LOS ÁNGELES.- El escritor estadounidense WINSTON GROOM, autor de la novela Forrest Gump, que fue llevada al cine,murió a los 77 años de edad.
La novela Forrest Gump fue adaptada a la pantalla grande en 1994, convirtiéndose en una de las películas más icónicas de Hollywood y un fenómeno de la cultura pop. Protagonizada por Tom Hanks, la famosa cinta ganó seis premios Oscar.
La alcaldesa Karin Wilson de Fairhope, Alabama, dijo en un mensaje en las redes sociales que Groom había muerto en ese poblado del sur de Alabama. Una casa funeraria local también confirmó el fallecimiento y dijo que los preparativos para el funeral están pendientes. “Aunque será recordado por crear a Forrest Gump, Winston Groom fue un periodista talentoso y autor reconocido de historia estadounidense. Extendemos nuestros corazones y oraciones a su familia”, afirmó la gobernadora de Alabama, Kay Ivey, en un comunicado.
Forrest Gump es la narración improbable de un hombre torpe que participó o fue testigo de puntos clave en la historia del siglo XX, desde el bloqueo por parte del gobernador segregacionista George Wallace de la puerta de un auditorio en la Universidad de Alabama a reuniones con presidentes.
Groom creció en Mobile, Alabama, y se graduó de la Universidad de Alabama en 1965, según una biografía publicada por esa institución. Estuvo en la Cuarta División de Infantería del Ejército de 1965 a 1969, añadió. Su servicio incluyó pasar cierto tiempo en Vietnam, uno de los muchos escenarios en los que se desarrolla Forrest Gump.
Escribió 16 libros, tanto de ficción como de no ficción. Uno de ellos, Conversations with the Enemy, acerca de un prisionero de guerra estadounidense en Vietnam acusado de colaborar con el enemigo, fue finalista al Premio Pulitzer, según la universidad.
La cinta dominó los premios de la Academia de 1995, ganando seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director para Robert Zemeckis y Mejor Actor para Tom Hanks. Además de novelas, Groom escribió numerosos trabajos de no ficción sobre diversos temas, incluyendo la Guerra Civil, la Primera Guerra Mundial y el equipo de futbol americano colegial Alabama Crimson Tide.
UN DATO:
Forrest Gump es un tipo de poca inteligencia. Todos lo excluyen o maltratan y luego tiene una malformación en las piernas. Pero cuando se deshace de los soportes mecánicos se convierte en corredor y luego en campeón de béisbol. Primero conoció a Elvis y, moviéndose con torpeza, inspiró ciertos pasos. Forrest, esperando en la parada de autobús de Savannah, les cuenta su historia a los que, uno tras otro, se sientan junto a él esperando el autobús.
NUEVA YORK.– Cinco años después de la polémica sobre la exclusión de afroamericanos en los premios Oscar, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences revoluciona los criterios de inclusión para su premio más importante, el de Mejor Película.
En la primera acción concreta para responder a las presiones para promover la diversidad en el mundo del cine, la Academia anunció que, a partir de la edición 2024 de la entrega de premios, para ser incluido entre los candidatos a la estatuilla más deseada, un film deberá responder a al menos dos de los cuatro estándares aplicables, tanto frente a la cámara como en bambalinas.
En junio pasado, los organizadores de los premios habían hecho un anuncio previo sobre la reforma y no explicaron cómo sería aplicada. En su momento, hubo muchos aplausos pero también críticas y se desataron nuevas controversias.
La actriz, productora y guionista Kistie Alley, definió a la decisión como “orwelliana” y dijo que es “una desgracia para los artistas de todo el mundo”.
También criticó hasta el exdirector de Inteligencia estadounidense, Richard Grenell, quien afirmó -sin fundamento y si bien es abiertamente gay- que los nuevos criterios demuestran que “los demócratas controlan Hollywood”.
Entre los nuevos estándares solicitados por la Academia, se prevé que al menos uno de los actores protagonistas pertenezca a una minoría étnica. Como alternativa, el 30% del elenco deberá estar integrado por dos mujeres, personas LGBT, otras minorías y/o discapacitados. La iniciativa está inspirada en aquella adoptada en 2019 por el British Film Institute.
“La idea es reflexionar acerca de la diversidad de la población global tanto en la creación de películas como en el público”, dijeron el presidente de la Academia, David Rubin, y la directora ejecutiva, Dawn Hudson. Ambos desean que los estándares “oficien de catalizadores para cambios duraderos y esenciales en la industria del espectáculo”.
En tanto, a partir de 2022, y luego en 2023, cada candidatura a Mejor Película deberá estar acompañada por una declaración de aceptación de los estándares, un primer paso para alentar a los estudios a pensar concretamente cómo ser más inclusivos. Luego, a partir de 2024, cada película deberá responder a dos de los cuatro estándares: minorías representadas en el elenco;, en la dirección creativa; en las oportunidades de prácticas y aprendizaje; en los equipos de marketing, de comunicación y de la distribución.
Estos nuevos criterios habían sido una promesa en junio, tras las protestas por el asesinato del afroamericano George Floyd por parte de la policía blanca de Minneapolis.
La decisión es parte de los pasos que Hollywood se comprometió a dar hace cinco años tras la polémica #OscarSoWhite por no haberle entregado el Oscar a Selma, el film de la afroamericana Ava DuVernay sobre las marchas por el derecho al voto de los afroamericanos y, más en general, sobre la escasa presencia de películas protagonizadas, dirigidas y producidas por minorías en las nominaciones.
David Rubin, presidente de la Academia y Dawn Hudson (CEO)
LOS ÁNGELES.– Varias veces pospuesto y fuera de presupuesto, el Museo Oscar diseñado por Renzo Piano, abrirá sus puertas a finales de abril del año entrante, con una exposición inaugural dedicada al gran cine de Hayao Miyazaki.
Los problemas de construcción antes y después de la pandemia habían retrasado al Museo de la Academia de Cinematografía durante años. Ahora, salvo imprevistos, el corte de cinta en el distrito de Miracle Mile, programado para el próximo diciembre, se estima para el 30 de abril con la primera exposición temporal dedicada al animador japonés ganador del Oscar en 2003 por El viaje de Chihiro.
La exposición está organizada en colaboración con Studio Ghibli del que Miyazaki fue fundador junto con su colega y mentor Isao Takahata: presentará 300 objetos relacionados con las películas del cineasta, muchos de los cuales salieron de Japón por primera vez. También habrá proyecciones de las obras maestras de Miyazaki, considerado uno de los más grandes, si no el más grande maestro del cine de animación vivo.
“Honrar la gran carrera de este destacado artista internacional es la forma más adecuada de abrir nuestras puertas, un símbolo del propósito global del Museo de la Academia”, dijo el director Bill Keller.
La muestra se organiza como un recorrido por siete secciones, cada una centrada en un tema de la obra del cineasta de 79 año,s que en 2014 fue galardonado con el Oscar a la trayectoria. Una sección está dedicada a la colaboración con Takahata que dio lugar a obras maestras para la televisión como Heidi, otra fascinación ejercida en Miyazaki por complejas estructuras verticales.
El museo de la Academia estaba originalmente programado para abrir en 2017. En febrero, la noche de los Oscar, Tom Hanks anunció una nueva fecha de corte de cinta: diciembre. Pero luego estalló la pandemia, lo que obligó a un nuevo aplazamiento.
El edificio futurista diseñado por Piano se eleva a poca distancia de Lacma (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), cuyo Resnick Pavilion también fue diseñado por el arquitecto genovés. En el proyecto Piano, las dos almas del edificio coquetean, apenas tocándose, gracias a los pasillos aéreos que conectan el ala histórica, creada en la sede de los grandes almacenes May de 1939 transformada en espacios expositivos, y una “nave voladora” desde la quese sube a un teatro con mil butacas que lleva el nombre de David Geffen, que en el futuro debería albergar la noche de los Oscar.
LOS ÁNGELES.- “Si te encanta viajar por las interminables carreteras de Estados Unidos; si te sientes un poco vaquero y quieres aprender más sobre las historias de las praderas del oeste y los parques estadounidenses, si sientes dentro de ti el insoportable deseo de infinitos panoramas y bosques nunca antes vistos, entonces puedes descargar la aplicación HearHere en tu smartphone y emprender viajes inolvidables, incluso sin tener que cruzar el Atlántico y volar a América”, así es el mensaje que emite esta aplicación con la persuasiva voz del actor de Danza con lobos,KEVIN COSTNER.
Descubrir los secretos e historias de los bellos rincones de la costa oeste de los Estados, desde California, Oregon, hasta el estado de Washington, es el propósito de dicha aplicación.
La idea de crear una aplicación para quienes aman viajar en automóvil, caravana o motocicleta por las pintorescas carreteras estadounidenses y descubrir los territorios a pie entre los paisajes naturales más pintorescos del mundo, se le ocurrió al actor estadounidense KEVIN COSTNER, quien buscó verano con su amigo empresario Bill Werlin lanzó la aplicación HearHere. La intención es dedicar a los excursionistas y amantes del trekking un podcast con historias, relatos y curiosidades sobre los lugares que se atraviesan durante el viaje.
“Cada lugar tiene una historia. Ahora cada historia tiene un lugar”, es el lema de la aplicación diseñada durante estos meses de restricciones por la emergencia de salud que convenció al famoso actor de dedicar un audio con 1,500 historias contadas por otros famosos como el propio actor y el entrenador de baloncesto de la NBA Phil Jackson, un experto en la historia de los nativos americanos.
Las historias contadas tratan temas como el deporte, la cultura, la música y la geología con nociones que permiten conocer mejor el territorio y su gente; todos los temas que generalmente no se encuentran en libros, guías de viaje o sitios web.
LE CASATELET, FRANCIA.- El actor ganador del Oscar, Brad Pitt, fue visto llegando al aeropuerto Le Castellet en Francia el miércoles junto a la modelo alemana Nicole Poturalski, de 27 años.
Desde que su mediática separación de Angelina Jolie sacudiera Hollywood en 2016, a Brad Pitt se le ha vinculado románticamente en los últimos años con compañeras de profesión como Charlize Theron o Alia Shawkat. No obstante, ninguna de ellas fue confirmada como su primera relación oficial desde el divorcio hasta que apareció la modelo alemana Nicole Poturalski, de 27 años, con quien está en pareja desde el año pasado. Y no fueron pocos los que señalaron que tiene un gran parecido físico a Jolie.
El romance data de 2019 y es la primera relación que se confirma desde que el intérprete estadounidense se separó de Jolie. Pitt y su novia fueron fotografiados juntos en el VIP en una actuación de Kanye West en el Hollywood Bowl en Los Ángeles en noviembre de ese año; nueve meses antes de que se conociera públicamente la relación.
La pareja fue captada al llegar a la terminal aérea con sus cubrebocas y gafas de sol, la revista People citó a una fuente cercana a la la pareja que confirmó que están pasando algún tiempo juntos de vacaciones y disfrutan de la mutua compañía.
Pitt y Poturalski se desplazaron desde allí al Château Miraval, el espectacular castillo rodeado de viñedos que posee el intérprete en un pueblo de Correns, y donde, precisamente, le dio el “sí quiero” a Jolie en el 2014. El ex matrimonio compró la propiedad por más de USD 60 millones de dólares en 2011.
Brad Pitt y su nueva novia, Nicole Poturalski, ya habían hecho una aparición pública el pasado noviembre durante un concierto de Kanye West en el Hollywood Bowl en Los Ángeles.
Nicole Poturalski, la nueva novia de Brad Pitt, es una modelo internacional que ha aparecido en varias revistas importantes como Harper’s Bazaar, ELLE, Cosmopolitan y Marie Claire, entre otras, actualmente está firmada con Next Management en Los Ángeles y A Management en Alemania.
La modelo ha mantenido su vida personal relativamente privada y fuera de las redes sociales pero se sabe que es madre de un pequeño.
Brad Pitt se encuentracon los trámites de divorcio de la también actriz Angelina Jolie, un proceso que se han extendido por cuarto año años debido a las diferencias entre la expareja.
El actor se separó de Angelina en 2016 luego de un matrimonio de un par de años y una relación que duró en total 12 años, Pitt y Jolietienen seis hijos en común
Los medios señalan que Brad Pitt podría pasar sus vacaciones con su nueva novia en una finca que compró en el sur de Francia con su exesposa Angelina Jolie en 2011.
Porutralski mide 1.78, tiene ojos azules y sus medidas son 86-61-89.
LONDRES.– KATE WINSLET y SAOIRSE RONAN protagonizan AMMONITE, la nueva película del director británico Francis Lee cuyo tráiler acaba de ser estrenado, que explora la relación imaginaria entre la paleontóloga Mary Anning (Winslet). y otra mujer, Charlotte Murchison, interpretada por Ronan.
Con posibilidades para competir por un Oscar, la película se presentará en septiembre en Toronto y en octubre en el Festival de Cine de Londres.
La paleontóloga Anning, quien vivió en Dorset en la primera mitad del siglo XIX, fue rechazada por los científicos de la época y sólo más recientemente se ha reconocido el valor de sus descubrimientos.
El cineasta Francis Lee, quien se hizo famoso en 2017 con su historia de amor gay La tierra de Dios, fue criticado el año pasado luego de revelar el tema de Ammonite por parte de una descendiente de la paleontóloga, Barbara Anning, quien calificó la trama de “sensacionalista”, “porque” no hay evidencia de que Mary fuera lesbiana. Lee defendió su elección en Twitter: “Después de presenciar la rutina rectificada de la historia gay a través de la cultura, y dado que no hay evidencia de que Anning tuviera relaciones heterosexuales, debería permitírsele verla en el cine”.
Su película, había especificado Lee, no era una biografía en imágenes: siguiendo el ejemplo de la vida del científico, estaba destinada a ser una investigación sobre las relaciones entre personas del mismo sexo en el siglo XVIII.
LONDRES.- Su personalidad no se desvanece. SEAN CONNERY cumple 90 años, un icono del cine que ha tenido una vida fructífera, intensa y también de claroscuros.
El título para Connery nunca fue más apropiado: Highlander , porque no es solo una más de sus películas -1986- en la que interpreta a un inmortal maestro de armas español como su alumno Chris Lambert, sino que es su emblema.
En Italia se le vio por última vez en 2007 cuando asistió al Festival de Cine de Roma para recoger un premio a la trayectoria (el Marco Dorado Aurelio), que hace un gran espectáculo de sí mismo en una vitrina desprovista de premios a la altura de su éxito: un Oscar al Mejor Actor de Reparto (por Los Intocables de Brian De Palma), tres Globos de Oro, y una treintena de premios a la carrera (incluso un Telegatto).
Pero SEAN CONNERY, nacido en Edimburgo, hijo de camionero y camarera, nunca hizo un drama con eso. Hace apenas unos meses, fue confirmado por aclamación como el mejor James Bond de la saga 007.
Es difícil decir cuánto sufre esta asociación forzada: en su juventud no le dio mucho peso, luego se obsesionó tanto con ella que interrumpió abruptamente una historia que comenzó en 1962 con Licencia para matar después de cinco éxitos planetarios hasta Solo se vive dos veces ” (1967).
Para escapar del cliché de 007, Sean tuvo que alternar el papel de príncipe con otras películas. Así comenzó a construir un nuevo personaje (valiente, machista, irónico, romántico). Con la edad, Sean Connery se conviertió en una estrella y un actor seguro de sí mismo.
Aunque después de su jubilación en 2006 se especuló con su enfermedad de Alzheimer, Sean Connery ha reaparecido en público ( en el torneo de tenis de Flushing Meadows) en 2017.
Al recibir un premio Lifetime Achievement Award, dijo: “¡Mis pies están cansados esta noche, pero mi corazón y mi cerebro no lo están!”.
Sean Connery 1957 A rather young looking Sean Connery, pictured in 1957. Fame
LOS ÁNGELES.-JOHN RIDLEY escribirá la nueva serie de cómics de Batman con planes de que el Caballero de la noche sea una persona afroamericana.
El guionista y editor de DC ganador de un Oscar, Jim Lee, anunció planes para que Ridley escribiera la miniserie durante un panel virtual de DC FanDome el sábado.
El cómic de cuatro números está programado para lanzarse en enero.
Ridley dijo que la serie se centrará en la familia de Lucius Fox, que es uno de los aliados más cercanos de Bruce Wayne. Fox también fue presidente de Wayne Enterprises.
El panel reveló una ilustración de un Batman saltando.
Ridley ganó un premio de la Academia al mejor guión adaptado en 2013 por su trabajo en12 Years of Slave (12 años de esclavitud).
Dolby Laboratories (NYSE: DLB), líder en experiencias de entretenimiento inmersivas y el destacado sello discográfico de música clásica, Deutsche Grammophon, anunciaron el lanzamiento de una experiencia de audio especial del legendario compositor JOHN WILLIAMS y la actuación seminal de la Filarmónica de Viena –John Williams in Vienna– mezclado en sonido inmersivo Dolby Atmos, ya disponible en Amazon Music HD y Blu-ray.
Las bandas sonoras de las películas de Williams abarcan un sólido catálogo y han ganado numerosos reconocimientos, incluidos cinco premios Oscar, cinco premios Emmy, cuatro Globos de Oro y veinticinco premios Grammy. Su trabajo incluye bandas sonoras para películas como la saga completa de Stars Wars, las películas de Indiana Jones, Jurassic Park, La Lista de Schindlery las tres primeras películas de la serie Harry Potter, por nombrar solo algunas.
En lo que fue el debut de Williams como director en Europa continental, se unió en el escenario del mundialmente famoso Vienna Musikverein a la Wiener Philharmoniker, así como a la reconocida violinista Anne-Sophie Mutter para las interpretaciones de las partituras clásicas de Williams que habían sido especialmente adaptadas para ella. Estas incluyeron El tema de Hedwig de las películas de Harry Potter, La danza del diablo de Las brujas de Eastwick y el tema de Sabrina.
El concierto fue grabado y mezclado en Dolby Atmos por Bernhard Guttler.
John Williams comentó: “Actuar en un lugar tan prestigioso como el Musikverein con la magnífica Filarmónica de Viena y la incomparable Anne-Sophie Mutter fue un gran privilegio. Estoy encantado de que los escuchas puedan compartir esa experiencia a través de la tecnología especial de Dolby Atmos“.
John Couling, Vicepresidente Senior de Asociaciones Comerciales, Dolby Laboratories añadió: “John Williams es sin duda uno de los mejores compositores de cine de todos los tiempos y que haya actuado con la mundialmente conocida Filarmónica de Viena, en lo que muchos consideran el hogar de la música clásica, es un espectáculo ineludible. Estamos encantados de presentar este concierto, único en la vida, en Dolby Atmos para los fans de todo el mundo, asegurándonos de que puedan disfrutarlo como si estuvieran sentados en el mejor asiento de la casa, cuando quieran“.
Dolby Atmos Music es una experiencia musical inmersiva que añade más espacio y profundidad al audio. Permite a la gente conectarse con su música favorita de una manera completamente nueva, arrastrando a los oyentes hacia una canción y revelando lo que se perdió con las grabaciones estéreo. Los escuchas pueden descubrir detalles ocultos y sutilezas con una claridad sin igual.
Clemens Trautmann, presidente de Deutsche Grammophon dijo: “Como el sello que fue fundado por el inventor del gramófono, Deutsche Grammophon siempre ha adoptado la innovación tecnológica. Basándose en la larga tradición de nuestros ingenieros, que produjeron grabaciones multipista y cuadrafónica en las décadas de 1970 y 1980, Deutsche Grammophon fue el primer sello en crear mezclas Dolby Atmos de ciclos sinfónicos enteros a partir de 2017. Hay tantos detalles maravillosos y efectos espaciales en la música clásica que se pierden en la mezcla estéreo estándar, pero que cobran vida a través de la tecnología Dolby Atmos, añadiendo otra dimensión a la experiencia auditiva. El álbum ‘John Williams in Vienna’ es un escaparate perfecto para eso: el compositor de música de cine más renombrado del mundo con una de las mejores orquestas en la legendaria acústica de Musikverein.”
Los fans pueden disfrutar del álbum John WilliamsIn Viennaen Dolby Atmos en Amazon Music HD con Echo Studio a partir del viernes. El álbum también estará disponible en Dolby Atmos en Blu-ray.
HOLLYWOOD.- El talento artístico de ROBIN WILLIAMS, recordado a seis años de su deceso, con 40 años de trayectoria, supo conmover, hacer reír y emocionar a la gente, dando vida a una multiplicidad de personajes inolvidables de la gran pantalla, tan diferentes entre sí y efectivos cada vez, gracias a la gran transformación y el estilo propio que siempre consiguió.
La noticia de su muerte conmocionó a familiares, colegas, amigos, fanáticos. “He perdido a mi esposo y a mi mejor amigo mientras el mundo ha perdido a uno de sus artistas más queridos y una persona maravillosa. Estoy desconsolada”, dijo su esposa Susan.
La muerte de Wiliams fue calificada como “suicidio” por las autoridades del condado de Marin (California, EU), donde fue hallado sin vida el 11 de agosto de 2014. La oficina del sheriff indicó en un comunicado que Williams, de 63 años, murió como resultado de “asfixia por ahorcamiento” en su domicilio. “Los exámenes toxicológicos revelaron la ausencia de alcohol o drogas ilícitas. Se detectaron restos de fármacos de receta en concentraciones terapéuticas”.
Williams había sido diagnosticado por el síndrome de Parkinson y padecía una depresión severa, según reveló su esposa, Susan Schneider, poco después de su muerte. “Él fue un valiente y luchó sus batallas contra la depresión, la ansiedad, así como contra las primeras fases de la enfermedad de Parkinson”, dijo Schneider.
El actor padeció de alcoholismo y adicción a las drogas. Su esposa fue la última persona en verlo con vida la noche que precedió a su muerte antes de irse a dormir. Según el relato policial, la asistente personal de Williams fue la que encontró su cuerpo sin vida en uno de los dormitorios de su domicilio.
Nacido en Chicago en julio de 1951, de un ex modelo y ejecutivo de Ford, Robin Williams se crió en Bloomfield Hills, Michigan, en un suburbio de Detroit. A pesar de la familia adinerada, el joven Robin no tuvo una infancia feliz y muy a menudo fue acosado . Asistió a la prestigiosa Juillard School de Nueva York antes de establecerse como comediante y conquistar la televisión con la popular serie Mork & Mindy, en la que interpretaba a un extraterrestre humanoide.
A partir de ahí inició su ascenso al cine, con cuatro nominaciones al Oscar y una estatuilla ganada al mejor actor de reparto en 1998 con Will Hunting, película que contó con el guion de los entonces desconocidos Matt Damon y Ben Affleck. Hizo otras películas de éxito: desde Buenos días, Vietnam, hasta El momento fugaz y La señora Doubtfire.
En 1978, Williams se casa con Valerie, con quien tiene un hijo, Zachary. El matrimonio sigue con altibajos, hasta que los periódicos revelan que el actor está teniendo un romance con Marsha Garcés, la niñera de su hijo. En 1989 se casó con ella y nacieron dos hijos: Zelda (ahorade 25) y Cody, de 19. En 2008 se separó.
El 23 de octubre de 2011, el actor se casa por tercera vez con Susan Schneider, diseñadora gráfica que conoció en 2009. A pesar de su gran popularidad, su vida testuvo marcada por dramas.
Robin Williams era conocido no solo por su gran talento como actor, sino también por las diversas causas humanitarias que apoyó (desde Amnistía hasta Unicef), por el apoyo de los soldados estadounidenses estacionados en el exterior. También fue a Irak y Afganistán para entretener a las tropas. Una vez, como invitado en un programa de televisión Inside the Actors Studio, le preguntaron: “Si el cielo existe, ¿qué te gustaría que Dios dijera cuando llegues?”. Después de una línea que incluía a Mozart y Elvis, Robin Williams respondió: “Sabiendo que hay una risa”.
The Fleeting Moment (1989) de Peter Weir fue la verdadera oportunidad de lucirse en el papel, esta vez, de un maestro inconformista, enriqueciendo su curriculum con otra nominación al Oscar. Y después de Awakenings (1990) de Penny Marshall, llegó otro Globo de Oro por su papel en The Legend of the Fisher King (1991) de Terry Gilliam, obviamente acompañado de una nominación al Oscar.
ROMA.- Vaya cumpleaños el que “celebra” el actor malagueño ANTONIO BANDERAS, a través de sus redes dio a conocer que ha dado positivo a covid-19 y se encuentra en cuarentena.
El mismo Banderas ha confirmado el contagio a través de sus cuentas de Instagram y Twitter junto a una imagen suya de la infancia: “Quiero hacer público que hoy, 10 de agosto, me veo obligado a celebrar mi 60 cumpleaños siguiendo cuarentena al haber dado positivo en la enfermedad covid-19, causada por el coronavirus”.
Si existe un lugar donde Josè Antonio Domínguez Bandera, conocido en todo el mundo como ANTONIO BANDERAS, tiene derecho a celebrar un cumpleaños que nunca olvidará – sus 60 años mañana – es Málaga donde nació el 10 de agosto. en 1960 por un padre policía y una madre maestra, mientras caían las estrellas en la noche de San Lorenzo. Málaga es la cuna, Málaga es el refugio, Málaga es la ciudad del corazón. De aquí partió a los 19 años con un diploma de la escuela de arte dramático en el bolsillo y la decepción de una carrera como futbolista en el club de la ciudad por una fractura en el pie.
Buscaba fortuna en los escenarios de Madrid y mientras se ganaba el pan entre el arte y la artesanía (también era modelo y camarero) el destino le hace conocer a un hermano mayor por elección propia, Pedro Almodóvar, ya definido como el talento naciente del posfranquista gracias a su deslumbrante debut con Pepi, Luci, Bon y las chicas del montón en 1980.
La correspondencia artística entre los dos fue inmediata y en 1982 estuvieron juntos en el plató de Labirinto di passioni. A Banderas se le asigna un pequeño papel, el del terrorista Sdec que tiene una fugaz historia de amor con Riza Niro, la monarca exiliada inspirada caprichosamente por el Sha de Persia: un destino singular para el actor que se convertirá en un símbolo sexual amado por las mujeres. al otro lado del mundo: “Es gracioso – dice de sí mismo – pero en mis más de 100 películas he sido más homosexual que latin lover. Y ciertamente no están en la vida cotidiana. En cambio, me he ganado una reputación de seductor que ahora acepto sin vergüenza, pero siempre lo encuentro vagamente surrealista “.
A pesar de tanto cine, muchas veces elegido sin criterio en la ruta Madrid-Hollywood, Antonio Banderas siempre ha llevado el teatro en su corazón: afirmado y rico, no dudó ni un momento cuando le propusieron volver como profesor y productor: hace unos años fundó su Academia, el Teatro Soho Caixa Bank de Málaga donde estudian 600 alumnos de toda España y hace un año puso en escena su versión de A Chorus Line allí.
Las colaboraciones con Almodóvar son por ahora siete (más un cameo) y marcan su carrera: estuvo en Matador y en La ley del deseo, ganó la atención internacional con Mujeres al borde de un crisis nerviosa (1988) y después de Legami al año siguiente se fue de Europa a América gracias a imagen que su pigmalión le había cosido: una mezcla de testosterona, bondad, fuerza irónica e histriónico controlado.
Pero en 2011 regresó de Almodóvar (La piel che habito) para reconstruir un vínculo con sus raíces y ocho años después, haciéndose “doble” de su maestro frente a la cámara, conquistó primero La Palma con Dolor y Gloria, oro en Cannes y luego la nominación al Oscar (una primicia en su palmarés). Mientras tanto, se había convertido en una promesa y luego en un “valor seguro” del cine escapista al estilo de Hollywood.
Ha trabajado con grandes como Jonathan Demme (el aclamado Philadephia todavía en el papel de un gay), Neil Jordan (Entrevista con el vampiro), Alan Parker (Evita), De Palma (Femme fatale), Incluso Woody Allen (Conocerás al hombre de tus sueños), ha hecho una amistad férrea con Robert Rodríguez desde Desperado hasta Spy Kids, ha atravesado todos los géneros (incluso con la nostalgia de haber hecho más acción esa comedia), pero fue con La máscara del Zorro de Martin Campbell (1998) que se convirtió en una verdadera estrella. A pesar del fracaso de la secuela, esa película ahora es su marca registrada y los duetos con Catherine Zeta Jones por un lado y Anthony Hopkins por el otro son ahora legendarios. (1998) de Martin Campbell, quien se convirtió en una verdadera estrella.
Guapo y mediterráneo, irónico y atlético, romántico y frágil, seductor y caballero, Antonio Banderas domina la escena americana de principios del siglo XXI. También le ayuda la inquebrantable relación amorosa con Melanie Griffith, la paternidad de la bella Stella (comparte escena con ella y su esposa en su primer director Crazy in Alabama, 1999), el cariño que siempre ha mostrado por su hijastra Dakota. Johnson.
En 2015 cuando Banderas cambie de pareja por tercera vez (en España se casó con la actriz Ana Leza desde muy joven) uniéndose a la holandesa Nicole Kimpel que hoy maneja su vida y estuvo cercana a él en 2017 después de sufrir un infarto.
Caprichoso, vital, leal, curioso, Antonio Banderas es un actor al que siempre le ha gustado escapar de la coacción del modelo que lo caracteriza. También por esta razón aceptó de buen grado convertirse en una caricatura de sí mismo primero como El gato con botas en Shrek (en la que dobló a su doble animado tanto en inglés como en español y luego en italiano) y luego con la serie de chat de comercial del Mulino Bianco. Hay un sprite inquieto que siempre lo acompaña en el plató y que le ha hecho dar lo mejor de sí en películas que no siempre son perfectas (como el hermoso noir apocalíptico Automata de Gabe Ibáñez en 2014, pero también los valientes Panama Papers por Soderbergh en 2019).
Ahora tiene otra película en puerta que parece seguir sus elecciones habituales: puro cine de entretenimiento, sin mucha inventiva, a la espera de las oportunidades de calidad que una vez más llegarán de su Europa: la convulsa Los nuevos mutantes, fuera del establo de Marvel, pero pospuesto demasiadas veces para no plantear dudas. Mejor apostar por la Competencia oficial de la prometedora pareja Mariano Cohn-Gaston Duprat en la que hará un dueto con una amiga de toda la vida como Penélope Cruz. Ambos quieren confirmación y pueden volver a brillar junto con una comedia llena de adrenalina ambientada en el mundo del cine.
Para Antonio se trata de jugar en casa. ¿Hay algún aire de confirmación tras el gran regreso de Dolor y gloria?
HOLLYWOOD.- CAMERON DIAZ se despidió del cine, sus motivos los reveló en una entrevista con Gwyneth Paltrow: “Encontré la paz al dejar de actuar”, dijo la actriz durante un episodio de In Goop Health: The Sessions, emitido en el canal de YouTube de la actriz de Shakespeare in Love.
Cameron explicó que, después de largos años de trabajo en Hollywood, finalmente descubrió que quería cosas diferentes de la vida. “Por fin puedo cuidarme sola”, dijo la ex Ángel de Charlie, de 47 años y desde hace siete meses, con su esposo, el músico de Good Charlotte Benji Madden, ha estado cuidando a un niño, Raddix, nacido de una madre sustituta: “Fue una decisión que no habría tomado si no fuera por ti, me diste valor”, le confió Cameron a su amiga.
Hace seis años, el año en que conoció a Benji, Cameron Díaz dejó de actuar.
“¿Qué se siente al dejar una carrera en el cine de esa magnitud?”, preguntó Gwyneth. “Paz. Una paz del alma porque finalmente pude pensar en mí misma”, respondió la protagonista de clásicos de Hollywood como Algo sobre Mary, Vanilla Sky y La boda de mi mejor amigo, explicando cómo en algún momento sus ojos se abrieron. “Cuando haces una película ya no eres tu propio jefe. Te secuestran 12 horas al día durante meses seguidos y no tienes tiempo para nada más”.
La actriz, en el chat de YouTube, admitió que “es difícil entender” cómo se puede decir no al glamour de Hollywood de la noche a la mañana. “Pero tú me puedes entender “, le dijo a Paltrow, quien tomó una decisión similar al convertirse en su propia empresaria con el sitio de estilo de vida Goop :” Las pretensiones de la industria cinematográfica me han llevado a asumir la responsabilidad de mi vida “. Es desde que filmó Annie hace seis años que Cameron Diaz ha abandonado el plató: “No echo de menos la actuación”, dijo el año pasado reflexionando sobre una decisión que sin embargo no parecía definitiva todavía.
Todo sugiere ahora que no habrá dudas: después de veinte años y cuatro nominaciones al Globo de Oro, la carrera de Cameron Diaz ha llegado a su fin. Sin remordimientos por el pasado: “Los actores son tratados como niños. Nos ponen en una posición en la que todo está hecho por ti “, explicó .
NUEVA YORK.- El filme Dirty Dancing, de los estudios Lionsgate, tendrá una secuela, confirmó el sitio de espectáculos Deadline.
El CEO de Studio, Jon Feltheimer, confirmó la noticia, asegurando que se trata de “uno de los secretos peor guardados en Hollywood”.
“Será exactamente el tipo de película romántica y nostálgica que los fanáticos de la franquicia han estado esperando y que la han convertido en el título de biblioteca más vendido en la historia de la compañía”, agregó Feltheimer.
La película de 1987 fue protagonizada por Patrick Swayze como el instructor de baile Johnny Castle, quien encuentra el amor al darle clases a la veraneante Frances Baby Houseman (Jennifer Gray).
Según los informes, Gray protagonizará la secuela y la producción ejecutiva. Swayze murió a los 57 años en 2009 de cáncer de páncreas.
La película original dio origen a otros proyectos, incluyendo dos series de televisión, un musical y la película de 2004 Dirty Dancing: Havana Nights.
NUEVA YORK.- Con abundantes correcciones del mismo Truman Capote, el último borrador de la recordada película Breakfast at Tiffanny’s, fue subastado en Sotheby’s por la suma de 378 mil libras, más del doble de la estimación inicial.
Holly Golightly, con la célebre sonrisa de Audrey Hepburn, ha sido uno de los personajes más distintivos de la historia del cine durante casi 60 años. ¿Habría sido lo mismo si, en lugar de llamarse así, la heroína de Breakfast at Tiffany’s hubiera respondido al nombre más prosaico de Connie Gustafson? El último borrador mecanografiado del cuento de Truman Capote que inspiró la película de Blake Edwards del mismo nombre muestra que la irresistible Holly fue bautizada in extremis, en vísperas de la impresión.
El mayor cambio que surgió de las 93 páginas mecanografiadas es el del nombre del protagonista.
Según el experto en literatura de Sotheby’s, Gabriel Heaton, un Gustanfson no tendría el mismo impacto duradero que Golightly: “Podría funcionar para una joven novia que escapa de sus obligaciones maritales en un pueblo rural de Texas, pero se hunde cuando es atacada. a una chica del mundo en Manhattan “. Uno que, en palabras de Capote, tenía que ser “un símbolo de todas esas chicas que vinieron a Nueva York y que por un momento dan una vuelta al sol. Quería salvar a una de estas chicas y preservarla para la posteridad”.
Y la posteridad así lo determinó. De esa delgada novela del entonces escritor amigo de Harper Lee, de 30 años de edad, Blake Edwards dibujó una comedia romántica que permaneció intemporalmente gracias a Hepburn, su collar de perlas y los “pequeños vestidos negros” de Hubert de Givenchy, pero también por el nombre de Golightly, que significa “ir a la ligera”, al igual que su dueño que, entre un gato y un croissant, ha estado navegando por la Nueva York de los años 40, siempre con hambre de vivir.
LONDRES.- El realizador británico ALAN PARKER, director de películas como Midnight’s Escape (Expreso de medianoche), Mississippi Burning, Will be Famous y Evita, murió a los 76 años . El British Film Institute dio a conocer que el cineasta falleció después de una “larga enfermedad”.
PARKER estaba orgulloso de su título de baronet, otorgado por la reina Isabel en 2002 para coronar una carrera exitosa, pero estaba igualmente orgulloso de sus orígenes humildes y el acento cockney, que lo exhibió casi como un signo distintivo. ALAN PARKER era un británico de pura sangre nacido y criado en el suburbio londinense de Islington, de madre costurera y padre pintor de casas.
En la escuela no era un alumno modelo, pero con tenacidad se aplicó en materias científicas y cosechó elogios entre sus compañeros de clase por su habilidad como narrador, a gusto con los géneros más diversos. Le gustaba la fotografía y amaba la música, especialmente la estadounidense traída por los marines a Inglaterra, tal como nació, en 1944, el año del Día D. A los 18 años abandonó el estudio para ganarse su libertad como mensajero en una agencia de publicidad: él no lo sabía, pero habría sido su suerte, ya que pronto todos lo apreciaron como redactor y narrador.
Uno de los primeros en darse cuenta de esto fue uno de los grandes productores de su generación, Alan Marshall, quien junto con David Puttnam habría sido su amigo y pigmalión. Gracias a Marshall, de hecho, habría diseñado y dirigido sus primeros comerciales y luego se habría convertido en el socio creativo de una de las agencias más buscadas en el mundo anglosajón.
“En ese momento, dijo Parker, ya no había una industria cinematográfica inglesa; después de la última ola de ‘enojo’ a principios de la década de 1960, fue el turno de anunciantes como yo que se convirtieron en directores gracias a los comerciales con los que tenían pasado el desorden “.
Después de muchos premios en publicidad y un buen debut como guionista gracias a David Puttnam (Melody de 1971), para Parker como para Ridley Scott y Hugh Hudson, el momento de su debut como director llega en 1976: elige un camino propio, que del musical ambiental estadounidense pero todos actuaron y para niños, Little gangsters.
El protagonista es la generación de gángsters de prohibición como Al Capone y Bugsy Malone, pero sus armas se tuercen en la cara y explotan bocanadas. Los actores en ciernes son Jodie Foster y Scott Baio, la música es de Paul Williams, quien también se encuentra entre los adultos a quienes se confían las canciones. “Siempre me ha encantado trabajar con niños y adolescentes”, dijo el director, porque siempre te dan algo que no esperas. Pero no tengo reparos en admitir que con esa primera película quería sobre todo subvertir algunas reglas del género musical y hacerme notar en Hollywood “.
Vale la pena una invitación al festival de Cannes para Parker, la llamada en espera a Hollywood y el contrato para el posterior Midnight Escape con Brad Davis y John Hurt. Marshall y Puttnam producen, el guionista escribe al novato Oliver Stone, el thriller de la prisión (basado en una historia real) viaja por el mundo, corre por seis Oscar y gana dos por el guión y la música de Giorgio Moroder.
Dos años después, sin embargo, Parker vuelve a su género favorito, el musical con otra película de culto: Serán famosos (1980) ambientada en la escuela de música y danza más famosa de Nueva York con Irene Cara entre un enjambre de debutantes talentosos. “No quería la película musical habitual en la que la acción se detiene para que la gente cante”, dijo Parker, sino una verdadera odisea de jóvenes músicos enfermos de pasión, vida, Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos), desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale) hasta el horror (el visionario Angel Heart, con Al Pacino).
Pero la música sigue siendo su verdadera pasión y obsesión: Pink Floyd the Wall, Evita, Los compromisos (quizás su película más querida). Podrá abarcar desde historias íntimas (el autobiográfico Shoot the moon) hasta dramas humanos (Birdy, su obra maestra según los críticos); desde frescos sociales (Cenizas de Angela) hasta noir (Mississippi Burning), desde el juicio (David Gale ) hasta el horror (Angel Heart, con Al Pacino).
Su formidable habilidad técnica, el ritmo milimétrico con el que dirige cada escena, la sabiduría con la que maneja a los actores como en una coreografía al estilo del Hollywood más clásico, son los signos que lo hacen siempre reconocible incluso en la diversidad de opciones narrativas.
SAN DIEGO.– El cineasta mexicano GUILLERMO DEL TORO rodó las primeras tomas de Nightmare Alley, protagonizada por Cate Blanchett y Bradley Cooper, en un set aséptico como un quirófano, atendiendo a las restricciones impuestas por la pandemia.
Realizar una película durante esta emergencia es como “rodar en un gran quirófano. Debe estar esterilizada, tener todas las condiciones ‘clínicas’ pero al mismo tiempo tiene que permitir que comience el carnaval”, sostuvo Del Toro sobre la filmación de su nuevo thriller psicológico, que también cuenta con la actuación de Rooney Mara.
El realizador mexicano, ganador de dos premios Oscar en 2018 por La forma del agua, habló con la prensa en el panel que compartió con Scott Cooper –director de un esperado thriller de terror, Antlers, producido por Del Toro- en el marco de la Comic-Con 2020, que habitualmente se realiza en San Diego y este año se celebra de manera virtual por la pandemia.
En Comic-con@home se pueden seguir los eventos y conferencias de la Convención Internacional de comics, que también presenta adelantos de nuevas series y películas.
Filmar en tiempos de coronavirus “hace que todo sea diferente, incluso el modo en el que organizas a los extras en el set y cómo los involucras. Normalmente se hace a diario, pero ahora tienen que ser contratados durante varias semanas, aun cuando haya días en que no tienen escenas”, explicó Del Toro. Detalló que eso “se hace para evitar que durante sus pausas de rodaje vayan a trabajar en otras películas y luego deban permanecer en cuarentena antes de poder volver al set. Deben ser ‘monógamos’ con el proyecto”.
El director de El laberinto del Fauno reflexionó sobre la situación actual por el coronavirus.
“Pienso que esto durará meses y la elaboración será interesante. Para mí, hacer películas consiste en extraer belleza de la adversidad”, afirmó. Nightmare Alley, basada en la novela homónima que William Lindsay Gresham, publicó en 1946, está protagonizada por Stan (Cooper), un ladrón que se asocia con una psiquiatra (Blanchett) para convencer a las personas de que les confíen su dinero.
La novela tuvo su primera adaptación en 1947, dirigida por Edmund Goulding e interpretada por Tyrone Power, Joan Blondell y Coleen Gray. “Es una bendición tener a este elenco pero continuamente tenemos que programar los rodajes porque todos ellos son muy requeridos y tratan de conciliar con sus otros compromisos”, relató el cineasta. “Sin embargo, considero que para cada problema en cada film hay una solución satisfactoria. A veces no resulta fácil verla pero creo que hallamos la clave para hacer funcionar todo”, sostuvo.
Del Toro comparó la preparación de una película con el lanzamiento “de una nave espacial: por más detallista que seas en el momento de la cuenta regresiva siempre te invade el terror de que todo explote, y es una sensación que te queda por cierto tiempo”.
En tanto, Antlers –cuyo estreno estaba previsto en abril pasado y por la pandemia se pospuso para el 19 de febrero de 2021-, está protagonizada por KeriRussell (The Americans) y reinterpreta en una historia contemporánea al “wendigo”, figura demoníaca que pertenece a la mitología de los pueblos originarios estadounidenses.
“Es considerado un espíritu que refleja la venganza contra el género humano que abusa de la naturaleza”, sostuvo Cooper, director de películas como Crazy Heart y Hostiles.
“Ciertamente, continuamos abusando de la Madre Tierra, así como abusamos de los nativos americanos”, reflexionó. El objetivo de Cooper era rodar un filme “desconcertante, con un componente humano y emotivo muy fuerte pero también aterrorizante”.
Del Toro, productor de la película, sostuvo que un componente que amó del mito del wendigo “es que cuanto más desea más insaciable se vuelve y cuanto más desea más débil deviene. Me parece una metáfora perfecta de la insaciabilidad que existe hoy y de la privación permanente de todo aquello en lo que creemos”.
El cineasta mexicano, por último, habló de su pasión infinita por todos los géneros del cine.
“Walt Disney, Alfred Hitchcock y Luis Buñuel son los directores que más cuentan para mí y considero que actualmente, los hermanos Coen son los mejores realizadores vivos. Son excelentes narradores de historias y tienen mucho misterio”, concluyó.
PARIS.- La última gran diva de Holllywood, OLIVIA DE HAVILLAND, falleció a los 104 años en su casa, en París. La actriz, protagonista de ‘Lo que el viento se llevó’ , en su carrera había ganado dos Premios Oscar.
OLIVIA DE HAVILLAND nació en Tokio. Era la hija de Lilian Augusta Ruse, quien actuó bajo el seudónimo de Lilian Fontaine y la hermana mayor de Joan Fontaine, con quien tuvo una relación difícil. Con gran encanto y elegancia, fue la protagonista de la escena de Hollywood en la década de 1940.
En Via col Vento interpretó el papel de Melania, junto a Rossella O’Hara. Hizo su debut en la adaptación para la pantalla grande de A Midsummer Night’s Dream. Ganó dos premios Oscar por Mitchell Leisen’s A Each Destiny (1946) y William Wyler’s The Heiress (1949).
Su interpretación del papel de Melanie le valió una de sus cinco nominaciones a los premios Oscar. Hasta su muerte era la artista viva con más edad que haya ganado uno de los premios de la Academia.
De Havilland fue fundamental para la eliminación del llamado “sistema de estudio de Hollywood”, lo cual le permitió a los actores obtener mejores contratos.
Olivia Mary de Havilland a muy corta edad se mudó a California con su familia.
Se inició en la actuación mientras estaba en la preparatoria. Su debut en el escenario en 1933 en una producción amateur de Alicia en el país de las maravillas.
“En realidad me estaba mudando al país de las maravillas encantadas de Alicia. Y, por primera vez, sentí no solo placer en la actuación sino también amor por la actuación”, decía.
Hizo su gran aparición cinematográfica en El capitán Blood (Captain Blood, 1935), al lado de Errol Flynn, una pareja que hizo química casi de inmediato. Juntos hicieron otras siete películas, incluidas La carga de la brigada ligera y Las aventuras de Robin Hood.
A lo largo de la década de 1930, apareció en varias películas románticas y ligeras que le permitieron mostrar su perfecta dicción, pero le ayudaron poco en el avance de su carrera,
“Interpretar a chicas buenas en los años 30 era difícil cuando la moda era interpretar chicas malas”, decía. Sin embargo, fue elegida para el papel de Melanie en la adaptación épica de David O Selznick de la novela de Margaret Mitchell, Lo que el viento se llevó.
Perdió el premio a Mejor Actriz de Reparto de la Academia frente Hattie McDaniel, quien interpretó a Mammy en la película.
Olivia de Havilland vivía en París desde la década de 1960.
UN DATO:
Su estatuilla llegó unos años después, en 1946, por su papel en Lágrimas de una madre (To Each His Own, 1946), y luego un segundo por La heredera (The Heiress) en 1949.
NUEVA YORK.- De acuerdo a The New York Times, MEL GIBSON estuvo internado en el mes de abril,luego de dar positivo en el test de coronavirus. Al día de hoy, según aseguró su representante, el actor se encuentra recuperado.
Ahora, varios meses después, The New York Times informó que el actor fue tratado con Remdesivir, un farmaco que cuesta U$S 3.000 por paciente. Actualmente el actor ya se encuentra recuperado y dio negativo a varias pruebas que se realizó en las semanas consecutivas a su internación.
La estrella de 64 años, permaneció en un hospital en Los Ángeles durante una semana. Fue tratado con Remdesivir y desde entonces, ha dado negativo a la prueba en varias oportunidades.
Esta noticia llega después de que la polémica reputación del actor sumara un nuevo capítulo, cuando la actriz Winona Ryder revelara un desagradable episodio que vivió junto al actor en una fiesta.
“Estábamos en una fiesta con uno de mis mejores amigos y Mel Gibson fumaba un cigarro. Todos estábamos hablando y él le preguntó a mi amigo, que es gay: ‘Oh, espera, ¿me voy a contagiar de sida?’ Después surgió algo sobre los judíos, y él me dijo: ‘No eres un esquivadora de hornos, ¿verdad?’”, dijo el pasado mes de junio a Sunday Times.
La pandemia de coronavirus afectó a cientos de actores y actrices en todo el mundo a lo largo de estos últimos meses. Los contagios que más se destacaron en la industria cinematográfica fueron los de Tom Hanks (Forrest Gump), Kristofer Hivju (Game of Thrones), Itziar Ituño (La casa de papel) y Andrew Jack (Indiana Jones, Star Wars), quien lamentablemente falleció a sus 76 años a causa del virus.
LOS ÁNGELES.- Los estudios Universal Pictures está en negociaciones para llevar a cabo el rodaje de la película queTom Cruise, la NASA y Elon Musk quieren filmar en el espacio. De acuerdo a una exclusiva de la revista Variety, confirmada después por medios especializados y difundida a través prensa especializada de Los Ángeles, los estudios están manteniendo reuniones para asegurar las condiciones del rodaje y el presupuesto, que las previsiones más optimistas estiman en 200 millones de dólares.
Si logran un acuerdo sería la primera película rodada en el espacio, concretamente en la Estación Espacial Internacional según el proyecto que la propia NASA confirmó en mayo y que cuenta con la colaboración de Elon Musk (fundador de SpaceX).
“Necesitamos cultura mediática popular que inspire a una nueva generación de ingenieros y científicos que hagan realidad los ambiciosos planes de la NASA”, escribió en Twitter el administrador de la agencia aeroespacial estadounidense, Jim Bridenstine.
Además de ser protagonizada por Cruise, la cinta contará con el cineasta Doug Liman como director. Ambos trabajaron juntos en Al filo del mañana (2014) y Barry Seal: Sólo en América (2017), pero en este caso el realizador también deberá escribir el primer borrador del guion y figurará además como productor.
JOHN WILLIAMS, el compositor de cine más conocido y aclamado del mundo hoy en día, recientemente debutó como director de la Filarmónica de Viena. Sus dos conciertos en el Musikverein de Viena los días 18 y 19 de enero de 2020, que también fueron las primeras actuaciones que realizó en Europa continental, fueron producidos por Deutsche Grammophon en colaboración con Wiener Philharmoniker y ServusTV y filmados por Bernhard Fleischer Moving Images (BFMI).
El álbum John Williams in Vienna está programado para su lanzamiento internacional por Yellow Label el 14 de agosto de 2020 y estará disponible en todos los medios físicos y digitales relevantes, incluidos Blu-ray, CD, vinilo y eVideo, en mezclas estéreo y Dolby Atmos surround.
John Williams in Vienna reúne temas icónicos creados por el compositor estadounidense como “Imperial March” de Star Wars, las bandas sonoras de Harry Potter, Indiana Jones y Jurassic Park, entre otros hitos cinematográficos que han ganado innumerables premios, incluidos cinco Premios Oscar, cinco Emmys, cuatro Globos de Oro y veinticinco Grammys.
El nuevo adelanto de este mágico álbum es Devil’s Dance de la legendaria película The Witches of Eastwick.
LONDRES.- “Fue como una ráfaga de docenas de botellas arrojadas como granadas”, así lo describió la actriz AMBER HEARD en el tercer día de la audiencia para el juicio por difamación presentado ante el Tribunal Superior de Londres por JOHNNY DEPP contra el tabloide británico Sun, uno de los ataques del que declaró habría sido víctima durante el matrimonio con el actor, como parte de una declaración en la que también admitió por primera vez que también golpeó al protagonista de la saga Piratas del Caribe, aunque invocando siempre defensa propia.
El estallido de ira de Depp, en la historia relatada por Heard, ocurrió durante un largo fin de semana en Australia consumido entre el abuso de alcohol y drogas. La actriz y modelo reiteró la acusación contra su ex esposo, quien siempre ha negado cualquier violencia física en su contra y ha demandado al Sun por “por haber perdido el control como otras veces, entre golpes, patadas, ojivas, ojos negros y tirar botellas”.
Además de haberla hecho sentir “como en un estado de cautiverio”. Y recordó que incluso amigos acostumbrados a excesos como Marilyn Manson se referían al “alter ego de Johnny “, en momentos de alteración, como El Monstruo.
Por otro lado, Amber admitió haber golpeado a Johnny en al menos una ocasión, una circunstancia que siempre había negado hasta ahora. Pero afirmó que lo hizo solo para defender su seguridad y la de su hermana menor, Whitney, y agregó que temía que Depp pudiera “derribarla por las escaleras como ya había hecho con Kate Moss”, según un episodio que ella dijo que tenía. aprendí de dos fuentes anónimas de terceros.
Los dimes y diretes entre la famosa pareja apenas están comenzando.
