LOS ÁNGELES.- Ante las clásicas especulaciones de fans y seguidores de LOS SIMPSON, con 33 años de existencia, una vez más surgen las teorías de quienes han visto su serie favorita desde el inicio, y han vaticinado cuál sería el posible final: la muerte de un personaje en específico.
Las versiones se inclinan hacia la única manera en que podría terminar la serie, esto es con la muerte de Homero Simpson, pues a lo largo de todas las temporadas, la mayoría de los episodios y los eventos ocurren gracias a las acciones de Homero y giran a su alrededor.
Dicha teoría trata de explicar la repentina y drástica disminución en la calidad de los guiones de LOS SIMPSON.
Pero, ¿realmente este final con la muerte de Homero sería viable para poder ser llevado a la serie? Homero Simpson por sí solo es una personaje que vende millones de productos, siendo una imagen multimillonaria que, de morir a cuadro, podría alejar a todos quienes amaron alguna vez a la serie, mucho más de lo que ya se han alejado.
ROMA.– Perry Mason tiene su nombre ganado a pulso entre los detectives creados por la televisión a finales de los cincuenta y hasta 1966, todo un veterano de la Primera Guerra Mundial, alcohólico, con un matrimonio roto a sus espaldas.
En este 2020 Perry Mason vuelve a escena pero como nunca se le había visto antes, de hecho es exactamente lo contrario de la presencia tranquilizadora con la que el público que lo fue lo recuerda: aún no anda en la corte, no usa trajes grises y corbatas oscuras, no es abogado.
Regresa en la miniserie producida por Robert Downey Jr y su esposa Susan Downey, como un inédito y sorprendente detective. PERRY MASON, LAS PRIMERAS INVESTIGACIONES, es el título de la nueva serie de HBO, con Matthew Rhys, quien está a punto de aterrizar en Italia a partir del 11 de septiembre y en Now TV, creada por Erle Stanley Gardner.
Esta nueva versión producida por Robert Downey Jr. y su esposa Susan Downey, está esperando ser descubierta. Ambientada en Los Ángeles en los años posteriores a la Gran Depresión y protagonizada por Matthew Rhys, narra el comienzo de la carrera de Mason, representado por primera vez como investigador privado y aún no como abogado.
Rhys, galardonado con un Emmy por su papel de espía de la URSS en The Americans, interpreta el papel del legendario abogado en el corazón de las historias de detectives de Gardner. A su lado encontramos a Tatiana Maslany (Orphan Black), John Lithgow (Trial & Error), Chris Chalk, Shea Whigham, Nate Corddry, Veronica Falcon, Jefferson Mays, Gayle Rankin y Lili Taylor. A ellos se unen Juliet Rylance, Andrew Howard, Eric Lange, Robert Patrick, Stephen Root y Justin Kirk.
Alejándose de las novelas y la serie original, la nueva versión sigue un solo caso criminal. Básicamente es una especie de precuela: un niño es secuestrado y asesinado, Mason es contratado para resolver el caso. Su investigación tendrá consecuencias importantes para todo Los Ángeles.
La figura de Mason, además de los cuentos policiacos publicados en Italia por Mondadori, es conocida por el gran público sobre todo por las películas de Warner Bros de los años treinta y por la serie de televisión emitida desde los años cincuenta, donde el abogado interpretó Raymond Burr, estuvo acompañada por el discreto e indispensable manitas Della Street (la actriz Barbara Hale, que murió a los 94 años en 2017 – por este papel ganará un Emmy) y por el investigador privado Drake, mientras que el fiscal de distrito fue Hamburguesa Hamilton. De 1985 a 1995 Perry Mason regresó con Raymond Burr en una serie de películas para televisión producidas por Dean Hargrove y Fred Silverman y transmitidas por la cadena NBC en Estados Unidos.
De las 30 películas producidas, 26 tienen a Burr como estrella. Después de la desaparición de actor que sucedió en 1993 a raíz de un tumor renal, la serie se vuelve a titular Un misterio de Perry Mason, En estas últimas cuatro películas no se mata al personaje del abogado Perry, pero su ausencia está motivada por compromisos laborales que lo han llevado fuera de la ciudad.
Dolby Laboratories (NYSE: DLB), líder en experiencias de entretenimiento inmersivas y el destacado sello discográfico de música clásica, Deutsche Grammophon, anunciaron el lanzamiento de una experiencia de audio especial del legendario compositor JOHN WILLIAMS y la actuación seminal de la Filarmónica de Viena –John Williams in Vienna– mezclado en sonido inmersivo Dolby Atmos, ya disponible en Amazon Music HD y Blu-ray.
Las bandas sonoras de las películas de Williams abarcan un sólido catálogo y han ganado numerosos reconocimientos, incluidos cinco premios Oscar, cinco premios Emmy, cuatro Globos de Oro y veinticinco premios Grammy. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como la saga completa de Stars Wars, las películas de Indiana Jones, Jurassic Park, La Lista de Schindlery las tres primeras películas de la serie Harry Potter, por nombrar solo algunas.
En lo que fue el debut de Williams como director en Europa continental, se unió en el escenario del mundialmente famoso Vienna Musikverein a la Wiener Philharmoniker, así como a la reconocida violinista Anne-Sophie Mutter para las interpretaciones de las partituras clásicas de Williams que habían sido especialmente adaptadas para ella. Estas incluyeron El tema de Hedwig de las películas de Harry Potter, La danza del diablo de Las brujas de Eastwick y el tema de Sabrina.
El concierto fue grabado y mezclado en Dolby Atmos por Bernhard Guttler.
John Williams comentó: “Actuar en un lugar tan prestigioso como el Musikverein con la magnífica Filarmónica de Viena y la incomparable Anne-Sophie Mutter fue un gran privilegio. Estoy encantado de que los escuchas puedan compartir esa experiencia a través de la tecnología especial de Dolby Atmos“.
John Couling, Vicepresidente Senior de Asociaciones Comerciales, Dolby Laboratories añadió: “John Williams es sin duda uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos y que haya actuado con la mundialmente conocida Filarmónica de Viena, en lo que muchos consideran el hogar de la música clásica, es un espectáculo ineludible. Estamos encantados de presentar este concierto, único en la vida, en Dolby Atmos para los fans de todo el mundo, asegurándonos de que puedan disfrutarlo como si estuvieran sentados en el mejor asiento de la casa, cuando quieran“.
Dolby Atmos Music es una experiencia musical inmersiva que añade más espacio y profundidad al audio. Permite a la gente conectarse con su música favorita de una manera completamente nueva, arrastrando a los oyentes hacia una canción y revelando lo que se perdió con las grabaciones estéreo. Los escuchas pueden descubrir detalles ocultos y sutilezas con una claridad sin igual.
Clemens Trautmann, presidente de Deutsche Grammophon dijo: “Como el sello que fue fundado por el inventor del gramófono, Deutsche Grammophon siempre ha adoptado la innovación tecnológica. Basándose en la larga tradición de nuestros ingenieros, que produjeron grabaciones multipista y cuadrafónica en las décadas de 1970 y 1980, Deutsche Grammophon fue el primer sello en crear mezclas Dolby Atmos de ciclos sinfónicos enteros a partir de 2017. Hay tantos detalles maravillosos y efectos espaciales en la música clásica que se pierden en la mezcla estéreo estándar, pero que cobran vida a través de la tecnología Dolby Atmos, añadiendo otra dimensión a la experiencia auditiva. El álbum ‘John Williams in Vienna’ es un escaparate perfecto para eso: el compositor de música de cine más renombrado del mundo con una de las mejores orquestas en la legendaria acústica de Musikverein.”
Los fans pueden disfrutar del álbum John WilliamsIn Viennaen Dolby Atmos en Amazon Music HD con Echo Studio a partir del viernes. El álbum también estará disponible en Dolby Atmos en Blu-ray.
HOLLYWOOD.- La insistencia es total deDisney: convencer aTom Hanks para que sea Geppetto en la nueva versión de PINOCHO, filme dirigido por Robert Zemeckis, informaron varias publicaciones especializadas en la industria de Hollywood.
Hanks ya había mostrado interés por encarnar al viejo carpintero desde que leyó el borrador del proyecto en 2018, aunque desde entonces se produjeron varios cambios, como el del propio director, que antes iba a ser Paul King.
Un dato a favor del acuerdo consignado por un despacho de la agencia EFE es que Zemeckis y Hanks tienen una relación estrecha, pues ambos trabajaron juntos en Forrest Gump (1994), Náufrago (2000) y El Expreso Polar (2004).
La versión de PINOCHO con actores viene a reformular la cinta animada basada en la novela del escritor italiano Carlo Collodi y estrenada por Disney en 1940, para continuar una corriente que ya incluye títulos como Aladdin, El rey león, La bella y la bestia y Dumbo, mientras aguarda por el lanzamiento de Mulan.
PARIS.- La última gran diva de Holllywood, OLIVIA DE HAVILLAND, falleció a los 104 años en su casa, en París. La actriz, protagonista de ‘Lo que el viento se llevó’ , en su carrera había ganado dos Premios Oscar.
OLIVIA DE HAVILLAND nació en Tokio. Era la hija de Lilian Augusta Ruse, quien actuó bajo el seudónimo de Lilian Fontaine y la hermana mayor de Joan Fontaine, con quien tuvo una relación difícil. Con gran encanto y elegancia, fue la protagonista de la escena de Hollywood en la década de 1940.
En Via col Vento interpretó el papel de Melania, junto a Rossella O’Hara. Hizo su debut en la adaptación para la pantalla grande de A Midsummer Night’s Dream. Ganó dos premios Oscar por Mitchell Leisen’s A Each Destiny (1946) y William Wyler’s The Heiress (1949).
Su interpretación del papel de Melanie le valió una de sus cinco nominaciones a los premios Oscar. Hasta su muerte era la artista viva con más edad que haya ganado uno de los premios de la Academia.
De Havilland fue fundamental para la eliminación del llamado “sistema de estudio de Hollywood”, lo cual le permitió a los actores obtener mejores contratos.
Olivia Mary de Havilland a muy corta edad se mudó a California con su familia.
Se inició en la actuación mientras estaba en la preparatoria. Su debut en el escenario en 1933 en una producción amateur de Alicia en el país de las maravillas.
“En realidad me estaba mudando al país de las maravillas encantadas de Alicia. Y, por primera vez, sentí no solo placer en la actuación sino también amor por la actuación”, decía.
Hizo su gran aparición cinematográfica en El capitán Blood (Captain Blood, 1935), al lado de Errol Flynn, una pareja que hizo química casi de inmediato. Juntos hicieron otras siete películas, incluidas La carga de la brigada ligera y Las aventuras de Robin Hood.
A lo largo de la década de 1930, apareció en varias películas románticas y ligeras que le permitieron mostrar su perfecta dicción, pero le ayudaron poco en el avance de su carrera,
“Interpretar a chicas buenas en los años 30 era difícil cuando la moda era interpretar chicas malas”, decía. Sin embargo, fue elegida para el papel de Melanie en la adaptación épica de David O Selznick de la novela de Margaret Mitchell, Lo que el viento se llevó.
Perdió el premio a Mejor Actriz de Reparto de la Academia frente Hattie McDaniel, quien interpretó a Mammy en la película.
Olivia de Havilland vivía en París desde la década de 1960.
UN DATO:
Su estatuilla llegó unos años después, en 1946, por su papel en Lágrimas de una madre (To Each His Own, 1946), y luego un segundo por La heredera (The Heiress) en 1949.
NUEVA YORK.- La diva de la música TINA TURNER se juntó con DJ Kygo para un remix de What’s Love Got To Do With It, uno de sus clásicos que formó parte de su disco Private Dancer, lanzado en 1984.
La legendaria artista estadounidense TINA TURNER salió temporalmente de su retiro profesional con un remix de su éxito What’s Love Got To Do With It con el productor noruego DJ Kygo y que en sus tres primeros días lanzamiento ya se ha posicionado en el primer lugar de la cartelera Billboard.
La noticia fue revelada el lunes por la organización Billboard, especializada en la industria de la música y el desempeño de los temas más populares, principalmente en territorio estadounidense.
What’s Love Got To Do With It forma parte del icónico disco Private Dancer de Turner, que en 1984 le permitió ganar cuatro premios Grammy y fue el segundo disco más vendido de ese año.Y ocupó la primera posición en la lista The Billboard Hot 100.
Fue el quinto álbum de la artista y, durante su promoción, la cantante y actriz habló del abuso físico y psicológico que había sufrido durante su tumultoso matrimonio con el productor Ike Turner.
La canción, escrita por Graham Lyle y Terry Britten, también dio el nombre a la película sobre la vida de Turner, protagonizada por Angela Bassett en 2003.
UN DATO:
El último álbum de estudio de Turner, Twenty Four Seven, salió en 1999.
En esta versión de 2020, el tema ha sido acompañado de un ritmo que recuerda a la música disco de finales de los 70.
“¡No puedo creer que esté lanzando una colaboración con Tina Turner este viernes! What’s Love Got to Do With It es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos”, escribió, por su parte, DJ Kygo en su cuenta de Twitter al anunciar la colaboración la semana pasada.
La estrella, de 80 años, estaba retirada de la vida artística desde 2013 y actualmente vive en Suiza con su marido, Erwin Bach. De hecho, hace unos años renunció a la nacionalidad estadounidense para evitar pagar impuestos dobles. La cantante sufrió la pérdida de su hijo Craig Turner en el año 2018, quien se quitó la vida a los 59 años.Esta es la segunda vez que el también productor noruego toma un clásico de la década de los años 80 y le da los colores musicales actuales. El primero fue Higher Love de Whitney Houston, versión que fue todo un éxito y también logró imponerse en la lista Billboard Hot 100.
La nueva versión de What’s Love Got To Do With It es el primer sencillo de Kygo que no forma parte de Golden Hour, su nuevo disco de 2020, que incluye canciones con Sasha Sloan, One Direction y Tyga.
Decca Records y Walt Disney Records de Disney Music Group anunciaron el lanzamiento de Disney Goes Classical, un nuevo álbum que evoca el color, la emoción y la alegría pura de la música de Disney en una escala completamente nueva.
Con la prestigiosa Royal Philharmonic Orchestra y una gran cantidad de nombres célebres, los queridos temas de Disney han sido reorganizados y grabados por expertos en los estudios Abbey Road de Londres, donde se encuentran algunos de los mejores lanzamientos de bandas sonoras de películas del último siglo.
El álbum presenta música de las películas de Disney más reconocidas desde su época de oro hasta el renacimiento de los noventa y la era moderna de la animación CGI. Desde El Libro de la Selva y Pinocho hasta los inimitables puntajes de Alan Menken de Pocahontas, La Sirenita, Aladdín y Hércules, 80 años de magia de Disney se han reinventado en un sonido cinematográfico impresionante.
El primer sencillo del álbum, la conmovedora interpretación deCan You Feel the Love Tonight de Matteo Bocelli, del clásico animado de los noventa de Disney, El Rey León, ya se encuentra disponible.
También aparece en el álbum la soprano estadounidense cuatro veces ganadora del Grammy® Renée Fleming con su hermosa interpretación de When You Wish Upon a Star de Pinocho.
Renee Fleming comenta: “Las películas de Disney nos han dado muchas canciones fantásticas, pero, para mí, “When you Wish Upon a Star” es la más icónica. La melodía tiene un barrido tan hermoso, y se necesita un rango real para cantar. Eso puede ser sorprendente, porque fue presentado por un grillo: Jiminy Cricket en Pinocho. Pero Cliff Edwards, que expresó esa parte, era en realidad un artista discográfico importante, que había cantado en Vodevil e incluso cantaba jazz y scat. Creo que la canción tiene una especie de efecto mágico, y es esperanzador, el mensaje “los sueños pueden hacerse realidad” es uno que todos podemos usar en este momento “.
Otras actuaciones especiales, incluido el famoso guitarrista clásico japonés Kaori Muraji, transportan aún más al oyente a otro mundo. Disney Goes Classical tocará la fibra sensible con familias de todo el mundo, ya que trae la magia de las películas desde las pantallas a los auriculares como nunca antes.
UN DATO:
Disney Goes Classical se lanzará a través de Decca Records el 2 de octubre de 2020.
Tracklist
Colours of the Wind – Pocahontas
A Whole New World – Aladdin
Let It Go – Frozen
The Bare Necessities – The Jungle Book
How Far I’ll Go – Moana
When You Wish Upon a Star ft Renée Fleming –Pinocchio
HOLLYWOOD.- Ya superó con creces la edad promedio de un can, y a sus 50 años, nacido un 13 de septiembre de 1969 en la CBS, SCOOBY DOO tendrá su propio filme, con la voz histórica y original de Frank Welker.
LA TRAMA:
Un cachorro Scooby-Doo y ya problemático que huye de las calles de Venecia, el distrito costero de Los Ángeles, perseguido por un policía que hace el acróbata en un rollo de carne prensada ‘robado’ en un restaurante griego. Así es como aparece el Gran Danés más famoso del mundo animado en el reinicio de sus aventuras en Scooby! por Tony Cervone, disponible con Warner Bros para la compra premium en Amazon Prime Video, Apple TV, Youtube, Google Play, TIMvision, Chili, Rakuten TV, PlayStation Store, Microsoft Film & TV y para el alquiler premium en Sky Primafila e Infinity.
UN DATO:
SCOOBY-DOO debutó bajo el sello de Hanna – Barbera, creada por Joe Ruby, Ken Spears e Iwao Takamoto, a quien se debe el diseño gráfico de la caricatura de hecho en CBS el 13 de septiembre de 1969.
En esta versión cinematográfica animada por CGI Cervone, nominada al Premio Annie por Space Jam y dos veces en los Emmy por la serie animada Duck Dodgers, comienza desde el comienzo de la amistad entre el pequeño Scooby y Shaggy y cuenta cómo los dos se unen a los investigadores en ciernes Fred, Velma y Daphne para formar el grupo de Mystery Inc. Su voz histórica, Frank Welker, regresa a la versión original de Scooby-Doo; con él, entre otros, Zac Efron (Fred), Will Forte (Shaggy), Mark Wahlberg (Blue Falcon), Gina Rodriguez (Velma), Amanda Seyfried (Daphne).
El vínculo simbiótico entre Scooby y Norville conocido como Shaggy nació en su primera reunión, durante un picnic improvisado por el niño, en la playa. En cambio, es la noche de Halloween con Shaggy y Scooby vestidos como los dos ídolos del niño, el superhéroe Blue Falcon y su perro Dynomutt (a quien conocemos como un perro prodigio, en su serie Hanna – Barbera) para hacerlos debutar como investigadores en una casa. hechizada junto con el joven Fred, ya emprendedor, la brillante Velma y la dulce Daphne.
El grupo crece al continuar investigando varios misterios y sueños de hacer de esa pasión un trabajo. Después de un desafortunado encuentro con una versión animada, particularmente severa del buscador de talentos Simon Cowell, Shaggy y Scooby se encuentran en su misión más personal y peligrosa, vinculada a los orígenes nobles y antiguos del gran danés.
A Cervone le gusta combinar ingredientes clásicos de dibujos animados, desde la devoción de Fred a su camioneta (la máquina del misterio) hasta la glotonería gastronómica de Scooby y Shaggy; los homenajes a Hanna Barbera (entre los ‘crossovers’ también el del Capitán Caveman, que conocemos como Capitán Cavey y los ángeles adolescentes) y referencias al mundo de hoy, desde las redes sociales hasta Netflix. “Creo que lo que sorprenderá al público será el tamaño de la película –dice el director–.
“La historia nos lleva por todo el mundo, hay impresionantes escenas de acción, monstruos, fantasmas, y existe el misterio más importante que los personajes han resuelto alguna vez. Pero los espectadores estarán aún más sorprendidos por cuánto corazón hay en la película. Scooby y Shaggy son personajes que amamos”.
HOLLYWOOD.- Lucasfilm confirmó que ampliará el universo narrativo de Star Wars con una nueva serie animada que se titularáStar Wars: The Bad Batchy que podrá verse en 2021 por el servicio de streaming Disney+.
El nuevo proyecto de la plataforma, que llegará a fines de este año a Latinoamérica, será un spin-off de la exitosa saga, también animada, deThe Clone Wars,cuya séptima y última temporada terminó de emitirseen mayo pasado.
Justamente,el título para la nueva serie es el mismo que lleva el primer episodio de la temporada final de The Clone Wars, que seguirá la historia de clones de élite del “Lote Malo” (Bad Batch, en inglés).
En esta ocasión, los personajes estarán inmersos en una galaxia que, justo después de las Guerras Clon, es inestable y cambia rápidamente, detalló la agencia de noticias DPA.
Los miembros de este grupo, un singular escuadrón de clones que difieren genéticamente de sus hermanos del Ejército, poseen una habilidad excepcional que los convierte en soldados extraordinariamente efectivos y en un equipo imbatible.
En la era posterior a las Guerras Clon, emprenderán misiones como mercenarios mientras luchan por mantenerse a flote y encontrar nuevos objetivos.
Los productores ejecutivos de The Bad Batch, son Dave Filoni, uno de los responsables de la taquillera serie The Mandalorian y de la propia Star Wars: The Clone Wars; Athena Portillo; Brad Rau y Jennifer Corbett.
HOLLYWOOD.- 35 años de lo que parecía ser una película más, de las del “montón” que produce Hollywood, pero oh sorpresa, VOLVER AL FUTURO, cuyo estreno fue un 3 de julio pero de 1985, rompió todos los pronósticos.
VOLVER AL FUTURO logró lo que nadie esperaba: terminó arriba en las recaudaciones ese año, consiguió unanimidad en la crítica y rápidamente se volvió de culto, generando enormes expectativas con su “continuará” sobre el final, repetido en la segunda (1989), para cerrar la saga con una tercera película en 1990.
Los rumores de una cuarta entrega siempre han estado presentes. Pero nunca se concretó. Quizás en parte por la enfermedad temprana de Michael J. Fox (mal de parkinson); quizás porque a diferencia de otras sagas, en esta sus productores no quisieron arruinar su perfección.
Todas las películas enfrentan problemas antes y durante su rodaje. Muchos proyectos incluso quedan en el camino en alguna etapa previa y jamás ven la luz, o la ven muchos años después. Pero los de VOLVER AL FUTURO fueron varios.
El actor principal fue remplazado cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje. Michael J. Fox siempre había sido la primera opción pero estaba ocupado. Se llamó entonces a Eric Stoltz. Tras cinco semanas de rodaje (y una vez que Spielberg regresó a Estados Unidos tras una breve ausencia), Zemeckis decidió que Stoltz no era el idóneo para interpretar a Marty. Aunque Spielberg y él se percataron de que volver a realizar las mismas tomas ya hechas con Stoltz costaría tres millones de dólares adicionales al presupuesto inicial de catorce millones, decidieron continuar con dicho proceso. Stoltz no era muy cómico y, al contrario, había dado “una actuación dramática” para Zemeckis. Sin embargo, la carrera de Stoltz nunca tuvo un rol preponderante o principal en ninguna otra película, aunque sí tuvo actuaciones destacadas en papeles secundarios y en esa época venía de ser nominado al Globo de Oro como Mejor actor de reparto por su papel en Mask.
Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, también estuvo en carpeta. Devolvió el guion desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó el por entonces chico maravilla que nunca más deslumbró en ninguna película. Su última aparición importante por así decirlo en un rol secundario fue en Hitchcock (2012). “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”.
John Cusack fue otro de los candidatos para ser Marty. Finalmente los gastos fueron 19 millones de dólares contra… 381 millones de recaudación.
En abril de 1981, Columbia Pictures puso la producción en un proceso turnaround (podríamos traducirlo como “plan canje” con otro estudio, dado que no le terminaba de llenar. Tuvo 44 rechazos antes de lograr arrancar la filmación. Así, se detuvo el proyecto durante 4 años, por lo que el guion fue reeditado en al menos dos ocasiones. Se le consideraba una cinta muy inocente y juvenil, mientras los estudios apuntaban a tramas más para adultos.
Gale y Zemeckis optaron por llevar el proyecto a Disney, sin embargo “nos dijeron que una madre que se enamoraba de su hijo no era un tema apropiado para una película familiar bajo el sello de Disney”, de acuerdo a Gale.
Gale y Zemeckis pensaron en aliarse con Steven Spielberg, que produjo “Used Cars” y “Locos por ellos”, las cuales fueron consideradas un fracaso en taquilla pese a recaudar más de lo que gastaron.
Actualmente el filme se enseña en las escuelas de cine.
RECHAZO DEL GUION
Para película de ciencia ficción le faltaba profundidad, respecto a otros exponentes de su tiempo, como Terminator, por ejemplo (estrenada en 1984), una idea de la vida en el futuro, excusas para los grandes efectos “especiales” de la época (hoy en día totalmente obsoletos).
De hecho, tiene muy pocos efectos especiales Volver al futuro. Para comedia pecaba de inocente. Le faltaba el toque subido de todo que se veía en Colegio de Animales, La venganza de los Nerds y Despedida de Soltero, con Tom Hanks. Y para ser cómica le falta el chiste cada 2 minutos, como en Dónde está el piloto. A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado inocente y suave.
Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.
CURIOSIDADES:
La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una camioneta. Pero esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guion tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.
La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Y en los 80 no habían muchas opciones (quizás en esta época hubieran elegido algún “bicho” de Tesla). Querían que encuadrara de lleno con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, que le daban un aire futurista.
El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante apenas dos años por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico para intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado.
El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Y vaya razón que tuvo.
Los viajes en el tiempo los obsesionaban a los escritores. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre.
El presidente de Universal de entonces se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título.
Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una “jodita” y hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor.
Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses.El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco.
“Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.
El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarla para principios de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.
EN NÚMEROS:
–Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el el mundo. El costo había sido de 19 millones. Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. En enero de 1989 se implementó un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Además, el set de filmación había costado 2 años de trabajos de construcción.
LOS ÁNGELES.- Ya pasaron más de 25 años de su estreno y casi 16 de su final. Sin embargo, el elenco de FRIENDS y todo lo que ocurrió durante las grabaciones de la exitosa comedia que se emitió entre 1994 y 2004 y se convirtió en un fenómeno global, no dejan de ser noticia.
En los últimos días, las declaraciones de Lisa Kudrow, la recordada y delirante Phoebe del programa, volvieron a traer al ruedo una de las polémicas más comentadas sobre la serie.
En declaraciones a The Sunday Times, la actriz se refirió a las críticas por la falta de diversidad en el elenco deFRIENDS, algo que muchas personas comentaron en su momento y que hoy señalan como una decisión de la producción que hizo “envejecer mal” a la ficción y a otras polémicas.
“Ahí está ese tipo cuya esposa descubre que es gay, está embarazada y los tres se ocupan juntos de la crianza. También tuvimos la temática de la maternidad subrogada”, apuntó, en referencia a dos momentos muy recordados de la tira: cuando el personaje de Ross es padre y cuando el personaje que encarnó la propia Kudrow decide prestarle su vientre al hermano para llevar adelante la gestación de sus sobrinos.
En las últimas semanas también circularon algunos datos sobre la posible reunión del elenco, que por estos días tenía pensado estrenar un especial que debió ser postergado por la pandemia, como ocurrió con cientos de producciones audiovisuales.
ERRORES Y POLÉMICAS DE FRIENDS
· El embarazo de Phoebe. Con el paso del tiempo, se reveló que los guionistas debieron sumar esa circunstancia a la historia porque Lisa Kudrow estaba embarazada de su hijo Julian. Así, en lugar de disimular la situación con planos cortos o escenas donde no se viera la panza de la actriz, prefirieron modificar la historia y cambiar de alguna manera el rumbo que iba a tomar el personaje. De ese modo surgió la idea de que ella se sometiera a un tratamiento para la subrogación de vientre.
· El embarazo de Rachel. Los fanáticos más meticulosos detectaron un “error” en el guión. Es que, según se pudo ver en uno de los episodios más emblemáticos, el personaje interpretado por Aniston descubrió que estaba embarazada durante el casamiento de Monica y Chandler que transcurrió en mayo. Tiempo después, a finales de la octava temporada, dio a luz a Emma también en mayo, por lo que habría tenido un embarazo que duró un año.
· Polémica. Algunos críticos de la sitcom apuntaron al cumplirse 25 años de su estreno que uno de los temas más controversiales sobre el que la ficción hizo bromas fue el sobrepeso que tenía el personaje de Monica durante su infancia y adolescencia. Hubo escenas en las que los padres de la joven la obligaban a comer sobras “que no entraban en la heladera” o era víctima de bullying y esto se mostró de manera humorística.
· Barry. El año pasado, varios de los actores secundarios de la tira hicieron revelaciones muy sorprendentes que impactaron al público. Uno de ellos fue Mitchell Whitfield, el intérprete de Barry en la ficción, aquel dentista a quien Rachel deja “plantado” en el altar. Whitfield contó en una entrevista con The Guardian que estuvo a punto de quedar elegido para interpretar a Ross en la sitcom. “Llegué hasta el final, pero a último momento me dijeron: ‘Vamos a traer a otro tipo más para la audición’. Esa persona resultó ser David Schwimmer. “A mi esposa todavía le molesta que no haya obtenido el papel de Ross. Podría haber ganado millones de dólares”, señaló en la entrevista.
· El cumpleaños de Rachel. Una incongruencia del guión hizo comentar a varios fanáticos un pequeño desliz: en una escena el personaje interpretado por Jennifer Aniston le asegura a Gunther, el hosco mesero del Central Perk, que su cumpleaños es el 5 de mayo. Pero más adelante, en un capítulo en el que Rachel es detenida y debe mostrar su carnet de conducir ella menciona que es del signo de acuario, por lo que, según el zodíaco, debería haber nacido entre el 20 de enero y el 18 de febrero.
· Identidad y controversia. Uno de los personajes que llamó la atención a lo largo de las diez temporadas de la sitcom fue el padre de Chandler, de quien él se avergonzaba porque era transgénero. En un momento de la trama se reveló que decidió cambiar su identidad para llamarse Helena Handbasket. Martha Kauffman, una de las creadoras del programa afirmó en 2019 que el tema no estuvo tratado con respeto. “Creo que no teníamos el conocimiento necesario sobre las personas transgénero en esa época”, afirmó en una entrevista con USA Today.
· Números. Los recordados departamentos de los amigos donde transcurre mayoritariamente la serie cambian repentinamente su numeración. Al comienzo se vio que eran “4” y “5” y en las últimas temporadas pasaron a ser “19” y “20”.
· Paolo. Fue uno de los personajes secundarios más controversiales y algunos fanáticos de la pareja de Rachel y Ross llegaron a detestarlo. El novio italiano de Rachel, que en la ficción se llamó Paolo, fue interpretado por el actor Cosimo Fusco, quien el año pasado reveló que durante el rodaje improvisó casi todas las líneas en italiano de su personaje. Esto incluyó, claro, una escena memorable en la que él está junto a Rachel frente al ventanal mirando las estrellas.
· Enojo. Otro de los personajes que generó repudio entre el público fue el de Julie, una novia científica que tuvo Ross, interpretada por Lauren Tom. Según le contó al diario The Guardian, cada vez que grababan una escena, el público que asistía a los rodajes la abucheaba. De alguna manera, la creían responsable de la ruptura entre los personajes Ross y Rachel, sin dudas la pareja más emblemática del programa.
· El pizarrón de Joey y Chandler. Recientemente se reveló un dato que intrigaba a los más fanáticos de la serie. Para muchos, era un verdadero misterio por qué el departamento que compartían Chandler y Joey tenía una suerte de pizarra en la que en cada emisión se veían distintos dibujos y mensajes. Paul Swain, uno de los empleados de Warner de ese momento del equipo de iluminación, reveló en 2018 cuál fue su curioso rol en una entrevista: “La pizarra era responsabilidad del departamento de arte. Sin embargo, a veces nos dábamos cuenta de que no había nada. Entonces me dijeron: ‘Te debes encargar de que cada vez que grabemos haya algo dibujado’, y yo quedé encantado”. A partir de entonces, se encargó de dibujar sobre la pizarra o de dejar mensajes escritos con algunos chistes y hasta referencias a capítulos anteriores de la tira.
· ¿Se conocían? En los comienzos de Friends Rachel aparece ante su amiga Monica luego de huir de un casamiento fallido. Según se puede observar en aquellas escenas iniciales, las jóvenes y Ross se conocen desde que son pequeños. Así, la “novia fugitiva” debe presentarse ante los demás protagonistas. Sin embargo, en capítulos sucesivos, cuando se ven flashbacks de la adolescencia de los personajes, se revela que Rachel conocía también a Chandler de cuando eran chicos.
· Las paredes del Central Perk. Mucho se comentó sobre la célebre cafetería donde los amigos se juntaban a diario a conversar. Pero hace poco tiempo un productor reveló un dato poco conocido: las paredes de aquel bar exhibían cuadros que debían ser cambiados cada tres episodios. La producción de esta manera tuvo como intención decorar aquel espacio con obras de artistas en ascenso que, en algunos casos, llegaron a ofrecer piezas originales de su trabajo para la serie.
