ROMA.-CAMILO SESTO quiso ser cantante desde los cuatro años, cuando “escuchaba a Joselito, su ídolo, y a las folclóricas en la radio, las vecinas le pedían que cantara en la calle, y así empezó”, cuenta a ANSA la biógrafa del cantante, Elena Gómez de la Puerta.
Cuando en 1972 se fue de gira a Argentina “y se encontró sus canciones en la radio, fue cuando se dio cuenta del éxito que tenía en ese continente”, añade.
Gómez de la Puerta acaba de publicar el primer volumen de Camilo Sesto. Mi última canción (Editorial Chocolate), biografía autorizada del cantante de baladas que saca a relucir su lado más rockero al inicio de su carrera musical.
Nacido como Camilo Blanes Cortés en 1946 en Alcoy (Alicante, este del país), localidad famosa por sus fiestas de Moros y Cristianos, fue solista en el coro del colegio de Los Salesianos, aunque al principio él no quería.
Para que los examinadores le considerasen “no apto” cantó la escala musical al revés, pero el temor a la regla de madera le hizo desistir, superó la prueba y se convirtió en solista.
La biografía narra anécdotas ocurridas en su infancia: el niño Camilo era el que gastaba las broma más divertidas de su barrio.
Ya todos le conocían y los vecinos no se enfadaban porque realmente eran muy ingeniosas. Su amigo Miguel Císcar rememora que “cuando caía la tarde nos escondíamos con las niñas en un descampado. Eran las primeras sensaciones y los primeros amores.
El que más éxito tenía con ellas siempre fue Camilo”. Su familia, que quería que fuera electricista, como el padre, no le apoyó demasiado en sus inicios musicales: “No querían que fuera artista, pero vieron que si quería destacar se tenía que ir a Madrid”.
En la capital, adonde llegó con 18 años, formó parte primero del grupo de rock Los Dayson, y cuando éste se deshizo dos de sus cinco miembros fueron rescatados por el grupo, también de rock, Los Botines.
“Los Beatles eran su principal referente musical, Paul McCartney en concreto”, apunta la biógrafa. “El salto a las baladas se lo propuso la discográfica. No había destacados solistas y había un exceso de grupos rockeros”, cuenta.
Su familia “le empezó a apoyar cuando se dan cuenta de que él no estaba equivocado, cuando le llega el estrellato con la canción Algo de mi, que salió al mercado en 1972.
A raíz del concurso musical de la OTI, en el que participó en 1973, se le empezó a conocer en toda América Latina, “un territorio en el que siempre se sintió como en casa”, señala Gómez de la Puerta.
La biografía de Camilo Sesto, que vendió más de 180 millones de discos, abarca sus 30 primeros años, hasta 1976, tras la publicación de su sexto álbum, Jesucristo Superstar.
Gómez de la Puerta, que conocía al cantante desde 2006, le dijo un día que le extrañaba que siendo un artista con una carrera tan rica solo existiera una biografía suya, publicada en 1984.
“Es que nadie me conoce en la parte artística tan bien como tú”, le contestó el cantante, y “yo me lo tomé como una invitación para hacer una biografía”.
La escritora entrevistó a 40 personas del entorno del cantante, fallecido en 2019, e investigó documentos en hemerotecas y archivos históricos.
Desde esta noche y hasta el 17 de marzo se estrena la serie de documentales GRANDES PERIODISTAS MEXICANOS por la telera nuestra, pública y abierta de Canal 22.
Los documentales realizados por Elvira García corresponden a los periodistas mexicanos Virgilio Caballero, Jacobo Zabludovsky, Miguel Ángel Granados Chapa y Julio Scherer, un exhaustivo trabajo de investigación y entrevistas, que muestra importantes detalles acerca de la carrera y vida de cuatro trascendentales periodistas mexicanos del siglo XX.
El ciclo inicia con Virgilio Caballero, la voz de los sin voz, en el marco del aniversario número 79 del natalicio del también diplomático Virgilio Dante Caballero Pedraza, quien a través de los medios de comunicación buscó expresar las necesidades y reclamos de la sociedad mexicana, además de luchar por la apertura de espacios para la libertad de expresión.
Además, el programa recoge testimonios de amigos, familiares y colegas de Virgilio, como Enrique Strauss, Santiago Segui Amortegui, José Reveles, Lidia Camacho y Heladio Ramírez López, entre otros, quienes a través de anécdotas destacan la labor periodística y social del impulsor de sistemas públicos de radio y televisión en distintos puntos del país, además de su contribución a la creación del Canal del Congreso. Asimismo, el documental recupera algunos momentos hostiles que marcaron la trayectoria de Caballero, debido a su postura siempre crítica, y permite contextualizar su trabajo con sucesos importantes de la historia del periodismo, como la creación de la Agencia de Noticias del Estado Mexicano (Notimex); el asesinato de Manuel Buendía y la lucha por esclarecer su caso; el trabajo de Imevisión mientras se mantuvo como televisora pública, así como la desaparición del Canal 40.
Por otro lado, el 3 de marzo se transmite Jacobo Zabludovsky. Un hombre tras la noticia; Miguel Ángel Granados Chapa. Palabra en libertad, en el marco de su natalicio, el 10 de marzo; y para finalizar Julio Scherer. El periodismo mi segunda piel, el 17 de marzo.
Los Monstruos Legendarios, tales como Pie Grande, el Monstruo del Lago Ness y otras bestias asesinas de la tierra y el mar, desfilarán en la telera nuestra de HISTORYdesde esta noche y los siguientes miércoles a las 20:10 horas.
¿Acaso estos seres son sólo el resultado de mitos, leyendas y el folklore de ciertos lugares? ¿O de verdad existen monstruos que acechan el mundo en el que vivimos? En tres programas se dan a conocer las investigaciones realizadas sobre sus orígenes y realidades.
MIÉRCOLES 13 (MÉX)
EP. #1 CRIATURAS LEGENDARIAS (BEST OF MONSTERQUEST: SERPENTINE CREATURES)
Durante siglos se han documentado presencias de criaturas serpenteantes que acechan las aguas oscuras de nuestro planeta. El equipo investigará 2 leyendas muy conocidas para intentar descubrir la verdad acerca de qué se esconde bajo la superficie. ¿Con qué se encontrarán?
MIÉRCOLES 20 (MÉX)
EP. #2 ATRAPANDO A PIE GRANDE (BEST OF MONSTERQUEST: CHASING BIGFOOT)
¿Pie Grande es solo una leyenda terrorífica? ¿O una criatura tan real como violenta? El equipo decide investigar el misterio de Pie Grande adentrándose en lo salvaje para examinar y analizar fotografías, grabaciones de audio y relatos de testigos en primera persona. ¿Qué descubrirán?
MIÉRCOLES 27 (MÉX)
EP. #3 BESTIAS FELINAS (BEST OF MONSTERQUEST: FELINE BEASTS)
A lo largo y ancho de los Estados Unidos, peligrosos y enormes felinos han estado acechando los suburbios, atacando a la gente y matando animales. ¿Se trata de felinos demoníacos? El equipo realiza una investigación encubierta para revelar la identidad de estas bestias antes de que maten de nuevo.
Esta noche a las 20.00horas la cita es en TAP (Canal Once, 20:30 hras), para para conocer de primera mano la vida profesional del polifacético actor, director y productor JORGE ORTIZ DE PINEDO, quien relatará su experiencia y anecdotario en cine, teatro y televisión.
Durante una hora, se conocerá a detalle sus vivencias dentro y fuera de los escenarios bajo la conducción de Óscar Uriel, quien de una manera muy íntima sostendrá una conversación con este polifacético invitado.
En esta novena temporada de TAP (Taller de Actores Profesionales) se conocerá más de las vidas y trayectorias de Manolo Caro, Verónica Langer, Bárbara Mori, Jorge Ortiz de Pinedo, Julissa, Fernanda Castillo, Regina Blandón, Cassandra Ciangherotti, Eduardo España, Bejamín Cann, Natalia Beristáin, Juan Pablo Medina y Edgar Vivar.
UN DATO:
Óscar Uriel, comunicador y crítico de cine, sostiene reveladoras conversaciones con actrices y actores mexicanos, de distintos perfiles y generaciones, quienes hablan sobre sus experiencias en la industria del teatro y la televisión. Cada temporada se engalana de los actores y directores más reconocidos de la escena nacional mexicana como: Pedro Arméndariz, Ofelia Medina, Verónica Castro, Diego Luna, Gonzalo Vega, Delia Casanova, Tenoch Huerta, Dolores Heredia, Bruno Bichir, Silvia Pinal, Marina de Tavira, Alfonso Arau, Felipe Cazals, entre otros.
A los 90 años falleció en Zacatecas, en su rancho El Soyate, la actriz y cantante GUILLERMINA JIMÉNEZ CHABOLLA, mejor conocida como FLOR SILVESTRE.
Los restos de Flor Silvestre, madre de Pepe Aguilar, descansarán junto a Antonio Aguilar, quien fue su pareja y gran amor.
Flor Silvestre nació en Salamanca, Guanajuato y participó en más de 70 películas en donde combinaba su faceta de cantante, con más de 100 discos grabados.
La cantante se casó con el locutor y cronista taurino Francisco Rubiales, mejor conocido como Paco Malgesto, y procrearon dos hijos.
La pareja inició su proceso de divorcio en 1958 y Flor Silvestre reveló que el divorcio fue “muy desagradable, no me gustaría volverlo a pasar porque fue una cosa muy triste”.
Flor Silvestre conoció al cantante y actor Antonio Aguilar en 1950. Ella tenía un programa radiofónico en la XEW llamado Increíble pero cierto, y un día cantó en el programa un nuevo artista al que le decían ‘Toni’ Aguilar.
Para ese tiempo, Flor Silvestre ya era una reconocida intérprete de la canción ranchera, pero Antonio Aguilar no se enamoró de ella porque, dijo en broma, “yo estaba cantando ópera, opereta y zarzuela, y ella cantaba cancioncitas raras: rancheras, de mariachi y esas tonaditas”, indicó el intérprete en ese momento.
Sin embargo, se enamoraron durante la filmación de la película El rayo de Sinaloa en 1957.
Flor Silvestre ya estaba separada de Malgesto cuando decidió iniciar una relación con Aguilar. Sin embargo, por una discusión que tuvo con Flor Silvestre, Aguilar se casó con su antigua novia, la actriz Otilia Larrañaga en 1958.
Tras la separación de Antonio Aguilar con Otilia Larragaña se casaron por el civil el 29 de octubre de 1959, y tuvieron dos hijos Antonio y Pepe Aguilar, quienes siguieron sus pasos.
La boda religiosa se llevó a cabo varias décadas después, cuando lograron anular sus matrimonios anteriores.
Los nietos de Flor Silvestre y Antonio Aguilar forman una nueva generación de artistas, entre ellos Majo Aguilar (hija de Antonio) y Leonardo Aguilar y Ángela Aguilar (hijos de Pepe).
Flor Silvestre se desarrolló en géneros como el bolero y la ranchera, y entre sus canciones destacan “Imposible olvidarte”, “Que dios te perdone”, entre otras.
UN DATO:
Guillermina Jiménez Chabolla, fue una cantante y actriz mexicana con más de setenta años de carrera en la música, el cine, la radio, la televisión y el teatro. Y pertenece a la llamada Época de Oro del Cine Mexicano, siendo una de las más grandes de esa época.
Famosa por su melodiosa voz que transmitía los sentimientos de la cantante teniendo poderosos graves acercandose a la voz de una contralto y particular estilo interpretativo, de ahí los apodos de La sentimental y La voz que acaricia, es una de las intérpretes femeninas más emblemáticas de la música mexicana, dentro de los géneros de la ranchera, el bolero, el bolero ranchero y el huapango, con más de 300 grabaciones
Entre sus éxitos se encuentran Imposible olvidarte, Que Dios te perdone (Dolor de ausencia), Pobre corazón, Viejo nopal, Guadalajara, Adoro a mi tierra, Cielo rojo, Gracias, Mi destino fue quererte, Celosa, La Basurita y El conquistador, junto a su gran amor Antonio Aguilar, entre muchas más.
LOS ÁNGELES.– Varias veces pospuesto y fuera de presupuesto, el Museo Oscar diseñado por Renzo Piano, abrirá sus puertas a finales de abril del año entrante, con una exposición inaugural dedicada al gran cine de Hayao Miyazaki.
Los problemas de construcción antes y después de la pandemia habían retrasado al Museo de la Academia de Cinematografía durante años. Ahora, salvo imprevistos, el corte de cinta en el distrito de Miracle Mile, programado para el próximo diciembre, se estima para el 30 de abril con la primera exposición temporal dedicada al animador japonés ganador del Oscar en 2003 por El viaje de Chihiro.
La exposición está organizada en colaboración con Studio Ghibli del que Miyazaki fue fundador junto con su colega y mentor Isao Takahata: presentará 300 objetos relacionados con las películas del cineasta, muchos de los cuales salieron de Japón por primera vez. También habrá proyecciones de las obras maestras de Miyazaki, considerado uno de los más grandes, si no el más grande maestro del cine de animación vivo.
“Honrar la gran carrera de este destacado artista internacional es la forma más adecuada de abrir nuestras puertas, un símbolo del propósito global del Museo de la Academia”, dijo el director Bill Keller.
La muestra se organiza como un recorrido por siete secciones, cada una centrada en un tema de la obra del cineasta de 79 año,s que en 2014 fue galardonado con el Oscar a la trayectoria. Una sección está dedicada a la colaboración con Takahata que dio lugar a obras maestras para la televisión como Heidi, otra fascinación ejercida en Miyazaki por complejas estructuras verticales.
El museo de la Academia estaba originalmente programado para abrir en 2017. En febrero, la noche de los Oscar, Tom Hanks anunció una nueva fecha de corte de cinta: diciembre. Pero luego estalló la pandemia, lo que obligó a un nuevo aplazamiento.
El edificio futurista diseñado por Piano se eleva a poca distancia de Lacma (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), cuyo Resnick Pavilion también fue diseñado por el arquitecto genovés. En el proyecto Piano, las dos almas del edificio coquetean, apenas tocándose, gracias a los pasillos aéreos que conectan el ala histórica, creada en la sede de los grandes almacenes May de 1939 transformada en espacios expositivos, y una “nave voladora” desde la quese sube a un teatro con mil butacas que lleva el nombre de David Geffen, que en el futuro debería albergar la noche de los Oscar.
LOS ÁNGELES.- “Si te encanta viajar por las interminables carreteras de Estados Unidos; si te sientes un poco vaquero y quieres aprender más sobre las historias de las praderas del oeste y los parques estadounidenses, si sientes dentro de ti el insoportable deseo de infinitos panoramas y bosques nunca antes vistos, entonces puedes descargar la aplicación HearHere en tu smartphone y emprender viajes inolvidables, incluso sin tener que cruzar el Atlántico y volar a América”, así es el mensaje que emite esta aplicación con la persuasiva voz del actor de Danza con lobos,KEVIN COSTNER.
Descubrir los secretos e historias de los bellos rincones de la costa oeste de los Estados, desde California, Oregon, hasta el estado de Washington, es el propósito de dicha aplicación.
La idea de crear una aplicación para quienes aman viajar en automóvil, caravana o motocicleta por las pintorescas carreteras estadounidenses y descubrir los territorios a pie entre los paisajes naturales más pintorescos del mundo, se le ocurrió al actor estadounidense KEVIN COSTNER, quien buscó verano con su amigo empresario Bill Werlin lanzó la aplicación HearHere. La intención es dedicar a los excursionistas y amantes del trekking un podcast con historias, relatos y curiosidades sobre los lugares que se atraviesan durante el viaje.
“Cada lugar tiene una historia. Ahora cada historia tiene un lugar”, es el lema de la aplicación diseñada durante estos meses de restricciones por la emergencia de salud que convenció al famoso actor de dedicar un audio con 1,500 historias contadas por otros famosos como el propio actor y el entrenador de baloncesto de la NBA Phil Jackson, un experto en la historia de los nativos americanos.
Las historias contadas tratan temas como el deporte, la cultura, la música y la geología con nociones que permiten conocer mejor el territorio y su gente; todos los temas que generalmente no se encuentran en libros, guías de viaje o sitios web.
Hay almas que nacieron para ser gemelas, incluso en la eternidad. No es una figura literaria de las tantas que usó Gabriel García Márquez en sus libros, es su historia de amor con Mercedes Barcha. Desde ahora, Mercedes y Gabo se reunieron de nuevo. A los 87 años, el amor eterno del literato colombiano falleció en su residencia en Ciudad de México por complicaciones respiratorias.
Gabo contó alguna vez que desde que conoció a Mercedes, cuando era un niño, supo que ella sería su esposa y que le propuso matrimonio cuando apenas tenía 13 años. Sin embargo, por situaciones de la vida de ambos, tuvieron que pasar muchos años antes de que Mercedes le diera el “sí’” el 21 de marzo de 1958, a las 11 de la mañana en la iglesia del Perpetuo Socorro, de Barranquilla.
Dice el escritor Dasso Saldívar que se casaron “un viernes (…), cuatro años después de haberse prometido en matrimonio y tras trece de haber estado atizando un noviazgo a fuego lento, sin prisas y sin pausas”.
La pareja tuvo dos hijos: Gonzalo, de 56 años, diseñador gráfico y experto en fuentes tipográficas; y Rodrigo, de 60, director y productor de cine y televisión. Gabo y Mercedes permanecieron juntos hasta el día de la muerte del nobel de literatura, el 17 de abril del 2014.
Ella jugó el papel de la Beatriz de Dante, solo que Gabo logró casarse con su Beatriz y vivir más de 50 años a su lado. Él ya era un genio cuando se casaron, pero sin Mercedes no habría logrado hacer todo lo que después consiguió en la literatura y en la vida”, le comentó a este diario el escritor inglés Gerald Martin, autor de la biografía Gabriel García Márquez: una vida.
La Gaba–como llamaban cariñosamente a Mercedes– fue el polo a tierra del escritor cataquero, su soporte invaluable y su compañera de sueños en esos viajes macondianos que Gabo plasmó en el papel.
Mercedes Raquel Barcha Pardo nació en Magangué (Bolívar) el 6 de noviembre de 1932. Se crió en el municipio ribereño del Magdalena, pero años más tarde se fue con su familia a vivir a Sucre y luego a Barranquilla.
Al igual que Gabo –cuenta Martin en su biografía–, fue la primogénita de los seis hijos que tuvo Raquel Pardo López, descendiente de una familia de ganaderos, y el farmaceuta Demetrio Barcha Velilla, cuyos ancestros fueron emigrantes que provenían de Oriente Medio.“De allí es de suponer la ‘sigilosa belleza de una serpiente del Nilo’, de Mercedes”, anota Martin, al aludir a la manera como Gabo describe a ‘Mercedes, la boticaria’ en Cien años de soledad: “La mujer sigilosa y silenciosa, de cuello esbelto y ojos adormecidos”.
De hecho, sus rasgos elegantes y su cuello alargado motivaron a Gabo para bautizar con el nombre de La jirafa su primera columna en el diario El Heraldo, a comienzos de los años 50.
En el libro de Martin se recrean escenas de la infancia de Mercedes: “En aquella época, ayudaba ya en la farmacia de la familia, y los niños García Márquez a menudo la veían cuando iban a hacerle recados a su padre. Todos ellos advirtieron, entonces y más adelante, que Mercedes tenía un fuerte concepto de sí misma y que ejercía una autoridad sosegada”.
Nunca fue amiga de las entrevistas y fueron pocas las que dio en su vida. Desde siempre fue callada, proyectando la imagen de una mujer tímida. Aunque, cuando ganaba confianza, explotaba esa personalidad caribe que llevaba dentro.
En la intimidad de sus amigos y su familia, Mercedes dejaba aflorar por completo esa otra faceta alegre y rumbera.
“Mercedes es una maravillosa madre de sus hijos, Rodrigo y Gonzalo, y una abuela generosísima. Pero, además, es la mejor amiga de sus amigos y la más desprendida de los objetos materiales. Feliz regala los zapatos que solo usó dos veces, porque es, ante todo, una recicladora de cariño”, anotaba Rodrigo Castaño cuando ‘la Gaba’ cumplió sus 80 años.
Mercedes disfrutaba de la buena mesa y de los vinos. Fumaba, le encantaba vivir al tanto de lo que sucedía en Colombia y era una lectora consumada. De hecho, Gabo siempre encontró en ella a la primera crítica de su obra.
“Yo destacaría su inteligencia, la discreción, la elegancia, la dignidad, y –muy importante para Gabo, me imagino– que ha sabido seguir siendo la niña que él conoció cuando tenía apenas 9 años”, reconocía Martin en la misma charla.
Para muchos, Mercedes fue la esposa perfecta de Gabo. En palabras del fallecido Álvaro Castaño Castillo –quien fuera junto con su esposa, Gloria Valencia, gran amigo del literato y su familia–, “siempre supo anticiparse a complacer a Gabo con la palabra, con el pensamiento, con la conducta y con el silencio, sobre todo. Es una mujer enormemente discreta. Ha sabido desaparecer a tiempo para que Gabo se proyecte en su verdadera dimensión. Ella mide cuidadosamente la distancia, no ocupa posiciones que no le corresponden. Yo la he admirado siempre por eso”.
Cuando iba a salir Cien años de soledad, Gabo fue invitado por el Ministerio de Asuntos Exteriores mexicano a dar una charla. En lugar de eso, leyó un fragmento. “Cuando terminé y bajé del escenario, la primera persona que me abrazó fue Mercedes, con una cara –yo tengo la impresión de que desde que me casé, ese es el único día en que me di cuenta de que Mercedes me quería– porque me miró ¡con una cara!…
“Ella tenía por lo menos un año de estar llevando los recursos de la casa para que yo pudiera escribir, y el día de la lectura la expresión en su rostro me dio la gran seguridad de que el libro iba por donde tenía que ir”, le comentó Gabo a su amiga la escritora mexicana Elena Poniatowska. Esa anécdota refleja con detalla cómo era Mercedes, la mujer de sonrisa amplia que amaba celebrar su cumpleaños, y Gabo lo sabía. Cada noviembre, una fiesta sorpresa o una parranda vallenata eran el mejor regalo.
CIUDAD DE MÉXICO.– La Organización Nayarita para Desarrollar el Arte (ONDA Nayarit) dio a conocer a través de redes sociales, el fallecimiento a los 84 años en la Ciudad de México de la actriz y directora MÓNICA MIGUEL.
“Con profunda pena notificamos el fallecimiento de la actriz, interprete y directora de escena Mónica Miguel. Descanse en paz. Nuestras más sentidas condolencias y solidaridad para su familia”. publicó la asociación liderada por el director nayarita Octavio Campa Hernández, quien tiene vínculo familiar con la actriz.
El director escénico señaló que Carmen Pineda Miguel, quien confirmó el deceso de su hermana, y será en las próximas horas cuando se den a conocer detalles sobre los servicios funerarios.
En 1987, Gloria Chávez Miguel, su nombre verdadero, debuta como directora de diálogos en la telenovela Quinceañera, lo que marca su inicio como una prolífica directora, colaborando principalmente con la productora Carla Estrada, como directora de escena en locaciones de muchas de sus telenovelas: Amor de nadie, De frente al sol, Los parientes pobres, Alondra, María Isabel y El privilegio de amar, entre otras, a su vez participando como actriz en algunas de ellas.
Otras telenovelas que dirigió fueron El manantial, Amor real, Alborada, Pasión y Sortilegio.
Fue directora de escena de la telenovela Teresa, producida por José Alberto Castro.
El último trabajo de cine en el que participó Mónica Miguel fue en la película Sueño en otro idioma, con el papel de Jacinta y que obtuvo varios reconocimientos en los Arieles 2018.
En los años sesenta, Monica Miguel, incursiono como cantante el varios programas de la Televisión Italiana (RAI) con gran éxito
Monica Miguel (Gloria Chávez Miguel) nació el 13 de marzo de 1939 en la ciudad de Tepic, Nayarit e inició en el teatro en los años 70, y en la siguiente década se consolidó como una de las mejores actrices y directoras mexicanas de telenovelas como Quinceañera, Amor de Nadie, Los Parientes Pobres, María Isabel, El Privilegio de Amar, Amor Real, Alborada, y otras que le valieron premios como los premios ACE en reconocimiento a su trayectoria.
HOLLYWOOD.- 35 años de lo que parecía ser una película más, de las del “montón” que produce Hollywood, pero oh sorpresa, VOLVER AL FUTURO, cuyo estreno fue un 3 de julio pero de 1985, rompió todos los pronósticos.
VOLVER AL FUTURO logró lo que nadie esperaba: terminó arriba en las recaudaciones ese año, consiguió unanimidad en la crítica y rápidamente se volvió de culto, generando enormes expectativas con su “continuará” sobre el final, repetido en la segunda (1989), para cerrar la saga con una tercera película en 1990.
Los rumores de una cuarta entrega siempre han estado presentes. Pero nunca se concretó. Quizás en parte por la enfermedad temprana de Michael J. Fox (mal de parkinson); quizás porque a diferencia de otras sagas, en esta sus productores no quisieron arruinar su perfección.
Todas las películas enfrentan problemas antes y durante su rodaje. Muchos proyectos incluso quedan en el camino en alguna etapa previa y jamás ven la luz, o la ven muchos años después. Pero los de VOLVER AL FUTURO fueron varios.
El actor principal fue remplazado cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje. Michael J. Fox siempre había sido la primera opción pero estaba ocupado. Se llamó entonces a Eric Stoltz. Tras cinco semanas de rodaje (y una vez que Spielberg regresó a Estados Unidos tras una breve ausencia), Zemeckis decidió que Stoltz no era el idóneo para interpretar a Marty. Aunque Spielberg y él se percataron de que volver a realizar las mismas tomas ya hechas con Stoltz costaría tres millones de dólares adicionales al presupuesto inicial de catorce millones, decidieron continuar con dicho proceso. Stoltz no era muy cómico y, al contrario, había dado “una actuación dramática” para Zemeckis. Sin embargo, la carrera de Stoltz nunca tuvo un rol preponderante o principal en ninguna otra película, aunque sí tuvo actuaciones destacadas en papeles secundarios y en esa época venía de ser nominado al Globo de Oro como Mejor actor de reparto por su papel en Mask.
Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, también estuvo en carpeta. Devolvió el guion desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó el por entonces chico maravilla que nunca más deslumbró en ninguna película. Su última aparición importante por así decirlo en un rol secundario fue en Hitchcock (2012). “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”.
John Cusack fue otro de los candidatos para ser Marty. Finalmente los gastos fueron 19 millones de dólares contra… 381 millones de recaudación.
En abril de 1981, Columbia Pictures puso la producción en un proceso turnaround (podríamos traducirlo como “plan canje” con otro estudio, dado que no le terminaba de llenar. Tuvo 44 rechazos antes de lograr arrancar la filmación. Así, se detuvo el proyecto durante 4 años, por lo que el guion fue reeditado en al menos dos ocasiones. Se le consideraba una cinta muy inocente y juvenil, mientras los estudios apuntaban a tramas más para adultos.
Gale y Zemeckis optaron por llevar el proyecto a Disney, sin embargo “nos dijeron que una madre que se enamoraba de su hijo no era un tema apropiado para una película familiar bajo el sello de Disney”, de acuerdo a Gale.
Gale y Zemeckis pensaron en aliarse con Steven Spielberg, que produjo “Used Cars” y “Locos por ellos”, las cuales fueron consideradas un fracaso en taquilla pese a recaudar más de lo que gastaron.
Actualmente el filme se enseña en las escuelas de cine.
RECHAZO DEL GUION
Para película de ciencia ficción le faltaba profundidad, respecto a otros exponentes de su tiempo, como Terminator, por ejemplo (estrenada en 1984), una idea de la vida en el futuro, excusas para los grandes efectos “especiales” de la época (hoy en día totalmente obsoletos).
De hecho, tiene muy pocos efectos especiales Volver al futuro. Para comedia pecaba de inocente. Le faltaba el toque subido de todo que se veía en Colegio de Animales, La venganza de los Nerds y Despedida de Soltero, con Tom Hanks. Y para ser cómica le falta el chiste cada 2 minutos, como en Dónde está el piloto. A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado inocente y suave.
Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.
CURIOSIDADES:
La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una camioneta. Pero esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guion tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.
La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Y en los 80 no habían muchas opciones (quizás en esta época hubieran elegido algún “bicho” de Tesla). Querían que encuadrara de lleno con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, que le daban un aire futurista.
El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante apenas dos años por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico para intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado.
El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Y vaya razón que tuvo.
Los viajes en el tiempo los obsesionaban a los escritores. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre.
El presidente de Universal de entonces se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título.
Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una “jodita” y hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor.
Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses.El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco.
“Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.
El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarla para principios de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.
EN NÚMEROS:
–Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el el mundo. El costo había sido de 19 millones. Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. En enero de 1989 se implementó un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Además, el set de filmación había costado 2 años de trabajos de construcción.
FLAMING PIE, la colección grabada en su totalidad por PAUL MCCARTNEY, estará disponible desde el próximo 31 de julio en formatos que incluyen una caja de edición de lujo numerada y limitada de siete discos (5CD / 2DVD), compuesta por el álbum original remasterizado en Abbey Road Studios, 32 pistas de audio adicionales incluyendo grabaciones y demos caseros nunca antes escuchados, además de grabaciones de estudio alternativas, mezclas sin pulir y lados B, incluidas selecciones de Oobu Joobu partes 1-6, el CD Flaming Pie At The Mill (la gira de Paul de su estudio de una hora de duración), contenido de video incluyendo el documental In The World Tonight, videos musicales originales, entre otros.
FLAMING PIE también contará con EPKs, entrevistas, actuaciones y material detrás de cámaras, un libro de 128 páginas que contiene imágenes inéditas de Linda McCartney, el arte del álbum ampliado de los archivos y la historia detrás del álbum, escrito por Chris Heath – incluyendo información canción por canción, recetas y nuevas entrevistas con Paul, Ringo Starr, Jeff Lynne, Steve Miller y personal clave del álbum, notas de estudio, letras escritas a mano, la edición de Flaming Pie de 1997 del Club Sandwich, el periódico oficial del Paul McCartney Fanclub, audio HD descargable de 24 bits y 96 kHz, y más.
UN DATO:
Una edición de coleccionista de 4LP/5CD/2DVD — estrictamente limitada a 3.000 copias numeradas publicada en una caja de coleccionista de dos piezas envuelta en tela — presentará todo en la Edición Deluxe más un portafolio de impresiones de mármol de seis serigrafías de arte de Linda McCartney, versiones de vinil exclusivas del álbum remasterizado cortado a la mitad de la velocidad en 2LPs en una exclusiva funda desplegable, un LP de grabaciones caseras en una funda blanca estampada a mano y The Ballad of the Skeletons – La colaboración de Paul en 1996 con Allen Ginsberg, también presentando a Philip Glass y Lenny Kaye – lanzado por primera vez en vinil y cortado a 45 RPM con grabado de vinil y póster.
Los formatos adicionales del Flaming Pie Archive Collection incluirán 2CD (álbum remasterizado + 21 temas de audio adicionales), 2LPs (álbum remasterizado cortado a la mitad de velocidad en dos LP de 180 g en portada plegable con folleto) y 3LP (álbum remasterizado cortado a la mitad de velocidad en dos LP de 180g en una funda desplegable con folleto, más un LP individual de 180g de grabaciones caseras inéditas en una funda de etiqueta blanca estampada a mano, ambas alojadas en un estuche).
El lanzamiento también estará disponible en plataformas de reproducción.
Este Dominguito Sagrado por la telera nuestra y abierta de Canal 22, se estrena a las 17:30 horas el documental GABRIEL VARGAS POR LA FAMILIA BURRÓN en el marco de la campaña Contigo en la distancia implementada por la Secretaria de Cultura, una producción de TV UNAM dirigida por el cineasta y director de Canal 22 Armando Casas, la cual forma parte de la serie que el realizador ha dedicado a la historia de la caricatura en México.
Desde su incursión en el dibujo de monitos en la infancia hasta la creación de La Familia Burrón, la historieta más trascendente de la cultura popular mexicana, en este documental Gabriel Vargas comparte detalles y curiosidades de su vida y de su trabajo como caricaturista.
Este documental presenta la última entrevista que concedió el caricaturista mexicano y en la que comparte anécdotas íntimas de su biografía, como que su mamá no apoyó su vocación de dibujante sino hasta que el ministro de educación le habló del talento de su hijo y le dio la oportunidad de estudiar en el extranjero ‒la cual Vargas rechazó en el último momento‒; el acoso que vivió por parte de sus compañeros cuando se hizo jefe de departamento en el periódico Excélsior o la apuesta que dio lugar a su caricatura más popular, La Familia Burrón, con la que puso en riesgo su empleo en el diario de novelas gráficas Pepín.
El material audiovisual está acompañado de la animación de los personajes icónicos de Gabriel Vargas, con los que retrató e inmortalizó a la clase popular de la capital del país, sus costumbres y modismos: la matriarca Borola Tacuche de Burrón, su esposo Don Regino Burrón y su inolvidable peluquería El Rizo de Oro, así como sus hijos Regino chico, Macuca y Fóforito, y hasta el perro Wilson.
UN DATO:
El documental se retransmite este lunes a las 17:30 horas.
