Broadway se alista a su reapertura

NUEVA YORK.- Broadway reabre funciones a finales del verano y el musical Hamilton regresa al escenario con el elenco y el equipo totalmente vacunados, ha sido la decisión del productor Jeffrey Seller comunicada al personal del popular musical de rap.

Otros cuatro espectáculos anunciaron la reanudación de los espectáculos después de que el gobernador Andrew Cuomo diera luz verde el 5 de mayo: Lion King, Wicked y The Phantom of the Opera, pero sólo Hamilton ha hecho explícita la petición de que todo el personal en el escenario y detrás de las escenas reciban la vacuna.

Los actores y bailarines están particularmente expuestos al contagio porque no usan máscaras mientras cantan, bailan, besan o pelean.

Broadway se reactiva justo cuando muchas universidades estadounidenses, comenzando en Harvard, han decidido que los estudiantes deben ser vacunados si quieren asistir al próximo semestre en el campus, y la misma actitud se está estudiando en muchas empresas privadas. No está claro qué se exigirá a los espectadores: el gobernador Cuomo ha autorizado a los teatros a reabrir en su totalidad con medidas de distanciamiento social, rigurosas durante todo el espectáculo, aunque el anuncio de ayer por parte de los CDC para personas totalmente vacunadas podría cambiar la situación.

Hamilton, Lion King y Wicked sincronizaron sus reaperturas al escalonar el comienzo de los espectáculos por media hora cada uno para permitir a las autoridades y a la prensa moverse de un teatro a otro. Para Broadway, el regreso del centro de atención es un momento histórico después de los largos meses del encierro y los productores esperan una respuesta entusiasta del público, al menos a juzgar por los precios de las entradas que han vuelto a los niveles previos a la pandemia.

En total, nueve espectáculos reabrirán en septiembre, mientras que otros diez están en proceso para el otoño. Las primeras en reabrir son producciones probadas que confían en atraer suficientes clientes para llenar teatros, aunque es poco probable que el turismo internacional para esa fecha vuelva a los niveles previos a Covid. Además de Lion King, Wicked, Hamilton y Phantom of the Opera, los espectáculos Six, American Utopia de David Byrne, Come From Away, Moulin Rouge! The Musical y otra producción de Disney, Aladdin.

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Tina Turner abre las puertas del Salón de la Fama del Rock and Roll

CLEVELAND.– “¡Estoy absolutamente emocionada de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll entre artistas tan increíbles! ¡Gracias por todo su continuo amor y apoyo a lo largo de los años! Con amor, Tina”, así lo declaró TINA TURNER luego de ser incluida en su clase de miembros de 2021.

La ceremonia de inducción se llevará a cabo el 30 de octubre, 2021 en el Rocket Mortgage Fieldhouse en Cleveland, Ohio con una transmisión simultánea de radio en SiriusXM por canal del Salón de la fama del Rock & Roll, 310.

La ceremonia de inducción saldrá al aire posteriormente en HBO y via streaming en HBO Max. Tina será incluida en la categoría de intérprete junto a Carole King, The Go-Go’s, JAY-Z, Foo Fighters y Todd Rundgren; con Clarence Avant (Premio Ahmet Ertegun), LL Cool J, Billy Preston, Randy Rhoads (Premio a la excelencia musical) y Kraftwerk, Charley Patton y Gil Scott-Heron (Premio a la influencia temprana). Turner y Carole King se unen a Stevie Nicks como las únicas mujeres que han sido incorporadas varias veces, con Turner previamente incluida como parte de Ike & Tina Turner en 1991.

TINA TURNER es venerada en todo el mundo, inspirando a millones a través de su propia historia personal, su canto, su baile y más. Su legado musical es una colección de algunas de las canciones más conocidas de todos los tiempos, solo diga la frase You’re Simply the Best, ¡sería difícil encontrar a una persona que no conozca la siguiente línea! Ella es uno de las artistas más vendidas de todos los tiempos (200 + millones de discos), con múltiples números 1, discos de platino en todo el mundo, 12 premios Grammy ® , un Premio Grammy A La Trayectoria , una estrella tanto en los paseos a la fama de Hollywood y St. Louis paseo de la fama y mucho más.

Tina saltó a la fama por primera vez en 1958 a los 19 años como dúo con Ike Turner, dando lugar a Ike & Tina Turner Revue . Produjeron una serie de éxitos notables como A Fool In Love (1960), It’s Gonna Work Out Fine (1961), River Deep Mountain High (1966), Proud Mary (1971) y Nutbush City Limits (1973). En 1976, tras años de soportar el abuso físico, emocional y sexual por parte de Ike, Tina pide el divorcio e inicia su carrera en solitario.

En 1977, volvió a subir al escenario haciendo giras rigurosas, lanzando un puñado de álbumes, pero no igualaron la fanfarria o el éxito de sus increíbles shows en vivo. Luego, en noviembre de 1983, lanzó una versión de Let’s Stay Together de Al Green, que se convirtió en un éxito. En junio de 1984, a los 45 años, lanzó el álbum Private Dancer y su segundo sencillo What’s Love Got to Do with It se convirtió en un éxito mundial al igual que el álbum. Private Dancer fue 5x platino en los Estados Unidos y 3x platino en el Reino Unido, catapultando a Tina de nuevo al estrellato.

Después de su papel principal en Mad Max Beyond Thunderdome (1985) y su álbum Break Every Rule (1986), Tina se embarcó en la colosal Break Every Rule World Tour, con 218 shows, incluido un concierto en el Estadio Maracaná, Río de Janeiro en 1988; un récord mundial Guinness por la mayor asistencia a conciertos en ese momento, con más de 180.000 espectadores. El éxito de Tina siguió con el álbum Foreign Affair (1989) que incluía una de las canciones más importantes de los 80 en The Best. Los años 90 continuaron con el gran éxito de Tina, incluida la película biográfica de 1993 What’s Love Got To Do With It con Angela Bassett respresentando a Tina , y el lanzamiento de GoldenEye (1995) , el tema musical de la película de James Bond GoldenEye , como parte de su álbum de 1996 Wildest Dreams.

Su último álbum de estudio Twenty Four Seven llegó en 1999, con Tina anunciando su retiro después de la gira del álbum. Fue honrada por los Kennedy Center Honors en 2005, con Beyoncé rindiendo homenaje a su ídolo, y Tina, haciendo un cover de Proud Mary. Más tarde, Tina se asociaría con Beyoncé en los Premios Grammy de 2008 para una actuación especial, a menudo aclamada como uno de los momentos Grammy más icónicos de la historia. Más tarde ese mismo año, Tina anunció que estaba saliendo de una jubilación para una última gira y celebrar sus 50 años de carrera en el escenario. En los últimos tiempos, Tina lanzó su conmovedora y apasionante autobiografía My Love Story, así como su historia llevada al escenario, con el estreno de Tina: The Tina Turner Musical en Aldwych Theatre, Londres en 2018.

Un éxito monumental, el espectáculo continúa funcionando y desde entonces se ha inaugurado en Hamburgo (2019), Broadway (2019) y Utrecht (2020) con gran recibimiento por parte del público y la prensa. 2020 vio el lanzamiento de otros dos libros Tina Turner: That’s My Life y Happiness Becomes You’ Ese mismo año,la súper estrella global, productor y DJ KYGO hizo un remix del éxito What’s Love Got to do With It, logrando que Tina se convirtiera en la primera artista en tener un éxito top 40 en siete décadas consecutivas en el Reino Unido.

A principios de este año, el largometraje documental TINA fue lanzado con elogios de la crítica, de los directores ganadores del Oscar® Dan Lindsay, TJ Martin y Lightbox, la compañía de producción fundada por el productor ganador del Oscar Simon Chinn y el productor ganador del Emmy® Jonathan. Chinn, junto con la productora nominada al Emmy Diane Becker. La película es una mirada reveladora e íntima a la vida y carrera del ícono musical Tina Turner, trazando su improbable ascenso a la fama temprana, sus luchas personales y profesionales a lo largo de su vida y su resurgimiento aún más improbable como fenómeno global en la década de 1980.

Disponible en HBO (Estados Unidos), SKy Documentaties and Altitude film ( UK), FOXTEL ( Australia) Tina continúa siendo una de las artistas más queridas del mundo y esta increíble carrera continúa ganando impulso y encontrando nuevos fanáticos.

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Jaime Garza murió a los 67 años a causa de la diabetes que padecía

CIUDAD DE MÉXICO.– El actor mexicano JAIME GARZA falleció a los 67 años derivado de las complicaciones por la diabetes que padeció por varios años y por la que incluso le amputaron una pierna.

La noticia fue confirmada esta mañana por su ex esposa, la actriz Rosita Pelayo, quien destacó que el deceso ocurrió en la tranquilidad de su casa, acompañado por su hermana Ana Silvia Garza y su papá.

“Sí estoy muy triste, por mi Jaimito, porque sí nos separamos pero siempre queriéndonos, nunca nos dejamos de hablar, siempre estuvimos preocupados el uno por el otro y me cayó muy fuerte la noticia. Él ya estaba enfermito, no estaba muy bien y así es la vida, nos tenemos que ir”, contó en entrevista con Sale el Sol.

La actriz recordó que Jaime Garza padecía diabetes desde hace años y que por esta enfermedad incluso le amputaron una pierna y le practicaron otra operación en su otra extremidad.

“Le hicieron otra operación en la pierna, en la que le quedaba, no sé bien cómo fue la operación, pero él me decía ‘me rasparon’ y no sé que tanto le hicieron, pero sí muy fuerte porque me decía: ‘me duele horrible, no sabes lo horrible que me duele la pierna’.

El actor tuvo una amplia trayectoria artística en cine, teatro y la televisión. Su última participación fue en la telenovela El bienamado en 2017 y será recordado por sus participaciones en la pantalla chica en Como Dios manda, Cachún cachún ra ra!, Rosa Salvaje, Simplemente María, El vuelo del águila, Salomé y ¡Vivan los niños!, entre otros más.

Fue uno de los estudiantes fundadores del Centro Teatral de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y debutó en la industria en 1973 dentro del programa infantil Plaza Sésamo, lo que lo llevó a otros famosos programas unitarios como Mujer… Casos De La Vida Real y La rosa de Guadalupe

En el teatro también tuvo participaciones, principalmente en el montaje Equus, donde, y según Rosita Pelayo, fue catalogado como un Adonis. Los musicales Evita, Venga toda la Gente o El show de Terror de Rocky estuvieron dentro de su amplio curriculum.

El actor fue considerado un galán de su época y también tuvo un amplio historial amoroso. En su juventud sostuvo un romance con Viridiana Alatriste, a quien consideró como su “gran amor”, quien falleció en 1982 en un accidente automovilístico, hecho que la familia Pinal, en especial Silvia Pinal, madre de la actriz, no le perdonó ya que horas antes de su accidente automovilístico, ella se encontraba con él.

Rosita aseguró que la familia del intérprete está haciendo las diligencias para el funeral del intérprete quien además es tío de la actriz Mariana Garza, y fuera pareja sentimental de Viridiana, hija de la actriz Silvia Pinal, estuvo casado con Alma Delfina, Natalia Toledo y Pelayo.

El actor era reconocido por haber actuado en producciones como Plaza Sésamo, y en el reparto de películas como Canoa, Los Camaroneros, Los Dos Carnales. Su último trabajo fue en la telenovela El bienamado donde realizó el papel de Apolo Tinoco. 

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Asmáticos deberán reforzar sus tratamientos ante Covid-19

Aunque las personas asmáticas no son más susceptibles de infectarse con el virus SARS-CoV-2 que individuos sanos, es importante que quienes presentan dicha afección continúen su tratamiento farmacológico para mantener controlada la enfermedad, ya que, de lo contrario, en caso de contagiarse se considera un factor de riesgo a sufrir complicaciones graves, aseguró el alergólogo del Instituto Politécnico Nacional (IPN), Guillermo Guidos Fogelbach.

El investigador de la Escuela Nacional de Medicina y Homeopatía (ENMH) informó que, cuando se trata de cuadros de asma leve o moderada bajo control, el riesgo de presentar COVID-19 grave es menor que cuando se sufre de asma moderada o severa y la afección no está controlada, “en esos casos sí se considera que la enfermedad puede ser un factor de riesgo para desarrollar complicaciones graves, porque la inflamación bronquial puede exacerbarse”, apuntó.

Detalló que los fármacos antinflamatorios para tratar el asma actúan como modificadores de la respuesta inmune inflamatoria, lo cual puede coadyuvar, junto con factores inmunogenéticos de los pacientes asmáticos, a no desarrollar Covid-19 grave, sin embargo, cuando hay cuadros moderados/severos de asma no controlada y el paciente enferma de COVID-19 el proceso inflamatorio puede aumentar y llegar a generar una respuesta inmune muy agresiva (tormenta de citocinas) que incrementa la inflamación, lo cual puede representar un factor adverso para el organismo.

El especialista consideró que muy importante que los pacientes asmáticos e que ese tipo de pacientes sepan distinguir entre la sintomatología de su afección y la causada por el COVID-19, a fin de evitar confusiones si manifiestan síntomas respiratorios.

“La fiebre, cefalea (dolor de cabeza), malestar general y cuerpo cortado son señal de procesos infecciosos; si una persona asmática presenta falta de aire, tos y/o sibilantes -y más si estos ocurren después de exponerse a irritantes respiratorios (polvo, humo, olores fuertes) o ejercicio físico-, pero no tiene los que caracterizan a un proceso infeccioso, es probable que sólo se trate de un cuadro propio de su enfermedad”, agregó.

Sin embargo, precisó que ante los síntomas persistentes siempre es conveniente la valoración de un profesional de la salud e insistió en que, mientras el médico confirma o descarta un contagio de SARS-CoV-2, es imprescindible mantener la medicación para evitar que se agraven los síntomas, además de aplicar las medidas higiénicas establecidas para reducir los riesgos de contagio.

El integrante de la Academia Americana de Alergia, Asma e Inmunología explicó que los aeroalergenos son los principales causantes del asma alérgica y el 50 por ciento de quienes la padecen son susceptibles a los pólenes, como el de árboles de fresno, cuya concentración en la atmósfera es muy alta en esta época del año, por lo que hizo un llamado a quienes padecen la afección a seguir las recomendaciones del médico tratante, a fin de prevenir un descontrol de la enfermedad.

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A 40 años sin Bob Marley, deidad rastafari del “reggae” jamaicano

ROMA.- A 40 años de la muerte de BOB MARLEY, el cantante jamaiquino sigue siendo la figura central de la música “reggae” y de su país, gracias a canciones inmortales que dejaron huella y aún hoy emocionan a las nuevas generaciones.

BOB MARLEY murió la mañana del 11 de mayo de 1981 en el Cedar of Lebanon Hospital de Miami, víctima de un cáncer que no le permitió ver por última vez a su Jamaica.

La enfermedad de Marley avanzó rápidamente: durante una gira sufrió un colapso en el Central Park y tras una dramática hospitalización en una clínica de Munich, especializada en enfermedades terminales, había decidido regresar a casa.

Si BOB MARLEY estuviera vivo, sería interesante preguntarle sobre el reguetón, que tanta polémica ha causado en la música de esta época. ¿Lo aprobaría? ¿Se consideraría un precursor de ese género, como lo sostienen algunos entendidos?

Si no hubiera muerto intempestivamente el 11 de mayo de 1981 en Miami, lo más probable es que estaría opinando sobre este debate, pero también sobre la legalización de la marihuana y, por supuesto, sobre el triunfo del fútbol inglés en la Champions. Porque BOB MARLEY amaba tanto el futbol que organizaba con los periodistas de cada país que visitaba en sus giras, no ruedas de prensa, sino partidos.

A 40 años de su muerte, su legado aún es palpable, sobre todo en Jamaica, su terruño y donde su casa es el sitio turístico más visitado de la isla caribeña. Marley recibió un funeral de Estado y el Gobierno impidió que fuese enterrado en Etiopía, como era su deseo.

Una paradoja, pues en su momento Bob Marley, que en realidad se llamaba Robert Nesta Marley, era rechazado por algunos de sus coterráneos por ser un mulato, hijo de una adolescente afrojamaiquina y un blanco de la isla que servía en la milicia británica. Por su mezcla racial, algunos músicos de Jamaica lo evitaban y hasta se burlaban de él, aunque Marley siempre se expresaba de sí mismo como un ‘negro’ del Caribe.

La deificación de Marley, tanto en Jamaica como en la industria de la música, ha generado la injusticia de olvidar el resto de la música de la isla. Inventores del mento (emparentado con el calipso de Trinidad y Tobago), del ska y del rocksteady, los jamaiquinos desarrollaron varios géneros al calor de la influencia del rhythm & blues pero también de los aires independentistas (Jamaica se separó de Gran Bretaña en 1962), que provocaron una ola de conciencia nacional que benefició a los músicos.

También en 1962 se fundaron los sellos discográficos que buscaban difundir la música de Jamaica en Inglaterra, donde los inmigrantes ya la habían posicionado en los pubs, las discotecas y, lo que sería clave en el proceso, en las radios.

Marley, que no inventó el reggae ni tampoco el término, sobre cuyo origen no hay consenso, fue de los últimos en llegar. En 1963, con 18 años, recién había creado con sus amigos de la infancia, Bunny Wailer y Peter Tosh, el grupo The Wailing Wailers, que tres años después se refundaría como The Wailers. Pero perseveró y arribó justo a tiempo para alcanzar el estrellato global gracias a su ska suavizado por el órgano hammond (que tampoco fue su idea original), su intuición para acercarse al gusto comercial de los blancos y la colaboración con figuras del mainstream.

Primero fue el estadounidense Johnny Nash quien se enamoró de la música jamaiquina, versionó algunos temas, como Stir It Up, que despertaron el apetito de los oyentes británicos y grabó un álbum, Hold Me Tight (1968), el primero producido en Jamaica que llegaba al ‘top ten’ británico.

Nash luego se llevó a The Wailers a Gran Bretaña como grupo de acompañamiento de su gira y prácticamente se convirtió en el padrino de los caribeños

Luego se produjo el hit monumental de I Shot the Sheriff, canción de Bob Marley de 1973 que se regrabó al año siguiente con la colaboración del guitarrista inglés Eric Clapton. Desde entonces, Bob Marley no se bajó del estrellato y logró ser el artista de Jamaica más famoso de la historia. Nadie ha vendido 25 millones de discos.

Consagrados como Count Ossie, Toots and the Maytals, Desmond Dekker y The Pioneers, o el productor Coxsone Dodd pasaron a segundo plano. No han sido olvidados en su país, pero no están en camisetas: no son un símbolo.

Parte del éxito también se debió a la personalidad de Marley, forjada en la adversidad de un hogar pobre y sin padre, muerto en 1954. Fue un autodidacta de la guitarra.

Marley también fue un inmigrante que buscaba el ‘sueño americano’ en Delaware y trabajó para la planta de autos de la Chrysler.

Más decisiva fue, quién no lo sabe, su devoción por el movimiento rastafari, una amalgama de ideas que, entre otras consideraciones, ordenaba a sus fieles no beber alcohol, no comer carne, vivir comunalmente, no mendigar, no robar y fumar marihuana como un rito sacramental. Además, promulgaba la unión mundial de los afros.

Esa singular mezcla de espiritualidad y política panafricana inspiraba las letras. I Shot the Sheriff es un cifrado alegato sobre la violencia de la fuerza pública. No Woman, No Cry, quizás la canción más difundida de su carrera, buscaba dar consuelo a una mujer afectada por la violencia y la tristeza. En Revolution se clama en contra de los políticos mientras se lanzan términos religiosos combativos. Redemp­tion Song es una invitación al oyente a liberarse de sus prejuicios. Todo el álbum Survival invoca a la unidad panafricana.

Los detalles de su cáncer (se negó a ser amputado del dedo gordo derecho y a recibir quimioterapia por sus valores religiosos) y el uso de su imagen por parte del Gobierno de Jamaica contribuyeron a agrandar su leyenda, cuyo legado no ha podido ser del todo administrado por su viuda, la cantante Rita Marley, debido a los hijos que tuvo Bob con otras mujeres. Tuvo 12 vástagos en total.

Jamaica no ha tenido otro artista de ese nivel de impacto (quizás el atleta Usain Bolt algo le compitió desde el deporte) y queda la sensación de que tampoco existe interés en crearlo. Bob Marley es rey eterno en la isla. Ante esa realidad, los panameños tuvieron vía libre para crear el reguetón. Qué diría Bob Marley sobre este ultraje.

Pero sus condiciones empeoraron en el vuelo y se vio obligado a pasar sus últimas horas en el hospital de Miami.

Dejó a 11 hijos reconocidos legalmente, cuatro de ellos con Rita Marley, pero no un testamento. Tenía solo 36 años.

Y 40 años después de su prematura muerte, el ícono de Bob Marley continúa irradiando su poder.

Basta pensar que, en honor a su pasión desenfrenada por el fútbol, el Ajax, el legendario club de Amsterdam cuyos fanáticos han estado usando “Three Little Birds” como himno durante años, en la próxima temporada usará una tercera camiseta especial decorada en su honor con los colores de la bandera de Jamaica.

En muchos aspectos “Tuff Gong”, el apodo que se había ganado en las calles de Trenchtown, el gueto de Kingston, la capital jamaiquina donde creció, es una figura única en la historia musical: hijo de un padre blanco y una joven negra, por su sangre “mestiza” fue discriminado y se convirtió en líder político y espiritual de Jamaica, transformándose en la primera superestrella de la música del Tercer Mundo.

Es difícil encontrar en las crónicas de la música popular a un personaje que haya logrado trasmitir un mensaje similar de hermandad y paz, dejando tan clara la capacidad trascendente de un concierto.

Marley llevó el reggae a un lugar impensado de popularización, transformándose además en un verdadero emblema de la libertad, de la lucha contra la opresión y también del rastafarismo y del consumo de cannabis como herramienta para la liberación.

El mundo descubrió así y aprendió a amar el reggae gracias a él, a su habilidad para mezclarlo con otra música, a su extraordinaria capacidad para convertirla en un lenguaje universal e inmediatamente comprensible para todos.

Y actualmente sigue siendo muy relevante, dado que sus discos -que van desde 1965, debut con los Wailers, hasta 1980- siguen ocupando lugares en los rankings con cada reedición.

Una historia como esta no se puede explicar solo con argumentos musicales: está claro que Bob Marley hizo un trabajo que rebasó los límites del género con el reggae, enriqueciéndolo con ecos de soul y pop, pero más allá de su talento artístico y los músicos que interpretaron y colaboraron; con él, fue su personalidad como líder natural lo que marcó la diferencia.

Por eso que la figura y mensaje de Marley sigue siendo referencia, como ocurre en las marchas del movimiento Black Lives Matters contra la represión policial en Estados Unidos.

Incluso en otros países desarrollados su música suena en otras manifestaciones en estos tiempos oscuros de pandemia y de algunos gobiernos opresivos, ya que son parte de la banda de sonido y su espíritu está más vivo que nunca.

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Ni tarda ni perezosa, Glenn Close entra de lleno al mundo musical

NUEVA YORK.- Si no se puede con el Oscar, GLENN CLOSE irá por el Grammy, el caso es que la famosa actriz de 74 años, ni tarda ni perezosa, decidió lanzarse al mundo del jazz, para lo cual se unió a Ted Nash, para un nuevo álbum que sale a la venta este día.   

Después de que una vez más no obtuvo el premio Oscar, GLEN CLOSE se adentra en el mundo musical con su amigo y saxofonista Nash

El álbum de jazz está compuesto por canciones compuestas por Nash, de las cuales Close le puso su voz en tres de ellas.

CLOSE consideró que el jazz es algo nuevo para ella. “El jazz siempre me ha intimidado porque pensé que era una cosa cerebral”, admitió en una entrevista. “Ted y Wynton y todos los músicos increíbles del Jazz at Lincoln Center me abrieron los ojos y ahora encuentro un consuelo extremo en el jazz”.

El álbum está inspirado en el espectáculo Transformation, que tuvo lugar durante tres noches, justo antes de la pandemia, en el Jazz at Lincoln Center de Nueva York. Aunque Close no se considera músico, su sueño es tocar un bajo eléctrico.

“Tengo un fabuloso bajo eléctrico Gibson y estoy tomando lecciones”, dijo la actriz de Connecticut. “Solo quiero estar en contexto”. 

GLENN CLOSE encabezó recientemente titulares de música por su juguetón baile de Da Butt en los Premios de la Academia.

“Aprendí de (música) go-go y ciertamente de la escena musical de Washington de esos años. Pude hacer ese pequeño fragmento de Da Butt porque había visto el video musical de Spike (Lee). Cerca de los Oscar y después, estaba haciendo este maravilloso personaje para Gore Verbinski que no saldrá en un par de años… pero, era todo (música) funk. Y ahora he vuelto al jazz. Es muy divertido e interesante”, dijo Close.

La actriz galardonada con premios Emmy y Tony está acostumbrada a sus estrenos en cine y televisión, pero lanzar un álbum es una novedad para ella: “Estoy muy, muy emocionada de que salga al mundo, especialmente ahora”.

Close colaboró con Nash en sus discos anteriores, pero ambos coprotagonizan Transformation: Personal Stories of Change, Acceptance, and Evolution, un álbum hablado de jazz con 11 piezas que abordan temas serios como raza, política, identidad y más. Nash, un miembro de la Jazz at Lincoln Center Orchestra, tenía la labor de componer música para acompañar las palabras, que incluyen versos nuevos con fragmentos seleccionados por Close de los poetas Ted Hughes y Conrad Aiken, el biólogo E.O. Wilson y el dramaturgo Tony Kushner.

Close, quien da su voz a tres canciones, convocó a amigos como el músico y director artístico de Jazz at Lincoln Center Wynton Marsalis, además de algunos de los músicos del lugar, para completar el álbum. La actriz nominada al Oscar Amy Irving lee One Among Many, escrita por la exradical Judith Clark a pedido de Close, y el actor ganador del Emmy Wayne Brady interpreta tres canciones temas e incluso escribió uno titulado A Piece by the Angriest Black Man in America (or, How I Learned to Forgive Myself for Being a Black Man in America), sobre su experiencia como un hombre negro en Estados Unidos.

“Siento que cada vez que hay un nuevo proyecto, es una oportunidad para crecer como artista y adoptar nuevas ideas. Creo que eso es algo que a medida que envejezco, me doy cuenta de que es más importante para mí”, dijo Nash.

“Fue muy conmovedor y Ted no sabía si iba a poder hacerlo, de hecho. Pero cuando pones tu alma en tu instrumento, en tu música, creo que fue una experiencia muy sanadora para él”, dijo Close. “Una experiencia muy transformadora”.

“Cuando (mi hijo) comenzó a leer la pieza, no esperaba sentir lo que sentí”, explicó Nash. “De pronto me di cuenta de que todos los demás están oyendo esto. Están escuchando esta pieza personal que era una carta para mí y yo estoy tocando (música) con ella. Me sentí muy completo. En todo caso, me ayudó a tener una oportunidad más profunda de expresión”.

Close, Nash, la orquesta y los invitados especiales grabaron el álbum en Jazz at Lincoln Center en Nueva York el año pasado antes de la pandemia de coronavirus. Close dijo que antes de hacer el álbum el jazz la intimidaba un poco.

“Pensaba que tenías que saber lo que estás escuchando, pero ahora simplemente estoy inspirada por él porque creo que es profundamente estadounidense y también profundamente humano”, dijo la actriz. “Es una expresión de la condición humana, la disonancia, la armonía. Todos esos instrumentos diferentes retroalimentándose. En un mundo bueno, todos tienen la oportunidad de ponerse de pie y tocar su parte”.

Aunque Close, de 74 años, es más conocida por sus películas y ocho nominaciones al Oscar, además de tres Emmy por su trabajo en la TV, siempre ha estado cerca de la música. Uno de sus tres Tony fue por el musical Sunset Boulevard y también fue nominada por su actuación en Barnum. Incluso recibió una nominación al Globo de Oro a la mejor canción original como coautora del tema Lay de Albert Nobbs de 2011, una película producida, coescrita y protagonizada por Close, dirigida por el colombiano Rodrigo García.

Al preguntarle si alguna vez ha tomado un instrumento, respondió riendo: “Los tomo, pero no necesariamente los toco”.

“Mi gran sueño es aprender a tocar el bajo. Quiero sentarme al fondo con un sombrero genial. De hecho tengo un bajo Gibson muy chévere y comencé a tomar clases, pero entonces salgo a trabajar y todo se derrumba y se me olvidan cosas”, dijo. “Pero si puedo aprender unas seis canciones y tocarlas muy bien, creo que sería divertido”.

Hacer equipo con Nash le permitió cumplir otro sueño: lanzar un álbum de larga duración sobre el mundo real. Y Nash tiene grandes expectativas para su colaboración: quiere provocar un cambio en el mundo.

“Puedes sacar lo que quieras de este proyecto, sea simplemente disfrutar de Wayne Brady y la manera en que habla o pensar que lo que está diciendo es suficientemente profundo para llevarte a emprender una acción, o algo entremedio. Mi meta es llevar a la gente a algún tipo de acción reflexiva, pero quizá esa es una meta idealista”.

Otra meta: ganar un Grammy, especialmente porque eso acercaría a Close a ser una estrella EGOT (acrónimo usado para artistas que han ganado premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony).

“Los premios nunca deberían ser la razón para hacer nada… pero sí creo que, y esto es algo personal, me encantaría ver a Glenn ganar un Grammy porque entonces tendría tres de los cuatro EGOT”, dijo Nash.

Close conoce de Grammys. Fue postulada tres veces en la década de 1980, aunque dijo: “Se me olvidó, de hecho, que estuve nominada a un Grammy”.

Una vez incluso llegó a competir con John Lennon, Yoko Ono y Jesse Jackson. ¿Quién ganó? Jack Nicholson, Ben Kingsley y Robin Williams, fallecido en 2014.

“¡Ahhh!”, dijo posando una mano sobre su corazón. “Estoy muy orgullosa de haber perdido ante Robin Williams”.

“Bueno, me encantaría que esto recibiera un (Grammy)”, agregó. “Incluso ser nominada sería increíble”.

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Britney Spears, Demi Lovato y Paris Hilton, unidas por las docuseries

HOLLYWOOD.- BRITNEY SPEARS, DEMI LOVATO y PARIS HILTON están acostumbradas al éxito, a los dimes y diretes y al escrutinio público a través de los medios de comunicación, pero ahora también se verán unidas por las docuseries.

Las tres han sufrido en carne propia el acoso de los paparazzi, el interés obsesivo de los fans, seguidores y revistas de chismes, acerca de su fragilidad y aspectos íntimos.

Ahora las vidas de estas famosas, se ven reflejadas en las docuseries Demi Lovato: Dancing with the Devil de Michael Ratner y Alexandra Dean y el documental de Britney Spears This is Paris de Samantha Stark.

Un interés renovado, en el caso de la cantante de Toxic (sobre la que ya hay otras películas de no ficción en proceso), que resultaron útiles para relanzar su acción legal contra la protección de su padre (se habla de una nueva audiencia a mediados de julio), que ahora gestiona su herencia, aunque Britney Spears ha tachado en Instagram de “hipócritas” las películas sobre ella porque critican a los medios que la atacaron pero “luego les gustan” continuando exaltando “las partes negativas y más traumáticas de mi vida”.

Las opiniones de Demi Lovato y Paris Hilton, coproductoras ejecutivas, son totalmente diferentes. En el caso de los docuseries de cuatro partes de YouTube Demi Lovato: Dancing with the Devil de Michael D. Ratner, la cantante, sus colaboradores y su familia también relatan sin censura la sobredosis casi fatal que enfrentó la estrella del pop en 2018 y las consecuencias que causó. “Tuve la oportunidad de contar mi historia en un momento en que el mundo había sido hecho en silencio por covid -explica Lovato en las reuniones de streaming organizadas por la revista deadline para los contendientes de la temporada en las categorías documentales y programas ‘no escritos’- . Fue una experiencia terapéutica”.

De acuerdo con Paris Hilton en This Is Paris de Alexandra Dean (YouTube Originals), por primera vez habla sobre el abuso que sufriría en un internado especializado en “enderezar” a chicos difíciles. Antes de que la película debutara “estaba aterrorizada – dice – pero cuando la cantidad de amor y apoyo recibido de todo el mundo salió, fue abrumador”.

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“Súbete a mi moto”, la historia de Menudo, hoy por Imagen Televisión

Este dominguito sagrado a las 21:00 horas se estrena la serie SÚBETE A MI MOTO por la telera nuestra y abierta de Imagen Televisión,  la historia de MENUDO agrupación boricua de música pop que acaparó los reflectores durante varios años.

En SÚBETE A MI MOTO se narra la trayectoria del grupo, el origen de sus canciones más famosas, el inicio de figuras como Ricky Martin, Johnny Lozada, Robi Draco Rosa, y sus mayores escándalos y polémica en la que estuvieron envueltos.

La serie comienza en 1977, en el pequeño poblado de Caguas, en Puerto Rico, en donde por iniciativa de un ambicioso empresario llamado Edgardo Díaz, quien acumuló querellas por acoso sexual contra los adolescentes, nació el grupo que sentó las bases para las “boy bands”, que todavía existen.

Díaz implantó reglas nunca antes vistas y con un impositivo estilo de trabajo, desarrolló un grupo que sigue siendo la referencia para todas las otras bandas juveniles hispanas y que despegó la carrera como solistas de importantes figuras.

Con drama, emoción, anécdotas y canciones antológicas que marcarán el comienzo… y gran parte de cada episodio, Súbete a mi Moto, basada en la historia del grupo Menudo, contará las aventuras de este fenómeno juvenil.

De los creadores de Hasta que te conocí, la bioserie de Juan Gabriel, esta historia ha causado controversia y reacciones de los directamente involucrados, los Menudo, en la veracidad de los hechos que se relatan.

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Con Letra Grande: personajes ideales en el Día de las Madres

Este 10 de mayo, la celebración de el Día de las Madres con algunas recomendaciones de historias protagonizadas por personajes femeninos líderes de familia y también con accesibles consejos y técnicas para mejorar la convivencia familiar en los tiempos que corren y abrazar con palabras a las mujeres que nos iniciaron en la lectura. Estos y más títulos pueden ser consultados en Planeta de Libros México:

Vuelve la protagonista de EL TIEMPO ENTRE COSTURAS, caminando con paso firme hacia la madurez. Sira (Planeta), de María Dueñas es el relato del fin de la segunda gran guerra y el mundo emprende una tortuosa reconstrucción. Concluidas sus funciones como colaboradora de los servicios secretos británicos, Sira Quiroga afronta el futuro con ansias de serenidad. No lo logrará, sin embargo, el destino le tendrá preparada una trágica desventura que la obligará a reinventarse, tomar sola las riendas de su vida y luchar con garra para encauzar el porvenir. Cuatro destinos. Dos misiones. Una mujer. 

A más de tres décadas de su publicación, ARRÁNCAME LA VIDA (Seix Barral), de Ángeles Mastretta, se ha convertido en una obra icónica que tiene por tema central el reconocimiento de la mujer a ser plena en todo sentido, lo que ha consolidado a la escritora como una de las voces más importantes de la literatura hispanoamericana. La escritora teje en esta novela el devenir de una mujer librepensadora, sin miedo a ataduras y que explora su sexualidad en libertad, una obra sobre la conquista de una identidad propia siendo mujer en un mundo machista, un tema que aún hoy es de actualidad. 

COSAS QUE NUNCA HABLÉ CON MI MADRE (Diana), de Michele Filgate,  es el relato de 17 historias que revelan cómo la relación con nuestra madre nos marca para siempre. Una íntima exploración sobre lo que no hablamos con nuestras madres y cómo nos afecta, para bien y para mal.

En esta colección de ensayos, 17 voces literarias presentan una introspección a corazón abierto sobre lo que significa ser hijo o hija. 

En BAILANDO JUNTOS (Diana), autoría de Joan Garriga, conoceremos cuáles son las dinámicas de fondo, menos conscientes, que nos ayudan a entender lo que pasa en la superficie y en el seno de la familia: cómo se relacionan directamente las madres con sus miembros, qué necesitan comprender y liberar y cómo logran conjuntamente el bienestar y por qué lo logran, cómo superan los problemas y qué contribuye a ello. 

Títulos disponibles en formato físico y electrónico.

CON LETRA GRANDE

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Guillermo Murray, el prototipo del galán clásico de telenovela

CIUDAD DE MÉXICO.– De un choque séptico derivado de la enfermedad de Alzheimer que padecía, el deceso del actor de origen argentino GUILLERMO MURRAY a los 93 años, evoca a uno de los galanes clásicos del género del melodrama en México.

GUILLERMO MURRAY, quien padecía demencia senil desde 2007, destacó por sus interpretaciones en filmes de la Época de Oro del cine argentino, mientras que en México alcanzó gran popularidad en México por su participación en películas y telenovelas.

En televisión sus apariciones fueron extensas desde 1960 con María Guadalupe, a la que le siguieron La Leona, Maximiliano y Carlota, Muchacha de Barrio, Pobre Juventud, El Pecado de Oyuki, María Mercedes, Agujetas de Color de Rosa, Lazos de Amor, Te Sigo Amando, entre otras más.

Estudió literatura por tres años en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad del Litoral, Argentina. Se inició como actor en el teatro en su natal argentina en 1949 con la compañía teatral Teatro de arte dirigida por Esteban Pavón. En 1952 continuó sus estudios de historia del teatro y técnicas de actuación en la Academia de arte dramático dirigida por el maestro italiano Alberto D’Aversa.

En 1960, participó en el Festival de Cine Internacional de Cannes, fue invitado por productores para trabajar en el cine mexicano, radicándose en México desde entonces. Debutó en el cine mexicano en la película El mundo de los vampiros en 1960.

En televisión debutó en la telenovela La Leona en 1961. También trabajó en el teatro como escritor y director. Tuvo cuatro hijos, Guillermo, Alejandro, Rodrigo y Gabriela.

Contrario al carisma y personalidad del primer actor, su hijo Rodrigo exclamó en la funeraria: “Mi papá no la hizo de jamón, se fue bien”.

Hace tres años, el mismo Rodrigo Murray habló así de su padre: “Cumplió 90 años el 15 de junio  y va sábados y domingos a nadar al club, y sí, se le patina a veces la chancla. Tiene demencia senil, que es una de las 90 enfermedades que existen, pero si voy a estar como él cuando cumpla 90, ¿dónde firmo? Físicamente está muy bien, mis padres viajan seis meses al año”.

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El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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“Star Wars: The Bad Batch”, serie de estreno este día por Disney+

HOLLYWOOD.- Ganar una guerra, en qué lado están los buenos y por quién es correcto luchar, es el punto de partida de la espectacular de la nueva serie animada STAR WARS: THE BAD BATCH, que debuta en Disney+, el Día de Star Wars, este día, con un estreno especial de 70 minutos, seguido de nuevos episodios todos los viernes a partir del 7 de mayo.

La serie retoma la historia desde el final de otra serie animada, ya de culto, en el universo de Star Wars, The Clone Wars (2009-2020), que se situó, como marco temporal de la saga, entre las películas Star ‘Attack of the Clones (2002) y Revenge of the Sith (2005). Las guerras de clones en siete temporadas relataron los conflictos en la República Intergaláctica entre el ejército de clones liderados por la Orden Jedi y los ejércitos separatistas de droides.

Guerras orquestadas por el Canciller Palpatine/Sith Lord Darth Sidious, para deshacerse del Jedi y convertir la República en el tiránico Imperio Galáctico. Justo en la séptima temporada, los aficionados del mundo concebidos por George Lucas, habían conocido al equipo de élite, Clone Force 99, creado con ‘réplicas humanas’ ‘modificadas para que adquiriera habilidades únicas, que encontramos como protagonista absoluto en la nueva serie.

Está compuesto por el Cazador coposquadra, capaz de rastrear a cada presa; estratega militar Echo, el especialista en computación tecnológica y armas; el poderoso Wrecker, con más fuerza que cualquier otro clon, el francotirador francotirador rígido.

El equipo se reunirá con una misteriosa niña, Omega y la confrontación cada vez más frontal con el Imperio lleva al grupo a rebelarse y al salir. Un lote de clones, que desde la perspectiva del imperio resulta ser “defectuoso”, como sugiere el título. No faltan los primeros episodios, sorpresas y cameos en los que los fans han estado especulando durante meses.

The Bad Batch es el sucesor espiritual de The Clone Wars – explica Brad Rau, supervisor director y coproductor ejecutivo de The bad Batch, entre otros, a uno de los nuevos hitos creativos del universo de Star Wars, Dave Filoni, director y productor ejecutivo, de producciones como The Clone Wars y The Mandalorian.

“Queríamos honrar su estilo y herencia. Trabajamos mucho en los detalles y nos centramos y ayudó a que el mismo equipo trabajara en gran medida en la serie animada de la saga”.

Dando voz a los miembros de Clone Force 99, como en The Clone Wars, en la versión original hay un actor de voz único, Dee Bradley Baker, leyenda del sector, que en su carrera ha trabajado en más de 300 producciones, de las cuales la gran parte animada, desde Avatar – La leyenda de Aang a Ben 10.

“Los soldados de Bad Batch son un equipo unido y al mismo tiempo no lo son – dice Baker – no siempre obedecen órdenes o actúan juntos como los otros clones”. En la serie “experimentan un momento de transformación” dentro y fuera del equipo, en un universo donde “la guerra ha terminado, pero las implicaciones de vivir bajo el Imperio aún no se entienden del todo. Sentaron las bases para todo lo que sabemos que sucede a continuación”.

La guionista principal de The Bad Batch es Jennifer Corbett (también coproductora ejecutiva), quien anteriormente fue oficial en Marina e hizo su debut televisivo trabajando en NCIS.

“Tener experiencia directa del uniforme, me permitió entender plenamente la dinámica en este equipo. Sé cómo convertirte rápidamente en hermanos y hermanas cuando te envían juntos en una misión. Sé que la camaradería y también se le desahogó que intercambias cuando vives en un contrato cercano con otras personas en situaciones muy estresantes. Esto es lo que quería traer a este equipo, que a pesar de ser soldados de élite son como una familia. Todo manteniendo sus diferentes perspectivas.”

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Los 100 años de Chanel N*5

ROMA.- Chanel N°5, la emblemática fragancia creada por Ernest Beaux para la diseñadora francesa Coco Chanel, cumple cien años y continúa como una de las más elegidas del mundo.

“Un perfume para mujer que sabe a mujer. Sin olor a rosa ni a lirio de los valles. Pero algo elaborado, que queda en ti”: así definía Coco Chanel, en 1920, durante unas vacaciones en la Costa Azul, la que quería que se transformara en “su” fragancia.

Su interlocutor no era otro que el químico Beaux, quien había crecido en San Petersburgo, donde su padre había trabajado par los zares.

Estos dos perfeccionistas trabajaron durante meses para crear un perfume que devino en ícono de excelencia y elegancia.

El nombre surgió porque Beaux le presentó a la diseñadora diez muestras de fragancia y ella optó por la N°5.

El 5 de mayo de 1921 se presentó en sociedad y cien años más tarde se mantiene entre los perfumes más vendidos en el mundo, además de haber sido el único que atravesó un siglo sin haber perdido un ápice de su encanto. Para la ocasión, dos libros reconstruyen los hechos que rodearon su nacimiento y éxito: Coco Chanel. Unica e insustituible, biografía de la periodista Roberta Damiata (Editorial Diarkos) y Chanel N°5. El perfume del siglo, de Chiara Pasqualetti Johnson (Editorial White Star), con fotografías e ilustraciones, que sale a la venta el 5 de mayo próximo en cuatro ediciones internacionales (francés, inglés, italiano y alemán).

El perfume se convirtió en un mito acaso por las palabras de la actriz Marilyn Monroe, cuando en una entrevista en 1952 respondió con franqueza: “¿Qué llevo puesto en la cama? Qué pregunta, Chanel N°5, por supuesto”.

Fue un producto acertado desde el principio, un emblema de esa nueva feminidad que Coco Chanel supo construir con pinceladas de elegancia, imprescindibles vestidos tubo y el uso de tejidos cómodos como el jersey, que hacían libres a las mujeres. Su esencia también tenía que ser así: sin lujos, sin inclinaciones dulces (como estaba de moda en las fragancias y en la idea de mujer por esos años), sino tenaz, independiente, nada frágil.

Según la reconstrucción de Damiata en su libro, la primera en sugerir la idea de un perfume podría haber sido Misia Sert, reina de los salones parisinos, a la que Grabielle (Coco) estaba muy ligada y a quien le debía mucho.

Pero fue en el verano de 1920, cuando el gran duque Dimitri Pavlovich le presentó a Beaux, uno de los primeros químicos que utilizó aldehídos y perfumes sintéticos, que el proyecto pudo realizarse.

Coco quería algo absolutamente diferente, deslumbrante. La inspiración inicial, según el libro, era aparentemente “el olor de la piel en las manos de su madre, lavandera de la Provenza”.

El químico trabajó para ella en un “bouquet” a base de de almizcle y jazmín, que en su momento evocaba provocativamente la sensualidad de cortesanas y prostitutas, creando dos series de muestras numeradas del uno al cinco y del veinte al veinticuatro.

Incluso este procedimiento era revolucionario porque, hasta el momento, solo se habían lanzado perfumes que contenían una sola esencia. La elección de Coco fue la N°5, casualmente, su número de la suerte.

Por eso, decidió lanzar su fragancia el quinto mes del año, en el marco de su nueva colección, y lo llamó, simplemente, Chanel N°5: el primer perfume en la historia que llevó el nombre de su creadora.

La diseñadora era un verdadero genio del marketing mucho antes de que esta disciplina existiera: logró convertir a su fragancia en un objeto de deseo. Diseñó un frasco en cristal casi minimalista (como su idea de elegancia, basada en restar en lugar de agregar), geométrica y racional (en concordancia con las corrientes artísticas del momento). La botella era disonante con las que se comercializaban hasta el momento, absolutamente barrocas.

Sin embargo, no la puso en venta. Fue un regalo para varios clientes adinerados, “un regalo personal que los elevaba a una posición de privilegio “, escribe Damiata.

¿Cuál fue el resultado? Mucho antes de su debut en los escaparates de la boutique ubicada en el número 31 de Rue Cambon, las señoras más “chic” de la alta sociedad parisina competían por tener su Chanel N°5. Y con ese envase llegó también la necesidad de una marca: la famosa doble C que desde aquel momento hizo icónico todo lo que firmó Coco. El resto es historia: desde el nacimiento en 924 de la nueva Societé des Parfums Chanel a las fotos de los soldados estadounidenses que hacían filas durante horas en París para llevar a casa al menos un frasquito de la elegancia y del lujo europeos.

Luego, llegaron las serigrafías de Andy Warhol, inspiradas en las publicidades del perfume. Pero especialmente, la publicidad de la fragancia estuvo, década tras década, en los rostros de las divas que, fotografiadas o dirigidas por grandes maestros, desde Ridley Scott a Baz Luhrmann, durante un siglo prestaron su rostro para esa fragancia única y atemporal.

En las fotos, como un verdadero “archivo Chanel °5”, se ven desde la misma Coco, retratada en Harper’s Bazaar, a las actrices Nicole Kidman y Catherine Deneuve, seguidas por Marion Cotillard, Carole Bouquet, Audrey Tautou y Lily Rose Deep. Y también hay un hombre: el actor estadounidense Brad Pitt.

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China impone murallas al Oscar y a Zhao con poder y contra la cultura

PEKIN.– La República Popular China suspendió de manera indefinida la trasmisión de la ceremonia de los Oscar. Fue una decisión política más que cultural. En los países de partido único la cultura es manejada desde las esferas de poder. Esto no es nuevo. Pero aquí no habrá referencia directa a esta forma peculiar de trabajo cultural.

Una directora china, formada en Londres y radicada en los Estados Unidos, acaba de ganar el premio Oscar a la Mejor Película. Se llama Cloe Zhao, tiene 39 años y es reconocida como una de las cineastas más destacadas y talentosas de los últimos años.

Nacida en Pekín, su padre fue un exitoso ejecutivo del acero y su madrastra lo era la conocida actriz de comedia china Song Dandan.

Zhao abandonó su país natal a los 14 años. A mediados de 1990 se fue a vivir a Inglaterra para estudiar en Brighton, a pesar de que hablaba el idioma inglés con suma dificultad.

Pero a ella le encantaban los desafíos. Triunfó en un país diferente, en una cultura diferente por su manera de entender y hacer suyas las esferas del saber. Era brillante y muy pronto el idioma inglés no fue un obstáculo.

Después de Brighton, se fue a los Estados Unidos, país donde estudió Ciencias Políticas en Massachusetts antes de mudarse a Nueva York, en 2010. Una vez radicada en la Ciudad de los Rascacielos, se integró al posgrado de cine de la Tisch School of the Arts de Nueva York, cuyo director artístico era Spike Lee.

Aquel fue un momento crucial. Comenzó su primer largometraje Songs My Brothers Taught Me, una historia de transición a la adultez filmada en una reserva de nativos norteamericanos en Dakota del Sur, con actores no profesionales.

En medio de la filmación conoció a un jinete de rodeo llamado Brady Jandreau y decidió armar su próxima película en torno a él.

The Rider, estrenada en 2017 (y donde el padre de Zhao figura como Productor Ejecutivo), cuenta la historia de un joven llamado Brady que trata de vivir con las secuelas de un grave accidente de rodeo.

El filme fue elegido como mejor película del año por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de EE. UU. y del programa de cine de BBC Radio 4.

The Rider refinó su sello distintivo, su “art poética” en el cine de estilo neorrealista: elegir personas que no son actores para contar un drama personal emotivo y conmovedor en una forma de realidad ficticia, filmada por lo general en espacios abiertos bañados por la luz dorada del sol y con un entramado social de trasfondo.

Siempre se ha sentido como una extraña. Por eso la atraen personas de la periferia con estilos no convencionales, como los que viven en camionetas y cuyas vidas transitorias, impredecibles pero a menudo libres se documentaron en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de Jessica Bruder adaptado al cine y piedra angular de su filme.

Ese detalle la llevó a conocer la vida de muchos personajes y eligió a algunos para que interpretaran versiones de sí mismos, junto a la protagonista principal Fern, un papel ficticio interpretado por la actriz Frances McDormand.

Nomadland sonó como la gran ganadora del Oscar desde septiembre pasado, cuando se convirtió en la primera cinta en obtener los principales premios en los festivales de cine de Toronto y Venecia. La directora se convirtió en una de los cineastas más famosas de Hollywood.

Su próximo film anunciado se titula Eternals, donde usará voces distintivas para recrear una de las famosas historietas de Marvel, sobre superhéroes inmortales con actuaciones de Angelina Jolie, Salma Hayek, Richard Madden y Kumail Nanjiani.

Zhao no oculta su admiración por el Universo Cinematográfico de Marvel desde hace una década. Eternals aunque parte de los personajes que integran la historieta, tendrá su propia visión. Su estrenará en noviembre. Después de eso, trabajará en una versión de Drácula.

Antecedentes en el cine chino

El cine chino es una industria. En el pasado siglo XX unos pocos maestros asiáticos cruzaron las fronteras nacionales. Eran otros tiempos. Todavía el país no era la segunda potencia económica mundial y se permitían ciertas veleidades en busca de celebridades que contribuyeran a romper el aislamiento comercial de la Gran Muralla. La pequeña isla de Taiwán, como nación independiente, ya se estaba posicionando con nombres como Ang Lee, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Lian y Chung Mong-hong, entre muchos otros.

Frente a ellos, China contó también con un equipo cinematográfico de grandes estrellas. Y dos de ellas también lograron la aclamación mundial: Won Kar-Wai (Hong Kong) y Zhang Yimou.

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Won Kar Wai saltó a la fama en 1997 con Happy Together, un drama sobre una relación sentimental en Buenos Aires entre dos jóvenes emigrantes que sobreviven en un ambiente hostil.

Dos grandes actores chinos, Leslie Cheung y Tony Leung son los protagonistas de esta historia de 98 minutos, llena de poesía de pasión. Wong Kar Wai también estuvo al frente de otros filmes inolvidables como Chungking Express, In the mood of love y 2046.

En todas ellas, a diferencia de Cloe Zhao, crecen historias con temas chinos protagonizados por actores chinos. Igual virtud corresponde a ese otro gran maestro oriental que responde al nombre de Zhang Yimou, quien posee una de las más valiosas filmografías del mundo con obras como Sorgo Rojo (1987), Happy Times (1994), Ju Dou ( 1990), La linterna roja (1991), Ni uno menos (1999), El camino a casa (1999) y Flores de la guerra (2011).

Ninguno de estos grandes maestros pudo acariciar la dorada estatuilla que otorga la academia norteamericana. Quien más se acercó fue Zhang Yimou al ser nominado en 1992 por su cinta La linterna roja como Mejor Película de Habla No Inglesa.

Pero no pasó de una simple nominación. Tampoco esa gran actriz llamada Gong Li integró las listas como Mejor Actriz a pesar de su extraordinario trabajo en cintas como Camino a casa.

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Un infarto acabó con la vida del ex Menudo de 51 años, Ray Reyes

SAN JUAN.- “A todos los que amo: Quizás en el día de hoy pudieras estar haciendo algo que será la última vez que lo hagas. Quizás hoy sea la última vez que nos hablemos y no lo sabemos. Por eso es tan importante que disfrutemos, que nos abracemos, que nos besemos, decirnos gracias, perdón, te quiero, te amo…. porque quizás hoy podría ser la última vez”, puntualizó el cantante RAY REYES en Facebook días antes de su fallecimiento.

El deceso de RAY REYES, ex integrante de Menudo, de 51 años, causó diversas reacciones en el medio artístico y de sus ex compañeros del famoso grupo. La familia del intérprete de éxitos como Si tú no estás solicitó espacio en este momento tan difícil.

El exintegrante del grupo, Ray Reyes, falleció a causa de un infarto al corazón.

Reyes fue uno de los miembros de Menudo en su época dorada. Luego, fue integrante fundador del proyecto El Reencuentro y, más reciente, de Súbete a Mi Moto Tour.

“Nuestro Ray Reyes partió de nuestro plano terrenal. En este momento de dolor, la familia pide espacio. Solicitamos oración para sus familiares, amigos y fans en todo el mundo”, indicó García Acosta en un comunicado.

“Más adelante, cuando tengamos detalles, les estaremos informando. Agradecemos su respeto y deferencia”, agregó.

Reyes falleció en su residencia en Levittown, en Toa Baja. Le sobreviven su hijo Marcos Reyes y su hija Cecilia Reyes.

Reyes debutó en Menudo en 1983, junto a los integrantes Johnny Lozada, Ricky Meléndez, Charlie Massó, Miguel Cancel y Roy Rosselló. En ese momento, sustituyó a Xavier Serbiá, después de acudir al proceso de audiciones en las oficinas de Padosa, en San Juan, a escondidas de sus padres. Reyes era fanático de Menudo y decidió probar suerte a los 11 años de la mano de un primo que lo llevó, según confesó en una entrevista hace casi un año con el abogado y cantante Roberto Sueiro en su programa de YouTube Sueiro directo.

Después de vencer el frío olímpico durante su primera presentación en el antiguo Felt Forum del Madison Square Garden, en Nueva York, se ganó el amor y apoyo de la fanaticada con su melodiosa voz y carisma. Fue así como, meses después de su debut con la agrupación, 105,000 seguidoras del público le cantaron “Las Mañanitas” un día antes de su cumpleaños número 13 durante el emblemático concierto de la agrupación en el Estadio Azteca, en México.

Si tú no estás fue uno de sus temas más emblemáticos con Menudo, pero también dio su estilo a temas populares interpretados por integrantes previos como Tú te imaginas y Quiero ser, que interpretó en portugués durante la época en que el grupo incursionó en el mercado musical de Brasil.

Su arraigo entre la fanaticada brasileña alcanzó tal nivel que meses después de salir de Menudo en 1985, época en la que compartía la agrupación con Charlie Massó, Roy Rosselló, Ricky Martin y Robi Rosa, se mudó a Brasil, donde hizo música en portugués.

Entre los múltiples momento históricos que Ray vivió en Menudo estuvo la entrega de un premio Grammy a Michael Jackson, en 1984.

Poco después de salir de Menudo, volvió a sustituir a Xavier, esta vez, en la agrupación Proyecto M que acogió a varios exintegrantes de la popular agrupación. En ella, permaneció cerca de siete años junto a René Farrait y Johnny Lozada, hasta que se disolvió.

Culminada su carrera, Ray, quien se mantuvo como uno de los más vocales cuando había que reclamar cualquier asunto a nombre de sus excompañeros, se dedicó a poner su voz a comerciales y coros de otros artistas hasta que llegó El Reencuentro, un proyecto del cual fue casi mente fundadora y en el que trabajó con Ricky Meléndez, René Farrait, Miguel Cancel, Charlie Massó, Johnny Lozada.

Reyes confesó que en un principio tenían muy pocas expectativas con el proyecto y los planes eran hacer una función en el Centro de Bellas Artes. Sin embargo, tuvo tal acogida que terminaron vendiendo siete coliseos Roberto Clemente y realizando una gira ininterrumpida de dos años y múltiples conciertos por Latinoamérica.

Tuvo varios conflictos legales por conducir en estado de embriaguez, en uno de ellos ocurrido en 2013, fue sentenciado a cumplir con el Programa de la Administración de Servicios de Salud Mental y Contra la Adicción (Assmca).

Su última presentación en concierto en Puerto Rico fue en septiembre de 2019, cuando -junto a Ricky Meléndez, René Farrait, Miguel Cancel y Johnny Lozada- fue parte del “Subete a mi moto tour”, que produjo José Dueño. Durante los días previos al evento, tuvo un encontronazo “virtual” con Jorge “Molusco” Pabón, Alí Warrington y Pamela Noa, luego que estos hicieran comentarios jocosos sobre la apariencia física del cantante en el programa “Los reyes de la punta”.

Con el “úbete a mi moto tour” los exMenudos tenían pautada una gira por Estados Unidos y Latinoamérica, pero apenas pudieron completar sus compromisos a casa llena en Orlando y Atlanta, pues se declararon los cierres y cancelaciones de eventos por la pandemia.

Reyes fue un crítico de la reciente serie “Súbete a mi moto”, sobre la banda latina Menudo a través de Amazon Prime Video. Reyes explicó en octubre del 2020 que la producción estuviese completa si alguien le hubiese preguntado sobre “la felicidad de haber sido integrante, la tristeza y presión a esa edad… y las cosas hermosas que viví junto a las cosas horribles que también viví”.

Para el exmiembro del grupo, la narrativa de la serie se armó al revisar los medios de comunicación de la época y ver videos de presentaciones del pasado y desde la experiencia del fundador y creador de Menudo, Edgardo Díaz.

A finales de septiembre pasado, fue uno de los exMenudos más vocales tras conocer el estado de salud del también exintegrante de Menudo y de MDO Anthony Galindo, quien finalmente falleció el 3 de octubre.

Mientras, el pasado 21 de abril, el cantante, que había expresado su dolor por la muerte de Myraida Chaves, escribió un texto en sus redes sociales en el que exhortaba a sus seguidores a disfrutar cada instante de la vida porque “quizás hoy podría ser la última vez”.

Su última presentación en concierto en Puerto Rico fue en septiembre de 2019, cuando -junto a Ricky Meléndez, René Farrait, Miguel Cancel y Johnny Lozada- fue parte del “Subete a mi moto tour”, que produjo José Dueño. Durante los días previos al evento, tuvo un encontronazo “virtual” con Jorge “Molusco” Pabón, Alí Warrington y Pamela Noa, luego que estos hicieran comentarios jocosos sobre la apariencia física del cantante en el programa “Los reyes de la punta”.

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Operación Mamut, estreno del Once

El humor político se hace presente en OPERACIÓN MAMUT, por la telera nuestra y abierta de Canal Once, este domingo a las 22:00 horas, bajo la conducción de Fernando Rivera Calderón, Nora Huerta y Jairo Calixto.

OPERACIÓN MAMUT incluirá las noticias del día a día, la materia prima de una puesta en escena crítica y divertida sobre el acontecer nacional e internacional de los principales temas de la coyuntura actual del país.

En esta primera entrega de 13 episodios, la tercia de conductores abordarán temas de la agenda nacional, personajes de la sociedad mexicana y se adentrarán en temas que ayuden a entender las problemáticas más apremiantes de la clase política.

Desde Fake News hasta los sucesos más importantes de la esfera política, son los temas que se mostrarán para entender la actualidad cultural, social y política.

Acompañados del Tiranoclaudio X, la serpiente emplumada y una gran cabeza olmeca que habla como maya, este proyecto promete exponer de forma clara los temas que nos afectan a todas y a todos como mexicanos.

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Britney Spears hará sonar su voz en junio para liberarse de su padre

LOS ANGELES.- BRITNEY SPEARS hace sonar su voz en la batalla legal contra su “padre maestro”. Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante “tiene la intención de hablar en persona ante el tribunal”.

Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante de 39 años “tiene la intención de dar a conocer su versión el 23 de junio sobre la protección de su padre Jamie Spears durante años.

La historia es intrincada: desde 2008, después del grave y público colapso nervioso de su hija (sus fotos con la cabeza rapada habían dado la vuelta al mundo), Jamie se ha convertido en el guardián legal de la herencia y carrera de Britney, un papel por el que se dice que le pagan unos 130 mil dólares al año. El término legal en California es “conservadurismo” y varios expertos legales habían tenido sus narices retorcidas porque este tipo de protección se aplica generalmente a aquellos que tienen trastornos mentales o son ancianos.

Durante años Britney no había discutido la situación. Todo había cambiado el año pasado cuando su abogado dijo en la corte que la estrella del pop estaba “fuertemente en contra” de la protección paterna y que ya no cantaría en público si las cosas no hubieran cambiado. Jamie respondió que la fortuna en manos de Britney ha crecido gracias a su agudeza financiera: de números rojos hace una década a 60 millones de dólares en la última valoración de Forbes.

La batalla legal de los tribunales había salido a las calles. Manifestantes del movimiento #FreeBritney, que ha cosechado membresías, desde Cher hasta Paris Hilton, desde Miley Cyrus hasta la Unión Americana de Libertades Civiles, también se habían congregado ayer frente al Palacio de Justicia de Los Angeles mientras otros fans se reunían en Londres para ponerse del lado de la cantante.

Según sus defensores, después de la crisis nerviosa, la carrera de la estrella del pop despegó de nuevo y Britney está de vuelta en la cresta de la ola: apareció en la serie How I Met Your Mother, lanzó el sencillo y video Womanizer que dio el ascenso a las listas, recorrió el mundo y trajo a Las Vegas un espectáculo que se agotó.

Además de ser jueza en X Factor, publicitaba perfumes y una línea de ropa interior. Por último, el documental New York Times se estrenó en FX y Hulu a principios de este año: además de seguir la carrera de la cantante, primero como estrella infantil y luego como una adolescente prodigio del pop, la película dirigida por Samantha Stark se centra en los recientes intentos de Spears de liberarse de la protección paterna.

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Con Letra Grande: “El cerebro afirmativo del niño”

EL CEREBRO AFIRMATIVO DEL NIÑO (Editorial Vergara, 249 páginas) es un libro que ayudará a nuestros hijos a ser más resilientes, autónomos y creativos, justo en el Día del Niño, cuyo autoría corresponde a la dupla formada por el neurocientífico DANIEL J. SIEGEL y la psicoterapeuta TINA PAYNE BRYSON.

Autores de El cerebro del niño, ambos especialistas brindan en este libro valiosos consejos, instrucciones y actividades para “resetear” el cerebro en desarrollo del niño de cualquier edad y fomentar su curiosidad y equilibrio emocional, su resiliencia y su empatía.

“Quiero muchas cosas para mis hijos: felicidad, fortaleza emocional, éxito académico, habilidades sociales y un fuerte sentido de sí mismo, entre otras. ¿Por dónde empezar?”

Nos hacen una pregunta parecida dondequiera que vamos. Los padres quieren ayudar a sus hijos a arreglárselas solos y a que sean capaces de tomar las decisiones adecuadas, incluso cuando la vida les plantee un desafío. Quieren que se preocupen por los demás, pero que sepan defenderse. Los quieren independientes, pero también capaces de mantener relaciones satisfactorias. No quieren que se hundan si las cosas no les salen bien.

¡Uf! Es una larga lista que implica mucha presión para nosotros como padres (o profesionales que trabajamos con niños). ¿En qué debemos centrarnos?

Un cerebro afirmativo dtiene cuatro características básicas:

*Equilibrio, capacidad de dominar las emociones y el comportamiento, para que los niños tiendan menos a perder los estribos y a descontrolares.

*Resiliencia, capacidad de recuperarse de los problemas y las luchas que inevitablemente surgen en la vida.

*Perspicacia, capacidad de estudiarse, entenderse y de emplear luego lo aprendido para decidir mejor y tener más control sobre la propia vida.

*Empatía, capacidad de ponerte en el lugar de los demás y que te importe lo suficiente para mejorar las cosas si hace falta.

En EL CEREBRO AFIRMATIVO DEL NIÑO se ayuda a los niños a aceptar el mundo, animarlos a estar abiertos a nuevos desafíos, oportunidades, aceptar lo que son y todo lo que pueden llegar a ser, aportarles un cerebro afirmativo.

Un cerebro afirmativo es algo más que una forma de pensar o un modo de entender el mundo. Es ambas cosas, por supuesto, y por eso proporciona al niño una brújula interna que lo ayuda a afrontar los desafíos de la vida con seguridad y entusiasmo, la base para ser fuerte de dentro afuera, pero es también un estado neurológico que emerge cuando el cerebro se involucra de cierta manera.

El cerebro afirmativo se debe a la actividad neurona de una región del cerebro llamada corteza prefrontal, un área que vincula muchas regiones entre sí, que maneja el pensamiento de orden superior y que se ocupa de la curiosidad, la capacidad de recuperación, la compasión, la perspicacia, la apertura de miras, la resolución de problemas e incluso la moralidad.

UNA FRASE:

“Fomentar un cerebro afirmativo no consiste en decirles a los niños que sí siempre. No es ser permisivo, ni ceder, ni evitarles las decepciones, ni sacarlos de los apuros. Tampoco es crear un niño obediente que obedezca mecánicamente a sus padres sin pensar por sí mismos. Al contrario. Es ayudar a los niños a que empiecen a darse cuenta de quiénes son y en quiénes se están convirtiendo, de que pueden superar la desilusión y la derrota y elegir una vida llena de vínculos y significados”.

Cannes no se da por vencido; del 6 al 17 de julio anuncia su Festival

PARÍS.– Pese a la pandemia, se confirmaron las fechas del FESTIVAL DE CANNES 2021, del 6 al 17 de julio, con la presencia de famosos, estrellas y grandes autores, según Variety.

Luego de la cancelación en el último minuto del año pasado, se está preparando un gran comienzo para Cannes 2021, con Spike Lee como presidente del jurado y la apertura a cargo de la producción ANNETTE, un musical de Leos Carax,con Adam Driver y Marion Cotillard.

Destaca el film Competición oficial, comedia con Antonio Banderas y Penélope Cruz, dirigida por el dúo argentino Mariano Cohn y Gastón Duprat, que podría ser, según Variety, un título de primer nivel (también predicado en el Lido). También está en la carrera Benedetta de Paul Verhoeven con Virginie Efira como una monja lesbiana en la Italia renacentista.

Desde Francia la película en blanco y negro de Jacques Audiard PARIS, 13th DISTRICT, basada en Kipling and Dying del dibujante neoyorquino Adrian Tomine con la historia de cuatro jóvenes amigos, a veces amantes, y a menudo ambos.

Julia Ducournau con TITANE, el drama de terror protagonizado por Vincent Lindon como un padre cuyo hijo reaparece en un aeropuerto después de desaparecer durante diez años; Claire Denis con FEU, con Juliette Binoche como una mujer dividida entre dos hombres, su pareja de toda la vida (Vincent Lindon) y su mejor amiga. También se habla de Mia Hansen-L›ve con BERGMAN ISLAND, melodrama sobrenatural con Mia Wasikowska, Tim Roth y Vicky Krieps, sobre un par de directores estadounidenses que viajan a la isla sueca de Faro para escribir sus respectivas películas, y Emmanuelle Bercot con DE SON VIVANT, un drama que cubre un año en la vida de un enfermo terminal, una madre afligida, un médico y una enfermera , con Catherine Deneuve, Benoît Magimel y Cécile de France.

La selección oficial de este año también podría presumir de WHERE IS ANNE FRANK, un largometraje animado de Ari Folman, cuyo documental Waltz With Bashir debutó en competición en 2008. Folman, a quien se le ha concedido acceso a los archivos de la familia Frank, sigue la historia de Kitty, la amiga ficticia de Ana Frank, que se despierta hoy en Ámsterdam después de un milagro y viaja a través de Europa para averiguar qué le pasó a Anne en los últimos siete meses de su vida.

Otros directores también están bien posicionados para el estreno mundial en Cannes 2021.

Este es el caso de Joachim Trier con LA PEOR PERSONA DEL MUNDO; LA FRACTURE de Catherine Corsini y TOUT S’EST BIEN PASSÉ de Francois Ozon, una película sobre la eutanasia basada en el libro del mismo nombre de Emmanuelle Bernheim, con Sophie Marceau. Algunas películas francesas, señala Variety, serían predicadas para Venecia, en particular LOST ILLUSIONS de Xavier Giannoli, una adaptación del clásico literario de Honoré de Balzac; y EN UNA MEDIA MAÑANA DESPEJADA por Bruno Dumont con Lea Seydoux y Blanche Gardin, sobre un famoso periodista cuya vida fue interrumpida por un extraño accidente automovilístico. La selección oficial del Festival de Cannes se dará a conocer el 27 de mayo.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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