McCartney escribe su autobiografía musical “The Lyrics” (1965-2021)

ROMA.- THE LYRICS: 1965 TO THE PRESENT, es el título del autorretrato que comprende 154 canciones de PAUL MCCARTNEY, editado y presentado por el ganador del Premio Pulitzer Paul Muldoon, que estará en las librerías para noviembre de este año. En Italia será lanzado para la editorial Rizzoli que anuncia la publicación.

“No sé cuántas veces me preguntaron si escribiría una autobiografía, pero nunca había sido el momento adecuado. Lo único que siempre he sido capaz de hacer, en casa o sobre la marcha, es escribir nuevas canciones. Sé que cuando llegas a cierta edad, un diario ayuda a recordar los días pasados. Pero nunca tomé notas. Lo que me queda son mis canciones, cientos de canciones que, entiendo, equivalen a una especie de diario. En estas canciones hay toda una vida útil”, aseveró Paul McCartney.

Se trata de dos volúmenes de box set en los que McCartney relata, con extraordinaria sinceridad, su vida y arte a través de 154 canciones que cubren todas las etapas de su carrera, desde composiciones juveniles tempranas hasta la legendaria década con los Beatles, desde alas hasta álbumes en solitario. Organizadas en orden alfabético, no cronológico, las letras finales de las canciones se recogen aquí por primera vez, junto con la historia de las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y los lugares que las inspiraron. Hay materiales inéditos y preciosos de su archivo personal, manuscritos, cartas, fotografías.

“Espero que lo que escribí muestre a los lectores algo sobre mis canciones y mi vida que nunca habían visto antes. Traté de decir algo sobre cómo nace la música, lo que significa para mí y lo que espero que signifique para los demás también”, explicó Paul McCartney, quien escribió su primera canción a la edad de 14 años. “Estos textos, extraídos de cinco años de conversaciones con Paul McCartney, están tan cerca de una autobiografía como podemos tener. Lo que Pablo nos dice sobre su proceso creativo confirma algo que antes sólo podíamos sospechar: nos enfrentamos a un escritor de importancia primaria que encaja perfectamente en la larga tradición de la poesía en inglés”, dice Paul Muldoon.

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Demi Lovato lo cuenta todo en la docuserie Dancing With The Devil

ROMA. – Se arriesgó a morir luego de una sobredosis, revelaciones que la cantante DEMI LOVATO revelará en la docuserie DEMI LOVATO: DANCING WITH THE DEVIL, de cuatro partes, que se estrenará el 23 de marzo en YouTube Originals.

“Mis médicos me dijeron que otros 10 minutos y yo moriría”, así confiesa DEMI LOVATO uno de los períodos más oscuros de su vida: “Después de una sobredosis en 2018, tuve tres derrames cerebrales y un ataque al corazón y ahora tengo daño cerebral, no conduzco y tengo dificultad para leer…”, revela la cantante americana, en el tráiler, compartida en las redes sociales, de DANCING WINTH THE DEVIL , documental, que habla sobre salud mental y adicciones.

DEMI LOVATO tiene 28 años. “Me queda una lesión cerebral, e incluso hoy me enfrento a sus efectos”, dice la cantante. No conduzco el auto porque tengo puntos ciegos a mi vista. Durante mucho tiempo tuve dificultades para leer, todo estaba borroso”.

LOVATO también dijo que las repercusiones duraderas “todavía están ahí para recordarme lo que podría suceder si alguna vez vuelvo a la oscuridad”.

En el tráiler, Demi también muestra la imagen impactante de su mano tatuada conectada a un goteo y cubierta con cinta médica, con una banda hospitalaria sujeta alrededor de su muñeca en la que se lee la fecha de nacimiento del Lovato, el 20 de agosto de 1992, así como la fecha en la que fue hospitalizada: el 24 de julio de 2018.

En el tráiler, Demi relata los diversos pasos de su carrera, desde ser estrella de Disney hasta del pop y especialmente los meses tumultuosos que llevaron a su sobredosis, que casi le costó la vida. El video también muestra a la madre de Demi, Dianna De La Garza, su padrastro Eddie, su hermana mayor Dallas, de 33 años, y su media hermana menor Madison, quienes siempre han estado cerca de ella. Luego dice que está lista para una nueva fase y quiere hacer lo que le gusta de la música. 

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“The United States vs. Billie Holiday” redime a la cantante y precursora de los derechos civiles

ROMA.- BILLIE HOLIDAY no solo fue una de las cantantes más sobresalientes de la escena musical, también es considerada una artista que desafió al racismo, por ello vuelve al centro de la escena en el film de Lee Daniels, THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY, de Lee Daniels, cuya protagonista, Andra Day, está nominada a los premios Golden Globe por su interpretación de la cantante de blues cuya vida fue tormentosa desde su traumática infancia debido a que su madre la obligó a prostituirse a los 11 años.

Andra Day stars in THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY from Paramount Pictures. Photo Credit: Takashi Seida.

Víctima del abuso del alcohol y las drogas, HOLIDAY también supo ser una mujer fuerte, generosa y libre, incluso en su sexualidad.

HOLIDAY fue defensora de los derechos civiles y siempre estuvo en la mira del gobierno estadounidense y del FBI de Hoover: una persecución que también contribuyó a la muerte prematura del cantante en 1959, a la edad de 44 años.

Un torbellino de contradicciones, arte, tragedia y coraje, se aprecian en este film acerca de la gran artista afroamericana.

La película, que llega a Estados Unidos a través de Hulu el próximo 26 de febrero, acaba de ganar dos nominaciones al Globo de Oro: a Mejor Actriz de Drama para Andra Day (incluso entre las favoritas para una nominación al Oscar) que vuelve a competir también en las cinco mejores canciones, Tigress and Tweed, interpretada y escrita por ella con Raphael Saadiq.

“Soy fan de Billie Holiday desde los 11 o 12 años -explicó Andra Day, nacida en 1984, en el encuentro online con Lee Daniels organizado por la American Cinemateque-, inmediatamente me llamó la atención su voz, tan diferente de los estridentes a los que estaba acostumbrada. Era una voz única poco frecuente y a lo largo de los años, su ejemplo me ha animado a estar orgullosa de mi voz e individualidad, me enseñó a usar el poder del arte con cuidado y sabiduría”.

El vínculo de Lee Daniels, director de películas como Precious y The Butler, con Billie Holiday ya había pasado por el cine: La dama del blues (dirigida por Sidney J. Furie en 1972, con Diana Ross en el papel principal) es la cinta que me inspiró a convertirme en director. La vi a los 13 y me impactó.

Fue la primera vez que vi una historia de amor negro, una historia tan intensa y profunda en lugares y con una música que me pertenecía a mí y a artistas como Diana Ross, Billy Dee Williams y Richard Pryor. Quería que mis films se sintiera como me sentí yo después haber visto eso”, explicó.

Cuarenta años después “me llegó este hermoso guion sobre Billie Holiday y me doy cuenta de lo mucho que no sabía sobre sus luchas”.

“Cuando pensamos en el movimiento por los derechos civiles, nombres como Martin Luther King, Malcolm X, Gandhi, Rosa Parks aparecen de inmediato. En mi opinión Billie Holiday dio impulso a ese movimiento, con su canción Strange Fruit (una de sus ramas símbolo, que habla del linchamiento de un hombre negro, la ‘fruta extraña’ que cuelga del árbol) y es un hecho que no se encuentra en los libros de historia. Entonces yo también luché contra mis adicciones y como artista entiendo el camino de Billie, sentí que tenía que hacerle justicia”.

La película sigue a la cantante principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks de su pasado), cuando el FBI, y uno de sus principales emisarios, Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund), para truncar la carrera de la artista, que continuaba cantando Strange Fruit en sus conciertos, la convierte en el objetivo de control constante al borde de la persecución.

Debido a la adicción de Billie a la heroína, encuentros erróneos, problemas personales y profesionales y, a veces la utilización por parte de las autoridades de pruebas falsas, la mujer acaba detenida varias veces (en 1947 también cumple un año de prisión), pero cada vez más minada físicamente, hasta el final, no se rinde.

“Sabía que el gobierno había perseguido a Billie Holiday, pero no sabía hasta dónde había llegado”, dijo Andra Day, quien perdió 17 kilos para el papel y reinterpretó todas las canciones.

“El único modo que tenían para llevar adelante aquel sistema de opresión era aplastar la verdad, aquello que cantaba Billie.

Me asombró su fuerza para luchar sola, su resiliencia, su poder interior. Realmente la considero la madrina de la lucha por los derechos civiles”.

En ella “había un deseo de ser escuchada y al mismo tiempo una gran vulnerabilidad. Siendo una mujer negra viviendo en Estados Unidos, conozco esa soledad y ese sentimiento invisible”, acotó.

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James Earl Jones, 90 años del actor tartamudo de voz privilegiada

LOS ÁNGELES.- Es el actor con una de las voces más inconfundibles del cine americano y protagonista con papeles que han hecho historia. Es JAMES EARL JONES, quien cumple este día 90 años.

EARL JONES nació el 17 de enero de 1931 en Mississippi pero criado en Michigan. JONES es conocido, entre otras destacadas actuaciones, por su papel como Alex Haley en Roots, seguido de Thulsa Doom en Conan el Bárbaro, y el Almirante Greer en The Hunt, en filmes como Octubre Rojo, Power Games, Under the Sign of Danger. Su papel como el rey Joffy Joffer en Coming to America (1988), el padre del príncipe Akeem interpretado por Eddie Murphy, también es inolvidable.

Pero su fama también está ligada a su carrera como actor de voz. La suya es la voz de Dart Fener en las sagas de Star Wars y Mufasa en El Rey León (así como en su secuela y remake).

También es la voz detrás del anuncio de This is CNN. Sus actuaciones le valieron diez nominaciones al Emmy, ganando 3 de ellas, 5 premios Globo de Oro y un Premio de la Academia al Mejor Actor Principal por la película To Rise Lower, mientras que en 2012 recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria. Por sus obras de teatro, ganó dos premios Tony.

Sin embargo, JONES, una de las voces más reconocibles del mundo, tiene un pasado como tartamudo. Como él mismo relató en el pasado en una entrevista, cuando era niño, criado por sus abuelos maternos, luchó con una forma de tartamudeo que lo dejó casi mudo durante los primeros ocho años de su vida. “Como un niño- recodó – sólo me comunicé con mi familia o al menos con aquellos que no se sentían avergonzados por mi tartamudez y vergüenza. En cambio, me comuniqué con animales con bastante libertad, a saber, cerdos, vacas y pollos. A ellos no les importa cómo suene tu voz”.

JONES también fue presa de las burlas de sus compañeros de clase en la escuela y en un momento dejó de hablar. En cambio, lo hizo en la escuela secundaria y gracias a un profesor de inglés que comenzó en la poesía.

El actor una vez escribió un poema tan hermoso que el mismo maestro dudó que fuera original. Así que lo invitó a recitarlo de memoria delante de la clase. Lo cual hizo porque fueron sus palabras y desde entonces ha estado en el camino de ponerse detrás del trastorno del habla.

Hoy, a pesar de los éxitos de su carrera, no se siente capaz de decir que ha salido completamente de ella. “No puedo decir que estoy curado – comentó ¡trabajo en ello!”.

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Faye Dunaway cumple 80 años

LOS ÁNGELES.- FAYE DUNAWAY cumple 80 años, icono de los setentas, durante su carrera la actriz ganó un Premio Oscar, tres Globos de Oro, un Bafta y un Emmy, mientras que en 2011 el gobierno francés le otorgó el honor de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras.

DUNAWAY nació en Bascom, Florida, hija de un militar del Ejército de los Estados Unidos, hizo su debut en los escenarios en la década de 1960, cuando a sus 20 años consiguió un pequeño papel en Broadway, en el programa And The Night Came.

El despegue para la juvenil actriz fue en 1966 cuando Elliot Silberstein la quería para Empezó a jugar con Anthony Quinn. Dunaway fue elegida por Arthur Penn para Gangster Story (1967), inspirada en la historia de Bonnie y Clyde, donde alternó junto a Warren Beatty y Gene Hackman. Su interpretación de Bonnie le valió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz en un Papel Protagonista.

Después de trabajar junto a Jane Fonda en E venne la notte de Otto Preminger y The Thomas Crown Case con Steve McQueen, de Norman Jewison, a finales de la década de 1960 la actriz aterrizó en Italia, donde tuvo el papel de Julia en la película Lovers (1968) dirigida por Vittorio De Sica. El otro protagonista fue Marcello Mastroianni, como Valerio. Un romance nació entre los dos personajes y pronto la ficción se trasladó al mundo de la realidad y Dunaway y Mastroianni comenzaron una historia de amor que tendría tres años de duración. La actriz más tarde regresó a Hollywood.

El pináculo de su carrera llegaría en la década de 1970 con películas como Chinatown de Roman Polanski (1974), como Evelyn Cross Mulwray, que le valió su segunda nominación al Oscar, y The Crystal Hell (1974), dirigida por John Guillermin, cuyo elenco incluía a Paul Newman, Steve McQueen, William Holden, Fred Astaire, Jennifer Jones y Robert Wagner.

El Oscar a Mejor Actriz llegó con la interpretación de Diana Christensen en la película de Sidney Lumet de 1976 Fifth Power, sobre el abuso de las noticias. Por el mismo papel también ganó el Globo de Oro.

En la década de 1980 Faye Dunaway se dedicó principalmente a la televisión apareciendo en algunos episodios de la serie Lieutenant Colombo y también regresó a trabajar en Italia, interpretando a la reina Isabel de Castilla en el guion Cristoforo Colombo de Alberto Lattuada, en la película de Carlo Vanzina The Match y con Lina Wertm’ller en In a Moonlight Night.

En 2017, Dunaway, a quien Hollywood también dedicó una estrella a lo largo del famoso Paseo de la Fama, participó en la ceremonia de los Oscar, y junto a Warren Beatty se equivocó al mencionar a La La Land como Mejor Película en lugar de la ganador oficial Moonlight.

De hecho, el error no fue de los presentadores, sino de los encargados de entregar los sobres con los nombres de los ganadores. En una entrevista con Variety, Dunaway reveló que se siente un poco culpable. “Yo podría haber hecho algo – admitió –. ¿Cómo no pude ver el nombre de Emma Stone en la tarjeta?

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5 años sin el camaleónico Bowie

LONDRES.– Este domingo se cumplen 5 años sin el londinense oriundo de Brixton al sur de Londres, David Robert Jones, mejor conocido como DAVID BOWIE, una estrella de rock que pudo ser mucho más que un rockero y algo más que una estrella.

Para sus fans y seguidores fue un shock: pocos sabían que uno de los genios más revolucionarios de la historia del rock había sido un enfermo desesperado durante algún tiempo, pero en ese triste día de 2016 todo el mundo entendió que esa despedida había sido preparada como el último acto de una aventura artística que cambió el mundo. Y, en cierto modo, el shock fue aún mayor, cuando, escuchando las notas de Black Star, un álbum de una profundidad emotiva, uno se encontró frente a la obra maestra de un hombre que decidió contar su fin anulando de la manera más definitiva el límite entre el arte y la vida.

El mundo descubrió con Bowie la idea de que un músico podría ser simultáneamente una figura que, muy adelantado a los tiempos, puso en juego una ambigüedad sexual descarada y al mismo tiempo se mezcló con el Cabaret de Berlín, el teatro kabuki, el Mimo de Lindsay Kemp.

Un artista que no era Bowie probablemente habría pasado toda su vida en los laureles de Ziggy, pero decidió liberarse de ese alter ego tan engorroso para asumir primero la identidad del duque blanco delgado, el Duque Blanco lanzado para conquistar América pero esclavo de la cocaína y luego sumergirse en Berlín a mediados de la década de 1970 para producir la famosa trilogía de Berlín con uno de los muchos giros estilísticos impactantes.

Es impresionante pensar cuántas cosas ha sido David Bowie, la de Let’s Dance y la del rock muy duro y en bancarrota comercialmente de Thin Machine, un crooner con un carisma sin igual, un autor brillante, un icono de estilo, un explorador de sonido, un actor, un artista que en todo lo que se preocupaba poco sobre el mercado pero ganó montañas de dinero gracias a Bowie Bonds gracias a los bonos de Bowie , una operación financiera sin precedentes, un pintor vinculado al expresionismo alemán, un actor con un importante plan de estudios que consiste en películas como El hombre que cayó a la tierra, La última tentación de Cristo, Miriam despierta a medianoche, Furyo, Todo en una noche, Labirinth y que se permitió un cameo en Zoolander y una aparición en El Prestigio de Christopher Nolan.

Un carácter único, iluminado, impulsado por una curiosidad inconclusa y un deseo imparable de conocimiento, como para comunicar ese cambio y el descubrimiento de lo nuevo son un método para poner orden en el caos. David Bowie fue y sigue siendo uno de los artistas más influyentes en la historia de la cultura popular, como lo demuestra la exposición realizada por el Victoria y el Albert Museum de Londres.

BOWIE fue uno de los primeros en entender que el Rock’n’Roll podría ser mucho más que la música que anunció al mundo el nacimiento de los jóvenes como una categoría social, para adivinar que se podría ir más allá de los límites y convenciones, que alrededor de la música se podría construir un verdadero universo de signos. Incluso la muerte se ha transformado en algo más allá de su inevitable verdad. Cuando, frente al último acto, David Duncan Jones y David Bowie volvieron a ser la misma persona.

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Robert Duvall, actor “naturalista”, 60 años de carrera y 90 de vida

LOS ÁNGELES.- Hay actores que encarnan una generación, ROBERT DUVALL es uno de ellos, el que escribió en su rostro los años 70 del cine estadounidense, la era de Nuevo Hollywood. Pero su historia es mucho más variada y merece ser releída en su onomástico 90 porque si hay una voz fuera del coro en América ayer y hoy, es la suya.

La calvicie apareció desde una edad temprana en ROBERT DUVALL, imponente por su físico, hoy trae los años como una de las estatuas talladas en el monte Rushmore. Y no por una mera casualidad: su familia tiene sangre francesa (uno de sus antepasados huyó después de la persecución contra los hugonotes), además de alemana y británica. Por parte de su padre, es descendiente directo del general confederado Robert Edward Lee, a quien el propio Duvall llevó a la pantalla en Dioses y generales (Robert Maxwell, 2003).

Robert Selden Duvall nació en San Diego el 5 de enero de 1931, hijo de un almirante y una actriz amateur. Se entrena en la dura escuela militar en casa, así como una estricta observancia religiosa, pero su pasión por el escenario no lo deja en silencio: hizo su debut en el escenario en 1952 en el Gateway Playhouse, en Long Island, donde encontró a su amigo y mentor Ulu Grosbard como director.

Asistió a las clases de actuación de Sanford Meisner en Nueva York, compartiendo una casa con Dustin Hoffman y Gene Hackman: “¿Qué es un amigo? – él dirá más tarde-. Es el que te presta sus últimos 300 dólares si tienes que ir al hospital”.

El nombre de ese amigo es Gene Hackman. En 1953, sin embargo, se alistó en el ejército y a los dos años fue enviado al frente en Corea. De vuelta a casa, Meisner le dio el primer papel importante en el teatro y poco después se estableció en obrass como Bus Stop, The Perfect Crime, A tram called desire, ésta última en la que rivaliza con Marlon Brando.

Experimentó por primera vez la emoción de la cámara en Up There Someone Loves Me (1956) con Paul Newman, pero tendría que esperar seis años para que Hollywood lo ubique como el enfermo mental en The Dark Beyond the Hedge junto a Gregory Peck. Mientras tanto, aparecía como una “estrella invitada” en la televisión: dirá que ésa era su escuela, citando la serie Lonely Dove de finales de los 80 como su interpretación favorita.

En cambio, es el cine que lo convirtió en un personaje memorable a finales de la década de los sesenta cuando su destino cruza a los jóvenes maestros de esa formidable generación: después de The Hunt (1966) de Arthur Penn y Countdown de Robert Altman (1968), apareceCoppola en su debut con I’m Not Coming Home Tonight (1969), George Lucas (The Man Who Escaped from the Future, 1971) al inesperado triunfo de The Godfather (1972), que derivó con la primera de seis nominaciones al Oscar. Ganó en 1984 con Tender Mercies de Bruce Beresford.

Su director-pigmalión ha sido Francis Coppola, quien le da el papel de Tom Hagen, los “concejales” de la familia Corleone en El Padrino junto a Don Vito (Marlon Brando) y su hijo Michael (Al Pacino) en la exitosa secuela de 1974.

El director y el actor volvieron a reunirse en The Conversation y en Apocalypse Now (1979) cuando Duvall usa el uniforme del coronel Kilgore, pronunciando una de las líneas más famosas en la historia del cine: “Me gusta el olor del napalm por la mañana”. Pero hay muchos directores de los años 70 que encuentran en esa “cabeza de piedra” a la co-estrella ideal, como Bob Altman con MASH; Sam Peckinpah en Killer Elite, Sidney Lumet en Quinto poder, Monte Hellman en Soy el más grande.

En el 79 alcanzó popularidad con Il Grande Santini, que lo llevó de vuelta a los finalistas de los Oscar y en 1981 ganó la Copa Volpi en Venecia con La Absolución, de su amigo/maestro Ulu Grosbard.

Paradójicamente, después de estos premios y los Oscar de 1984, ROBERT DUVALL se alejó del éxito, cada vez más elegido por la televisión, se apasionó por una nueva carrera como productor, probó suerte dirigiendo 5 veces, obteniendo un gran éxito (y otra nominación al Oscar) con El Apóstol (1997). Le gusta decir de sí mismo: “No me ven como un protagonista, pero nunca me ha apasionado este juego: nunca he estirado los dientes delante o ese tipo de cosas. No quiero cambiarme de cara para conseguir esto. Incluso cuando hice una película ‘grande’, lo único que me importaba era hacer del personaje un hombre de verdad”.

DUVALL se considera un actor naturalista, en el molde de Spencer Tracy y, mientras admira la lección del Actor’s Studio, nunca lo ha convertido en una obsesión, prefiriendo la soledad libertaria como un viejo vaquero. Sus elecciones políticas lo confirman: siempre fue un republicano (especialmente raro en Hollywood), recompensado por una cierta familiaridad en la Casa Blanca en la época de los Bushes, padre e hijo, e incluso hizo campaña por John McCain y Sarah Palin a pesar de tener vínculos familiares con Barak Obama.

En 2016, después de apoyar a Donald Trump, dejó a los republicanos llamando al partido “un verdadero desastre”. Fiel a su independencia moral, junto con su última esposa, Luciana Pedraza, mucho más joven que él y casado por cuarta ocasión en 2004, se dedica a trabajos sociales para los pobres de Argentina (su país de elección donde se refugia tan pronto como puede) la construcción de escuelas, dispensarios, vivienda social.

“En Buenos Aires – le encanta recordar – hay un pequeño café, La Biela, en el distrito de la Recoleta donde se puede sentarse al atardecer, ver enjambres de personas hasta la noche y disfrutar de su café a las ocho de la mañana. No hay mejor lugar en el mundo.

En este año DUVALL aparecerá en 12 poderosos huérfanos de Ty Roberts, con su amigo Martin Sheen, y en Hustle de Jeremiah Zagar.

A todo esto, ¿habrá otro Oscar o un reconocimiento a DUVALL por 60 de su carrera?

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Falleció la actriz, bailarina y periodista Josefina Echánove

La primera actriz, bailarina y periodista mexicana JOSEFINA ECHÁNOVE falleció este día a la edad de 93 años.

ECHÁNOVE participó en telenovelas como Corazón Salvaje, La Dueña, Rubí, Cuna de Lobos, además de figurar en más de 30 películas.

Fundó el grupo de danza contemporánea de la Universidad de Guanajuato. Echánove nació en New York el 21 de julio de 1927.

Josefina fue madre de la cantante María del Sol, el actor Alonso Echánove y la periodista Peggy Echánove. Trabajó con directores y artistas como Emilio “El Indio” Fernández y Gregory Peck, respectivamente.

En su cuenta de Twitter, María del Sol le dedicó las siguientes palabras: “Hoy, Doña Josefina Echánove … La Reina Madre… Descansa”.

“A todos nuestros amigos de los medios de comunicación, agradecemos sus muestras de cariño, el respeto, espacio para la familia y amigos cercanos en estos momentos tan difíciles. Nos daremos un tiempo para recuperarnos de esta gran pérdida esperando pronto retomar nuestras actividades públicas. Agradeciendo siempre a Dios por sus oraciones y por la vida de la primera actriz Josefina Echánove”.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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Se avecina remake de “La Familia Ingalls”, de las series entrañables

LOS ÁNGELES.– Gran noticia para los fans. LA FAMILIA INGALLS, una de las series más entrañables de setenta y ochenta, volvería como remake a la televisión.

Según el sitio especializado Entertainment Weekly, Paramount Television se unió a Anonymous Content, la productora que está detrás de series como True Detective, Mr. Robot y The Alienist, para desarrollar un remake de los Ingalls, serie inspirada en las novelas autobiográficas de la escritora estadounidense Laura Ingalls Wilder, quien le dio su nombre a una de las protagonistas, interpretada por Melissa Gilbert.

La serie (Little House on the Prairie, conocida también como La pequeña casa de la pradera o Los Pionerosse emitió en la NBC hasta 1983. Fueron nueve temporadas. Contaba la historia de Laura Ingalls y su familia tradicional en una granja ubicada cerca de un pequeño pueblo de Minnesota, a fines del siglo XIX.

El elenco también incluía, entre otras figuras, a Michael Landon (fallecido en 1991), Karen Grassle y Melissa Sue Anderson.

Por sus reacciones en redes sociales, queda claro que los seguidores están al tanto de lo que sucede con los artistas que formaron parte de este exitoso programa.

“No tengo ningún deseo de volver a la ciudad, excepto para ver a mi dentista cada seis meses”, contó Melissa, quien pegó un golpe de timón y, a los 56 años, pasa sus días como Laura Ingalls.

Según publicaron medios como USA Today, Gilbert, la popular actriz que encarnó durante casi una década a la hija de Charles y Caroline (Michael Landon y Karen Grassle) en Little House on the Prairie, “sigue los pasos de Laura Ingalls y está viviendo la vida como en la serie, al estilo siglo XIX, todo a causa de la pandemia”.

“Cuando ella y su esposo, el actor y director Timothy Busfield, se mudaron a la ciudad de Nueva York hace unos años, compraron una cabaña en Catskills. Iban a realizar mejoras en algún momento en el futuro, pero la Covid -19 los llevó a hacer ese trabajo antes de lo pensado”.

Así, Melissa armó su huerta, construyó un establo, tiene caballos y cabras.

“Tuvimos que construir y cuidar un gran jardín, construir un sistema de riego para ese jardín, construir la seguridad, crear un sistema de cerco eléctrico para proteger el gallinero de los osos. Nos dedicamos a criar gallinas”, detalló.

“Nunca me divertí más en mi vida. Nos levantamos temprano y estamos absolutamente sucios ya a las 10 A.M. La vida de campo me pone alegre todo el tiempo”, admitió.

S​us vecinos no pueden creerlo: Melissa parece haber hecho una reproducción de la exitosa ficción que transcurría en una granja de Minnesota.

“Miro mis manos y hay ampollas y suciedad por todas partes de tanto usar la pala. Aún así, elijo esta vida de serenidad”, explicó.

La que también encontró una ocupación durante la pandemia fue Karen Grassle, que se ponía en la piel de Caroline Ingalls, una de las mamás más recordadas de la historia televisiva: abrió su canal de YouTube.

Y allí, a los 78 años, lee cuentos infantiles, como Teeny-Tiny, una historia de su libro favorito, Historias que nunca envejecen. Como la de los Ingalls.

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Hace 40 años la conmoción fue global: ¡asesinaron a John Lennon!

NUEVA YORK.- Hace 40 años asesinaban a John Lennon y nacía el mito más grande la música popular contemporánea. La noche del 8 de diciembre de 1980, una serie de disparos efectuados por un fan desequilibrado que lo estaba esperando en la puerta de su vivienda en Nueva York ponían fin de manera prematura a la vida de JOHN LENNON, fundador y líder carismático de The Beatles; y referente indiscutido de una generación que experimentó algunos de los cambios más importantes a nivel social y cultural del siglo XX.

Aunque al momento de su muerte el artista británico ya se erigía como una especie de leyenda viva, tanto por haber conformado junto a Paul McCartney la sociedad compositiva más importante de la música popular contemporánea, como por simbolizar una verdadera revolución cultural; el fatal desenlace lo convirtió en el mito más grande del espectáculo moderno.

Ocurre que el icónico músico no solo conmovió a millones de jóvenes en todo el mundo con las nuevas estéticas propuestas desde el famoso cuarteto, sino que además representó una era en la que la juventud alzó su voz contra un conservador orden establecido por el mundo adulto a nivel político y socio-cultural.

En tal sentido, la música de Lennon expandió a límites insospechados a la música pop, pero además expresó los sentimientos de una generación nacida en la posguerra, que buscaba un cambio de época a través de una libertad que confrontaba viejos prejuicios.

Nacido el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, en medio de uno de los recurrentes bombardeos de la Alemania nazi a su preciado puerto, Lennon fue producto de su tiempo y de su propia historia familiar, marcada por el abandono de sus padres y las exigencias de su tía, encargada de su educación, para que diera respuesta a los mandatos sociales de la época.

John transcurrió su infancia tironeado internamente por la herencia del espíritu libre heredado de su padre Alfred, un marino amigo de la diversión; y del desparpajo de su joven madre Julia, quien delegó su crianza para poder rehacer su vida; y las severas reglas fijadas por su adorada tía Mimi.

En una ciudad y un contexto en el que solo el fútbol y el humor aparecían como alternativas para los jóvenes de eludir un inexorable destino familiar, Lennon encontró en el arte su válvula de escape; primero a través del dibujo y las historietas, y luego en el rock and roll y la rebeldía que encarnaban Elvis Presley y James Dean, respectivamente.

El sueño de replicar el furor de Elvis en su tierra natal tomó forma cuando conoció a Paul McCartney, un joven con asombrosa destreza para la música, y lo incluyó en el aficionado grupo que había formado con compañeros de su colegio. Tras varios años embrionarios –marcados a nivel personal por los severos reproches de su tía para que encauzara su vida y por la trágica muerte de su madre, de la que fue testigo-, la banda, a la que había bautizado como The Beatles y que completaban George Harrison y Ringo Starr, estaba lista para conquistar al mundo.

Sin embargo, así como en su vida personal se debatía entre las exigencias de Mimi y su espíritu rebelde, Lennon mostró signos de disconformidad hacia los mandatos que el mundo del entretenimiento concentraba en el grupo, que hacia la primera mitad de la década del `60 ya era un fenómeno mundial.

En medio de la efervescencia juvenil y el desparpajo que suponía la irrupción del nuevo orden que simbolizaba The Beatles, John se animaba a plantear reparos, a través de algunas canciones como Help! o I´m a loser; y de algunas actitudes y declaraciones provocativas que podían tener como blanco a “indiscutibles” como la Reina de Inglaterra o el propio Jesucristo.

El verdadero Lennon iría mostrando sus cartas con el correr de los años, a nivel musical con exploraciones psicodélicas, producto de su amor por el surrealismo y el consumo de drogas lisérgicas; y en el plano social, con posturas radicales que dejaban de lado los esfuerzos por agradar al público más conservador.

La segunda mitad de los `60, cuando los jóvenes que lo habían tomado como un ícono comenzaron a impulsar cambios profundos en la sociedad, la llegada a su vida de Yoko Ono, su gran amor, abrirían las puertas para que el artista encontrara su rumbo definitivo.

La vanguardista artista japonesa fue la gran responsable de la deconstrucción del músico, quien no solo se animaría a experimentaciones sonoras que lo alejarían poco a poco de sus compañeros de grupo, sino que también radicalizarían su discurso político.

El despojo final de los mandatos tradicionales estaría dado por el viraje de Lennon hacia el feminismo. Su romance con Yoko suponía la ruptura de su primer matrimonio con Cynthia Powell, la abnegada novia de la adolescencia con la que se había casado cuando supo que esperaban un hijo y a quien mantuvo relegada en todo sentido.

El joven que había escrito canciones como Run For Life, en la que le decía a su chica que “prefería verla muerta en vez de con otro hombre” y de la cual abjuraría más adelante; transitó un proceso que lo llevó en 1972 a componer Woman Is The Nigger Of The World o a lamentar poco antes de su muerte no haber incluido a Yoko como coautora de Imagine, su tema más emblemático, por presiones sociales y de la industria.

Más allá del camino recorrido, la honestidad brutal en su música fue la gran constante en la trayectoria de Lennon, lo que se reflejó en discos como Plastic Ono Band, de 1970, su primer trabajo “post-Beatles”; o en Sometime in New York City, de 1972, su álbum más politizado.

La citada deconstrucción de Lennon tuvo su punto culminante cuando en 1975 abandonó la actividad para dedicarse de lleno a la familia que conformaba con Yoko y Sean, el hijo de ambos; luego de años marcado por excesos y enfrentamientos con el gobierno estadounidense de Richard Nixon, país en donde se había radicado.

Su efímero regreso en 1980 con Double Fantasy mostró a un artista con líricas y una estética sonora lejos del riesgo y la vanguardia encarada años atrás; más orientado a sus antiguos seguidores que a seguir ofreciéndose como emblema de cambios sociales.

Sin embargo, Lennon ya era una leyenda y solo restaba el accionar criminal de un lunático a quien su arte había fascinado para que naciera el mito más grande de la música popular contemporánea.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Especial homenaje a Maradona este sábado por History: “El bueno, El Malo y El Diego”

En homenaje al futbolista argentino Diego Armando Maradona, HISTORY emitirá este sábado 28 de noviembre el especial GRANDES MOMENTOS DEL FUTBOL: EL BUENO, EL MALO Y EL DIEGO, producción a detalle sobre el ídolo recién fallecido, campeón del mundo en México 86.

Argentina y el mundo se vio impactada por la lamentable noticia de la muerte de Diego Armando Maradona, una leyenda del futbol, ícono de Boca Juniors, el Napoli de Italia y de su Selección Nacional, con la que logró la Copa Mundial en el Mundial de Fútbol de México de 1986.

GRANDES MOMENTOS DEL FUTBOL: EL BUENO, EL MALO Y EL DIEGO, una co-producción de HISTORY con North One Televisión, relata cómo los 16 años el joven Diego Armando vistió la camiseta de la Selección de su país, a quien representó en cuatro Copas Mundiales, con la infaltable polémica acerca de su vida, con extremos regidos por la gloria y la deshonra …un lento descenso a la perdición.

Diego Armando Maradona fue “el futbolista” por excelencia: podía hacer cualquier cosa con un balón de fútbol. Hizo su debut en el club Argentinos Juniors a los 16 años, seguido por la primera de sus 91 participaciones en eventos internacionales. Llevó al Napoli a la Copa Europea, y a Argentina a la victoria de la Copa Mundial en México ’86. Un genio que supo poner el mundo a sus pies, que no pudo superar su pasado y su adicción a las drogas y el alcohol.

En este especial, que cuenta con entrevistas al ex futbolista y entrenador Carlos Salvador Bilardo, a su reconocido representante de aquel entonces Guillermo Coppola, a los periodistas Daniel Arcucci y Carlos Ares, al ex futbolista Juan Simón y al ex campeón del mundo del ’78 Osvaldo Ardiles, se podrá ver lo que motivaba a este crack mundial y conocer sus múltiples personalidades y, además, entender cómo el mismo fuego que motivó el desarrollo de este genio del fútbol, terminó por consumirlo.

UN DATO

EL BUENO, EL MALO Y EL DIEGO es un episodio de la serie de HISTORY GRANDES MOMENTOS DEL FUTBOL, emitida en el 2018 como parte de la programación especial que la señal preparó a nivel internacional por el Mundial de Rusia 2018.

Esta serie, de cinco capítulos, aborda las historias detrás de los momentos más increíbles y significativos de este deporte con los jugadores, DTs y fanáticos que los hicieron realidad, un relato histórico de los equipos y jugadores de las Copas del Mundo, cuyas habilidades y logros han trascendido el deporte para representar algo mucho mayor para fanáticos y no aficionados, y que han empujado al crecimiento imparable de este deporte a un multimillonario negocio que conocemos hoy en día.

PARA DIEGO, ¿HUBO VIDA DESPUÉS DEL FUTBOL?

Los problemas que asolaron a Maradona más adelante en su carrera como jugador continuaron después de su retiro. Fue hospitalizado por problemas cardíacos en 2000 y 2004, y la segunda vez requirió el uso de un respirador para respirar correctamente. Al año siguiente se sometió a una cirugía de bypass gástrico.

Una encuesta en Internet realizada por la Fédération Internationale de Football Association nombró a Maradona como el mejor jugador del siglo XX, pero incluso ese evento estuvo marcado por la controversia. Maradona se irritó cuando se creó un panel especial para garantizar que Pelé fuera homenajeado conjuntamente, y luego se negó a compartir escenario con la leyenda brasileña.

En 2008, Maradona fue contratado para entrenar a la Selección Argentina. Aunque los argentinos contaban con una plantilla talentosa encabezada por Lionel Messi, fueron rebotados del Mundial de 2010 con una goleada de 4-0 ante Alemania en cuartos de final, y el contrato de Maradona no fue renovado.

A pesar de las decepciones del público, Maradona siguió siendo querido en Argentina como un hijo nativo que ascendió desde sus humildes comienzos hasta alcanzar la cúspide del estrellato en el escenario internacional.

EN REDES

LATAM: @HistoryLA /  www.facebook.com/historylatam / historyplay.tv/

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“63 UP”, documental galardonado, estreno esta noche por Film&Arts

FILM&ARTS estrena esta noche a las 22:00 horas, el lunes 16 y 23 de noviembre63 UP, un viaje cinematográfico y sociológico único a través de una miniserie documental que acompaña el crecimiento de un grupo de niños británicos de 7 años hasta sus 63.

Ganador del premio a Mejor Documental de la Academia de Prensa Internacional 2019, cuenta cómo los elegidos crecen y envejecen y, en el camino, toma una instantánea de la sociedad británica, explorando temas de familia y política, religión y salud mental. Ahora, con 63 años descubren cómo la vida los ha tratado. Miniserie-documental de tres episodios.

A lo largo del documental, se relatan la vida del grupo de niños que fueron entrevistados por primera vez en 1964, cuando fantaseaban con los sueños de su infancia, como ser jockey, científico, misionar en África o ser astronauta.  ¿Dónde están ahora y cómo lo han tratado los últimos siete años?  La existencia en montaña rusa, tal como la capturó Michael Apted, siempre ha expresado la verdad sobre la condición humana.

La miniserie dirigida por Apted, plantea la cuestión de si las perspectivas de los participantes estaban determinadas por la clase en la que nacieron. Apted pide a varios de sus sujetos que consideren cómo han cambiado las cosas entre 1964 y el momento actual. John, un abogado acomodado que se educó en Oxford, dice que ve menos rigidez y más movilidad económica en la actualidad, pero también especula, con cierta torpeza, que la gente como él puede haber tenido más dificultades que los miembros de la clase trabajadora porque existe una mayor “competencia” por trabajos de élite entre la clase alta.

63 UP expone un largo experimento cultural, único en su género que busca explorar la evolución de las circunstancias socioeconómicas de un puñado de hombres y mujeres a lo largo de ciclos de 7 años para entender si verdaderamente estas son determinantes en su desarrollo personal o cuan libres son de poder desenvolver una vida alejada de un destino predeterminado por sus situaciones individuales. Esta mirada es por demás conmovedora pues cada una de estas historias incitan a un ejercicio de autorreflexión acerca de cómo hemos vivido y qué nos depara nuestro futuro.

¿DÓNDE VERLO?

Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. La señal puede verse en México por: AxtelTV (625), Totalplay (494), Sky (427 y HD 1437), Megacable (297), Izzi (430), Cablemás (430), Cablevisión Monterrey (430).

EN REDES:

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Nueva temporada de “The Crown” con Emma Corrin como Lady Di

LONDRES.- Netflix tendrá disponible desde el próximo domingo 15 de noviembre la cuarta temporada de THE CROWN, la serie que retrata el reinado de Isabel II. En los nuevos episodios aparece un personaje muy controvertido para la realeza y promete dejar mucha tela para cortar, se trata de Lady Di, quien será protagonizada por la actriz Emma Corrin.

La temporada comprende 10 episodios, que se centrarán en la agitada relación del príncipe Carlos y Diana Spencer. Si existe un personaje controvertido para la realiza británica es el de Diana de Gales.

Al igual que en la tercera temporada, Olivia Colman volverá a meterse en la piel de la Reina Isabel de Inglaterra. Le acompañarán Tobias Manzies como el duque Felipe de Edimburgo, Helena Bonham Carter como la princesa Margarita, Ben Daniels como Tony Armstrong-Jones, Josh O’Connor como el príncipe Carlos, Marion Bailey como la Reina Madre y Emerald Fennell como Camilla Parker Bowles. Entre los nuevo srostros podremos ver a Emma Corrin interpretando a la Princesa Diana de Gales y a Gillian Anderson como Margaret Tatcher.

UN DATO:

En estos capítulos la serie se trasladará a los 80 y llegará hasta el cese de Margaret Tatcher, la histórica primera ministra inglesa apodada como la Dama de Hierro. Josh O’Connor declaró que “las temporadas 3 y 4 seguirán algunos de los eventos más turbulentos en la vida del Príncipe de Gales y nuestra historia nacional y estoy emocionado de darle vida al hombre en medio de todo”.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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“Naturaleza muerta”, primera obra del poeta Ernesto Flores de Anda

El escritor jalisciense ERNESTO FLORES DE ANDA, de 34 años, es un creyente ferviente de la complicidad con las palabras, de transferir las inquietudes, emociones y percepciones personales, del corazón al papel, prueba de ello es su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, publicada bajo el sello Caligrama, de Penguin Random House.

Poeta por los cuatro costados, FLORES DE ANDA comparte su pasión en su primera obra formal NATURALEZA MUERTA, poemario cuyas páginas están repletas de animales, insectos y plantas, y también de alusiones a la épica griega literaria. Sus versos son sencillos y deslumbrantes y construyen un bodegón pictórico en el que conviven imágenes de elementos que representan a la vida y a la muerte.

Ernesto se ha forjado a sí mismo como escritor, experimentando con sus propios sentimientos y vivencias, devora arte sin saciarse. Sus momentos más ricos y brillantes, así como los más desgarradores y sensibles, vieron la luz en una biblioteca. Y es a través de su pluma que ha logrado reseñar la vida. Las praderas llenas de asientos amarillos en el verano jalisciense; las violetas, los caballos, los nopales, las estrellas y los álamos de los ríos.

Pero también ha fluctuado en los extremos, pues tanto de manera introspectiva como abierta, ha desentrañando descarnadamente el misterio de la muerte; con sus constantes de oscuridad, dolor, ausencia y silencio. Escribe poesía desde hace más de una década y su sensibilidad es tal que, esgrimiendo el verso, ha sabido describir el mundo con sus infalibles luces y sombras; con sus pecados y virtudes, con su geografía y sus cielos.

El poemario Naturaleza muerta se presenta como un lienzo barroco en donde las luces y las sombras conviven en la belleza.

HA DICHO:

“Los antiguos pintores del barroco neerlandés que en los siglos XVI y XVII retrataban alimentos y objetos inmóviles de la naturaleza con el mayor esmero posible y con toda la destreza que podría esperarse de cualquier pintor de renombre, muy pronto se apoderaron de un símbolo que en todas partes es sinónimo de la fugacidad de la vida y del lacerante recuerdo de la proximidad de la muerte: el cráneo”, cuenta el autor.

Los poemas de de Anda conforman un espacio en el que el ser humanos se relacionan con Dioses griegos, vive batallas mitológicas, y convive con objetos. De esta forma, el lector no solo lee, sino que observa lo que lee y las imágenes que acompañan.

Así, De Anda le escribe a Ulises, a Apolo y Afrodita, a la vez que atiende a los búhos, el cactus o el jarrón de flores, y lo hace apoyándose de lleno en la belleza: “No hay naturaleza muerta./ Este búcaro con rosas/ pulula, aunque yo advierta/ que se mueren silenciosas», dicen un poema. A la manera de un lienzo barroco, las luces y la sombras se alían para hablar de lo clásico, “pero de forma accesible a todo público, profano y exigente“, dice el autor, que define su poesía como algo “telúrico y urgente”.

Al mismo tiempo, analiza la época actual para la composición poética y afirma que “el hecho de que en la edad presente no tenga mucha repercusión no obedece a que exista un vacío espiritual en el corazón de las sociedades modernas, sino a que la poesía que se hace en nuestros días o bien está llena de cierto patetismo íntimo del que muchos lectores sensatos de mi generación huyen, o bien es incapaz de comunicarse con el lector como consecuencia de un lenguaje deficiente”.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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Para Brooke Shields, “la vida de una mujer no termina a los 50”

NUEVA YORK.– “La vida de una mujer no termina a los 50”, aseguró BROOKE SHIELDS al semanario People, negando que a sus 55 años termine en la categoría de estereotipos que siempre han condicionado la vida de las mujeres. “A esa edad -dice-, sobre todo si eres actriz, es como si te dijeran: ‘Tuviste tu carrera, ahora relájate. Pero creo que acabo de empezar”.

SHIELDS explicó que solo descubrió su cuerpo a los 55 años usando un bikini gracias a sus dos hijas adolescentes. “Por lo general, continúa, usaba trajes de baño holgados, con la mayor cantidad de tela posible. Mis hijas me decían: ‘Mamá, esto es ridículo’. Era como verme a través de sus ojos y honrar partes de mi cuerpo como el mío. O cosas a las que nunca había prestado atención en toda mi vida. Tener 55 años y poder decir: ‘Espera un minuto, las mujeres mayores de 50 no han terminado’.

SHIELDS habló de un nuevo comienzo y algunas otras lecciones de vida, como su rutina de ejercicios. “Estaba entrenando ocho veces a la semana cuando hacía espectáculos de Broadway y lo hacía solo para el espectáculo porque la cámara no siempre es agradable. Fue por vanidad y nunca pude encontrar una razón para hacerlo fuera de la apariencia externa”.

Luego vino la pandemia, el encierro y sin la oportunidad de ir al gimnasio, la actriz comenzó a compartir su rutina de ejercicios desde casa en las redes sociales.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Embarazos y sobrepeso en adolescentes, alto riesgo en salud

Ante un incremento del 20 por ciento en el número de embarazos en adolescentes durante la pandemia por COVID-19 en el país, el Instituto Politécnico Nacional (IPN) advirtió que la obesidad y el sobrepeso son factores de alto riesgo en la salud de este sector de la población para desarrollar preeclampsia, que se caracteriza por la elevación de la presión arterial y el aumento de proteínas en la orina.

La investigadora de la Escuela Superior de Medicina (ESM), Rosa Amalia Bobadilla Lugo, aseguró que en México la preeclampsia se ubica entre las principales causas de muerte materna en adolescentes menores de 18 años y mujeres mayores de 40 años. “De acuerdo con estimaciones del Consejo Nacional de Población (Conapo), la cifra de embarazo en adolescentes se ha incrementado en 20 por ciento durante la pandemia, lo cual implica un riesgo mayor de padecerla para ese sector de la población”.

Explicó que durante el embarazo se presenta una tendencia a la vasodilatación generalizada que permite a la madre regular la presión arterial, pero si estos mecanismos se alteran, se favorece una vasoconstricción que eleva la presión arterial. “Las gestantes con sobrepeso u obesidad tienen mayor riesgo de presentar este trastorno hipertensivo del embarazo; la preeclampsia puede favorecer alteraciones metabólicas”.

La científica, integrante del Sistema Nacional de Investigadores (SNI) Nivel I, destacó que hasta ahora se desconoce el origen de la preeclampsia, por lo que es importante profundizar los estudios en torno a la fisiopatología, para emprender acciones específicas para su prevención y tratamiento.

La doctora del IPN precisó que cualquier aumento de más de 15 milígramos del mercurio por arriba de la presión normal de la paciente o presentar dolor de cabeza, exceso de edema en pies y piernas, visión borrosa u observar luces brillantes, pueden ser señales de preeclampsia.

Exhortó a quienes padezcan estos síntomas a buscar atención médica inmediata, para recibir tratamiento y evitar que evolucione a eclampsia (caracterizada por convulsiones seguidas de un estado de coma), lo cual implica daño multiorgánico y pone en riesgo la vida de la madre y del feto.

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“Grant”, la serie de History que reivindica al general y expresidente

HISTORY estrena GRANT, la nueva miniserie documental producida por el ganador del Oscar LEONARDO DICAPRIO, que se emitirá en 3 partes los sábados 17, 24 y 31 de octubre a las 23.25 hrs.

GRANT es una producción de 6 horas en total que retratará a uno de los generales y presidentes más complejos y menospreciados de la historia de los Estados Unidos: Ulysses S. Grant.

Grant, cuyo nombre completo es Hiram Ulysses Grant, (27 de abril de 1822-23 de julio de 1885) fue un militar y político estadounidense que se desempeñó como el 18.º presidente de los Estados Unidos (1869-1877).

Héroe de guerra pero político renuente, fue nominado por unanimidad por el Partido Republicano y elegido presidente en 1868. Ya en la presidencia, estabilizó la economía nacional de posguerra, creó el Departamento de Justicia y procesó al Ku Klux Klan. Nombró a afrodescendientes y judíos estadounidenses para importantes puestos federales. En 1871, creó la primera Comisión de Servicio Civil. Los republicanos liberales y demócratas se unieron a su oponente en las elecciones presidenciales de 1872, pero fue reelegido fácilmente. Su política hacia los nativos americanos tuvo éxitos y fracasos.

En asuntos exteriores, su Administración resolvió pacíficamente las reclamaciones de Alabama contra el Reino Unido, aunque el Senado rechazó la preciada anexión caribeña de la República Dominicana. La corrupción en el poder ejecutivo se hizo notoria: varios miembros del Gabinete y otros funcionarios fueron removidos o tuvieron que renunciar. El Pánico de 1873 sumió a la nación en una grave depresión económica, facilitando a los demócratas ganar la mayoría de la Cámara de Representantes. Durante la muy disputada elección presidencial de 1876, Grant facilitó la aprobación por parte del Congreso de un compromiso pacífico.

En su retiro, fue el primer presidente en circunnavegar el mundo en su gira internacional con muchos líderes extranjeros. En 1880, no logró obtener la nominación presidencial republicana para un tercer mandato. En el último año de su vida, enfrentando severas reversiones financieras y sufriendo de cáncer de garganta, escribió sus memorias, que demostraron ser un gran éxito de crítica y financiero. Al momento de su muerte, fue conmemorado como un símbolo de la unidad nacional.

LA PRODUCCIÓN:

Basada en la biografía más vendida del New York Times del ganador del premio Pulitzer Ron Chernow Grant y producida por HISTORY con Appian Way Productions, RadicalMedia en asociación con Lionsgate, esta miniserie documental cuenta la historia notable y esencialmente estadounidense de un hombre humilde que supera increíbles obstáculos, asciende a los rangos más altos del poder y salva a la nación no una, sino dos veces.

Con una combinación de escenas dramáticas, la palabra de expertos e imágenes de archivo mejoradas, esta serie descubre el verdadero legado del héroe inverosímil que dirigió la nación durante sus mayores pruebas: la Guerra Civil (1861-1865) y la Reconstrucción (1865-1887), todo bajo la lente del biógrafo Chernow, quien también es productor ejecutivo de la miniserie.

POR ÓSCAR VELÁZQUEZ

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Llora Mafalda: murió Quino, su creador y consejero a los 88 años

BUENOS AIRES.- El jueves 17 de septiembre Quino se acostó a dormir la siesta y no volvió a despertar: un ACV causado por el Parkinson que lo aquejaba hace años. Joaquín Salvador Lavado Tejón comenzó a despedirse lentamente aquel día y murió este día después de que Mafalda, su máxima creación artística, la más celebrada a nivel mundial, pero no la única, cumplió 56 años.

Quino nació hace 88 años en San José, Guaymallén, donde hizo los primeros dibujos sobre la mesa de madera de la casa familiar, donde la guerra civil española era tema de debate permanente. Su corazón se apagó en su casa de Chacras de Coria, adonde se había radicado hace tres años, ya de regreso a la Mendoza natal. Alicia, su otra mitad, su mano dereca, había fallecido años atrás.

Estaba rodeado de familiares. De sus sobrinos. De sus sobrinos nietos. De los cuidadores profesionales.

Las redes sociales se poblaron rápidamente de mensajes, de evocaciones, de tristeza y de viñetas de Mafalda y sus amigos despidiendo al creador. Al padre.

Roberto Sergio Lavado es uno de los cinco sobrinos por parte de los Lavado. Diario UNO lo llama cuando la noticia sorprende y quema en las redacciones y en las redes sociales.

“Se fue tranquilo. El Parkinson lo había complicado mucho en los últimos años pero la pandemia de coronavirus lo fue apagando de a poco”, dijo el abogado penalista e hijo de Roberto Lavado, quien dejara un gran legado al Derecho Penal mendocino.

En Buenos Aires, Julieta Colombo, sobrina y representante de Quino durante los últimos años, atiende el celular. “Quino estaba muy debilitado por cuestiones de salud propias de la edad. Su partida es una situación triste y difícil pero la pandemia hace todo más difícil”, dice.

Paradoja de la vida. El martes, el planeta soplaba las velitas por el cumpleaños de Mafalda. Ahora, el mismo planeta, al que Quino diagnosticó tan enfermo de guerras, dictaduras y egoísmo tantas veces, se estremece por la noticia de la muerte del creador de aquella niña rebelde y respondona que nació para darle vida a una marca de heladeras.

Quino había cumplido años el 17 de julio pero en mayo el planeta pudo verlo y escucharlo hace cuatro meses. Aunque más no fuera a través de las pantallas.

Fue por el estreno del documental Buscando a Quino, obra inédita sobre la vida y obra del artista. Dirigido y conducido por el actor Boy Olmi, el trabajo de CONECTA + Fiis salió al ruedo simultáneamente en Argentina, Chile y España y puede ser visto en Youtube.

Y claro que la muerte de Quino es una noticia de alcance mundial. Si él era el que ponía sobre la mesa todos los males que aquejaban al mundo.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Bill Murray, el cazafantasmas, celebra siete décadas de vida

LOS ÁNGELES.- Para sus amigos más cercanos lo conocen como William James, pero para sus fans y el mundo fílmico el nombre de BILL MURRAY, su calidad artística no está en duda, preparándole un emotivo festejo por sus 70 años que cumple este lunes. 

“Pero ese chico William James ha recorrido un largo camino. Nacido en Evanston, Illinois, fue el quinto de nueve hijos, huérfano a los 17, estudiante indisciplinado y expulsado de la Universidad de Denver por consumo de marihuana, BILL MURRAY llegó a ser actor casi por desesperación.

Su suerte cambió cuando se cruzó en el camino con John Belushi, quien lo arrastra a la loca aventura de National Lampoon Radio Hour en la ciudad de Nueva York. Es 1974 y tres años después sigue a Belushi a NBC donde despega el programa Saturday Night Live. En el ’79 Ivan Reitman le ofrece la gran oportunidad con Polpette en la que es el jefe scout Tripper, creador de bromas mortales contra los equipos rivales. Cinco años después se reunieron para Cazafantasmas, donde Bill Murray reemplazó a John Belushi, quien murió poco antes.

Característico e inseguro como suele ocurrir con los grandes comediantes, Bill intentó desintoxicarse del cine y se encontró en los pequeños escenarios del off Broadway pero en 1993 fue otro amigo quien brilló su talento: con Ricomincio da capo, de Harold Ramis, el público se lo nota y la película se convierte en un objeto de culto. Como ocurrirá diez años después con Lost in translation de Sophia Coppola. Mientras tanto, el actor se convierte en el alter ego del talento emergente de los 90 en todas las películas de Wes Anderson. Lamentablemente, la serenidad personal no se corresponde con la consagración artística que lo lleva a ser uno de los actores más cotizados del nuevo milenio.

Frances McDormand le presenta al clan Cohen (y él llegará agradecido en autobús a Roma para celebrar a su amigo en el Festival de Cine de Roma); Wes Anderson lo llama para el aún inédito The French Dispatch, Sophia Coppola para On the Rocks, Jason Reitman (el hijo de Ivan) para el reencuentro de Ghostbusters: Legacy, que se espera se estrene el próximo año. 

En definitiva, si no fuera por ese personaje maldito, a veces demasiado sensible y devorado por la ansiedad, el cumpleaños de Bill Murray sería una feliz ocasión. Por supuesto que lo es para sus admiradores que saben que pueden contar con un talento aún capaz de dar mil sorpresas.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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Yusuf/ Cat Stevens reinventa su álbum “Tea for the Tillerman”

La reinvención de YUSUF / CAT STEVENS, TEA FOR THE TILLERMAN se estrena a través de UMC. El álbum, que incluye los sencillos lanzados anteriormente Where Do The Children Play?, On The Road To Find Out y el último lanzamiento Father And Son, ya tiene respuesta a nivel internacional.

Mojo confirma que hay “integridad conceptual tangible en estas nuevas versiones más robustas y ricamente detalladas“, y el álbum es descrito como “una forma poderosa de rastrear el paso del tiempo” por la NME. Rolling Stone se entusiasmó: “Las nuevas versiones de las pistas de Tea for the Tillerman no son recreaciones nota por nota. En muchos casos, son más exuberantes que los originales y algunas toman giros sorprendentes, como un funkafied ‘Longer Boats’ con la voz invitada del rapero Brother Ali. ‘Wild World, mientras tanto, ahora suena casi como un vals.

Dicho esto, Yusuf trabajó duro para mantener el mismo espíritu de los originales “. Billboard exclamó: “La reinvención cambia muchos de los arreglos familiares, mientras se mantiene afortunadamente fiel a la misión del álbum: explorar la vida y uno mismo sin miedo”, mientras que Forbes lo aclamaba como “un proyecto fascinante“.

American Songwriter declaró, “la inconfundible, rica y retumbante voz de Yusuf / Cat Stevens está en una forma fantástica“.

En un perfil reciente que abarca toda su carrera, CBS Sunday Morning comentó sobre la canción atemporal de Yusuf , Father and Son, afirmando: “En la dolorosa conversación entre padre e hijo, las pistas se grabaron con 50 años de diferencia, y ambas versiones son perfectas en su a su manera”.

En 1970, Cat Stevens lanzó Tea For The Tillerman, una obra maestra musical que es ampliamente alabada como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 50 años después, Yusuf / Cat Stevens, como se le conoce ahora, ha reinventado el álbum para una era completamente nueva. El resultado, Tea for the Tillerman2, es un homenaje cariñoso a la grabación original y demuestra cómo las canciones pueden trascender su propio tiempo y mantenerse relevantes en un mundo en constante cambio y cada vez más salvaje.

El nuevo álbum fue grabado en Studio La Fabrique en la campiña provenzal francesa cerca de donde el artista favorito de Yusuf, Vincent Van Gogh, pintó muchas de sus obras más queridas.

Para la grabación de Tea for the Tillerman, Yusuf se reunió con el productor Paul Samwell-Smith y el guitarrista Alun Davies, quienes estuvieron presentes en la primera ronda. Completaron el equipo los veteranos hombres de sesión Jim Cregan y Peter Vettese, así como Kwame Yeboah y Eric Appapoulay, pilares de la banda en vivo de Yusuf durante la última década. La atmósfera se cargó con una electricidad palpable cuando, una a una, las canciones clásicas fueron revisadas con amor como recuerdos profundamente preciados.

Yusuf estaba en un estado de ánimo confiado y en buena forma mientras dirigía decisivamente el conjunto hacia su visión clara y definida. Algunas canciones se han rediseñado a través de una lente contemporánea y otras son desviaciones totales de las originales, como la versión de blues del desierto de On The Road To Find Out: vea una sorprendente colaboración visual entre Yusuf y los directores Kimberly Stuckwisch (Billie Eilish, Thundercat, MØ) y Melora Donoghue de Invisible Inc aquí, o el toque de tango argentino que se le ha dado a Wild World.

Quizás la joya de la corona es el nuevo Father And Son que ve a Yusuf haciendo un dueto con su yo de 21 años. Yusuf ahora canta el papel del padre, mientras que el del hijo proviene de una grabación de 1970 realizada en el legendario Troubadour de Los Ángeles. El efecto de las experiencias de un hombre, separadas por medio siglo, unidas en una canción, es profundamente conmovedor y aporta un nivel completamente nuevo de significado al favorito eterno. La pista está acompañada de un impresionante video animado de fotograma a cuadro del aclamado director Chris Hopewell y Black Dog Films.

De hecho, la reelaboración de todas las canciones solo sirve para iluminar la amplia gama de sutilezas y matices que son una de las razones por las que se pueden escuchar una y otra vez. Yusuf ha actualizado la obra de arte icónica del álbum que él mismo escribió, utilizando un estilo para el dibujo que precede incluso a su interés por la música. El día se ha convertido en noche y el Tillerman ahora usa un traje espacial, lo que refleja simultáneamente la distancia recorrida en su viaje durante el último medio siglo y la creciente necesidad de protección contra el deterioro de la calidad del aire en el mundo.

El éxito duradero del legado musical de Yusuf / Cat Stevens se basa en una miríada de factores, pero la clave entre ellos es la asombrosa habilidad que tiene para traducir su vibrante imaginación en forma musical. Tea for the Tillerman es el ejemplo más eficaz y entrañable de este proceso con su paisaje creativo completamente desarrollado habitado por atractivos personajes tridimensionales.

Estos se convierten en los medios para que Yusuf / Cat Stevens impartan sabiduría y conocimientos que sin duda superaron sus años de juventud en 1970 y, incluso ahora, parecen destacarse por estar muy bien sintonizados con nuestro complejo y delicado mundo. El sorprendentemente profético ‘Where Do The Children Play?‘ Solo podría haber sido escrito como una reacción a la terrible crisis ecológica que enfrentamos en este momento, con la versión reinventada de 2020 ahora combinada con un video musical profundamente conmovedor realizado en colaboración con Chris Hopewell y Black Dog Films, explorando las posibilidades de la producción de videos musicales sin desperdicios.

En otra parte, Miles From Nowhere y On The Road To Find Out documentan la búsqueda de significado y la sed de aventuras que siempre serán ritos de iniciación para un alma ansiosa. Estos son cuentos populares modernos que resonarán con cualquier espíritu abierto y receptivo y Yusuf es nuestro narrador humilde pero experto, son alegorías para los nuestros y de todos los tiempos.

En última instancia, es la universalidad del mensaje subyacente de amor y paz del álbum combinada con su innegable brillantez artística lo que cimenta el lugar de Tillerman en la historia. Ya ha dejado una marca indeleble en los cimientos de la cultura popular y con esta nueva versión estamos invitados a ser testigos una vez más de su magia y misterios por un artista que ha pasado los 50 años intermedios desafiando sin miedo los límites de su propia comprensión y visión.

UN DATO:

Disponible en 1xCD, 1xLP, Digital y formatos de streaming

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Madonna, un filme autobiográfico

HOLLYWOOD.-La diva de la música MADONNA anunció que se encuentra trabajando en un filme autobiográfico que ella misma dirigirá y será producido por Amy Pascal para los estudios Universal.

Así lo informó la compañía, a través de un comunicado replicado en medios de Hollywood, en donde también se anticipa que el guion estará a cargo de la propia artista junto a Diablo Cody, ganadora del Oscar por La joven vida de Juno.

“Quiero transmitir el increíble viaje que me ha dado la vida como artista, músico, bailarina, un ser humano que trata de abrirse camino en este mundo “, expresó la diva del pop en el escrito.

 Y amplió: “El foco de esta película siempre será la música. La música me ha mantenido en movimiento y el arte me ha mantenido con vida. Hay tantas historias no contadas e inspiradoras y quién mejor para contarlas que yo. Es esencial compartir la montaña rusa de mi vida con mi voz y mi visión”.

Con 62 años, una carrera de más de cuatro décadas, innumerables hits y un recorrido artístico vanguardista, Madonna se alza como un ícono de la cultura popular desde su aparición en la escena.

Pero además, también participó con suerte dispar en unas 26 películas, de las cuales tres fueron dirigidas por ella. Entre algunos títulos que la tuvieron en el elenco figuran Buscando desesperadamente a Susan, Evita, Dick Tracy, El cuerpo del delito y Un equipo muy especial.

Su última experiencia en este sentido fue en 2011 con la comedia romántica We, la cual también dirigió.

Hasta ahora, lo que se sabía es que ya estaba preparando el guion junto a Diablo Cody (La joven vida de Juno). Ahora, la propia Madonna acaba de anunciar con una declaración oficial que será también la directora de la película, todavía sin título. No hubo definiciones respecto a la conformación del elenco (quién interpretará el papel protagónico, sobre todo) y los tiempos de rodaje. Lo único resuelto es que el proyecto estará a cargo de los estudios Universal.

“Quiero transmitir el increíble viaje al que me ha llevado la vida como artista, música, bailarina y como un ser humano que trata de abrirse camino en este mundo. El foco de esta película siempre será la música. La música me mantuvo en movimiento y el arte me mantuvo con vida. Hay muchas historias no contadas e inspiradoras en ella y quién mejor que yo para contarlas. Considero esencial compartir la montaña rusa de mi vida desde mi voz y mi visión”, dijo Madonna.

Será la tercera película como directora para Madonna. La primera, de 2008, fue Filth and Wisdom, inédita en la Argentina. La segunda, de 2011 y mucho más difundida, fue El romance del siglo (W. E.), una mirada sobre el encuentro entre el rey de Inglaterra Enrique VIII y la estadounidense Wallis Simpson, una mujer divorciada; la historia recuerda que por amor a esa mujer el monarca decidió abdicar a la corona en vísperas de la Segunda Guerra Mundial.

La película, disponible en streaming a través de Claro Video con el título de Wallis y Eduardo, el romance del siglo, puede servir como primera aproximación de lo que podría ser la próxima autobiografía de Madonna en el cine. Tenía un formato parecido al de los videoclips, mezclaba el color con imágenes en blanco y negro y además viajaba entre distintas épocas (el tiempo histórico del célebre romance y la actualidad). Llegó a obtener una nominación al Oscar a mejor vestuario. Curiosamente, se estrenó en la Argentina en diciembre de 2012, el mismo día en que Madonna se presentaba en el estadio de River Plate.

“Madonna es el ícono supremo, humanitario, artista y rebelde. Con su don singular de crear arte ha dado forma a nuestra cultura de una manera que muy pocos otros lo han hecho”, destacó la presidenta de Universal Filmed Entertainment Group, Donna Langley, al referirse al nuevo proyecto.

CON INFORMACIÓN DE ANSA

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