El miedo de ver el cine en casa atrapa a Woody Allen en pandemia

NUEVA YORK.- El amor por el cine europeo, la importancia del cine, la aversión por las series de televisión (“pero mi esposa las mira”), el miedo por el futuro del cine que tal vez sólo se vivirá en la sala de estar de la casa y una nueva película que se rodará en París y que recuerda Match Point. fueron algunas de los tópicos vertidos a las ocho de la mañana por un WOODY ALLEN vestido con una camisa azul claro y aún más frágil durante sus 85 años, se cuenta a sí mismo a través de Zoom para presentar su Rifkin’s Festival, en los cines a partir del 6 de mayo con Vision Distribution.

ALLEN nunca hizo referencia a la delicada historia de Dylan, su hija adoptiva, quien sostiene haber sufrido abusos de él cuando era niña, salvo la negación de las razones para bloquear la distribución de la película en Estados Unidos, para muchos causado por este mismo asunto. “Creo que esta película es sólo una víctima de la pandemia. Cuando salió muchos distribuidores estaban fallando porque la gente estaba viendo la televisión en casa. En resumen, ha habido un gran cambio en la distribución, pero ya hemos recibido ofertas y en Estados Unidos estoy convencido de que al final ya veremos”. En el futuro de Allen figura una nueva película: “Ya tengo un guion listo para ser hecho en París, pero la pandemia lo ha arruinado todo”.

Tan pronto como se vaya el virus espero poder volver allí y dispararle. Es una película que sólo puedo decir que está mirando a Match Point”. ¿Y las relaciones humanas postpandémicas? “Creo que seguirán siendo los mismos que siempre. Todo volverá exactamente como estaba. Habrá personas que ya no querrán ir a la oficina y trabajar desde casa, pero básicamente las personas serán las mismas que antes. Tendrán los mismos deseos. las mismas ambiciones. las mismas debilidades.”

En cuanto a la diferencia entre el cine estadounidense y el europeo, Allen aclara: “Creo que el principal impulso de una película es su innovación, el tipo de logro artístico. Desde este punto de vista, el cine en los Estados Unidos se ha mantenido inmaduro, impulsado principalmente por las ganancias. Las películas europeas están por delante de las películas estadounidenses, tanto en la técnica cinematográfica como en el tema, y esa es la gran diferencia. Así que cuando era joven, quería ver todas las películas europeas, mientras que las estadounidenses me parecían infantiles”.

Sobre su experiencia personal en el encierro, explicó el cineasta: “Para mí no era tan diferente de antes. Por la mañana me levanto y hago las mismas cosas: escribo en mi habitación y hago ejercicio en la caminadora. Cuando llegó la pandemia, mucha gente se volvió loca porque estaban confinados a la casa, pero a mí no me molestó. Estoy asentado: toco mi clarinete, hago algo de ejercicio y por la noche escribo. ¿Series de televisión? Nunca las miro, pero sé que se hacen muy bien, por lo que me dicen mi esposa, amigos y hermana, pero prefiero ver deportes, baloncesto, béisbol o seguir las noticias”.

Palabras de agradecimiento tuvo para el nuevo presidente de los Estados Unidos: “Creo que Biden es un buen presidente y está haciendo cosas buenas. Sólo espero que obtenga la cooperación del partido opositor que implemente sus ideas en beneficio de todos los Estados Unidos. Por supuesto, ha llegado en un momento caótico, pero ahora la pandemia también está retrocediendo gracias a él, nuestros cines, restaurantes y escuelas están abriendo”.

Pero el verdadero miedo de WOODY ALLEN sigue siendo el futuro del cine. “Debido a la emergencia sanitaria, la gente se quedó en casa y pensó que podían quedarse sin la sala de cine”.

“¿Qué voy a hacer en el cine?”, se preguntan. “Cuando presiono un botón una película la veo en mi casa, en mi gran pantalla con imágenes nítidas y una gran acústica. La gran diferencia es ver al Padrino o a los Hermanos Blues con 500 personas en una habitación oscura, en lugar de quedarse en casa en el sofá con el teléfono sonando”.

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Los 100 años de Chanel N*5

ROMA.- Chanel N°5, la emblemática fragancia creada por Ernest Beaux para la diseñadora francesa Coco Chanel, cumple cien años y continúa como una de las más elegidas del mundo.

“Un perfume para mujer que sabe a mujer. Sin olor a rosa ni a lirio de los valles. Pero algo elaborado, que queda en ti”: así definía Coco Chanel, en 1920, durante unas vacaciones en la Costa Azul, la que quería que se transformara en “su” fragancia.

Su interlocutor no era otro que el químico Beaux, quien había crecido en San Petersburgo, donde su padre había trabajado par los zares.

Estos dos perfeccionistas trabajaron durante meses para crear un perfume que devino en ícono de excelencia y elegancia.

El nombre surgió porque Beaux le presentó a la diseñadora diez muestras de fragancia y ella optó por la N°5.

El 5 de mayo de 1921 se presentó en sociedad y cien años más tarde se mantiene entre los perfumes más vendidos en el mundo, además de haber sido el único que atravesó un siglo sin haber perdido un ápice de su encanto. Para la ocasión, dos libros reconstruyen los hechos que rodearon su nacimiento y éxito: Coco Chanel. Unica e insustituible, biografía de la periodista Roberta Damiata (Editorial Diarkos) y Chanel N°5. El perfume del siglo, de Chiara Pasqualetti Johnson (Editorial White Star), con fotografías e ilustraciones, que sale a la venta el 5 de mayo próximo en cuatro ediciones internacionales (francés, inglés, italiano y alemán).

El perfume se convirtió en un mito acaso por las palabras de la actriz Marilyn Monroe, cuando en una entrevista en 1952 respondió con franqueza: “¿Qué llevo puesto en la cama? Qué pregunta, Chanel N°5, por supuesto”.

Fue un producto acertado desde el principio, un emblema de esa nueva feminidad que Coco Chanel supo construir con pinceladas de elegancia, imprescindibles vestidos tubo y el uso de tejidos cómodos como el jersey, que hacían libres a las mujeres. Su esencia también tenía que ser así: sin lujos, sin inclinaciones dulces (como estaba de moda en las fragancias y en la idea de mujer por esos años), sino tenaz, independiente, nada frágil.

Según la reconstrucción de Damiata en su libro, la primera en sugerir la idea de un perfume podría haber sido Misia Sert, reina de los salones parisinos, a la que Grabielle (Coco) estaba muy ligada y a quien le debía mucho.

Pero fue en el verano de 1920, cuando el gran duque Dimitri Pavlovich le presentó a Beaux, uno de los primeros químicos que utilizó aldehídos y perfumes sintéticos, que el proyecto pudo realizarse.

Coco quería algo absolutamente diferente, deslumbrante. La inspiración inicial, según el libro, era aparentemente “el olor de la piel en las manos de su madre, lavandera de la Provenza”.

El químico trabajó para ella en un “bouquet” a base de de almizcle y jazmín, que en su momento evocaba provocativamente la sensualidad de cortesanas y prostitutas, creando dos series de muestras numeradas del uno al cinco y del veinte al veinticuatro.

Incluso este procedimiento era revolucionario porque, hasta el momento, solo se habían lanzado perfumes que contenían una sola esencia. La elección de Coco fue la N°5, casualmente, su número de la suerte.

Por eso, decidió lanzar su fragancia el quinto mes del año, en el marco de su nueva colección, y lo llamó, simplemente, Chanel N°5: el primer perfume en la historia que llevó el nombre de su creadora.

La diseñadora era un verdadero genio del marketing mucho antes de que esta disciplina existiera: logró convertir a su fragancia en un objeto de deseo. Diseñó un frasco en cristal casi minimalista (como su idea de elegancia, basada en restar en lugar de agregar), geométrica y racional (en concordancia con las corrientes artísticas del momento). La botella era disonante con las que se comercializaban hasta el momento, absolutamente barrocas.

Sin embargo, no la puso en venta. Fue un regalo para varios clientes adinerados, “un regalo personal que los elevaba a una posición de privilegio “, escribe Damiata.

¿Cuál fue el resultado? Mucho antes de su debut en los escaparates de la boutique ubicada en el número 31 de Rue Cambon, las señoras más “chic” de la alta sociedad parisina competían por tener su Chanel N°5. Y con ese envase llegó también la necesidad de una marca: la famosa doble C que desde aquel momento hizo icónico todo lo que firmó Coco. El resto es historia: desde el nacimiento en 924 de la nueva Societé des Parfums Chanel a las fotos de los soldados estadounidenses que hacían filas durante horas en París para llevar a casa al menos un frasquito de la elegancia y del lujo europeos.

Luego, llegaron las serigrafías de Andy Warhol, inspiradas en las publicidades del perfume. Pero especialmente, la publicidad de la fragancia estuvo, década tras década, en los rostros de las divas que, fotografiadas o dirigidas por grandes maestros, desde Ridley Scott a Baz Luhrmann, durante un siglo prestaron su rostro para esa fragancia única y atemporal.

En las fotos, como un verdadero “archivo Chanel °5”, se ven desde la misma Coco, retratada en Harper’s Bazaar, a las actrices Nicole Kidman y Catherine Deneuve, seguidas por Marion Cotillard, Carole Bouquet, Audrey Tautou y Lily Rose Deep. Y también hay un hombre: el actor estadounidense Brad Pitt.

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Cannes no se da por vencido; del 6 al 17 de julio anuncia su Festival

PARÍS.– Pese a la pandemia, se confirmaron las fechas del FESTIVAL DE CANNES 2021, del 6 al 17 de julio, con la presencia de famosos, estrellas y grandes autores, según Variety.

Luego de la cancelación en el último minuto del año pasado, se está preparando un gran comienzo para Cannes 2021, con Spike Lee como presidente del jurado y la apertura a cargo de la producción ANNETTE, un musical de Leos Carax,con Adam Driver y Marion Cotillard.

Destaca el film Competición oficial, comedia con Antonio Banderas y Penélope Cruz, dirigida por el dúo argentino Mariano Cohn y Gastón Duprat, que podría ser, según Variety, un título de primer nivel (también predicado en el Lido). También está en la carrera Benedetta de Paul Verhoeven con Virginie Efira como una monja lesbiana en la Italia renacentista.

Desde Francia la película en blanco y negro de Jacques Audiard PARIS, 13th DISTRICT, basada en Kipling and Dying del dibujante neoyorquino Adrian Tomine con la historia de cuatro jóvenes amigos, a veces amantes, y a menudo ambos.

Julia Ducournau con TITANE, el drama de terror protagonizado por Vincent Lindon como un padre cuyo hijo reaparece en un aeropuerto después de desaparecer durante diez años; Claire Denis con FEU, con Juliette Binoche como una mujer dividida entre dos hombres, su pareja de toda la vida (Vincent Lindon) y su mejor amiga. También se habla de Mia Hansen-L›ve con BERGMAN ISLAND, melodrama sobrenatural con Mia Wasikowska, Tim Roth y Vicky Krieps, sobre un par de directores estadounidenses que viajan a la isla sueca de Faro para escribir sus respectivas películas, y Emmanuelle Bercot con DE SON VIVANT, un drama que cubre un año en la vida de un enfermo terminal, una madre afligida, un médico y una enfermera , con Catherine Deneuve, Benoît Magimel y Cécile de France.

La selección oficial de este año también podría presumir de WHERE IS ANNE FRANK, un largometraje animado de Ari Folman, cuyo documental Waltz With Bashir debutó en competición en 2008. Folman, a quien se le ha concedido acceso a los archivos de la familia Frank, sigue la historia de Kitty, la amiga ficticia de Ana Frank, que se despierta hoy en Ámsterdam después de un milagro y viaja a través de Europa para averiguar qué le pasó a Anne en los últimos siete meses de su vida.

Otros directores también están bien posicionados para el estreno mundial en Cannes 2021.

Este es el caso de Joachim Trier con LA PEOR PERSONA DEL MUNDO; LA FRACTURE de Catherine Corsini y TOUT S’EST BIEN PASSÉ de Francois Ozon, una película sobre la eutanasia basada en el libro del mismo nombre de Emmanuelle Bernheim, con Sophie Marceau. Algunas películas francesas, señala Variety, serían predicadas para Venecia, en particular LOST ILLUSIONS de Xavier Giannoli, una adaptación del clásico literario de Honoré de Balzac; y EN UNA MEDIA MAÑANA DESPEJADA por Bruno Dumont con Lea Seydoux y Blanche Gardin, sobre un famoso periodista cuya vida fue interrumpida por un extraño accidente automovilístico. La selección oficial del Festival de Cannes se dará a conocer el 27 de mayo.

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Oscar llega a su edición 93 con todas las medidas de seguridad

LOS ÁNGELES.- La expectativa crece y todo está preparado para la 93 edición de la entrega de los premios Oscar, que, debido a la pandemia del coronavirus, este año cambió de fecha y se llevará a cabo bajo estrictas medidas de seguridad sanitarias, y cuya transmisión internacional en vivo, será por ABC, mientras que para México por la señal de TNT y Azteca 7, a partir de las 19:00 horas, con una inusual alfombra roja por !E.

La cita será en el Dolby Theatre y en Union Station, en el downtown de Los Ángeles.

Las y los presentadores, seran: Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle, Bryan Cranston, Laura Dern, Harrison Ford, Regina King, Marlee Matlin, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Brad Pitt, Reese Witherspoon, Renée Zellweger y Zendaya.

Los candidatos de la 93 edición son los siguientes: Mejor Película: The Father, Judas and the Black Messiah, Mank, Minari, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Director: Thomas Vinterberg, Another Round, David Fincher, Mank, Lee Isaac Chung, Minari, Chloe Zhao, Nomadland, Emerald Fennell, Promising Young Woman.

Mejor Actriz Protagónica: Viola Davis, Ma Rainey’s Black Bottom, Andra Day, The United States vs. Billie Holiday, Vanessa Kirby, Pieces Of A Woman, Frances McDormand, Nomadland, Carey Mulligan, Promising Young Woman.

Mejor Actor Protagónico: Riz Ahmed, Sound of Metal, Chadwick Boseman, Ma Rainey’s Black Bottom, Anthony Hopkins, The Father, Gary Oldman, Mank, Steven Yeun, Minari.

Mejor Actor de Reparto: Daniel Kaluuya, Judas And The Black Messiah, Sacha Baron Cohen, The Trial Of The Chicago 7, Leslie Odom Jr., One Night In Miami, Paul Raci, Sound Of Metal, Lakeith Stanfield, Judas And The Black Messiah.

Mejor Actriz de Reparto: Maria Bakalova, Borat Subsequent Moviefilm, Glenn Close, Hillbilly Elegy, Olivia Colman, The Father, Amanda Seyfried, Mank, Yuh-Jung Youn, Minari.

Mejor Fotografía: Judas and the Black Messiah, Mank, News of the World, Nomadland, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Película Internacional: Another Round (Dinamarca), Better Days (Hong Kong), Collective (Rumania), The Man Who Sold His Skin (Túnez), ¿Quo Vadis, Aida? (Bosnia).

Película de Animación: Onward, Over the Moon, A Shaun the Sheep Movie: Armageddon, Soul Wolfwalkers.

Diseño de vestuario: Emma, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Mulan, Pinocchio.

Mejor documental: Collective, Crip Camp he mole agent, My octopus teacher, Time.

Mejor Cortometraje Documental: Colette, A concerto is a conversation, Do not split, Hunger Ward, “A love song for Latasha.

Maquillaje y Peinado: Emma, Hillbilly Elegy, Ma Rainey’s Black Bottom, Mank, Pinocchio.

Mejor Canción Original: Husavik, Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, Fight For You, Judas and the Black Messiah, lo Sì (Seen), The Life Ahead”, Speak Now, One Night in Miami, Hear My Voice,”The Trial of the Chicago 7.

Diseño de producción: The Father, Ma Rainey’s black bottom, Mank, News of the world, Tenet.

Mejor Edición: The Father, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal, The Trial of the Chicago 7.

Mejor Guion Original: Judas and the Black Messiah (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas), Minari (Lee Isaac Chung), Promising Young Woman (Emerald Fennell), Sound of metal (Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder), The Trial of the Chicago 7 (Aaron Sorkin).

Mejor Guion Adaptado: Borat Subsequent Moviefilm (Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Erica Rivinoja y Dan Swimer), The Father (Christopher Hampton y Florian Zeller), Nomadland (Chloé Zhao), One Night in Miami (Kemp Powers), The White Tiger (Ramin Bahrani).

Mejores Efectos Especiales: Love and Monsters, The Midnight Sky, Mulan, The One and Only Ivan, Tenet.

Mejor Película Corta de Animación: Burrow, Genius Loci, If Anything Happens I Love You, Opera, Yes People.

Mejor Película Corta de Acción Real: Feeling Through, The Letter Room, The Present, Two Distant Strangers, White Eye.

Mejor Banda Sonora: Da 5 Bloods, Mank, Minari, News of the World.

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De Niro no ve la suya: su divorcio le costaría la mitad de su fortuna

HOLLYWOOD.- La pandemia del coronavirus unida a los problemas económicos que le está acarreando su divorcio de Grace Hightower, ha puesto a la estrella de Hollywood ROBERT DE NIRO en una complicada situación monetaria.

En una audiencia virtual, la abogada del actor pidió a la corte que se desestime el acuerdo prenupcial de la pareja, pues se le pide un millón de dólares anualmente, conforme a dicho tratado, mismo que se firmó en 2004 cuando Robert y Grace decidieron darse una nueva oportunidad.

La abogada del artista, Caroline Krauss, dio a conocer las condiciones en las que está el mejor actor en los premios Oscar en 1981 con la película Toro salvaje.

El señor De Niro tiene 77 años, y aunque ama su oficio, no debería verse obligado a trabajar a este ritmo prodigioso porque tiene que hacerlo. ¿Cuándo terminará eso? ¿Cuándo tendrá la oportunidad de quizás no coger todos los proyectos que se le presenten? ¿O no trabajar seis días a la semana durante 12 horas al día simplemente para seguir el ritmo de la sed de la señorita Hightower por Stella McCartney?”, ha dicho la letrada haciendo referencia a la pasión de su ex mujer por la moda.

De Niro podría enfermar mañana, y la fiesta habrá terminado“, concluyó la abogada.

Al respecto, el representante legal de la exesposa del actor manifestó que no pueden ser ciertos los problemas financieros de De Niro, pues con El irlandés, filme de 2019, recibió una cifra cercana a los US$5 millones, y de ahí gastó US$450.000 que destinó para unas vacaciones de Acción de Gracias y US$1 millón que les dio a sus hijos entre 2019 y 2020.

El actor es dueño de una de las cadenas de hoteles y restaurantes más de prestigiosas de Estados Unidos y parte de Europa, Nobu. Ambos se vieron afectados por las restricciones que han obligado a mermar la actividad de los locales, además del cierre total de los meses de cuarentena.

Publican medios internacionales que la historia entre De Niro y Hightower lleva años dando de qué hablar. La pareja se casó en 1997. Ella era azafata de vuelo y tras dos años de matrimonio firmaron su primer divorcio en el 99.

En 2004 ambos sorprendieron al darse una nueva oportunidad, aunque quisieron hacer un acuerdo prenupcial que beneficiase a ambos en caso de una nueva separación. En 2018 llegó ese segundo desencuentro y, de acuerdo a lo firmado, el intérprete de Los intocables de Eliot Ness debe abonar un millón de dólares al año a su expareja.

También Hightower solicita que le sea entregada la mitad de la fortuna de De Niro, que según sus cálculos, está avaluada en cerca de 500 millones de dólares.

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Murió el primer actor Patricio “Pato” Castillo a los 81 años

CIUDAD DE MÉXICO. -El actor chileno PATRICIO CASTILLO falleció este día a los 81 años de edad luego de haber sido hospitalizado por una afección pulmonar derivado de un cáncer.

El Sistema de Teatros de la Ciudad de México confirmó la noticia a través de su cuenta de Twitter.

 “Con profunda tristeza despedimos el día de hoy al primer actor: el Maestro Patricio Castillo (1940-2021), figura trascendental del teatro, el cine, la radio y la televisión en nuestro país (sic)”, compartió.

El pasado 12 de abril el primer actor fue hospitalizado por una afección pulmonar, sin embargo su esposa tuvo que salir a desmentir que había sido por COVID-19. Durante una entrevista cedida a Hoy, Haunani Ruíz, pareja del actor, aclaró que Castillo no había contraído coronavirus.

“Tuvo una baja de saturación y todo mundo corriendo de: ‘Covid, covid’. Gracias a Dios no fue así, este es un hospital no covid, no es covid”,  aseguró Haunani Ruíz.

De acuerdo al Sistema de Teatros de la CdMx, Castillo forjó una notable trayectoria de más de 130 puestas en escena. En los últimos años se pudo ver a Patricio Castillo en producciones como La mexicana y el güero, Mi querida herencia y Mi marido tiene más familia.

En el último mensaje que Castillo escribió en su cuenta de Instagram, agradeció los mensajes de preocupación de la gente.

“Gracias por su preocupación, estoy internado pero gracias a Dios no es covid, estoy estable, contento y agradecido con la vida. Y también impresionado con la cantidad de cosas que se pueden inventar. Reitero, estoy estable y muy contento. Gracias a todos”, escribió.

Patricio Castillo concedió una entrevista para TV&SHOW A LA DISTANCIA, que se encuentra en el canal de YouTube RONDERO’S MEDIOS

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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“Nomadland” y Zhao siguen con la racha de premios, ahora los DGA

ROMA.- NOMADLAND de CHLOE ZHAO triunfó en los Premios DGA, los prestigiosos premios otorgados por el Sindicato de Directores de Hollywood. Un resultado histórico para la cineasta china, la segunda mujer en lograrlo, después de Kathryn Bigelow por The Hurt Locker).

Los DGA preceden a los Oscar, que este año se celebrarán el 25 de abril, en una temporada que ha sufrido considerables retrasos debido a la pandemia y con eventos que se siguen llevando a cabo en modo virtual.

ZHAO, de 39 años, autora de la película independiente The Rider, elogió a sus compañeros nominados en su discurso, que todavía tratarán de instalar su película estadounidense adorada por la crítica en los Premios de la Academia. “Quiero darle las gracias por enseñarme mucho y por darme su apoyo, haciendo este viaje mucho más especial”, dijo a los cineastas rivales. Entre esos directores se encontraban David Fincher (Mank), Emerald Fennell (Promising Young Woman) y Lee Isaac Chung (Minari), quien también compitió como mejor director en los Premios de la Academia.

Zhao ahora se presenta como una gran favorita. Si bien es cierto que el Sindicato de Directores de América el año pasado prefirió a Sam Mendes (1917) al ganador del Oscar Bong Joon-ho (Parásitos), en los seis años anteriores siempre predijo correctamente al ganador del Óscar.

Nomadland es un drama semi-ficticio, sigue a una comunidad de viejos estadounidenses que viven en camionetas, dejados al margen por la Gran Recesión, inventando una nueva vida en el Oeste estadounidense.

Zhao, quien nació en Pekín, dijo que espera que el público pueda “experimentar la vida de las personas que podrían considerar ‘la otra'” y así “dejar el sentimiento un poco menos solo”. Describió la dirección como una salida y un remedio para su propia experiencia de “soledad, muy intensa en mi vida”.

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Sin una clara favorita las cinco actrices que se disputan el Oscar

LOS ÁNGELES.- Retratos de dos leyendas de la música, Billie Holiday y Ma Rainey, una venganza contra el abuso masculino, una madre luchando con el luto más difícil de tratar, y un nómada moderno, son los personajes encarnados por las cinco actrices que este año se disputarán el Oscar a Mejor Actriz. Ellas son: ANDRA DAY (Billie Holiday), VIOLA DAVIS (Ma Rainey’s Black Bottom), CAREY MULLIGAN (A Promising Woman), VANESSA KIRBY (Pieces of a Woman) y FRANCIS MCDORMAND (Nomadland).

VIOLA DAVIS

Una carrera que por el momento parece sin una favorita definida, no obstante que Viola Davis es también la nueva ganadora del Premio Sag otorgado por la Unión de Actores, a menudo indicativo para los Oscar.

Después de hacer historia en los Premios de la Academia, como la actriz negra que recibió más nominaciones (cuatro), VIOLA DAVIS, ya ganadora en 2017 de la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por Barriere, podría convertirse en la segunda actriz afroamericana después de Halle Berry en 2002 (como Andra Day) en ganar el Óscar a la Mejor Actriz en un papel principal con Black Bottom de Ma Rainey de Charles C. Wolfe, con ChadWick Boseman (para él nominado póstumamente para un papel principal). Una película, que al igual que Barriere está basada en un drama de August Wilson y es coproducida por Denzel Washington.

CAREY MULLIGAN

De vuelta a la carrera por los Oscar, 11 años después de la nominación a An education, la londinense CAREY MULLIGAN, nacida en 1985, da la cara al camaleón vengativo de la película de reveng/comedia negra A promising woman de la directora debut Emerald Fennell, coproducida por Margot Robbie. El personaje principal es Cassie, de treinta años de edad, que lleva a a hombres dispuestos a aprovecharse de borrachos, confundidos o que parecen indefensos. Si “entiendes por qué Cassie está de luto también entiendes por qué hace lo que hace – explicó Carey Mulligan – . La historia resulta ser cierta. Más allá del género y el tono, de divertido a aterrador, sientes que estamos hablando de trauma y vidas reales”.

ANDRA DAY

En 1973, Diana Ross recibió una nominación al Óscar por su ensayo como Billie Holiday en The Lady of the Blues. 48 años después es ANDRA DAY de 36 años, cantautora e intérprete, aquí en su debut cinematográfico como protagonista para conseguir su primera nominación, gracias a un ensayo casi simbiótico, para Estados Unidos vs Billie Holiday de Lee Daniels.

La película cuenta la historia principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks a su pasado), cuando el FBI la convierte en el blanco de una vigilancia constante que bordea la persecución, por su compromiso con una sociedad racista. “Me sorprendió su fuerza, su capacidad para luchar sola, su resiliencia, su poder interno – explicó Andra Day-. Realmente la considero la madrina de la lucha por los líderes de los derechos civiles”.

VANESSA KIRBY

Después de ganar audiencia internacional gracias a su interpretación de la joven princesa Margarita en The Crown, la británica VANESSA KIRBY, nacida en 1988, debutó entre los nominados al Oscar, como una madre que luchaba con un luto devastador, la de la muerte de su hija recién nacida, en Pieces of a woman de Kornel Mundruczo, con Martin Scorsese como coproductor ejecutivo. “Estaba buscando algo que me asustara, un reto -explicó la actriz-. No soy madre y me encontré en este papel casi animal que representaba el dolor de muchas mujeres”. La noticia de la nominación al Oscar le llegó en el set de Misión Imposible 8, mientras estaba maquillada: “Hice un fuerte suspiro – le dijo a Los Angeles Times– que la maquilladora pensó que alguien había muerto”.

FRANCES MCDORMAND

La reina del set más anti-diva de Hollywood, FRANCES MCDORMAND, ya ganadora de dos Oscar, en 1997 por Fargo y en 2018 por Three Posters in Ebbing, Missouri, regresa a la carrera, tanto como actriz principal como co-presentadora de Nomadland de Chloé Zhao, León de Oro en Venecia 2020 y llegando a Star (Disney+) a partir del 30 de abril.

En la película Frances McDormand como Fern, decide vivir como un trabajador’, esos trabajadores mayores, víctimas de la crisis económica que se mueven por las calles de los Estados Unidos como nuevos nómadas en busca de empleos estacionales. “Hacer ese tipo de vida, moverse constantemente por los grandes espacios -explicó la actriz- pagando gastos con trabajo ocasional son decisiones difíciles, pero tienen mucho que ver con el sueño americano que no es sólo el sueño del éxito económico”.

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Debaten de nuevo si los premios Oscar permitirán formato virtual de Zoom

NUEVA YORK.- Los premios Oscar 2021 podrían eventualmente incluir formato virtual a través de Zoom. Después de las protestas de algunos nominados y discusiones con los organizadores, la Academia podría permitir que aquellos que luchan por venir a Los Ángeles asistan a la ceremonia en formato virtual.

Esta versión surgió de Hollywood Reporter, que anticipa una reunión entre los candidatos y los productores de “Noche de las estrellas” Steven Soderbergh, Stacey Sher y Jesse Collins en cuya agenda están “actualizaciones en el programa” y detalles sobre qué hacer en caso de que se necesite una participación virtual el 25 de abril.

La reunión estaba programada la semana pasada y luego cancelada repetidamente. A principios de marzo, los organizadores habían descartado categóricamente el uso de videoconferencias después del fracaso de audiencia grabado por otros premios realizados en formato híbrido, en particular los Grammy.

A los candidatos se les ofreció la única opción de intervenir en persona en Union Station, la histórica estación de tren de Los Ángeles cuyo tamaño permitiría el distanciamiento social contra Covid, una opción accesible para aquellos que viven en la Meca del cine, menos para aquellos que tienen que venir de lejos como los representantes de las cinco películas internacionales en la competición: el danés Another Round de Thomas Vinterberg que también está nominado para dirigir, Collective de Rumania también se postula para mejor documental, The Man who sold his skin tunecino con Monica Bellucci, Better Days de Hong Kong y Quo Vadis Aida de Bosnia y Herzegovina.

Luego están las directoras Emerald Ferrell (Promising Young Woman) y Chloe Zhao (Nomadland), ninguna de las cuales está en los Estados Unidos en estos días, así como Carey Mulligan (Promising Young Woman), Sacha Baron Cohen (Borat 2, The Chicago 7 Trial), Anthony Hopkins (The Father), Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) y Yuh-Jung Youn (Minari).

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Johnny Depp, mal y de malas: le niegan apelación contra “The Sun”

LONDRES.– Mal y de malas para JOHNNY DEEP, el Tribunal de Apelaciones británico denegó al actor estadounidense la posibilidad de recurrir una sentencia de noviembre a favor del diario sensacionalista The Sun contra el que se había querellado por difamación.

La estrella de Hollywood, de 57 años, había demandado al grupo editor del periódico, News Group Newspapers (NGN), por un titular de abril de 2018 en que lo presentaba como un “golpeador de esposas” en referencia a su exmujer, la actriz Amber Heard, de 34 años.

Esta vez la apelación de Johnny Depp terminó en un naufragio. No podrá apelar ante los tribunales británicos contra el Sun de Rupert Murdoch, tabloide que el actor había demandado por haber sido tachado en 2018 de marido “golpista” hacia Amber Heard, ex modelo, actriz y última esposa de Johnny.

El inquieto, atormentado y turbulento protagonista de Piratas del Caribe había criticado duramente ese veredicto, calificando de injusto y anunciando su intención de apelar con sus abogados ante el tribunal superior. Pero la posibilidad de recurrir -que en el sistema británico tiene que ser examinada y aprobada por un juez- le fue denegada por supuesta falta de argumentos suficientes primero por el mismo magistrado en el primer juicio y ahora también por un tribunal de segunda instancia.

La derrota legal en el Reino Unido se convierte así en definitiva; y, después de haber tenido ya un fuerte impacto en la imagen y carrera cinematográfica de Depp podría tener efectos devastadores incluso en las disputas legales aún abiertas en el caso de divorcio de Estados Unidos.

Siempre amado por el público, también y sobre todo femenino, el actor de 57 años se encuentra inmerso en la campaña MeToo.

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Disney, mismo día y hora para sus estrenos “Viuda Negra” y “Cruella”

LOS ÁNGELES.-Disney sigue el ejemplo de Warner Bros y ha decidido lanzar sus películas insignia tanto en cines como en su plataforma de streaming Disney+ a la misma hora, día y fecha. Es el caso de Viuda Negra con Scarlett Johansson como Natasha Romanoff, que se ha pospuesto para su estreno hasta el 9 de julio.

Lo mismo le sucede a la película Cruelle, con Emma Stone, programado para su lanzamiento el 28 de mayo. Ambas películas estarán disponibles a un costo adicional en comparación con la suscripción mensual a la plataforma.

Cruella De Vill estaba algo chiflada, era fanática de las pieles y tenía una personalidad oscura, y todo eso la convirtió en una de las mejores villanas en la historia de Disney. 60 años después del estreno de la película animada (de 1961), Cruella tendrá su propio live action en el que será interpretada por la ganadora del Oscar Emma Stone.

La nueva versión, de acuerdo con Disney, retrata los primeros días de una de las villanas más notorias del cine e icono de la moda (aunque sin hacer abrigos con cachorros).

Cruella está dirigida por Craig Gillespie (Yo soy Tonya) y producida por Andrew Gunn (Un viernes de locos), Marc Platt (El regreso de Mary Poppins) y Kristin Burr (Christopher Robin: un reencuentro inolvidable), con Emma Stone y Michelle Wright (Baby Driver) como productora ejecutiva. Además, con una villana que además es una figura importante en la moda, los vestuarios fueron creador por la diseñadora de vestuario dos veces ganadora del Oscar Jenny Beavan, quien recientemente trabajó en Mad Max: Furia en el camino.

De hecho, la decisión de Disney es como un rayo de luz para las cadenas de películas y se produce después de que Warner diera un paso atrás de los nuevos estrenos en 2022, que tendrán una ventana exclusiva para los cines de 45 días. Y después de que la industria comenzó a refundarse gracias a la reapertura de mercados importados como Los Ángeles y Nueva York, que estuvieron cerrados por un período más largo que otras ciudades estadounidenses debido a la pandemia.

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“La Liga de la Justicia” no se da por vencida para deleite de sus fans

ROMA.- Un drama familiar había llevado a Zack Snyder a abandonar, en 2017 en la fase de postproducción (conservando su firma), su proyecto más ambicioso, la historia de los icónicos superhéroes de DC que se unen en LA LIGA DE LA JUSTICIA.

Para terminar y ‘corregir’ la obra había sido elegida Joss Whedon (Los vengadores), entonces muy popular y ahora en desgracia por las acusaciones de comportamiento inapropiado, abuso verbal, y no sólo por varias actrices sino también por actores que a lo largo de los años han trabajado con él.

La película había salido muy cortada y reelaborada, decepcionando tanto al público como a la crítica. Ahora, gracias a una movilización de fans en las redes sociales y a los 70 millones de dólares puestos a disposición por Warner Bros, el director original ha vuelto al proyecto y acaba de transmitirse en Estados Unidos y el resto del mundo, en Italia en Sky Cinema Uno y Now (streaming bajo demanda), su versión extralarge (tres horas y 54 minutos), LA LIGA DE LA JUSTICIA de Zack Snyder.

La trama sigue centrada en Batman (Ben Affleck), Wonder Woman (Gal Gadot), todavía sacudida por el sacrificio de Superman (Henry Cavill), Alista también a otros superhéroes: Flash (Ezra Miller), Cyborg (Ray Fisher) y Aquaman (Jason Momoa), todos juntos para luchar contra la nueva amenaza global, representada por el alienígena invasor Stepranwolf (Ciaran Hinds) y sus Parademons. Snyder vuelve a colorear la historia con un mayor aliento épico y ritual para escenificar lo que el director ve como una mitología.

El escenario vuelve a prevalecer en un mundo sombrío y casi sin esperanza, lleno de sueños y pesadillas y “purificado” por el aligeramiento a menudo pospuesto, acompañado por Whedon. La duración es excesiva y no faltan giros vacíos, pero desaparecen algunas incoherencias en la textura y simplificaciones creadas por los cortes.

El corte del director en su conjunto inmediatamente se ganó a los fans, ya involucrados en una nueva campaña en las redes sociales, con el hashtag #RestoreTheSnyderverse, para pedir a Warner Bros, que regresara para las películas sobre superhéroes de DC a la dirección que Snyder quería darle, tal vez a partir del proyecto de La Liga de la Justicia 2.

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“La guerra te cambia para poder entender la vida”: Oliver Stone

ROMA.-“Buscar luz es, para todos los directores, encontrar la tinta adecuada para escribir la película, contar las sombras sin sentirse abrumado”, así lo expresó OLIVER STONE en la masterclass inaugural de la sexta edición de Filming Italy, que se efectuará desde esta noche hasta el 21 de marzo de 2021 vía streaming, junto a la presidenta honoraria Claudia Gerini y, en representación de Estados Unidos, Harvey Keitel.

En esta reunión de seminarios web, el director, guionista, productor de cine y actor estadounidense, nacido en 1946, conversó con cientos de estudiantes conectados en línea para contar sobre su carrera y su libro LOOKING FOR LIGHT (El barco de Teseo).

“Demasiada gente y por mucho tiempo me preguntaron cómo encontré el dinero para mi primera película Salvador o para Platoon, así que decidí escribir cómo fueron las cosas realmente. Y necesitan saber que me tomó 20 años hacer Platoon, porque ninguno de los estudios quería financiarlo. Como dice el título del libro, se necesita mucho tiempo para encontrar luz, tanto para el hombre mismo como para el director cuando filma una escena y quiere un efecto particular”.

OLIVER STONE, quien obtuvo dos veces el Oscar al Mejor Director por Platoon y Nacido el 4 de julio, añade: “De niño quería ser escritor, pero luego tuve que rendirme y alistarme para ir a Vietnam. También había considerado la idea de la escuela de cine como una posible ocupación, pero no sabía si me daría la oportunidad de expresarme realmente. Pero fue allí donde seguí en la mitología griega, que en realidad no estaba en el programa, lo que cambió mi perspectiva, tanto como hombre como como escritor de guiones. De hecho, siempre me ha gustado la historia griega y romana y la forma en que vieron la guerra”.

Pero entonces el director señala: “La diferencia entonces para aquellos que fueron a la guerra como yo y sobrevivieron, es precisamente entender lo importante que es la vida y lo mucho que tienes que ser consciente de ello. Mi experiencia en Vietnam me cambió y si me tomó tantos años hacer Platoon es porque quería hacer una película en el signo de la verdad sobre cómo realmente fueron y eso no atraía en América. La guerra es una experiencia que te cambia, una experiencia definitiva que te transforma. Estados Unidos, añade, nunca ha querido ver ciertas verdades, ver veteranos en silla de ruedas como Tom Cruise en la OTAN el 4 de julio”.

“Mi país – continúa Stone – está enamorado de la guerra, es muy popular en los Estados Unidos, es parte de la mentalidad estadounidense. No lo acepto como el hecho de que Estados Unidos siempre necesitó un enemigo”.

En las series de televisión, cada vez más populares hoy en día, Oliver Stone externó: “Puedes hacer películas de muchas maneras y con duraciones diferentes. Hoy en día se puede hacer una película incluso con un teléfono móvil, el problema en todo caso es el de la distribución que ciertamente no le gustan las películas largas. También las hice y luego los vi cortar precisamente por problemas de distribución, pero esto es normal”. ¿La oportunidad de hacer una secuela del libro? Es algo que me encantaría, pero aún no lo sé”, concluyó.

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Bertolucci fue el más internacional de los cineastas italianos

ROMA.- BERNARDO BERTOLUCCI (16 de marzo de 1941-26 de noviembre de 2018) cumpliría 80 años, el más internacional de los cineastas italianos. Ha sido el único realizador de la península que obtuvo un Oscar al Mejor Director en 1988, gracias a EL ÚLTIMO EMPERADOR, que le llevó a ganar nueve estatuillas.

En su casa de Roma tampoco faltaban los Globos de Oro, los premios a la carrera de la Mostra de Venecia y de la Academia de Los Ángeles, el Leopardo de Honor en Locarno y una avalancha de premios nacionales, incluidos David di Donatello, Nastri d’Argento y Ciak d’oro.

El de Bertolucci fue un camino surcado por éxitos (su estrella brilla en el Camino de la Fama de Los Ángeles) al igual que en suelo italiano donde inició con su ópera prima, La commare secca (1962) y en la escena internacional con la nominación al Oscar por Il conformista (1970).

Habría cumplido 80 años si la enfermedad no se hubiera apoderado de él, primero por una cirugía de espalda incapacitante y luego por un tumor incurable que le ocasionó su deceso el 26 de noviembre de 2018.

Cuatro años antes, su ciudad natal, Parma, le regalaba la satisfacción tal vez ambicionada en secreto: un título honorífico en historia y crítica de las artes escénicas.

Con su habitual sonrisa irónica, Bertolucci subió al palco para una memorable lección magistral que recorrió todas las etapas de su vida artística, comenzando por la infancia y la enseñanza de su padre, el poeta Attilio, para luego continuar un viaje como un eterno adolescente, con los ojos muy abiertos frente al “misterio del cine”.

De hecho, ese es el título del libro que, gracias a la pasión de su esposa, Claire Peploe, llega hoy a las librerías de Italia y reproduce aquella mágica lección, un ejercicio de sinceridad, memoria, poesía y técnica que recorre con mirada lúcida toda su obra.

El editor de libro, Michele Guerra, recordó que aquel día, tras haber entregado su diploma en la cátedra, el 16 de diciembre de 2014, fue para Bertolucci un verdadero “regreso a casa”.

La ocasión estuvo teñida de emoción y recuerdos, como para marcar la verdadera característica que connota su éxito: llevar su tierra a los rincones más recónditos del mundo, de China al Tíbet, del Sahara a París, sin arrancar nunca sus raíces, extraordinariamente evidente en el poema más ambicioso, el díptico del Novecento.

Bertolucci fue, antes que nada, un poeta, si bien la impronta paterna se revela solo en una antología adolescente, En busca del misterio, publicada en 1962 y premiada como ópera prima.

El cineasta fue un poeta por su visión casi infantil del cine como una linterna mágica del inconsciente, un lugar de sombras y ambigüedad en el que el hombre se pierde en busca de sí mismo mientras la sociedad que lo rodea lo transforma y lo desborda todo.

También lo fue al dejar la universidad para seguir a otro poeta, Pier Paolo Pasolini, elegido como maestro y a quien acompañó en el descubrimiento del “oficio” cinematográfico en el set de Accattone, en el que ambos debutaron, uno como director, el otro como aprendiz.

La poesía estuvo presente incluso en los viejos por el mundo, en la búsqueda de un secreto que llevaba dentro y que proyecto en el niño emperador de su “kolossal” sobre la reencarnación de Buda o en los dos niños amigos, obligados luego a crecer como Italia a través del fascismo en Novecento.

En un examen más detenido, muchas de sus películas revelan un punto de vista secretamente infantil o adolescente: tanto en Antes de la revolución (rodada en Parma) y en El Conformista, en los godardianos Socio, Último tango en París y, más tarde The Dreamers, en el inquieto Joe de La Luna, en la chica viajera de Té en el desierto y en la soleada Lucy de Yo bailo solo, hasta el adolescente Lorenzo en su última película , Tú y yo de 2012.

Evidentemente hay excepciones, cuando Bertolucci mira las transformaciones de su país con un ojo desencantado entre La estrategia de la araña, la otra cara de El conformista; La tragedia de un hombre ridículo, el pensativo Asedio, que es quizás su última y verdadera obra maestra.

El deseo que deja Bertolucci en las páginas de su libro es precisamente que el cine italiano recupera pronto su madurez, que vaya de la mano de una constante estatura internacional, pero en la que no se menoscaben las dos fortalezas de su obra: la luz del asombro de la mirada de un niño la mirada y la fuerza consciente de las propias raíces.

La última mención de su título honorífico lo devuelve a su verdadero mundo incluso hoy.

“Parma y las tierras bajas y colinas que la rodean -leemos- han aparecido en muchas de sus películas, desde Antes de la revolución en adelante, testificando el profundo vínculo que ha mantenido Bernardo Bertolucci con sus lugares de origen”.

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“Mank” domina nominaciones y dupla de directoras van por Oscar

NUEVA YORK.- La película MANK, del cineasta David Fincher y protagonizada por Gary Oldman, lideró hoy con 10 candidaturas las nominaciones de los Premios Oscar, cuya 93 ceremonia se llevará a cabo el 25 de abril próximo, así lo dio a conocer la Academia de Hollywood, a través de una ceremonia conducida por Nick Jonas y Priyanka Chopra Jonas, quienes dieron a conocer las 23 categorías.

Al igual que ocurrió con otras distinciones, la noche más importante del cine debió modificar su calendario por la pandemia del coronavirus.

Por primera vez en la historia de los premios de la Academia, más de una directora fue nominada en la categoría de mejor dirección. Se trata de Chloé Zhao (Nomadland) y Emerald Fennell (Promising Young Woman), que fueron seleccionadas en la categoría en la que compiten contra Thomas Vinterberg (Another Round), David Fincher (Mank) y Lee Isaac Chung (Minari).

Zhao también se convirtió en la primera mujer asiática en ser nominada.  

La edición 93 de la ceremonia estaba programada originalmente para el 28 de febrero, pero los organizadores decidieron correr la fecha dos mes más tarde para que pueda hacerse de forma presencial. Aún se desconoce cómo será la gala con los protocolos sanitarios.

Mank, el retrato de David Fincher del hombre que coescribió “Citizen Kane”, encabezó el grupo de nominados al obtener 10 nominaciones, incluida la de mejor película.

Ocho películas fueron nominadas a mejor película, el premio más prestigioso de Hollywood. A Mank se le unieron The Father, Judas y el Mesías Negro, Minari, Nomadland, Promising Young Woman, Sound of Metal y The Trial of the Chicago 7.

Los artistas postulados para los honores de actuación son notablemente diversos este año, un marcado contraste con hace cinco años, cuando una lista de nominados completamente blancos ayudó a impulsar el hashtag #OscarsSoWhite.

Steven Yeun, la estrella del conmovedor drama familiar Minari, se convirtió en el primer hombre asiático-estadounidense en ser nominado a mejor actor.

Nueve de los 20 nominados son personas de color, incluido Chadwick Boseman, el ex Pantera Negra de Marvel que fue reconocido póstumamente por Ma Rainey’s Black Bottom.

Hasta el momento se desconoce si la próxima ceremonia tendrá un anfitrión. Los dos últimos shows de los Premios de la Academia no tuvieron presentadores.

Dos nominaciones al Oscar por Pinocho por Matteo Garrone: está nominado al vestuario por Massimo Cantini Parrini y por el maquillaje de Mark Coulier, Dalia Colli y Francesco Pegoretti. El anuncio de hoy.

Laura Pausini fue nominada al Óscar por “Io Si” en la categoría de mejor canción original por la película La vita davanti a siè de Edoardo Ponti.

Nocturne, de Gianfranco Rosi, se ha quedado fuera de las nominaciones al Oscar. La película de Rosi había entrado en la lista de los quince mejores documentales, pero fue excluida de la cinquina.

 En un año definido por los cierres de las salas de cine, muchos de los nominados provenían de plataformas de transmisión, la mayoría de Netflix.

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Kim Novak revela décadas después que Tony Curtis abusó de ella

NUEVA YORK.- KIM NOVAK, la joya de la corona del cine de la década de 1950 que protagonizó “Vértigo” de Alfred Hitchcock, reveló haberse despertado aturdida y desnuda después de tomar solo una copa en una fiesta organizada por Tony Curtis.

“Tony Curtis me trajo una bebida”, explicó Novak, de 88 años, en una entrevista explosiva con el Hollywood Reporter. “No lo sé, creo que solo tomé una copa allí. Pero eso es lo último que supe. No sé nada después”, añadió.

“No sé qué pasó después de eso o cómo mi auto regresó al frente de mi apartamento”, recordó la actriz, quien cree que su bebida estaba “adulterada”. “Creo que Tony Curtis lo hizo”, dijo Novak, quien jamás había contado hasta ahora lo ocurrido en aquella reunión.

Curtis, candidato a un Premio Oscar a Mejor Actor por el filme The Defiant Ones (1958) y padre de la ganadora del Golden Globe Jamie Lee Curtis, falleció en 2010.

“La gente no hablaba de cosas así, pero nunca pude entenderlo… nunca me desmayé en toda mi vida”, dijo la estrella de Picnic, entre otras películas. La actriz, de 88 años, recordó que, al despertar al día siguiente, “no estaba vestida”.

Novak, quien se alejó de la escena pública a mediados de los años 60, admitió haber soportado varias “experiencias #MeToo” a manos de los grandes productores y directores de Hollywood.

Sin embargo, Novak aclaró que el director Harry Cohn, quien fuera director del estudio de Columbia Pictures, fallecido a mediados de 60, no fue uno de ellos a pesar de haberla considerado una “polaca tonta y gorda”.

“No, ni tonta, gorda, ni polaca”, afirmó Novak, quien tuvo un retorno al centro de atención como presentadora de premios Oscar en 2014, durante el cual Donald Trump tuiteó y sugirió que debería “demandar a su cirujano plástico”.

Novak ha pasado la segunda mitad de su vida pintando. Sus creaciones de acuarela, pastel y óleo están expuestas al público en el Butler Institute of American Art en Youngstown, Ohio.

La actriz aseguró que el filme Vértigo de Hitchcock, que derrotó a Citizen Kane como la Mejor Película de todos los tiempos en 2012, en una encuesta de Sight & Sound, y la potencia del movimiento #MeToo, ayudaron a inspirar su arte.

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J.Lo y Alex Rodríguez en punto de quiebre por tercera en discordia

NUEVA YORK-.- Un intercambio de mensajes privados y algunos “me gusta” en algunas fotos en las redes sociales, han detonado la posible ruptura sentimental de la famosa pareja JENNIFER LOPEZ y ALEX RODRÍGUEZ.

La tercera en discordia apunta a Madison LeCroy, estrella del reality show Southern Charm. Según varios medios estadounidenses, López presintió la traición hasta el punto de decidir romper su matrimonio con el ex jugador de béisbol después de cuatro años, incluyendo dos de compromiso oficial.

Los rumores sobre Rodríguez, de 45 años, y LeCroy, de 30, habían comenzado a circular a principios de este año, pero según la joven era sólo un intercambio de mensajes, sin ninguna consecuencia.

El New York Post publicó que A-Rod había dado a conocer una foto en su perfil de Instagram a bordo de un yate frente a Miami. “¿Planes para el fin de semana?”, había escrito.

La pareja anunció su compromiso en 2019 durante unas románticas vacaciones en las Bahamas. Se suponía que la boda se celebraría en Italia el año pasado, pero fue pospuesta debido a la pandemia.

Los dos más tarde dijeron que no había prisa para otra cita. Lopez también reveló durante una entrevista que durante el aislamiento de la pandemia estaban haciendo terapia de pareja. Ambos tienen dos hijos de uniones o matrimonios anteriores.

LA TERCERA EN DISCORDIA: MADISON LECROY

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Liza Minelli y sus intensos 75 años

NUEVA YORK.LIZA MINELLI celebrará este día sus 75 años de vida de manera virtual, pero a las ocho de la noche (hora de Nueva York) la plataforma Estelar se iluminará para un gran espectáculo en su honor concebido por el productor Daniel Nardicio, con dinero donado a la caridad. Entre los grandes que han garantizado su participación y que representan las tres carreras de la diva (música, teatro, cine), serán: Joel Grey, Lily Tomlin, Catherine Zeta-Jones, Chita Rivera, Joan Collins, Harry Connick Jr, Ute Lemper, Billy Stritch, Sandra Bernhard, Mario Cantone, Tony Hale, Coco Perú, John Cameron Mitchell, Andrea Martin, Seth Sikes y Neil Meron.

“Estoy emocionado de poder hacer esto por Liza y sus amigos y fans -anunció el productor Daniel Nardicio-. Es una noche para decir todos juntos en total seguridad y cumplimiento de las reglas: todos amamos a Liza”.

Renacida de sus cenizas al menos tres veces en su vida, protagonista y testigo de edades muy diferentes del espectáculo americano, LIZA MINELLI nació en Los Ángeles, en 1946, hija de una diva de medio corazón como Judy Garland y una de los mejores directores de su época, Vincent Minnelli.

La pequeña Liza tuvo que fortalecerse desde una edad temprana para hacer frente al distanciamiento de su padre y los vaivenes emocionales de su madre, presa del alcohol y las drogas que a menudo la hacían incapaz de cuidar de sus tres hijos, dos de ellos los medio hermanos de Liza.

A los 16 años, su madre la empujó al escenario de Broadway, consiguiendo un papel en el musical Best Foot Forever (1963) y al año siguiente hizo duetos con Judy Garland en Londres en un concierto que permanecería en los anales. En Europa conoce al cantautor australiano Peter Allen, quien será el primero de sus cuatro maridos.

De su madre heredó el carácter tenaz y sulfuroso, de su padre la elegancia innata, el sabor de la belleza y el amor por el cine. Cuando Liza sea una estrella, se encontrarán en Roma en el set de Nina (1976), el homenaje de Minnelli a esa Italia de la que la familia es originaria de Palermo y a un cine felliniano que añade imaginación y sueño.

Si Liza Minnelli se impone en la sala de grabación y en el escenario muy pronto, en ambos casos a principios de la década de 1960, el cine realmente le da la bienvenida sólo en 1969 con Pookie de Alan J. Pakula, que le valdrá su primera nominación al Oscar.

Su filmografía es más que selectiva – sólo 15 títulos – y en su mayoría no memorable, mientras que el camino entre el teatro y la música está salpicado de premios: seis Emmy-Grammy. Pero sólo se necesitan dos películas para entrar en la leyenda de Hollywood: gracias a Bob Fosse (que luego lo tendrá en el teatro para Chicago) ganó el Óscar a la Mejor Actriz de 1973 con Cabaret, cuyas canciones siguen siendo muy populares incluso hoy en día.

Cinco años más tarde, en 1977, fue Martin Scorsese quien la llamó junto a Robert De Niro en Nueva York, Nueva York. Será un triunfo para los dos: la canción guía, dedicada a Manhattan y escrita por John Kander para la película, sigue siendo un símbolo inoxidable de la Gran Manzana y la portada grabada por Frank Sinatra en 1980 sólo ha revivido su mito.

En estas dos películas Liza Minnelli propone una carga vital, una espontaneidad contagiosa hecha de fragilidad y orgullo que se mueve desde la primera toma y que atrae a personajes destinados a convertirse en iconos. Esta eterna niña que ha pasado por una carrera siempre y cuando su vida entre momentos emocionantes y profundidades desesperadas sea intrépida, bajando los mismos pasos que su madre entre múltiples adicciones y asistencia psicológica, para regresar cada vez más fuerte.

La última vez que se dejó ver Minelli en Italia fue en el Festival de Verano de Lucca en 2014, mientras que en televisión apareció hace un año en la popular serie The Great British Sewing Bee. Pero en la imaginación de todos sigue siendo la ingenua Francine, la que se deja seducir por el genio del saxofonista Jimmy Doyle y que como crisálida se convertirá en una mariposa que sólo se aleja de él para convertirse en diva y cantante en las notas de ese tema de Nueva York, Nueva York que Jimmy había compuesto para ella mucho antes.

Liza Minnelli, a sus 75 años, es una mujer de hoy, pero su carisma e icono pertenecen a otro momento, el de ese Hollywood que nunca volverá.

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Los premios Bafta corrigen la plana en mujeres nominadas este año

LONDRES.- NOMADLAND y ROCKS con siete nominaciones cada una; EL PADRE, MANK, MINARI y MUJER JOVEN PROMETEDORA con seis nominaciones cada una, conforman el selecto grupo de filmes que aspiran a los Premios BAFTA el próximo 11 de abril, a realizarse de manera virtual.

Cuatro mujeres en la carrera por Mejor Directora contrastan con lo acaecido el año anterior cuando la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de la Televisión, no incluyeron a ninguna mujer en el máximo galardón a realizadores.

Anthony Hopkins y Frances McDormand, por su parte, figuran entre los nombres más destacados de la lista de nominados a los premios Bafta, los británicos Oscar.

Hopkins ha sido nominado por su actuación en The Father, en la que interpreta a un hombre que se desliza en la demencia. La actriz de Fargo Frances McDormand, ha sido seleccionada por su papel en la aclamada road movie independiente Nomadland, que también produjo, en la que interpreta a una mujer nómada que se muda al Oeste americano. La directora china de la película, Chloe Zhao, es una de las cuatro mujeres en la lista de mejor director.

Las otras son Shannon Murphy por Babyteeth, un drama australiano, la bosnia Jasmila Zbanic por la película Quo Vadis, Aida? y la británica Sarah Gavron por Rocks.

Rocks está protagonizada por Bukky Bakray, una adolescente negra de Londres que se queda en su propio negocio después de ser abandonada por su madre. Bakray se enfrentará a McDormand en la categoría de Mejor Actriz.

La Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión introdujo cambios en los procesos de votación y membresía y la categoría de cine nacional se amplió a 10 nominaciones.

También amplió las nominaciones a Mejor Director, Actor y Actriz de cinco a seis para los premios de este año, que se retrasaron debido a la pandemia de coronavirus. La estrella de Black Panther Chadwick Boseman recibió una nominación póstuma por su actuación como trompetista problemático en Black Bottom de Ma Rainey. También está nominado en la categoría de Mejor Actor la estrella de Rogue One Riz Ahmed por su interpretación de un baterista con fugas auditivas en Sound Of Metal.

Otra ronda, de Thomas Vinterberg, obtuvo cuatro nominaciones a los BAFTA- British Academy Film and Television Awards.

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Murió Isela Vega, sensual transgresora del cine mexicano

La primera actriz mexicana Isela Vega falleció la noche de este martes víctima del cáncer, a los 81 años de edad.

Isela Vega Durazo, originaria de Hermosillo, Sonora, nació el 5 de noviembre de 1939 y a lo largo de su trayectoria figuró en la actuación pero también como guionista, productora y realizadora. ​

Tuvo un hijo, Arturo, con el cantante Alberto Vázquez, así como una hija, Shaula, actriz y bailarina, con el actor Jorge Luke.

“Hoy muere una mujer y nace una leyenda, Isela Vega, tú corazón navega y tú alma ahora descansa, estoy segura que pronto nos volveremos a ver, te amo. Aquí y allá ojalá te reciba tu amado Juanga con Mariachi así como te gustaba, dejas tu legado con nosotros, honraré tu vida el resto de mis días…. te amo”, escribió Brenda Vega.

Vega fue nombrada como la princesa del carnaval local en Hermosillo, en 1957, y comenzó sus pininos en el modelaje, de acuerdo con Jon C. Hopwood.

Su debut como actriz de cine sucedió en la película Verano violento junto a Pedro Armendáriz. Algunas otras importantes películas que realizó fueron: Por mis pistolas en 1968; Las sicodélicas en 1968; Quiero la cabeza de Alfredo García en 1974; Arráncame la vida en 2008; El Infierno en 2010 y su más reciente Cindy la Regia en 2020.

Para la televisión también figuró en telenovelas como Señora tentación en 1994; Ramona en el 2000; Pasión en 2007; la serie Mujeres Asesinas de 2008; El Pantera en 2009; Muchacha italiana viene a casarse de 2014; y su más reciente participación en Like de 2018, además de series de comedia como María de Todos los Ángeles o algunas participaciones en Como dice el dicho.

Vega alcanzó a debutar en las plataformas de streaming, pues hizo el papel de Victoria Aguirre en La Casa de las Flores de Manolo Caro, una producción exclusiva de Netflix.

Entre los premios que recibió, destaca el reciente Ariel de Oro que le otorgaron en 2017 por su trayectoria en el cine, pero no fue el único. Por sus destacadas actuaciones estelares o coactuaciones, también se llevó el Ariel para las producciones Las horas contigo, Fuera del cielo, La Ley de Herodes y La Viuda Negra.

Además, fue reconocida internacionalmente por los premios de la Asociación de Cronistas del Espectáculo, en Argentina, por las películas La Ley de Herodes y Arráncame la vida.

Por su trabajo, algunos importantes institutos, empresas y compañeros de profesión le dedicaron palabras de despedida en las redes sociales. Por ejemplo, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE): “Mujer trasgresora de nuestro cine; actriz, guionista, productora y directora de historias poderosas. Te despedimos con tristeza, también con gran admiración y cariño, Isela Vega. Sigue con nosotros la enorme fuerza que siempre le diste a nuestras pantallas”.

Hizo lo propio, a través de su Twitter oficial, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, casa de los Premios Ariel, con el siguiente mensaje:

La AMACC lamenta profundamente el fallecimiento de la actriz ISELA VEGA, ganadora de 5 premios Ariel, incluyendo uno de Oro 2017 en reconocimiento a su trayectoria en cine. Sin duda una figura que se quedará por siempre en la historia fílmica de las artes mexicanas.

ÓSCAR VELÁZQUEZ

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