En un Festival de Venecia inédito, Michel Franco ganó el León de Plata

VENECIA. – El director mexicano MICHEL FRANCO se quedó con el León de Plata del jurado por su filme Nuevo orden en la 77 edición del Festival de Cine de Venecia, mientras que Nomadland, de la directora chino-estadounidense Chloe Zhao, ganó el León de Oro a Mejor Película.

Franco ganó este fin de semana el León de Plata, también conocido como el Premio del Jurado por su nueva película Nuevo orden, protagonizada por Diego Boneta, acompañado por Dario Yazbek y Patricia Bernal.

El filme protagonizado por Frances McDormand narra el viaje de una mujer sexagenaria por el oeste norteamericano en la época de la Gran Depresión.

Zhao y McDormand participaron por videoconferencia, ya que no pudieron viajar debido a las restricciones del coronavirus.

La primera gran muestra internacional de cine de la era Covid-19, finalizó entre las aclamaciones de críticos, cineastas y actores a los organizadores por atreverse a realizar la muestra en medio de la pandemia y demostrar cómo se puede regresar al cine con seguridad.

El final de la ceremonia de cierre de la Muestra, en Sala Grande, con el anuncio de las fechas futuras dieron un sentido a la esperanza, aquella de que siente un poco un sobreviviente al observar el mañana.

Se sabía de antemano que el Covid-19, con las angustias por la pandemia que constriñen desde hace meses a no imaginar un futuro, sería una presencia difícil de manejar, protagonista, en toda la cita y ahora que finalizó un sentido de liberación, de satisfacción, de orgullo por haberlo logrado, más allá del veredicto que distinguió a “Normadland” de la directora china Chloe con el León de Oro y dejó un saber amargo en la boca del cine italiano, caracterizó la ceremonia de cierre.

El reciente presidente de la Bienal, Roberto Cicutto, lo dijo abiertamente luego de haber agradecido a todos, desde el director Alberto Barbera a los jurados, de los periodistas a los trabajadores del protocolo anti-Covid. “Fue una muestra realizada en condiciones esperamos irrepetibles”, manifestó Cicutto anunciando la apertura desde el lunes de la Bienal teatro y luego música y danza.

La gala estuvo perfectamente en línea con todo aquello que fue la Muestra del cine 2020: una emoción particular -una película inicial en blanco y negro con el Palacio del cine, actores, público, policías todos con barbijos algo que quedará en la historia- para un período que está cambiando nuestra existencia, una serie de videomensajes con los tantos vencedores presentes como en conexión Zoom de todo el mundo, se desarrollaron las conferencias de prensa, las declaraciones de amor al cine en sala al tiempo mismo de retóricas y sinceras (de la madrina Anna Foglietta, por ejemplo. “Aquí se hizo historia”, los agradecimientos y las proclamas confusas(la portuguesa Ana Rocha de Susa incontenible) sobre la estela de la conmoción como en cada ceremonia final.

Fue un León de Oro a distancia, de hecho desde la calle, porque desde Rose Bowl de Pasadena al van de Normadland se conectó una irónica Frances McDormand junto a la directora Chloe Zhao (podría ser la primera mujer asiática en conseguir la candidatura al Oscar por la dirección) agradeciendo por el premio y dedicándolo a los nómades de América narrados en el filme, “cada respiro de alguno de ellos es parte de la película”. Michel Franco, el director mexicano del distópico Nuevo Orden, vencedor del “segundo” premio, el Gran premio del jurado, entrado en el Palacio del cines con toda la numerosa y festiva delegación, pareció acoger con frialdad la noticia (acaso esperaba el León de Oro), pero luego en el escenario habló de la actualidad del filme que terminó por hablar del futuro en absoluto del presente.

“Lo empecé a preparar seis años atrás, luego estuve en Francia, los chalecos amarillos y las revueltas en Chile, Colombia, aquellas en Estados Unidos de Black Lives Matter y después la pandemia que cambió aún más las cosas y Nuevo Orden estaba ya cercano a la realidad”, dijo.

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Almodóvar con “The Human Voice”, se suma fuera de concurso este año al Festival Internacional de Venecia

ROMA.– El filme más reciente del realizador español PEDRO ALMODÓVAR, The Human Voice y la ópera prima de la actriz afroamericana REGINA KING, One Night in Miami, se suman como películas fuera de concurso al programa de la 77a edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, que tendrá lugar del 2 al 12 de septiembre.

Un refinado soliloquio de una mujer y un filme político sobre una noche en la ciudad de Miami envuelta en el racismo son los temas centrales de estas novedades que, de seguro, no serán las últimas de la Mostra.

También el concurso, por ahora con 18 títulos, tendrá novedades en una edición creada bajo el influjo de la pandemia de coronavirus y, por lo tanto, más que nunca sensible a variaciones.

El filme de Almodóvar, rodado y montado en tiempo récord, está inspirado en el libro The Human Voice, escrito por Jean Cocteau (tuvo dos adaptaciones: El amor, 1948 y La voz humana, 2014) y protagonizado por Tilda Swinton.

La película aborda la historia de una mujer desesperada que espera el llamado telefónico de su amante, quien acaba de abandonarla. Luego lo llama y desarrolla un atormentado y loco monólogo ya que jamás se escucha la voz del hombre.

Entre las curiosidades de esta breve obra -dura solo 30 minutos- figura que es la primera en inglés del cineasta español y que satisface un viejo deseo, el de trabajar sobre la pieza de Cocteau. Sin embargo, siguen sin cambios la producción, a cargo de El Deseo; la dirección fotográfica, de José Luis Alcaine, y la banda sonora, de Alberto Iglesias. “Estoy entusiasmado con volver a Venecia en este año especial, con el Covid-19 como invitado involuntario. Todo será diferente y no veo la hora de descubrirlo personalmente”, dijo Almodóvar a la prensa.

Además, dijo que “es un honor acompañar a Tilda en un año en que recibirá un premio muy merecido (el León de Oro a trayectoria)”.

“Para ser sincero, The Human Voice es un festival de Tilda, un resumen de sus infinitos y variados registros como actriz. Fue un espectáculo dirigirla”, afirmó el cineasta.

Bien distinta es One Night in Miami, de la actriz afroamericana Regina King. La noche a la que hace referencia es la del 25 de febrero de 1964, cuando un joven Cassius Clay se había transformado en el nuevo campeón de los pesos pesados del boxeo en el Miami Beach Convention Center. Clay, sorpresivamente, había derrotado a Sonny Liston. Pero mientras todos se preparaban para celebrar su victoria, el campeón fue obligado a abandonar la ciudad por las leyes de Jim Crow sobre la segregación racial.

El futuro Mohammed Alí pasó la noche en el Hampton House Motel en el barrio negro de Miami junto a tres de sus amigos más cercanos, el activista Malcom X; el cantante Sam Cooke y la estrella del fútbol estadounidense Jim Brown.

Una noche aquella que, seguramente, pesó en la vida de esos cuatro amigos negros y en su voluntad de construir un mundo más justo.

El director artístico del festival, Alberto Barbera, sostuvo que “el film de Regina King no podría estar más en sintonía con los acontecimientos de los últimos meses y con la necesidad de combatir toda forma de racismo que todavía prospera en nuestras sociedades”.

“Estamos felices de que Venecia pueda contribuir a difundir un film importante por sus contenidos y que confirma el talento de una gran actriz en su debut como realizadora”, agregó. King, ganadora de un Oscar por If Beale Street Could Talk (2018), es famosa en la pantalla chica por series como Southland y American Crime. “Me pellizqué cuando supe que había sido seleccionada para la Mostra de Venecia, un festival tan prestigioso. Estoy feliz de anunciar otra etapa en el viaje de esta película”, sostuvo la actriz.

Los derechos mundiales de distribución de One Night in Miami fueron adquiridos por Amazon Studios.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Musicales, la pasión y el legado del cineasta Alan Parker, quien falleció a los 76 años

LONDRES.- El realizador británico ALAN PARKER, director de películas como Midnight’s Escape (Expreso de medianoche), Mississippi Burning, Will be Famous y Evita, murió a los 76 años . El British Film Institute dio a conocer que el cineasta falleció después de una “larga enfermedad”. 

PARKER estaba orgulloso de su título de baronet, otorgado por la reina Isabel en 2002 para coronar una carrera exitosa, pero estaba igualmente orgulloso de sus orígenes humildes y el acento cockney, que lo exhibió casi como un signo distintivo. ALAN PARKER era un británico de pura sangre nacido y criado en el suburbio londinense de Islington, de madre costurera y padre pintor de casas. 

En la escuela no era un alumno modelo, pero con tenacidad se aplicó en materias científicas y cosechó elogios entre sus compañeros de clase por su habilidad como narrador, a gusto con los géneros más diversos. Le gustaba la fotografía y amaba la música, especialmente la estadounidense traída por los marines a Inglaterra, tal como nació, en 1944, el año del Día D. A los 18 años abandonó el estudio para ganarse su libertad como mensajero en una agencia de publicidad: él no lo sabía, pero habría sido su suerte, ya que pronto todos lo apreciaron como redactor y narrador.

Uno de los primeros en darse cuenta de esto fue uno de los grandes productores de su generación, Alan Marshall, quien junto con David Puttnam habría sido su amigo y pigmalión. Gracias a Marshall, de hecho, habría diseñado y dirigido sus primeros comerciales y luego se habría convertido en el socio creativo de una de las agencias más buscadas en el mundo anglosajón.

“En ese momento, dijo Parker, ya no había una industria cinematográfica inglesa; después de la última ola de ‘enojo’ a principios de la década de 1960, fue el turno de anunciantes como yo que se convirtieron en directores gracias a los comerciales con los que tenían pasado el desorden “. 

Después de muchos premios en publicidad y un buen debut como guionista gracias a David Puttnam (Melody de 1971), para Parker como para Ridley Scott y Hugh Hudson, el momento de su debut como director llega en 1976: elige un camino propio, que del musical ambiental estadounidense pero todos actuaron y para niños, Little gangsters. 

El protagonista es la generación de gángsters de prohibición como Al Capone y Bugsy Malone, pero sus armas se tuercen en la cara y explotan bocanadas. Los actores en ciernes son Jodie Foster y Scott Baio, la música es de Paul Williams, quien también se encuentra entre los adultos a quienes se confían las canciones. “Siempre me ha encantado trabajar con niños y adolescentes”, dijo el director, porque siempre te dan algo que no esperas. Pero no tengo reparos en admitir que con esa primera película quería sobre todo subvertir algunas reglas del género musical y hacerme notar en Hollywood “.

Vale la pena una invitación al festival de Cannes para Parker, la llamada en espera a Hollywood y el contrato para el posterior Midnight Escape con Brad Davis y John Hurt. Marshall y Puttnam producen, el guionista escribe al novato Oliver Stone, el thriller de la prisión (basado en una historia real) viaja por el mundo, corre por seis Oscar y gana dos por el guión y la música de Giorgio Moroder.

Dos años después, sin embargo, Parker vuelve a su género favorito, el musical con otra película de culto: Serán famosos (1980) ambientada en la escuela de música y danza más famosa de Nueva York con Irene Cara entre un enjambre de debutantes talentosos. “No quería la película musical habitual en la que la acción se detiene para que la gente cante”, dijo Parker, sino una verdadera odisea de jóvenes músicos enfermos de pasión, vida, Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos), desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale) hasta el horror (el visionario Angel Heart, con Al Pacino). 

Pero la música sigue siendo su verdadera pasión y obsesión: Pink Floyd the Wall, Evita, Los compromisos (quizás su película más querida). Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos); desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale ) hasta el horror (Angel Heart, con Al Pacino).

Su formidable habilidad técnica, el ritmo milimétrico con el que dirige cada escena, la sabiduría con la que maneja a los actores como en una coreografía al estilo del Hollywood más clásico, son los signos que lo hacen siempre reconocible incluso en la diversidad de opciones narrativas. 

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Guillermo del Toro comienza a filmar “Nightmare Alley” en set “aséptico”

SAN DIEGO.– El cineasta mexicano GUILLERMO DEL TORO rodó las primeras tomas de Nightmare Alley, protagonizada por Cate Blanchett y Bradley Cooper, en un set aséptico como un quirófano, atendiendo a las restricciones impuestas por la pandemia.

Realizar una película durante esta emergencia es como “rodar en un gran quirófano. Debe estar esterilizada, tener todas las condiciones ‘clínicas’ pero al mismo tiempo tiene que permitir que comience el carnaval”, sostuvo Del Toro sobre la filmación de su nuevo thriller psicológico, que también cuenta con la actuación de Rooney Mara.

El realizador mexicano, ganador de dos premios Oscar en 2018 por La forma del agua, habló con la prensa en el panel que compartió con Scott Cooper –director de un esperado thriller de terror, Antlers, producido por Del Toro- en el marco de la Comic-Con 2020, que habitualmente se realiza en San Diego y este año se celebra de manera virtual por la pandemia.

En Comic-con@home se pueden seguir los eventos y conferencias de la Convención Internacional de comics, que también presenta adelantos de nuevas series y películas.

Filmar en tiempos de coronavirus “hace que todo sea diferente, incluso el modo en el que organizas a los extras en el set y cómo los involucras. Normalmente se hace a diario, pero ahora tienen que ser contratados durante varias semanas, aun cuando haya días en que no tienen escenas”, explicó Del Toro. Detalló que eso “se hace para evitar que durante sus pausas de rodaje vayan a trabajar en otras películas y luego deban permanecer en cuarentena antes de poder volver al set. Deben ser ‘monógamos’ con el proyecto”.

El director de El laberinto del Fauno reflexionó sobre la situación actual por el coronavirus.

“Pienso que esto durará meses y la elaboración será interesante. Para mí, hacer películas consiste en extraer belleza de la adversidad”, afirmó. Nightmare Alley, basada en la novela homónima que William Lindsay Gresham, publicó en 1946, está protagonizada por Stan (Cooper), un ladrón que se asocia con una psiquiatra (Blanchett) para convencer a las personas de que les confíen su dinero.

La novela tuvo su primera adaptación en 1947, dirigida por Edmund Goulding e interpretada por Tyrone Power, Joan Blondell y Coleen Gray. “Es una bendición tener a este elenco pero continuamente tenemos que programar los rodajes porque todos ellos son muy requeridos y tratan de conciliar con sus otros compromisos”, relató el cineasta. “Sin embargo, considero que para cada problema en cada film hay una solución satisfactoria. A veces no resulta fácil verla pero creo que hallamos la clave para hacer funcionar todo”, sostuvo.

Del Toro comparó la preparación de una película con el lanzamiento “de una nave espacial: por más detallista que seas en el momento de la cuenta regresiva siempre te invade el terror de que todo explote, y es una sensación que te queda por cierto tiempo”.

En tanto, Antlers –cuyo estreno estaba previsto en abril pasado y por la pandemia se pospuso para el 19 de febrero de 2021-, está protagonizada por KeriRussell (The Americans) y reinterpreta en una historia contemporánea al “wendigo”, figura demoníaca que pertenece a la mitología de los pueblos originarios estadounidenses.

“Es considerado un espíritu que refleja la venganza contra el género humano que abusa de la naturaleza”, sostuvo Cooper, director de películas como Crazy Heart y Hostiles.

“Ciertamente, continuamos abusando de la Madre Tierra, así como abusamos de los nativos americanos”, reflexionó. El objetivo de Cooper era rodar un filme “desconcertante, con un componente humano y emotivo muy fuerte pero también aterrorizante”.

Del Toro, productor de la película, sostuvo que un componente que amó del mito del wendigo “es que cuanto más desea más insaciable se vuelve y cuanto más desea más débil deviene. Me parece una metáfora perfecta de la insaciabilidad que existe hoy y de la privación permanente de todo aquello en lo que creemos”.

El cineasta mexicano, por último, habló de su pasión infinita por todos los géneros del cine.

“Walt Disney, Alfred Hitchcock y Luis Buñuel son los directores que más cuentan para mí y considero que actualmente, los hermanos Coen son los mejores realizadores vivos. Son excelentes narradores de historias y tienen mucho misterio”, concluyó.

POR FRANCESCA PIERLEONI/ ANSA

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Asmático, Martin Scorsese teme por su vida si se contagia de Covid-19

NUEVA YORK.- “He estado sufriendo de asma toda mi vida, y este virus aparentemente ataca los pulmones con más frecuencia que cualquier otra parte del cuerpo. Me di cuenta de que realmente podía respirar por última vez en esa habitación de mi casa que había sido un refugio y ahora se había convertido en una especie de fortaleza, y comenzaba a sentirme como mi prisión. Me encontraba solo, en mi habitación, viviendo de respiración en respiración”, es lo que el reconocido cineasta MARTIN SCORSESE, de 77 años y asmático desde hace varios años, confiesa en una entrevista con el director de La Civiltà Cattolica, padre Antonio Spadaro.

“En febrero, cuando me di cuenta de que todo se detenía, de que había una ‘pausa’, mi esposa y yo hemos mantenido la cuarentena, quedarnos en casa por un período de tiempo indefinido, y al cabo del tiempo la ansiedad se aparece constantemente. Es una nueva forma de ansiedad. La ansiedad de no saber nada, simplemente nada “, continúa Scorsese. 

“Entonces, algo vino, aterrizó en mí y dentro de mí. No puedo describirlo de manera diferente. De repente, vi todo desde un punto de vista diferente y mejor. Sí, todavía no sabía qué pasaría, pero nadie lo sabía. Podría haberme enfermado y nunca más haber salido de esa habitación, pero si hubiera sucedido, no podría haber hecho nada.

“Todo se volvió más fácil”, dice el director ganador del Oscar, y sentí una sensación de alivio. Y esta conciencia me trajo de vuelta a los aspectos esenciales de mi vida. A mis amigos y a las personas que amo, a las personas que tengo que cuidar, concluyó “.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“Parásitos” y Bong Joon Ho ganan Oscar histórico e inédito para Corea del Sur

LOS ÁNGELES.- PARÁSITOS, del realizador surcoreno BONG JOON HO, hizo historia para un filme de habla no inglesa y se llevó el Oscar a Mejor Película, así como Mejor Película Internacional, Mejor Dirección y Guion Original, dejando en el camino a 1917 de Sam Mendes, un cambio que tardó 92 años en llegar pero que al fin se consumó.

Las estatuuillas cantadas para Joaquin Phoenix, como Mejor Actor por Joker así como a Resee Whiterspon por Judy, y tres premios Oscar para 1917 de Sam Mendes, Sonido, Fotografía y Efectos especiales. Para Joker el reconocimiento a la mejor banda sonora original y el Mejor Actor de Reparto para Brad Pitt por Érase una vez en … Hollywood por Quentin Tarantino.

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OTROS PREMIOS:

Mejor Cortometraje Documental es para Carol Dysinger y Elena Andreicheva’s Learning to skateboard in warzone (si eres una niña) .

Mejor Edición de Sonido es para Donald Sylvester por la película Le Mans ’66 – El gran desafío (Ford v Ferrari)

Toy Story 4 de Josh Cooley ganó el Oscar a la mejor película de animación .

Hair Love , dirigida por Bruce W. Smith, Matthew A. Cherry y Everett Downing Jr. ganó el Oscar al mejor cortometraje animado

Mejor Guión Adaptado es para Taika Waititi para Jojo Rabbit.

La ventana de los vecinos , dirigida por Marshall Curry, gana el Oscar al Mejor Cortometraje.

Mejor Escenografía para Barbara Ling (diseño de producción) y Nancy Haigh (decoración del escenario) para Érase una vez en… Hollywood, de Quentin Tarantino.

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Mejor Actriz de Reparto para Laura Dern por Story of a Wedding.

LAS DISPUTAS:

En la alfombra roja, Natalie Portman rindió homenaje a las mujeres directoras rechazadas en los premios de este año: la capa que llevaba la actriz, una de las presentadoras de los premios, había bordado los nombres de los directores en los bordes. considerado este año, incluyendo a Greta Gerwig (Mujercitas), Lorene Scafaria (Hustlers) y Lulu Wang (The Farewell).

“Me dijeron que solo tenía 45 segundos aquí, 45 segundos más de lo que el Senado le dio a John Bolton esta semana”, dijo Brad Pitt en la ceremonia del Oscar, recibiendo el Premio al Mejor Actor de Reparto en Érase una vez … en Hollywood . Brad Pitt acusó al Senado de mayoría republicana de bloquear el testimonio del ex asesor de seguridad nacional Bolton durante el juicio por el juicio político al presidente Donald Trump. Entre bastidores, Pitt volvió a sus comentarios sobre Bolton: “Estaba muy decepcionado. Cuando los juegos bloquean la verdad, es un día muy triste, no debemos dejarlo pasar”.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“1917”, “Parásitos”, Joaquin Phoenix, Renee Zellweger, por el Oscar 2020

Richard Markson y Józef Olechowski, por Escenarios de Canal 22, hoy 17.30 hrs.

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Ciclo Fellini a 100 años de su nacimiento desde este domingo por Canal 22

Este año el mundo del cine celebra el centenario del nacimiento del realizador italiano Federico Fellini (20 de enero de 1920) y para sumarse a los festejos, el Canal Cultural de México, el Canal 22, transmitirá dos de sus filmes imprescindibles.

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Esta programación especial inicia este Dominguito Sagrado a las 22:00 horas, con la película Las noches de Cabiria.

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Ella, Cabiria, es una prostituta que sueña con encontrar el amor verdadero y que permanece fiel a su ideal a pesar de que pasa por varios desengaños, ya que los hombres suelen estafarla y maltratarla. Con esta cinta, Fellini consolidó su fama internacional al ganar su segundo Óscar (Mejor película de habla no inglesa, 1957), al tiempo que la actriz Giulietta Masina, su esposa y uno de los rostros más constantes en su filmografía, fue galardonada en Cannes como Mejor Actriz.

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El lunes 20, a las 22:30 horas, Canal 22 presenta Julieta de los espíritus. Protagonizada también por Giulietta Masina, en esta cinta de 1965 da vida a Julieta, una mujer celosa que asiste a reuniones espiritistas con la finalidad de recuperar el amor de Giorgio, su marido; es así como conoce a Susy, quien termina por volverla más desconfiada.

Cuando parece que Julieta ha olvidado las sospechas de adulterio de su esposo, descubre que éste tiene una aventura con una joven modelo, hecho que marca el inicio de una serie de voces y visiones que la perseguirán recordándole que su padre hizo lo mismo que Giorgio

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Todo Hermosillo en ciclo homenaje de Canal 22 al cineasta mexicano

En homenaje al recientemente fallecido cineasta mexicano JAIME HUMBERTO HERMOSILLO, considerado un referente indiscutible en la historia del cine nacional, el Canal 22 ha preparado un especial programático que incluye programas de semblanza y entrevistas, así como un ciclo de cine, hasta el próximo sábado 18 de enero.

JAIME HUMBERTO HERMOSILLO, formó parte en la década de los setenta de la oleada de directores que con sus propuestas cambiaron los paradigmas y temáticas del cine nacional de la época.

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Este día se proyectará a las 22:30 horas la cinta NAUFRAGIO. Lety (María Rojo) comparte la renta del departamento en el que vive con la señora Amparo, quien ha buscado a su hijo Miguel Ángel durante dos años, desde que se fue, aparentemente como marinero, con la intención de recorrer el mundo. Debido a la convivencia que tienen las mujeres, Lety comienza a obsesionarse con el joven desaparecido al punto de enamorarse de él. Ambas confían en que pronto regresará, no obstante, hay diferentes historias en torno a la partida y el destino de Miguel Ángel.

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MATINÉ (miércoles 15 de enero, a las 22:30 h.)

Aarón y Jorge son dos niños originarios de Aguascalientes que se han convertido en grandes amigos y cómplices. Ambos sueñan con vivir una aventura en la Ciudad de México, para ello, deciden aprovechar el viaje que hará el papá de Jorge en su camión de mudanzas. Durante el camino, lo planeado se sale de control, debido a que son asaltados por una pandilla de delincuentes.

ME CANSO GANSO (Invitados: María Rojo y Héctor Bonilla (Jueves 16 de enero, a las 21:30 horas/ Retransmisión, domingo 19 de enero, a las 00:30 h.)

Fernando Rivera Calderón conduce Me canso ganso, el único programa de radio hecho para la televisión, que contará con la presencia de los primeros actores María Rojo y Héctor Bonilla, figuras imprescindibles del cine mexicano, para hablar de la cinta María de mi corazón.

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MARÍA DE MI CORAZÓN (Jueves 16 de enero, a las 22:30 h.)

Cinta restaurada en 2018 a partir de la reconstrucción del negativo 16 mm en soporte de acetato, la cual se realizó a más de 170 mil cuadros de manera digital. Basada en hechos reales y con la participación en el guion de Gabriel García Márquez, la película presenta la vida de María, quien ocho años después de dejar en el altar a Héctor, vuelve a verlo vestida de novia para contarle que su prometido le ha hecho lo mismo. La noche en que planean huir para comenzar una vida nueva, la camioneta de María la deja varada en la carretera pero logra subir a un autobús que se dirige a un hospital psiquiátrico, donde a partir de entonces su vida cambia por completo.

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Previo a esta película, Alejandro Pelayo entrevista a la protagonista de la cinta, María Rojo.

EL CORAZÓN DE LA NOCHE (Viernes 17 de enero, a las 22:30 h.)

Un tímido instructor de manejo se enamora perdidamente de una joven, quien es sordomuda y se encarga de cuidar a un hombre ciego. Para poder acercarse a ella, finge necesitar los servicios de masaje terapéutico que la chica brinda.

Con el tiempo, el protagonista descubre que el hombre ciego es el líder de un grupo secreto de personas con discapacidad que pretenden enfrentarse a los “normales”. El instructor y la joven entablan un romance que provoca el enojo del ciego, quien muere en un accidente. Esta situación desata una persecución de miembros del consejo hacia la pareja.

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JUVENTUD, DESENGAÑOS Y ANHELOS DE HERNÁN CORTÉS DELGADO (Sábado 18 de enero, a las 22:30 h.

A modo de crear un alter ego, Jaime Humberto Hermosillo, filmó en su natal Aguascalientes la cinta Juventud, desengaños y anhelos de Hernán Cortés Delgado, una docuficción en la que recrea sus años de adolescente.

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Luto en el cine mexicano por la muerte del director Jaime Humberto Hermosillo

“Falleció mi maestro, uno de los grandes y una de las personas que transformó la cultura fílmica en Guadalajara. Jaime Humberto Hermosillo siempre un hombre digno, valiente, transgresor y coherente. Ver La Pasion Según Berenice me hizo creer que se podía ser cineasta en provincia”, fueron las palabras vertidas en Twitter por el también cineasta Guillermo del Toro luego de enterarse del deceso del realizador mexicano a los 77 años.

HERMOSILLO nació el 22 de enero de 1942 en Aguascalientes. Se distinguió como uno de los directores más audaces y arriesgados de la cinematografía nacional. Estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), donde desarrolló sus primeros cortometrajes, mostrando sus obsesiones sobre la familia, los prejuicios y la ruptura de la moralidad.

Durante los años 80, la crisis cinematográfica lo obligó a mudarse a Guadalajara y a realizar producciones de forma independiente, de las cuales se desprende Doña Herlinda y su hijo (1984), importante cinta para el cine LGBTTTI nacional.

En los 90, la experimentación e independencia lo llevan a seguir desafiando la moralidad conservadora con cintas como La tarea (1990) y su secuela La tarea prohibida (1992), causando gran revuelo por su contenido sexual.

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Posteriormente, se convirtió en profesor en la Escuela de Artes Audiovisuales de la Universidad de Guadalajara y colaboró con sus alumnos en varios filmes. Su obra e influencia han marcado la pauta para varias generaciones de cineastas que exploran sin restricciones temas hasta entonces mal vistos por la sociedad mexicana.

Hermosillo también fue fundador de la Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara, festival con gran presencia en Iberoamérica.

Debutó en cine con La verdadera vocación de Magdalena (1972), para luego realizar El señor de Osanto (1974), El cumpleaños del perro (1975), La pasión según Berenice (1976), Naufragio (1978) y Amor libre (1979).

Algunas de sus cintas más representativas son: Doña Herlinda y su hijo (1985), Intimidades de un cuarto de baño (1991), La tarea prohibida (1992), De noche vienes, Esmeralda (1997), Ausencia (2003), Dos auroras (2005), Rencor (2006), Juventud (2010) y Un buen sabor de boca (2017).

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La exposición “Era una vez” rinde homenaje al cineasta Sergio Leone

ROMA-.-Dedicado al siempre recordado cineasta SERGIO LEONE (1929-1989) se ha dedicado en su honor, en el Museo Ara Pacis, la exposición C’era una volta  (Era un vez) concebida y creada por la Cinémathèque Française y la Cineteca di Bologna.

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Al interior de esta exposición, se encuentra el universo cinematográfico y privado de SERGIO LEONE, un viaje marcado por objetos personales, como su escritorio, algunos de sus libros o el piano Petrof donde Ennio Morricone hizo escuchar a su amigo de la infancia (eran compañeros de clase en la escuela primaria) las partituras de las bandas sonoras de sus películas, junto con modelos, sets, guiones, guiones gráficos, bocetos, disfraces, accesorios, cientos de fotografías del set y la familia.

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Un mundo de imágenes y sonidos enriquecidos por las pantallas, que remiten a los visitantes a las obras maestras del cineasta, capaces de revolucionar las formas de narración, el género occidental en primer lugar, y de celebrar el mito.

La exposición también es una oportunidad para aprender más de Sergio Leone en la relación con su ciudad. Le encantaban los stornelli romanos, por ejemplo, y solía comer en Trastevere, su barrio, como el platillo Checco er carettiere. ¿Cuáles eran sus platillos  favoritos? Los de la cocina de Roma: las alcachofas a la giudia, las latas con salsa amatriciana, los rollitos con salsa, el pastel de patata, el pastel de zabaglione, el vino de los Castelli Romani.

Se exhibirá la proyección de tres películas del cineasta, intercaladas con canciones romanas que le encantaba escuchar este domingo 5 de enero, además de poder comer  los spaguetis occidentales en el Bar “Boario” adyacente a la “Ciudad de la Otra Economía” (antiguo matadero Testaccio) donde habrá también una comida clásica de sus películas como salchichas y frijoles.

Aquí puedes ver el tráiler “Por un Puñado de Dólares”

FILMES:

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Se avecina tempestad por el reciente filme de Clint Eastwood: “Richard Jewell”

NUEVA YORK. – Una tormenta se cierne sobre CLINT EASTWOOD por su nuevo filme sobre el atentado perpetrado en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, RICHARD JEWELL, que ya se exhibe en las salas de Estados Unidos.

En la película, el director estadounidense -premio Oscar por Million Dollar Baby- insinúa que Kathy Scruggs, una cronista negra del diario local Atlanta Journal Constitution, ofrece sexo al agente del FBI encargado de la investigación a cambio de información para una primicia acerca del culpable.

La película se presenta como una historia verdadera al estilo de The 15:17 to Paris, Sully o American Sniper.

Esta vez el motivo de Eastwood es el atentado de julio de 1996 al Centennial Park, en Atlanta, y la tempestad mediática que cambió la vida de Jewell, un guardia de seguridad que luego resultó inocente.

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Jewell, quien murió en 2007, fue efectivamente el principal sospechoso, como lo refirió el Atlanta Journal-Constitution en un artículo publicado en su primera página.

Relanzada por la CNN, la historia se propagó en todos los medios y el hombre, que nunca fue incriminado, pasó semanas encerrado en su casa, rodeado de telecámaras y periodistas hasta que fue exonerado tres meses después tras la bomba que provocó dos muertos y 111 heridos.

TRAILER “RICHARD JEWELL”:

 

En la película, Scruggs (Olivia Wilde) se encuentra con el agente del FBI (Jon Hamm) en un bar días después de la explosión. El agente, al comienzo se niega (“Ni aunque vengas a la cama conmigo”), pero luego cede cuando la mano de la periodista le acaricia los muslos y revela que la investigación apunta a Jewell, inicialmente saludado como un héroe por haber descubierto el artefacto explosivo, advertida la policía con veinte minutos de anticipación de la explosión, lo que había limitado el número de las víctimas.

“¿Quieres arrendar una habitación o vamos a mi automóvil?”, preguntó en este punto Scruggs, según un comentario de quien la conocía bien. La periodista, que murió a los 42 años en 2001 por una sobredosis de fármacos, no puede confirmar ni desmentir la versión.

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Como en muchos dramas documentales, también el último de Eastwood se toma licencia con la verdad histórica. En este caso, es menos amable con la periodista, ya que usa su verdadero nombre, y encubre al agente del FBI, a quien le inventa un nombre.

Esta semana el Atlanta-Constitution, con la ayuda del abogado Martin Singer, conocido como “el perro guardián de las estrellas”, escribió a Eastwood, al guionista Billy Ray y a la Warner Bros amenazando con llevarlos a juicio por difamación si la reputación de Scruggs no es limpiada en los títulos del encabezamiento.

En cuanto a la escena del bar en el filme, para muchos es el último ejemplo de una actitud sexista de Hollywood contra las periodistas: reporteras mujeres que van a la cama con sus fuentes para obtener noticias aparecen, entre otras, en series como House of Cards de Netflix, Sharp Objects de HBO y en la película Thank You for Smoking.

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Expo-homenaje “Fellini 100 Genio inmortal” en el centenario de su natalicio

ROMA.Fellini 100 Genio inmortal. La muestra, será la exposición de homenaje al gran soñador del cine, que sabía contar historias y anticipar con su herencia el futuro, un artista capaz de representar en sus visiones las ilusiones, las caídas y las victorias de todo un país, se presentó en Roma.

FELLINI, el realizador que supo mantener el precioso don de jugar y asombrarse, será celebrado con varias iniciativas durante todo 2020, y hasta 2021, por el centenario de su nacimiento, ocurrido en Rimini el 20 de enero de 1920.

Las iniciativas, como la muestra presentada, se reúnen bajo la etiqueta Fellini 100, con un logo firmado por Paolo Virzí. Fueron realizadas en conjunto por el Ministerio de Bienes Culturales, la Región Emilia Romagna, el Ministerio de Exteriores, el municipio de Rimini, el Centro Experimental de Cinematografía, la Cineteca de Bolonia, el Instituto Luce y el Museo del Cine de Turín.

Las celebraciones comenzarán el 14 de diciembre con la apertura de la muestra, que estará abierta hasta el 15 de marzo en Castel Sismondo.

Luego seguirán meses de eventos, clases magistrales, encuentros -en Italia y en Institutos de Cultura Italianos en el exterior- hasta la gran cita de diciembre de 2020 con la apertura del Museo Internacional Federico Fellini, siempre en Rimini, un proyecto ambicioso que quiere reflejar toda la complejidad de la figura felliniana.

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Ambas iniciativas, curadas por Marco Bertozzi y Anna Villari, y proyectadas por Studio Azzurro, conjugan la poesía felliniana con la tecnología más moderna, apuntando a un involucramiento total -físico y mental- del visitante.

Partiendo de la frase felliniana “Todo se imagina”, la muestra (que será itinerante, porque en abril está programada en el Palazzo Venezia de Roma, para ir luego a Los Angeles, Moscú y Berlín) reconstruye el universo del gran maestro rotando en torno a tres núcleos temáticos.

Se trata de la historia de Italia, desde los años 20 hasta los 80, contada a través de películas; los compañeros de viaje de Fellini, reales e imaginarios (incluyendo a Tonino Delli Colli, Giuseppe Rotunno, Tonino Guerra, Nino Rota); y el proyecto el museo, que tendrá en Castel Sismondo una de sus sedes.

Entre los materiales presentes en el recorrido, junto a películas, diseños, trajes, partituras, objetos de escena, cartas y fotos, habrá asimismo documentos inéditos, como el primer guion de Amarcord, llamado inicialmente Il borgo, y el guion de Ocho y medio propiedad de Lina Wertmuller, que en esa película fue asistente de dirección de Fellini.

El montaje de la muestra permitirá al espectador “entrar en muchos sets diferentes, para vivir diferentes experiencias empezando precisamente por la taquilla del cine. Luego se sigue cruzando los umbrales de luz que marcan el ingreso al mundo imaginario cinematográfico”, dijo Leonardo Sangiorgi, de Studio Azzurro.

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Entre los puntos salientes a lo largo del recorrido, también el mar y la niebla de Rimini, así como su amado cine Fulgor, donde Fellini vio sus primeras películas, y la línea del tiempo con los 100 años del realizador en 30 fotos emblemáticas.

El museo será también un triunfo para la tecnología, con una experiencia totalmente inmersiva entre pantallas “líquidas” y la sala de la niebla, evocando las escenas más famosas de las películas.

Además de Castel Sismondo, la estructura se extenderá a Palazzo Valloni y la Piazza dei Sogni, una gran área urbana con un recorrido de instalaciones y escenografías fellinianas.

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“El mandato de Trump en crisis, tan agotador como caótico”: Robert Redford

NUEVA YORK.- El actor y cineasta ROBERT REDFORD afirmó tajante que el gobierno tipo dictatorial del presidente DONALD TRUMP está atacando los valores de Estados Unidos, al tiempo que lo consideró “una monarquía disfrazada” que “ha sido tan agotadora como caótica”.

“Nos enfrentamos a una crisis que nunca pensé que vería en mi vida: un ataque dictatorial como el del presidente Donald Trump sobre todo lo que representa este país”, expresó el premiado actor y director en una columna en NBC News.

“Como dejaron en claro las audiencias de juicio político de la semana pasada, nuestra tolerancia y respeto compartidos por la verdad, nuestro sagrado estado de derecho, nuestra libertad esencial de prensa y nuestras preciosas libertades de expresión, todo ha sido amenazado por un solo hombre”, continuó.

El californiano de 83 años subrayó que “es hora de que Trump se vaya, junto con aquellos en el Congreso que han elegido serle leales en lugar de respetar su juramento de afirmar solemnemente su apoyo a la Constitución de los Estados Unidos”.

“Y depende de nosotros hacer que eso suceda, a través del poder de nuestros votos”, agregó la estrella, que además de actor y director es ecologista.

Ganador de dos premios Oscar (Mejor Director por Ordinary People, de 1980; y Oscar Honorífico por su Trayectoria, en 2001), Redford afirmó que “solo quedan 11 meses antes de las elecciones presidenciales”.

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Son “11 meses antes de que tengamos nuestra única oportunidad real de enderezar este barco y cambiar el curso del desastre que nos espera”, declaró hoy el fundador del Festival de Cine de Sundance en un artículo de opinión para NBC News.

“Volvamos a dedicarnos a votar por la verdad, el carácter y la integridad en nuestros representantes (sin importar de qué lado estemos)”, siguió Redford, a menos de dos meses antes de que comience la temporada de cine y televisión en Park City, Utah.

“Volvamos a ser el líder que el mundo necesita desesperadamente. Volvamos, rápidamente, a ser simplemente… estadounidenses”, instó Redford, ahora retirado del cine.

El cineasta de Santa Mónica admitió que, cuando Trump fue elegido presidente, si bien no lo votó, pensó que “era justo darle una oportunidad al tipo”.

“Y como muchos otros, lo hice. Pero casi al instante comenzó a decepcionar y luego a alarmarme. No creo que esté solo”, agregó. “Esta noche me duele ver lo que le está pasando a nuestro país. Al crecer cuando era niño durante la Segunda Guerra Mundial, vi a una Estados Unidos unida defenderse de la amenaza del fascismo”.

Recordó que volvió a ver lo mismo “durante la crisis de Watergate, cuando nuestra democracia se vio amenazada”. “Y nuevamente, cuando los terroristas pusieron nuestro mundo patas arriba”, agregó, destacando que “durante esos tiempos de crisis, el Congreso se unió y nuestros líderes se unieron”, concluyó.

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Magna expo de Fellini en Rimini, previo al centenario de su nacimiento en 2020

RIMINI, ITALIA.- En vísperas de las celebraciones por el centenario de su nacimiento, programado para 2020 cuando se quitarán los velos en el Museo Internacional dedicado a él, Rimini recuerda a FEDERICO FELLINI con la exposición itinerante Exposición Fellini 100 y La dolce vita, que abrirá sus puertas el 14 de diciembre.

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El Ayuntamiento en sesión extraordinaria dio luz verde al proyecto ejecutivo, el último acto del proceso para el Museo que se desarrollará entre Castel Sismondo, Piazza Malatesta y el Cinema Fulgor.

La exposición gira en torno a tres núcleos de contenido: el primero cuenta la historia de Italia a partir de los años veinte y treinta a través de la imaginación de las películas de Fellini; el segundo está dedicado a la historia de los compañeros de viaje del director, colaboradores reales, imaginarios, y el tercero a la presentación del proyecto permanente del Museo Internacional Federico Fellini.

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Después de la exposición de Rimini, la exposición comenzará su viaje, deteniéndose en Roma en abril hasta junio de 2020, antes de cruzar las fronteras nacionales con exposiciones en Moscú y Berlín.

Gracias a la exposición Fellini 100 y La dolce vita será posible sacar a la luz material inédito adquirido por la administración municipal. Una sección, en particular, estará dedicada al Fondo Nino Rota, que contiene material sobre las 15 películas que vieron la colaboración entre el famoso compositor y Fellini, desde The White Sheikh de 1952 hasta Orchestra Trial de 1978.

Se exhibirá por primera vez una serie de cuadernos originales, en los cuales el colaborador historiador de Fellini expuso las indicaciones del Maestro con respecto a la música que debería haber acompañado y mejorado sus elecciones de dirección. Luego se exhibirán algunos cuadernos, incluidos los relacionados con La Dolce Vita, Otto e 1/2, Le notti di Cabiria.

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Penélope Cruz no ha podido ser directora

SAN SEBASTIÁN.- PENÉLOPE CRUZ confesó durante su presencia en el Festival de Cine de San Sebastián, que quiere ser directora de cine desde que tenía 16 años, y que cuando dijo en su casa que quería ser actriz era como decir que iba a ser astronauta.

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“Se lo dije que quería ser directora por primera vez a Pedro Almodóvar. Y él me dijo, hazlo y cuanto antes mejor. Ahora tengo 45 años y todavía no me he atrevido. Tampoco he tenido tiempo”, afirmó.

A su lado se encontraba el actor Gael García Bernal, quien ha dirigido dos películas, y con el que comparte reparto en Red avispa, de Olivier Assayas, que tras ser presentada en Venecia llegó a San Sebastián.

La actriz, galardonada con el Premio Donostia a la carrera por el Festival de cine de San Sebastián, rememoró sus inicios. “No teníamos ningún referente cerca, ni familiares ni amigos que se dedicaran al cine. El día que yo les dije quiero ser actriz, era como decir quiero ser astronauta. Agradezco mucho que no se rieran de mí”, afirmó.

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“Federico Fellini en cuadros”, adelanto de celebraciones a cien años de su natalicio

ROMA.- El Instituto Luce Cinecittá presentará el proyecto Federico Fellini in frames en la próxima edición del Festival de Venecia, como adelanto de las celebraciones que tendrán lugar en 2020, cuando se cumpla el centenario del nacimiento del genial cineasta italiano.

Como si se tratara de una recomendación terapéutica, al igual que caminar 30 minutos al día, quienes asistan a la Mostra, del 28 de agosto al 8 de septiembre, recibirán cada día una “píldora” de Fellini para sentirse mejor. Con Federico Fellini in frames (Federico Fellini en cuadros) el festival se anticipa a los festejos del año próximo y celebra también al cine, porque las historias del director de Amarcord (1973) son sueño y magia plasmados en películas.

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Estas “píldoras” que llevará el Istituto Luce a Venecia forman parte de su Archivo Histórico. Este año el homenaje es para el realizador oriundo de Rímini y es agradable pensar que a él le hubiese gustado esta “biografía en píldoras”: crónicas cinematográficas, galas de estreno, premiaciones, filmaciones de los detrás de escena y otras de él mientras trabaja en el set de rodaje.

Esos videoclips se verán en la sala antes de la exhibición de las películas de la Selección Oficial.

También se proyectará la restauración del filme El jeque blanco (1952), realizada por la Fundación Cineteca de Bologna en el marco del Proyecto Fellini 100, junto a Rti-Mediaset e Infinity.

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Se trató de la primera película suya en absoluto, en la que el cineasta Michelangelo Antonioni fue coautor de la historia; el escritor Ennio Flaiano coautor del guión; Nino Rota de la música y el gran Alberto Sordi su protagonista (a propósito, en 2020 también se cumplen cien años de su nacimiento).

Además, en la sección Venezia Classici se exhibirá en concurso el documental “Fellini fine mai” (Fellini nunca termina) con el que Eugenio Cappuccio homenajea de manera no convencional al maestro de maestros con materiales de archivo de Teche Rai.

En el Festival de Venecia Fellini presentó su segunda película, I Vitelloni (Los inútiles, 1953), que se llevó el León de Plata al Mejor Director, y al año siguiente repitió el premio con La Strada.

En 1955 la crítica no recibió muy bien a Il Bidone (Almas sin conciencia), lo que lo convenció de no llevar más sus películas a Venecia e ir, en cambio, al Festival de Cannes, donde La Dolce Vita (1960) ganó la Palma de Oro.

Recién volvió en 1969 con Satyricon y luego con E la Nave Va en 1983.

En Federico Fellini in frames, en las 18 piezas de archivo, se encuentran las crónicas de la Mostra por la presentación de I Vitelonni y La Strada y los aplausos en Via Veneto, en Roma, por Notti di Cabiria (1957), con Giulietta Masina y Amedeo Nazzari. También se ven imágenes del rodaje de La Dolce Vita, con los recorridos de la pulposa Anita Ekberg desde el set hasta la Fontana di Trevi; el estreno en el cine Fiamma y finalmente, los aplausos en Cannes.

Se suman las postales de Estados Unidos, cuando se llevó el Oscar a la Mejor Película en 1964, y de Cinecittá, con las pruebas de Giulietta Masina y Sandra Milo para Giulietta degli Spiriti (1965); las pruebas técnicas en el set de La cittá delle donne (1980) y el doblaje con Oreste Lionello y Gigi Proietti para Casanova (1976).

En ese archivo hasta está la chica del anuncio del film jamás realizado, Duet Love (1969), con Fellini e Ingmar Bergman, que iba a ser producido por Universal.

En orden cronológico cierra Venecia: con la llegada del realizador italiano en lancha al Lido para la presentación de E la nave va.

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“ROMA”, EL FILME DE CUARÓN GANADOR EN VENECIA, POR NETFLIX

VENECIA.- ROMA, filme realizado por el cineasta mexicano ALFONSO CUARÓN, producido por Netflix, el coloso del “streaming” online, y que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia, se estrenará en diciembre.

ROMA se verá en esa plataforma en el último mes del año, justo a su salida en salas cinematográficas.

El León de Plata para el mejor director fue para Jacques Audiard por el filme The sisters brothers (Francia, Bélgica, Rumania y España.
ROMA,  del mexicano  Alfonso Cuarón, se llevó el León de Oro de la 75 edición del Festival de Venecia y sustituye como triunfador de la Mostra a su compatriota Guillermo del Toro con La forma del agua.
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La cinta siempre pintó como la favorita para ganar el León de Oro. La película ha registrado el mayor número de votos entre la crítica italiana e internacional desde el inicio del festival, aunque según medios locales, en su contra podría jugar el hecho de que el presidente del jurado es el también mexicano Guillermo Del Toro, gran amigo de Cuarón.
“Aquí se juzga la calidad de las obras, independientemente del país de origen o del nombre del director”, declaró al respecto Del Toro.
Calificada por la revista especializada Variety como una película “luminosa” en blanco y negro (u obsidiana y plata), ROMA es considerada también la mejor obra producida hasta ahora por Netflix.
De tintes autobiográficos, la cinta lleva el nombre de la colonia Roma de la Ciudad de México, donde creció Cuarón y está ambientada a inicios de la década de los años 70.
Mezcla historias personales del director, como la relación con su madre y su niñera (interpretadas, respectivamente, por Mariana De Tavira y Yalitza Aparicio), con hechos sociales, como la matanza del Jueves de Corpus Chisti, también conocida como el Halconazo de 1971.
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LISTA DE GANADORES:
  • León de Oro: “Roma”, de Alfonso Cuarón.
  • León de Plata al mejor director: Jacques Audiard, por “The Sisters Brothers”.
  • Gran Premio del Jurado: “The Favourite”, de Yorgos Lanthimos.
  • Premio Especial del Jurado: “The Nightingale”, de Jennifer Kent.
  • Copa Volpi a la mejor actriz: Olivia Colman, por “The Favourite”.
  • Copa Volpi al mejor actor: Willem Dafoe, por “Ay Eternity’s Gate”.
  • Mejor guion: Ethan y Joel Coen, por “The Ballad of Buster Scruggs”.
  • Premio Marcello Mastroianni al mejor intérprete emergente: Baykali Ganambarr, por “The Nightingale”.

Alejandro Sanz ya trabaja en su nuevo disco

MIAMI.- El español Alejandro Sanz empezó a trabajar en su próximo proyecto discográfico junto al productor musical Julio Reyes Copello y al realizador Jaume de Laiguana, a quienes ha reunido en Miami.

Por medio de un video colgado la noche del viernes en su cuenta de Instagram, el cantante dio pistas, aunque sin desvelar detalles, sobre su próximo trabajo a través de entrevistas a ambos hecha en una terraza de lo que aparenta ser su vivienda en Miami, con el fondo de uno de los tantos canales que predominan en el sur de Florida.

“Es un resumen maravilloso de tu vida”, dijo el colombiano Reyes Copello, quien agregó se tratará de un álbum “muy intenso” y “variado”.

“Estas en una etapa en la que te puedes dar el lujo de visitar tu historia”, le dijo el productor, de lo que se desprende que el nuevo disco podría tratarse de una especie de antología.

“Vamos a colaborar como lo hemos hecho antes y a ver si podemos sorprender”, agregó De Laiguana, quien se trasladó a Miami desde Barcelona (España) donde reside.

La relación de Sanz con Reyes Copello data de 2012, cuando el colombiano produjo “La música no se toca”, el décimo disco de estudio del español.

Reyes Copello es uno de los productores más reconocidos de la música pop en español y ha trabajado con estrellas de la talla de Jennifer López, Marc Anthony, Ricky Martin, Laura Pausini y Roberto Carlos, entre muchos otros.

Por su parte, De Laiguana ha colaborado con Sanz desde mediados de la década pasada en giras y en videos musicales de canciones como “No es lo mismo” y es también uno de los directores favoritos de Shakira, con quien ha rodado los videos de “La bicicleta”, “Chantaje” y “Trap”.

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“Amadeus” y “atrapado sin salida”, ¿los mejores filmes de Forman?

ROMA.- El fallecimiento del realizador checo MILOS FORMAN a los 86 años en Connecticut, donde residía, deja como legado una filmografía vasta y sólida, la que quedará en la historia del cine marcada por ser uno de los directores más talentosos de Europa del Este, coronado por Hollywood y nunca olvidado por sus compatriotas.
Dos muertes y un misterio marcaron la infancia del cineasta conocido sobre todo por las películas filmadas en Estados Unidos, como Amadeus o Atrapado sin salida.
Forman emigró a Estados Unidos después de que los tanques soviéticos aplastaran la Primavera de Praga en 1968. Su drama psicológico One Flew Over the Cuckoo’s Nest ganó cinco Premios Oscar en 1976, entre ellos el de Mejor Director y el de Mejor Actor, para Jack Nicholson. Con Amadeus (1984), su película biográfica sobre Mozart, selló su éxito en Hollywood. La cinta daba una nueva visión sobre el genio, no siempre amable, y ganó ocho Premios Oscar, entre ellos también el de mejor dirección.
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Forman vivía en Connecticut, Estados Unidos, con su tercera mujer, Martina, y sus hijos gemelos, nacidos en 1998. Según su mujer, el último adiós al director tendrá lugar en la intimidad familiar.
Jan Tomas (Milos) Forman nació en 1932 en Cáslav, localidad que en esos tiempos aún estaba en Checoslovaquia. El hombre que pensaba que era su padre, un profesor llamado Rudolf Forman, murió en el campo de concentración de Buchenwald después de una redada de la Gestapo; mientras su madre fue deportada a Auschwitz y nunca volvió. Años posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial, Forman se encontró con una amiga de su madre en Auschwitz. Ella le contó que su verdadero padre había sido un amante de la madre, un arquitecto judío que sobrevivió al Holocausto y al que Forman conoció en Perú.

Esos hechos, sin duda, marcaron profundamente al joven brillante y rebelde que, con apenas 30 años, era ya una figura en la “primavera cultural” de Praga.

Empezó su carrera cinematográfica en 1960 con el documental Linterna mágica y cuatro años después llegaría el primer largometraje, Pedro, el negro, mientras en 1965 el filme Los amores de una rubia resultaría nominado para los Globos de Oro y los Premios Oscar. En 1968, perturbado por la brutalidad de la invasión rusa en su país, Milos Forman escapó de Checoslovaquia y encontró refugio en Estados Unidos, donde fue recibido en esa gran comunidad de artistas exiliados que Hollywood tenía desde la migración europea durante el nazismo.
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En 1971 regresó con Taking Off (Búsqueda insaciable) y tomó como el hilo una narrativa de los “vicios” de la juventud y la incapacidad de la generación adulta de intervenir en las fragilidades y las aspiraciones de sus hijos.

Gracias a su amistad con el afamado actor Jack Nicholson, obtuvo en 1975 su gran oportunidad en Estados Unidos, al dirigir One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Atrapado sin salida), basada en la novela homónima de Ken Kesey con la que ganó cinco Premios Oscar, y 28 premios en total.

Además de la interpretación formidable de Nicholson, muchos se preguntaron qué sucedió para que ese filme sobre el malestar social y los dispositivos psiquiátricos haya sido sorprendente en la crítica y entre el público. Para varios críticos fue la capacidad del director de contar una historia típicamente estadounidense con una sensibilidad profundamente europea, al transformar los mecanismos espectaculares de la narrativa de ese país con una sutil identificación del espectador con el deseo de libertad de los protagonistas.
Con las mismas armas afrontará, nueve años después -en 1984- la vida del genio Mozart con el gran filme Amadeus, con la que ganó ocho premios Oscar, entre ellos el de mejor director. Antes de ese éxito también había pasado por la película musical Hair, en 1979, mientras dos años después, como si se sintiera en deuda con la tierra que lo había recibido, dirigió la adaptación cinematográfica de una de las novelas fundacionales de Estados Unidos del siglo XX, Ragtime, de E L. Doctorow.
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En 1989, realizó Valmont, basado en la novela francesa Les liaisons dangereuses, escrita por Pierre Choderlos de Laclos, de 1782. El resultado, sin embargo, fue desafortunado porque la producción de la película se vio perjudicada a último momento por el filme Las amistades peligrosas, protagonizada por John Malkovich y Michelle Pfeiffer. Ambas películas estaban basadas en la misma obra epistolar de Choderlos de Laclos. Regresó en 1996 con The People vs. Larry Flynt (El escándalo de Larry Flynt), mientras el 1999 le tocó el turno a Man on the Moon (El mundo de Andy) y siete años después dirigió Los fantasmas de Goya, en 2006.
En el derrotero como director, Forman también dirigió ópera, con Un paseo bien pagado, en 2009, de los autores checos Jiri Slitr y Jiri Suchy. Ese año había dicho que se retiraba del mundo del cine, al que volvió en 2012, aunque como actor en el filme Les Bien-Aimés (Las bien amadas) junto a la prestigiosa actriz francesa, Catherine Deneuve, y su hija Chiara Mastroianni.
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Ridley Scott, próximo a su onomástico 80

LONDRES. – El cineasta británico RIDLEY SCOTT, reconocido por éxitos como Alien, Blade Runner y Gladiador, entre otros, cumplirá 80 años el próximo 30 de noviembre, aunque resulta difícil pensar que tendrá una celebración tranquila.

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Sin embargo, el realizador y productor nacido en South Shields, en el condado de Durham, puede jactarse de haber cosechado ocho décadas de gloria pública y amarguras privadas. En estas horas debe imaginárselo lidiando con el espinoso caso de su nueva película, Todo el dinero del mundo, centrado en el secuestro de Paul Getty, nieto del homónimo empresario estadounidense fundador de la compañía Getty Oil, quien regateó hasta el último centavo de rescate con los secuestradores.

El estreno del filme está previsto para la próxima Navidad, a tiempo para las campaña de los premios Oscar. Pero tenía como protagonista a Kevin Spacey, acusado de abuso sexual, y en el actual clima de “caza de brujas” en Hollywood -donde se multiplicaron las denuncias de ese tipo en los últimos meses-, su participación representaba un riesgo mortal. Por lo tanto, rápidamente Scott tuvo que reemplazar las escenas de Spacey con otro actor, Christopher Plummer, para no perder de vista el objetivo final: la llegada del filme a las salas.

Pero Scott jamás le escapa a las empresas imposibles. Segundo de tres hijos, quería seguir los pasos del padre en la carrera militar, en la marina, pero fue justamente su progenitor quien lo animó a dedicarse al arte: lo inscribió en el curso de fotografía del London’s Royal College, donde el joven Ridley estudió hasta que se abrieron los cursos de cine.

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Con facilidades para las cuestiones técnicas, muy hábil en el uso de la luz, Scott se abrió camino rápidamente en la televisión y la publicidad. La pequeña compañía de producción que fundo junto a su hermano menor, Tony, le garantizó fama y dinero. Pero fue el productor más emprendedor de entonces, David Puttman, quien le dio la gran oportunidad de su vida al financiarle su primer largometraje, Los duelistas (1977).

Inspirado en una novela breve de Joseph Conrad ambientada en la Europa napoleónica, que Scott reconstruyó con genial talento y pocos medios, el filme ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes.

Hacía tiempo que el cine inglés no era galardonado en el exterior y Scott obtuvo sin inconvenientes un nuevo contrato: le confiaron un thriller de ciencia ficción, Alien (1979). Rodado en estudios cerca de Londres, y con el plus de una Sigourney Weaver intrépida y guerrera, el filme tuvo un suceso increíble y generó un nicho de excelencia en el género lo que, a su vez, le abrió a su autor las puertas de Hollywood.

Una vez allí aceptó otro gran desafío, una propuesta que navegaba entre la superproducción y el cine de autor, también inspirada en un relato breve del escritor Philip K. Dick. El resultado fue una película noir futurista: “Blade Runner” (1982), protagonizada por Harrison Ford y un inolvidable villano en la piel de Rutger Hauer.

Ese filme, uno de los más icónicos del siglo XX, fue la consagración del realizador británico. Sin embargo, sus películas posteriores no fueron muy exitosas, lo que lo hizo dudar sobre su futuro.

La gran ocasión llegó nueve años más tarde, después de tres filmes, entre ellos, dos interesantes noir que fueron poco comprendidos, como Black Rain, con Michael Douglas. Fue con Thelma & Louise, con Geena Davis y Susan Sarandon, una road movie rodada en 1991 que cosechó éxitos en todo el mundo.

Muchos dicen que fue su talento para comprender a los personajes femeninos fuertes e inconformistas lo que le permitió brillar con esta historia. Sin embargo, Scott, se calzó los zapatos de observador de la realidad estadounidense y comprendió a la perfección los mecanismos del cine de Hollywood. Y pasarán otros nueve años para que su talento sea premiado con un Oscar. Será con “Gladiador”, protagonizada por Russell Crowe.

A partir de ese momento, también productor exitoso, Scott tendrá resultados diferentes, pero siempre con la atención puesta sobre la crítica y el público.

Trabajará a menudo con Crowe; experimentará géneros y modalidades (incluido el filme-documento para Youtube La vida en un día, 2011); hará series televisivas y volverá varias veces a sus géneros predilectos: el cine de guerra (Black Hawk Dawn); el histórico (Las Cruzadas); la superproducción (Éxodo – Dioses y Reyes); el noir (American Gangster, 2007) y la ciencia ficción (Prometeus y The Martian).

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Como productor, también revisó su gran obra, “Blade Runner”, con la reciente secuela de Denis Villeneuve, que este año está en carrera para los premios Oscar. En su vida privada tuvo muchos dolores: tres matrimonios, de los cuales dos concluyeron de modo poco feliz; la muerte de sus dos hermanos (Tony se suicidó tras una larga batalla contra un tumor) y muchas dificultades de las que siempre renació.

Scott posee, indudablemente, un estilo. Pero le gusta enmascararlo con su habilidad técnica y su perfeccionismo que lo lleva a controlar personalmente cada detalle en un rodaje. Por eso, larga vida a Ridley Scott: con él resurge un cine de Hollywood cuyo molde se ha perdido.

CON INFORMACIÓN DE ANSA.

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