LOS ANGELES.-BRITNEY SPEARS hace sonar su voz en la batalla legal contra su “padre maestro”. Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante “tiene la intención de hablar en persona ante el tribunal”.
Durante una audiencia de procedimiento, su abogado Samuel Ingham informó a la jueza Brenda Penny que la cantante de 39 años “tiene la intención de dar a conocer su versión el 23 de junio sobre la protección de su padre Jamie Spears durante años.
La historia es intrincada: desde 2008, después del grave y público colapso nervioso de su hija (sus fotos con la cabeza rapada habían dado la vuelta al mundo), Jamie se ha convertido en el guardián legal de la herencia y carrera de Britney, un papel por el que se dice que le pagan unos 130 mil dólares al año. El término legal en California es “conservadurismo” y varios expertos legales habían tenido sus narices retorcidas porque este tipo de protección se aplica generalmente a aquellos que tienen trastornos mentales o son ancianos.
Durante años Britney no había discutido la situación. Todo había cambiado el año pasado cuando su abogado dijo en la corte que la estrella del pop estaba “fuertemente en contra” de la protección paterna y que ya no cantaría en público si las cosas no hubieran cambiado. Jamie respondió que la fortuna en manos de Britney ha crecido gracias a su agudeza financiera: de números rojos hace una década a 60 millones de dólares en la última valoración de Forbes.
La batalla legal de los tribunales había salido a las calles. Manifestantes del movimiento #FreeBritney, que ha cosechado membresías, desde Cher hasta Paris Hilton, desde Miley Cyrus hasta la Unión Americana de Libertades Civiles, también se habían congregado ayer frente al Palacio de Justicia de Los Angeles mientras otros fans se reunían en Londres para ponerse del lado de la cantante.
Según sus defensores, después de la crisis nerviosa, la carrera de la estrella del pop despegó de nuevo y Britney está de vuelta en la cresta de la ola: apareció en la serie How I Met Your Mother, lanzó el sencillo y video Womanizer que dio el ascenso a las listas, recorrió el mundo y trajo a Las Vegas un espectáculo que se agotó.
Además de ser jueza en X Factor, publicitaba perfumes y una línea de ropa interior. Por último, el documental New York Times se estrenó en FX y Hulu a principios de este año: además de seguir la carrera de la cantante, primero como estrella infantil y luego como una adolescente prodigio del pop, la película dirigida por Samantha Stark se centra en los recientes intentos de Spears de liberarse de la protección paterna.
EL CEREBRO AFIRMATIVO DEL NIÑO (Editorial Vergara, 249 páginas) es un libro que ayudará a nuestros hijos a ser más resilientes, autónomos y creativos, justo en el Día del Niño, cuyo autoría corresponde a la dupla formada por el neurocientífico DANIEL J. SIEGEL y la psicoterapeuta TINA PAYNE BRYSON.
Autores de El cerebro del niño, ambos especialistas brindan en este libro valiosos consejos, instrucciones y actividades para “resetear” el cerebro en desarrollo del niño de cualquier edad y fomentar su curiosidad y equilibrio emocional, su resiliencia y su empatía.
“Quiero muchas cosas para mis hijos: felicidad, fortaleza emocional, éxito académico, habilidades sociales y un fuerte sentido de sí mismo, entre otras. ¿Por dónde empezar?”
Nos hacen una pregunta parecida dondequiera que vamos. Los padres quieren ayudar a sus hijos a arreglárselas solos y a que sean capaces de tomar las decisiones adecuadas, incluso cuando la vida les plantee un desafío. Quieren que se preocupen por los demás, pero que sepan defenderse. Los quieren independientes, pero también capaces de mantener relaciones satisfactorias. No quieren que se hundan si las cosas no les salen bien.
¡Uf! Es una larga lista que implica mucha presión para nosotros como padres (o profesionales que trabajamos con niños). ¿En qué debemos centrarnos?
Un cerebro afirmativo dtiene cuatro características básicas:
*Equilibrio, capacidad de dominar las emociones y el comportamiento, para que los niños tiendan menos a perder los estribos y a descontrolares.
*Resiliencia, capacidad de recuperarse de los problemas y las luchas que inevitablemente surgen en la vida.
*Perspicacia, capacidad de estudiarse, entenderse y de emplear luego lo aprendido para decidir mejor y tener más control sobre la propia vida.
*Empatía, capacidad de ponerte en el lugar de los demás y que te importe lo suficiente para mejorar las cosas si hace falta.
En EL CEREBRO AFIRMATIVO DEL NIÑO se ayuda a los niños a aceptar el mundo, animarlos a estar abiertos a nuevos desafíos, oportunidades, aceptar lo que son y todo lo que pueden llegar a ser, aportarles un cerebro afirmativo.
Un cerebro afirmativo es algo más que una forma de pensar o un modo de entender el mundo. Es ambas cosas, por supuesto, y por eso proporciona al niño una brújula interna que lo ayuda a afrontar los desafíos de la vida con seguridad y entusiasmo, la base para ser fuerte de dentro afuera, pero es también un estado neurológico que emerge cuando el cerebro se involucra de cierta manera.
El cerebro afirmativo se debe a la actividad neurona de una región del cerebro llamada corteza prefrontal, un área que vincula muchas regiones entre sí, que maneja el pensamiento de orden superior y que se ocupa de la curiosidad, la capacidad de recuperación, la compasión, la perspicacia, la apertura de miras, la resolución de problemas e incluso la moralidad.
UNA FRASE:
“Fomentar un cerebro afirmativo no consiste en decirles a los niños que sí siempre. No es ser permisivo, ni ceder, ni evitarles las decepciones, ni sacarlos de los apuros. Tampoco es crear un niño obediente que obedezca mecánicamente a sus padres sin pensar por sí mismos. Al contrario. Es ayudar a los niños a que empiecen a darse cuenta de quiénes son y en quiénes se están convirtiendo, de que pueden superar la desilusión y la derrota y elegir una vida llena de vínculos y significados”.
Sendos libros recomendados en CON LETRA GRANDE en la conmemoración del DÍA INTERNACIONAL DEL LIBRO, se trata de NO ES UN RÍO, de SELVA ALMADA y TODO ESTO EXISTE, de IÑIGO REDONDO.
NO ES UN RÍO es una novela que indaga en el universo masculino a través de los pactos y las alianzas entre varones, cerca de la naturaleza, el mito y el habla entreterriana. Enero y el Negro llevan de pesca a Tilo, hijo adolescente de Eusebio, el amigo muerto. Mientras beben y cocinan y hablan y bailan, lidian con los fantasmas del pasado y con los del presente, que se confunden en el ánimo alterado por el vino y el sopor.
Una red mezcla realidad y sueño, hechos y conjeturas, isleños, agua, noche, fuego, peces, bichos. Humana, pero a la vez animal y vegetal, esta novela fluye como un cauce, una larga conversación o el afecto entre seres que se quieren: madres, hijos, hermanos, amantes, ahijados.
Con NO ES UN RÍO, Selva Almada completa su trilogía de varones, inaugurada con El viento que arrasa y seguida inmediatamente por Ladrilleros. En esta novela magistral vuelven a brillar sus formas del decir y su extraordinaria sensibilidad para lograr que los personajes expresen en el hacer lo que habita en lo profundo de sus almas, en lo lejos de sus propias vidas.
POR QUÉ LEER A SELVA ALMADA
Novela orgánica, late en ella la naturaleza de las islas: los animales que anidan en el fondo barroso de los cauces, la vida de sus habitantes y de los pescadores, de las aves y las plantas. El cielo entre el follaje anuncia la lluvia o el incendio. El aire, de la mañana a la noche, vuelve opacos los límites del amor y el desencanto, de la vida y de la muerte.
En NO ES UN RÍO, la autora expresa su magnífica madurez: atenta al habla de sus personajes; delicada en los climas; sutil con la estructura que fluye de principio a fin; contundente en la construcción de una trama hipnótica. Original, todo el tiempo original. Y preciosa.
Una novela sobre los lugares impensables en los que encontramos refugio.
Esta es la historia de una fascinación mutua, la de un hombre y una chica que se cruzan cuando la vida les da la espalda. Si nadie la contara, si nadie la leyera, esta sería tan solo una más de las infinitas historias escondidas tras las ventanas de medio mundo. Corren los años ochenta y Alexéi, director de un colegio en una ciudad de Ucrania, se derrumba.
Su mujer le ha dejado y sus días siguen un patrón inalterable: por las noches bebe hasta perder el sentido y por las mañanas, en la escuela, lucha por esconder sus miserias. Desde su despacho observa a los alumnos durante el recreo y se empieza a fijar en una chica que siempre anda sola. Pronto ella le revelará la realidad que esconde y él decidirá ayudarla ocultándola en su piso. Esta es una novela sobre los lugares impensables en los que encontramos cobijo, la historia de dos personas que construyen un universo donde creer que todo puede ser mejor.
TODO ESTO EXISTE
Una novela sobre los lugares impensables en los que encontramos refugio.Esta es la historia de una fascinación mutua, la de un hombre y una chica que se cruzan cuando la vida les da la espalda. Si nadie la contara, si nadie la leyera, esta sería tan solo una más de las infinitas historias escondidas tras las ventanas de medio mundo. Corren los años ochenta y Alexéi, director de un colegio en una ciudad de Ucrania, se derrumba.
Su mujer le ha dejado y sus días siguen un patrón inalterable: por las noches bebe hasta perder el sentido y por las mañanas, en la escuela, lucha por esconder sus miserias. Desde su despacho observa a los alumnos durante el recreo y se empieza a fijar en una chica que siempre anda sola. Pronto ella le revelará la realidad que esconde y él decidirá ayudarla ocultándola en su piso. Esta es una novela sobre los lugares impensables en los que encontramos cobijo, la historia de dos personas que construyen un universo donde creer que todo puede ser mejor. Ana Laura Pérez, su editora en Argentina.
POR QUÉ LEER A ÍÑIGO REDONDO
Nadie conocía a Íñigo Redondo. Nadie sabía quién era este arquitecto de Madrid que hace ocho años empezó a imaginar la historia de Irina y Alexéi, dos seres a la deriva que transitan solos y sin rumbo sus heridas y las de un mundo en caída libre. Hasta que este escritor decidió cruzar sus caminos en una de las novelas más bellas y tristes de los últimos años. Nadie sabía que Redondo tenía en sus manos una joya hasta que un día apareció entre los cientos de manuscritos que recibimos a diario y poco después se convirtió en una revelación literaria en España. Es emocionante que llegue ahora a más países y que el fenómeno siga cautivando a nuevos lectores. CARME RIERA, su editora En España.
En la segunda temporada de SELENA: LA SERIE, que se estrena el próximo 4 de mayo en Netflix, se hace presente Yolanda Saldívar, quien a pesar de ser condenada a cadena perpetua, saldrá de prisión en cuatro años más, a por asesinar a la famosa cantante cuando tenía 23 años.
Reclutada por el padre de Selena para hacerse cargo del club de fans de su hija, este craso error dio fin a los anhelos de la cantante de Tex-Mex, cuya carrera vivía uno de sus mejores momentos.
Antes de convertirse en la reina de la música tejana, Selena Quintanilla era una joven de Texas con grandes sueños y una voz destacada.
SELENA:LA SERIEexplora sus inicios cantando en pequeños eventos, hasta su transformación en una de las artistas latinas más exitosas de todos los tiempos, así como los años de esfuerzo y sacrificios que la familia Quintanilla navegaron juntos.
LA TRAMA:
Ahora al borde del estrellato, el camino de Selena Quintanilla en el mundo de la música Tejana continúa. Selena aprende a manejar el éxito mientras que lucha por mantener un balance entre la familia, el amor y una floreciente carrera. Senarra los años de esfuerzo y sacrificios que la familia Quintanilla navegaron juntos.
UN DATO:
Formato: 9 episodios Elenco: Christian Serratos, Gabriel Chavarria, Ricardo Chavira, Noemí Gonzalez, Seidy López, Jesse Posey, Julio Macias y Natasha Perez Creador: Moises Zamora Productores Ejecutivos: Jaime Dávila, Rico Martinez, Suzette Quintanilla, Simran A. Singh, Hiromi Kamata y Moises Zamora Directoras: Hiromi Kamata y Katina Medina Mora.
LONDRES.-El funeral del príncipe Felipe se celebrará el sábado 17 de abril en el castillo de Windsor. El Palacio de Buckingham lo anunció. El Príncipe Harry asistirá al funeral de su abuelo, pero su esposa Meghan no estará con él.
En el castillo de Windsor frente al ataúd del príncipe Felipe, la esposa de la reina Isabel que murió este jueves a los 99 años.
Entre los primeros en conocer a su madre y presentar sus últimos respetos al cuerpo de su padre estaba el príncipe Eduardo, el cuarto hijo de la pareja real, acompañado de su esposa Sophia, condesa de Wessex. Mientras que más tarde también se señaló al tercer hijo Andrea, duque de York, que había sido excluido de los papeles oficiales de la Familia Real durante varios meses tras su presunta participación en el escándalo Epstein en Estados Unidos. Todo el mundo entró y salió en silencio, excepto por una broma despreciable de la esposa de Edward que – presionada por los periodistas sobre cómo encontró a Elizabeth ante la pérdida de Felipe después de 73 años de matrimonio y vida compartida – sólo respondió: “La Reina fue increíble”.
Un golpe muy duro para la Reina Isabel II, después de más de 7 décadas de vida juntos y dos semanas después de cumplir 95 años.
Un golpe que, sin embargo, no parece destinado a preludiar escenarios de abdicación, al menos no a corto plazo, en la convicción casi unánime de expertos, comentaristas e historiadores de los hechos reales británicos, convencidos de que el respeto a la tradición y el sentido del deber hacia la institución monárquica aún puede prevalecer en la hija de Jorge VI sobre el dolor o la reacción emocional del momento.
Casados desde 1947, el soberano y el duque de Edimburgo compartieron 73 años de matrimonio y 69 años de reinado, que comenzaron con la prematura muerte del padre de la soberana en 1952.
“Les puedo asegurar que la reina no abdicará”, es la opinión del historiador Hugo Vickers. “Hay indicios de que se encuentra en excelente estado de salud, y con un poco de suerte podrá seguir siendo nuestra soberana mientras sea posible”, añadió.
Una resistencia física que la ayuda a poder seguir considerando su papel de monarca como una misión existencial.
“Para la reina, ser reina es un trabajo de por vida. No hay espacio en su forma de pensar para la opción de renunciar o dar un paso atrás”, insiste Vickers.
EL MENSAJE DEL PAPA
“Su Santidad el Papa Francisco extiende sus más profundas condolencias a Su Majestad y a los miembros de la Familia Real, recordando la devoción del príncipe Felipe a su matrimonio y familia y su compromiso público con la educación y el progreso de las nuevas generaciones”.
Esto es lo que se lee en el telegrama enviado, en nombre del Papa Francisco, por el Secretario de Estado, Card. Peter Parolin, a la reina Isabel II. El Papa “invoca las bendiciones del Señor de consuelo y paz”.
El primer testimonio ante la nación se confía a las palabras del eterno heredero al trono Carlos, que ahora tiene 72 años, el único que ha visitado Felipe durante su última hospitalización. Un acto interpretado por muchos como un signo visible de superación de los supuestos malentendidos pasados y las muy ciertas diferencias de sensibilidad entre padre y primogénito. Del duque de Edimburgo, Carlos ensalza ahora “la increíble energía que ha puesto en apoyar a su madre, y tanto tiempo”. Pero también su espíritu libre, el probable deseo de ser “recordado como un individuo en su nombre”.
Un individuo con una “franqueza” memorable, señala, recordando cómo Felipe “no podía sufrir” a las personas inclinadas a “elegir las palabras cuidadosamente”; y atribuyendo esta nota de carácter al legado de su madre, la inconformista princesa griega Alicia de Battenberg, ahora enterrada en un cementerio ortodoxo de Jerusalén y reconocida en Israel como justo entre las Naciones por dar refugio a varios judíos durante la ocupación nazi de Atenas. La memoria de Felipe como una “roca en la vida de la Reina” y de la nación también es resaltada por el cuarto hijo Eduardo, con el cuidado de enfatizar el cuidado de su padre para ser consejero y si es necesario “guía” de su esposa, pero siempre evitando “siempre ensombrecer” su papel de reina con “increíble tacto y diplomacia”.
Mientras que su segunda hija Anna, tal vez la hija más cercana de su padre, recuerda el sacrificio de su renuncia a su carrera en la Marina después de la guerra. Y Andrea, el tercer nacido de la pareja real, vuelve a su sentido del deber: frente a su esposa, la monarquía, las fuerzas armadas, pero también y en primer lugar “la familia”.
“Felipe fue mi fuerza”, recuerdalas palabras de la Reina, una cita de hace 24 años para testificar de la conmovedora gratitud de la reina Isabel al príncipe Felipe. Es la decisión tomada por la corte británica, a través del perfil de Twitter del Palacio de Buckingham, la que vuelve a proponer el homenaje personal y público al duque de Edimburgo de un discurso pronunciado por Su Majestad en 1997 para las celebraciones del Jubileo de Diamante en el trono: una cita ya emitida ayer sin parar en la televisión del Reino y tomada esta mañana por muchos periódicos, sin que muchos periódicos dedicaran aperturas de página completa a la noticia de la muerte de Felipe.
“Él – dijo la soberana en esa ocasión también dirigiéndose a su marido- fue simplemente mi fuerza y apoyo a lo largo de estos años y yo, toda su familia, este país y muchos otros le debemos una deuda mayor de la que puede reclamar o incluso lo que nunca sabremos”.
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La cita está ilustrada por un retrato histórico de la pareja real firmado hace años por la legendaria fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz.
PARÍS.– “Mi infancia no fue sólo una despensa y un privilegio”, así se expresó PARIS JACKSON, hija de Michael Jackson, quien es actriz, modelo y cantante, durante una conversación con Naomi Campbell como parte de la serie de YouTube No Filter–.
Respecto a lo que significa para ella haber crecido como hija del Rey del pop, PARIS sostuvo que no solo se trato de vivir en lujosos y glamurosos hoteles de cinco estrellas, pues también visitó países del Tercer Mundo para ver el otro lado de la realidad.
PARIS también explicó que de niña tenía que ganarse lo que quería. “Si queríamos (ella y sus hermanos) cinco juguetes teníamos que leer cinco libros. Tuvimos que ganarnos cosas sin sentirnos con derecho a tenerlas o tomarlas”. Cuando Jackson murió en 2009, Paris tenía sólo once años.
La joven de 22 años no negó que tuviera una infancia privilegiada, pero también explicó que su padre la mantuvo con los pies en la tierra y le enseñó fuertes principios de ética de trabajo. “Mi padre -dijo- hizo un buen trabajo para asegurarnos de que teníamos una cultura, que fuimos educados”.
Tiene un hermano, Prince (Michael Joseph Jackson, Jr.), de 24 años, y un medio hermano, el príncipe Michael Blanket Jackson II, de 19.
PARIS es la hija menor de Deborah Rowe llamada “Debbie”. Fue criada sólo por su padre, quien la recibió en un hogar de acogida después de su divorcio en 1999; Rowe había firmado un acuerdo con Michael Jackson donde declaró que criaría y mantendría a sus hijos.
Su padre eligió a Elizabeth Taylor como madrina y Macaulay Culkin como padrino, que ya lo había sido para su hermano mayor, el príncipe Miguel. Jackson vivió sus primeros años con sus hermanos y su padre en Neverland Ranch después de lo cual, debido al juicio de su padre en 2005 y el posterior abandono del rancho, comenzaron a mudarse a varias casas entre Bahréin, Las Vegas y de nuevo en Los Ángeles.
Después de la muerte de su padre el 25 de junio de 2009, PARIS y sus hermanos fueron confiados a su abuela paterna, Katherine Jackson, y se mudaron a la villa familiar de Encino y más tarde a una nueva mansión de 10 mdd en Calabasas, California.
Paris Jackson también se ha pronunciado sobre las numerosas causas humanitarias que ha defendido a lo largo de los años. Durante los Premios Grammy 2017 y los MTV Video Music Awards, Paris Jackson habló sobre el Oleoducto Dakota Access y algunos eventos de injusticia racial ocurridos en Charlottesville, Virginia.
La hija del Rey del pop, además, se preocupa mucho por transmitir mensajes de positividad corporal y se mostraría por esta razón varias veces sin maquillaje en una alfombra roja o en sus transmisiones en vivo, en las redes sociales. La también cantante es defensora de los derechos LGBTQ+ y ella misma se ha declarado bisexual.
Jackson también se desempeña como embajadora de la Fundación Elizabeth Taylor contra el SIDA, para ayudar a encontrar una cura para el VIH/SIDA y tratar de poner fin a la enfermedad.
NUEVA YORK.- Un musical sobre la princesa Diana, que terminó “en cuarentena” hace un año debido a la pandemia, se prepara para volver a los escenarios en Broadway, pero esta vez con una fórmula inédita que le permitirá debutar primero en Netflix ante una audiencia global.
Hace un año el telón había caído sobre DIANA después de apenas nueve “previews”.
Una versión de la obra filmada a lo largo de una semana, el pasado septiembre, en un teatro de Broadway totalmente sin público, será difundida en streaming a partir del 1 de octubre, dos meses antes de la reanudación de las previews en el Longacre Theater el 1 de diciembre.
Los productores anunciaron que el estreno del show será dos semanas después, el 16 de diciembre, 625 días después de la fecha original.
Las entradas ya están en venta, y el acuerdo con Netflix serviría para generar interés por el espectáculo en vivo: “Creo que la gente verá el film y se convencerá de venir al teatro personalmente”, dijo al New York Times Frank Marshall, un cineasta que está entre los principales productores del show.
Broadway aún está cerrado debido al Covid, incluso si empiezan a verse algunas luces al final del túnel y se habla con prudencia de una posible reapertura de los teatros al final del verano boreal, también gracias al éxito de las campañas de vacunación que en los últimos días abrieron a los trabajadores del sector teatral.
DIANA, relata la vida y la muerte de la princesa de Gales, es uno de los primeros shows en poner entradas en venta y elegir una fecha específica para la reanudación de la programación.
“Soy optimista por el otoño (boreal), tanto para el cine como para Broadway”, dijo Marshall. Un vocero del show no quiso decir cuánto pagó Netflix por el derecho al streaming.
En el musical Jeanna de Wall encarna a Diana y Roe Hartrampf al príncipe Carlos. La dirección es de Christopher Ashley, premio Tony por Come From Away, con coreografias de Kelly Devine, textos de Joe DiPietro y David Bryan (tecladista de Bon Jovi), que crearon el musical Memphis, otro éxito de Broadway premiado con un Tony.
“Contamos la historia de un matrimonio complicado pero también de un crecimiento personal. Vemos a Diana convertirse en madre, pero los hijos no serán parte del show”, dijo Marshall.
“El legado de la princesa -concluyó. durará para siempre”.
A&E estrena esta noche a las 22:50 horas, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE, una producción original sobre el legendario músico, ícono del heavy metal, que narra la extraordinaria vida y carrera de esta leyenda de la música.
Bajo el sello de Biography -la franquicia ganadora del Emmy que destaca a las personalidades y eventos de interés periodístico con puntos de vista reveladores y contundentes, fuente concreta y definida de algunas de las narraciones de no ficción más exitosas de nuestro tiempo sobre historias reales-, este especial de A&E de dos horas, sin filtros y contado en primera persona, celebra a una de las estrellas más importantes del rock a través de entrevistas exclusivas y material de archivo que profundizan en las etapas de la vida de Osbourne y la increíble carrera de este ícono de la música.
Durante más de cinco décadas, OZZY OSBOURNE, conocido como el ‘padrino’ del heavy metal y apodado El Príncipe de las Tinieblas (The Prince of Darkness), ha personificado la rebelión del rock and roll. Con entrevistas exclusivas con Ozzy mientras reflexiona sobre las muchas fases de su vida, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE traza la historia del músico a lo largo de distintas etapas: desde su infancia en la pobreza en Birmingham, Reino Unido hasta su tiempo en prisión; su vínculo temprano con la música y cómo Los Beatles le “cambiaron la vida”; su nombre como vocalista y líder del grupo de metal Black Sabbath, uno de los períodos más duros de su vida luego de la separación de su primera mujer, la muerte de su padre y la expulsión de la banda; su exitosa carrera como solista en la que fue ganador de un Grammy; sus graves problemas con las drogas y el alcohol, hasta erigirse como uno de los estadistas más veteranos del rock y un adorable padre de la televisión en el siglo XXI.
Como un gato, con nueve vidas, siempre aterrizando de pie e impulsándose hacia un mayor éxito, y casi muriendo varias veces en el camino, esta BIOGRAPHY de dos horas explora cómo Ozzy se ha reinventado continuamente a sí mismo y a su carrera para impulsarse hacia un mayor éxito a través de nueve etapas -vidas- categorizadas en el especial: Pobreza y prisión, El Nacimiento del Heavy metal, Drogas, muerte & divorcio, Diario de un loco, Matrimonio y Caos, El Pecado Definitivo, No más giras, Papá lo sabe todo y Retiro.
“La razón por la que hago lo que hago es porque es lo que todos quieren hacer, pero no tienen las agallas para hacerlo. Y todo lo que soy es ser honesto”, se sincera Ozzy.
En este especial, Ozzy, de 70 años, reflexiona sobre los detalles íntimos de sus éxitos, fracasos y su capacidad única de supervivencia y perseverancia, incluidas entrevistas nunca antes vistas sobre su diagnóstico reciente de Parkinson. “¿Saben el momento en que me retiraré? Cuando pueda escucharlos poniendo los clavos en mi ataúd. Y aun sí, luego haré un maldito bis. Porque soy el Príncipe de las Tinieblas”, sentenció Ozzy en una de sus más recientes entrevistas.
Acompañado por material de archivo y animaciones que apoyan el relato, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE, incluye además entrevistas con Sharon – la mujer y representante de Ozzy y celebridad de la tv-, sus hijos Aimee, Kelly y Jack Osbourne, los otros miembros de Black Sabath, el guitarrista Toni Ionni, el bajista Geezer Buttler y el baterista Bill Ward; así como con amigos y compañeros músicos como el productor Rick Rubin, Ice-T, Rob Zombie, Jonathan Davis, Post Malone y más.
“Es el loco más irresistible que jamás hayas conocido en tu vida. Él es el verdadero Iron Man”, describe su hija Kelly en el especial estreno de A&E. “Dejó una de las bandas de rock más grandes del mundo y se hizo más grande, un artista creíble por su cuenta, encontró un gran talento nuevo y luego lo hizo enorme en la televisión. Nadie había hecho eso”, revela Sharon. Y agrega: “Ozzy siempre ha sido un hombre del pueblo, lo que para mí es…es solo una de las cosas que amo de él”.
El estreno de esta producción original en América Latina está acompañado del lanzamiento en Spotify de una lista de reproducción especial en la cuenta de A&E con todas las canciones que son parte de esta biografía, una playlist de 13 temas -con Black Sabbath así como también de él como solista- integrada por: No Bone movies, Revelation, Crazy Train, Goodbye to romance, Over the mountain, Diary of a Madman, Paranoid, Hand of Doom, N.I.B., Children of the Grave, Changes, Iron Man y Black Sabbath.
“Una vez más, ha sido un absoluto placer trabajar con el equipo de A&E“, dijo el productor ejecutivo del especial e hijo de Ozzy, Jack Osbourne. “Este documental llevará a los espectadores a un viaje increíblemente honesto y emocional en la vida de mi padre que siento que conectará con personas de tantas formas. No solo hablo por mí, sino también por toda la familia Osbourne cuando digo lo emocionados y honrados que estamos de este documental”.
LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE es una producción de Osbourne Media y Critical Content para A&E Network. El documental está producido y dirigido por R. Greg Johnston. Los productores ejecutivos de Osbourne Media son Sharon Osbourne, Ozzy Osbourne, Jack Osbourne y Peter Glowski. La productora ejecutiva de contenido crítico es Jenny Daly. LB Horschler es coproductor ejecutivo. Los productores ejecutivos de A&E Network son Elaine Frontain Bryant y Brad Abramson. A+E Networks posee los derechos de distribución mundial de LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE.
Ozzy Osbourne: el ‘padrino’ del heavy metal
Nacido en Aston, Birmingham en 1948, el músico y compositor británico Ozzy Osbourne encabezó la banda de heavy metal Black Sabbath antes de embarcarse en una exitosa carrera en solitario. Más tarde se convirtió en una estrella de reality con ‘The Osbournes‘.
¿Quién es Ozzy Osbourne?
Ozzy Osbourne saltó a la fama en la década de 1970 como el líder de la banda de heavy metal Black Sabbath, con canciones tan icónicas como “War Pigs”, “Iron Man” y “Paranoid”. Se embarcó en una exitosa carrera en solitario en 1979, ganando atención por sus escandalosos actos públicos y provocando la ira de grupos conservadores. Más tarde, Osbourne obtuvo una nueva legión de fanáticos al protagonizar con su familia el improbable reality show ‘The Osbournes’.
Vida temprana y carrera
John Michael Osbourne nació en una familia de clase trabajadora en Birmingham, Inglaterra, el 3 de diciembre de 1948. El cuarto de seis hijos – con tres hermanas mayores Jean, Iris y Gillian y tres hermanos más chicos Paul y Tony -su madre Lilian, trabajaba por días en una fábrica y su padre John Thomas era un fabricante de herramientas que “nunca faltaría un día al trabajo”, cuenta Ozzy.
“El dormitorio que tenía en ese entonces no era más grande que dos camas individuales una al lado de la otra. No había inodoro interior, era un balde para orinar al final de la cama. No tenías papel higiénico, tenías periódico. No tenías agua y jabón, lo cual fue un gran estigma para mí. Tuve mucha vergüenza cuando era niño porque siempre me sentí sucio. Siempre me sentí impuro”, relata la estrella.
Adquirió el apodo de Ozzy mientras estaba en la escuela primaria, donde luchó contra su dislexia. “Fue mucha vergüenza para mí, porque si tenías esa discapacidad de aprendizaje, te ponían en la esquina con un cono en la cabeza y te llamaban el tonto de la clase y toda la clase se reía de ti, lo que me hizo ver más adentro de mí”, cuenta Ozzy.
Estos y otros desafíos llevaron a Osbourne a dejar la escuela a los 16 años, momento en el que trabajó en una serie de empleos de baja categoría, incluida una temporada en un matadero. “No quería trabajar en un trabajo diurno, no podía soportar levantarme para trabajar por la mañana. Pasaba de plomero a constructor”, explica Osbourne.
“Una vez en el matadero le dije a este tipo: ‘¿Cuánto tiempo llevas haciendo esto?’ Él dice, ‘35 años. Y me retiro y me van a dar un reloj de oro’- Recuerdo que me volví hacia él y le dije: ‘Si quiero un reloj de oro, será mejor que vaya y arroje un ladrillo por la ventana de un joyero’. Tuve que al menos intentar divertirme un poco con mi vida cuando era joven”, justifica Ozzy. Pronto pasó a actividades más ilícitas al cometer una serie de delitos menores, que culminaron con una breve sentencia de seis semanas en prisión por robo.
Sin embargo, a lo largo de este turbulento período de su vida, Osbourne cultivó un profundo amor por la música y, después de salir de prisión, comenzó a explorar su potencial como vocalista. “La música era como una parte muy integral de la familia. Siempre había música con el tocadiscos, en la radio, el piano. Cuando tenía 14 años, descubrí la música a través de los Beatles. Cambió mi vida. Me dio la semilla para querer hacerlo yo mismo”, asegura Ozzy.
En 1968 se asoció con el bajista Terence “Geezer” Butler, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward para formar la banda de rock Polka Tulk Blues, que pronto rebautizaron como Earth. Si bien Earth ganó algo de notoriedad local, no fue hasta que el grupo comenzó a experimentar con el sonido intenso y amplificado -que luego caracterizaría al género del heavy metal- que llamó la atención de los productores de discos. Dado que el apodo de la banda ya estaba en uso por otro grupo, adoptaron el nombre de Black Sabbath, una referencia a la película clásica de Boris Karloff.
El estrellato de Black Sabbath
Lanzado por Vertigo Records en 1970, el álbum debut homónimo de Black Sabbath fue enjuiciado en gran medida por los críticos, pero se vendió bien en Inglaterra y en el extranjero. “Despegamos tan rápido. Nos subíamos a la furgoneta, subíamos al ferry, nos emborrachábamos en el ferry. Fue simplemente genial”, asegura Osbourne. Con temas destacados como la canción principal, “The Wizard” y “Evil Woman”, Black Sabbath alcanzó el Top 10 en el Reino Unido y el puesto 23 en las listas de álbumes estadounidenses. El segundo trabajo del grupo, Paranoid (1971), incluyó los himnos de metal seminal “War Pigs”, “Iron Man”, “Fairies Wear Boots” y “Paranoid”, y llevó Black Sabbath a nuevas alturas, encabezando las listas en el Reino Unido y alcanzando el No. 12 en los Estados Unidos.
“No podía creer que mi voz llegaba por la radio y toda Inglaterra me escuchaba cantar. No lo podía creer”, asevera el cantante. “En unos tres años, habíamos pasado de ser una banda nada a la banda número 1 en Inglaterra. Ocurrió muy rápido”, agrega.
El uso de simbolismo religioso y temas míticos por parte de la banda le dio un toque gótico a sus personajes públicos. También les valió críticas constantes de grupos de derecha, publicidad negativa que simplemente alimentó la popularidad de la banda con su base de fans, en su mayoría hombres jóvenes. Como fue el caso de sus dos primeros álbumes, sus trabajos posteriores Master of Reality (1971), Vol. 4 (1972) y Sabbath Bloody Sabbath (1973) tuvieron éxito en las listas de éxitos, y finalmente alcanzaron el estado de platino en los Estados Unidos gracias a la fuerza de clásicos del metal como “Sweet Leaf”, “After Forever”, “Snowblind” y “Sabbath Bloody Sabbath”.
Abuso de sustancias y dejar Black Sabbath
Con el lanzamiento de Sabotage de 1975, la suerte de la banda empeoró. A pesar de la fuerza de canciones como Symptom of the Universe y Am I Going Insane, el álbum no logró alcanzar el mismo estatus que sus predecesores. Acentuando este cambio, también se vieron obligados a interrumpir su gira posterior cuando Osbourne resultó herido en un accidente de moto.
La ingesta constante de drogas y alcohol de la banda, principalmente de Osbourne, también se sumó a la tensión, junto con la pérdida de fanáticos del floreciente movimiento punk rock. “Hicimos el álbum Volume 4 y estuvimos en Los Ángeles grabando eso durante unos tres meses y fue la primera vez que todos nos metimos realmente en la cocaína. Recuerdo hacerlo todos los días, como las 24 horas del día, prácticamente”, cuenta Geezer, miembro de Black Sabbath. “A veces nos quedábamos despiertos dos o tres días”, añade el baterista Bill Ward.
Tras los lanzamientos de Technical Ecstasy (1976) y Never Say Die (1978), Osbourne y sus compañeros de banda se separaron. Aunque Black Sabbath continuaría con varios líderes en las próximas décadas, incluidos Ronnie James Dio, Dave Donato, Ian Gilliam, Glenn Hughes y Tony Martin, el grupo nunca alcanzaría las mismas alturas alcanzadas durante la era de Osbourne, cuando escribieron y grabaron algunas de las canciones más memorables del heavy metal.
Éxito como solista: ‘Blizzard of Ozz’ y más
A diferencia de algunos artistas, que se desvanecen en la oscuridad después de dejar los grupos que los hicieron famosos, y a pesar de la muerte de su padre, “el periodo más doloroso” de su vida según Ozzy, Osbourne en 1980 presentó un debut en solitario, Blizzard of Ozz, que fue un rotundo éxito comercial. Con los singles “Crazy Train” y “Mr. Crowley ”, el álbum alcanzó el Top 10 en el Reino Unido y el No. 21 en los Estados Unidos, donde eventualmente alcanzaría el estatus de multiplatino. “El álbum simplemente se esparció como un incendio forestal. Entró directamente en las listas de éxitos, las críticas fueron increíbles. ¿Quién no ama “Crazy Train”? Es solo un clásico. Todos en Estados Unidos tenían un álbum de Ozzy y lo conocían. Fue solo un milagro”, cuenta Sharon.
Su seguimiento de 1981, Diary of a Madman, funcionó igualmente bien: “fue el mejor escenario con el que he trabajado. Fue tan genial”, confiesa Ozzy.
La gira que siguió, sin embargo, estuvo cargada de desgracias, incluido un accidente de avión que mató al guitarrista Randy Rhoads y a otros dos miembros de su séquito. “Ozzy y yo estábamos durmiendo en la parte trasera del autobús y nos despertó una enorme explosión”, cuenta Sharon. Randy Rhoads, el guitarrista principal de 25 años del grupo de Ozzy Osbourne murió en un accidente aéreo junto con el piloto del avión y Rachel Youngblood, la peluquera del grupo. El propio Ozzy Osbourne estaba en el autobús de la gira cuando una de las alas del avión lo cortó.
A lo largo de la década de 1980, Osbourne continuó cultivando la imagen del rebelde enfadado y solitario con problemas, y su teatralidad antisocial contribuyó a su notoriedad pública. Entre sus payasadas, bañó a su público con carne cruda y le mordió la cabeza a un murciélago en vivo en el escenario. “Los murciélagos son los mayores portadores de rabia en el mundo y después tuve que ir al hospital y empezaron a ponerme vacunas contra la rabia. Tenía una en cada gluteo y tenía que tenerlo todas las noches”, detalla Osbourne.
Sin embargo, no todo el mundo encontraba tan atractivo su personalidad y su música oscura, y con frecuencia los conservadores religiosos lo señalaban con la esperanza de demostrar los impactos negativos de la música rock en la sociedad.
A pesar de estos y otros desafíos, incluido un período en rehabilitación en 1986, Osbourne continuó logrando el éxito comercial, con los álbumes Bark at the Moon (1983), The Ultimate Sin (1986) y No Rest for the Wicked (1988), todos múltiples platino en los EE. UU. Marcó el comienzo de la década de 1990 con su sexta oferta en solitario, No More Tears (1991), que alcanzó el Top 10 en los EE. UU. y contó con el exitoso sencillo del mismo nombre. “En ese momento estoy vendiendo más discos que nunca, estoy tocando para un público más grande que nunca, y conseguí que mi disco No More Tears se esté vendiendo como loco aquí. Quiero decir, es mi disco más vendido hasta la fecha”, cuenta Ozzy.
En 1992 Osbourne anunció que la gira No More Tears Tour sería la última y Ozzy y su familia regresaron a Inglaterra. “Los niños lo pasaron increíble y fue realmente un gran momento porque no había presión para hacer nada. Definitivamente fue el tiempo más largo de estar con su padre en familia, eso es todo lo que hizo Ozzy, ser familia. Así que no estaba bebiendo ni consumiendo y era simplemente genial”, recuerda Sharon.
Sin embargo, la popularidad del álbum en vivo doble publicado posteriormente, Live & Loud (1993), hizo que Osbourne reconsiderara su retiro, y la versión del álbum de I Don’t Want to Change the World le valió a Osbourne su primer premio Grammy. Regresó al estudio para Ozzmosis de 1995, y al año siguiente comenzó a hacer giras como parte de un festival de metal itinerante, Ozzfest.
Hacia el final de la década, la estrella de Osbourne estaba en decadencia y él continuaba luchando con los problemas de abuso de sustancias que lo habían acosado a lo largo de su carrera. Sin embargo, encontró su camino de regreso al centro de atención en 2001 con el lanzamiento de su octavo álbum de estudio, Down to Earth, que alcanzó el número 4 en los Estados Unidos y el número 19 en el Reino Unido.
The Osbournes
Osbourne pronto aumentó aún más su estatus de celebridad con su propia marca de reality de televisión. “Pasé de espectáculos con entradas agotadas y Ozzfest a tener cámaras de televisión en mi casa”, rememora Ozzy. Debutando a principios de 2002, The Osbournes se centró en la vida doméstica de Osbourne y su clan y se convirtió en un éxito instantáneo.
El atractivo cómico del anciano que sacude su cabeza completando tareas tan aburridas como sacar la basura cautivó incluso a los conservadores que una vez habían denostado a Osbourne. Sin embargo, también dio un giro más serio ese verano, cuando la esposa de Ozzy, Sharon, fue diagnosticada con cáncer de colon. “Al ver a mi madre enferma, no pudo soportarlo. Empezó a beber y consumir más de lo que jamás le había visto”, recuerda Kelly. El programa duró hasta 2005, ganando un Primetime Emmy y convirtiéndose en uno de los programas de mayor audiencia de todos los tiempos de MTV.
Salón de la fama
En 2005, Osbourne se reunió con Black Sabbath para una gira, y al año siguiente las leyendas del heavy metal fueron incluidas en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En la ceremonia de inducción, Metallica, uno de los innumerables grupos para los que Black Sabbath fue una influencia principal, interpretó “Iron Man” en honor a la banda.
A pesar de los años de abuso a su cuerpo, Osbourne mostró un impresionante poder de permanencia al continuar de gira como parte del Ozzfest. Regresó al estudio para grabar Black Rain (2007), que alcanzó el puesto número 3 en las listas de Estados Unidos y siguió con el igualmente bien recibido Scream (2010). En 2012, Osbourne se reunió con sus compañeros de banda de Sabbath para realizar una serie de conciertos y grabar un nuevo álbum de estudio, 13, que obtuvo su lanzamiento al año siguiente.
En 2015, la banda anunció planes para una gira final, apropiadamente apodada The End. Al año siguiente también lanzaron un álbum con ese nombre, compuesto por pistas inéditas de 13 y varias presentaciones en vivo. La gira concluyó en Birmingham, la ciudad natal de los miembros de la banda, en febrero de 2017.
Un año después, Osbourne anunció las fechas de la etapa norteamericana de No More Tours 2, la última gira de su carrera. Aunque señaló que quería pasar más tiempo con su familia, el legendario headbanger insistió en que no se jubilaría como músico y que continuaría tocando en conciertos más pequeños y permaneciendo involucrado con Ozzfest.
Matrimonio con Sharon, vida familiar y World Detour
Osbourne se casó con su manager, Sharon Arden, en 1982. Tuvieron tres hijos juntos, Aimee, Kelly y Jack. Jack y Kelly aparecieron con sus padres en The Osbournes, pero Aimee objetó. Osbourne también ha tenido tres hijos de un matrimonio anterior con Thelma Riley -Jessica, Louis y Elliot-, y ahora también tiene varios nietos.
Luego y durante el nacimiento de los tres hijos que tuvo con Sharon, Ozzy tuvo un gran decaimiento en las drogas y el alcohol. “Ozzy sobrio es la mejor compañía del mundo: divertido, entretenido, amable, dulce. Ozzy usando alcohol o drogas, es un completo idiota. Eso es. Es como el día y la noche. Eso es”, explica Sharon, quien inclusive acusó a Ozzy por intento de homicidio. “Los niños fueron a la cama, al baño, teníamos una niñera viviendo en la casa entonces, y yo estaba sentada leyendo. Y él entró en la habitación. No tenía idea de quién estaba sentado frente a mí en el sofá, pero no era mi esposo. Fue probablemente el momento lo más asustada que he estado”, detalló la mujer. “Podría haber matado a Sharon, y ese es un sentimiento desolador. Ella es mi alma gemela, yo la amo”, asegura Ozzy.
En mayo de 2016, Sharon y Osbourne anunciaron sus planes de divorciarse después de más de tres décadas juntos. Según Us Weekly, la separación se produjo después de que Sharon se enterara del supuesto romance de Osbourne con una famosa estilista. Sin embargo, dos meses después, la pareja que había soportado tantos altibajos juntos decidió intentar que la relación funcionara. En julio, Osbourne, que apareció en Good Morning America con su hijo, Jack, dijo que el matrimonio no había terminado. “Es solo un bache en el camino“, aseguró, y “Está de nuevo en marha“.
Por esa época, padre e hijo también regresaron al ámbito familiar de los reality shows con “Ozzy & Jack’s World Detour. Con una duración de tres temporadas, el espectáculo capturó a los dos trotamundos que visitaban lugares emblemáticos y atracciones fuera de lo común.
El diagnóstico de Parkinson y el ‘hombre ordinario’
En una entrevista de enero de 2020 con Robin Roberts de Good Morning America, Osbourne reveló que le habían diagnosticado la enfermedad de Parkinson. Al mes siguiente, canceló la etapa norteamericana de su gira No More Tours 2, citando la necesidad de viajar a Europa para recibir tratamiento y recuperación.
Unos días después, sin embargo, el artista demostró que todavía estaba luchando furioso contra la muerte con el lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio en solitario, Ordinary Man, con colaboraciones con Elton John, Post Malone y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash.
NUEVA YORK-.- Un intercambio de mensajes privados y algunos “me gusta” en algunas fotos en las redes sociales, han detonado la posible ruptura sentimental de la famosa pareja JENNIFER LOPEZ y ALEX RODRÍGUEZ.
La tercera en discordia apunta a Madison LeCroy, estrella del reality show Southern Charm. Según varios medios estadounidenses, López presintió la traición hasta el punto de decidir romper su matrimonio con el ex jugador de béisbol después de cuatro años, incluyendo dos de compromiso oficial.
Los rumores sobre Rodríguez, de 45 años, y LeCroy, de 30, habían comenzado a circular a principios de este año, pero según la joven era sólo un intercambio de mensajes, sin ninguna consecuencia.
El New York Post publicó que A-Rod había dado a conocer una foto en su perfil de Instagram a bordo de un yate frente a Miami. “¿Planes para el fin de semana?”, había escrito.
La pareja anunció su compromiso en 2019 durante unas románticas vacaciones en las Bahamas. Se suponía que la boda se celebraría en Italia el año pasado, pero fue pospuesta debido a la pandemia.
Los dos más tarde dijeron que no había prisa para otra cita. Lopez también reveló durante una entrevista que durante el aislamiento de la pandemia estaban haciendo terapia de pareja. Ambos tienen dos hijos de uniones o matrimonios anteriores.
NUEVA YORK.– LIZA MINELLI celebrará este día sus 75 años de vida de manera virtual, pero a las ocho de la noche (hora de Nueva York) la plataforma Estelar se iluminará para un gran espectáculo en su honor concebido por el productor Daniel Nardicio, con dinero donado a la caridad. Entre los grandes que han garantizado su participación y que representan las tres carreras de la diva (música, teatro, cine), serán: Joel Grey, Lily Tomlin, Catherine Zeta-Jones, Chita Rivera, Joan Collins, Harry Connick Jr, Ute Lemper, Billy Stritch, Sandra Bernhard, Mario Cantone, Tony Hale, Coco Perú, John Cameron Mitchell, Andrea Martin, Seth Sikes y Neil Meron.
“Estoy emocionado de poder hacer esto por Liza y sus amigos y fans -anunció el productor Daniel Nardicio-. Es una noche para decir todos juntos en total seguridad y cumplimiento de las reglas: todos amamos a Liza”.
Renacida de sus cenizas al menos tres veces en su vida, protagonista y testigo de edades muy diferentes del espectáculo americano, LIZA MINELLI nació en Los Ángeles, en 1946, hija de una diva de medio corazón como Judy Garland y una de los mejores directores de su época, Vincent Minnelli.
La pequeña Liza tuvo que fortalecerse desde una edad temprana para hacer frente al distanciamiento de su padre y los vaivenes emocionales de su madre, presa del alcohol y las drogas que a menudo la hacían incapaz de cuidar de sus tres hijos, dos de ellos los medio hermanos de Liza.
A los 16 años, su madre la empujó al escenario de Broadway, consiguiendo un papel en el musical Best Foot Forever (1963) y al año siguiente hizo duetos con Judy Garland en Londres en un concierto que permanecería en los anales. En Europa conoce al cantautor australiano Peter Allen, quien será el primero de sus cuatro maridos.
De su madre heredó el carácter tenaz y sulfuroso, de su padre la elegancia innata, el sabor de la belleza y el amor por el cine. Cuando Liza sea una estrella, se encontrarán en Roma en el set de Nina (1976), el homenaje de Minnelli a esa Italia de la que la familia es originaria de Palermo y a un cine felliniano que añade imaginación y sueño.
Si Liza Minnelli se impone en la sala de grabación y en el escenario muy pronto, en ambos casos a principios de la década de 1960, el cine realmente le da la bienvenida sólo en 1969 con Pookie de Alan J. Pakula, que le valdrá su primera nominación al Oscar.
Su filmografía es más que selectiva – sólo 15 títulos – y en su mayoría no memorable, mientras que el camino entre el teatro y la música está salpicado de premios: seis Emmy-Grammy. Pero sólo se necesitan dos películas para entrar en la leyenda de Hollywood: gracias a Bob Fosse (que luego lo tendrá en el teatro para Chicago) ganó el Óscar a la Mejor Actriz de 1973 con Cabaret, cuyas canciones siguen siendo muy populares incluso hoy en día.
Cinco años más tarde, en 1977, fue Martin Scorsese quien la llamó junto a Robert De Niro en Nueva York, Nueva York. Será un triunfo para los dos: la canción guía, dedicada a Manhattan y escrita por John Kander para la película, sigue siendo un símbolo inoxidable de la Gran Manzana y la portada grabada por Frank Sinatra en 1980 sólo ha revivido su mito.
En estas dos películas Liza Minnelli propone una carga vital, una espontaneidad contagiosa hecha de fragilidad y orgullo que se mueve desde la primera toma y que atrae a personajes destinados a convertirse en iconos. Esta eterna niña que ha pasado por una carrera siempre y cuando su vida entre momentos emocionantes y profundidades desesperadas sea intrépida, bajando los mismos pasos que su madre entre múltiples adicciones y asistencia psicológica, para regresar cada vez más fuerte.
La última vez que se dejó ver Minelli en Italia fue en el Festival de Verano de Lucca en 2014, mientras que en televisión apareció hace un año en la popular serie The Great British Sewing Bee. Pero en la imaginación de todos sigue siendo la ingenua Francine, la que se deja seducir por el genio del saxofonista Jimmy Doyle y que como crisálida se convertirá en una mariposa que sólo se aleja de él para convertirse en diva y cantante en las notas de ese tema de Nueva York, Nueva York que Jimmy había compuesto para ella mucho antes.
Liza Minnelli, a sus 75 años, es una mujer de hoy, pero su carisma e icono pertenecen a otro momento, el de ese Hollywood que nunca volverá.
ROMA.-CAMILO SESTO quiso ser cantante desde los cuatro años, cuando “escuchaba a Joselito, su ídolo, y a las folclóricas en la radio, las vecinas le pedían que cantara en la calle, y así empezó”, cuenta a ANSA la biógrafa del cantante, Elena Gómez de la Puerta.
Cuando en 1972 se fue de gira a Argentina “y se encontró sus canciones en la radio, fue cuando se dio cuenta del éxito que tenía en ese continente”, añade.
Gómez de la Puerta acaba de publicar el primer volumen de Camilo Sesto. Mi última canción (Editorial Chocolate), biografía autorizada del cantante de baladas que saca a relucir su lado más rockero al inicio de su carrera musical.
Nacido como Camilo Blanes Cortés en 1946 en Alcoy (Alicante, este del país), localidad famosa por sus fiestas de Moros y Cristianos, fue solista en el coro del colegio de Los Salesianos, aunque al principio él no quería.
Para que los examinadores le considerasen “no apto” cantó la escala musical al revés, pero el temor a la regla de madera le hizo desistir, superó la prueba y se convirtió en solista.
La biografía narra anécdotas ocurridas en su infancia: el niño Camilo era el que gastaba las broma más divertidas de su barrio.
Ya todos le conocían y los vecinos no se enfadaban porque realmente eran muy ingeniosas. Su amigo Miguel Císcar rememora que “cuando caía la tarde nos escondíamos con las niñas en un descampado. Eran las primeras sensaciones y los primeros amores.
El que más éxito tenía con ellas siempre fue Camilo”. Su familia, que quería que fuera electricista, como el padre, no le apoyó demasiado en sus inicios musicales: “No querían que fuera artista, pero vieron que si quería destacar se tenía que ir a Madrid”.
En la capital, adonde llegó con 18 años, formó parte primero del grupo de rock Los Dayson, y cuando éste se deshizo dos de sus cinco miembros fueron rescatados por el grupo, también de rock, Los Botines.
“Los Beatles eran su principal referente musical, Paul McCartney en concreto”, apunta la biógrafa. “El salto a las baladas se lo propuso la discográfica. No había destacados solistas y había un exceso de grupos rockeros”, cuenta.
Su familia “le empezó a apoyar cuando se dan cuenta de que él no estaba equivocado, cuando le llega el estrellato con la canción Algo de mi, que salió al mercado en 1972.
A raíz del concurso musical de la OTI, en el que participó en 1973, se le empezó a conocer en toda América Latina, “un territorio en el que siempre se sintió como en casa”, señala Gómez de la Puerta.
La biografía de Camilo Sesto, que vendió más de 180 millones de discos, abarca sus 30 primeros años, hasta 1976, tras la publicación de su sexto álbum, Jesucristo Superstar.
Gómez de la Puerta, que conocía al cantante desde 2006, le dijo un día que le extrañaba que siendo un artista con una carrera tan rica solo existiera una biografía suya, publicada en 1984.
“Es que nadie me conoce en la parte artística tan bien como tú”, le contestó el cantante, y “yo me lo tomé como una invitación para hacer una biografía”.
La escritora entrevistó a 40 personas del entorno del cantante, fallecido en 2019, e investigó documentos en hemerotecas y archivos históricos.
ROMA.- THE LYRICS: 1965 TO THE PRESENT, es el título del autorretrato que comprende 154 canciones de PAUL MCCARTNEY, editado y presentado por el ganador del Premio Pulitzer Paul Muldoon, que estará en las librerías para noviembre de este año. En Italia será lanzado para la editorial Rizzoli que anuncia la publicación.
“No sé cuántas veces me preguntaron si escribiría una autobiografía, pero nunca había sido el momento adecuado. Lo único que siempre he sido capaz de hacer, en casa o sobre la marcha, es escribir nuevas canciones. Sé que cuando llegas a cierta edad, un diario ayuda a recordar los días pasados. Pero nunca tomé notas. Lo que me queda son mis canciones, cientos de canciones que, entiendo, equivalen a una especie de diario. En estas canciones hay toda una vida útil”, aseveró Paul McCartney.
Se trata de dos volúmenes de box set en los que McCartney relata, con extraordinaria sinceridad, su vida y arte a través de 154 canciones que cubren todas las etapas de su carrera, desde composiciones juveniles tempranas hasta la legendaria década con los Beatles, desde alas hasta álbumes en solitario. Organizadas en orden alfabético, no cronológico, las letras finales de las canciones se recogen aquí por primera vez, junto con la historia de las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y los lugares que las inspiraron. Hay materiales inéditos y preciosos de su archivo personal, manuscritos, cartas, fotografías.
“Espero que lo que escribí muestre a los lectores algo sobre mis canciones y mi vida que nunca habían visto antes. Traté de decir algo sobre cómo nace la música, lo que significa para mí y lo que espero que signifique para los demás también”, explicó Paul McCartney, quien escribió su primera canción a la edad de 14 años. “Estos textos, extraídos de cinco años de conversaciones con Paul McCartney, están tan cerca de una autobiografía como podemos tener. Lo que Pablo nos dice sobre su proceso creativo confirma algo que antes sólo podíamos sospechar: nos enfrentamos a un escritor de importancia primaria que encaja perfectamente en la larga tradición de la poesía en inglés”, dice Paul Muldoon.
ROMA. – Se arriesgó a morir luego de una sobredosis, revelaciones que la cantante DEMI LOVATO revelará en la docuserie DEMI LOVATO: DANCING WITH THE DEVIL, de cuatro partes, que se estrenará el 23 de marzo en YouTube Originals.
“Mis médicos me dijeron que otros 10 minutos y yo moriría”, así confiesa DEMI LOVATO uno de los períodos más oscuros de su vida: “Después de una sobredosis en 2018, tuve tres derrames cerebrales y un ataque al corazón y ahora tengo daño cerebral, no conduzco y tengo dificultad para leer…”, revela la cantante americana, en el tráiler, compartida en las redes sociales, de DANCING WINTH THE DEVIL , documental, que habla sobre salud mental y adicciones.
DEMI LOVATO tiene 28 años. “Me queda una lesión cerebral, e incluso hoy me enfrento a sus efectos”, dice la cantante. No conduzco el auto porque tengo puntos ciegos a mi vista. Durante mucho tiempo tuve dificultades para leer, todo estaba borroso”.
LOVATO también dijo que las repercusiones duraderas “todavía están ahí para recordarme lo que podría suceder si alguna vez vuelvo a la oscuridad”.
En el tráiler, Demi también muestra la imagen impactante de su mano tatuada conectada a un goteo y cubierta con cinta médica, con una banda hospitalaria sujeta alrededor de su muñeca en la que se lee la fecha de nacimiento del Lovato, el 20 de agosto de 1992, así como la fecha en la que fue hospitalizada: el 24 de julio de 2018.
En el tráiler, Demi relata los diversos pasos de su carrera, desde ser estrella de Disney hasta del pop y especialmente los meses tumultuosos que llevaron a su sobredosis, que casi le costó la vida. El video también muestra a la madre de Demi, Dianna De La Garza, su padrastro Eddie, su hermana mayor Dallas, de 33 años, y su media hermana menor Madison, quienes siempre han estado cerca de ella. Luego dice que está lista para una nueva fase y quiere hacer lo que le gusta de la música.
ROMA.- BILLIE HOLIDAY no solo fue una de las cantantes más sobresalientes de la escena musical, también es considerada una artista que desafió al racismo, por ello vuelve al centro de la escena en el film de Lee Daniels, THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY, de Lee Daniels, cuya protagonista, Andra Day, está nominada a los premios Golden Globe por su interpretación de la cantante de blues cuya vida fue tormentosa desde su traumática infancia debido a que su madre la obligó a prostituirse a los 11 años.
Andra Day stars in THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY from Paramount Pictures. Photo Credit: Takashi Seida.
Víctima del abuso del alcohol y las drogas, HOLIDAY también supo ser una mujer fuerte, generosa y libre, incluso en su sexualidad.
HOLIDAY fue defensora de los derechos civiles y siempre estuvo en la mira del gobierno estadounidense y del FBI de Hoover: una persecución que también contribuyó a la muerte prematura del cantante en 1959, a la edad de 44 años.
Un torbellino de contradicciones, arte, tragedia y coraje, se aprecian en este film acerca de la gran artista afroamericana.
La película, que llega a Estados Unidos a través de Hulu el próximo 26 de febrero, acaba de ganar dos nominaciones al Globo de Oro: a Mejor Actriz de Drama para Andra Day (incluso entre las favoritas para una nominación al Oscar) que vuelve a competir también en las cinco mejores canciones, Tigress and Tweed, interpretada y escrita por ella con Raphael Saadiq.
“Soy fan de Billie Holiday desde los 11 o 12 años -explicó Andra Day, nacida en 1984, en el encuentro online con Lee Daniels organizado por la American Cinemateque-, inmediatamente me llamó la atención su voz, tan diferente de los estridentes a los que estaba acostumbrada. Era una voz única poco frecuente y a lo largo de los años, su ejemplo me ha animado a estar orgullosa de mi voz e individualidad, me enseñó a usar el poder del arte con cuidado y sabiduría”.
El vínculo de Lee Daniels, director de películas como Precious y The Butler, con Billie Holiday ya había pasado por el cine: La dama del blues (dirigida por Sidney J. Furie en 1972, con Diana Ross en el papel principal) es la cinta que me inspiró a convertirme en director. La vi a los 13 y me impactó.
Fue la primera vez que vi una historia de amor negro, una historia tan intensa y profunda en lugares y con una música que me pertenecía a mí y a artistas como Diana Ross, Billy Dee Williams y Richard Pryor. Quería que mis films se sintiera como me sentí yo después haber visto eso”, explicó.
Cuarenta años después “me llegó este hermoso guion sobre Billie Holiday y me doy cuenta de lo mucho que no sabía sobre sus luchas”.
“Cuando pensamos en el movimiento por los derechos civiles, nombres como Martin Luther King, Malcolm X, Gandhi, Rosa Parks aparecen de inmediato. En mi opinión Billie Holiday dio impulso a ese movimiento, con su canción Strange Fruit (una de sus ramas símbolo, que habla del linchamiento de un hombre negro, la ‘fruta extraña’ que cuelga del árbol) y es un hecho que no se encuentra en los libros de historia. Entonces yo también luché contra mis adicciones y como artista entiendo el camino de Billie, sentí que tenía que hacerle justicia”.
La película sigue a la cantante principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks de su pasado), cuando el FBI, y uno de sus principales emisarios, Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund), para truncar la carrera de la artista, que continuaba cantando Strange Fruit en sus conciertos, la convierte en el objetivo de control constante al borde de la persecución.
Debido a la adicción de Billie a la heroína, encuentros erróneos, problemas personales y profesionales y, a veces la utilización por parte de las autoridades de pruebas falsas, la mujer acaba detenida varias veces (en 1947 también cumple un año de prisión), pero cada vez más minada físicamente, hasta el final, no se rinde.
“Sabía que el gobierno había perseguido a Billie Holiday, pero no sabía hasta dónde había llegado”, dijo Andra Day, quien perdió 17 kilos para el papel y reinterpretó todas las canciones.
“El único modo que tenían para llevar adelante aquel sistema de opresión era aplastar la verdad, aquello que cantaba Billie.
Me asombró su fuerza para luchar sola, su resiliencia, su poder interior. Realmente la considero la madrina de la lucha por los derechos civiles”.
En ella “había un deseo de ser escuchada y al mismo tiempo una gran vulnerabilidad. Siendo una mujer negra viviendo en Estados Unidos, conozco esa soledad y ese sentimiento invisible”, acotó.
LOS ÁNGELES.- Es el actor con una de las voces más inconfundibles del cine americano y protagonista con papeles que han hecho historia. Es JAMES EARL JONES, quien cumple este día 90 años.
EARL JONES nació el 17 de enero de 1931 en Mississippi pero criado en Michigan. JONES es conocido, entre otras destacadas actuaciones, por su papel como Alex Haley en Roots, seguido de Thulsa Doom en Conan el Bárbaro, y el Almirante Greer en The Hunt, en filmes como Octubre Rojo, Power Games, Under the Sign of Danger. Su papel como el rey Joffy Joffer en Coming to America (1988), el padre del príncipe Akeem interpretado por Eddie Murphy, también es inolvidable.
Pero su fama también está ligada a su carrera como actor de voz. La suya es la voz de Dart Fener en las sagas de Star Wars y Mufasa en El Rey León (así como en su secuela y remake).
También es la voz detrás del anuncio de This is CNN. Sus actuaciones le valieron diez nominaciones al Emmy, ganando 3 de ellas, 5 premios Globo de Oro y un Premio de la Academia al Mejor Actor Principal por la película To Rise Lower, mientras que en 2012 recibió el Premio de la Academia a la Trayectoria. Por sus obras de teatro, ganó dos premios Tony.
Sin embargo, JONES, una de las voces más reconocibles del mundo, tiene un pasado como tartamudo. Como él mismo relató en el pasado en una entrevista, cuando era niño, criado por sus abuelos maternos, luchó con una forma de tartamudeo que lo dejó casi mudo durante los primeros ocho años de su vida. “Como un niño- recodó – sólo me comunicé con mi familia o al menos con aquellos que no se sentían avergonzados por mi tartamudez y vergüenza. En cambio, me comuniqué con animales con bastante libertad, a saber, cerdos, vacas y pollos. A ellos no les importa cómo suene tu voz”.
JONES también fue presa de las burlas de sus compañeros de clase en la escuela y en un momento dejó de hablar. En cambio, lo hizo en la escuela secundaria y gracias a un profesor de inglés que comenzó en la poesía.
El actor una vez escribió un poema tan hermoso que el mismo maestro dudó que fuera original. Así que lo invitó a recitarlo de memoria delante de la clase. Lo cual hizo porque fueron sus palabras y desde entonces ha estado en el camino de ponerse detrás del trastorno del habla.
Hoy, a pesar de los éxitos de su carrera, no se siente capaz de decir que ha salido completamente de ella. “No puedo decir que estoy curado – comentó ¡trabajo en ello!”.
LOS ÁNGELES.- FAYE DUNAWAY cumple 80 años, icono de los setentas, durante su carrera la actriz ganó un Premio Oscar, tres Globos de Oro, un Bafta y un Emmy, mientras que en 2011 el gobierno francés le otorgó el honor de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras.
DUNAWAY nació en Bascom, Florida, hija de un militar del Ejército de los Estados Unidos, hizo su debut en los escenarios en la década de 1960, cuando a sus 20 años consiguió un pequeño papel en Broadway, en el programa And The Night Came.
El despegue para la juvenil actriz fue en 1966 cuando Elliot Silberstein la quería para Empezó a jugar con Anthony Quinn. Dunaway fue elegida por Arthur Penn para Gangster Story (1967), inspirada en la historia de Bonnie y Clyde, donde alternó junto a Warren Beatty y Gene Hackman. Su interpretación de Bonnie le valió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz en un Papel Protagonista.
Después de trabajar junto a Jane Fonda en E venne la notte de Otto Preminger y The Thomas Crown Case con Steve McQueen, de Norman Jewison, a finales de la década de 1960 la actriz aterrizó en Italia, donde tuvo el papel de Julia en la película Lovers (1968) dirigida por Vittorio De Sica. El otro protagonista fue Marcello Mastroianni, como Valerio. Un romance nació entre los dos personajes y pronto la ficción se trasladó al mundo de la realidad y Dunaway y Mastroianni comenzaron una historia de amor que tendría tres años de duración. La actriz más tarde regresó a Hollywood.
El pináculo de su carrera llegaría en la década de 1970 con películas como Chinatown de Roman Polanski (1974), como Evelyn Cross Mulwray, que le valió su segunda nominación al Oscar, y The Crystal Hell (1974), dirigida por John Guillermin, cuyo elenco incluía a Paul Newman, Steve McQueen, William Holden, Fred Astaire, Jennifer Jones y Robert Wagner.
El Oscar a Mejor Actriz llegó con la interpretación de Diana Christensen en la película de Sidney Lumet de 1976 Fifth Power, sobre el abuso de las noticias. Por el mismo papel también ganó el Globo de Oro.
En la década de 1980 Faye Dunaway se dedicó principalmente a la televisión apareciendo en algunos episodios de la serie Lieutenant Colombo y también regresó a trabajar en Italia, interpretando a la reina Isabel de Castilla en el guion Cristoforo Colombo de Alberto Lattuada, en la película de Carlo Vanzina The Match y con Lina Wertm’ller en In a Moonlight Night.
En 2017, Dunaway, a quien Hollywood también dedicó una estrella a lo largo del famoso Paseo de la Fama, participó en la ceremonia de los Oscar, y junto a Warren Beatty se equivocó al mencionar a La La Land como Mejor Película en lugar de la ganador oficial Moonlight.
De hecho, el error no fue de los presentadores, sino de los encargados de entregar los sobres con los nombres de los ganadores. En una entrevista con Variety, Dunaway reveló que se siente un poco culpable. “Yo podría haber hecho algo – admitió –. ¿Cómo no pude ver el nombre de Emma Stone en la tarjeta?
LONDRES.– Este domingo se cumplen 5 años sin el londinense oriundo de Brixton al sur de Londres, David Robert Jones, mejor conocido como DAVID BOWIE, una estrella de rock que pudo ser mucho más que un rockero y algo más que una estrella.
Para sus fans y seguidores fue un shock: pocos sabían que uno de los genios más revolucionarios de la historia del rock había sido un enfermo desesperado durante algún tiempo, pero en ese triste día de 2016 todo el mundo entendió que esa despedida había sido preparada como el último acto de una aventura artística que cambió el mundo. Y, en cierto modo, el shock fue aún mayor, cuando, escuchando las notas de Black Star, un álbum de una profundidad emotiva, uno se encontró frente a la obra maestra de un hombre que decidió contar su fin anulando de la manera más definitiva el límite entre el arte y la vida.
El mundo descubrió con Bowie la idea de que un músico podría ser simultáneamente una figura que, muy adelantado a los tiempos,puso en juego una ambigüedad sexual descarada y al mismo tiempo se mezcló con el Cabaret de Berlín, el teatro kabuki, el Mimo de Lindsay Kemp.
Un artista que no era Bowie probablemente habría pasado toda su vida en los laureles de Ziggy, pero decidió liberarse de ese alter ego tan engorroso para asumir primero la identidad del duque blanco delgado, el Duque Blanco lanzado para conquistar América pero esclavo de la cocaína y luego sumergirse en Berlín a mediados de la década de 1970 para producir la famosa trilogía de Berlín con uno de los muchos giros estilísticos impactantes.
Es impresionante pensar cuántas cosas ha sido David Bowie, la de Let’s Dance y la del rock muy duro y en bancarrota comercialmente de Thin Machine, un crooner con un carisma sin igual, un autor brillante, un icono de estilo, un explorador de sonido, un actor, un artista que en todo lo que se preocupaba poco sobre el mercado pero ganó montañas de dinero gracias a Bowie Bonds gracias a los bonos de Bowie , una operación financiera sin precedentes, un pintor vinculado al expresionismo alemán, un actor con un importante plan de estudios que consiste en películas como El hombre que cayó a la tierra, La última tentación de Cristo, Miriam despierta a medianoche, Furyo, Todo en una noche, Labirinth y que se permitió un cameo en Zoolander y una aparición en El Prestigio de Christopher Nolan.
Un carácter único, iluminado, impulsado por una curiosidad inconclusa y un deseo imparable de conocimiento, como para comunicar ese cambio y el descubrimiento de lo nuevo son un método para poner orden en el caos. David Bowie fue y sigue siendo uno de los artistas más influyentes en la historia de la cultura popular, como lo demuestra la exposición realizada por el Victoria y el Albert Museum de Londres.
BOWIEfue uno de los primeros en entender que el Rock’n’Roll podría ser mucho más que la música que anunció al mundo el nacimiento de los jóvenes como una categoría social, para adivinar que se podría ir más allá de los límites y convenciones, que alrededor de la música se podría construir un verdadero universo de signos. Incluso la muerte se ha transformado en algo más allá de su inevitable verdad. Cuando, frente al último acto, David Duncan Jones y David Bowie volvieron a ser la misma persona.
LOS ÁNGELES.- Hay actores que encarnan una generación, ROBERT DUVALL es uno de ellos, el que escribió en su rostro los años 70 del cine estadounidense, la era de Nuevo Hollywood. Pero su historia es mucho más variada y merece ser releída en su onomástico 90 porque si hay una voz fuera del coro en América ayer y hoy, es la suya.
La calvicie apareció desde una edad temprana en ROBERT DUVALL, imponente por su físico, hoy trae los años como una de las estatuas talladas en el monte Rushmore. Y no por una mera casualidad: su familia tiene sangre francesa (uno de sus antepasados huyó después de la persecución contra los hugonotes), además de alemana y británica. Por parte de su padre, es descendiente directo del general confederado Robert Edward Lee, a quien el propio Duvall llevó a la pantalla en Dioses y generales (Robert Maxwell, 2003).
Robert Selden Duvall nació en San Diego el 5 de enero de 1931, hijo de un almirante y una actriz amateur. Se entrena en la dura escuela militar en casa, así como una estricta observancia religiosa, pero su pasión por el escenario no lo deja en silencio: hizo su debut en el escenario en 1952 en el Gateway Playhouse, en Long Island, donde encontró a su amigo y mentor Ulu Grosbard como director.
Asistió a las clases de actuación de Sanford Meisner en Nueva York, compartiendo una casa con Dustin Hoffman y Gene Hackman: “¿Qué es un amigo? – él dirá más tarde-. Es el que te presta sus últimos 300 dólares si tienes que ir al hospital”.
El nombre de ese amigo es Gene Hackman. En 1953, sin embargo, se alistó en el ejército y a los dos años fue enviado al frente en Corea. De vuelta a casa, Meisner le dio el primer papel importante en el teatro y poco después se estableció en obrass como Bus Stop, The Perfect Crime, A tram called desire, ésta última en la que rivaliza con Marlon Brando.
Experimentó por primera vez la emoción de la cámara en Up There Someone Loves Me (1956) con Paul Newman, pero tendría que esperar seis años para que Hollywood lo ubique como el enfermo mental en The Dark Beyond the Hedge junto a Gregory Peck. Mientras tanto, aparecía como una “estrella invitada” en la televisión: dirá que ésa era su escuela, citando la serie Lonely Dove de finales de los 80 como su interpretación favorita.
En cambio, es el cine que lo convirtió en un personaje memorable a finales de la década de los sesenta cuando su destino cruza a los jóvenes maestros de esa formidable generación: después de The Hunt (1966) de Arthur Penn y Countdown de Robert Altman (1968), apareceCoppola en su debut con I’m Not Coming Home Tonight (1969), George Lucas (The Man Who Escaped from the Future, 1971) al inesperado triunfo de The Godfather (1972), que derivó con la primera de seis nominaciones al Oscar. Ganó en 1984 con Tender Mercies de Bruce Beresford.
Su director-pigmalión ha sido Francis Coppola, quien le da el papel de Tom Hagen, los “concejales” de la familia Corleone en El Padrino junto a Don Vito (Marlon Brando) y su hijo Michael (Al Pacino) en la exitosa secuela de 1974.
El director y el actor volvieron a reunirse en The Conversation y en Apocalypse Now (1979) cuando Duvall usa el uniforme del coronel Kilgore, pronunciando una de las líneas más famosas en la historia del cine: “Me gusta el olor del napalm por la mañana”. Pero hay muchos directores de los años 70 que encuentran en esa “cabeza de piedra” a la co-estrella ideal, como Bob Altman con MASH; Sam Peckinpah en Killer Elite, Sidney Lumet en Quinto poder, Monte Hellman en Soy el más grande.
En el 79 alcanzó popularidad con Il Grande Santini, que lo llevó de vuelta a los finalistas de los Oscar y en 1981 ganó la Copa Volpi en Venecia con La Absolución, de su amigo/maestro Ulu Grosbard.
Paradójicamente, después de estos premios y los Oscar de 1984, ROBERT DUVALL se alejó del éxito, cada vez más elegido por la televisión, se apasionó por una nueva carrera como productor, probó suerte dirigiendo 5 veces, obteniendo un gran éxito (y otra nominación al Oscar) con El Apóstol (1997). Le gusta decir de sí mismo: “No me ven como un protagonista, pero nunca me ha apasionado este juego: nunca he estirado los dientes delante o ese tipo de cosas. No quiero cambiarme de cara para conseguir esto. Incluso cuando hice una película ‘grande’, lo único que me importaba era hacer del personaje un hombre de verdad”.
DUVALL se considera un actor naturalista, en el molde de Spencer Tracy y, mientras admira la lección del Actor’s Studio, nunca lo ha convertido en una obsesión, prefiriendo la soledad libertaria como un viejo vaquero. Sus elecciones políticas lo confirman: siempre fue un republicano (especialmente raro en Hollywood), recompensado por una cierta familiaridad en la Casa Blanca en la época de los Bushes, padre e hijo, e incluso hizo campaña por John McCain y Sarah Palin a pesar de tener vínculos familiares con Barak Obama.
En 2016, después de apoyar a Donald Trump, dejó a los republicanos llamando al partido “un verdadero desastre”. Fiel a su independencia moral, junto con su última esposa, Luciana Pedraza, mucho más joven que él y casado por cuarta ocasión en 2004, se dedica a trabajos sociales para los pobres de Argentina (su país de elección donde se refugia tan pronto como puede) la construcción de escuelas, dispensarios, vivienda social.
“En Buenos Aires – le encanta recordar – hay un pequeño café, La Biela, en el distrito de la Recoleta donde se puede sentarse al atardecer, ver enjambres de personas hasta la noche y disfrutar de su café a las ocho de la mañana. No hay mejor lugar en el mundo.
En este año DUVALL aparecerá en 12 poderosos huérfanos de Ty Roberts, con su amigo Martin Sheen, y en Hustle de Jeremiah Zagar.
A todo esto, ¿habrá otro Oscar o un reconocimiento a DUVALL por 60 de su carrera?
La primera actriz, bailarina y periodista mexicana JOSEFINA ECHÁNOVE falleció este día a la edad de 93 años.
ECHÁNOVE participó en telenovelas como Corazón Salvaje, La Dueña, Rubí, Cuna de Lobos, además de figurar en más de 30 películas.
Fundó el grupo de danza contemporánea de la Universidad de Guanajuato. Echánove nació en New York el 21 de julio de 1927.
Josefina fue madre de la cantante María del Sol, el actor Alonso Echánove y la periodista Peggy Echánove. Trabajó con directores y artistas como Emilio “El Indio” Fernández y Gregory Peck, respectivamente.
En su cuenta de Twitter, María del Sol le dedicó las siguientes palabras: “Hoy, Doña Josefina Echánove … La Reina Madre… Descansa”.
“A todos nuestros amigos de los medios de comunicación, agradecemos sus muestras de cariño, el respeto, espacio para la familia y amigos cercanos en estos momentos tan difíciles. Nos daremos un tiempo para recuperarnos de esta gran pérdida esperando pronto retomar nuestras actividades públicas. Agradeciendo siempre a Dios por sus oraciones y por la vida de la primera actriz Josefina Echánove”.
LOS ÁNGELES.– Gran noticia para los fans. LA FAMILIA INGALLS, una de las series más entrañables de setenta y ochenta, volvería como remake a la televisión.
Según el sitio especializado Entertainment Weekly, Paramount Television se unió a Anonymous Content, la productora que está detrás de series como True Detective, Mr. Robot y The Alienist, para desarrollar un remake de los Ingalls, serie inspirada en las novelas autobiográficas de la escritora estadounidense Laura Ingalls Wilder, quien le dio su nombre a una de las protagonistas, interpretada por Melissa Gilbert.
La serie (Little House on the Prairie, conocida también como La pequeña casa de la pradera o Los Pioneros) se emitió en la NBC hasta 1983. Fueron nueve temporadas. Contaba la historia de Laura Ingalls y su familia tradicional en una granja ubicada cerca de un pequeño pueblo de Minnesota, a fines del siglo XIX.
El elenco también incluía, entre otras figuras, a Michael Landon (fallecido en 1991), Karen Grassle y Melissa Sue Anderson.
Por sus reacciones en redes sociales, queda claro que los seguidores están al tanto de lo que sucede con los artistas que formaron parte de este exitoso programa.
“No tengo ningún deseo de volver a la ciudad, excepto para ver a mi dentista cada seis meses”, contó Melissa, quien pegó un golpe de timón y, a los 56 años, pasa sus días como Laura Ingalls.
Según publicaron medios como USA Today, Gilbert, la popular actriz que encarnó durante casi una década a la hija de Charles y Caroline (Michael Landon y Karen Grassle) en Little House on the Prairie, “sigue los pasos de Laura Ingalls y está viviendo la vida como en la serie, al estilo siglo XIX, todo a causa de la pandemia”.
“Cuando ella y su esposo, el actor y director Timothy Busfield, se mudaron a la ciudad de Nueva York hace unos años, compraron una cabaña en Catskills. Iban a realizar mejoras en algún momento en el futuro, pero la Covid -19 los llevó a hacer ese trabajo antes de lo pensado”.
Así, Melissa armó su huerta, construyó un establo, tiene caballos y cabras.
“Tuvimos que construir y cuidar un gran jardín, construir un sistema de riego para ese jardín, construir la seguridad, crear un sistema de cerco eléctrico para proteger el gallinero de los osos. Nos dedicamos a criar gallinas”, detalló.
“Nunca me divertí más en mi vida. Nos levantamos temprano y estamos absolutamente sucios ya a las 10 A.M.La vida de campo me pone alegre todo el tiempo”, admitió.
Sus vecinos no pueden creerlo: Melissa parece haber hecho una reproducción de la exitosa ficción que transcurría en una granja de Minnesota.
“Miro mis manos y hay ampollas y suciedad por todas partes de tanto usar la pala. Aún así, elijo esta vida de serenidad”, explicó.
La que también encontró una ocupación durante la pandemia fue Karen Grassle, que se ponía en la piel de Caroline Ingalls, una de las mamás más recordadas de la historia televisiva: abrió su canal de YouTube.
Y allí, a los 78 años, lee cuentos infantiles, como Teeny-Tiny, una historia de su libro favorito,Historias que nunca envejecen. Como la de los Ingalls.
NUEVA YORK.- Hace 40 años asesinaban a John Lennon y nacía el mito más grande la música popular contemporánea. La noche del 8 de diciembre de 1980, una serie de disparos efectuados por un fan desequilibrado que lo estaba esperando en la puerta de su vivienda en Nueva York ponían fin de manera prematura a la vida de JOHN LENNON, fundador y líder carismático de The Beatles; y referente indiscutido de una generación que experimentó algunos de los cambios más importantes a nivel social y cultural del siglo XX.
Aunque al momento de su muerte el artista británico ya se erigía como una especie de leyenda viva, tanto por haber conformado junto a Paul McCartney la sociedad compositiva más importante de la música popular contemporánea, como por simbolizar una verdadera revolución cultural; el fatal desenlace lo convirtió en el mito más grande del espectáculo moderno.
Ocurre que el icónico músico no solo conmovió a millones de jóvenes en todo el mundo con las nuevas estéticas propuestas desde el famoso cuarteto, sino que además representó una era en la que la juventud alzó su voz contra un conservador orden establecido por el mundo adulto a nivel político y socio-cultural.
En tal sentido, la música de Lennon expandió a límites insospechados a la música pop, pero además expresó los sentimientos de una generación nacida en la posguerra, que buscaba un cambio de época a través de una libertad que confrontaba viejos prejuicios.
Nacido el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, en medio de uno de los recurrentes bombardeos de la Alemania nazi a su preciado puerto, Lennon fue producto de su tiempo y de su propia historia familiar, marcada por el abandono de sus padres y las exigencias de su tía, encargada de su educación, para que diera respuesta a los mandatos sociales de la época.
John transcurrió su infancia tironeado internamente por la herencia del espíritu libre heredado de su padre Alfred, un marino amigo de la diversión; y del desparpajo de su joven madre Julia, quien delegó su crianza para poder rehacer su vida; y las severas reglas fijadas por su adorada tía Mimi.
En una ciudad y un contexto en el que solo el fútbol y el humor aparecían como alternativas para los jóvenes de eludir un inexorable destino familiar, Lennon encontró en el arte su válvula de escape; primero a través del dibujo y las historietas, y luego en el rock and roll y la rebeldía que encarnaban Elvis Presley y James Dean, respectivamente.
El sueño de replicar el furor de Elvis en su tierra natal tomó forma cuando conoció a Paul McCartney, un joven con asombrosa destreza para la música, y lo incluyó en el aficionado grupo que había formado con compañeros de su colegio. Tras varios años embrionarios –marcados a nivel personal por los severos reproches de su tía para que encauzara su vida y por la trágica muerte de su madre, de la que fue testigo-, la banda, a la que había bautizado como The Beatles y que completaban George Harrison y Ringo Starr, estaba lista para conquistar al mundo.
Sin embargo, así como en su vida personal se debatía entre las exigencias de Mimi y su espíritu rebelde, Lennon mostró signos de disconformidad hacia los mandatos que el mundo del entretenimiento concentraba en el grupo, que hacia la primera mitad de la década del `60 ya era un fenómeno mundial.
En medio de la efervescencia juvenil y el desparpajo que suponía la irrupción del nuevo orden que simbolizaba The Beatles, John se animaba a plantear reparos, a través de algunas canciones como Help! o I´m a loser; y de algunas actitudes y declaraciones provocativas que podían tener como blanco a “indiscutibles” como la Reina de Inglaterra o el propio Jesucristo.
El verdadero Lennon iría mostrando sus cartas con el correr de los años, a nivel musical con exploraciones psicodélicas, producto de su amor por el surrealismo y el consumo de drogas lisérgicas; y en el plano social, con posturas radicales que dejaban de lado los esfuerzos por agradar al público más conservador.
La segunda mitad de los `60, cuando los jóvenes que lo habían tomado como un ícono comenzaron a impulsar cambios profundos en la sociedad, la llegada a su vida de Yoko Ono, su gran amor, abrirían las puertas para que el artista encontrara su rumbo definitivo.
La vanguardista artista japonesa fue la gran responsable de la deconstrucción del músico, quien no solo se animaría a experimentaciones sonoras que lo alejarían poco a poco de sus compañeros de grupo, sino que también radicalizarían su discurso político.
El despojo final de los mandatos tradicionales estaría dado por el viraje de Lennon hacia el feminismo. Su romance con Yoko suponía la ruptura de su primer matrimonio con Cynthia Powell, la abnegada novia de la adolescencia con la que se había casado cuando supo que esperaban un hijo y a quien mantuvo relegada en todo sentido.
El joven que había escrito canciones como Run For Life, en la que le decía a su chica que “prefería verla muerta en vez de con otro hombre” y de la cual abjuraría más adelante; transitó un proceso que lo llevó en 1972 a componer Woman Is The Nigger Of The World o a lamentar poco antes de su muerte no haber incluido a Yoko como coautora de Imagine, su tema más emblemático, por presiones sociales y de la industria.
Más allá del camino recorrido, la honestidad brutal en su música fue la gran constante en la trayectoria de Lennon, lo que se reflejó en discos como Plastic Ono Band, de 1970, su primer trabajo “post-Beatles”; o en Sometime in New York City, de 1972, su álbum más politizado.
La citada deconstrucción de Lennon tuvo su punto culminante cuando en 1975 abandonó la actividad para dedicarse de lleno a la familia que conformaba con Yoko y Sean, el hijo de ambos; luego de años marcado por excesos y enfrentamientos con el gobierno estadounidense de Richard Nixon, país en donde se había radicado.
Su efímero regreso en 1980 con Double Fantasy mostró a un artista con líricas y una estética sonora lejos del riesgo y la vanguardia encarada años atrás; más orientado a sus antiguos seguidores que a seguir ofreciéndose como emblema de cambios sociales.
Sin embargo, Lennon ya era una leyenda y solo restaba el accionar criminal de un lunático a quien su arte había fascinado para que naciera el mito más grande de la música popular contemporánea.
