Bill Murray, el cazafantasmas, celebra siete décadas de vida

LOS ÁNGELES.- Para sus amigos más cercanos lo conocen como William James, pero para sus fans y el mundo fílmico el nombre de BILL MURRAY, su calidad artística no está en duda, preparándole un emotivo festejo por sus 70 años que cumple este lunes. 

“Pero ese chico William James ha recorrido un largo camino. Nacido en Evanston, Illinois, fue el quinto de nueve hijos, huérfano a los 17, estudiante indisciplinado y expulsado de la Universidad de Denver por consumo de marihuana, BILL MURRAY llegó a ser actor casi por desesperación.

Su suerte cambió cuando se cruzó en el camino con John Belushi, quien lo arrastra a la loca aventura de National Lampoon Radio Hour en la ciudad de Nueva York. Es 1974 y tres años después sigue a Belushi a NBC donde despega el programa Saturday Night Live. En el ’79 Ivan Reitman le ofrece la gran oportunidad con Polpette en la que es el jefe scout Tripper, creador de bromas mortales contra los equipos rivales. Cinco años después se reunieron para Cazafantasmas, donde Bill Murray reemplazó a John Belushi, quien murió poco antes.

Característico e inseguro como suele ocurrir con los grandes comediantes, Bill intentó desintoxicarse del cine y se encontró en los pequeños escenarios del off Broadway pero en 1993 fue otro amigo quien brilló su talento: con Ricomincio da capo, de Harold Ramis, el público se lo nota y la película se convierte en un objeto de culto. Como ocurrirá diez años después con Lost in translation de Sophia Coppola. Mientras tanto, el actor se convierte en el alter ego del talento emergente de los 90 en todas las películas de Wes Anderson. Lamentablemente, la serenidad personal no se corresponde con la consagración artística que lo lleva a ser uno de los actores más cotizados del nuevo milenio.

Frances McDormand le presenta al clan Cohen (y él llegará agradecido en autobús a Roma para celebrar a su amigo en el Festival de Cine de Roma); Wes Anderson lo llama para el aún inédito The French Dispatch, Sophia Coppola para On the Rocks, Jason Reitman (el hijo de Ivan) para el reencuentro de Ghostbusters: Legacy, que se espera se estrene el próximo año. 

En definitiva, si no fuera por ese personaje maldito, a veces demasiado sensible y devorado por la ansiedad, el cumpleaños de Bill Murray sería una feliz ocasión. Por supuesto que lo es para sus admiradores que saben que pueden contar con un talento aún capaz de dar mil sorpresas.

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Yusuf/ Cat Stevens reinventa su álbum “Tea for the Tillerman”

La reinvención de YUSUF / CAT STEVENS, TEA FOR THE TILLERMAN se estrena a través de UMC. El álbum, que incluye los sencillos lanzados anteriormente Where Do The Children Play?, On The Road To Find Out y el último lanzamiento Father And Son, ya tiene respuesta a nivel internacional.

Mojo confirma que hay “integridad conceptual tangible en estas nuevas versiones más robustas y ricamente detalladas“, y el álbum es descrito como “una forma poderosa de rastrear el paso del tiempo” por la NME. Rolling Stone se entusiasmó: “Las nuevas versiones de las pistas de Tea for the Tillerman no son recreaciones nota por nota. En muchos casos, son más exuberantes que los originales y algunas toman giros sorprendentes, como un funkafied ‘Longer Boats’ con la voz invitada del rapero Brother Ali. ‘Wild World, mientras tanto, ahora suena casi como un vals.

Dicho esto, Yusuf trabajó duro para mantener el mismo espíritu de los originales “. Billboard exclamó: “La reinvención cambia muchos de los arreglos familiares, mientras se mantiene afortunadamente fiel a la misión del álbum: explorar la vida y uno mismo sin miedo”, mientras que Forbes lo aclamaba como “un proyecto fascinante“.

American Songwriter declaró, “la inconfundible, rica y retumbante voz de Yusuf / Cat Stevens está en una forma fantástica“.

En un perfil reciente que abarca toda su carrera, CBS Sunday Morning comentó sobre la canción atemporal de Yusuf , Father and Son, afirmando: “En la dolorosa conversación entre padre e hijo, las pistas se grabaron con 50 años de diferencia, y ambas versiones son perfectas en su a su manera”.

En 1970, Cat Stevens lanzó Tea For The Tillerman, una obra maestra musical que es ampliamente alabada como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 50 años después, Yusuf / Cat Stevens, como se le conoce ahora, ha reinventado el álbum para una era completamente nueva. El resultado, Tea for the Tillerman2, es un homenaje cariñoso a la grabación original y demuestra cómo las canciones pueden trascender su propio tiempo y mantenerse relevantes en un mundo en constante cambio y cada vez más salvaje.

El nuevo álbum fue grabado en Studio La Fabrique en la campiña provenzal francesa cerca de donde el artista favorito de Yusuf, Vincent Van Gogh, pintó muchas de sus obras más queridas.

Para la grabación de Tea for the Tillerman, Yusuf se reunió con el productor Paul Samwell-Smith y el guitarrista Alun Davies, quienes estuvieron presentes en la primera ronda. Completaron el equipo los veteranos hombres de sesión Jim Cregan y Peter Vettese, así como Kwame Yeboah y Eric Appapoulay, pilares de la banda en vivo de Yusuf durante la última década. La atmósfera se cargó con una electricidad palpable cuando, una a una, las canciones clásicas fueron revisadas con amor como recuerdos profundamente preciados.

Yusuf estaba en un estado de ánimo confiado y en buena forma mientras dirigía decisivamente el conjunto hacia su visión clara y definida. Algunas canciones se han rediseñado a través de una lente contemporánea y otras son desviaciones totales de las originales, como la versión de blues del desierto de On The Road To Find Out: vea una sorprendente colaboración visual entre Yusuf y los directores Kimberly Stuckwisch (Billie Eilish, Thundercat, MØ) y Melora Donoghue de Invisible Inc aquí, o el toque de tango argentino que se le ha dado a Wild World.

Quizás la joya de la corona es el nuevo Father And Son que ve a Yusuf haciendo un dueto con su yo de 21 años. Yusuf ahora canta el papel del padre, mientras que el del hijo proviene de una grabación de 1970 realizada en el legendario Troubadour de Los Ángeles. El efecto de las experiencias de un hombre, separadas por medio siglo, unidas en una canción, es profundamente conmovedor y aporta un nivel completamente nuevo de significado al favorito eterno. La pista está acompañada de un impresionante video animado de fotograma a cuadro del aclamado director Chris Hopewell y Black Dog Films.

De hecho, la reelaboración de todas las canciones solo sirve para iluminar la amplia gama de sutilezas y matices que son una de las razones por las que se pueden escuchar una y otra vez. Yusuf ha actualizado la obra de arte icónica del álbum que él mismo escribió, utilizando un estilo para el dibujo que precede incluso a su interés por la música. El día se ha convertido en noche y el Tillerman ahora usa un traje espacial, lo que refleja simultáneamente la distancia recorrida en su viaje durante el último medio siglo y la creciente necesidad de protección contra el deterioro de la calidad del aire en el mundo.

El éxito duradero del legado musical de Yusuf / Cat Stevens se basa en una miríada de factores, pero la clave entre ellos es la asombrosa habilidad que tiene para traducir su vibrante imaginación en forma musical. Tea for the Tillerman es el ejemplo más eficaz y entrañable de este proceso con su paisaje creativo completamente desarrollado habitado por atractivos personajes tridimensionales.

Estos se convierten en los medios para que Yusuf / Cat Stevens impartan sabiduría y conocimientos que sin duda superaron sus años de juventud en 1970 y, incluso ahora, parecen destacarse por estar muy bien sintonizados con nuestro complejo y delicado mundo. El sorprendentemente profético ‘Where Do The Children Play?‘ Solo podría haber sido escrito como una reacción a la terrible crisis ecológica que enfrentamos en este momento, con la versión reinventada de 2020 ahora combinada con un video musical profundamente conmovedor realizado en colaboración con Chris Hopewell y Black Dog Films, explorando las posibilidades de la producción de videos musicales sin desperdicios.

En otra parte, Miles From Nowhere y On The Road To Find Out documentan la búsqueda de significado y la sed de aventuras que siempre serán ritos de iniciación para un alma ansiosa. Estos son cuentos populares modernos que resonarán con cualquier espíritu abierto y receptivo y Yusuf es nuestro narrador humilde pero experto, son alegorías para los nuestros y de todos los tiempos.

En última instancia, es la universalidad del mensaje subyacente de amor y paz del álbum combinada con su innegable brillantez artística lo que cimenta el lugar de Tillerman en la historia. Ya ha dejado una marca indeleble en los cimientos de la cultura popular y con esta nueva versión estamos invitados a ser testigos una vez más de su magia y misterios por un artista que ha pasado los 50 años intermedios desafiando sin miedo los límites de su propia comprensión y visión.

UN DATO:

Disponible en 1xCD, 1xLP, Digital y formatos de streaming

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Ahora sí abrirá el Museo Oscar para 2021 con expo de Miyazaki

LOS ÁNGELES.– Varias veces pospuesto y fuera de presupuesto, el Museo Oscar diseñado por Renzo Piano, abrirá sus puertas a finales de abril del año entrante, con una exposición inaugural dedicada al gran cine de Hayao Miyazaki. 

Los problemas de construcción antes y después de la pandemia habían retrasado al Museo de la Academia de Cinematografía durante años. Ahora, salvo imprevistos, el corte de cinta en el distrito de Miracle Mile, programado para el próximo diciembre, se estima para el 30 de abril con la primera exposición temporal dedicada al animador japonés ganador del Oscar en 2003 por El viaje de Chihiro.

La exposición está organizada en colaboración con Studio Ghibli del que Miyazaki fue fundador junto con su colega y mentor Isao Takahata: presentará 300 objetos relacionados con las películas del cineasta, muchos de los cuales salieron de Japón por primera vez. También habrá proyecciones de las obras maestras de Miyazaki, considerado uno de los más grandes, si no el más grande maestro del cine de animación vivo.

“Honrar la gran carrera de este destacado artista internacional es la forma más adecuada de abrir nuestras puertas, un símbolo del propósito global del Museo de la Academia”, dijo el director Bill Keller. 

La muestra se organiza como un recorrido por siete secciones, cada una centrada en un tema de la obra del cineasta de 79 año,s que en 2014 fue galardonado con el Oscar a la trayectoria. Una sección está dedicada a la colaboración con Takahata que dio lugar a obras maestras para la televisión como Heidi, otra fascinación ejercida en Miyazaki por complejas estructuras verticales.

El museo de la Academia estaba originalmente programado para abrir en 2017. En febrero, la noche de los Oscar, Tom Hanks anunció una nueva fecha de corte de cinta: diciembre. Pero luego estalló la pandemia, lo que obligó a un nuevo aplazamiento. 

El edificio futurista diseñado por Piano se eleva a poca distancia de Lacma (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), cuyo Resnick Pavilion también fue diseñado por el arquitecto genovés. En el proyecto Piano, las dos almas del edificio coquetean, apenas tocándose, gracias a los pasillos aéreos que conectan el ala histórica, creada en la sede de los grandes almacenes May de 1939 transformada en espacios expositivos, y una “nave voladora” desde la quese sube a un teatro con mil butacas que lleva el nombre de David Geffen, que en el futuro debería albergar la noche de los Oscar.

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El sueño del pianista Lang Lang se hizo realidad

“Este es un momento de sueño hecho realidad muy importante”, dice LANG LANG. El pianista superestrella, que esperó 20 años antes de tocar en público, la monumental composición de Johann Sebastian Bach, finalmente ha logrado su objetivo de grabar las Goldberg Variations. 

Es el resultado de dos décadas de profundo estudio y reflexión personal, su visión del Aria de Bach y 30 Variaciones está disponible ahora en Deutsche Grammophon.

LANG LANG marcará el lanzamiento global de su nuevo álbum el día de hoy, con una presentación especial del histórico Templo (东景缘,Dongjingyuan) en  Beijing  –  sitio de la antigua imprenta imperial y un santuario budista ancestral, meticulosamente renovado en los últimos años para preservar su historia de múltiples capas.

También está disponible a partir de hoy una edición súper de lujo no sólo con la grabación de estudio de LANG LANG, sino una actuación capturada en vivo en concierto en el Thomaskirche de Leipzig, donde Bach trabajó y está enterrado. Este acoplamiento de las grabaciones de estudio y en vivo, primera en el mundo para los “Goldbergs”, ofrece una visión fascinante del arte de la interpretación. Las interpretaciones de Lang Lang intensifican la impresionante mezcla de complejidad contrapuntística, estilos musicales diversos y espontaneidad que reafirma la vida.

Impulsado por una pasión de toda la vida por una de las composiciones más desafiantes pero gratificadoras de todo el repertorio clásico, el último álbum de Lang Lang representa un hito importante en una carrera ya de por sí estelar. “Diría que tocar y grabar este concierto me lleva al siguiente nivel de ejecución del piano”, explica. “Ahora tengo 38 años y, aunque eso no es ser viejo, creo que era el momento adecuado para una nueva etapa en mi desarrollo artístico”, añade. “Me he mudado a un nuevo terreno con las Goldberg Variations y realmente, me he sumergido completamente en este proyecto. Mi objetivo como artista es seguir siendo más consciente de mí mismo y más conocedor, así como seguir ofrecer inspiración a los demás. Es un proceso continuo, pero este proyecto me ha llevado un poco más lejos en el camino”.

HAN DICHO:

“Estas versiones gemelas abrirán nuevas puertas al misterio sublimemente codificado de Bach” – The Economist

“Profundamente sentida y dos décadas en su elaboración” – New York Times

Acerca de Lang Lang

El famoso virtuoso del piano Lang Lang ha vendido millones de álbumes en todo el mundo, encabezando las listas clásicas y logrando simultáneamente el éxito en el mainstream. Nombrado como una de las 100 personas más influyentes del mundo por la revista TIME, durante la última década ha actuado para dignatarios como el presidente Barack Obama, el Papa Francisco y la reina Isabel II, además de dar conciertos con localidades agotadas con las mejores orquestas y directores del mundo. Lang Lang también ha alcanzado una gran audiencia televisiva actuando en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, la final de la Copa Mundial de la FIFA 2014 en Río de Janeiro, y con artistas como Metallica, Pharrell Williams y Herbie Hancock en varias ediciones de los Premios Grammy. En abril de 2020 participó en el concierto One World: Together At Home, que fue transmitido por las principales cadenas de televisión y transmitido en línea en múltiples plataformas globales.

La magnitud de los logros musicales de Lang Lang se refleja en su incansable compromiso con las causas benéficas, sobre todo a través de la Lang Lang International Music Foundation y Keys of Inspiration®. Es embajador de Buena Voluntad de UNICEF así como Mensajero de la Paz de las Naciones Unidas, ha inspirado a 40 millones de niños y niñas a aprender el piano y ha desarrollado programas educativos de gran éxito. El álbum anterior de Lang Lang, Piano Book, se convirtió en el álbum clásico más vendido de 2019 en todo el mundo.

Encabezó las listas en varios países y también fue su mayor debut en streaming, con más de 170 millones de reproducciones. Uno de los músicos clásicos más influyentes del mundo, Lang Lang tiene más de 20 millones de seguidores en las redes sociales.

Todo lo que hace el pianista está respaldado por su creencia de que “la música mejora la vida: sana, une e inspira, y nos hace mejores personas”. The Goldberg Variations es su oferta musical más reciente y tiene como objetivo animar a una nueva generación de fans a explorar el asombroso trabajo de Bach.

EN REDES

https://dg.lnk.to/Goldberg

www.langlangofficial.com

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Sean Connery, 90 años de una vida fructífera, intensa y de claroscuros

LONDRES.- Su personalidad no se desvanece. SEAN CONNERY cumple 90 años, un icono del cine que ha tenido una vida fructífera, intensa y también de claroscuros.

El título para Connery nunca fue más apropiado: Highlander , porque no es solo una más de sus películas -1986- en la que interpreta a un inmortal maestro de armas español como su alumno Chris Lambert, sino que es su emblema. 

En Italia se le vio por última vez en 2007 cuando asistió al Festival de Cine de Roma para recoger un premio a la trayectoria (el Marco Dorado Aurelio), que hace un gran espectáculo de sí mismo en una vitrina desprovista de premios a la altura de su éxito: un Oscar al Mejor Actor de Reparto (por Los Intocables de Brian De Palma), tres Globos de Oro, y una treintena de premios a la carrera (incluso un Telegatto).

Pero SEAN CONNERY, nacido en Edimburgo, hijo de camionero y camarera, nunca hizo un drama con eso. Hace apenas unos meses, fue confirmado por aclamación como el mejor James Bond de la saga 007. 

Es difícil decir cuánto sufre esta asociación forzada: en su juventud no le dio mucho peso, luego se obsesionó tanto con ella que interrumpió abruptamente una historia que comenzó en 1962 con Licencia para matar  después de cinco éxitos planetarios hasta Solo se vive dos veces ” (1967).  

Para escapar del cliché de 007, Sean tuvo que alternar el papel de príncipe con otras películas. Así comenzó a construir un nuevo personaje (valiente, machista, irónico, romántico). Con la edad, Sean Connery se conviertió en una estrella y un actor seguro de sí mismo.

Con 94 películas en su haber, a menudo ha dicho que le encanta Los intocables ,  La Roca, Indiana Jones and the Last Crusade (como el padre de Harrison Ford), y The Russia House.

Aunque después de su jubilación en 2006 se especuló con su enfermedad de Alzheimer, Sean Connery ha reaparecido en público ( en el torneo de tenis de Flushing Meadows) en 2017.

Al recibir un premio Lifetime Achievement Award, dijo: “¡Mis pies están cansados ​​esta noche, pero mi corazón y mi cerebro no lo están!”.

Sean Connery 1957 A rather young looking Sean Connery, pictured in 1957. Fame

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“John Williams in Viena”, de colección

Dolby Laboratories  (NYSE: DLB), líder en experiencias de entretenimiento inmersivas y el destacado sello discográfico de música clásica, Deutsche Grammophon, anunciaron el lanzamiento de una experiencia de audio especial del legendario compositor JOHN WILLIAMS y la actuación seminal de la Filarmónica de Viena –John Williams in Vienna– mezclado en sonido inmersivo Dolby Atmos, ya disponible en Amazon Music HD y Blu-ray.

Las bandas sonoras de las películas de Williams abarcan un sólido catálogo y han ganado numerosos reconocimientos, incluidos cinco premios Oscar, cinco premios Emmy, cuatro Globos de Oro y veinticinco premios Grammy. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como la saga completa de Stars Wars, las películas de Indiana Jones, Jurassic ParkLa Lista de Schindlery las tres primeras películas de la serie Harry Potter, por nombrar solo algunas.

En lo que fue el debut de Williams como director en Europa continental, se unió en el escenario del mundialmente famoso Vienna Musikverein a la Wiener Philharmoniker, así como a la reconocida violinista Anne-Sophie Mutter para las interpretaciones de las partituras clásicas de Williams que habían sido especialmente adaptadas para ella. Estas incluyeron El tema de Hedwig de las películas de Harry Potter, La danza del diablo de Las brujas de Eastwick y el tema de Sabrina.

El concierto fue grabado y mezclado en Dolby Atmos por Bernhard Guttler.

John Williams comentó: “Actuar en un lugar tan prestigioso como el Musikverein con la magnífica Filarmónica de Viena y la incomparable Anne-Sophie Mutter fue un gran privilegio.  Estoy encantado de que los escuchas puedan compartir esa experiencia a través de la tecnología especial de Dolby Atmos“.

John Couling, Vicepresidente Senior de Asociaciones Comerciales, Dolby Laboratories añadió: “John Williams es sin duda uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos y que haya actuado con la mundialmente conocida Filarmónica de Viena, en lo que muchos consideran el hogar de la música clásica, es un espectáculo ineludible. Estamos encantados de presentar este concierto, único en la vida, en Dolby Atmos para los fans de todo el mundo, asegurándonos de que puedan disfrutarlo como si estuvieran sentados en el mejor asiento de la casa, cuando quieran“.

ESCUCHAR:

UN DATO:

Dolby Atmos Music es una experiencia musical inmersiva que añade más espacio y profundidad al audio. Permite a la gente conectarse con su música favorita de una manera completamente nueva, arrastrando a los oyentes hacia una canción y revelando lo que se perdió con las grabaciones estéreo. Los escuchas pueden descubrir detalles ocultos y sutilezas con una claridad sin igual.

Clemens Trautmann, presidente de Deutsche Grammophon dijo: “Como el sello que fue fundado por el inventor del gramófono, Deutsche Grammophon siempre ha adoptado la innovación tecnológica. Basándose en la larga tradición de nuestros ingenieros, que produjeron grabaciones multipista y cuadrafónica en las décadas de 1970 y 1980, Deutsche Grammophon fue el primer sello en crear mezclas Dolby Atmos de ciclos sinfónicos enteros a partir de 2017. Hay tantos detalles maravillosos y efectos espaciales en la música clásica que se pierden en la mezcla estéreo estándar, pero que cobran vida a través de la tecnología Dolby Atmos, añadiendo otra dimensión a la experiencia auditiva. El álbum ‘John Williams in Vienna’ es un escaparate perfecto para eso: el compositor de música de cine más renombrado del mundo con una de las mejores orquestas en la legendaria acústica de Musikverein.”

Los fans pueden disfrutar del álbum John Williams In Viennaen Dolby Atmos en Amazon Music HD con Echo Studio a partir del viernes.  El álbum también estará disponible en Dolby Atmos en Blu-ray.

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El álbum “John Williams in Viena”, para el 14 de agosto en todos los formatos

JOHN WILLIAMS, el compositor de cine más conocido y aclamado del mundo hoy en día, recientemente debutó como director de la Filarmónica de Viena. Sus dos conciertos en el Musikverein de Viena los días 18 y 19 de enero de 2020, que también fueron las primeras actuaciones que realizó en Europa continental, fueron producidos por Deutsche Grammophon en colaboración con Wiener Philharmoniker y ServusTV y filmados por Bernhard Fleischer Moving Images (BFMI).

El álbum John Williams in Vienna está programado para su lanzamiento internacional por Yellow Label el 14 de agosto de 2020 y estará disponible en todos los medios físicos y digitales relevantes, incluidos Blu-ray, CD, vinilo y eVideo, en mezclas estéreo y Dolby Atmos surround.

John Williams in Vienna reúne temas icónicos creados por el compositor estadounidense como “Imperial March” de Star Wars, las bandas sonoras de Harry Potter, Indiana Jones y Jurassic Park, entre otros hitos cinematográficos que han ganado innumerables premios, incluidos cinco Premios Oscar, cinco Emmys, cuatro Globos de Oro y veinticinco Grammys.

El nuevo adelanto de este mágico álbum es Devil’s Dance de la legendaria película The Witches of Eastwick.

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A 30 años de “The Wall” en Berlín

BERLÍN.– El músico británico ROGER WATERS cumplió tres décadas de la histórica promesa que hiciera en julio de 1989, cuando afirmó que solo sería posible interpretar The Wall -mítico álbum de Pink Floyd- en vivo cuando hubiera caído el Muro de Berlín, símbolo de la división entre Este y Oeste.

Un año justo después de esa entrevista, y casi nueve meses después de la caída del muro de Berlín en noviembre de 1989, se instaló un magno escenario en la que alguna vez fue “tierra de nadie”, la zona de Berlín entre la Potsdamer Platz y la puerta de Brandeburgo. Así, el 21 de julio de 1990 se llevó a escena uno de los eventos en vivo más simbólicos de la historia del rock.

Esa grandiosa puesta en escena tiene una historia nada sencilla, y no solo por su complejidad técnica. Para comprender su génesis hay que remontarse hasta 1979, cuando -bajo pleno control de Waters- Pink Floyd editó The Wall.

Éxito clamoroso, en la obra el bajista y cofundador del grupo cuenta la historia de Pink, una estrella de rock presa de la desilusión y de la paranoia que pone un muro entre él y la realidad. Y esa realidad está poblada de sus pesadillas, las instituciones escolares, el nazismo, el consumismo de una sociedad cada vez más materialista.

La banda estaba entonces dividida por las diferencias y Waters soportaba cada vez menos su papel de divo. Nació así la idea de un tour, ya legendario, que se llevó a cabo entre 1981 y 1982, y durante el cual se construía un muro que separaba la banda de su público y que solo al final era derribado.

Ese muro que signaba el punto de máxima distancia de la gente algunos años se convertirá en una metáfora de libertad de extraordinaria potencia.

En 1982 Alan Parker dirigió el filme inspirado en el doble álbum, y precisamente en este filme por primera vez aparecen aquellos muñecos e invenciones gráficas de Gerald Scarfe destinadas a permanecer en el imaginario de todos los fans de Pink Floyd.

El concierto de Berlín fue una empresa realizada solo por Waters, quien se había separado de David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason. En principio se había dirigido a algunos amigos como Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Eric Clapton, Rod Stewart, pero no aceptó ninguno de ellos.

El elenco fue integrado entonces por Bryan Adams, The Band, Paul Carrack, Cindy Lauper, Thomas Dolby, Joni Mitchell, Ute Lemper, Sinead O’Connor, Van Morrison, los Scorpions, Paddy Moloney, y James Galway.

Una puesta en escena grandiosa, con momentos de teatro musical en los que intervinieron actores como Albert Finney y Tim Curry, Marianne Faithfull, la orquesta sinfónica de la Radio de Berlín oriental y la banda de las Fuerzas Armadas soviéticas, los muñecos de ocho metros y el cerdo volante, el derrumbe del muro que signa el final del concierto transmitido por 52 países.

La potencia visual del espectáculo amplificó el significado simbólico de un concierto fundado en un álbum que de festivo no tenía nada.

Y sin embargo ninguna otra obra era más apta para celebrar un evento que cambió el mundo frente a 350 mil personas. Ese muro que dividió a una estrella de rock enloquecida de la realidad se había convertido en el Muro de Berlín: una vez más la música había demostrado ser el instrumento privilegiado para dar cuerpo a los sueños de un mundo mejor. Y aquella noche en Berlín a todos les pareció que era realmente posible.

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“Gabo, la magia de lo real”, por Netflix

Para este Dominguito Sagrado se puede disfrutar del documental GABO, LA MAGIA DE LO REAL (2015, Netflix), dirigido por el controvertido realizador inglés Justin Webster, por dar a conocer temas latinoamericanos para llevarlos a la telera nuestra de cada día.

Con 105 minutos de duración, GABO, LA MAGIA DE LO REAL parte del lugar de nacencia del escritor colombiano, su infancia solitaria y su consigna en mente y cuerpo de abandonar por siempre Aracataca.

Las imágenes envuelven la nostalgia y las emociones del escritor que transitaría por el periodismo en un largo camino de dudas existenciales, de fantasmas sombríos pero de imágenes nítidas que configurarían una de las más trascendentes obras de la literatura: CIEN AÑOS DE SOLEDAD.

...”Ante la impavidez de don Apolinar Moscote, siempre sin levantar la voz, hizo un pormenorizado recuento de cómo habían fundado la aldea, de cómo se habían repartido la tierra, abierto los caminos e introducido las mejoras que les había ido exigiendo la necesidad, sin haber molestado a gobierno alguno y sin que nadie los molestar. “Somos tan pacíficos que ni siquiera nos hemos muerte de muerte natural”, dijo. “Ya que todavía no tenemos cementerio”.

Diversos testimonios dan vida al relato, como el de su amigo Plinio Apuleyo Mendoza (1932), quien afirma que Gabriel García Márquez le preguntó textualmente en una ocasión: “¿Estás escribiendo sobre mí?”, a lo que el escritor boyacense le dice que sí, y Gabo sugiere: “¿Y vas a decir que yo todo lo tenía planeado aquí en mi cabeza?”“Tal vez sí.” responde Plinio. “Pues no es así. Nunca supe para dónde llegaba, hasta dónde llegaba, ¡imposible! Lo único que hacía era empujar como quien empuja un carro. Empuja, empuja y empuja sin saber si llega o no.”

Valiosas imágenes aparecen a lo largo del documental, como su incursión en el periodismo y esa gran novela guardada en su mente pero aun no escrita. Sus carencias económicas siempre acompañado de Mercedes, quien confiaba plenamente en él, tanto que durante una llamada de uno de sus deudores, tapó el auricular y le preguntó a Gabo: ¿cuánto te tardas en terminar tu novela (Cien años de Soledad), a lo que el escritor cuchicheó: “siete u ocho meses”. Ella le dijo en ese momento a quien le llamaba: “En siete meses le pagamos”. ¿Está segura, me lo promete señora?, inquirió el demandante. “¡Segura!”, le respondió Mercedes.

El documental incluye su visión política, el acercamiento y numerosas críticas con Fidel Castro, el antes y después de la ceremonia del Nobel de Literatura en Estocolmo, los festejos del colombiano y su manera de disfrutar las cumbias de sus amores.

CON LETRA GRANDE

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El álbum debut de Amy Winehouse, “Frank”, será lanzado en doble vinilo

FRANK, el álbum debut de AMY WINEHOUSE, aclamado por la crítica y con millones de ventas, estrenado originalmente el 20 de octubre de 2003, será lanzado en un disco doble de vinilo a media velocidad el 4 de septiembre.

El álbum que introdujo a la londinense de 20 años en el mundo musical y obtuvo la certificación de Triple Platino en el Reino Unido, presenta el sencillo ganador del Premio Ivor Novello, Stronger Than Me, así como los temas Take The Box, In My Bed and F ** k Me Pumps.

Half Speed Mastering es una técnica artesanal ofrecida por Abbey Road Studios, que da como resultado una reproducción de sonido de la más alta calidad. UMC ha creado una gama de prensas de vinilo personalizadas de álbumes icónicos utilizando este proceso y ha seleccionado cuidadosamente a Frank para que forme parte de la serie.

UN DATO:

El vinilo pesado y el empaque de más alta especificación vienen de serie para crear una experiencia de vinilo completamente personalizada que, lo más importante, proporciona una calidad de sonido superior a cualquier otra cosa disponible actualmente. El paquete incluye un certificado de autenticidad de Abbey Road y una tira obi de marca.

TRACK LIST:

Lado A

  1. Stronger Than Me
  2. You Sent Me Flying (Cherry)
  3. Know You Now

Lado B

  1. Fuck Me Pumps
  2. I Heard Love Is Blind
  3. Moody’s Mood For Love (Teo Licks)
  4. (There Is) No Greater Love
  5. In My Bed

Lado C

  1. Take The Box
  2. October Song
  3. What Is It About Men?
  4. Help Yourself

Lado D

Amy Amy Amy (Outro)

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Asmático, Martin Scorsese teme por su vida si se contagia de Covid-19

NUEVA YORK.- “He estado sufriendo de asma toda mi vida, y este virus aparentemente ataca los pulmones con más frecuencia que cualquier otra parte del cuerpo. Me di cuenta de que realmente podía respirar por última vez en esa habitación de mi casa que había sido un refugio y ahora se había convertido en una especie de fortaleza, y comenzaba a sentirme como mi prisión. Me encontraba solo, en mi habitación, viviendo de respiración en respiración”, es lo que el reconocido cineasta MARTIN SCORSESE, de 77 años y asmático desde hace varios años, confiesa en una entrevista con el director de La Civiltà Cattolica, padre Antonio Spadaro.

“En febrero, cuando me di cuenta de que todo se detenía, de que había una ‘pausa’, mi esposa y yo hemos mantenido la cuarentena, quedarnos en casa por un período de tiempo indefinido, y al cabo del tiempo la ansiedad se aparece constantemente. Es una nueva forma de ansiedad. La ansiedad de no saber nada, simplemente nada “, continúa Scorsese. 

“Entonces, algo vino, aterrizó en mí y dentro de mí. No puedo describirlo de manera diferente. De repente, vi todo desde un punto de vista diferente y mejor. Sí, todavía no sabía qué pasaría, pero nadie lo sabía. Podría haberme enfermado y nunca más haber salido de esa habitación, pero si hubiera sucedido, no podría haber hecho nada.

“Todo se volvió más fácil”, dice el director ganador del Oscar, y sentí una sensación de alivio. Y esta conciencia me trajo de vuelta a los aspectos esenciales de mi vida. A mis amigos y a las personas que amo, a las personas que tengo que cuidar, concluyó “.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Norah Jones, séptimo disco de estudio en solitario: “Pick Me Up The Floor”

La nueve veces ganadora del GRAMMY la  compositora y pianista Norah Jones ha lanzado su séptimo álbum de estudio en solitario Pick Me Up Off The Floor.

El álbum presenta colaboradores que incluyen a Jeff Tweedy y Brian Blade en un conjunto de 11 nuevas canciones escritas o co-escritas por Jones que le hablan profundamente al momento.
 
En el video oficial To Live se aprecia a Jones con el baterista Nate Smith, el bajista Jesse Murphy, el trompetista Dave Guy y el saxofonista tenor Leon Michels.  

Jones no quiso hacer otro álbum. Después de terminar la gira Day Breaks de 2016 su amado regreso al jazz basado en el piano— se alejó de la rutina del ciclo del álbum y se adentró en un territorio desconocido sin límites: una serie de sesiones cortas con una variedad cambiante de colaboradores resultando en una corriente diversa de sencillos (con Mavis StaplesRodrigo AmaranteThomas BartlettTarriona Tank Ball y más). Pero luego, lenta pero seguramente, las canciones de la sesión que Jones no había lanzado se convirtieron en lo que ella había querido evitar: un álbum.

Pero Pick Me Up Off The Floor no es un collage inconexo. Se mantiene unido maravillosamente, conectado por el ritmo astuto de sus tríos de piano, letras que enfrentan la pérdida y presagian esperanza y un estado de ánimo pesado que se inclina hacia la oscuridad antes de, finalmente, encontrar la luz.

“Cada sesión que he hecho, ha habido canciones adicionales que no lancé y han sido recolectadas durante los últimos dos años”, dice Jones. “Realmente me enamoré de ellas, con las mezclas ásperas en mi teléfono, escuchando mientras paseaba al perro. Las canciones quedaron atrapadas en mi cabeza y me di cuenta de que tenían este hilo surrealista corriendo por ellas. Se siente como un sueño febril que toman algún lugar entre Dios, el Diablo, el corazón, el País, el planeta y yo “.


Efectivamente, al igual que este conjunto de canciones difumina los colores sonoros (blues, soul, americana y varios tonos de jazz), también agita el dolor personal y político, y el trauma social, en un cuerpo mercurial. Incluso el significado del título del álbum parece cambiar. Las palabras “Recogerme del piso” (Pick Me Up Off the Floor)  a veces juegan como una súplica para una intervención externa, pero en otros momentos la frase se siente como una declaración de propósito.  

“Viviendo en este país —este mundo, en los últimos años— creo que hay una sensación subyacente de “Levántame. Salgamos de este lío e intentemos resolver algunas cosas”, dice Jones. “Si hay una oscuridad en este álbum, no pretende ser un sentido inminente de fatalidad, si se siente más como un anhelo humano por la conexión. Algunas de las canciones que son personales también se aplican a los problemas más grandes que todos enfrentamos. Y algunas de las canciones que tratan sobre cosas más grandes muy específicas también se sienten bastante personales “.

 “No sé si estaba en una zona o si este proceso lo activó, pero me he sentido más creativa en el último año que nunca”, dice Jones.  
Al repensar por completo la forma en que hacía música, Jones descubrió una nueva fuente de inspiración, con el afortunado e inesperado resultado de hacer un álbum de tremenda profundidad y belleza que no estaba tratando de hacer.  

DE NORAH JONES:
Apareció por primera vez en el escenario mundial con el lanzamiento en febrero de 2002 de Come Away With Me, su autodenominado “pequeño disco malhumorado”, que introdujo una nueva voz singular y se convirtió en un fenómeno global, arrasando con los Premios GRAMMY del 2003.  

Desde entonces, Norah se ha convertido en nueve veces ganadora del GRAMMY y ha vendido 50 millones de álbumes. Sus canciones se han reproducido cinco mil millones de veces en todo el mundo. Ha lanzado una serie de álbumes solistas aclamados por la crítica y comercialmente exitosos: Feels Like Home (2004), Not Too Late (2007), The Fall (2009), Little Broken Hearts (2012) y Day Breaks (2016) — así como álbumes con sus bandas colectivas The Little Willies, El Madmo y Puss N Boots con Sasha Dobson y Catherine Popper quienes lanzaron su segundo LP Sister en 2020. La compilación de 2010 Featuring Norah Jones mostró su increíble versatilidad al reunir sus colaboraciones con artistas tan diversos como Willie Nelson, Outkast, Herbie Hancock y Foo Fighters. Desde el 2018, Jones ha lanzado una serie de sencillos que incluyen colaboraciones con artistas y amigos como Mavis Staples, Jeff Tweedy, Thomas Bartlett, Tarriona Tank Ball, Rodrigo Amarante y Brian Blade. La colección de sencillos de 2019 Begin Again, reunió siete instantáneas de creatividad de una de las artistas más intrigantes del mundo de la música. HAN DICHO: “Pick Me Up Off the Floor tiene más canciones escritas por Jones que cualquier álbum anterior, sin mencionar más que un par de ganchos, cantados en su famoso suspiro de rosa polvorienta, que descansan suavemente sobre el oído, luego se mueven dentro de la cabeza”.

The New York Times “Un regalo que transporta, aprovechando lo personal y lo universalmente político” MOJO “Una artista enigmática y ampliamente adorada… su voz —una alquimia atractiva de lo dulce, sensual y triste— a la vez adquiere una gran intimidad y universalidad”.

DownBeat “Lo que todos podemos usar en este momento en medio de la locura sin precedentes que es 2020 es tranquilo y relajante. Entra Norah Jones, la cantante / compositora ganadora del Grammy, quien lanzará su séptimo álbum, el sublime Pick Me Up Off The Floor… Una colección absolutamente hermosa, un recordatorio perfecto de todas las razones por las que el público se enamoró de Jones cuando tomó el mundo de la música por sorpresa con Come Away With Me en 2002″. Forbes.

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