LA HABANA.- El trovador cubano PABLO MILANÉS dejó terminada en la última noche de 2020 su nueva canción Esperando el milagro, que invita a una profunda reflexión sobre la trágica pandemia de coronavirus que asola al planeta.
El artista quiso publicar Esperando el milagro el jueves 31 de diciembre en su canal de YouTube como un epílogo musical de todo lo padecido y sentido en 2020. La estructura musical y temática del tema hace alusión a una oración, a un ruego o súplica con evocaciones religiosas que invita a meditar sobre un futuro que, pese a todo, el músico quiere sentir esperanzador.
“He hecho lo que sé, una canción, y he querido aproximarla a la religiosidad, pues todo el mundo, en el afán de salvarse, en el miedo que existe alrededor de todo lo que está pasando, de la tragedia que está viviendo el planeta…más bien reza que piensa”
El cantautor agregó: “He querido hacer esta canción como si fuera una oración al modo del Padre Nuestro católico, como si fuera una misa divulgada por un Papa, por un sacerdote, por un babalao, por cualquier guía de cualquier religión…. Creo que el milagro se puede traducir de distintas formas y el milagro, en este caso, se traduce en la forma que pueden trabajar los pueblos, los países, los gobernantes para hacer que todo funcione mejor, que la sanidad funcione mejor, que la ciencia funcione mejor, todo eso puede resultar en un milagro para la humanidad”.
Grabado entre La Habana y Madrid, en el estreno de esta composición le acompañan Miguel Núñez, al piano; y Caridad R. Varona, al chelo.
Milanés grabó la voz de esta canción el 28 de diciembre, minutos después de haber conocido la triste noticia del fallecimiento del compositor mexicano Armando Manzanero, precisamente víctima de la Covid.
Por el fallecimiento de Manzanero, Milanés, reconoció que la grabación tuvo una mayor carga sentimental.
Acompañado por los instrumentistas Caridad R. Varona y Miguel Núñez, el cantautor iniciará en 2021 su nueva gira Días de Luz, con la que apuesta por “abrir un nuevo horizonte, tan necesario en estos tiempos, a partir de una reflexión más intimista y a la vez esperanzadora”.
El maestro ARMANDO MANZANERO falleció esta madrugada a los 85 años, víctima de Covid-19, luego de ser hospitalizado e intubado el pasado 17 de diciembre, con él se despide también uno de los mayores compositores mexicanos, líder, hasta el día de su deceso, del gremio de autores.
A los seis días de haber sido intubado y luego de varios y confusos reportes sobre su estado de salud, el artista yucateco y universal perdió la batalla ante el coronavirus.
En días pasados, el bolerista había sido homenajeado de forma presencial por el gobierno de Yucatán con la apertura de un museo dedicado a su vida y obra, lo que desencadenó los primeros síntomas de su contagio, entre ellos una tos pronunciada, de acuerdo con declaraciones de su esposa, Laura Elena Villa, citada por la prensa nacional.
Yucateco de nacencia y de corazón, Manzanero es uno de los compositores más emblemáticos de la música mexicana contemporánea, creador de Adoro, Somos novios y Contigo aprendí, temas interpretados por artistas internacionales como Perry Como, Luis Miguel, Elvis Presley, Carmen Mae Rae y Dionne Warwick. Varios de estos artistas grabaron sus temas en inglés (Yesterday/I saw the city,/Full of shadows, without pity).
Otros famosos intépretes de sus temas fueron: Eydí Gorme, Johnny Mathis, Paul Muriart, Raphael, Tony Bennet, Elvis Presley, Elis Regina, María Medina, Angélica María, Susana Zabaleta, Alejandro Sanz, Malú, Presuntos Implicados, La Barbería del sur, Miguel Bosé, Ariel Roth, Lolita, Café Quijano, La Unión, Cómplices, Lidia, Pancho Céspedes, Ricardo Montaner, Juan Pablo Manzanero, Lucero y Edith Márquez, entre otros.
Manzanero es ampliamente conocido en América Latina y en 2014 se convirtió en el primer mexicano en recibir un Premio Grammy honorífico por su trayectoria.
Sus melodías, han sido traducidas a varios idiomas, compuso más de 600 canciones, más de 50 han obtenido fama internacional.
Para Manzanero, “El mejor idioma para el amor son las canciones”, y este idioma lo ha hecho trascender: Contigo Aprendí, Mía, Adoro, Esta tarde vi llover, Un loco como yo, Voy a apagar la luz, Todavía, Como yo te amé, No, Somos novios, Parece que fue ayer, Cuando estoy contigo, Te extraño, Señor amor, y recientemente: Por debajo de la mesa, No sé tú, Nada personal.
Las canciones de ARMANDO MANZANERO forman parte ya del cancionero colectivo de numerosas personas en todo el mundo. Descanse en paz el maestro ARMANDO MANZANERO.
LONDRES.- De los temas musicales mayoritariamente interpretados, Yesterday, el sutil encanto de A Long and Winding Road, en su versión orquestada oor Phil Spector y en la que PAUL MCCARTNEYreivindicó en el álbum Let It Be… Naked; la misma Let It Be o el pedido de ayuda desgarrado de Help!, el repertorio de The Beatles es tan pródigo en grandes canciones que toda comparación está destinada al fracaso.
Pero, ¿cuál de todas esas melodías es la favorita de Paul McCartney, a esta altura, junto con Ringo Starr, los representantes de ese aluvión musical que cambió para siempre el paisaje del arte popular en Inglaterra y más allá, dejando una marca que el tiempo no hace sino resaltar a través su vigencia?
“Siempre digoYou Know My Name, Look Up The Number. Es como un insignificante lado B medio loco, que nadie conoce, pero que para nosotros fue muy gracioso hacer. Recuerdo cuánto nos divertimos . Pero hay muchas canciones que me encantan de los Beatles. Creo queStrawberry Fields es una gran canción, creo que Hey Jude funcionó de manera genial. Tengo un montón de canciones favoritas: Blackbird me encanta. Eleanor Rigby también” enumeró el músico, en una entrevista hecha por Zane Lowe para Apple Music 1.
Pero el beatle no se quedó tan sólo en la selección de su Top 5 de la banda que integró, sino que le dedicó un párrafo aparte a Let It Be, a la que señaló como la que naturalmente decidiría escuchar por el resto de su vida, si se tratara de elegir sólo una.
“Es la más ubicua. De alguna manera llegó a todas partes. Omnipresente desde el latín, ubi quo, que significa en todas partes”, resaltó McCartney, que acaba de lanzar McCartney III, un nuevo álbum que suma a su discografía solista, en este caso con todos los instrumentos grabados por él mismo, en sintonía con McCartney (!970) y McCartney II (1980), ambos creados bajo el mismo concepto.
Para completar el cuadro, Macca contó -una vez más- cómo era darle forma a esas canciones imbatibles junto a JOHN LENNON. “Siempre creaba por mi cuenta, a menos que estuviera con John. Pero incluso entoncesyo creaba algo por mi cuenta, él por la suya y luego nos juntábamos. Casi nunca nos sentábamos y no teníamos nada. Siempre había algún tipo de idea. Y venía de algo personal”, explicó el beatle.
“La gente pregunta ‘cuándo escribes’, y esas cosas… Y yo respondo: ‘Cuando tengo tiempo. Cuando no hay nada que hacer hoy o esta tarde, y estoy de humor’. Así que agarraré una guitarra y pensaré: ‘Tengo tiempo. Podría escribir una canción’“, redondeó.
A partir de esa explicación en torno a cómo cada uno armaba los cimientos de sus propias canciones, McCartney contó que se daba “la cosa donde yo diría una frase y él sugeriría la siguiente. Y luego yo sugeriría la siguiente”.
“Así quenos hacíamos ping pongel uno al otro. Y a menudo teníamos muy buenos resultados, porque John era una personalidad muy diferente. Así que tenías esa gran cosa de A y B. Era sólo un viaje de descubrimiento. ¿Sabes a lo que me refiero? Suena cursi, pero lo es y eso es lo que me encantaba de él. Nunca se sabía lo que iba a salir. Ni idea de si esto iba a ser una canción cálida, una canción triste, una canción de historia. Nunca se podía decir”, concluyó.
NUEVA YORK.- Hace 40 años asesinaban a John Lennon y nacía el mito más grande la música popular contemporánea. La noche del 8 de diciembre de 1980, una serie de disparos efectuados por un fan desequilibrado que lo estaba esperando en la puerta de su vivienda en Nueva York ponían fin de manera prematura a la vida de JOHN LENNON, fundador y líder carismático de The Beatles; y referente indiscutido de una generación que experimentó algunos de los cambios más importantes a nivel social y cultural del siglo XX.
Aunque al momento de su muerte el artista británico ya se erigía como una especie de leyenda viva, tanto por haber conformado junto a Paul McCartney la sociedad compositiva más importante de la música popular contemporánea, como por simbolizar una verdadera revolución cultural; el fatal desenlace lo convirtió en el mito más grande del espectáculo moderno.
Ocurre que el icónico músico no solo conmovió a millones de jóvenes en todo el mundo con las nuevas estéticas propuestas desde el famoso cuarteto, sino que además representó una era en la que la juventud alzó su voz contra un conservador orden establecido por el mundo adulto a nivel político y socio-cultural.
En tal sentido, la música de Lennon expandió a límites insospechados a la música pop, pero además expresó los sentimientos de una generación nacida en la posguerra, que buscaba un cambio de época a través de una libertad que confrontaba viejos prejuicios.
Nacido el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, en medio de uno de los recurrentes bombardeos de la Alemania nazi a su preciado puerto, Lennon fue producto de su tiempo y de su propia historia familiar, marcada por el abandono de sus padres y las exigencias de su tía, encargada de su educación, para que diera respuesta a los mandatos sociales de la época.
John transcurrió su infancia tironeado internamente por la herencia del espíritu libre heredado de su padre Alfred, un marino amigo de la diversión; y del desparpajo de su joven madre Julia, quien delegó su crianza para poder rehacer su vida; y las severas reglas fijadas por su adorada tía Mimi.
En una ciudad y un contexto en el que solo el fútbol y el humor aparecían como alternativas para los jóvenes de eludir un inexorable destino familiar, Lennon encontró en el arte su válvula de escape; primero a través del dibujo y las historietas, y luego en el rock and roll y la rebeldía que encarnaban Elvis Presley y James Dean, respectivamente.
El sueño de replicar el furor de Elvis en su tierra natal tomó forma cuando conoció a Paul McCartney, un joven con asombrosa destreza para la música, y lo incluyó en el aficionado grupo que había formado con compañeros de su colegio. Tras varios años embrionarios –marcados a nivel personal por los severos reproches de su tía para que encauzara su vida y por la trágica muerte de su madre, de la que fue testigo-, la banda, a la que había bautizado como The Beatles y que completaban George Harrison y Ringo Starr, estaba lista para conquistar al mundo.
Sin embargo, así como en su vida personal se debatía entre las exigencias de Mimi y su espíritu rebelde, Lennon mostró signos de disconformidad hacia los mandatos que el mundo del entretenimiento concentraba en el grupo, que hacia la primera mitad de la década del `60 ya era un fenómeno mundial.
En medio de la efervescencia juvenil y el desparpajo que suponía la irrupción del nuevo orden que simbolizaba The Beatles, John se animaba a plantear reparos, a través de algunas canciones como Help! o I´m a loser; y de algunas actitudes y declaraciones provocativas que podían tener como blanco a “indiscutibles” como la Reina de Inglaterra o el propio Jesucristo.
El verdadero Lennon iría mostrando sus cartas con el correr de los años, a nivel musical con exploraciones psicodélicas, producto de su amor por el surrealismo y el consumo de drogas lisérgicas; y en el plano social, con posturas radicales que dejaban de lado los esfuerzos por agradar al público más conservador.
La segunda mitad de los `60, cuando los jóvenes que lo habían tomado como un ícono comenzaron a impulsar cambios profundos en la sociedad, la llegada a su vida de Yoko Ono, su gran amor, abrirían las puertas para que el artista encontrara su rumbo definitivo.
La vanguardista artista japonesa fue la gran responsable de la deconstrucción del músico, quien no solo se animaría a experimentaciones sonoras que lo alejarían poco a poco de sus compañeros de grupo, sino que también radicalizarían su discurso político.
El despojo final de los mandatos tradicionales estaría dado por el viraje de Lennon hacia el feminismo. Su romance con Yoko suponía la ruptura de su primer matrimonio con Cynthia Powell, la abnegada novia de la adolescencia con la que se había casado cuando supo que esperaban un hijo y a quien mantuvo relegada en todo sentido.
El joven que había escrito canciones como Run For Life, en la que le decía a su chica que “prefería verla muerta en vez de con otro hombre” y de la cual abjuraría más adelante; transitó un proceso que lo llevó en 1972 a componer Woman Is The Nigger Of The World o a lamentar poco antes de su muerte no haber incluido a Yoko como coautora de Imagine, su tema más emblemático, por presiones sociales y de la industria.
Más allá del camino recorrido, la honestidad brutal en su música fue la gran constante en la trayectoria de Lennon, lo que se reflejó en discos como Plastic Ono Band, de 1970, su primer trabajo “post-Beatles”; o en Sometime in New York City, de 1972, su álbum más politizado.
La citada deconstrucción de Lennon tuvo su punto culminante cuando en 1975 abandonó la actividad para dedicarse de lleno a la familia que conformaba con Yoko y Sean, el hijo de ambos; luego de años marcado por excesos y enfrentamientos con el gobierno estadounidense de Richard Nixon, país en donde se había radicado.
Su efímero regreso en 1980 con Double Fantasy mostró a un artista con líricas y una estética sonora lejos del riesgo y la vanguardia encarada años atrás; más orientado a sus antiguos seguidores que a seguir ofreciéndose como emblema de cambios sociales.
Sin embargo, Lennon ya era una leyenda y solo restaba el accionar criminal de un lunático a quien su arte había fascinado para que naciera el mito más grande de la música popular contemporánea.
NUEVA YORK.- La canción emblemática de temporada FELIZ NAVIDAD cumple 50 años de que fuera escrita por el cantautor y músico boricua JOSÉ FELICIANO.
El lanzamiento de FELIZ NAVIDAD ocurrió en noviembre de 1970, durante su grabación FELICIANO tocó una guitarra acústica y el cuatro puertorriqueño (instrumento nacional de guitarra de Puerto Rico). Hasta la fecha es una de las canciones navideñas más descargadas, especialmente en Estados Unidos y Canadá. La versión original se mantuvo en la cima de la lista Us Billboard Hot 100 durante más de veinte años después de su lanzamiento.
El éxito de la canción se debió a su ritmo con notas pop que incluso la hizo bailable. También es una canción bilinge, en inglés y español, contagiosa y fácil de recordar. Consiste en dos versos/coros sencillos en ambos idiomas, ‘Feliz Navidad, próspero año y felicidad’ y ‘Quiero desearte una Feliz Navidad desde el fondo de mi corazón’, con un total de 19 palabras, 14 en inglés.
Para celebrar el aniversario, Feliciano, de 75 años y ciego de nacimiento, decidió dar un regalo de Navidad a todos sus fans grabando una nueva versión. La canción ha estado en Amazon Music desde el 20 de noviembre. Lin-Manuel Miranda, Jason Mraz, Shaggy y Michael Bolton colaboraron para un total de una treintena de artistas.
“Aunque mi villancico es todo acerca de la Navidad – escribió el artista en Twitter – noviembre es particularmente especial para mí este año, porque es el 50 aniversario del álbum de Navidad ‘José Feliciano’ (que contiene Feliz Navidad, ed.)”.
“La idea de Feliz Navidad -explica el artista de nuevo- fue reunir a la gente. Cuando escribí la canción pensé que no importaba el idioma en el que estabas cantando, pero el conocimiento de que el sentimiento navideño es algo que nos interesa a todos”.
Feliciano recordó cómo la canción nació por casualidad durante una conversación con el productor musical Rick Jarrard. Mientras se hablaba de la posibilidad de incluir una canción original en el álbum de Navidad, Feliciano comenzó a cantar el tema.
UN DATO:
El 20 de diciembre, para celebrar la Navidad, Feliciano ofrecerá un concierto virtual desde su casa en Connecticut.
MADRID.- Transcurridos apenas cinco meses de la publicación de su último disco de estudio, el cantautor español ENRIQUE BUNBURY de 53 años, dio a conocer que el próximo 11 de diciembre publicará otro álbum con temas inéditos y recientes, el cual llevará por título CURSO DE LEVITACIÓN INTENSIVO.
El propio artista zaragozano ha desvelado este futuro lanzamiento en sus redes junto con una imagen de la portada del que será su undécimo trabajo de estudio en solitario, el segundo en este 2020 tras la salida al mercado en mayo de Posible.
Como reveló entonces en una entrevista con Efe, este Curso de levitación intensivo es fruto en gran parte del confinamiento por la pandemia de covid-19, semanas en las que le dio tiempo “a seguir escribiendo y preparar más material para lanzamientos futuros”.
Bunbury ha publicado además la lista con lasdiez cancionesque lo compondrán: N.O.M., El día de mañana, El precio que hay que pegar, El momento de aprovechar el momento, Malditos charlatanes, Tsunami, El pálido punto azul, Ezequiel y todo el asunto del big bang, La gran estafa y Tenías razón en todo.
El nuevo disco de Bunbury llegará mucho antes siquiera de que el artista haya podido presentar en vivo el previo Posible en una gira que no tendrá lugar hasta el final del verano de 2021 para evitar las restricciones sanitarias por la pandemia.
Está previsto que ofrezca cinco grandes actuaciones en España, con inicio el 4 de septiembre en el Pueblo Español de Barcelona. Seguirá por su tierra, Zaragoza, el 11 de septiembre (Recinto de la Expo), y por Málaga (Auditorio Municipal, 18 de septiembre). En Valencia tocará el 25 de septiembre (Plaza de Toros) y, por último, recalará en el multitudinario Wizink Center de Madrid el 2 de octubre.
Este día, JOHN LENNON habría cumplido 80 años. El próximo 8 de diciembre se cumplirá el cuadragésimo aniversario de su muerte, ocurrida a manos de Marck Chapman, el fan desquiciado que, pocas horas después de pedirle que firmara una copia de Double Fantasy, el último disco de la carrera de John, lo mató disparándole cuatro tiros. detrás, frente a Yoko Ono, en la entrada del Edificio Dakota, la residencia de la pareja en Nueva York.
John Winston Lennon sigue siendo uno de los iconos más poderosos jamás producidos por la cultura popular, un hombre que, gracias a la música y su compromiso con la paz, cambió el mundo. Ser parte de los Beatles, entre otras cosas con el rol de fundador, ya es una experiencia suficiente para hacer historia pero él, cuando terminó la aventura con Paul, George y Ringo, sumó una trayectoria humana y artística de importancia. capital, solo piensa en una canción como Imagine.
No fue fácil ser John Lennon: desde la infancia y la adolescencia, condicionado por la lejanía de su padre marinero, por el abandono de su madre Julia que lo dejó bajo la custodia de su hermana Mimi, antes de ser atropellado y asesinado por un automóvil. en 1958.
Nacido y criado en el Liverpool proletario en los años de la guerra y la posguerra, Lennon fue, según admitió, un matón, uno de los que sus padres aconsejaron no pasar el rato: las heridas en el alma tardarán mucho en sanar, dejando espacio. a una personalidad propensa a la ira y la provocación.
Fue él quien le propuso a Paul McCartney unirse a su banda, The Quarrymen, con George Harrison y Stuart Sutcliffe de catorce años. Los Beatles nacieron poco tiempo después, cuando los cuatro Quarrymen, reclutando a Pete Best en la batería, consiguen un concierto en Hamburgo: cuando regresen a Alemania a la batería estará Ringo Starr, mientras que Paul se dedicará al bajo, después de que Sutcliffe haya decidido instalarse. Hamburgo. En los primeros años de la Beatlesmanía, John ejerció el liderazgo de facto sobre la banda:
Digan lo que digan los muchos detractores, Lennon ha tenido dos vidas, antes y después de conocer a Yoko Ono, la mujer del destino. Antes que ella era un hombre propenso a la violencia, incluso privado y lleno de ira: con Yoko a su lado conocía otra dimensión, de hecho es con ella que, tras la disolución de los Beatles, nació el líder pacifista que asustó a Richard Nixon. y el FBI. Seguro que al artista japonés no le gustaron mucho los otros tres, pero la banda no se separó por su culpa.
En realidad las tensiones eran insoportables: no en vano tanto John como Paul tenían preparado un disco en solitario. Lennon nunca perdonó a McCartney por anunciar el fin de los Beatles en una entrevista en la que habló de su disco: no se pudieron reconciliar, porque John fue asesinado a los 40 años.
Hoy, después de décadas, Paul y Yoko se han reunido. La carrera en solitario de John Lennon comienza con una obra maestra, Plastic Ono Band (con Mother y Working Class Hero), continúa con Imagine (la canción principal fue juzgada con un plebiscito como la mejor canción de la historia, pero aquí también está Jealous Guy) , Juegos mentales, muros y puentes, rock and roll y la última fantasía doble.
Fueron años muy intensos entre crisis sentimentales con Yoko, el fin de semana perdido en Los Ángeles (más de un año de jolgorio extremo durante la separación de su musa), las drogas, el descubrimiento de la paternidad con Sean que tenía toda la atención de su padre que él no. Nunca tuvo el primogénito Julian, el compromiso como hombre de paz, con el Bed In, himnos como Give Peace a Chance y la famosa batalla legal para conseguir la Tarjeta Verde. Por su actividad como militante anti Vietnam y por la paz, John Lennon fue espiado por el FBI por orden de Richard Nixon, quien quería que lo expulsaran para deshacerse de ese incómodo personaje. El abogado Leon Wildes manejará el caso y podrá conseguirle a su famoso cliente la Tarjeta Verde el 9 de octubre, día en que Sean nace y celebra su cumpleaños.
A los cuarenta años John Lennon era un hombre pacificado y con Double Fantasy había vuelto a grabar un disco, tras unos años de pausa, uno de los cuales lo dedicaba a hacer papillas y a cambiarle los pañales a su bebé.
Finalmente ciudadano estadounidense, vivía en Nueva York en el Edificio Dakota, el mismo donde Polanski le disparó a Rosemary’s Baby, porque en la Gran Manzana su privacidad estaba más resguardada que en Londres.
Nadie podría haber imaginado que podría ser asesinado por un loco: después de ese terrible 8 de diciembre, las estrellas comenzaron a tener seguridad privada. Cuando empezó con Paul, George y Ringo, Liverpool y el norte de Inglaterra eran “la provincia” de la industria musical centrada en Londres: John Lennon demostró hasta dónde podían llegar cuatro “muchachos” del Mercy Side. Luego, luego de formar parte de la banda más importante de la historia, se convirtió en un líder mundial, imaginando un mundo sin barreras ni fronteras. Un mundo que hoy necesita un líder como John Winston Lennon.
MIAMI.– El premio Billboard Trayectoria Artística, será otorgado a ARMANDO MANZANERO, el 21 de octubre en Sunrise, Florida.
Telemundo Internacional y Billboard dieron a conocer que el mundialmente reconocido compositor, intérprete y productor musical mexicano Armando Manzanero, recibirá dicha distinción.
El Premio Billboard Trayectoria Artística se entrega a un artista por una trayectoria profesional excepcional, que siga siendo relevante por sus contribuciones artísticas y personales y cuya influencia haya marcado el desarrollo de la música latina en el mundo. Ganadores previos incluyen a Flaco Jiménez, Jorge Pinos, Los Lobos, Miguel Bosé, Conjunto Primavera, Carlos Santana, Los Temerarios, Emmanuel, Intocable, José José, Andrea Bocelli, Roberto Carlos, Marco Antonio Solís, Ricardo Arjona y Maná.
Con más de medio siglo de crear canciones que han sonado en la radio, y han sido interpretadas y replicadas por numerosas voces alrededor del mundo, Manzanero, maestro del romanticismo, creador de boleros clásicos como Contigo aprendí, Mía, Adoro y Esta tarde vi llover, sigue vigente en el cancionero mundial a sus 85 años de edad.
Nacido en Mérida, Yucatán, hijo de uno de los músicos fundadores de la orquesta Típica Yucalpetén, estuvo cerca de la música desde su llegada al mundo y comenzó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Mérida a los ocho años, para luego recibir formación musical de maestros como Mario Ruiz Armengol, Chucho Zarzosa y Vicente Garrido, en la ciudad de México.
Creó su primera canción Nunca en el mundo en 1950, y grabó su primer disco en 1959. En 1969, Carlos Lico colocó su balada No en los primeros lugares de las listas de popularidad de toda Latinoamérica, por lo que no debe sorprender que a la fecha haya escrito más de 400 canciones y que de ellas más de 50 hayan obtenido fama internacional.
Sus canciones han sido traducidas a diversos idiomas y han sido interpretadas por grandes figuras como Eydie Gormé, Johnny Mathis, Paul Mauriat, Tony Bennett, Frank Sinatra, Elvis Presley, Elis Regina, Angélica María y Luis Miguel. Manzanero también ha producido a artistas como María Conchita Alonso, Amaya, Dyango, Presuntos Implicados, Carlos Cuevas, entre otros. Además, trabajó para Hollywood en la producción musical de No sé tú, versión en español de la película Speechless.
En los años 90, realizó las bandas sonoras de telenovelas, como Nada Personal y Mirada de Mujer, y en el 2000 grabó su disco Duetos, con figuras como Alejandro Sanz, Malú, Presuntos Implicados, La Barbería del Sur, Miguel Bosé, Ariel Roth, Lolita, Café Quijano, La Unión, Cómplices, Lidia, Pancho Céspedes, Ricardo Montaner, Juan Pablo Manzanero, Lucero y Edith Márquez.
Objeto de innumerables reconocimientos a nivel internacional y ganador de múltiples premios, la última vez que Manzanero llegó a las listas de Billboard fue en 1988 con su álbum 20 Grandes Éxitos, que debutó en sexto lugar. Pero lo más trascendente es que este artista sigue vigente con presentaciones en vivo y sus canciones se siguen escuchando, una y otra vez en las guitarras anónimas de serenatas alrededor del mundo.
NUEVA YORK.- Después de una década y 100 episodios, BOB DYLAN vuelve a ser DJ en la radio: un episodio de dos horas (el doble del tiempo habitual) con temática de whisky transmitido por la emisora satelital Sirius XM y ahora disponible para su transmisión en el sitio web del Premio Nobel.
Su reaparición mediática también es un maxi spot para Heaven’s Door, su sello personal que lleva el nombre de una de sus canciones más famosas.
El autor de 79 años ha permanecido confinado desde marzo debido al Coronavirus, que canceló las etapas de su Never Ending Tour. Para Dylan la cuarentena resultó ser productiva con el lanzamiento del nuevo álbum Rough and Rowdy Ways, luego de ocho años.
El Theme Time Radio Hour, la serie transmitida por SiriuxMX, de 2006 a 2009, tenía un tema de episodio elegido por el cantautor al explorar a través de canciones, poemas, digresiones y de ida y vuelta con invitados como Elvis Costello, Tom Waits, Merle Haggard, Jack White y John Cusack.
DYLAN aprovecha la coincidencia con el mes de la historia borbónica -este mes-, con canciones con temática de los espíritus elegidas de Van Morrison, George Jones, Thin Lizzy, Tom Waits, los Stanley Brothers y Julie London, antiguas glorias del blues como Byllye Williams y Wynonie. Harris y, por supuesto, Frank Sinatra, a quien el cantante dedicó un álbum de versiones, Shadows in the Night, en 2015.
Dylan también resucita la versión de Charlie Poole de 1920, If the River Was Whisky (Hesitation Blues). entremezclados con chistes y chistes sobre el whisky y la resaca.
La reinvención de YUSUF / CAT STEVENS,TEA FOR THE TILLERMAN se estrena a través de UMC. El álbum, que incluye los sencillos lanzados anteriormente Where Do The Children Play?,On The Road To Find Out y el último lanzamiento Father And Son, ya tiene respuesta a nivel internacional.
Mojo confirma que hay “integridad conceptual tangible en estas nuevas versiones más robustas y ricamente detalladas“, y el álbum es descrito como “una forma poderosa de rastrear el paso del tiempo” por la NME. Rolling Stone se entusiasmó: “Las nuevas versiones de las pistas de Tea for the Tillerman no son recreaciones nota por nota. En muchos casos, son más exuberantes que los originales y algunas toman giros sorprendentes, como un funkafied ‘Longer Boats’ con la voz invitada del rapero Brother Ali. ‘Wild World, mientras tanto, ahora suena casi como un vals.
Dicho esto, Yusuf trabajó duro para mantener el mismo espíritu de los originales “. Billboard exclamó: “La reinvención cambia muchos de los arreglos familiares, mientras se mantiene afortunadamente fiel a la misión del álbum: explorar la vida y uno mismo sin miedo”, mientras que Forbes lo aclamaba como “un proyecto fascinante“.
American Songwriter declaró, “la inconfundible, rica y retumbante voz de Yusuf / Cat Stevens está en una forma fantástica“.
En un perfil reciente que abarca toda su carrera, CBS Sunday Morning comentó sobre la canción atemporal de Yusuf , Father and Son, afirmando: “En la dolorosa conversación entre padre e hijo, las pistas se grabaron con 50 años de diferencia, y ambas versiones son perfectas en su a su manera”.
En 1970, Cat Stevens lanzó Tea For The Tillerman, una obra maestra musical que es ampliamente alabada como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 50 años después, Yusuf / Cat Stevens, como se le conoce ahora, ha reinventado el álbum para una era completamente nueva. El resultado, Tea for the Tillerman2, es un homenaje cariñoso a la grabación original y demuestra cómo las canciones pueden trascender su propio tiempo y mantenerse relevantes en un mundo en constante cambio y cada vez más salvaje.
El nuevo álbum fue grabado en Studio La Fabrique en la campiña provenzal francesa cerca de donde el artista favorito de Yusuf, Vincent Van Gogh, pintó muchas de sus obras más queridas.
Para la grabación deTea for the Tillerman,Yusuf se reunió con el productor Paul Samwell-Smith y el guitarrista Alun Davies, quienes estuvieron presentes en la primera ronda. Completaron el equipo los veteranos hombres de sesión Jim Cregan y Peter Vettese, así como Kwame Yeboah y Eric Appapoulay, pilares de la banda en vivo de Yusuf durante la última década. La atmósfera se cargó con una electricidad palpable cuando, una a una, las canciones clásicas fueron revisadas con amor como recuerdos profundamente preciados.
Yusuf estaba en un estado de ánimo confiado y en buena forma mientras dirigía decisivamente el conjunto hacia su visión clara y definida. Algunas canciones se han rediseñado a través de una lente contemporánea y otras son desviaciones totales de las originales, como la versión de blues del desierto de On The Road To Find Out: vea una sorprendente colaboración visual entre Yusuf y los directores Kimberly Stuckwisch (Billie Eilish, Thundercat, MØ) y Melora Donoghue de Invisible Inc aquí, o el toque de tango argentino que se le ha dado a Wild World.
Quizás la joya de la corona es el nuevo Father And Son que ve a Yusuf haciendo un dueto con su yo de 21 años. Yusuf ahora canta el papel del padre, mientras que el del hijo proviene de una grabación de 1970 realizada en el legendario Troubadour de Los Ángeles. El efecto de las experiencias de un hombre, separadas por medio siglo, unidas en una canción, es profundamente conmovedor y aporta un nivel completamente nuevo de significado al favorito eterno. La pista está acompañada de un impresionante video animado de fotograma a cuadro del aclamado director Chris Hopewell y Black Dog Films.
De hecho, la reelaboración de todas las canciones solo sirve para iluminar la amplia gama de sutilezas y matices que son una de las razones por las que se pueden escuchar una y otra vez. Yusuf ha actualizado la obra de arte icónica del álbum que él mismo escribió, utilizando un estilo para el dibujo que precede incluso a su interés por la música. El día se ha convertido en noche y el Tillerman ahora usa un traje espacial, lo que refleja simultáneamente la distancia recorrida en su viaje durante el último medio siglo y la creciente necesidad de protección contra el deterioro de la calidad del aire en el mundo.
El éxito duradero del legado musical de Yusuf / Cat Stevens se basa en una miríada de factores, pero la clave entre ellos es la asombrosa habilidad que tiene para traducir su vibrante imaginación en forma musical. Tea for the Tillerman es el ejemplo más eficaz y entrañable de este proceso con su paisaje creativo completamente desarrollado habitado por atractivos personajes tridimensionales.
Estos se convierten en los medios para que Yusuf / Cat Stevens impartan sabiduría y conocimientos que sin duda superaron sus años de juventud en 1970 y, incluso ahora, parecen destacarse por estar muy bien sintonizados con nuestro complejo y delicado mundo. El sorprendentemente profético ‘Where Do The Children Play?‘ Solo podría haber sido escrito como una reacción a la terrible crisis ecológica que enfrentamos en este momento, con la versión reinventada de 2020 ahora combinada con un video musical profundamente conmovedor realizado en colaboración con Chris Hopewell y Black Dog Films, explorando las posibilidades de la producción de videos musicales sin desperdicios.
En otra parte, Miles From Nowhere y On The Road To Find Out documentan la búsqueda de significado y la sed de aventuras que siempre serán ritos de iniciación para un alma ansiosa. Estos son cuentos populares modernos que resonarán con cualquier espíritu abierto y receptivo y Yusuf es nuestro narrador humilde pero experto, son alegorías para los nuestros y de todos los tiempos.
En última instancia, es la universalidad del mensaje subyacente de amor y paz del álbum combinada con su innegable brillantez artística lo que cimenta el lugar de Tillerman en la historia. Ya ha dejado una marca indeleble en los cimientos de la cultura popular y con esta nueva versión estamos invitados a ser testigos una vez más de su magia y misterios por un artista que ha pasado los 50 años intermedios desafiando sin miedo los límites de su propia comprensión y visión.
UN DATO:
Disponible en 1xCD, 1xLP, Digital y formatos de streaming
El 14 de septiembre de 1920 nacía en Paso de los Toros, Uruguay, uno de los poetas más queridos y seguidos de todo el ámbito del español: MARIO BENEDETTI. Hoy, cuando se cumplen cien años desde aquel día, esta antología de sus poemas nos devuelve a un BENEDETTI más vivo que nunca: sus versos siguen siendo recitados, cantados, compartidos y recordados como si hubieran sido escritos ayer, como si contaran el mundo y las emociones que conocemos y vivimos en 2020.
Y es que la poesía de BENEDETTI ha trascendido el ámbito de lo literario y se siente, a ambos lados del océano, como parte de un patrimonio popular que nos enlaza a todos y que nos legamos unos a los otros de generación en generación.
En esta antología poética se unen de nuevo dos figuras queridas en el ámbito de la cultura en español. Una de ellas es, claro está, Benedetti. La otra, Joan Manuel Serrat (al que se ha llamado “el más latinoamericano de los cantautores españoles”), con cuyas canciones ocurre el mismo fenómeno que con los poemas de Benedetti: basta con escuchar los primeros acordes de una de ellas para que todos recordemos inmediatamente su letra.
En 1985 el poeta y el cantautor trabajaron juntos para componer el disco El sur también existe con canciones musicadas por Serrat que son en su mayoría versiones de poemas de Benedetti (todas excepto la que da título al disco, que ambos compusieron en coautoría) y que se convertiría, desde el principio, en uno de los más emblemáticos de Serrat. Ese fue el punto de partida de una amistad entre los dos que se mantuvo intacta hasta la muerte del poeta en 2009.
Ahora, cuando se cumplen treinta y cinco años de ese periodo de creación conjunta, Benedetti y Serrat vuelven a dialogar en este volumen, y ese diálogo vuelve a ser tan intenso y enriquecedor como lo fue entonces. En esta ocasión, el fruto de esa «conversación» es una antología que recoge algunos de los mejores poemas del autor uruguayo. El paso del tiempo le ha mostrado a Serrat nuevas facetas de la poesía de Benedetti y, con ello, también de la vida del autor. Porque poesía y vida van unidas en la obra de Benedetti, de todos los Benedettis que hay en Benedetti, como dice Serrat en su prólogo a la edición, «el oficinista rutinario, el montevideano de clase media, el periodista comprometido, el viajero curioso, el militante de la patria doméstica, el exiliado y el desexiliado, y también el intelectual parcial, el luchador político y, por supuesto, el poeta minucioso y trabajador que nunca dejó de ser». Porque Benedetti es el poeta de la vida, el de la experiencia cotidiana; y esta antología es una prueba del amor de Serrat por su poesía.
Cada lector de Benedetti podría organizar su antología personal del poeta, la que incluye sus poemas favoritos. Esta ANTOLOGÍA POÉTICA es la antología de Serrat. La selección de los poemas que la forman está hecha al dictado de su propio gusto, de sus emociones, de su conocimiento del poeta y de su obra, del redescubrimiento que supone leerle varias décadas después de El sur también existe.
Hay algo de cancionero al modo petrarquista en este libro. Porque los poemas, ordenados cronológicamente, dan cuenta de la vida del poeta, de sus inquietudes y sus desvelos, de la huella que las presencias y las ausencias, los viajes, los compromisos y los desengaños van dejando en él.
En palabras del propio Serrat, “en su obra, siempre llena de compromiso social, no falta nunca la imprescindible presencia del amor, el tema más universal de la poesía; bálsamo o veneno, el amor, siempre un apogeo de las relaciones humanas”. Generación tras generación, los enamorados colocaron en sus labios algunos de los versos aprendidos del poeta y los grabaron junto a sus nombres en las cortezas de los árboles de todos los parques. Las muchachas llenaron cuadernos con poemas de Benedetti y, desde el paredón de la fábrica, replicaba aquel que aprendimos huérfanos o en pareja y que aún hoy repetimos como una letanía. Esencias de un perfume que al sentirlo de nuevo nos devuelve el tiempo en que, felices o no, fuimos presente; versos que son sólo nuestros, que se hilvanan en la entretela del alma y que uno acaba amando como se ama a sí mismo. Pero al tiempo que el amor, a lo largo de toda su vida, por razones literarias o personales, la nostalgia y el exilio estarán presentes en la obra de Benedetti. A veces la nostalgia provocará el exilio, y otras será el exilio el que avive la nostalgia.
Mario Benedetti ha sido uno de los escritores más fecundos y populares de América Latina. Un hombre de aspecto frágil y sencillo, de gesto y voz mesurada, que acercó a la gente su palabra despojada de solemnidad. Escribió, a contramano de las modas imperantes y de la crítica, historias que son las peripecias del hombre medio. Visitó todos los géneros literarios: la novela, el relato, el teatro, pero fue la poesía su género predilecto, el que marcó más intensamente su vocación y el más abundante y popular de toda su obra. Probablemente Benedetti sea el poeta más leído en nuestro idioma y, con toda seguridad, el más cantado.»
UN DATO:
BENEDETTI publicó más de ochenta libros de los que se han hecho millares de ediciones en veinticinco lenguas y más de cincuenta países. Escribió poesía, cuento, novela, ensayo, crítica literaria… Fue letrista musical y sus poemas se han realizado cientos de versiones que han cantado, además de Serrat, artistas como Nacha Guevara, Daniel Viglietti, Pablo Milanés, Soledad Bravo, Rosa León, y Tania Libertad entre muchos otros. Y por todo ello es uno de los autores más importantes del catálogo editorial de Alfaguara tanto en España como en la región norte y central de América Latina en todos los formatos: trade, bolsillo, ebook y audiolibro.
Con esta antología, Alfaguara ―que ha contado con la colaboración de la editorial Visor para hacerla posible―, y con la reedición de la biografía definitiva del poeta, Un mito discretísimo. La biografía de Mario Benedetti, escrita por la directora de la Fundación Benedetti en Uruguay, Hortensia Campanella, celebra el centenario del poeta. «Emociona descubrir que la obra de un autor está tan viva que, en cada momento, por muchos años que pasen, consigue interpelarte hasta sentir que cuenta tu propia vida ―declara Pilar Reyes, directora editorial de Alfaguara―. Emociona también comprobar que el poeta más joven del mundo cumpliría hoy cien años.»
HAN DICHO:
“Me apasiona su poesía y su actitud ante la vida. Ha legado a Latinoamérica los ideales de libertad, justicia y solidaridad. Benedetti no nos dejará nunca, siempre estarán sus poesías”. Joan Manuel Serrat
“De su mundo literario nos quedan los bellos poemas y relatos que escribió, reivindicando con amor esas vidas incrustadas en la monotonía de la rutina, de heroísmo discreto, que van puntualmente a la oficina”. Mario Vargas Llosa
“Él nos enseñó que la poesía no es inventarse un lenguaje raro al margen de la sociedad sino tratar de la manera más respetuosa posible el lenguaje de la tribu. La necesidad de una dimensión cívica y ética de las palabras me parece importante y ahí está la enseñanza de Mario Benedetti”. Luis García Montero
“Esa combinación de tristeza e ironía, y de ingenuidad a veces rabiosa, que hay en sus versos, y en su vida, es la música que debe sonar de fondo”.- Juan Cruz
“Los versos de Benedetti saben a calle y a corazón partido y por eso muchos de ellos han sido cantados”. Joaquín Sabina
DE BENEDETTI (Paso de los Toros, Uruguay, 1920-Montevideo, 2009). Se educó en un colegio alemán y se ganó la vida como taquígrafo, vendedor, cajero, contable, funcionario público y periodista. Autor de novelas, relatos, poesía, teatro y crítica literaria, publicó más de cincuenta libros y ha sido traducido a veintitrés idiomas. Fue galardonado con, entre otros, el Premio Reina Sofía de Poesía 1999 y el Premio Iberoamericano José Martí 2000.
LONDRES.– El camaleónico cantante inglés DAVID BOWIE, fallecido hace cuatro años a los 69 años de edad, ha sido elegido el “británico mejor vestido de la historia”, por encima de dos monarcas del país, según una encuesta divulgada este martes por una revista histórica de la BBC.
El veterano músico, DAVID ROBERT JONES -su nombre verdadero-, autor de temas de culto como Fashion o Fame, fue uno de los diez nominados por expertos de la industria de la moda y prominentes académicos que intervinieron en la elaboración de la curiosa lista sobre la que votaron los lectores de la publicación.
Bowie, a quien nominó el diseñador Wayne Hemingway, ocupó la primera posición con un 48.5 % de los votos gracias a su característico estilo y su impacto en el mundo de la moda de este país.
Otros “aspirantes” en la selecta lista, fueron la reina Isabel I, Georgiana Cavendish, duquesa de Devonshire, y George Bryan Brummell, conocido como Beau Brummell y que fue el árbitro de la moda en la Inglaterra de la Regencia y amigo del príncipe Regente, que accedió al trono en 1820 como Jorge IV.
La monarca, la duquesa de Devonshire y Beau Brummell obtuvieron porcentajes del 13.6 %, 9.5 % y 8.4 % respectivamente.
Otros nominados fueron el rey Enrique III, un monarca conocido por su gran pasión por las telas lujosas, el político Charles James Fox, Samuel Pepys, la duquesa de Rosse, Anne Messel (1902-92) y la reina Alexandra, monarca consorte del rey Eduardo VII.
“David Bowie recibió muchos reconocimientos a lo largo de su exitosa carrera pero con seguridad ninguno se compara a ser votado el británico mejor vestido de todos los tiempos”, señaló el director de la revista, Rob Attar.
Para ocupar ese primer puesto, Bowie “ha tenido que superar a un rey, dos reinas y un peso pesado de la política en nuestra encuesta”.
La metamorfosis continua a la que se sometió el andrógino Bowie durante cinco décadas, motivó que el museo londinense Victoria & Alberto le dedicara este año una amplia exposición.
En 300 objetos de Bowie se ilustran la creatividad, magnetismo y el prolongado affaire que el veterano cantante mantuvo con la moda, el arte y lo audiovisual.
Además, el pasado 11 de marzo fue lanzado un álbum, The Next Day, que alcanzó en su primera semana el número uno de ventas y ha sido comparado con trabajos de culto como Lodger (1979) o Scary Monsters (1980).
Junto con su música, Bowie siempre dio de qué hablar a los medios por la atención que prestaba a su indumentaria, que cuida a detalle en el lanzamiento de cada uno de sus álbumes.
Cuando el 4 veces ganador del Grammy, Keith Urban, reveló el pasado 7 de agosto el listado de canciones de su nuevo álbum THE SPEED OF NOW Part 1, el próximo 18 de septiembre, poco sabía que las redes sociales explotarían a causa de los bloques amarillos colocados junto a las canciones Out The Cage y One Too Many. Fanáticos alrededor del mundo especularon sobre los colaboradores y exhibieron signos reveladores de FOMO.
Hoy, los rumores terminan pues Urban ha revelado que Out The Cage, canción que abrirá su nuevo disco cuenta con la colaboración de Breland y el legendario guitarrista Nile Rodgers, mientras que One Too Many presenta a la incomparable P!nk. Igualmente, el disco tendrá una versión alternativa de We Wereque presenta al coescritor de la canción Eric Church.
HA DICHO:
Urban comenta sobre las participaciones anunciadas, “Cuando colaboro, siempre estoy en búsqueda de “esa tercera cosa”. Está lo que hago, está lo que hace mi colaborador y luego está esta “tercera cosa” por la que tengo más curiosidad. Eso es lo que más me interesa, cuando la suma de las partes se vuelve en algo más de lo que imaginé. Eso es lo que más disfruto, encontrar algo en común, darle forma y unirlo.”
UN DATO:
Septiembre 18 del 2020, marcará el lanzamiento del décimo álbum de estudio de Keith Urban, The Speed of Now Part 1 el cual viene acompañado de una serie de canciones frescas entre las que destacan los sencillo Polaroid, primer corte de este álbum y su más reciente, el cual vino acompañado de un video creado por la sensación de YouTube, Andymation el cual pueden ver aquí.
Keith Urban es un artista único, cuya carrera se mantiene es constante evolución y rompiendo los moldes de los estereotipos con su voz única y atrayendo fanáticos de todas partes.
Con el lanzamiento de su álbum multi-platino FUSE, Urban redobló su búsqueda para crear un nuevo sonido híbrido que incluyera muchas de sus influencias musicales para crear su propia marca. FUSE abrió el camino para los álbumes que seguirían, RIPCORD en 2016 y GRAFFITI U en 2018, discos que debutaron en la posición #1 en el Chart de Billboard en Estados Unidos, Canadá y Australia. Estas piezas incluyeron algunos de los mayores éxitos para Urban, incluidos Blue Ain’t Your Color, Parallel Line y The Fighter, así como una de las giras más exitosas en su carrera, GRAFFITI U World Tour donde se presentó ante 1.5 millones de personas en 7 países.
ROMA.- El músico y compositor, autor galardonado con el Premio Oscar, ENNIO MORRICONE murió a los 93 años en una clínica romana debido a las consecuencias de una caída que le provocó la fractura del fémur.
MORRICONE es autor de las bandas sonoras más bellas del cine italiano y mundial desde El Bueno, el Malo y el Feo, Por unos dólares más hasta Érase una vez en el oeste, desde Cinema Paradiso hasta Malena.
El funeral de MORRICONE se llevará a cabo en forma privada “con respecto al sentimiento de humildad que siempre ha inspirado los actos de su existencia”. La familia del compositor anunció a través de su amigo y abogado Giorgio Assumma. Morricone murió “al amanecer del 6 de julio en Roma con el consuelo de la fe”. Assumma agrega que el maestro “conservó hasta el último lucidez y gran dignidad”.
Pudo despedirse de su esposa María, quien lo acompañó con dedicación en cada momento de su vida humana y profesional y estuvo cerca de él hasta el último suspiro, agradeció a sus hijos y nietos por el amor y la atención que le brindaron. Dedicó un recuerdo conmovedor a su audiencia de cuyo afectuoso apoyo siempre ha extraído la fuerza de su creatividad “.
MADRID.- JOAQUÍN SABINA, de 71 años,se casócon su compañera desde hace años, Jimena Coronado, en una ceremonia íntima celebrada en el Registro Civil de Madrid.
La ceremonia, a la que asistió su compañero y colega Joan Manuel Serrat, fue oficiada por el actual ministro de Interior, el magistrado Fernando Grande-Marlaska, de gran amistad con el cantante.
Jimena, quien es peruana y fotógrafa de profesión, conoció a Sabina hace más de 20 años cuando lo entrevistó y es su compañera inseparable.
Sabina se recuperó en los últimos meses de una fuerte caída durante un concierto en el Wizink Center de Madrid.
Fue el 12 de febrero, cuando Sabina se precipitó al foso frente al escenario desde una altura aproximada de 1,70 metros, sufriendo un “traumatismo de hombro izquierdo, torácico y craneoencefálico” y un “pequeño coágulo” del que fue intervenido y luego internado en terapia intensiva.
“Fue más fuerte del que pensáis. Llevo hasta dos operaciones, titanio y un hematoma en la cabeza”, dijo al salir del hospital. “No tengo la menor intención de morirme, que se muera la muerte”, sentenció fil a su estilo.
Según contó en su última visita a Argentina, Sabina le habría pedido matrimonio a su flamante esposa en noviembre, cuando ella cumplió 50 años de edad.
Este es el segundo matrimonio del músico ya que en 1977 se casó con Lucía Inés Correa, de la que se divorció en 1985. Luego mantuvo una larga relación con Isabel Oliartque se extendió hasta 1998, fruto de la cual nacieron sus dos hijas, Carmela y Rocío.
LONDRES.- ROGER WATERS sumó un nuevo capítulo a su viejo enfrentamiento con su antiguo compañero de banda DAVID GILMOUR, al acusarlo de no permitirle el acceso a las páginas oficiales de Pink Floyd para promocionar sus trabajos como solista.
A través de un video publicado en Instagram, el bajista señaló que el guitarrista le “ha prohibido el acceso al sitio web”, un lugar que consideró sería “justo y correcto” que sea utilizado por igual por todos los ex miembros del popular grupo británico.
“David cree que le pertenece. Creo que piensa que porque dejé la banda en 1985 él es el dueño de Pink Floyd, que él es Pink Floyd y que soy irrelevante y debería mantener la boca cerrada”.
En ese contexto, contó que intentó sin éxito un acercamiento con Gilmour y el baterista Nick Mason para trabajar juntos en una reedición en vinilo del disco Animals, de 1977.
¿Podemos lanzar una reedición remasterizada en vinilo de Animals sin que se convierta en la Tercera Guerra Mundial? ¿No sería eso bonito? Sugerí hacerlo democráticamente. Dije: ¿por qué sencillamente no votamos? Somos solo tres. Pero fue intento fallido y no funcionó”
El bajista dejó el grupo en 1985 e inició una fallida batalla legal con sus ex compañeros para que no puedan usar el nombre de la banda.
Para honrar la memoria del Caifán mayor, ÓSCAR CHÁVEZ, Canal 22 ofrecerá una programación especial con destacados conciertos y un documental a través del cual, el propio Chávez narra parte de su vida y las encrucijadas de su carrera en la música y el cine, además de transmitir la película más emblemática de su carrera.
Canal 22 rinde homenaje al cantante, actor y compositor mexicano Óscar Chávez, quien contribuyó no sólo a la cultura y al arte, sino sobre todo a la lucha social por las causas justas.
PROGRAMACIÓN:
Concierto Óscar Chávez 2 de octubre
Viernes 1 de mayo, 22:30 h.
Se transmitirá la presentación que ofreció Óscar Chávez en el marco de la conmemoración del 2 de octubre de 1968, desde el Complejo Cultural Los Pinos.
Concierto Festival de Centro Histórico de la Ciudad de México
Domingo 3 de mayo, a las 17 h
Desde la plancha del Zócalo capitalino, Óscar Chávez se presentó en concierto dentro del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México en 2016. El evento se llevó a cabo en conmemoración de los 81 años de cantautor, en el cual interpretó algunas de sus canciones más famosas acompañado por artistas y amigos invitados, tales como Jaime López, Rafael Mendoza, David Haro y el Trío Los Morales.
Durante este festejo, se proyectaron imágenes de Los Caifanes, largometraje dirigido por Juan Ibáñez, considerado un parteaguas en el cine mexicano.
Los Caifanes
Estreno
Domingo 3 de mayo, a las 22:30 h
Esta road movie urbana muestra la historia de una joven pareja perteneciente al status quo de la Ciudad de México durante los 60. Cuando deciden abandonar por una noche su vida llena de lujos, se topan con cuatro mecánicos de los barrios bajos. El choque cultural entre ambas clases sociales se convierte en un viaje donde hombres rebeldes llevaran a los jóvenes adinerados por un tour nocturno a través de los cabarets, fondas, plazas y hasta funerarias, mostrándoles así un mundo chilango desconocido.
Cabe destacar que esta cinta dirigida por Juan Ibáñez fue protagonizada por Julissa, Enrique Álvarez Félix, Sergio Jiménez, Ernesto Gómez Cruz, Óscar Chávez y Eduardo López Rojas.
Rompe el alba
Domingo 3 de mayo, a la medianoche
Señal 22.2
Esta biográfica película sobre la vida de Pedro González, el primer presentador mexicano de un programa de radio en Estados Unidos. González, quien emigró a dicho país en 1928, se convirtió en un objetivo para el racismo después de ser un activista político importante en la década de 1930. Él era el más influyente entre los residentes del este de Los Ángeles, que comenzó a amenazar al racista Fiscal de Distrito y terminó siendo falsamente acusado de violación.
La cinta es dirigida por Isaac Artenstein, en 1988, y fue protagonizada por Óscar Chávez, Kamala López, Tony Plana, María Rojo, María Rubell, Peter Henry Schroeder, Pepe Serna, Socorro Valdez y Valerie Wildman.
Los que hicieron nuestro cine: La nueva generación
Lunes 4 de mayo, a las 22:30 h
Programa dirigido por Alejandro Pelayo
¡Música, maestro! Con Óscar Chávez
Lunes 4 de mayo, a las 23 h
Asimismo, se transmitirá un episodio del programa ¡Música, maestro! conducido por Armando Manzanero y Laura Barrera en el que el actor, compositor, poeta y cantante Óscar Chávez, comparte un poco de su experiencia en obras cinematográficas y sus aportes a la música con canciones de amor, política y distintos temas sociales. Además de una conversación de reminiscencias, interpreta los temas Por ti, Será mañana y Regalé mi alma.
Esta tarde murió el cantautor mexicano ÓSCAR CHÁVEZ en el hospital 20 de Noviembre del ISSSTE, donde fue llevado luego de presentar síntomas de coronavirus.
Chávez, quien falleció a los 85 años de edad, fue ingresado en la tarde del martes con “fiebre, dolor de cuerpo y algunas dificultades para respirar”.
Óscar Chávez Fernández (Ciudad de México, 20 de marzo de 1935 – 30 de abril de 2020), fue uno de los grandes impulsores de la música mexicana como cantautor, de los máximos exponentes del canto nuevo en México.
En julio del año pasado, el protagonista del filme Los Caifanes, fue reconocido por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, como Patrimonio Cultural Vivo de la Ciudad de México, en la Fiesta de Trova y Canción Urbana Cantares.2
El cantautor español ALEJANDRO SANZ anunció un proyecto colaborativo considerado muy especial: EL MUNDO FUERA. LA PELÍCULA, que nace como continuación conceptual de la canción que de manera orgánica y casi espontánea el artista presentó hace unas semanas, #ElMundoFuera (improvisación) luego de haber realizado un histórico ‘concierto para todos’ bajo el título #LaGiraSeQuedaEnCasa, que se retransmitió a través de YouTube en directo y que han visto millones de personas en todo el mundo.
El Mundo Fuera. La Película es una idea basada en la interacción que pretende construir un relato común del momento que vivimos de manera reflexiva y sincera.
SANZ a través de sus rrss hace un llamado para la colaboración desde cualquier rincón del planeta para que la gente pueda compartir sus historias:
DE SU PUÑO Y LETRA:
Hola familia,
Os propongo abrir una ventana de esperanza que nos ayude a ver todo lo que nos está tocando vivir con una mirada diferente.
A partir del próximo 20 de Abril os invito a ser testigos de lo que ocurre a nuestro alrededor, a compartir un trocito de nuestras vidas. Seguramente descubramos que somos más parecidos de lo que pensamos y estamos mucho más cerca de lo que nunca hubiéramos imaginado.
UN DATO:
EL MUNDO FUERA, LA PELÍCULA es tu historia, nuestra historia, la historia de todos. Juntos construiremos un relato colectivo que nos llevará de un lugar a otro. Se trata de un trabajo colaborativo, y esta historia la contáis vosotros. Una película en la que la música y tu sois los protagonistas.
Durante una semana hasta el día 27, los usuarios podrán acceder a la web del proyecto (elmundofuera.alejandrosanz.com) y subir sus vídeos personales relatando sus experiencias durante el confinamiento. A partir del material recibido se construirá el hilo narrativo de El Mundo Fuera. La Película
Aquí puedes entrar a la página oficial: #ElMundoFuera
En este Dominguito Sagrado, el canal 22, el Canal Cultural de México estrena en exclusiva el documental Aute Retrato de Gaizka Urresti, cuyo recorrido por festivales de cine mundiales fue interumpido por la contingencia sanitaria, por lo que la televisora ofrece una oportunidad única para ver una aproximación muy íntima y afectuosa de los últimos días del cantante.
Se trata de una celebración de la obra del artista y cada de una de sus facetas creativas, que se van desvelando de forma emocionante y conmovedora a través de sus testimonios y los de amigos, de colaboradores y de artistas.
Este largometraje muestra en detalle todas las disciplinas artísticas manejadas por Aute, así como sus temas recurrentes: el erotismo, el amor, el humor, la mística, la amistad y el compromiso político. Estas van amenizadas por algunas de sus canciones, que se han convertido en la banda sonora de varias generaciones, con versiones inéditas interpretadas por Dani Martín, Rozalén, Marwan, Ana Belén, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Jorge Drexler, Ismael Serrano, Pedro Guerra y Víctor Manuel, entre otros.
GAIZKA URRESTI, DIRECTOR
Es Licenciado en Ciencias de la Información en la UPV/EUH. Ha dirigido 14 cortometrajes con los que ha obtenido una nominación al Premio Goya por Un Dios que no ampara (2011) y el premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por Abtenerse agencias (2014). Además, ha dirigido tres largometrajes: los documentales El último guion. Buñuel en la memoria (2008) -co-dirigido con Javier Espada- y Arizmendarrieta, el hombre cooperativo (2018) y la comedia Bendita calamidad (2015). En su faceta de productor de largometrajes destacan títulos como Vida y color de Santiago Tabernero (2006) o Incierta gloria (2017) de Agustí Villaronga.
Como uno de los cantantes que lideran la nueva generación del pop latino, quien rápidamente encontró llevar las baladas al tope de las listas y recibió múltiples éxitos multi-platino con tan solo 25 años, SEBASTIÁN YATRA se siente agradecido por la oportunidad de colaborar con artistas como The Jonas Brothers, Halsey, Juanes, Maná, Daddy Yankee y más.
Sin embargo, además de haber sido elegido como el acto de apertura para la gira que tomará lugar este otoño de los iconos de la música, Ricky Martin & Enrique Iglesias, Yatra está sumando su más soñada colaboración en su nuevo dueto y video con Ricky Martin para el tema, Falta amor.
Esta nueva versión de uno de los temas del álbum de baladas de Yatra del 2019 titulado Fantasía también llega junto con un video dirigido por el reconocido director Carlos Pérez.
EN NÚMEROS:
Con más de 6 billones de reproducciones y más de 35 millones de seguidores en las redes sociales y en YouTube, la nueva colaboración de Yatra con Ricky Martin junto con la anticipada gira este otoño seguramente hará de esta nueva interpretación del tema “Falta Amor” uno de los éxitos más grandes del pop latino durante el 2020.
HA DICHO:
“Cantar junto a Ricky Martin es una locura… nunca pensé que podría ser posible en esta o en otra vida. No solamente es algo muy grande como latino sino también para cualquier persona que ama la música.”
– Sebastián Yatra
UN DATO:
Sebastián Yatra aprovecha #QuedateEnCasa para dar sesiones en vivo “Leyendo cuentos para niños todas las noches” junto con artistas como Carlos Vives & Más
Para incentivar las medidas preventivas de distanciamiento social durante la pandemia de COVID-19 y apoyar los esfuerzos de #QuedateEnCasa, Yatra ha estado invitando a otros artistas y a sus familias a unirse a él virtualmente para leer cuentos de niños vía Instagram Live todas las noches (8pm ET/7pm en Colombia). Ya lo han acompañado artistas como Carlos Vives y otros famosos se preparan para unirse en las próximas noches.
