Se convirtió en artista exclusivo de SONY Classical en mayo de 2016 y ganó el Gramophone Young Artist of the Year Award en 2016.

Breaking Music es una producción original de AMC Networks International – Latin America. El mismo fue rodado en Buenos Aires, Argentina y en Berlín, Alemania. El docureality tiene una duración de 80 minutos y es producido por Marcelo Lezama en asociación con Trinity Contenidos.

¿DÓNDE VERLO?

FILM&ARTS es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

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Películas de Disney incluyen etiquetas de contenido racista

HOLLYWOOD.– DISNEY + actualiza la etiqueta de contenido racista o estereotipado para algunas de sus películas clásicas. La advertencia “Este programa incluye descripciones negativas y / o maltrato de personas o culturas” se agregará a películas como Dumbo, Peter Pan, Los Aristogatos, entre otras, mientras que anteriormente solo advertía que el ‘programa puede contener descripciones culturales desactualizadas’.

Disney incluyó nuevas advertencias de contenido al comienzo de cintas clásicas como Dumbo (1941), Peter Pan (1953) o El libro de la selva (1967), que avanzan las connotaciones racistas que pueden contener sus películas antiguas.

“Este programa incluye representaciones negativas y/o un mal tratamiento de personas o culturas”, indica la nueva etiqueta, que se proyecta 10 segundos antes del comienzo de las películas en su plataforma de “streaming” Disney+.

“Estos estereotipos estaban mal entonces y ahora están mal”, comentó Disney. Los Aristogatos, por ejemplo, llevan la advertencia porque muestran a un gato con la cara amarilla tocando el piano con los típicos palitos chinos para comer mientras que en Peter Pan los indios americanos son llamados ‘indios’, considerado actualmente un insulto racista.

Lady and the Tramp también tiene varias referencias racistas y estereotipos. Algunas películas, en cambio, como Uncle Tom’s Tales, han sido completamente excluidas de la plataforma de streaming precisamente porque se considera racista.

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El libro de terror ideal de fans y lectores para Guillermo del Toro

A sus 56 años, la imaginación y monstruos de GUILLERMO DEL TORO, no sólo han llenado las pantallas de cine, habitan también las páginas de novelas y guiones. Para celebrarlo a la distancia, Penguin Random House, cuestiona a sus lectores: ¿qué libro de terror le recomendarías a este cineasta y novelista mexicano?

Aquí en TV&SHOW algunas propuestas para el cineasta, solidario y altruista realizado jalisciense.

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50 años sin Janis Joplin, la mujer que abrió brecha a las rockeras

LOS ÁNGELES.- En un día como hoy pero de hace 50 años, JANIS JOPLIN no se presentó en el estudio de grabación esa tarde del 4 de octubre de 1970. El teléfono de su habitación en el Landmark Motor Hotel de Los Ángeles sonaba en blanco. Su famoso Porsche psicodélico todavía estaba en su lugar en el estacionamiento. La tarea de buscarla fue encomendada a John Byrne Cooke, fotógrafo y su road manager: y así fue él quien la encontró muerta, boca abajo junto a la cama. La autopsia realizada por el famoso forense Thomas Noguchi no dejó lugar a dudas: la vida del ícono femenino más poderoso de la historia del rock había sido una sobredosis de heroína.

Es el trágico y prematuro final de la muy intensa y desesperada existencia de una niña que cambió para siempre el papel y la imagen de la mujer en el mundo de la música, un universo en ese momento dominado por un machismo feroz. Janis fue la primera mujer súper estrella de rock: no le fue fácil abrirse camino pero ciertas situaciones mueren difíciles cuando piensas que el último y fuerte ataque al machismo del mundo del espectáculo llegó hace unos meses por parte de Dua Lipa, estrella del pop mundial que solo tiene 25 años.

La vida de JANIS JOPLIN fue muy difícil desde que era una niña, cuando en la escuela secundaria en Forth Worth, Texas, donde nació el 19 de enero de 1943, fue víctima del acoso más feroz: tenía sobrepeso y estaba atormentada por el acné y los insultos de sus compañeros. Su único espacio de felicidad era la música, el Blues en particular. 

Antes de terminar la universidad, hizo autostop a San Francisco, que se convertiría en “su ciudad”. En ese momento Frisco, y en particular el distrito de Haight-Asbury, era la capital del movimiento hippy, una concentración única de pacifismo, fermento musical y cultural (en North Beach estaban los Beat) y experimentación con sustancias. 

Ponerse en contacto con el mundo de la música era inevitable: fue una amiga suya quien le dio la primera oportunidad profesional con Big Brother and the Holding Company: la voz aguda y ronca, llena de dolor y deseo de amor, imbuida del blues de Bessie Smith y Odetta o el alma rugiente de Etta James conmociona al público y a la crítica: la actuación en el festival de Monterey en 1967 anuncia al mundo que nació una estrella. En 1968 editan su segundo disco con la banda, Cheap Thrills, con la portada ilustrada por Robert Crumb, el genio del cómic underground y algunas de las canciones sobre las que se construye la leyenda de Janis: Summertime, Piece of my Heart y Bola y cadena. 

A pesar de llegar al # 1 en la lista de álbumes, Cheap Thrills es el último álbum grabado con la banda. La actuación en el Festival de Cine de Monterey de 1967 anunciaba al mundo que ha nacido una estrella. 

A partir de ese momento inició su carrera en solitario, lamentablemente muy corta. Solo tendrá tiempo para grabar I Got Dem Ol ‘Kozmic Blues Again Mama! y para terminar las grabaciones de Pearl (su apodo), que se lanzará póstumamente en 1971: aquí también hay títulos legendarios, comenzando por Mercedes Benz y especialmente Me and Bobby McGee, un cover de una canción de Kris Kristofferson, que fue el único sencillo de su carrera en llegar a la cima de la lista. 

Su vida ya estaba devastada por la heroína, malas relaciones y por miedos nunca vencidos y deseos insatisfechos. Pero también lleno de momentos de música inalcanzable: JANIS JOPLIN fue simplemente un presagio, una chica que podría llevar el mundo del blues y el soul al rock con absoluta naturalidad.

Debido a sus excesos en el escenario no siempre estuvo a la altura: Woodstock, por ejemplo, no fue una de sus mejores actuaciones. Subió al escenario diez horas después de la hora prevista: un tiempo demasiado largo para no llenarse de consumo excesivo de heroína y alcohol. Dice Pete Townshend: “En Woodstock, Janis no hizo su mejor actuación probablemente debido al alcohol y las drogas. Pero incluso cuando no estaba en forma, podía ser extraordinaria”. 

Como si hubiera estado regulada por la sincronicidad, su muerte está ligada a una serie de coincidencias: poco antes de morir, al saber que Bessie Smith, la mayor cantante de blues de la historia y su ídolo, fue enterrada en una tumba con una lápida anónima, ella compró uno nuevo adecuado a la estatura del personaje. 

Una de sus últimas canciones se llama Buried Alive With The Blues, enterrada viva con el blues. 

Janis murió dos semanas después de Jimi Hendrix: ambos a los 27 años, como Jim Morrison, que morirá un año después. Él también a los 27. Son la trinidad secular del Club 27, el círculo de artistas que murieron prematuramente a la misma edad, a la que se unieron trágicamente Kurt Cobain y Amy Winehouse. 

Lo que más importa es el extraordinario legado musical que dejó Joplin, fue que abrió el camino a las mujeres del rock, quien demostró que el talento y el poder emocional pueden cambiar las reglas del juego. Un modelo imprescindible para generaciones de artistas. Pero también prueba de que incluso una niña perseguida por matones con música puede aprender a volar.

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Los Premios Ariel esta noche por Canal 22 y la cinta “La Barraca”

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Este Dominguito Sagrado por la telera nuestra y pública de cada día, el canal 22, se transmitirá en vivo a las 20:30 horas, la ceremonia de la 62 Entrega del Ariel para reconocer a lo más destacado de la producción cinematográfica nacional, estrenada durante 2019.  

La transmisión, que cuenta también con el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía, se llevará a cabo por la señal 22.1 de televisión abierta, en el Canal 22 Internacional en todo Estados Unidos y en la señal 22.2 a las 21:30 horas, además del Facebook Live de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas y de la televisora (/academiacinemx y /Canal22Mexico). El Canal 14 lo transmitirá a las 22:00 horas, a esta emisión se suman otras televisoras de la Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México.  

Los encargados de conducir la 62 Entrega del Ariel 2020 serán la actriz Verónica Toussaint, ganadora del Ariel como Mejor Actriz en 2018 por la película Oso Polar, y el director y productor Roberto Fiesco, ganador del Ariel en dos ocasiones (en 2014 a Mejor Largometraje Documental por Quebranto y en 2016 a Mejor Cortometraje de Ficción por Trémulo).  

Asimismo, anualmente la Academia entrega el Ariel de Oro, el cual simboliza la labor de excelencia que un integrante de la comunidad cinematográfica ha logrado a lo largo de su trayectoria, contribuyendo al desarrollo y crecimiento del cine mexicano.  

Este año, se otorgará a la primera actriz María Rojo, quien, con una extensa, sólida y prolífera trayectoria en cine, teatro y televisión, ha participado en más de 80 películas y será entregado por el cineasta Felipe Cazals, así como a la destacada compositora Lucía Álvarez, quien cuenta con una amplia y notable carrera en la composición de música en las artes visuales, principalmente en cine y teatro, ha compuesto música para más de 20 películas y más de 30 obras de teatro, este reconocimiento será entregado por la primera actriz Diana Bracho.  

UN DATO:

Además de la ceremonia de premiación del Ariel, el Canal Cultural de México contará con una programación especial previa y posterior a la premiación.  

LA BARRACA

Dirección: Roberto Gavaldón  

Domingo 27 de septiembre, 14:30 horas.

La barraca da inicio a la programación especial de los Premios Ariel 2020, el domingo 27 de septiembre, a las 14:30 horas, ópera prima de Roberto Gavaldón que fue la primera galardonada con el Ariel a Mejor Película (1947).  

Marquesina 22: Rumbo al Ariel  

Domingo 27 de septiembre, 18:00 horas.  

Previo a la entrega 62 de los Premios Ariel, el domingo 27 de septiembre, a las 18:00 horas se presenta Marquesina 22: Rumbo al Ariel, programa especial conducido por Huemanzin Rodríguez y Julio López que busca dar un panorama general sobre la premiación.

Los conductores estarán acompañados por los críticos Marcela Vargas y Jesús Chavarría, quienes se encargarán de los pormenores sobre esta edición y compartirán su punto de vista sobre los posibles ganadores. Además, habrá una serie de entrevistas a las galardonadas con el Ariel de Oro de este año: la actriz María Rojo y la compositora Lucía Álvarez; así como a Daniela Michel, directora del Festival Internacional del Cine de Morelia, y Fernando García Tsao crítico de cine quienes hablarán sobre la importancia del cortometraje y documental dentro del cine nacional.  

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