HOLLYWOOD.- El especial por el 25 aniversario de FRIENDSque realizará HBO MAX reunirá a los seis protagonistas de la serie tiene nueva fecha de filmación, marzo de 2021, informó Matthew Perry, Chandler en la tira, desde su cuenta de Twitter.
“La reunión de FRIENDS se reprograma para principios de marzo. Parece que tenemos un año muy ocupado”, tuiteó el actor.
La locación se rodará en el mítico estudio 24, el mismo donde se filmaron los 236 episodios de la serie entre 1994 y 2004, en California. En mayo pasado, Kudrow había dicho a la prensa estadounidense: “No hemos vuelto a estar todos en la misma habitación frente a la gente, quiero decir, lo hicimos en privado una vez hace muchos años, pero eso es todo”.
FRIENDS fue una de las series más populares de todos los tiempos, la que mantuvo índices de audiencia casi inigualables durante los años que estuvo en antena (1994-2004), volvía con un episodio especial en forma de reencuentro del famoso grupo de amigos neoyorquinos. El plan era rodar el especial en la primavera de 2020 y lanzar el episodio para HBO Max en mayo, coincidiendo con el desembarco oficial de la nueva plataforma.
Pero la pandemia llegó y FRIENDS, al igual que todos, no se salvó. Tras una multitud de parones, retrasos y reprogramaciones, parece que los fans podrán tener la seguridad de que el ansiado episodio se filmará en marzo del año que viene. Prácticamente un año entero de retraso para ver reunidos de nuevo a Matthew Perry, Jennifer Aniston, Matt LeBlanc, Courteney Cox, David Schwimmer y Lisa Kudrow. Así lo confirmaba Perry, el actor que da vida a Chandler Bing vía Twitter, quien revelaba que la producción del episodio se había programado de nuevo para principios de marzo: “Parece que vamos a tener un año muy ocupado. ¡Y eso es lo que me gusta!”.
SANTIAGO DEL CHILE. – El concejo municipal de Viña del Mar decidió suspender la realización de la 61ra edición del Festival Internacional de la Canción a raíz de las medidas sanitarias adoptadas por la pandemia mundial de Covid-19.
A la reunión de esta tarde fueron invitados los directivos de los canales de Televisión Nacional y Canal 13, dueños de la transmisión y organización del principal certamen musical de América Latina.
La próxima versión del certamen se traslada al verano de 2022, manteniéndose las cuatro versiones del actual contrato de concesión.
“Ha sido una muy buena reunión que hemos mantenido junto al concejo con los ejecutivos de los dos canales de televisión, TVN y Canal 13, y hemos llegado a un acuerdo para aplazar el próximo festival, se aplaza un año, y en eso vamos a seguir conversando para tener las mejores soluciones, especialmente para la reactivación del comercio, el turismo, para que Viña del Mar vuelva a ser lo antes posible la ciudad que todos queremos”, expresó tras la cita la alcaldesa Virginia Reginato.
En esta última línea, contó que “se suscribirá un acuerdo para apoyar al comercio y al turismo local mediante una campaña de promoción y la realización de un programa de televisión cuya protagonista sea la ciudad de Viña del Mar”, indicó la municipalidad a través de un comunicado.
Los canales organizadores difundieron una declaración conjunta donde confirmaron el acuerdo sostenido con el municipio y que “obedece al interés y la preocupación de todos los actores por cuidar la salud y el bienestar de las personas, debido a las condiciones sanitarias de la pandemia”.
Añadieron que “una vez formalizada la suspensión y efectuadas las modificaciones correspondientes al contrato de concesión, TVN y Canal 13 evaluarán alternativas de promoción del turismo de la ciudad de Viña del Mar entendiendo la relevancia que tiene el Festival para la V región”.
La semana pasada, Reginato había anticipado las dificultades para la realización del Festival al considerar que “estamos en noviembre y las condiciones sanitarias todavía impiden la realización de eventos masivos y sobre todo internacionales” añadiendo que “el país aún se encuentra en estado de excepción, sujeto a normas y a los estrictos protocolos establecidos por la autoridad sanitaria, la que, al igual que expertos, estiman que las restricciones se mantendrán para el próximo verano dado el desarrollo que muestra la pandemia por Covid-19?.
El 29 de septiembre, el ministro de Salud, Enrique Paris, también se había pronunciado en contra del certamen señalando que “en febrero, aunque tengamos vacuna, no vamos a tener a toda la población vacunada y podemos tener un brote gigante”.
El Festival de la Canción de Viña del Mar se realiza la última semana de febrero y cierra el verano austral atrayendo a turistas extranjeros y nacionales.
París argumentó en esa oportunidad que en la Quinta Vergara, pese a ser un recinto al aire libre, “ahí no hay cómo controlar a la gente” durante las seis noches del evento.
LOS ÁNGELES.- KEN SPEAR, creativo de la serie animadaScooby Doo y cofundó la empresa Ruby-Spears Productions, falleció el viernes a los 82 años, hecho que su hijo, Kevin Spears, dio a conocer este lunes a Variety.
Kevin dijo que su progenitor murió debido a complicaciones relacionadas con la demencia senil.
“Ken siempre será recordado por su ingenio, su narración de historias, su lealtad a la familia y su sólida ética de trabajo. Ken no sólo dejó una impresión duradera en su familia, sino que tocó la vida de muchos como cocreador de Scooby-Do”, indicó el descendiente del famoso.
El creativo, cuyo nombre real fue Charles Kenneth Spears, nació el 12 de marzo de 1938 y creció en Los Ángeles, California, donde se hijo amigo del hijo del productor de animación William Hanna, creador de la popular empresa de animación Hanna-Barbera Productions.
En 1959 entró a trabajar a la productora como editor de sonido, en donde conoció a Joe Ruby, con quien cocreó la firma Ruby-Spears Productions y realizó spots y teleplays para Hanna-Barbera, Sid and Marty Krofft Television Productions y DePatie-Freleng Enterprises.
Entre los programas que Ken creó con Joe se encuentran, además de Scooby-Doo, Dinamita: el Perro Maravilla y Jabberjaw, para Hanna-Barbera; y The Barkleys y The Houndcats, para DePatie-Freleng.
Con Ruby-Spears Productions estuvo detrás de varias series animadas, incluidas Superman, Alvin y las Ardillas, Mister T, Fangface y Saturday Supercade.
A la celebridad le sobreviven sus dos hijos, Kevin y Chris, las esposas de ambos, sus cinco nietos y sus tres bisnietos.
LOS ÁNGELES.- MICHAEL J. FOX, de 59 años, sacó a la luz en la revista People algunos de los momentos más críticos de salud que ha debido enfrentar desde que en 1991 fue diagnosticado con Parkinson.
Fox reveló reveló los momentos de su vida en los que tocó fondo, en particular cuando hace dos años cuando fue diagnosticado con un tumor de columna, no cancerígeno, pero de rápido crecimiento, le causó un dolor insoportable en todo su cuerpo. “Me arriesgué a la parálisis -dijo- si no me hubiera operado. Sin embargo, la cirugía fue muy arriesgada porque el tumor comprimió la médula espinal por lo que tuvieron que ser muy cuidadosos en su eliminación para no causar más daño”, recordó el actor.
La operación fue un éxito y Michael J. Fox comenzó un período de rehabilitación de cuatro meses para aprender a caminar de nuevo. Creyó que lo peor había pasado pero después de unas vacaciones familiares regresó solo a su apartamento de Nueva York para filmar un cameo en una película de Spike Lee. El actor tuvo una caída y se rompió el brazo.
“Ese fue definitivamente mi momento más oscuro”, relata. Perdí la cabeza. Mientras esperaba la ambulancia, me pregunté: ‘¿Puedo caer más abajo?’. Empecé a dudar de todo, ya no podía poner una sonrisa en mi cara para ver un lado positivo, sólo sentía dolor y arrepentimiento”.
El optimismo regresó en él al observar repeticiones suyas de programas que fueron populares en la televisión, especialmente de la década de los setenta.
El actor también reveló que el Parkinson le ocasiona problemas con la memoria a corto plazo así como poder memorizar distintas cosas, así como limitarlo en la actuación, lo que se está volviendo cada vez más difícil para él.
El escritor jalisciense ERNESTO FLORES DE ANDA, de 34 años, es un creyente ferviente de la complicidad con las palabras, de transferir las inquietudes, emociones y percepciones personales, del corazón al papel, prueba de ello es su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, publicada bajo el sello Caligrama, de Penguin Random House.
Poeta por los cuatro costados, FLORES DE ANDA comparte su pasión en su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, poemario cuyas páginas están repletas de animales, insectos y plantas, y también de alusiones a la épica griega literaria. Sus versos son sencillos y deslumbrantes y construyen un bodegón pictórico en el que conviven imágenes de elementos que representan a la vida y a la muerte.
Ernesto se ha forjado a sí mismo como escritor, experimentando con sus propios sentimientos y vivencias, devora arte sin saciarse. Sus momentos más ricos y brillantes, así como los más desgarradores y sensibles, vieron la luz en una biblioteca. Y es a través de su pluma que ha logrado reseñar la vida. Las praderas llenas de asientos amarillos en el verano jalisciense; las violetas, los caballos, los nopales, las estrellas y los álamos de los ríos.
Pero también ha fluctuado en los extremos, pues tanto de manera introspectiva como abierta, ha desentrañando descarnadamente el misterio de la muerte; con sus constantes de oscuridad, dolor, ausencia y silencio. Escribe poesía desde hace más de una década y su sensibilidad es tal que, esgrimiendo el verso, ha sabido describir el mundo con sus infalibles luces y sombras; con sus pecados y virtudes, con su geografía y sus cielos.
El poemario Naturaleza muerta se presenta como un lienzo barroco en donde las luces y las sombras conviven en la belleza.
HA DICHO:
“Los antiguos pintores del barroco neerlandés que en los siglos XVI y XVII retrataban alimentos y objetos inmóviles de la naturaleza con el mayor esmero posible y con toda la destreza que podría esperarse de cualquier pintor de renombre, muy pronto se apoderaron de un símbolo que en todas partes es sinónimo de la fugacidad de la vida y del lacerante recuerdo de la proximidad de la muerte: el cráneo”, cuenta el autor.
Los poemas de de Anda conforman un espacio en el que el ser humanos se relacionan con Dioses griegos, vive batallas mitológicas, y convive con objetos. De esta forma, el lector no solo lee, sino que observa lo que lee y las imágenes que acompañan.
Así, De Anda le escribe a Ulises, a Apolo y Afrodita, a la vez que atiende a los búhos, el cactus o el jarrón de flores, y lo hace apoyándose de lleno en la belleza: “No hay naturaleza muerta./ Este búcaro con rosas/ pulula, aunque yo advierta/ que se mueren silenciosas», dicen un poema. A la manera de un lienzo barroco, las luces y la sombras se alían para hablar de lo clásico, “pero de forma accesible a todo público, profano y exigente“, dice el autor, que define su poesía como algo “telúrico y urgente”.
Al mismo tiempo, analiza la época actual para la composición poética y afirma que “el hecho de que en la edad presente no tenga mucha repercusión no obedece a que exista un vacío espiritual en el corazón de las sociedades modernas, sino a que la poesía que se hace en nuestros días o bien está llena de cierto patetismo íntimo del que muchos lectores sensatos de mi generación huyen, o bien es incapaz de comunicarse con el lector como consecuencia de un lenguaje deficiente”.
Durante seis décadas, RAPHAEL ha consolidado su carrera con profesionalismo y sin pretextos de ninguna índole para cumplir con su público, se encuentre donde se encuentre.
Este año, con todo y pandemia, el Divo de Linares, RAPHAEL, de 77 años, lo celebra con su proyecto musical RAPHAEL 6.0 cuyo gran concierto de presentación será el 19 de diciembre en el Wizink Center Madrid.
“Soy el resultado de todo lo que sigue -rememora el cantante internacional en su libro biográfico “¿Y mañana qué?… “Mi padre era una maravillosa persona, pero mi madre era una mujer de extraordinaria personalidad. Arrasaba con todo. Aquella Rafaela -que así se llamaba ella- n se arrugaba por nada. No le gustaba su nombre. Lo de llamarse Rafael la parecía horrible. Yo en cambio lo encuentro precioso. Si no, que se lo digan a la Carrá. ¡Rafaela! ¡Suena tan bien! Pero, claro, los nombres son siempre cosa de modas.
“Total, que mi padre me puso Rafael, él tenía un sentido del humor muy particular para fastidiar a mi madre. Me inscribió en el Registro Civil como Rafael. Y punto, Sin embargo, cuando me bautizaron, mi madre impuso que me llamara también Miguel. O sea, que me llamo Miguel Rafael, aunque en los papeles del juzgado sólo aparezco como Rafael. Y todo por un pique entre mis padres. Todo esto pasó en Linares”…
Este 2020 ostenta la marca de 50 años desde que PAUL MCCARTNEY lanzara su álbum homónimo en solitario. Con Paul tocando todos los instrumentos, escribiendo y grabando cada canción, el encanto de McCartney sólo ha crecido en estatura e influencia con el paso del tiempo. MCCARTNEY III es el álbum que no sólo significará un renacimiento creativo para Paul, sino también servirá como una plantilla para generaciones de artistas indie y lo-fi que buscarían emular el cálido ambiente hogareño y sus melodías atemporales como Maybe I’m Amazed, Every Nighty The Lovely Linda.
La década de los setenta vio a Paul formar su segunda banda, Wings y dominar las listas de popularidad, los escenarios y las ondas radiofónicas de todo el mundo, con múltiples sencillos #1, tours mundiales agotados y álbumes con ventas multimillonarias incluyendo Band on The Run, Venus and Mars, Wings at the Speed of Sound, London Towny más. En 1980, diez años después del lanzamiento de McCartney, Paul concluyó la década de Wings con el lanzamiento sorpresa de su segundo álbum solista, McCartney II. Una vez más Paul a cargo de todos los instrumentos, McCartney II sería considerado un clásico con cortes como Coming Up, Temporary Secretary y Waterfalls.
La década de los ochenta vio a Paul comenzar de nuevo, esta vez iniciando una carrera en solitario sin precedentes. En las siguientes cuatro décadas, el estatus icónico y legendario de Paul crecería exponencialmente, con obras maestras como Tug of War, Flowers in the Dirt, Pipes of Peace, Flaming Pie, Memory Almost Fully New, así como espectáculos en vivo en todo el mundo, inclusive logrando el récord mundial de mayor asistencia a un concierto.
En 2018, 54 años desde que The Beatles alcanzó por primera vez el primer lugar en las listas popularidad de Billboard, Paul McCartney lanzaría Egypt Station, otro álbum histórico que también lograría la primera posición.
Por difícil que sea de creer, sólo han pasado dos años desde que Egypt Station alcanzara el primer lugar en Billboard, y era tan sólo el año pasado que la gira Freshen Up llegara a su último espectáculo antes de que el COVID hiciera una pausa en la música en vivo.
Paul no había planeado lanzar un álbum este año, pero en el aislamiento de pronto se encontró desarrollando algunos bocetos musicales existentes y creando nuevos. En poco tiempo, una colección ecléctica de canciones espontáneas se convertiría en McCartney III: un trabajo en solitario, de producción propia y que literalmente marca el comienzo de una nueva década, siguiendo la tradición de McCartney en los 70 y McCartney II en los 80.
UN DATO:
Grabado a principios de este año en Sussex, McCartney III está construido principalmente a partir de tomas en vivo de Paul en voz y guitarra o piano, sobre grabando su interpretación del bajo, la batería, etc. sobre esa base. El proceso se inició por primera vez cuando Paul regresó a una pista inédita de principios de los 90, When Winter Comes (coproducida por George Martin). Paul elaboró un nuevo pasaje para la canción, dando lugar al abridor del álbum, Long Tailed Winter Bird, mientras que When Winter Comes, con su nueva introducción de 2020, Winter Bird, se convirtió en el gran final del nuevo álbum.
HA DICHO:
Al hablar sobre III, Paul comentó: “Vivía la cuarentena encerrado en mi granja con mi familia e iba a mi estudio todos los días. Tuve que trabajar un poco en algo de música para películas y eso se convirtió en la pista de apertura y luego, cuando terminé, pensé: ¿qué haré ahora? Tenía algunas cosas en las que había trabajado a lo largo de los años, pero a veces se acababa el tiempo y quedaba a medio terminar, así que empecé a pensar en lo que tenía. Cada día comenzaba a grabar con el instrumento en el que escribí la canción y luego gradualmente lo iba superponiendo, era muy divertido. Se trataba de hacer música para mí en lugar de hacer música que tiene que funcionar. Entonces, hice cosas que me apetecía hacer. No tenía idea de que esto terminaría como un álbum”.
Long Tailed Winter Birdy Winter Bird/When Winter Comes rematan la amplia e íntima gama de estados de ánimo en McCartney III, desde la melancolía, pasando por la alegría hasta la estridencia y todos los puntos intermedios – capturados con algunos de los equipos de Paul que se encontraban en Rude Studio utilizados desde 1971 para las sesiones de Wings. Así como una variedad de instrumentos antiguos de Paul que tocó en el nuevo álbum que cuentan con una historia aún más legendaria, incluido el contrabajo de Bill Black, integrante del trío original de Elvis Presley, el icónico bajo Hofner de Paul, y un melotrón de Abbey Road Studios utilizado en las grabaciones de los Beatles, por nombrar sólo algunos.
Manteniendo el estilo de McCartney y McCartney II, que contaban con fotografías de Linda McCartney, las principales fotos para III fueron realizadas por la hija de Paul, Mary McCartney, con fotografías adicionales de su sobrino, Sonny McCartney, así como fotos que Paul se tomó con su celular. La portada y la tipografía fueron creadas por el celebré artista estadounidense Ed Ruscha.
McCartney III se lanzará el 11 de diciembre en plataformas digitales, en CD y en LP fabricado por Third Man Pressing. Las configuraciones de vinilo variarán desde 180g estándar hasta una Edición Third Man de 3,000 copias de vinilo rojo numeradas a mano, una Edición ‘333’ vendida únicamente a través de la tienda en línea de Third Man Records y limitada a 333 copias en vinilo amarillo con puntos negros creados con 33 copias en vinilo reciclado de McCartney y McCartney II, y más.
HOLLYWOOD.- Una misión que se vislumbra imposible es la que pretende GAL GADOT-famosa por ser la Mujer Maravilla– al seguir los pasos de Elizabeth Taylor, al darse a conocer que interpretará a Cleopatra en la pantalla grande.
Las preguntas no se han dejado esperar: ¿cómo puede una actriz israelí de origen europeo interpretar el papel de la legendaria reina de Egipto en la próxima película de Paramount dirigida por Patty Jenkins? Fue la propia Gal, a quien se le ocurrió la idea de la película, para anunciar su nuevo papel en Twitter: “Con Patty Jenkins y la guionista Laeta Kalogridis llevaremos la historia de Cleopatra a la gran pantalla como nunca se ha representado, me gusta emprender nuevos viajes”.
GADOT agregó: “Me encanta la emoción de los nuevos proyectos, dar vida a nuevas historias. Cleopatra es una película que he querido hacer durante mucho tiempo “.
La actriz fue dirigida por Jenkins en Wonder Woman, -dirigida por el realizador más taquillero de todos los tiempos. Después de Claudette Colbert y Vivien Leigh, la Cleopatra más famosa en la historia del cine fue Elizabeth Taylor en la épica película de 1963 dedicada a la Reina de Egipto por Joseph L. Mankiewicz y filmada en Roma durante los años de la Dolce Vita. Kalogridis ha dicho: “Cleopatra fue la mujer greco-macedonia más famosa de la historia”, escribió el guionista aludiendo al hecho de que el soberano que enamoró tanto a Julio César como a Antonio tenía poca o quizás ninguna sangre egipcia.
Tal posición ha sido rechazada por muchos en Twitter: “¿Quién en Hollywood pensó que sería una buena idea elegir a una israelí como Cleopatra cuando hay una actriz árabe fantástica como Nadine Njeim?”, escribió la periodista Sameera Khan. “¡Qué vergüenza! Gadot: tu país roba tierras a los árabes y tú robas nuestros roles en el cine…”Cuando el hashtag #Cleopatra se volvió viral en Twitter, otros usuarios sugirieron la elección de una actriz de sangre norteafricana como Sofia Boutella: “Ya hemos tenido suficiente de ver actores blancos e israelíes en el papel de faraones”.
Historiadores o aspirantes han intervenido en el debate, señalando que Cleopatra fue el último gobernante de una dinastía cuyo progenitor, Ptolomeo Primer Soter, fue un general macedonio amigo de Alejandro Magno. Pero otros en Twitter han notado que se desconoce la identidad de la madre de la reina, lo que dificulta estar seguro de su origen étnico.
Gadot, si algo tiene, es perseverancia…quiere a toda costa ser Cleopatra.
Los inicios de un actor o de un director pueden ser tan distintos como personas hay en el mundo. Sus vivencias, sus anécdotas en los escenarios, se lo cuentan a ÓSCAR URIEL en la serie TAP, TALLER DE ACTORES PROFESIONALES de la que Canal Once presenta su novena temporada, desde este sábado 10 de octubre a las 20:00 horas, cuya invitada será FERNANDA CASTILLO.
Cada emisión podemos conocer a nuestras estrellas de la actuación y de la dirección con historias que inspiran porque cada persona entrevistada, está llena de vida y experiencias. En esta novena temporada conoceremos más de Manolo Caro, Verónica Langer, Bárbara Mori, Jorge Ortiz de Pinedo, Julissa, Fernanda Castillo, Regina Blandón, Cassandra Cianguerotti, Eduardo España, Bejamín Cann, Natalia Beristain, Juan Pablo Medina y Edgar Vivar.
Esta temporada tendrá 13 episodios que comenzará con una madrina de lujo, Fernanda Castillo actriz reconocida a nivel internacional.
“Conocer a nuestros grandes actores y directores desde otro punto de vista también por presentar el oficio de la actuación, las herramientas, cómo le hace un intérprete para hacer un personaje, y gracias a esta mezcla, la serie de ha convertido sin buscarlo, en un referente como herramienta didáctica de las escuelas”, mencionó Óscar Uriel.
Aunado a esto, Óscar Uriel, comentó: “Empezamos a hacer esta novena temporada en cuanto las autoridades de salubridad dieron autorización, es por ello que siento que esta edición es más intima y tiene mucha sensibilidad, debido a que se hizo durante la pandemia”.
Óscar Uriel, comunicador y crítico de cine, sostiene reveladoras conversaciones con actrices y actores mexicanos, de distintos perfiles y generaciones, quienes hablan sobre sus experiencias en la industria del teatro y la televisión. Cada temporada se engalana de los actores y directores más reconocidos de la escena nacional mexicana como: Pedro Arméndariz, Ofelia Medina, Verónica Castro, Diego Luna, Gonzalo Vega, Delia Casanova, Tenoch Huerta, Dolores Heredia, Bruno Bichir, Silvia Pinal, Marina de Tavira, Alfonso Arau, Felipe Cazals, entre otros.
ÓSCAR URIEL
Fecundo comunicador, crítico de cine, conductor de televisión y productor de teatro y cine, Óscar Uriel ha producido y coproducido cortometrajes, entre los que destacan: “Mientras me muero” (2003), dirigido por Mario Muñoz, nominado al premio Ariel como Mejor Cortometraje de Ficción y ganador del premio al Mejor Cortometraje de la duodécima edición del Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz; y En el sofá (2005), que dirigió Fernando Arzate. En teatro ha producido Alerta en misa (2005) de Bill C. Davis, y Por amor al arte (2006), de Neil LaBute. En televisión condujo y produjo durante 12 años consecutivos las cápsulas de cine 24 por segundo. En 1991 recibió dos premios Emmy por la serie de televisión En exclusiva.
Cursó la licenciatura en Comercio exterior y aduanas en la Universidad Iberoamericana, posteriormente estudió el diplomado en Producción de televisión y cine en la Universidad de California. En 2005 formó parte de la primera generación del Morelia Lab, Taller de productores, organizado por el IMCINE y el Produire au Sud de Nantes, Francia.
ÓSCAR URIEL ha escrito para las revistas 24 por segundo Magazine, Cine Premiere, el suplemento cultural El Ángel del periódico Reforma y la revista Marvin. Actualmente colabora para la revista Rolling Stone, el blog Cinema Móvil #LoQueQuieresver, y conduce el programa #QuéPelículaVer por Exa radio.
RIMINI. – La fascinación por el misterio, la cuestión de la trascendencia, la atracción por otras partes del cine de FEDERICO FELLINI, es el hilo conductor del fin de semana inaugural de una cartelera dedicada del Festival de Rimini al director en el centenario de su nacimiento, con 25 citas en dos meses, y que culminará a principios de 2021 con la inauguración del Museo Internacional Federico Fellini.
Este viernes 9 de octubre en el cine Fulgor será Igort, uno de los dibujantes italianos más conocidos y director de Linus, quien contará ‘su’ Fellini, una ‘devoción’ que le llevó a reinventar unos famosos carteles de Fellini con otros cuatro diseñadores: cinco Placas originales hechas para el Museo Fellini y vista previa en Rimini.
El sábado 10 el Museo de la Ciudad acogerá una conferencia sobre Fellini y lo Sagrado y un diálogo con Pupi Avati, mientras que el 27 de octubre en la Cineteca Municipal comenzará una exposición sobre Fellini y el psicoanálisis, con tres películas – Il Bidone, Las tentaciones del Dr. Antonio, Y el barco se va – comentaron los psicoanalistas.
Una sección del programa estará dedicada, a partir del 30 de octubre, a la presentación de libros y proyectos de investigación dedicados a la obra de Fellini y su patrimonio artístico.
El teatro Galli animará su escenario con algunos espectáculos inspirados en el arte visionario de Fellini: en particular, el sábado 31 de octubre, en el 27 aniversario de la muerte del director, se escenificará un homenaje con las melodías de Nino Rota interpretadas por Federico. Mondelci & Le Muse Ensemble. Incluso Amarcort Film Festival, como todos los años, dedicará parte de su programación a Fellini: el 24 de noviembre en el cine Fulgor el dibujante Milo Manara recibirá el premio A Fellini en el mundo 2020. De la amistad entre Manara y Fellini cobraron vida dos obras maestras del cómic mundial: Viaje a Tulum.
NUEVA YORK.- Hace medio siglo, el cuarteto conformado por Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham y John Paul Jones, lanzaron Led Zeppelin III en Estados Unidos, el 5 de octubre de 1970, y el Reino Unido y otros países lo siguieron unas semanas después.
El tercer álbum de la banda en menos de dos años, encabezaría las listas en varios países, incluidos EE.UU. y Reino Unido, en camino de vender más de 13 millones de copias en todo el mundo. Más allá de su abrumador éxito comercial, el álbum también representó un punto de inflexión musical para LED ZEPPELIN, ya que el grupo expandió su sonido contundente para abarcar una gama más amplia de estilos en canciones de base acústica como That’s The Way, Tangerine y Bron-Y-Aur-Stomp.
Para celebrar el 50 aniversario del disco, la banda reeditará la versión japonesa del único single del álbum, Immigrant Song, respaldado con Hey, Hey, What Can I Do, canción que no pertenece al disco, en vinilo de siete pulgadas. Limitado a 19,700 copias, viene en una funda que reproduce la portada original. El sencillo se lanzará el 15 de enero de 2021 y se podrá reservar en ledzeppelin.com a partir de este jueves.
Immigrant Song fue un éxito Top 20 en Estados Unidos y se ha convertido en una de las canciones más populares y duraderas de la banda, y actualmente está clasificada como su segundo tema más reproducido en todo el mundo. También ha tenido un impacto duradero en la cultura popular gracias a varias apariciones memorables en películas de gran éxito como School Of Rock y, más recientemente, en Thor: Ragnarok de Marvel.
Immigrant Song y sus referencias líricas a la mitología nórdica se inspiraron en el concierto que la banda realizó en Reykjavik, Islandia, el 22 de junio de 1970. Seis días después, la canción hizo su debut en directo en Inglaterra en el Bath Festival Of Blues And Progressive Music. Ese otoño, aparecería como la canción inicial de Led Zeppelin III.
La banda grabó el álbum en varias ubicaciones, incluyendo los Olympic Studios y Island Studios de Londres. Después de las sesiones de grabación, Page, que produjo el álbum, llevó los masters a los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, para hacer el corte para vinilo. Impulsado por temas clásicos como Since I’ve Been Loving You, Out On The Tiles y Celebration Day,Led Zeppelin III ha sido certificado seis veces platino solo en EE.UU. y también ha alcanzado el estatus de multiplatino en muchos otros países.
Más allá de la música, el álbum es digno de mención por otra razón: su innovadora portada. Cuando se lanzó originalmente en vinilo, Led Zeppelin III venía empaquetado en una funda plegable, concebida por Page y diseñada por el artista multimedia Zacron (también conocido como Richard Drew), a quien Page había conocido a principios de la década de 1960 cuando Drew asistía al Kingston College Of Art.
Para su diseño, Zacron creó una colección surrealista de imágenes (aviones, pájaros y mariposas) que rodean varios agujeros recortados. Detrás de la portada, colocó un disco giratorio (volvelle) que presentaba más imágenes, incluidas fotos de los cuatro miembros del grupo. Cuando el disco se giraba a mano, aparecían diferentes imágenes en las aberturas para crear una experiencia visual interactiva.
El pasado mes de junio, la portada del debut discográfico del grupo (Led Zeppelin, de 1969) salió a subasta. La mítica imagen para el disco fue creada por George Hardie.
LOS ÁNGELES.- En un día como hoy pero de hace 50 años, JANIS JOPLIN no se presentó en el estudio de grabación esa tarde del 4 de octubre de 1970. El teléfono de su habitación en el Landmark Motor Hotel de Los Ángeles sonaba en blanco. Su famoso Porsche psicodélico todavía estaba en su lugar en el estacionamiento. La tarea de buscarla fue encomendada a John Byrne Cooke, fotógrafo y su road manager: y así fue él quien la encontró muerta, boca abajo junto a la cama. La autopsia realizada por el famoso forense Thomas Noguchi no dejó lugar a dudas: la vida del ícono femenino más poderoso de la historia del rock había sido una sobredosis de heroína.
Es el trágico y prematuro final de la muy intensa y desesperada existencia de una niña que cambió para siempre el papel y la imagen de la mujer en el mundo de la música, un universo en ese momento dominado por un machismo feroz. Janis fue la primera mujer súper estrella de rock: no le fue fácil abrirse camino pero ciertas situaciones mueren difíciles cuando piensas que el último y fuerte ataque al machismo del mundo del espectáculo llegó hace unos meses por parte de Dua Lipa, estrella del pop mundial que solo tiene 25 años.
La vida de JANIS JOPLIN fue muy difícil desde que era una niña, cuando en la escuela secundaria en Forth Worth, Texas, donde nació el 19 de enero de 1943, fue víctima del acoso más feroz: tenía sobrepeso y estaba atormentada por el acné y los insultos de sus compañeros. Su único espacio de felicidad era la música, el Blues en particular.
Antes de terminar la universidad, hizo autostop a San Francisco, que se convertiría en “su ciudad”. En ese momento Frisco, y en particular el distrito de Haight-Asbury, era la capital del movimiento hippy, una concentración única de pacifismo, fermento musical y cultural (en North Beach estaban los Beat) y experimentación con sustancias.
Ponerse en contacto con el mundo de la música era inevitable: fue una amiga suya quien le dio la primera oportunidad profesional con Big Brother and the Holding Company: la voz aguda y ronca, llena de dolor y deseo de amor, imbuida del blues de Bessie Smith y Odetta o el alma rugiente de Etta James conmociona al público y a la crítica: la actuación en el festival de Monterey en 1967 anuncia al mundo que nació una estrella. En 1968 editan su segundo disco con la banda, Cheap Thrills, con la portada ilustrada por Robert Crumb, el genio del cómic underground y algunas de las canciones sobre las que se construye la leyenda de Janis: Summertime, Piece of my Heart y Bola y cadena.
A pesar de llegar al # 1 en la lista de álbumes, Cheap Thrills es el último álbum grabado con la banda. La actuación en el Festival de Cine de Monterey de 1967 anunciaba al mundo que ha nacido una estrella.
A partir de ese momento inició su carrera en solitario, lamentablemente muy corta. Solo tendrá tiempo para grabar I Got Dem Ol ‘Kozmic Blues Again Mama! y para terminar las grabaciones de Pearl (su apodo), que se lanzará póstumamente en 1971: aquí también hay títulos legendarios, comenzando por Mercedes Benz y especialmente Me and Bobby McGee, un cover de una canción de Kris Kristofferson, que fue el único sencillo de su carrera en llegar a la cima de la lista.
Su vida ya estaba devastada por la heroína, malas relaciones y por miedos nunca vencidos y deseos insatisfechos. Pero también lleno de momentos de música inalcanzable: JANIS JOPLIN fue simplemente un presagio, una chica que podría llevar el mundo del blues y el soul al rock con absoluta naturalidad.
Debido a sus excesos en el escenario no siempre estuvo a la altura: Woodstock, por ejemplo, no fue una de sus mejores actuaciones. Subió al escenario diez horas después de la hora prevista: un tiempo demasiado largo para no llenarse de consumo excesivo de heroína y alcohol. Dice Pete Townshend: “En Woodstock, Janis no hizo su mejor actuación probablemente debido al alcohol y las drogas. Pero incluso cuando no estaba en forma, podía ser extraordinaria”.
Como si hubiera estado regulada por la sincronicidad, su muerte está ligada a una serie de coincidencias: poco antes de morir, al saber que Bessie Smith, la mayor cantante de blues de la historia y su ídolo, fue enterrada en una tumba con una lápida anónima, ella compró uno nuevo adecuado a la estatura del personaje.
Una de sus últimas canciones se llama Buried Alive With The Blues, enterrada viva con el blues.
Janis murió dos semanas después de Jimi Hendrix: ambos a los 27 años, como Jim Morrison, que morirá un año después. Él también a los 27. Son la trinidad secular del Club 27, el círculo de artistas que murieron prematuramente a la misma edad, a la que se unieron trágicamente Kurt Cobain y Amy Winehouse.
Lo que más importa es el extraordinario legado musical que dejó Joplin, fue que abrió el camino a las mujeres del rock, quien demostró que el talento y el poder emocional pueden cambiar las reglas del juego. Un modelo imprescindible para generaciones de artistas. Pero también prueba de que incluso una niña perseguida por matones con música puede aprender a volar.
Esta noche a las 23:30 horas, Canal 22 rinde homenaje al humorista gráfico e historieta argentino, JOAQUÍN SALVADOR LAVADO TEJÓN, mejor conocido como QUINO, creador de la icónica tira cómica Mafalda.
En el episodio de la serie documental Escritores en primera persona, se entrevista al dibujante hijo de migrantes andaluces, quien comparte cómo fue su infancia.
De viva voz, QUINO relata la influencia artística de su familia, la radio y el tango en el imaginario argentino, su paso por la Universidad de Bellas Artes, sus revistas de referencia como Rico Tipo, su aprendizaje al lado de Guillermo Divito, y cómo desarrolló el humor en sus historietas.
También conversará y recordará sobre el nacimiento de su obra más famosa: Mafalda, cuyo personaje entrañable forma parte de la cultura pop latinoamericana, así como la creación de otros personajes que se fueron sumando a la historieta como Don Manolito, Miguelito y Felipe; y la manera de abordar temas tabú sin herir la sensibilidad del público.
Además, se suma la opinión del escritor invitado Gustavo Nielsen, arquitecto y dibujante argentino, quien habla de los elementos en las historietas de Quino, como la ternura y el humor, y el impacto de su obra en la cultura.
BUENOS AIRES.- El jueves 17 de septiembre Quino se acostó a dormir la siesta y no volvió a despertar: un ACV causado por el Parkinson que lo aquejaba hace años. Joaquín Salvador Lavado Tejón comenzó a despedirse lentamente aquel día y murió este día después de que Mafalda, su máxima creación artística, la más celebrada a nivel mundial, pero no la única, cumplió 56 años.
Quino nació hace 88 años en San José, Guaymallén, donde hizo los primeros dibujos sobre la mesa de madera de la casa familiar, donde la guerra civil española era tema de debate permanente. Su corazón se apagó en su casa de Chacras de Coria, adonde se había radicado hace tres años, ya de regreso a la Mendoza natal. Alicia, su otra mitad, su mano dereca, había fallecido años atrás.
Estaba rodeado de familiares. De sus sobrinos. De sus sobrinos nietos. De los cuidadores profesionales.
Las redes sociales se poblaron rápidamente de mensajes, de evocaciones, de tristeza y de viñetas de Mafalda y sus amigos despidiendo al creador. Al padre.
Roberto Sergio Lavado es uno de los cinco sobrinos por parte de los Lavado. Diario UNO lo llama cuando la noticia sorprende y quema en las redacciones y en las redes sociales.
“Se fue tranquilo. El Parkinson lo había complicado mucho en los últimos años pero la pandemia de coronavirus lo fue apagando de a poco”, dijo el abogado penalista e hijo de Roberto Lavado, quien dejara un gran legado al Derecho Penal mendocino.
En Buenos Aires, Julieta Colombo, sobrina y representante de Quino durante los últimos años, atiende el celular. “Quino estaba muy debilitado por cuestiones de salud propias de la edad. Su partida es una situación triste y difícil pero la pandemia hace todo más difícil”, dice.
Paradoja de la vida. El martes, el planeta soplaba las velitas por el cumpleaños de Mafalda. Ahora, el mismo planeta, al que Quino diagnosticó tan enfermo de guerras, dictaduras y egoísmo tantas veces, se estremece por la noticia de la muerte del creador de aquella niña rebelde y respondona que nació para darle vida a una marca de heladeras.
Quino había cumplido años el 17 de julio pero en mayo el planeta pudo verlo y escucharlo hace cuatro meses. Aunque más no fuera a través de las pantallas.
Fue por el estreno del documental Buscando a Quino, obra inédita sobre la vida y obra del artista. Dirigido y conducido por el actor Boy Olmi, el trabajo de CONECTA + Fiis salió al ruedo simultáneamente en Argentina, Chile y España y puede ser visto en Youtube.
Y claro que la muerte de Quino es una noticia de alcance mundial. Si él era el que ponía sobre la mesa todos los males que aquejaban al mundo.
NUEVA YORK.- Después de una década y 100 episodios, BOB DYLAN vuelve a ser DJ en la radio: un episodio de dos horas (el doble del tiempo habitual) con temática de whisky transmitido por la emisora satelital Sirius XM y ahora disponible para su transmisión en el sitio web del Premio Nobel.
Su reaparición mediática también es un maxi spot para Heaven’s Door, su sello personal que lleva el nombre de una de sus canciones más famosas.
El autor de 79 años ha permanecido confinado desde marzo debido al Coronavirus, que canceló las etapas de su Never Ending Tour. Para Dylan la cuarentena resultó ser productiva con el lanzamiento del nuevo álbum Rough and Rowdy Ways, luego de ocho años.
El Theme Time Radio Hour, la serie transmitida por SiriuxMX, de 2006 a 2009, tenía un tema de episodio elegido por el cantautor al explorar a través de canciones, poemas, digresiones y de ida y vuelta con invitados como Elvis Costello, Tom Waits, Merle Haggard, Jack White y John Cusack.
DYLAN aprovecha la coincidencia con el mes de la historia borbónica -este mes-, con canciones con temática de los espíritus elegidas de Van Morrison, George Jones, Thin Lizzy, Tom Waits, los Stanley Brothers y Julie London, antiguas glorias del blues como Byllye Williams y Wynonie. Harris y, por supuesto, Frank Sinatra, a quien el cantante dedicó un álbum de versiones, Shadows in the Night, en 2015.
Dylan también resucita la versión de Charlie Poole de 1920, If the River Was Whisky (Hesitation Blues). entremezclados con chistes y chistes sobre el whisky y la resaca.
NUEVA YORK.- “¡Yaba Daba Dú!” es como el valiente Pedro tarareaba a bordo de su auto de madera impulsado por humanos, solo dos enormes cilindros de piedra en lugar de ruedas, uno al frente y otro detrás, y sus pies empujando el trabiccolo. Así apareció por primera vez en televisión, en la cadena ABC estadounidense, el protagonista de lo que se convertirá en una de las series de televisión de dibujos animados más queridas de todos los tiempos: LOS PICAPIEDRA, ampliamente conocidos en México por la televisión.
Era el 30 de septiembre de 1960 , pero los brillantes autores de muchos dibujos animados que han hecho la historia de la animación, William Hanna y Joseph Barbera , junto con el diseñador Dan Gordon, llevaban ya un año trabajando en los Fleintstones.
Los cuatro protagonistas de la serie: Pedro Flintstone, su esposa Wilma y sus amigos Pablo y su esposa Betty representan una alegoría de la sociedad estadounidense en los años sesenta, ambientado, sin embargo, en la ciudad ficticia de Bedrock, en la edad de piedra, con enormes saurios voladores usadoscomo aviones, otros animales usados como electrodomésticos o el súper dragón estampando la entrada de Fred para trabajar con sus dientes.
Los hechos de los que los Picapiedra son protagonistas, aunque ambientados entre los hombres de las cavernas, son los del mundo moderno y la ciudad de Bedrock sigue siendo una metrópolis con centros comerciales, bancos, hoteles, bolos y autocine. El truco de la caricatura fue precisamente trasponer los problemas clásicos del trabajo, la familia y las buenas relaciones de vecindad en la América de los 60 en un contexto de la edad de piedra donde vives con dinosaurios y mamuts usados como mascotas o incluso como electrodomésticos.
Así que esta caricatura tan original tuvo de inmediato tal éxito de público que pronto se transformó en un cómic y dio vida a un vasto merchandising, además de convertirse en tema de tres largometrajes.
Los cuatro protagonistas inmediatamente se familiarizaron con grandes y pequeños: Pablo, irritable pero muy enamorado de su Wilma y su pequeña hija Pebbles; Pablo, el buen amigo de Pedro que a menudo se salva de los problemas en los que se mete, el esposo de Betty y el padre de Bam Bam. Las dos mujeres son Wilma, la encantadora esposa de Pedro, y Betty, la mejor amiga de Wilma.
PARÍS.- A los 93 años falleció la cantante e icono de la música francesa JULIETTE GRÉCO, amiga de poetas y músicos, quien encarnó el alma más profunda de Saint-Germain des-Près, el barrio histórico de la margen izquierda parisina frecuentado por artistas de todo el mundo.
Así lo anunció la familia en un mensaje enviado a la agencia France Presse. “Juliette Gréco – falleció rodeada de sus seres queridos en la amada casa de Ramatuelle. Su vida fue fuera de lo común”. “Pasión, lucha, amor y risa intensa”, fueron las palabras que utilizó el artista para definir su existencia. “Soy un payaso en la vida y luego me gusta reír. La mayor cualidad de la seducción es el sentido de la ironía”.
Juliette Gréco nació el 7 de febrero de 1927 en Montpellier, en el sur de Francia. Con su hermana Charlotte, sin embargo, creció cerca de Burdeos, en la casa de sus abuelos, después de la separación de sus padres.
Los biógrafos describen una infancia melancólica en la que la joven Juliette, que prefería que la llamaran Jujube o Toutoute, como la llamaban en la familia, se expresaba sobre todo a través de la danza. Luego la guerra, que obliga a la familia a huir a una propiedad en Périgord, en el suroeste del país, que sirve de pasaje a la Resistencia.
En 1943, vivió el horror: su madre y su hermana fueron deportadas, y ella misma estuvo presa en Francia durante unos diez días. Un período de su vida que contará en una autobiografía publicada en 1983, Jujube.
LOS ÁNGELES.- Para sus amigos más cercanos lo conocen como William James, pero para sus fans y el mundo fílmico el nombre de BILL MURRAY, su calidad artística no está en duda, preparándole un emotivo festejo por sus 70 años que cumple este lunes.
“Pero ese chico William James ha recorrido un largo camino. Nacido en Evanston, Illinois, fue el quinto de nueve hijos, huérfano a los 17, estudiante indisciplinado y expulsado de la Universidad de Denver por consumo de marihuana, BILL MURRAY llegó a ser actor casi por desesperación.
Su suerte cambió cuando se cruzó en el camino con John Belushi, quien lo arrastra a la loca aventura de National Lampoon Radio Hour en la ciudad de Nueva York. Es 1974 y tres años después sigue a Belushi a NBC donde despega el programa Saturday Night Live. En el ’79 Ivan Reitman le ofrece la gran oportunidad con Polpette en la que es el jefe scout Tripper, creador de bromas mortales contra los equipos rivales. Cinco años después se reunieron para Cazafantasmas, donde Bill Murray reemplazó a John Belushi, quien murió poco antes.
Característico e inseguro como suele ocurrir con los grandes comediantes, Bill intentó desintoxicarse del cine y se encontró en los pequeños escenarios del off Broadway pero en 1993 fue otro amigo quien brilló su talento: con Ricomincio da capo, de Harold Ramis, el público se lo nota y la película se convierte en un objeto de culto. Como ocurrirá diez años después con Lost in translation de Sophia Coppola. Mientras tanto, el actor se convierte en el alter ego del talento emergente de los 90 en todas las películas de Wes Anderson. Lamentablemente, la serenidad personal no se corresponde con la consagración artística que lo lleva a ser uno de los actores más cotizados del nuevo milenio.
Frances McDormand le presenta al clan Cohen (y él llegará agradecido en autobús a Roma para celebrar a su amigo en el Festival de Cine de Roma); Wes Anderson lo llama para el aún inédito The French Dispatch, Sophia Coppola para On the Rocks, Jason Reitman (el hijo de Ivan) para el reencuentro de Ghostbusters: Legacy, que se espera se estrene el próximo año.
En definitiva, si no fuera por ese personaje maldito, a veces demasiado sensible y devorado por la ansiedad, el cumpleaños de Bill Murray sería una feliz ocasión. Por supuesto que lo es para sus admiradores que saben que pueden contar con un talento aún capaz de dar mil sorpresas.
La reinvención de YUSUF / CAT STEVENS,TEA FOR THE TILLERMAN se estrena a través de UMC. El álbum, que incluye los sencillos lanzados anteriormente Where Do The Children Play?,On The Road To Find Out y el último lanzamiento Father And Son, ya tiene respuesta a nivel internacional.
Mojo confirma que hay “integridad conceptual tangible en estas nuevas versiones más robustas y ricamente detalladas“, y el álbum es descrito como “una forma poderosa de rastrear el paso del tiempo” por la NME. Rolling Stone se entusiasmó: “Las nuevas versiones de las pistas de Tea for the Tillerman no son recreaciones nota por nota. En muchos casos, son más exuberantes que los originales y algunas toman giros sorprendentes, como un funkafied ‘Longer Boats’ con la voz invitada del rapero Brother Ali. ‘Wild World, mientras tanto, ahora suena casi como un vals.
Dicho esto, Yusuf trabajó duro para mantener el mismo espíritu de los originales “. Billboard exclamó: “La reinvención cambia muchos de los arreglos familiares, mientras se mantiene afortunadamente fiel a la misión del álbum: explorar la vida y uno mismo sin miedo”, mientras que Forbes lo aclamaba como “un proyecto fascinante“.
American Songwriter declaró, “la inconfundible, rica y retumbante voz de Yusuf / Cat Stevens está en una forma fantástica“.
En un perfil reciente que abarca toda su carrera, CBS Sunday Morning comentó sobre la canción atemporal de Yusuf , Father and Son, afirmando: “En la dolorosa conversación entre padre e hijo, las pistas se grabaron con 50 años de diferencia, y ambas versiones son perfectas en su a su manera”.
En 1970, Cat Stevens lanzó Tea For The Tillerman, una obra maestra musical que es ampliamente alabada como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 50 años después, Yusuf / Cat Stevens, como se le conoce ahora, ha reinventado el álbum para una era completamente nueva. El resultado, Tea for the Tillerman2, es un homenaje cariñoso a la grabación original y demuestra cómo las canciones pueden trascender su propio tiempo y mantenerse relevantes en un mundo en constante cambio y cada vez más salvaje.
El nuevo álbum fue grabado en Studio La Fabrique en la campiña provenzal francesa cerca de donde el artista favorito de Yusuf, Vincent Van Gogh, pintó muchas de sus obras más queridas.
Para la grabación deTea for the Tillerman,Yusuf se reunió con el productor Paul Samwell-Smith y el guitarrista Alun Davies, quienes estuvieron presentes en la primera ronda. Completaron el equipo los veteranos hombres de sesión Jim Cregan y Peter Vettese, así como Kwame Yeboah y Eric Appapoulay, pilares de la banda en vivo de Yusuf durante la última década. La atmósfera se cargó con una electricidad palpable cuando, una a una, las canciones clásicas fueron revisadas con amor como recuerdos profundamente preciados.
Yusuf estaba en un estado de ánimo confiado y en buena forma mientras dirigía decisivamente el conjunto hacia su visión clara y definida. Algunas canciones se han rediseñado a través de una lente contemporánea y otras son desviaciones totales de las originales, como la versión de blues del desierto de On The Road To Find Out: vea una sorprendente colaboración visual entre Yusuf y los directores Kimberly Stuckwisch (Billie Eilish, Thundercat, MØ) y Melora Donoghue de Invisible Inc aquí, o el toque de tango argentino que se le ha dado a Wild World.
Quizás la joya de la corona es el nuevo Father And Son que ve a Yusuf haciendo un dueto con su yo de 21 años. Yusuf ahora canta el papel del padre, mientras que el del hijo proviene de una grabación de 1970 realizada en el legendario Troubadour de Los Ángeles. El efecto de las experiencias de un hombre, separadas por medio siglo, unidas en una canción, es profundamente conmovedor y aporta un nivel completamente nuevo de significado al favorito eterno. La pista está acompañada de un impresionante video animado de fotograma a cuadro del aclamado director Chris Hopewell y Black Dog Films.
De hecho, la reelaboración de todas las canciones solo sirve para iluminar la amplia gama de sutilezas y matices que son una de las razones por las que se pueden escuchar una y otra vez. Yusuf ha actualizado la obra de arte icónica del álbum que él mismo escribió, utilizando un estilo para el dibujo que precede incluso a su interés por la música. El día se ha convertido en noche y el Tillerman ahora usa un traje espacial, lo que refleja simultáneamente la distancia recorrida en su viaje durante el último medio siglo y la creciente necesidad de protección contra el deterioro de la calidad del aire en el mundo.
El éxito duradero del legado musical de Yusuf / Cat Stevens se basa en una miríada de factores, pero la clave entre ellos es la asombrosa habilidad que tiene para traducir su vibrante imaginación en forma musical. Tea for the Tillerman es el ejemplo más eficaz y entrañable de este proceso con su paisaje creativo completamente desarrollado habitado por atractivos personajes tridimensionales.
Estos se convierten en los medios para que Yusuf / Cat Stevens impartan sabiduría y conocimientos que sin duda superaron sus años de juventud en 1970 y, incluso ahora, parecen destacarse por estar muy bien sintonizados con nuestro complejo y delicado mundo. El sorprendentemente profético ‘Where Do The Children Play?‘ Solo podría haber sido escrito como una reacción a la terrible crisis ecológica que enfrentamos en este momento, con la versión reinventada de 2020 ahora combinada con un video musical profundamente conmovedor realizado en colaboración con Chris Hopewell y Black Dog Films, explorando las posibilidades de la producción de videos musicales sin desperdicios.
En otra parte, Miles From Nowhere y On The Road To Find Out documentan la búsqueda de significado y la sed de aventuras que siempre serán ritos de iniciación para un alma ansiosa. Estos son cuentos populares modernos que resonarán con cualquier espíritu abierto y receptivo y Yusuf es nuestro narrador humilde pero experto, son alegorías para los nuestros y de todos los tiempos.
En última instancia, es la universalidad del mensaje subyacente de amor y paz del álbum combinada con su innegable brillantez artística lo que cimenta el lugar de Tillerman en la historia. Ya ha dejado una marca indeleble en los cimientos de la cultura popular y con esta nueva versión estamos invitados a ser testigos una vez más de su magia y misterios por un artista que ha pasado los 50 años intermedios desafiando sin miedo los límites de su propia comprensión y visión.
UN DATO:
Disponible en 1xCD, 1xLP, Digital y formatos de streaming
No finge que le gustan las telenovelas, es ferviente seguidora del género “gracias a mi abuelita que no se las perdía”, rememora a TV&SHOW la sinaolense, oriunda de Los Mochis, CYNTHIA URÍAS, conductora de la emisión LAS 5 MEJORES (TLNovelas, sábados, 21 horas; retransmisión, domingos, 23:35 horas), el único programa de este canal de nicho que no ha dejado de grabar durante la pandemia.
“No hemos dejado de trabajar -refiere la conductora y madre de tres hijos -de 14, 8 y 4 años-, casada con el beisbolista Jorge Cantú. Se han tomado todas las medidas de sanitización y prevención, estamos en un foro acondicionado en Santa Fe”.
-Cynthia, ¿qué factores te han ayudado a madurar como conductora?
-Saber que solo soy un hilo conductor, un vínculo entre los invitados y el público asiduo al canal. Yo misma soy un público “novelero”, crecí y me acompañé con las telenovelas, entiendo lo que al público le gusta del género. Uno avanza cuando se sale de su zona de confort, eso me ha pasado y es cuando te das cuenta que te superas.
-¿Cuáles son los invitados que más se emocionaron con escenas de las telenovelas?
-Todos recuerdan pasajes imborrables en sus carreras. Hemos tenido a Victoria Ruffo, Lety Calderón, Silvia Pinal, Ignacio López Tarso, la misma Liliana Abud, Lucía Méndez, Salvador Pineda, entre otros. Telenovelas que se han vuelto a transmitir por el canal, como Esmeralda, Teresa, Rosa Salvaje, Sortilegio, Mariana de la noche, RBD, Sortilegio, Tres Mujeres, Cuna de Lobos, entre otras, cuentan con un gran público.
-Entre las grabaciones y atender a tu familia, en especial con la tele educación y a distancia, ¿a qué te has enfrentado?
-En ese aspecto me siento bendecida por contar con el apoyo de mi esposo en casa. Una semana grabo y otra no, entonces nos combinamos. No es nada fácil atender todo, como hay tantas mujeres y madres de familia que lo viven a diario. Lo de las clases, en especial con el niño más pequeño, no ha sido sencilla la adaptación.
Por lo pronto, CYNTHIA URÍAS sabe que la conducción es una carrera de resistencia más que de velocidad, de ahí que LAS CINCO MEJORES se mantiene al frente. “A nuestro público y al que se van sumando continuamente gente de todas las edades, nuestro compromiso es cumplir sus expectativas”, concluyó la sinaloense.
El 14 de septiembre de 1920 nacía en Paso de los Toros, Uruguay, uno de los poetas más queridos y seguidos de todo el ámbito del español: MARIO BENEDETTI. Hoy, cuando se cumplen cien años desde aquel día, esta antología de sus poemas nos devuelve a un BENEDETTI más vivo que nunca: sus versos siguen siendo recitados, cantados, compartidos y recordados como si hubieran sido escritos ayer, como si contaran el mundo y las emociones que conocemos y vivimos en 2020.
Y es que la poesía de BENEDETTI ha trascendido el ámbito de lo literario y se siente, a ambos lados del océano, como parte de un patrimonio popular que nos enlaza a todos y que nos legamos unos a los otros de generación en generación.
En esta antología poética se unen de nuevo dos figuras queridas en el ámbito de la cultura en español. Una de ellas es, claro está, Benedetti. La otra, Joan Manuel Serrat (al que se ha llamado “el más latinoamericano de los cantautores españoles”), con cuyas canciones ocurre el mismo fenómeno que con los poemas de Benedetti: basta con escuchar los primeros acordes de una de ellas para que todos recordemos inmediatamente su letra.
En 1985 el poeta y el cantautor trabajaron juntos para componer el disco El sur también existe con canciones musicadas por Serrat que son en su mayoría versiones de poemas de Benedetti (todas excepto la que da título al disco, que ambos compusieron en coautoría) y que se convertiría, desde el principio, en uno de los más emblemáticos de Serrat. Ese fue el punto de partida de una amistad entre los dos que se mantuvo intacta hasta la muerte del poeta en 2009.
Ahora, cuando se cumplen treinta y cinco años de ese periodo de creación conjunta, Benedetti y Serrat vuelven a dialogar en este volumen, y ese diálogo vuelve a ser tan intenso y enriquecedor como lo fue entonces. En esta ocasión, el fruto de esa «conversación» es una antología que recoge algunos de los mejores poemas del autor uruguayo. El paso del tiempo le ha mostrado a Serrat nuevas facetas de la poesía de Benedetti y, con ello, también de la vida del autor. Porque poesía y vida van unidas en la obra de Benedetti, de todos los Benedettis que hay en Benedetti, como dice Serrat en su prólogo a la edición, «el oficinista rutinario, el montevideano de clase media, el periodista comprometido, el viajero curioso, el militante de la patria doméstica, el exiliado y el desexiliado, y también el intelectual parcial, el luchador político y, por supuesto, el poeta minucioso y trabajador que nunca dejó de ser». Porque Benedetti es el poeta de la vida, el de la experiencia cotidiana; y esta antología es una prueba del amor de Serrat por su poesía.
Cada lector de Benedetti podría organizar su antología personal del poeta, la que incluye sus poemas favoritos. Esta ANTOLOGÍA POÉTICA es la antología de Serrat. La selección de los poemas que la forman está hecha al dictado de su propio gusto, de sus emociones, de su conocimiento del poeta y de su obra, del redescubrimiento que supone leerle varias décadas después de El sur también existe.
Hay algo de cancionero al modo petrarquista en este libro. Porque los poemas, ordenados cronológicamente, dan cuenta de la vida del poeta, de sus inquietudes y sus desvelos, de la huella que las presencias y las ausencias, los viajes, los compromisos y los desengaños van dejando en él.
En palabras del propio Serrat, “en su obra, siempre llena de compromiso social, no falta nunca la imprescindible presencia del amor, el tema más universal de la poesía; bálsamo o veneno, el amor, siempre un apogeo de las relaciones humanas”. Generación tras generación, los enamorados colocaron en sus labios algunos de los versos aprendidos del poeta y los grabaron junto a sus nombres en las cortezas de los árboles de todos los parques. Las muchachas llenaron cuadernos con poemas de Benedetti y, desde el paredón de la fábrica, replicaba aquel que aprendimos huérfanos o en pareja y que aún hoy repetimos como una letanía. Esencias de un perfume que al sentirlo de nuevo nos devuelve el tiempo en que, felices o no, fuimos presente; versos que son sólo nuestros, que se hilvanan en la entretela del alma y que uno acaba amando como se ama a sí mismo. Pero al tiempo que el amor, a lo largo de toda su vida, por razones literarias o personales, la nostalgia y el exilio estarán presentes en la obra de Benedetti. A veces la nostalgia provocará el exilio, y otras será el exilio el que avive la nostalgia.
Mario Benedetti ha sido uno de los escritores más fecundos y populares de América Latina. Un hombre de aspecto frágil y sencillo, de gesto y voz mesurada, que acercó a la gente su palabra despojada de solemnidad. Escribió, a contramano de las modas imperantes y de la crítica, historias que son las peripecias del hombre medio. Visitó todos los géneros literarios: la novela, el relato, el teatro, pero fue la poesía su género predilecto, el que marcó más intensamente su vocación y el más abundante y popular de toda su obra. Probablemente Benedetti sea el poeta más leído en nuestro idioma y, con toda seguridad, el más cantado.»
UN DATO:
BENEDETTI publicó más de ochenta libros de los que se han hecho millares de ediciones en veinticinco lenguas y más de cincuenta países. Escribió poesía, cuento, novela, ensayo, crítica literaria… Fue letrista musical y sus poemas se han realizado cientos de versiones que han cantado, además de Serrat, artistas como Nacha Guevara, Daniel Viglietti, Pablo Milanés, Soledad Bravo, Rosa León, y Tania Libertad entre muchos otros. Y por todo ello es uno de los autores más importantes del catálogo editorial de Alfaguara tanto en España como en la región norte y central de América Latina en todos los formatos: trade, bolsillo, ebook y audiolibro.
Con esta antología, Alfaguara ―que ha contado con la colaboración de la editorial Visor para hacerla posible―, y con la reedición de la biografía definitiva del poeta, Un mito discretísimo. La biografía de Mario Benedetti, escrita por la directora de la Fundación Benedetti en Uruguay, Hortensia Campanella, celebra el centenario del poeta. «Emociona descubrir que la obra de un autor está tan viva que, en cada momento, por muchos años que pasen, consigue interpelarte hasta sentir que cuenta tu propia vida ―declara Pilar Reyes, directora editorial de Alfaguara―. Emociona también comprobar que el poeta más joven del mundo cumpliría hoy cien años.»
HAN DICHO:
“Me apasiona su poesía y su actitud ante la vida. Ha legado a Latinoamérica los ideales de libertad, justicia y solidaridad. Benedetti no nos dejará nunca, siempre estarán sus poesías”. Joan Manuel Serrat
“De su mundo literario nos quedan los bellos poemas y relatos que escribió, reivindicando con amor esas vidas incrustadas en la monotonía de la rutina, de heroísmo discreto, que van puntualmente a la oficina”. Mario Vargas Llosa
“Él nos enseñó que la poesía no es inventarse un lenguaje raro al margen de la sociedad sino tratar de la manera más respetuosa posible el lenguaje de la tribu. La necesidad de una dimensión cívica y ética de las palabras me parece importante y ahí está la enseñanza de Mario Benedetti”. Luis García Montero
“Esa combinación de tristeza e ironía, y de ingenuidad a veces rabiosa, que hay en sus versos, y en su vida, es la música que debe sonar de fondo”.- Juan Cruz
“Los versos de Benedetti saben a calle y a corazón partido y por eso muchos de ellos han sido cantados”. Joaquín Sabina
DE BENEDETTI (Paso de los Toros, Uruguay, 1920-Montevideo, 2009). Se educó en un colegio alemán y se ganó la vida como taquígrafo, vendedor, cajero, contable, funcionario público y periodista. Autor de novelas, relatos, poesía, teatro y crítica literaria, publicó más de cincuenta libros y ha sido traducido a veintitrés idiomas. Fue galardonado con, entre otros, el Premio Reina Sofía de Poesía 1999 y el Premio Iberoamericano José Martí 2000.
