“El Padre” y la vejez insoportable

LONDRES.- El primer trabajo fílmico del escritor y cineasta francés Florian Zeller, EL PADRE, se asemeja de inicio a una película aparentemente distante como Sexto sentido de Night Shyamalan. Porque la realidad dilatada de Anthony (Anthony Hopkins), este distinguido anciano que vive en una gran casa londinense, es tan verdadera y posible que piensa en un ataque a su cordura.

EL PADRE adquiere tal similitud cuando Anthony conoce a su hija Anne (Olivia Colman), a quien reconoce y con quien habla, pero un instante después, ya no la reconoce o, al entrar en el salón, encuentra a un extraño sentado, ni siquiera demasiado agradable, haciéndose pasar por su cuñado.

EL PADRE es más que hablar de demencia senil, es un film que se vive paso a paso, secuencia tras secuencia, con los mismos ojos que Anthony, y eso es muy difícil de soportar. En los cines con Bim – a partir del 20 de mayo en el idioma original (con subtítulos en italiano).A partir del 27 de mayo en versión italiana-, THE FATHER, que ganó dos Oscar, a Hopkins por Mejor Actor en un papel protagónico y el del Mejor Guion no Original, firmado por el mismo director francés de 41 años junto a Christopher Hampton (Expiación, The Dangerous Relationships).

La película está basada en la obra THE FATHER (Le père) también escrita por Florian Zeller, que se estrenó en París en 2012, ganando el Premio Molière a la Mejor Comedia, antes de debutar en Broadway y en el West End de Londres, donde ganó los premios Tony y Olivier al Mejor Actor (fue para Frank Langella y Kenneth Cranham respectivamente).

En THE FATHER, Anthony, de 81 años, además de perder continuamente su reloj y creer cada vez que le fueron robados, rechaza a toda la gente, o más bien a los cuidadores, que su afectuosa y paciente hija Anne intenta imponerle. El hecho es que su hija ya no podrá visitarlo como antes porque decidió mudarse a París con un hombre que acaba de conocer.

Es inevitable, como sucede en la escena más desgarradora de la película, que el viejo Anthony en un momento dado se encuentre llorando, invocando a su madre como un niño, y diciendo desesperadamente a sí mismo: “Me siento como un árbol perdiendo todas sus hojas”.

En el reparto, más allá de Hopkins y Colman (nominada al Oscar por el papel de Anne y ganadora del Oscar por The Favorite en 2019), encontramos a Mark Gatiss (The Favorite, la serie de televisión Sherlock), Imogen Poots (Green Room, Let’s Not Throw Us Down), Rufus Sewell (Judy, la serie de televisión The Man in the High Castle) y Olivia Williams (Victoria and Abdul, An education).

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

En un Oscar desangelado ganan “Nomadland”, Zhao, McDormand, Hopkins y 3 mexicanos en sonido

LOS ÁNGELES.- Chloé Zhao se convirtió el domingo en la segunda mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección por su película Nomadland, en una peculiar gala en la era de la pandemia que marca la noche más importante de Hollywood.

Su drama sobre la gente de precarios recursos que recorre el territorio estadounidense en camionetas es la favorita de la fiesta, que se celebra en persona y en vivo en la estación de trenes del histórico centro de Los Ángeles.

“Esto es para cualquiera que tenga la fe y el valor de aferrarse a la bondad en su interior. Y aferrarse a la bondad de los demás”, declaró Zhao al recibir el premio, tras llegar a la gala junto a “nómadas” de la vida real que interpretaron versiones ficcionales de sí mismos.

Nacida en Pekín, Zhao es la primera asiática que gana como directora y la segunda mujer en lograrlo tras Kathryn Bigelow, quien lo obtuvo en 2010 por The Hurt Locker.

El premio a la actriz de reparto se lo llevó, como se esperaba, la surcoreana Youn Yuh-jung por su retrato de la abuela en Minari, un drama autobiográfico sobre una familia coreana que migra a Estados Unidos.

Youn recibió el premio de manos del actor Brad Pitt, diciéndole “¡Finalmente! Un gusto conocerte. ¿Dónde estabas cuando estábamos filmando?”.

En un entrañable discurso, dijo que no creía en las competencias y que no tenía sentido vencer sobre Glenn Close, quien volvió a perder el premio de la academia tras haber sido nominada ocho veces.

“Interpretamos roles distintos. No podemos competir una con la otra. Esta noche tuve un poco de suerte”, añadió.

El director danés Thomas Vinterberg recibió el premio de la Academia a la mejor película internacional por Another Round con un emotivo homenaje a su hija Ida, quien falleció en un accidente de coche poco después de que comenzara el rodaje en mayo de 2019.

“Terminamos haciendo esta película para ella, como un monumento a ella”, dijo, entre lágrimas, el creador de la comedia dramática sobre los altibajos del alcoholismo.

Daniel Kaluuya, quien ganó como actor de reparto por “Judas y el mesías negro”, recibió después su estatuilla de mejor ánimo y diciendo que se sentía “feliz de estar vivo”.

La cinta de Pixar Soul, que explora el sentido de la vida, se llevó la estatuilla a mejor película animada, mientras “Mi maestro el pulpo”, de Netflix, triunfó como mejor documental.

Los mexicanos Jaime Baksht, Carlos Cortés y Michelle Couttolenc -junto a Nicolas Becker y Phillip Bladh-– ganaron al premio al sonido por El sonido del metal, una potente descripción de la experiencia de la sordera.

La actriz y directora Regina King marcó el inicio de la heterodoxa gala diciendo que los invitados, la mayoría de los cuales no llevan tapabocas, “han sido vacunados, testeados, vueltos a testear, están socialmente distanciados y siguen rigurosos protocolos”.

“Estamos de luto por la pérdida de muchos”, recordó.

Antes de que comenzara el show, los artistas se detuvieron brevemente para dejarse fotografiar y dar entrevistas rápidas y distanciadas, en lo que los organizadores llamaron una “alfombra roja diminuta”.

Las actrices Carey Mulligan y Andra Day deslumbraron con el glamour que suele reinar en los Óscar.

La usual multitud de fotógrafos era muy reducida debido a la pandemia y hasta los ejecutivos de los estudios tuvieron que ver la gala por televisión.

“Estamos aquí, ¿no es una locura? ¡Seres humanos en carne y hueso!”, dijo Riz Ahmed, nominado a mejor actor por “El sonido del metal”.

Con las salas de cine cerradas todo el año y el estreno retrasado de las grandes producciones, Nomadland y sus mayores rivales a mejor película –Minari y El sonido del metal-– capturaron el “zeitgeist” de la pandemia en un impresionante retrato de los marginados de la sociedad.

Contendientes como Promising Young Woman, cuyo guion original se alzó con el Oscar, y El juicio de los 7 de Chicago tocan temas relevantes en estos tiempos, como el #MeToo y las protestas contra el racismo, pero aún así es improbable que se lleven el premio final de la noche.

El rubro a mejor actriz está “en el aire” y “podría ir en cualquier dirección”, dijo el columnista de los premios en Deadline, Pete Hammond.

Las cinco candidatas, incluidas Viola Davis (La madre del blues) y Carey Mulligan (Promising Young Woman), vienen de ganar premios importantes este año.

El coprotagonista de Davis, Chadwick Boseman, quien murió el año pasado de cáncer antes del estreno de la película donde interpreta a un trompetista atormentado por actos racistas atroces, es favorito para ganar el tercer Óscar póstumo de la historia para un actor.

Pero Anthony Hopkins, quien interpreta a un enfermo de demencia senil en El padre, podría dar una sorpresa. La cinta ganó el Oscar a mejor guion adaptado.

El evento culminante de la temporada de premios de Hollywood se postergó dos meses y se realiza principalmente en la estación de trenes Union Station de Los Ángeles, elegida por sus grandes espacios para aplicar el distanciamiento social en esta gala de la era del covid-19.

En el espectáculo previo, un coro de niños interpretó la nominada a mejor canción Huvasik desde el pequeño puerto islandés del mismo nombre.

Los nominados europeos que no pudieron viajar a Estados Unidos están reunidos en los “centros” de Londres y París.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

El cineasta danés Thomas Vinterberg va por el Oscar

LOS ÁNGELES.– Pese a la tragedia que vivió durante la filmación de ANOTHER ROUND cuando su hija falleció en un accidente automovilístico, el cineasta THOMAS VINTERBERG terminó contra viento y marea su película, entre la comedia y las sombras, el pacto de cuatro maestros daneses cansados del mundo que pasan los días borrachos en un “experimento” poco científico.

THOMAS VINTERBERG está nominado al Premio Oscar por Mejor Director, ceremonia a realizarse el próximo domingo. VINTERBERG escribió el guion, originalmente una obra de teatro, al darse cuenta de que muchas de las grandes hazañas de la historia mundial fueron realizadas por personas regularmente intoxicadas con alcohol, la misma sustancia que puede destrozar vidas y familias.

Como pudo, el realizador consiguió terminar esta película excepcionalmente divertida, tierna y trágica, que le ha valido una rara nominación al Oscar como Mejor Director.

“La película siempre estuvo destinada a reafirmar la vida y estar llena de amor, y hasta cierto punto cruda”, dijo VINTERBERG a la AFP en una entrevista a través de Zoom.

“Pero la tragedia que ocurrió en mi vida nos dejó a todos indefensos y abiertos”, señaló.

El papel de los profesores está encarnado por cuatro de los amigos cercanos y colaboradores de el realizador, incluido el exvillano de 007 Mads Mikkelsen, quienes pasaron el rodaje haciendo “todo lo que pudieron” para hacerlo reír en estas circunstancias, contó el director.

“Había tanto amor en el set, y creo que se puede ver en la pantalla”, contó VINTERBERG, cuya obra es una de las favoritas para llevarse a casa el Oscar a la Mejor Película Internacional el domingo.

Si bien el film aborda claramente el tema del alcohol, también se trata de “vivir inspirado, de olvidarse de uno mismo, de ser curioso y estar en el momento y todo lo que conlleva el beber”.

Esos elementos de afirmación de la vida se inspiraron en su fallecida hija Ida, quien debía interpretar a la hija de Mikkelsen, y cuyos amigos de la vida real interpretan a compañeros de clase en una competencia de bebida entre adolescentes alrededor de un lago.

“Hay un grupo alarmante de personas y países que se conectaron con esto de la bebida”, bromeó Vinterberg.

“Sí, beben de manera diferente en California, ponen la botella en una bolsa [de papel], mientras que en Dinamarca, los adolescentes corren por las calles con las botellas a la vista”, dijo.

“Pero parece que la película se conecta a un nivel diferente y, con suerte, logramos elevar este film… a uno sobre algo más”.

“MI PROPIO JARDÍN”

El humor no siempre se ha asociado con este director, quien cofundó el movimiento cinematográfico ascético de vanguardia Dogma 95 con Lars Von Trier, y dirigió películas que abordan temas como el abuso infantil, como The Celebration y The Hunt.

Pero Vinterberg, de 51 años, ha desafiado a menudo las categorizaciones.

El famoso “manifiesto” de Dogma 95, que imponía estrictos límites naturalistas a los directores, era siempre mitad en serio, mitad irónico.

Y aunque ya ha incursionado en Hollywood -por ejemplo, con Lejos del mundanal ruido en 2015, protagonizada por Carey Mulligan, también nominada al un Oscar-, sus películas más aclamadas son a menudo las más danesas y locales.

“Parece que es cuando excavo en mi propio jardín cuando la gente realmente se interesa, también en el extranjero”, dijo.

Los temas universales de Another Round pueden explicar en parte cómo VINTERBERG se metió entre los aspirantes al Oscar al mejor director por una película en idioma no inglés (Minari del también nominado Lee Isaac Chung está en coreano e inglés).

“Los placeres del alcohol, pero también el lado destructivo de beber, han existido durante miles de años, casi en todas las culturas”, explicó VINTERBERG.

El director sirvió alcohol a su elenco durante los ensayos, y vieron videos de YouTube rusos juntos para observar episodios de embriaguez extrema.

“Necesitábamos ver a estos personajes estando en la zona”, recordó. “No es que estuvieran muy borrachos, pero había alcohol”.

En el set, sin embargo, todo el mundo estaba sobrio, aclaró Vinterberg. “Tenían que actuar, básicamente, y creo que lo hicieron bien”.

Por mucho que la producción de Another Round sea una historia de contrastes (tragedia y camaradería, humor y filosofía) los destinos de los profesores divergen cuando la tentación del alcohol se apodera de ellos en diversos grados.

Pero la película en sí “no quería moralizar” ni “hacer una publicidad de alcohol”, dijo Vinterberg. “De forma muy importante, no quería tener un mensaje”.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Los premios Oscar afectados por el desinterés y las bajas audiencias

NUEVA YORK.- Este domingo se emitirá en la red ABC (TNT y !E por cable) la primera velada del Oscar de la era del coronavirus, y el temor de los organizadores es que haya un “contagio” con los demás premios de esta temporada, durante la cual los Grammy perdieron el 53% del público y los Globos de Oro el 60% respecto de las ediciones 2020.

El virus del desinterés afecta incluso a los expertos del sector: “Cuando hasta para mí es difícil apasionarme, empieza a ser un problema”, dijo al New York Times Jeanine Basinger, fundadora del departamento de estudios sobre cine de la Wesleyan University, y autora de ensayos sobre Hollywood como The Star Machine. El riesgo está a la vista de los especialistas y sobre todo del equipo de productores encabezados por Steven Soderbergh, es por que ello que para frenar la hemorragia, el realizador -ganador del Oscar por Traffic- habría impuesto en su contrato una cláusula categórica para que la entrega de las estatuillas no sea por Zoom.

Por lo tanto, los premios serán en vivo, aunque distribuidos en varias locaciones: no solo dos en Los Ángeles, sino también Londres y otra veintena en conexión vía satélite.

Los participantes, además, no podrán usar mascarilla frente a las cámaras (aunque sí cuando no estén siendo filmados), porque la realización del show, en cuanto a medidas anti Covid, será tratada como un estudio de filmación, con medición de la fiebre al entrar y al menos tres hisopados a los participantes en los días previos a la ceremonia.

Habrá asimismo una versión reducida de la alfombra roja, con tres fotógrafos y un número limitado de periodistas -habrá medios no estadounidenses llegados de Japón, Canadá, Gran Bretaña, Francia, Brasil, España, México y Australia- mantenidos a debida distancia de los entrevistados.

Todo para dar la impresión de un espectáculo que avanza sin trastornos pese a los temores por el Covid. Y gracias asimismo al poder de Hollywood para transformar la realidad.

Sin embargo, los datos de Nielsen conceden pocas ilusiones: la audiencia de los Oscar ya estaba en caída libre antes de la pandemia: -44% de 2014 al año pasado, cuando 23,6 millones de personas miraron el film surcoreano “Parasite” al ganar el primer premio.

Si esta vez la baja fuera comparable a la del Globo de Oro, sería una catástrofe para la Academia y para ABC, que por la exclusiva de la emisión en directo se comprometió a pagar casi mil millones de dólares hasta 2028.

Anticipando resultados menos que estelares, la emisora puso en venta este año espacios publicitarios a precios de descuento: dos millones de dólares por 30 segundos, el 13% menos que en 2020.

Algunos muy fieles, como Verizon, volverán, pero no Ferrero, cuyos Kinder-Joy -que habían debutado en el Oscar de 2018- esta vez no serán de la partida.

Los Óscar no obligarán a los nominados y sus acompañantes a llevar mascarilla ante las cámaras, pero sí pedirán a todos los asistentes que se cubran la boca y la nariz cuando se encuentren fuera de plano.

La revista Variety dio este lunes algunos detalles de una reunión que los responsables de los Oscar mantuvieron esta mañana con nominados y publicistas de Hollywood.

Así, Variety aseguró que, debido a que los Óscar se concebirán como si fuera el rodaje de un programa televisivo o una película, las mascarillas no serán obligatorias mientras se esté ante las cámaras (por ejemplo, durante la ceremonia).

Pero cuando los candidatos o sus acompañantes no aparezcan en pantalla (por ejemplo, durante las pausas comerciales) sí tendrán que llevar mascarilla.

El pasado sábado, los productores de la gala dejaron entre interrogantes si los asistentes a los Óscar de la pandemia tendrían que llevar mascarilla en todo momento.

“Esto es lo que tenemos que decir sobre eso: las mascarillas jugarán un papel muy importante en la historia de esa noche”, dijo Steven Soderbergh, productor de la ceremonia junto a Stacey Sher y Jesse Collins.

Por otro lado, la Academia de Hollywood está planeando una gala con aforo limitado de unas 170 personas.

Se requerirán varias pruebas PCR a los asistentes en los días previos, habrá controles de temperatura y también se organizarán rotaciones de los invitados a lo largo de la velada para garantizar el distanciamiento.

UNA GALA SEGURA Y CON ESTÉTICA DE CINE

Una ceremonia preparada como si fuera una película y cien por ciento segura contra el coronavirus es la doble receta que propondrán los Óscar, que se retrasaron dos meses por la pandemia y que se celebrarán este domingo 25 de abril.

Los productores explicaron el sábado que los Óscar tendrán una estética de cine, se transmitirán en 24 frames por segundo y con un formato panorámico, emplearán encuadres más típicos de una cinta que de la televisión, y serán “tres horas de entretenimiento” fundamentadas en el “optimismo” y la “sinceridad”.

La gran fiesta del cine se ha conjurado para celebrar una ceremonia lo más presencial posible y para ello cambiará su centro de operaciones del Dolby Theatre a Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles (EE.UU.).

En cualquier caso, los Oscar están preparando dos subsedes en Londres y París para quienes no puedan acudir a Los Ángeles.

Por otro lado, los cerebros de estos Oscar explicaron que la alfombra roja será este año “muy pequeñita” y que formará parte de la previa del show, donde además se verán las interpretaciones de las cinco nominadas al premio a la mejor canción.También habrá un programa especial posterior a la ceremonia.

Por ahora, la relación de presentadores de estos Oscar tan peculiares incluye a Brad Pitt, Zendaya, Rita Moreno, Joaquin Phoenix, Harrison Ford, Laura Dern, Regina King, Marlee Matlin, Reese Witherspoon, Renée Zellweger, Angela Bassett, Halle Berry, Bong Joon Ho, Don Cheadle y Bryan Cranston.

Los productores indicaron que faltan un par de presentadores por anunciarse.

Laura Pausini actuará el 25 de abril en la ceremonia de los Oscar, cantando I Yes (Seen), la canción escrita por Dianne Warren nominada a la estatuilla y parte de la banda sonora de la película ‘Life Ahead of Her’ con Sophia Loren.

La actuación -que también contará con los otros nominados con sus canciones nominadas a Mejor Canción Original, Celeste, H.E.R., Leslie Odom, Jr., Daniel Pemberton, Molly Sandén- estará en el centro de Oscar: Into The Spotlight’, el espectáculo de apertura en la ceremonia 93.

Los productores Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh lo anunciaron. Una de las actuaciones se grabará en Husavik, Islandia, cuatro se llevarán a cabo en la Terraza Familiar Dolby del Museo de Cine de la Academia en Los Ángeles.

Presentado por los actores Ariana DeBose (Hamilton) y Lil Rel Howery (Bad Trip), Oscar: Into the Spotlight narrará en 90 minutos el viaje de los candidatos a la noche más grande de Hollywood, ofreciendo a los fans de todo el mundo y a los expertos la oportunidad de husmear alrededor del evento y llevando la música de los Oscar a las festividades por primera vez.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

28 años sin “Cantinflas”; Mario Moreno recibió los halagos del mismo Charles Chaplin

Cuando suele haber interrogantes sobre quién ha sido el mejor cómico de México, el nombre de MARIO MORENO CANTINFLAS surge de inmediato, no por nada es el único que mereció un calificativo como tal del mismo Charles Chaplin. Ni más ni menos.

En un día como hoy pero de 1993, a sus 81 años, en su casa en Ciudad de México, falleció MARIO MORENO, a causa de cáncer de pulmón.

CANTINFLAS fue el comediante mexicano más popular del cine en lengua española, se caracterizaba por sus películas y su peculiar forma de hablar, la cual integraba muletillas coloquiales y términos cultos mal empleados. 

25 años después de su muerte vive en el recuerdo de todos sus admiradores pues hizo reír a varias generaciones de latinoamericanos y españoles con un humor que dejaba entrever un trasfondo de crítica social.

Formó parte de una familia numerosa, abandonó sus estudios siendo muy joven y se dedicó a limpiar botas, fue cartero, taxista y boxeador, entre tantas otros oficios a los que se abocó antes de trabajar en el circo.

CANTINFLAS debutó en el cine en 1936, aunque fue un año después en el que se volvió sumamente exitoso con Cara y cruz, desde ese entonces, no abandonó jamás su personaje, lo hizo memorable por su ternura, su inigualable figura y vestimenta y su manera de expresarse.

Con títulos como El Padrecito (1964), Su excelencia (1966) y Un Quijote sin mancha (1969) consiguió acrecentar su enorme popularidad en los países hispanohablantes.

UN DATO:

Cerca de medio millón de personas se despidieron del actor en la capilla ardiente, abierta al público durante dos día en un teatro de la capital mexicana.  

Cantinflas dejó escrito su epitafio: “Parece que se ha ido, pero no es cierto”. 

En la película Ahí está el detalle, realizada en 1940, dirigida por Juan Bustillo Oro, su personaje se consolidó. 

En esta cinta, Cantinflas es el centro de un malentendido que lo lleva a un juicio por el asesinato de un hombre llamado Bobby, quien compartía su nombre con el perro rabioso de la casa donde trabaja su novia Pacita (Dolores Camarillo). 

ALGUNAS DE SUS PELÍCULAS:

En su segunda aparición como el Sargento 777 (personaje que aparece en tres películas de Cantinflas y que más tarde tendría su propia cinta), Cantinflas recibe la inesperada visita de la hija de su comadre, quien le pide en una carta que se haga cargo de la niña. 

La vuelta al mundo en ochenta días (realizada en 1956)

Basada en el libro de Julio Verne, La vuelta al mundo en ochenta días es el trabajo más importante de Cantinflas a nivel internacional, estuvo nominada a ocho premios Oscar, de los cuales ganó cinco, siendo Mejor película el reconocimiento más importante de ellos, fue traducida en varios idiomas y ayudó a Cantinflas a ser reconocido en el extranjero.

El bolero de Raquel (realizada en 1957)

Es la primera cinta a color de las películas de Cantinflas, fue dirigida por Miguel M. Delgado y una de las más reconocidas de su carrera gracias a la escena del baile que ocurre entre el protagonista y Mimí (Elaine Bruce), la bailarina de un bar que no entiende por qué este individuo está con ella en el escenario. 

Sinopsis: es una de las historias más conmovedoras de Cantinflas, al verlo tratar de ser el padre sustituto de Chavita (Francisco Fernández), su ahijado, después de que el niño pierde a su padre en un accidente. 

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Sharon Stone, duro y directo contra depredadores sexuales en su libro

NUEVA YORK.– En The Beauty of Living Twice (La belleza de vivir dos veces), las nuevas memorias de SHARON STONE, la actriz ofrece una dura mirada y un “yo acuso” contra los depredadores sexuales de Hollywood, su carrera y la recordada escena del filme Basic Instinct.

Aunque alaba a algunos ejecutivos de cine y co-protagonistas (especialmente a su protagonista de Basic Instinct, Michael Douglas), Stone denunció que un productor anónimo la presionó para que tuviera relaciones sexuales con un co-protagonista masculino en una película para ayudar a salvar la cinta.

En un extracto de su libro, que estará en las librerías y en venta on line a partir del 30 de marzo, la estrella de Ratched y Casino detalla una serie de situaciones desagradables de acoso sexual que sufrió durante sus 40 años de carrera.

La actriz de 63 años aseguró que era “nadie” en Hollywood antes de esa película, y explicó lo mucho que luchó para conseguir el papel.

 “Basic Instinct fue mi película número 18″, escribió.

 “Durante años, me habían golpeado haciendo un montón de películas de mierda… tenía 32 años”.

 Recordó que “después de ofrecer el papel a otras 12 actrices que lo rechazaron”, Michael Douglas y el director Paul Verhoeven “accedieron a probar conmigo”.

“Ya había hecho Total Recall con Paul, pero Michael Douglas no quería probar conmigo”, dijo. “Oye, yo no era nadie comparada con él, y esta fue una película muy arriesgada”.

 Sin embargo, la pareja finalmente hizo buena química y salió adelante.

Respecto a la famosa escena en la que su personaje se abre estratégicamente de piernas, haciendo sudar a sus policías interrogadores, aseguró que eligió hacerla porque “era correcta para la película y para el personaje; y porque, después de todo”, la hizo.

La película se convirtió en un éxito y su personaje le dio una ventaja que necesitaba para navegar en la industria que finalmente la había reconocido.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

“Las ideas vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos”: David Lynch

HOLLYWOOD.- Lo llamaron el último hombre del Renacimiento, el auténtico surrealista americano, y el director más misterioso de Hollywood. De hecho, ninguna definición se ajusta plenamente al personaje y el talento de DAVID KEITH LYNCH, originario de Missoula, Montan, quien cumple este miércoles 20 de enero día 75 años.

A los 20 años, Lynch se mudó a Filadelfia para asistir a la academia de Bellas Artes. La pintura ha sido su pasión, durante la escuela secundaria aprendió a dibujar en la Escuela Corcoran en Washington, y considera a Francis Bacon “un héroe, el artista moderno más grande”.

En Filadelfia se apasionó por la imagen en movimiento y como un ensayo de fin de curso presenta el cortometraje Six Figures Getting Sick. “Fue sólo una de mis pinturas. Había una figura ocupando el centro del lienzo. Mientras miraba la figura de la imagen sentí un ligero cambio en el aire y atrapé un pequeño movimiento. Y quería que la imagen realmente pudiera moverse, al menos por un tiempo”.

A partir de aquí comienza para él una aventura todavía envuelta en misterio: aterrizó en Los Ángeles, en 1971, utiliza una beca del American Film Institute para comenzar a filmar su primer largometraje. El dinero se acaba y le tomará seis años para que Eraserhead vea la luz del día. El resultado se considera imposible de distribuir pero gracias a la ayuda de algunos amigos, Lynch logra proyectarlo en alguna habitación como un espectáculo de medianoche y, con la película en su maleta, aterriza en Europa en el Festival Fantástico de Avoriaz.

Con el aire perdido del provincial americano, sin siquiera un chaleco para defenderse del frío en los Alpes franceses, vaga entre cinéfilos y estrellas con el aire de un extraterrestre aterrizado en la tierra. La proyección de la película, una pesadilla surrealista con los ojos abiertos, filmada en blanco y negro y dominada por la aterradora encarnación de un feto de origen incierto (Lynch nunca revelará lo que es y lo enterrará en secreto organizando una vigilia fúnebre con la tripulación), resulta en un evento auténtico.

Eraserhead gana el premio, se convierte en un objeto de culto, despierta mil interpretaciones y durante diez años se proyectará por la noche en lo alto en muchas salas de arte estadounidenses. El director siempre se negará a explicar el significado de las imágenes subliminales e inquietantes que pasan por la película haciendo suya un mantra entonces respetado en el futuro (“las películas hablan por sí solas, inútiles para solapar intenciones y explicaciones”) tanto que ninguna de sus obras distribuidas en video casero contiene entrevistas explicativas.

Además, todo su arte es de experiencias visuales, meditación, viajes a las obsesiones inconscientes y juveniles, como para recrear el tejido emocional de una generación y de la América profunda. No es casualidad que sus mayores éxitos, desde Blue Velvet hasta The Secrets of Twin Peaks se encuentran en pequeños pueblos aislados, entre el frío de las montañas y las grandes llanuras del noroeste.

El punto de inflexión en la carrera cinematográfica de David Lynch llega con la segunda película, Elephant Man (1980) para la que, gracias al compromiso de amigos y colaboradores con los que formó una especie de “familia artística” que durará con el tiempo, llama la atención de Mel Brooks. El director de Frankenstein Junior, después de ver la primera película del forastero de Filadelfia, acepta producirla: a cambio obtendrá nueve nominaciones al Oscar por una película en blanco y negro ambientada en el Londres victoriano y entregará a Hollywood la nueva estrella del momento.

Paradójicamente, la oportunidad de la vida se convertirá en el mayor fracaso de Lynch. Dino De Laurentiis le da el proyecto de la vida: la adaptación de una saga visionaria como Dune de Frank Herbert. Luchando con un presupuesto de éxito (45 millones en 1984) y la presión de los medios de comunicación, el director se pierde y no será apreciado ni por el público ni por la crítica, sin emplear los recortes impuestos por De Laurentiis y también por la versión más larga preparada para la televisión. Al borde de una profunda depresión y listo para volver a sus viejos amores (pintura, pero también la música que lo verá emerger como compositor y voz solista), David Lynch trae a De Laurentiis un nuevo guion, casi en compensación por el fracaso anterior.

En un entorno nostálgico del clásico noir, puso en Blue Velvet (1986) todas sus obsesiones, los fantasmas de los pueblos de montaña en los que creció, los sonidos de la América de los años 50, la fascinación del mal y las misteriosas damas oscuras. Elige a actores baratos como el olvidado Dennis Hopper, su icono Isabella Rossellini, el joven Kyle McLachlan descubierto en Dune; conoce al músico Angelo Badalamenti que hará su fortuna, paga la confianza del productor con un verdadero triunfo crítico y la segunda (de tres) nominaciones al Oscar al Mejor Director.

Tres años más tarde, el productor Mark Frost le abrió las puertas con la serie de ABC The Secrets of Twin Peaks: los estadounidenses nunca habían visto nada parecido y la serie se convertirá en el punto de referencia de toda la ficción de principios de siglo, así como la obsesión del director por volver a sus personajes en Fire Walks With Me (1992) y los nuevos Twin Peaks de 2017.

Mientras tanto, ganó la Palma de Oro en Cannes con Wild Heart, hizo el noir más misterioso de los años 90 (Lost Roads y Mulholland Drive), dado rienda suelta a su fantasía surrealista con Inland Empire, ganó un León de Oro en Venecia en 2006.

El Premio de la Academia de Carrera 2019 pone fin a su talento. Pero fuera del cine se ha consolidado, mientras tanto, como un artista destacado con exposiciones en todo el mundo (famosa la colaboración con Loubotin para las instalaciones de Fetish), discos y videos experimentales, dignos de un genio sin esquemas ni límites.

“Las ideas -dice de sí mismo- vienen de la manera más inesperada, sólo mantén los ojos abiertos.”

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Murió Tanya Roberts, una ex ángel de Charlie y ex chica Bond

HOLLYWOOD.TANYA ROBERTS, ex “chica Bond” y protagonista de la serie Los ángeles de Charlie, murió a los 65 años, a días de desmayarse mientras paseaba a sus perros en Los Ángeles. Así lo confirmó su representante Mike Pingel a medios estadounidenses.

“Estoy devastado. Ella era brillante y hermosa y siento que una luz ha sido apagada. Decir que ella era un ángel sería lo de menos. Era la persona más dulce que alguna vez conocí y tenía un corazón gigante. Amaba a sus fans, y no creo que ella supiera lo mucho que significaba para ellos”, dijo a The Hollywood Reporter su amigo y representante.

Si bien aún no se ha dado a conocer la causa de muerte, sí trascendió que no habría sido producto del coronavirus. La intérprete se encontraba internada en un centro médico en California desde el pasado 24 de diciembre, fecha en que se desvaneció en la calle.

Victoria Leigh Blum (así se llamaba en realidad) nació en Nueva York en 1955. Si bien sus primeros pasos fueron en el mundo del modelaje y la publicidad, más tarde se encontraría con su verdadera pasión: la actuación. Tras participar con papeles chicos en varias series y films le llegó la gran oportunidad: sumarse al exitoso programa televisivo Los ángeles de Charlie. Así, tras protagonizar la quinta y última temporada de la serie como Julie Rogers (reemplazó a Shelley Hack), logró visibilidad y conquistar a los espectadores con su frescura.

No solo a ellos, sino también a realizadores del séptimo arte. En ese camino le llegaría el gran papel de su carrera: ser una chica Bond. John Glen dirigió Una mirada para matar, el film que resultó ser el último con Moore como el Agente 007 antes de cederle su lugar a Timothy Dalton.

Roberts también participó de títulos como The Beastmaster (1982) y Sheena, la reina de la selva (1984), una versión de Tarzán femenina que resultó todo un éxito de taquilla; también de Body Slam (1987) y del thriller erótico Night Eyes (1990). Uno de sus últimos trabajos fue en la sitcom That ’70s Show, donde encarnó a Midge Pinciotti entre los años 1998 y 2004.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

“Sylvie’s Love”, la búsqueda de los sueños, por Amazon Prime Video

ROMA.- Amazon Prime Video estrena la película SYLVIE’S LOVE, con la actuación estelar de Tessa Thompson y Nnamdi Asomugha, una historia a través del tiempo y desde la búsqueda de los sueños.

La cinta fue dada a conocer en el Sundance Film, donde Amazon Prime logró hacer el trato para ingresarla a su catálogo.

La trama se ubica en la Gran Manzana en la época de los años cincuenta, el escenario de esta historia de amor, donde se proyectan a dos jóvenes que se enamoran a la “antigua”, con miradas discretas con coqueteos persuasivos y con bailes lentos pero románticos que también esconden una tensión sexual que no es explícita. 

La película se inspira en la banda sonora de las obras maestras de Douglas Sirk o Vincente Minnelli, sin descuidar cultos como A Splendid Love. La historia comienza con la nueva reunión en 1962, que ocurrió por casualidad, entre Sylvie (Thompson), esposa, madre y asistente del primer productor de televisión negro, curador de un exitoso programa de cocina, y Robert (Asomugha), un talentoso saxofonista de jazz.

Complementan el elenco Aja Naomi King, Tone Bell, Erica Gimpel, Lance Reddick, Wendi McLendon Covey y Eva Longoria.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Jorge Ortiz de Pinedo recorre el telón de TAP por Canal Once

Esta noche a las 20.00horas la cita es en TAP (Canal Once, 20:30 hras), para para conocer de primera mano la vida profesional del polifacético actor, director y productor JORGE ORTIZ DE PINEDO, quien relatará su experiencia y anecdotario en cine, teatro y televisión.

Durante una hora, se conocerá a detalle sus vivencias dentro y fuera de los escenarios bajo la conducción de Óscar Uriel, quien de una manera muy íntima sostendrá una conversación con este polifacético invitado.

En esta novena temporada de TAP (Taller de Actores Profesionales) se conocerá más de las vidas y trayectorias de Manolo Caro, Verónica Langer, Bárbara Mori, Jorge Ortiz de Pinedo, Julissa, Fernanda Castillo, Regina Blandón, Cassandra Ciangherotti, Eduardo España, Bejamín Cann, Natalia Beristáin, Juan Pablo Medina y Edgar Vivar.

UN DATO:

Óscar Uriel, comunicador y crítico de cine, sostiene reveladoras conversaciones con actrices y actores mexicanos, de distintos perfiles y generaciones, quienes hablan sobre sus experiencias en la industria del teatro y la televisión. Cada temporada se engalana de los actores y directores más reconocidos de la escena nacional mexicana como: Pedro Arméndariz, Ofelia Medina, Verónica Castro, Diego Luna, Gonzalo Vega,  Delia Casanova, Tenoch Huerta, Dolores Heredia, Bruno Bichir, Silvia Pinal, Marina de Tavira, Alfonso Arau, Felipe Cazals, entre otros.

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

El lado “B” de Paul McCartney

LONDRES.- De los temas musicales mayoritariamente interpretados, Yesterday, el sutil encanto de A Long and Winding Road, en su versión orquestada oor Phil Spector y en la que PAUL MCCARTNEY reivindicó en el álbum Let It Be… Naked; la misma Let It Be o el pedido de ayuda desgarrado de Help!, el repertorio de The Beatles es tan pródigo en grandes canciones que toda comparación está destinada al fracaso.

Pero, ¿cuál de todas esas melodías es la favorita de Paul McCartney, a esta altura, junto con Ringo Starr, los representantes de ese aluvión musical que cambió para siempre el paisaje del arte popular en Inglaterra y más allá, dejando una marca que el tiempo no hace sino resaltar a través su vigencia?

“Siempre digo You Know My Name, Look Up The Number. Es como un insignificante lado B medio loco, que nadie conoce, pero que para nosotros fue muy gracioso hacer. Recuerdo cuánto nos divertimos . Pero hay muchas canciones que me encantan de los Beatles. Creo que Strawberry Fields es una gran canción, creo que Hey Jude funcionó de manera genial. Tengo un montón de canciones favoritas: Blackbird me encanta. Eleanor Rigby también” enumeró el músico, en una entrevista hecha por Zane Lowe para Apple Music 1.

Pero el beatle no se quedó tan sólo en la selección de su Top 5 de la banda que integró, sino que le dedicó un párrafo aparte a Let It Be, a la que señaló como la que naturalmente decidiría escuchar por el resto de su vida, si se tratara de elegir sólo una.

“Es la más ubicua. De alguna manera llegó a todas partes. Omnipresente desde el latín, ubi quo, que significa en todas partes”, resaltó McCartney, que acaba de lanzar McCartney III, un nuevo álbum que suma a su discografía solista, en este caso con todos los instrumentos grabados por él mismo, en sintonía con McCartney (!970) y McCartney II (1980), ambos creados bajo el mismo concepto.

Para completar el cuadro, Macca contó -una vez más- cómo era darle forma a esas canciones imbatibles junto a JOHN LENNON. “Siempre creaba por mi cuenta, a menos que estuviera con John. Pero incluso entonces yo creaba algo por mi cuenta, él por la suya y luego nos juntábamos. Casi nunca nos sentábamos y no teníamos nada. Siempre había algún tipo de idea. Y venía de algo personal”, explicó el beatle.

“La gente pregunta ‘cuándo escribes’, y esas cosas… Y yo respondo: ‘Cuando tengo tiempo. Cuando no hay nada que hacer hoy o esta tarde, y estoy de humor’. Así que agarraré una guitarra y pensaré: ‘Tengo tiempo. Podría escribir una canción’“, redondeó.

A partir de esa explicación en torno a cómo cada uno armaba los cimientos de sus propias canciones, McCartney contó que se daba “la cosa donde yo diría una frase y él sugeriría la siguiente. Y luego yo sugeriría la siguiente”.

“Así que nos hacíamos ping pong el uno al otro. Y a menudo teníamos muy buenos resultados, porque John era una personalidad muy diferente. Así que tenías esa gran cosa de A y B. Era sólo un viaje de descubrimiento. ¿Sabes a lo que me refiero? Suena cursi, pero lo es y eso es lo que me encantaba de él. Nunca se sabía lo que iba a salir. Ni idea de si esto iba a ser una canción cálida, una canción triste, una canción de historia. Nunca se podía decir”, concluyó.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

“Cars” 3 por Platinum en Azteca 7; Regina Murguía será la anfitriona

Este dominguito sagrado por la telera nuestra y abierta de Azteca 7, en Platinum, se estrena a las 22:00 horas la cinta CARS 3, donde la anfitriona de la velada fílmica prenavideña, será la actriz REGINA MURGUÍA.

Cars 3 es una película de animación por computadora en 3D, de hace tres años, producida por Pixar Animation Studios y distribuida por Walt Disney Pictures.

Es la tercera entrega de esta franquicia, dirigida por Brian Fee, producida por Kevin Reher, con el guion de Bob Peterson, Mike Rich y Kiel Murray, escrita por el pool conformado por Bob Peterson, Micke Rich y Kiel Murray.

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

El morelense Iker fue el segundo eliminado de MasterChef 2020

El morelense IKER fue el sexto eliminado de MasterChef 2020, la cocina más famosa de México, que se trasladó a su primer “Reto de campo”, donde los 15 contendientes cocinaron en Food Trucks con el objetivo de honrar a miembros del heroico cuerpo de doctores y enfermeras que se han jugado la vida en estos tiempos tan difíciles de confinamiento en México y el mundo.

En esta emisión la conductora Anette Michel anunció la presencia del famoso Chef Luis Serdio, pionero y poseedor de gran experiencia en las preparaciones y servicio en Food Trucks, quien compartió sus conocimientos en las preparaciones que se definieron más tarde.

El primer reto trató de productos del mar en donde cada uno de los equipos tuvo la ardua tarea de cocinar y servir tres distintos platillos para cada uno de los10 comensales pertenecientes al Sector Salud (médicos y enfermeras) quienes calificaron qué equipo sería el ganador. En palabras del chef invitado Serdio, las preparaciones tenían que aportar tres características: monchosas, sabrosas y grasosas. En este reto y resultado de un sorteo que se llevo a cabo antes de empezar, el equipo rojo obtuvo 5 minutos adicionales en su cocinada; mientras que el azul obtuvo 30 minutos.

En este reto se suscitaron discusiones y desacuerdos entre los integrantes de ambos equipos mayormente en el Azul en donde Eruviel causó polémica al no mostrar el apoyo y liderazgo para salir victoriosos. El Rojo mostró mayor organización aunque también con fricciones y en momentos malas maneras de comunicarse. Finalmente y pese a las opiniones en general de los cuatro chefs, el equipo de Atiliana logra vencer el reto por decisión de los comensales y suben al balcón. Los azules califican para el siguiente reto individual.

Para este Reto de Salvación el Chef José Ramón Castillo anunció la preparación de un “Crumble” (postre) en el que la técnica primordial fue el horneado y los ingredientes a utilizar fueron azúcar, fécula de maíz y fruta. 

Las mejores preparaciones fueron las de Meche, Adriana, La Inge, Iker y David aunque con algunos detalles como la textura y olor ahumado no dejaron brillar por completo sus postres. Erubiel y Lizzi fueron los menos favorecidos. En este reto de salvación David logra salir victorioso y sube al balcón.

Para el segundo reto de salvación los chefs llaman a rendir cuentas a Erubiel, Lizzi, Iker, Adriana, La Inge y Meche quienes estallan en contra del primero tachándolo de egoísta, carente de humildad y mal dirigente; éste se defiende causando una vez más el disgusto de sus compañeros y recibe una fuerte llamada de atención del Chef Joserra.

Se presentaron tres canastas que contenían ¨Carne Seca¨ (machacado) en la primera; ¨Hierva Santa y Jalapeño¨ la segunda y la última ¨Habanero y Cerdo¨; la técnica requerida fue preparaciones en las que resaltarán los sabores de los ingredientes mencionados. Erubiel tuvo la tarea de asignar con qué canasta cocinaría cada uno de sus compañeros quedando de la siguiente manera: Lizzi y Erubiel cocinaron canasta uno, La Inge y Adriana canasta dos y Meche e Iker canasta tres.

La mejor opción fue la de Adriana con la combinación de Hierba Santa y Jalapeño, La Inge también logro comentarios positivos aunque la crema utilizada opacó un poco el sabor. Los demás no lograron convencer con sus preparaciones. En este reto Adriana sube al balcón mientras que Iker, Meche, Erubiel, Lizzi y La Inge se van al reto de eliminación.

Para el reto de eliminación el Chef José Ramón Castillo anunció la preparación de ¨Helado¨ y los ingredientes a utilizar fueron crema inglesa, pulpas y azúcar. Los requerimientos para este helado fueron gran sabor, salsa y toppings bien logrados, un cono que los remitiera a su infancia. El chef Herrera pidió no quedarse en la mediocridad y ser creativos en sus propuestas.

El primero en presentar su helado de chocolate y naranja fue Erubiel, tuvo buenos comentarios aunque estuvo un poco dulce, Meche hizo la combinación de chocolate fresa y plátano, buenos comentarios en general. La Inge preparó el sabor de aguacate con frutos rojos y hojuelas de chocolate, logró muy buenos comentarios con esa combinación arriesgada, Lizzy hizo helado de pistache, con guayaba canela y nueces combinadas, la combinación no fue la mejor, aunque la consistencia fue buena. Finalmente, Iker presentó un helado de fresa con banano, chocolate, azúcar glas y almendras tostadas, no convenció se quedó corto en color y sabor.

Para el momento tan esperado de la deliberación el mixólogo Israel Díaz preparó a los jueces una deliciosa infusión a base de “Cítricos” mezclados con agua mineral.

Iker, oriundo de Morelos, con su propuesta de ¨ConodeFresa con banano¨, fue el menos favorecido y por ello, el sexto participante en entregar su mandil y abandonar su sueño de continuar en la competencia gastronómica. 

IKER

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

Angelina Jolie dirigirá biopic del fotógrafo de guerra Don McCullin

LONDRES.ANGELINA JOLIE se reactiva detrás de cámara. La actriz y productora de cine dirigirá UNREASONABLE BEHAVIOUR, una película sobre el fotógrafo de guerra británico Don McCullin basada en la autobiografía del mismo nombre.

La película será una historia de la vida del fotoperiodista británico particularmente conocido por sus informes de guerra e imágenes de conflictos urbanos. En 1968, su cámara Nikon detuvo un proyectil que estaba a punto de golpearlo.

“Me siento honrado -dijo Jolie- de tener la oportunidad de llevar la vida de don McCullin al cine. Me atrajo particularmente su compromiso de ser testigo de la verdad de la guerra, su empatía y respeto por aquellos que sufren las consecuencias”.

Muy pocas lentes han capturado los contrastes de la capacidad humana como la del fotógrafo inglés Don McCullin, quien ha constatado el horror de los conflictos bélicos, ha retratado los paisajes más impresionantes y ha tenido la visión para dar voz a los rostros más vulnerables. Ante una trayectoria tan visceral, Angelina Jolie eligió dirigir su biopic en una cinta para la pantalla grande.

Bajo el título Unreasonable Behaviour, es un homenaje al libro homónimo publicado por McCullin en 1980, Jolie vuelve a tomar la batuta,  después de su trabajo en In the Land of Blood and Honey (2011), así como el thriller basado en el secuestro del corredor olímpico Louis Zamperini por parte del Ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial en  Unbroken (2015).

Material suficiente para saber que la biopic de Don McCullin, estará garantizada. Al respecto, la también actriz, dijo sentirse honrada de tener la oportunidad de poder llevar la historia del reconocido fotógrafo de guerra a la pantalla grande.

“Me atrajo su combinación única de valentía y humanidad, su compromiso absoluto de presenciar la verdad de la guerra, su empatía y  el respeto por quienes sufren sus consecuencias. Esperamos hacer una película que sea tan intransigente como la fotografía de Don, sobre las personas y los eventos extraordinarios que presenció, y el ascenso y la caída de una era única en el periodismo”, señaló la intérprete de Maléfica, en un comunicado recuperado por The Guardian.

Lo mejor es que el fotógrafo de 85 años ya dio su consentimiento para la realización del filme, dando luz verde para que la actriz sea quien dé a conocer los relatos más crudos y más emocionantes de su vida, a través de la película.

“Después de haber visto la última película de Angelina sobre Camboya (y de haber pasado tanto tiempo allí durante la guerra), me impresionó cómo hizo una representación tan poderosa y precisa del lugar en ese momento. Siento que estoy en manos seguras, capaces y profesionales con ella”, afirmó el histórico fotógrafo, confesó el mismo Don McCullin.

Don McCullin inició su carrera como asistente de fotografía en su natal Londres. Por casualidades del destino llegó a la Guerra del Sinaí en 1956, años más tarde, su trabajo como fotógrafo de guerra en conflictos bélicos como el de Irlanda del Norte, Vietnam y la Guerra del Golfo Pérsico, trabajos que le valieron un reconocimiento internacional.

También fue fotógrafo exclusivo de The Beatles, para el Álbum blanco que,  casualmente, hoy, 22 de noviembre del 2020 se cumplen 52 años desde su lanzamiento. Asimismo, Don McCullin disfruta de inmortalizar grandes paisajes y naturaleza muerta, pero también ha dado voz. 

Como si la trama por sí misma no fuera por demás interesante y apasionante, el protagonista de la serie será nada más y nada menos que Tom Hardy, conocido por sus papeles en películas de acción como Venom (2018), Batman y el caballero de la noche (2012) y Mad Max: Furia en el camino (2015). Y por si fuera poco, el actor también se involucra en la producción al lado de Dean Baker, cuidando que la biopic de Don McCullin sea tan cuidadosa como se espera. En en tanto que el guion estará a cargo de Gregory Byrk. 

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

El actor Jeff Bridges confirma que padece cáncer en sistema linfático

LOS ÁNGELES.– El actor JEFF BRIDGES, de 70 años, confirmó a través de twitter, que padece linfoma, cáncer que se origina en el sistema linfático, el cáncer de sangre más común.

BRIDGES, ganador del Oscar a Mejor Actor por Loco corazón (2010), se encontraba en plena actividad con la preparación de su próxima serie The Old Man, que tiene fecha prevista de estreno en la señal FX y la plataforma norteamericana Hulu para 2021 y que él también produce de manera ejecutiva.

BRIDGES aprovechó la ocasión para pedir que la gente vote en las elecciones presidenciales de Estados Unidos, que se celebran el próximo 3 de noviembre. “Gracias por sus oraciones y buenos deseos. Y, mientras tengo su atención, recuerden ir a votar. Porque estamos todos juntos en esto”, añadió.

El linfoma es un tipo de cáncer que afecta al sistema inmunitario encargado de combatir los agentes infecciosos y dañinos para el organismo.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

“Reflection”, el video de Disney, con Christina Aguilera para Mulán

CHRISTINA AGUILERA, la cantautora ganadora de múltiples discos de platino y galardonada a nivel internacional, presenta el video musical de la nueva versión de Reflection (2020), dirigido por la realizadora de MULÁNNiki Caro (The Zookeeper’s Wife, McFarland, USA). 

Reflection (2020) es una producción de Gregson-Williams para MULÁN. El clásico original de 1998 fue escrito por David Zippel y Matthew Wilder.

La nueva versión de Reflection (2020) y la canción original El mejor guerrero (Loyal Brave True), estarán incluidas en la película y en la banda sonora de Walt Disney Records, con música compuesta y dirigida por Harry Gregson-Williams. La banda sonora completa se estrenará el 4 de septiembre de 2020.

UN DATO:

La cineasta Niki Caro le da vida al épico relato de la legendaria guerrera china en la nueva película de Disney, MULÁN, en la que una joven valiente arriesga todo, por amor a su familia y a su país, para convertirse en una de las más grandes guerreras que se haya conocido.

CHRISTINA AGUILERA:

Cantautora seis veces galardonada con el premio Grammy. Es famosa por su potente voz y exitosas canciones. A lo largo de su carrera, ha vendido más de 43 millones de discos en todo el mundo.

Aguilera tuvo cinco sencillos que alcanzaron el número 1 en la lista Billboard de las mejores 100 canciones, lo que la convierte en la cuarta artista femenina en llegar al tope de la lista en tres décadas consecutivas (1990, 2000 y 2010). Tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood y el prestigioso honor de ser la única artista menor de 30 años en haber sido incluida en la lista de la revista Rolling Stone de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

En 2019, Aguilera recibió el premio Disney Legends por sus aportes y su vínculo con The Walt Disney Company. Aguilera ha sido vocera de la iniciativa Yum! World Hunger Relief (Campaña Mundial contra el Hambre) desde 2009 y ha ayudado a recaudar más de 150 millones de dólares para el Programa Mundial de Alimentos y otras agencias de lucha contra el hambre.

TV&SHOW/ Rondero’s Medios

El lado generoso de Elvis Presley

NUEVA YORK. – ELVIS PRESLEY “fue muy generoso y cariñoso”, recordó Irene Tsu, quien compartió marquesinas con el cantante en el filme Paradise, Hawaiian Style, de 1966.

En las memorias que acaba de publicar la actriz, subraya que ha trabajado con algunos de los nombres más reconocidos de Hollywood, “pero ninguno se compara con el Rey”, el mito del rock.

Tsu publicó recientemente una memoria titulada A Water Color Dream: The Many Lives of Irene Tsu (Un sueño de color de agua: las muchas vidas de Irene Tsu), que narra su ascenso en Hollywood y de qué manera ayudó a romper las barreras para los actores asiático-estadounidenses.

En el libro, recordó haber trabajado junto a varias estrellas, entre ellas John Wayne, Doris Day y Jimmy Stewart.

 Tsu, ahora de 75 años, compartió la pantalla con Elvis Presley en Paradise, Hawaiian Style de 1966, una experiencia que asegura “nunca olvidará”.

“Era el primer día en el set y estaba muy nerviosa”, recordó Tsu en una entrevista con Fox News. “Todo el mundo estaba almorzando y realmente no tenía ganas de comer porque estaba tan nervios”. “Así que decidí tomar una siesta y si me necesitaban en el set, me llamarían. Fui a mi remolque y el aire acondicionado no funcionaba. Solo estaba histérica, realmente histérica”, continuó. “Pensé, ‘Oh, no, esto no está sucediendo’. Solo podía imaginar lo caluroso que estaba allí. Y no había nadie alrededor porque todos almorzaban”.

“Comencé a caminar y de repente encontré esta gran cabaña”, siguió Tsu. “Pensé, ‘Debe haber un aire acondicionado all’. De repente, hubo una mano que me detuvo. Inmediatamente me disculpo sin siquiera levantar la vista. Y me dijeron, ‘Ese es el vestidor de Elvis. Simplemente no puede entrar'”.

Sin embargo, en ese momento el cantante de Tupelo no estaba y le dieron luz verde para pasar el rato en su habitación.

Al entrar, inmediatamente sintió el alivio de un aire acondicionado y se desplomó en un sofá cercano.

Tsu recordó que el hombre que inicialmente la detuvo entró de repente. “Elvis dijo que podía quedarme todo el tiempo que quisiera y no preocuparme por eso”, rememoró. “Así que me quedé dormida”, deslizó.

Lo mejor para la actriz fue que, cuando abrió los ojos después de un sueño reparador, vio la cara de Presley mirándola fijamente: “Me estaba poniendo una compresa fría en la cara”.

“Era absolutamente hermoso”, dijo. “Quiero decir, las personas con grandes voces son atractivas para mí, pero esto era otra cosa. Ni siquiera sabía qué decir porque estaba muy sorprendida. Y luego dijo: ‘No te preocupes por eso. Solo quiero que te sientas bien. Tienes hambre? Quieres algo para comer? Tienes sed?'”, amplió.

“Ni siquiera podía hablar!”, afirmó a Fox. “Estaba abrumada por todo lo que estaba experimentando. Olía a leche en polvo para bebés. Pero él seguía insistiendo si necesitaba o quería algo”, añadió.

Luego Presley se retiró y Tsu salió de la cabaña, para ver el cantante rodeado por su enorme séquito.

Con información de ANSA

TV&SHOW / RONDERO’S MEDIOS

Apareció el cuerpo sin vida de la actriz Naya Rivera, de 33 años, de “Glee”

(CNN).- El cuerpo recuperado ayer de un lago del sur de California fue identificado como la actriz desaparecida NAYA RIVERA, anunciaron funcionarios del sheriff en una conferencia de prensa.

El cuerpo fue encontrado en el lago donde desapareció la exactriz de Glee.

Los buzos estaban buscando el lago Piru, un embalse ubicado en un área del condado de Ventura, por sexto día el lunes cuando el cuerpo de la exestrella de Glee, de 33 años, fue encontrado flotando en el área donde fue reportada como desaparecida.

Se cree que Rivera se ahogó mientras nadaba en el lago con su hijo de cuatro años, que fue encontrado dormido en su pontón de alquiler después de que se retrasó el regreso. Se encontró un chaleco salvavidas en el bote y el niño llevaba otro.

El niño les dijo a los rescatistas que él y su madre habían ido a nadar al agua, pero ella no volvió al bote. Le dijo a los investigadores que luego miró hacia atrás y la vio desaparecer bajo la superficie del agua, dijo Ayub. En el lago está permitido nadar.

“Hay muchas corrientes en el lago que aparecen típicamente en la tarde”, dijo Ayub. “Creemos que fue a media tarde cuando desapareció, la idea es que el bote comenzó a ir a la deriva, no estaba anclado y ella reunió suficiente energía para llevar a su hijo de regreso al bote, pero no lo suficiente para salvarse”.

El video del muelle muestra a Rivera y su hijo como las únicas dos personas que suben al barco, dijo el sargento del sheriff del condado de Ventura, Kevin Donoghue, en una conferencia de prensa la semana pasada.

Los detectives han hablado con el hijo de Rivera y, como resultado de esa conversación, no creían que Rivera haya llegado a la orilla, dijo.

TV&SHOW / RONDERO’S MEDIOS

“Te doy la vida”, el presente y el destino quedan al descubierto en su gran final

Este Dominguito Sagrado a las 20:30 horas concluye la producción TE DOY LA VIDA (Las Estrellas, 20:30 horas), producción de Lucero Suárez que dejó buenos números y un alto rating a lo largo de su trama en la que se combinaron el destino, la suerte de un mecánico que no sabe es padre de un niño con leucemia y cuyo trasplante de médula le salvará la vida, con las actuaciones estelares de José Ron, Eva Cedeño y Jorge Salinas.

Con los tintes del melodrama clásico, TE DOY LA VIDA combinó elementos que gustan en este género, como las villanías de Miguel Hernández (Jorge Salinas), quien ha suplantado desde joven la verdadera identidad de Ernesto Rioja, haciéndose pasar por un empresario cuyo dinero fue ilegalmente adquirido del hoy occiso y administrado medicamentos a la verdadera madre interpretada por Luz María Aguilar.

Las dos villanas en TE DOY LA VIDA, son Camila Selzer como Irene Villaseñor y Danny Perea comoGina López.

Destacaron las actuaciones de Óscar Bonfiglio y Nuria Bages en sus roles de Domingo Garrido y Esther Salazar de Garrido, padres del mecánico Pedro Garrido (José Ron).

De los mensajes necesarios en esta producción resalta el tema de la diabetes en México, una de las enfermedades que se ha visto incrementada en los últimos años y por la que muere Domingo Garrido, padre de la familia.

En el gran final se conocerá el auto de formal prisión de Ernesto Contreras y su destino, así como el regreso del pequeño Nicolás Rioja Villaseñor (Leonardo Herrera) con sus padres, el biológico Pedro Garrido y su madre Elena (Eva Cedeño) que lo adoptó , y el de Irene y Gina.

También figuraron Erika Buenfil, César Évora, Ricardo Margaleff y Omar Fierro.

TE DOY LA VIDA contó con el tema musical original de compuesto por J. Eduardo Murguía, Mauricio L. Arriaga y Leonel García, interpretado por él mismo. 

UN DATO:

Creado porMaría José Galleguillos
Basado enTe doy la vida 
de María José Galleguillos
Escrito porEdwin Valencia
Lucero Suárez
Carmen Sepúlveda
Luis Reynoso (coadaptación)Luisa Fernanda Gutiérrez (edición literaria)
Dirigido porSergio Cataño
Rubén Nelhiño Acosta

TV&SHOW / RONDERO’S MEDIOS

Perturbadoras revelaciones de la autopsia practicada a Michael Jackson

LOS ÁNGELES.- Siguen conociéndose detalles del estado del cuerpo de MICHAEL JACKSON en la autopsia que se le practicó a 11 años de distancia.

El Rey del Pop estaba obsesionado con la privacidad, tanto que se negó a dejar que los médicos se acercaran a ciertas partes de su cuerpo. Sin embargo, luego de su muerte en junio de 2009, su historial de cirugía estética y sus problemas de salud quedaron al descubierto durante la autopsia y se conocieron perturbadores detalles sobre el estado de la estrella del pop antes de morir.

Los primeros datos se conocieron en febrero pasado. Entonces, The Sun reveló que el cantante tenía pastillas parcialmente disueltas en el estómago y sobrevivía con solo una pequeña comida al día. Su cadera, muslos y hombros estaban cubiertos de marcas de pinchazos de las inyecciones de analgésicos que recibía a diario de su médico personal, Conrad Murray, quien fue declarado culpable de homicidio involuntario por administrar incorrectamente la droga que condujo a la muerte del artista.

Además, según el medio británico, los labios del “rey del pop” habían sido tatuados de color rosa mientras que sus cejas eran tatuajes negros y la parte delantera de su cuero cabelludo también había sido tatuado de negro para combinar con el color oscuro de su cabello.

Sus rodillas estaban misteriosamente magulladas y tenía cortes en la espalda. Pero lo más inquietante que se descubrió fue que su cabello ondulado, hasta los hombros, era una peluca pegada a su cabeza, ya que era calvo.

Se cree que Jackson comenzó a usar peluca tras sufrir quemaduras de segundo y tercer grado durante la filmación de un comercial de Pepsi en 1984. El rodaje en el Auditorio Shrine de Los Ángeles le exigió que bajara un corto tramo por unas escaleras mientras se lanzaban fuegos artificiales a su alrededor. Pero un problema técnico durante una toma provocó chispas que impactaron en el rostro de Jackson, quien terminó con varias heridas.

El documental Killing Michael Jackson, dirigido y producido por ZigZag, se centra en la muerte del cantante y presenta los testimonios de Orlando Martínez, Dan Myers y Scott Smith, los tres detectives que participaron en la investigación inicial de la muerte del músico. Allí se confirmaba que Jackson se había hecho un tatuaje en la parte superior de la cabeza para oscurecer la zona y disimular la ausencia de pelo.

“Cuando vi su cuero cabelludo observé cómo la parte superior de su cabeza estaba calva. Además, tampoco tenía casi pelo en los costados”, detalló Smith en el programa.

Ahora The Mirror, reveló que la autopsia también confirmó la verdad detrás de años de especulación sobre el cambio de color de la piel de Jackson. Siempre insistió en que el cambio en su apariencia a lo largo de los años se debía a la condición de la piel vitilago, que causa parches de pérdida de pigmentación.

Christopher Rogers, el médico que supervisó la autopsia, señaló que Jackson efectivamente sufría de vitiligo, añadiendo: “Por lo tanto, algunas áreas de la piel parecen claras y otras oscuras.”

La autopsia también mostró que existió una lucha desesperada por salvar a Jackson después de que fuera encontrado inconsciente en su casa. Los hematomas en el pecho y las costillas rotas se debieron a los intentos de resucitación por parte de los paramédicos que trataron de revivirlo antes de que fuera declarado muerto.

The Mirror también detalló uno de los más perturbadores hallazgos en el cuerpo del cantante: el deplorable estado de sus pies. Estaban llenos de hongos, callos y lastimaduras. “Parecían podridos”, aseguró el periódico.

Y es que el artista sentía vergüenza de sus pies. Nunca los dejaba al descubierto y tampoco dejaba que nadie lo tratara. El hecho de que siempre usara calcetines, incluso en su vida privada, le fue causando unos callos muy dolorosos y una infección por hongos tan severa que parecía que su piel se estaba pudriendo.

Según su médico Conrad Murray, la estrella estaba tan obsesionada con la privacidad que durante años se negó a que nadie le viera los pies, y mucho menos a tratarlos. En su lugar, Jackson desarrolló una adicción a los analgésicos. Describiendo los pies de Jackson en su autobiografía de 2016, This Is It, Murray contó: “Estaban cubiertos de callos… y tenían una infección fúngica crónica avanzada. Resultó que siempre usaba calcetines porque estaba muy avergonzado del aspecto de sus pies.Le sugerí que necesitaba un podólogo. Un día después de que sus pies fueran tratados, se sorprendió de que pudiera caminar y bailar sin dolor”.

“Más tarde le prescribí medicamentos antimicóticos para eliminar la infección. Fue un éxito total. Mientras tanto, yo personalmente le administraba regularmente lociones y masajes para eliminar la piel áspera”, reveló. Y agregó: “El hecho de que los pies de Michael, algo crítico para él, estuvieran en tan mal estado cuando murió es una señal de que no sólo se había descuidado a sí mismo, sino que los que le rodeaban no vigilaban de cerca su bienestar”.

Con información de ANSA

TV&SHOW / RONDERO’S MEDIOS

“Chavela” conquistó a su México querido de propia voz, por Netflix

Directa, sin ambages ni medias tintas, así aparece, de principio a fin, CHAVELA VARGAS en el documental que lleva su nombre, por Netflix, luego de haber sido estrenado en el cine.

La tica María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano (San Joaquín, Costa Rica (1919-2012) A dos años de su estreno en los cines, CHAVELA llega a Netflix. El documental explora la vida de la cantante de origen costarricense en un viaje a través de su propia voz entre la soledad, los amores, el anhelo de conquistar su México querido y sus últimos años de vida.

Con Chavela Vargas la música ranchera tradicional mexicana tomó otro sentido con su singular estilo a la hora de interpretar sin caer en las poses y los lugares comunes, como la totalidad de cantantes femeninas, ataviadas a la clásica usanza percibida y adoptada a lo largo del cine mexicano.

Chavela Vargas conquistó México con su voz, su presencia y porte. Enfrentó y reto el machismo imperante, la discriminación y los estereotipos. Dejó atrás las criticas de su estilo de vida y su preferencia sexual, para entregar todo su corazón en cada una de sus presentaciones. 

UN DATO:

El documental, dirigido por Catherine Gund y Daresha Kyi, desnuda el alma libre de la cantante, así como su espíritu rebelde que permaneció con ella hasta sus últimos días de vida. De sus numerosos amores y romances, destaca sostenido con Frida Kahlo.

Aparecen videos inéditos, sus amores entrañables, sus debilidades y su alcoholismo permanente, así como entrevistas de personas allegadas a la artista,

El 30 de julio de 2012 fue internada en el hospital, con problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, esto tras el viaje a España. No quiso ser entubada, ya que quería tener una muerte natural.

UNA FRASE:

“Yo sabía perfectamente bien cuáles eran los costos, y claro que valió la pena. Le dije adiós a Federico, les dije adiós a mis amigos y le dije adiós a España. Y ahora vengo a morir a mi país.”

El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su fallecimiento a través de su Twitter oficial con la siguiente frase: «Silencio, silencio: las amarguras volverán a ser amargas… se ha ido la gran dama Chavela Vargas».

Durante su último concierto en Buenos Aires, declaró: “Pienso que sí me eternizaré. Pasará el tiempo y hablarán de mí una tarde en Buenos Aires. Cuando un día empiece a llover, les saldrá una lágrima, será una chavelacita muy chiquita”.

TV&SHOW / RONDERO’S MEDIOS