LONDRES.-El funeral del príncipe Felipe se celebrará el sábado 17 de abril en el castillo de Windsor. El Palacio de Buckingham lo anunció. El Príncipe Harry asistirá al funeral de su abuelo, pero su esposa Meghan no estará con él.
En el castillo de Windsor frente al ataúd del príncipe Felipe, la esposa de la reina Isabel que murió este jueves a los 99 años.
Entre los primeros en conocer a su madre y presentar sus últimos respetos al cuerpo de su padre estaba el príncipe Eduardo, el cuarto hijo de la pareja real, acompañado de su esposa Sophia, condesa de Wessex. Mientras que más tarde también se señaló al tercer hijo Andrea, duque de York, que había sido excluido de los papeles oficiales de la Familia Real durante varios meses tras su presunta participación en el escándalo Epstein en Estados Unidos. Todo el mundo entró y salió en silencio, excepto por una broma despreciable de la esposa de Edward que – presionada por los periodistas sobre cómo encontró a Elizabeth ante la pérdida de Felipe después de 73 años de matrimonio y vida compartida – sólo respondió: “La Reina fue increíble”.
Un golpe muy duro para la Reina Isabel II, después de más de 7 décadas de vida juntos y dos semanas después de cumplir 95 años.
Un golpe que, sin embargo, no parece destinado a preludiar escenarios de abdicación, al menos no a corto plazo, en la convicción casi unánime de expertos, comentaristas e historiadores de los hechos reales británicos, convencidos de que el respeto a la tradición y el sentido del deber hacia la institución monárquica aún puede prevalecer en la hija de Jorge VI sobre el dolor o la reacción emocional del momento.
Casados desde 1947, el soberano y el duque de Edimburgo compartieron 73 años de matrimonio y 69 años de reinado, que comenzaron con la prematura muerte del padre de la soberana en 1952.
“Les puedo asegurar que la reina no abdicará”, es la opinión del historiador Hugo Vickers. “Hay indicios de que se encuentra en excelente estado de salud, y con un poco de suerte podrá seguir siendo nuestra soberana mientras sea posible”, añadió.
Una resistencia física que la ayuda a poder seguir considerando su papel de monarca como una misión existencial.
“Para la reina, ser reina es un trabajo de por vida. No hay espacio en su forma de pensar para la opción de renunciar o dar un paso atrás”, insiste Vickers.
EL MENSAJE DEL PAPA
“Su Santidad el Papa Francisco extiende sus más profundas condolencias a Su Majestad y a los miembros de la Familia Real, recordando la devoción del príncipe Felipe a su matrimonio y familia y su compromiso público con la educación y el progreso de las nuevas generaciones”.
Esto es lo que se lee en el telegrama enviado, en nombre del Papa Francisco, por el Secretario de Estado, Card. Peter Parolin, a la reina Isabel II. El Papa “invoca las bendiciones del Señor de consuelo y paz”.
El primer testimonio ante la nación se confía a las palabras del eterno heredero al trono Carlos, que ahora tiene 72 años, el único que ha visitado Felipe durante su última hospitalización. Un acto interpretado por muchos como un signo visible de superación de los supuestos malentendidos pasados y las muy ciertas diferencias de sensibilidad entre padre y primogénito. Del duque de Edimburgo, Carlos ensalza ahora “la increíble energía que ha puesto en apoyar a su madre, y tanto tiempo”. Pero también su espíritu libre, el probable deseo de ser “recordado como un individuo en su nombre”.
Un individuo con una “franqueza” memorable, señala, recordando cómo Felipe “no podía sufrir” a las personas inclinadas a “elegir las palabras cuidadosamente”; y atribuyendo esta nota de carácter al legado de su madre, la inconformista princesa griega Alicia de Battenberg, ahora enterrada en un cementerio ortodoxo de Jerusalén y reconocida en Israel como justo entre las Naciones por dar refugio a varios judíos durante la ocupación nazi de Atenas. La memoria de Felipe como una “roca en la vida de la Reina” y de la nación también es resaltada por el cuarto hijo Eduardo, con el cuidado de enfatizar el cuidado de su padre para ser consejero y si es necesario “guía” de su esposa, pero siempre evitando “siempre ensombrecer” su papel de reina con “increíble tacto y diplomacia”.
Mientras que su segunda hija Anna, tal vez la hija más cercana de su padre, recuerda el sacrificio de su renuncia a su carrera en la Marina después de la guerra. Y Andrea, el tercer nacido de la pareja real, vuelve a su sentido del deber: frente a su esposa, la monarquía, las fuerzas armadas, pero también y en primer lugar “la familia”.
“Felipe fue mi fuerza”, recuerdalas palabras de la Reina, una cita de hace 24 años para testificar de la conmovedora gratitud de la reina Isabel al príncipe Felipe. Es la decisión tomada por la corte británica, a través del perfil de Twitter del Palacio de Buckingham, la que vuelve a proponer el homenaje personal y público al duque de Edimburgo de un discurso pronunciado por Su Majestad en 1997 para las celebraciones del Jubileo de Diamante en el trono: una cita ya emitida ayer sin parar en la televisión del Reino y tomada esta mañana por muchos periódicos, sin que muchos periódicos dedicaran aperturas de página completa a la noticia de la muerte de Felipe.
“Él – dijo la soberana en esa ocasión también dirigiéndose a su marido- fue simplemente mi fuerza y apoyo a lo largo de estos años y yo, toda su familia, este país y muchos otros le debemos una deuda mayor de la que puede reclamar o incluso lo que nunca sabremos”.
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La cita está ilustrada por un retrato histórico de la pareja real firmado hace años por la legendaria fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz.
LOS ÁNGELES.- Retratos de dos leyendas de la música, Billie Holiday y Ma Rainey, una venganza contra el abuso masculino, una madre luchando con el luto más difícil de tratar, y un nómada moderno, son los personajes encarnados por las cinco actrices que este año se disputarán el Oscar a Mejor Actriz. Ellas son: ANDRA DAY (Billie Holiday), VIOLA DAVIS (Ma Rainey’s Black Bottom), CAREY MULLIGAN (A Promising Woman), VANESSA KIRBY (Pieces of a Woman) y FRANCIS MCDORMAND (Nomadland).
VIOLA DAVIS
Una carrera que por el momento parece sin una favorita definida, no obstante que Viola Davis es también la nueva ganadora del Premio Sag otorgado por la Unión de Actores, a menudo indicativo para los Oscar.
Después de hacer historia en los Premios de la Academia, como la actriz negra que recibió más nominaciones (cuatro), VIOLA DAVIS, ya ganadora en 2017 de la estatuilla a la Mejor Actriz de Reparto por Barriere, podría convertirse en la segunda actriz afroamericana después de Halle Berry en 2002 (como Andra Day) en ganar el Óscar a la Mejor Actriz en un papel principal con Black Bottom de Ma Rainey de Charles C. Wolfe, con ChadWick Boseman (para él nominado póstumamente para un papel principal). Una película, que al igual que Barriere está basada en un drama de August Wilson y es coproducida por Denzel Washington.
CAREY MULLIGAN
De vuelta a la carrera por los Oscar, 11 años después de la nominación a An education, la londinense CAREY MULLIGAN, nacida en 1985, da la cara al camaleón vengativo de la película de reveng/comedia negra A promising woman de la directora debut Emerald Fennell, coproducida por Margot Robbie. El personaje principal es Cassie, de treinta años de edad, que lleva a a hombres dispuestos a aprovecharse de borrachos, confundidos o que parecen indefensos. Si “entiendes por qué Cassie está de luto también entiendes por qué hace lo que hace – explicó Carey Mulligan – . La historia resulta ser cierta. Más allá del género y el tono, de divertido a aterrador, sientes que estamos hablando de trauma y vidas reales”.
ANDRA DAY
En 1973, Diana Ross recibió una nominación al Óscar por su ensayo como Billie Holiday en The Lady of the Blues. 48 años después es ANDRA DAY de 36 años, cantautora e intérprete, aquí en su debut cinematográfico como protagonista para conseguir su primera nominación, gracias a un ensayo casi simbiótico, para Estados Unidos vs Billie Holiday de Lee Daniels.
La película cuenta la historia principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks a su pasado), cuando el FBI la convierte en el blanco de una vigilancia constante que bordea la persecución, por su compromiso con una sociedad racista. “Me sorprendió su fuerza, su capacidad para luchar sola, su resiliencia, su poder interno – explicó Andra Day-. Realmente la considero la madrina de la lucha por los líderes de los derechos civiles”.
VANESSA KIRBY
Después de ganar audiencia internacional gracias a su interpretación de la joven princesa Margarita en The Crown, la británica VANESSA KIRBY, nacida en 1988, debutó entre los nominados al Oscar, como una madre que luchaba con un luto devastador, la de la muerte de su hija recién nacida, en Pieces of a woman de Kornel Mundruczo, con Martin Scorsese como coproductor ejecutivo. “Estaba buscando algo que me asustara, un reto -explicó la actriz-. No soy madre y me encontré en este papel casi animal que representaba el dolor de muchas mujeres”. La noticia de la nominación al Oscar le llegó en el set de Misión Imposible 8, mientras estaba maquillada: “Hice un fuerte suspiro – le dijo a Los Angeles Times– que la maquilladora pensó que alguien había muerto”.
FRANCES MCDORMAND
La reina del set más anti-diva de Hollywood, FRANCES MCDORMAND, ya ganadora de dos Oscar, en 1997 por Fargo y en 2018 por Three Posters in Ebbing, Missouri, regresa a la carrera, tanto como actriz principal como co-presentadora de Nomadland de Chloé Zhao, León de Oro en Venecia 2020 y llegando a Star (Disney+) a partir del 30 de abril.
En la película Frances McDormand como Fern, decide vivir como un trabajador’, esos trabajadores mayores, víctimas de la crisis económica que se mueven por las calles de los Estados Unidos como nuevos nómadas en busca de empleos estacionales. “Hacer ese tipo de vida, moverse constantemente por los grandes espacios -explicó la actriz- pagando gastos con trabajo ocasional son decisiones difíciles, pero tienen mucho que ver con el sueño americano que no es sólo el sueño del éxito económico”.
Se publicó por primera vez en 1990 y es ya en un clásico docto y provocador. SEXUAL PERSONAE (Paidós), de CAMILLE PAGLIA, es la tesis que analiza desde una mirada distinta la cultura occidental y la tradición judeocristiana para reconstruir nuestra cultura desde que los egipcios inventaron la noción de la belleza y así proporcionar una visión perturbadora que clarifica los conflictos culturales, políticos y sociales de nuestro presente.
En este libro se conjugan la sexualidad y el erotismo, la naturaleza y la cultura; inevitablemente se encontrarán conflictos en estas relaciones a partir de su complejidad. A través de los poemas de Byron, el Renacimiento, Shakespeare, la pintura oriental, la crueldad del Marqués de Sade, la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, hasta videos de Madonna y el carisma sexual de Elvis Presley, Paglia demuestra lo intrincado que resulta “reajustar” a la sociedad y establecer reglas e igualdad.
HA DICHO:
“No es la sociedad la culpable de los crímenes y delitos, sino que, muy al contrario, es la encargada de refrenarlos. Cuando disminuye el control social, brota la crueldad innata del hombre. El violador no es el resultado de las malas influencias de la sociedad sobre él, sino de que algo ha fallado en su preparación social. En su empeño por separar el sexo de las relaciones de poder, el feminismo va en contra de la naturaleza. El sexo es poder. La identidad es poder.”
El libro fundacional del nuevo feminismo más provocador es una guerra de guerrillas cargada de erudición contra los lugares comunes más complacientes sobre el sexo y su lugar en la cultura, y también una celebración de su poder oscuro.
Paglia, irreverente y divertida, incita a la polémica con sus cuestionamientos, desconfía de los movimientos sociales modernos y enjuicia el empoderamiento como se concibe actualmente. Con una mezcla de crítica de arte, talento narrativo, incursiones históricas, sociales y una amplitud de miras que supera a la de cualquier ideología, reedifica nuestra civilización con una osadía sin precedentes.
DE LA AUTORA:
CAMILLE PAGLIA (Endicott, Nueva York, 1947) es profesora de humanidades y comunicación en la Universidad de las Artes de Filadelfia. Feminista conocida por sus puntos de vista poco ortodoxos sobre la sexualidad, el desarrollo de la cultura y el arte en la civilización occidental. Es autora de, entre otros libros, Sexo, arte y cultura en los Estados Unidos (1995), Vamps & Tramps (2001), Los pájaros (Gedisa, 2006) y Feminismo pasado y presente (Turner, 2018).
NUEVA YORK.- La artritis no le permite sostener la guitarra, por lo que toca en el escenario apoyándose en el piano eléctrico. Pero incluso la voz, que David Bowie describió como “arena y pegamento”, ya no es lo que solía ser, tanto que en el último álbum Rough and Rowdy Ways, más que cantar BOB DYLAN declara los versos de sus canciones más recientes.
Se acerca el onomástico 80 de BOB DYLAN -24 de mayo-, pero la edad no detiene al genio. “Se niega a permitir que su carrera sea embalsamada”, escribió Paul Morley en uno de los nuevos libros a punto de ser lanzado antes del aniversario.
El legado de DYLAN es enorme y difícil de cuantificar: sólo la semana pasada el Premio Nobel de Literatura acudió a un juez para cerrar una demanda de 7,5 millones de dólares reclamada por la viuda de su colaborador Jacques Levy por el acuerdo de 300 millones de dólares que recaudó en diciembre con la venta del catálogo musical a Universal Music.
Mientras tanto, las festividades se están preparando: Patti Smith, que fue a Estocolmo en 2016 para recoger el Premio Nobel en su nombre- celebrará a Dylan el 22 de mayo en el Festival de Primavera en el Parque Cultural Kaatsbaan, en el estado de Nueva York. Fiesta habrá también en Duluth, donde Dylan nació hace 80 años, mientras estaba en la cercana Hibbing, donde la familia se mudó después de que su padre Abram Zimmermann perdiera su trabajo, y se planea un monumento en el patio de la escuela secundaria donde Bob (Zimmy) se diplomo’ en 1959.
También en el centro de las celebraciones está la publicación de tres nuevos libros y un re-lanzamiento: You Lose Yourself You Reaparece de Morley en la librería en abril, es una “respuesta personal” a un personaje enigmático y transformador, mientras que la biógrafa Clinton Heylin volverá a examinar los años formativos en La doble vida de Bob Dylan.
Sean Latham, profesor de la Universidad de Tulsa y director del Instituto de Estudios Bob Dylan, creado mediante la compra de más de cien mil recuerdos de Dylann directamente del artista, The World of Bob Dylan se estrenará el 30 de abril con una antología de nuevos ensayos académicos, mientras que Bob Dylan: No Direction Home de 1986, del periodista y amigo de New York Times Robert Shelton, será actualizado y reeditado.
Esquivo como siempre y atrapado en la casa de Point Dume en Malibú desde que el Covid-19 le impidió ir a Japón hace un año para una nueva etapa de la “gira interminable”, es poco probable que los celebrados marchen el aniversario en público. Pero Dylan ha acostumbrado a los fans a esperar lo inesperado: como cuando en 1965 “sonaba eléctrico” en Newport o, más recientemente, comenzó a hacer whisky Heaven’s Door. O cuando todavía prestaba canciones icónicas a comerciales de Apple, Cadillac, Pepsi, Budweiser, Ibm y la cadena de lencería Victoria’s Secrets. Este último, rodado en 2004 en la Plaza de San Marcos de Venecia, contiene la única aparición del cantante en una publicidad: Dylan “bendecido”, en el fondo del Gran Canal, con la supermodelo-ángel Adriana Lima, tocando la canción Love Sick del álbum de 1997 Time out of mind.
LONDRES.-La realidad ha superado durante mucho tiempo la fantasía cuando se trata de la realeza inglesa. La imaginación de un escritor o showrunner de televisión se queda atrás de lo que realmente sucede: ¿cuál de ellos se habría atrevido a escribir una escena en la que el sobrino de la Reina y su esposa estadounidense escupieron a la Familia Real en la televisión diciéndoles racistas?
Esto también explica, con esta fascinación por la realeza, el número de producciones en curso, existe una demanda real del mercado.
Comienza con THE CROWN, la serie estrella de Netflix. Al principio incluso parecía excesivo todo ese cotilleo a la hora del té entre Su Alteza Real y la infeliz hermana Margaret y esa amargura de la princesa Ana, mientras que Diana Spencer llegaba a la corte.
Después de la entrevista de Harry y Meghan con Oprah Winfrey esas escenas de la cuarta temporada de la galardonada serie de Peter Morgan parecían decididamente probables y explicar muy bien por qué la Familia Real Británica con la producción de la serie original tiene una relación decididamente conflictiva.
Mientras tanto, hay emoción por la película de Pablo Larrain: SPENCER, que recrea la noticia real de diciembre de 1991: el matrimonio del Príncipe y la Princesa de Gales.
Es la trama de esta producción para el próximo otoño o principios de 2022. Timothy Spall, Sally Hawkins y Sean Harris también protagonizan. El rodaje, que comenzó en Alemania, se trasladó a Gran Bretaña y las fotos, con el cuentagotas, que provienen de la producción se refieren a una protagonista Kristen Stewart perfectamente caída en el papel y transformada estéticamente.
Ella es una triste princesa Lady Diana decidida a romper con Charles (la estrella de Poldark Jack Farthing) y ser ella misma. “La clave es cómo descubre a lo largo de la historia que lo que realmente necesita es ser quien quiere ser”, dijo Larraín. “Y con eso, no significa que necesite estar al lado de nadie, para ser parte de algo, sino para ella y sus propios hijos. Diana era muchas cosas, pero sobre todo, era una gran madre.”
El vínculo con los niños está fuera de discusión y el personaje emprendedor (la ruptura con la Familia Real, la famosa entrevista de la BBC del 95 con 15 millones de británicos que vieron la televisión mientras acusaba al infiel Charles con la frase histórica: “el nuestro era un matrimonio abarrotado’, parece un gen transmitido a Harry.
Los famosos zapatos puestos en las calles por ellos mismos sólo alimentan la televisión y el cine: el último proyecto en orden de tiempo Harry & Meghan: Escapando del Palacio, una película de televisión producida en Italia Italia con el uso del archivo Rai Documentari. Se tratará de una serie documental centrada en la realeza inglesa.
Con motivo del lanzamiento de la edición del 10º aniversario de InnerSpeaker a través de Island Records Australia, TAME IMPALA aka Kevin Parker revelaInnerSpeaker Memories. El cortometraje capturado en los días felices por Matt Sav y editado por Alex Haygarth presenta imágenes nunca antes vistas de la grabación de InnerSpeaker en el idílico Wave House Studio en Australia Occidental.
Para el 10º aniversario de su lanzamiento, TAME IMPALA presenta una reedición de lujo en 4LP del álbum debut InnerSpeaker. Grabado en 2009 en Australia Occidental, InnerSpeaker fue la primera prueba de larga duración de Parker y una invitación explosiva a lo que se convertiría en su inimitable mundo de tintes psicológicos.
Esta edición de lujo ampliada del álbum incluye los singles Solitude Is Bliss, Lucidity, Expectation entre la lista de canciones del álbum original, además de: – Un collage de bocetos del álbum – Una jam desenterrada y de larga duración – Nuevas mezclas de temas del álbum original – Instrumental – Un folleto de lujo de 40 páginas
Además, la tienda web de Tame Impala se ha actualizado con una nueva gama InnerSpeaker, que incluye nuevos diseños de camisetas, una manta de lujo y un cojín.
Acerca de Tame Impala
Parker ha surgido como una de las voces más influyentes de la última década. The Slow Rush, el multipremiado cuarto álbum de estudio de Tame Impala, se publicó a través de Interscope en 2020. El álbum aterrizó en el número 1 de álbumes en múltiples territorios y fue su álbum más alto en las listas de éxitos hasta la fecha, tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, con 14 posiciones en el top 10 de las listas de éxitos en todo el mundo.
El álbum sirve como una profunda reflexión sobre el paso del tiempo. “The Slow Rush es un opus extraordinariamente detallado”, dijo Pitchfork. “Tengo que maravillarme de que todo este sonido e historia provenga de Parker solo, pulsando cada cuerda y girando cada mando”. The Slow Rush ha acumulado más de mil millones de streams, y sigue creciendo.
Además de su éxito en las listas, recientemente ha ganado un montón de premios ARIA, llevándose a casa el Álbum del Año, el Mejor Grupo, el Mejor Álbum de Rock, el Ingeniero del Año y el Productor del Año. Parker fue nominado a dos premios GRAMMY en 2021 como Mejor Álbum Alternativo y Mejor Canción de Rock por el single Lost In Yesterday. Esto marca la tercera nominación en la categoría Alternativa para Parker, habiendo sido nominado previamente por Currents y Lonerism. The Slow Rush también fue nominado a dos Billboard Music Awards y a un American Music Award (AMA).
Gracias a la demanda de los fans de una actuación trascendental en directo, Tame Impala ha sido cabeza de cartel en festivales y teatros de todo el mundo y ha publicado cuatro álbumes de larga duración: InnerSpeaker, Lonerism, Currents, con certificación de platino de la RIAA, y The Slow Rush. Como escritor y productor, Parker ha colaborado con The Weeknd, Travis Scott, SZA, Lady Gaga, Mark Ronson, Kanye West, Kali Uchis, Theophilus London, Miguel y A$AP Rocky, entre otros.
Tras las actuaciones de Tame Impala Sound System recibidas con entusiasmo en Perth a principios de este mes, la gira reprogramada de Tame Impala comenzará en 2021 en el Spark Arena de Auckland el sábado 5 de diciembre y continuará por Brisbane, Sydney, Melbourne, Adelaida y Perth.
TAME IMPALA | FECHAS DE LA GIRA 2021
Presentado por triple j, Laneway Presents, Frontier Touring y Chugg Entertainment
Domingo 5 de diciembre – Spark Arena, Auckland NZ Martes 7 de diciembre – Qudos Bank Arena, Sydney NSW Jueves 9 de diciembre – Brisbane Entertainment Centre, Brisbane QLD Domingo 12 de diciembre – Rod Laver Arena, Melbourne VIC Lunes 13 de diciembre – Rod Laver Arena, Melbourne VIC Miércoles 15 de diciembre – Adelaide Entertainment Centre, Adelaida SA Sábado 18 de diciembre – RAC Arena, Perth WA
A&E estrena esta noche a las 22:50 horas, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE, una producción original sobre el legendario músico, ícono del heavy metal, que narra la extraordinaria vida y carrera de esta leyenda de la música.
Bajo el sello de Biography -la franquicia ganadora del Emmy que destaca a las personalidades y eventos de interés periodístico con puntos de vista reveladores y contundentes, fuente concreta y definida de algunas de las narraciones de no ficción más exitosas de nuestro tiempo sobre historias reales-, este especial de A&E de dos horas, sin filtros y contado en primera persona, celebra a una de las estrellas más importantes del rock a través de entrevistas exclusivas y material de archivo que profundizan en las etapas de la vida de Osbourne y la increíble carrera de este ícono de la música.
Durante más de cinco décadas, OZZY OSBOURNE, conocido como el ‘padrino’ del heavy metal y apodado El Príncipe de las Tinieblas (The Prince of Darkness), ha personificado la rebelión del rock and roll. Con entrevistas exclusivas con Ozzy mientras reflexiona sobre las muchas fases de su vida, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE traza la historia del músico a lo largo de distintas etapas: desde su infancia en la pobreza en Birmingham, Reino Unido hasta su tiempo en prisión; su vínculo temprano con la música y cómo Los Beatles le “cambiaron la vida”; su nombre como vocalista y líder del grupo de metal Black Sabbath, uno de los períodos más duros de su vida luego de la separación de su primera mujer, la muerte de su padre y la expulsión de la banda; su exitosa carrera como solista en la que fue ganador de un Grammy; sus graves problemas con las drogas y el alcohol, hasta erigirse como uno de los estadistas más veteranos del rock y un adorable padre de la televisión en el siglo XXI.
Como un gato, con nueve vidas, siempre aterrizando de pie e impulsándose hacia un mayor éxito, y casi muriendo varias veces en el camino, esta BIOGRAPHY de dos horas explora cómo Ozzy se ha reinventado continuamente a sí mismo y a su carrera para impulsarse hacia un mayor éxito a través de nueve etapas -vidas- categorizadas en el especial: Pobreza y prisión, El Nacimiento del Heavy metal, Drogas, muerte & divorcio, Diario de un loco, Matrimonio y Caos, El Pecado Definitivo, No más giras, Papá lo sabe todo y Retiro.
“La razón por la que hago lo que hago es porque es lo que todos quieren hacer, pero no tienen las agallas para hacerlo. Y todo lo que soy es ser honesto”, se sincera Ozzy.
En este especial, Ozzy, de 70 años, reflexiona sobre los detalles íntimos de sus éxitos, fracasos y su capacidad única de supervivencia y perseverancia, incluidas entrevistas nunca antes vistas sobre su diagnóstico reciente de Parkinson. “¿Saben el momento en que me retiraré? Cuando pueda escucharlos poniendo los clavos en mi ataúd. Y aun sí, luego haré un maldito bis. Porque soy el Príncipe de las Tinieblas”, sentenció Ozzy en una de sus más recientes entrevistas.
Acompañado por material de archivo y animaciones que apoyan el relato, LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE, incluye además entrevistas con Sharon – la mujer y representante de Ozzy y celebridad de la tv-, sus hijos Aimee, Kelly y Jack Osbourne, los otros miembros de Black Sabath, el guitarrista Toni Ionni, el bajista Geezer Buttler y el baterista Bill Ward; así como con amigos y compañeros músicos como el productor Rick Rubin, Ice-T, Rob Zombie, Jonathan Davis, Post Malone y más.
“Es el loco más irresistible que jamás hayas conocido en tu vida. Él es el verdadero Iron Man”, describe su hija Kelly en el especial estreno de A&E. “Dejó una de las bandas de rock más grandes del mundo y se hizo más grande, un artista creíble por su cuenta, encontró un gran talento nuevo y luego lo hizo enorme en la televisión. Nadie había hecho eso”, revela Sharon. Y agrega: “Ozzy siempre ha sido un hombre del pueblo, lo que para mí es…es solo una de las cosas que amo de él”.
El estreno de esta producción original en América Latina está acompañado del lanzamiento en Spotify de una lista de reproducción especial en la cuenta de A&E con todas las canciones que son parte de esta biografía, una playlist de 13 temas -con Black Sabbath así como también de él como solista- integrada por: No Bone movies, Revelation, Crazy Train, Goodbye to romance, Over the mountain, Diary of a Madman, Paranoid, Hand of Doom, N.I.B., Children of the Grave, Changes, Iron Man y Black Sabbath.
“Una vez más, ha sido un absoluto placer trabajar con el equipo de A&E“, dijo el productor ejecutivo del especial e hijo de Ozzy, Jack Osbourne. “Este documental llevará a los espectadores a un viaje increíblemente honesto y emocional en la vida de mi padre que siento que conectará con personas de tantas formas. No solo hablo por mí, sino también por toda la familia Osbourne cuando digo lo emocionados y honrados que estamos de este documental”.
LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE es una producción de Osbourne Media y Critical Content para A&E Network. El documental está producido y dirigido por R. Greg Johnston. Los productores ejecutivos de Osbourne Media son Sharon Osbourne, Ozzy Osbourne, Jack Osbourne y Peter Glowski. La productora ejecutiva de contenido crítico es Jenny Daly. LB Horschler es coproductor ejecutivo. Los productores ejecutivos de A&E Network son Elaine Frontain Bryant y Brad Abramson. A+E Networks posee los derechos de distribución mundial de LAS NUEVE VIDAS DE OZZY OSBOURNE.
Ozzy Osbourne: el ‘padrino’ del heavy metal
Nacido en Aston, Birmingham en 1948, el músico y compositor británico Ozzy Osbourne encabezó la banda de heavy metal Black Sabbath antes de embarcarse en una exitosa carrera en solitario. Más tarde se convirtió en una estrella de reality con ‘The Osbournes‘.
¿Quién es Ozzy Osbourne?
Ozzy Osbourne saltó a la fama en la década de 1970 como el líder de la banda de heavy metal Black Sabbath, con canciones tan icónicas como “War Pigs”, “Iron Man” y “Paranoid”. Se embarcó en una exitosa carrera en solitario en 1979, ganando atención por sus escandalosos actos públicos y provocando la ira de grupos conservadores. Más tarde, Osbourne obtuvo una nueva legión de fanáticos al protagonizar con su familia el improbable reality show ‘The Osbournes’.
Vida temprana y carrera
John Michael Osbourne nació en una familia de clase trabajadora en Birmingham, Inglaterra, el 3 de diciembre de 1948. El cuarto de seis hijos – con tres hermanas mayores Jean, Iris y Gillian y tres hermanos más chicos Paul y Tony -su madre Lilian, trabajaba por días en una fábrica y su padre John Thomas era un fabricante de herramientas que “nunca faltaría un día al trabajo”, cuenta Ozzy.
“El dormitorio que tenía en ese entonces no era más grande que dos camas individuales una al lado de la otra. No había inodoro interior, era un balde para orinar al final de la cama. No tenías papel higiénico, tenías periódico. No tenías agua y jabón, lo cual fue un gran estigma para mí. Tuve mucha vergüenza cuando era niño porque siempre me sentí sucio. Siempre me sentí impuro”, relata la estrella.
Adquirió el apodo de Ozzy mientras estaba en la escuela primaria, donde luchó contra su dislexia. “Fue mucha vergüenza para mí, porque si tenías esa discapacidad de aprendizaje, te ponían en la esquina con un cono en la cabeza y te llamaban el tonto de la clase y toda la clase se reía de ti, lo que me hizo ver más adentro de mí”, cuenta Ozzy.
Estos y otros desafíos llevaron a Osbourne a dejar la escuela a los 16 años, momento en el que trabajó en una serie de empleos de baja categoría, incluida una temporada en un matadero. “No quería trabajar en un trabajo diurno, no podía soportar levantarme para trabajar por la mañana. Pasaba de plomero a constructor”, explica Osbourne.
“Una vez en el matadero le dije a este tipo: ‘¿Cuánto tiempo llevas haciendo esto?’ Él dice, ‘35 años. Y me retiro y me van a dar un reloj de oro’- Recuerdo que me volví hacia él y le dije: ‘Si quiero un reloj de oro, será mejor que vaya y arroje un ladrillo por la ventana de un joyero’. Tuve que al menos intentar divertirme un poco con mi vida cuando era joven”, justifica Ozzy. Pronto pasó a actividades más ilícitas al cometer una serie de delitos menores, que culminaron con una breve sentencia de seis semanas en prisión por robo.
Sin embargo, a lo largo de este turbulento período de su vida, Osbourne cultivó un profundo amor por la música y, después de salir de prisión, comenzó a explorar su potencial como vocalista. “La música era como una parte muy integral de la familia. Siempre había música con el tocadiscos, en la radio, el piano. Cuando tenía 14 años, descubrí la música a través de los Beatles. Cambió mi vida. Me dio la semilla para querer hacerlo yo mismo”, asegura Ozzy.
En 1968 se asoció con el bajista Terence “Geezer” Butler, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward para formar la banda de rock Polka Tulk Blues, que pronto rebautizaron como Earth. Si bien Earth ganó algo de notoriedad local, no fue hasta que el grupo comenzó a experimentar con el sonido intenso y amplificado -que luego caracterizaría al género del heavy metal- que llamó la atención de los productores de discos. Dado que el apodo de la banda ya estaba en uso por otro grupo, adoptaron el nombre de Black Sabbath, una referencia a la película clásica de Boris Karloff.
El estrellato de Black Sabbath
Lanzado por Vertigo Records en 1970, el álbum debut homónimo de Black Sabbath fue enjuiciado en gran medida por los críticos, pero se vendió bien en Inglaterra y en el extranjero. “Despegamos tan rápido. Nos subíamos a la furgoneta, subíamos al ferry, nos emborrachábamos en el ferry. Fue simplemente genial”, asegura Osbourne. Con temas destacados como la canción principal, “The Wizard” y “Evil Woman”, Black Sabbath alcanzó el Top 10 en el Reino Unido y el puesto 23 en las listas de álbumes estadounidenses. El segundo trabajo del grupo, Paranoid (1971), incluyó los himnos de metal seminal “War Pigs”, “Iron Man”, “Fairies Wear Boots” y “Paranoid”, y llevó Black Sabbath a nuevas alturas, encabezando las listas en el Reino Unido y alcanzando el No. 12 en los Estados Unidos.
“No podía creer que mi voz llegaba por la radio y toda Inglaterra me escuchaba cantar. No lo podía creer”, asevera el cantante. “En unos tres años, habíamos pasado de ser una banda nada a la banda número 1 en Inglaterra. Ocurrió muy rápido”, agrega.
El uso de simbolismo religioso y temas míticos por parte de la banda le dio un toque gótico a sus personajes públicos. También les valió críticas constantes de grupos de derecha, publicidad negativa que simplemente alimentó la popularidad de la banda con su base de fans, en su mayoría hombres jóvenes. Como fue el caso de sus dos primeros álbumes, sus trabajos posteriores Master of Reality (1971), Vol. 4 (1972) y Sabbath Bloody Sabbath (1973) tuvieron éxito en las listas de éxitos, y finalmente alcanzaron el estado de platino en los Estados Unidos gracias a la fuerza de clásicos del metal como “Sweet Leaf”, “After Forever”, “Snowblind” y “Sabbath Bloody Sabbath”.
Abuso de sustancias y dejar Black Sabbath
Con el lanzamiento de Sabotage de 1975, la suerte de la banda empeoró. A pesar de la fuerza de canciones como Symptom of the Universe y Am I Going Insane, el álbum no logró alcanzar el mismo estatus que sus predecesores. Acentuando este cambio, también se vieron obligados a interrumpir su gira posterior cuando Osbourne resultó herido en un accidente de moto.
La ingesta constante de drogas y alcohol de la banda, principalmente de Osbourne, también se sumó a la tensión, junto con la pérdida de fanáticos del floreciente movimiento punk rock. “Hicimos el álbum Volume 4 y estuvimos en Los Ángeles grabando eso durante unos tres meses y fue la primera vez que todos nos metimos realmente en la cocaína. Recuerdo hacerlo todos los días, como las 24 horas del día, prácticamente”, cuenta Geezer, miembro de Black Sabbath. “A veces nos quedábamos despiertos dos o tres días”, añade el baterista Bill Ward.
Tras los lanzamientos de Technical Ecstasy (1976) y Never Say Die (1978), Osbourne y sus compañeros de banda se separaron. Aunque Black Sabbath continuaría con varios líderes en las próximas décadas, incluidos Ronnie James Dio, Dave Donato, Ian Gilliam, Glenn Hughes y Tony Martin, el grupo nunca alcanzaría las mismas alturas alcanzadas durante la era de Osbourne, cuando escribieron y grabaron algunas de las canciones más memorables del heavy metal.
Éxito como solista: ‘Blizzard of Ozz’ y más
A diferencia de algunos artistas, que se desvanecen en la oscuridad después de dejar los grupos que los hicieron famosos, y a pesar de la muerte de su padre, “el periodo más doloroso” de su vida según Ozzy, Osbourne en 1980 presentó un debut en solitario, Blizzard of Ozz, que fue un rotundo éxito comercial. Con los singles “Crazy Train” y “Mr. Crowley ”, el álbum alcanzó el Top 10 en el Reino Unido y el No. 21 en los Estados Unidos, donde eventualmente alcanzaría el estatus de multiplatino. “El álbum simplemente se esparció como un incendio forestal. Entró directamente en las listas de éxitos, las críticas fueron increíbles. ¿Quién no ama “Crazy Train”? Es solo un clásico. Todos en Estados Unidos tenían un álbum de Ozzy y lo conocían. Fue solo un milagro”, cuenta Sharon.
Su seguimiento de 1981, Diary of a Madman, funcionó igualmente bien: “fue el mejor escenario con el que he trabajado. Fue tan genial”, confiesa Ozzy.
La gira que siguió, sin embargo, estuvo cargada de desgracias, incluido un accidente de avión que mató al guitarrista Randy Rhoads y a otros dos miembros de su séquito. “Ozzy y yo estábamos durmiendo en la parte trasera del autobús y nos despertó una enorme explosión”, cuenta Sharon. Randy Rhoads, el guitarrista principal de 25 años del grupo de Ozzy Osbourne murió en un accidente aéreo junto con el piloto del avión y Rachel Youngblood, la peluquera del grupo. El propio Ozzy Osbourne estaba en el autobús de la gira cuando una de las alas del avión lo cortó.
A lo largo de la década de 1980, Osbourne continuó cultivando la imagen del rebelde enfadado y solitario con problemas, y su teatralidad antisocial contribuyó a su notoriedad pública. Entre sus payasadas, bañó a su público con carne cruda y le mordió la cabeza a un murciélago en vivo en el escenario. “Los murciélagos son los mayores portadores de rabia en el mundo y después tuve que ir al hospital y empezaron a ponerme vacunas contra la rabia. Tenía una en cada gluteo y tenía que tenerlo todas las noches”, detalla Osbourne.
Sin embargo, no todo el mundo encontraba tan atractivo su personalidad y su música oscura, y con frecuencia los conservadores religiosos lo señalaban con la esperanza de demostrar los impactos negativos de la música rock en la sociedad.
A pesar de estos y otros desafíos, incluido un período en rehabilitación en 1986, Osbourne continuó logrando el éxito comercial, con los álbumes Bark at the Moon (1983), The Ultimate Sin (1986) y No Rest for the Wicked (1988), todos múltiples platino en los EE. UU. Marcó el comienzo de la década de 1990 con su sexta oferta en solitario, No More Tears (1991), que alcanzó el Top 10 en los EE. UU. y contó con el exitoso sencillo del mismo nombre. “En ese momento estoy vendiendo más discos que nunca, estoy tocando para un público más grande que nunca, y conseguí que mi disco No More Tears se esté vendiendo como loco aquí. Quiero decir, es mi disco más vendido hasta la fecha”, cuenta Ozzy.
En 1992 Osbourne anunció que la gira No More Tears Tour sería la última y Ozzy y su familia regresaron a Inglaterra. “Los niños lo pasaron increíble y fue realmente un gran momento porque no había presión para hacer nada. Definitivamente fue el tiempo más largo de estar con su padre en familia, eso es todo lo que hizo Ozzy, ser familia. Así que no estaba bebiendo ni consumiendo y era simplemente genial”, recuerda Sharon.
Sin embargo, la popularidad del álbum en vivo doble publicado posteriormente, Live & Loud (1993), hizo que Osbourne reconsiderara su retiro, y la versión del álbum de I Don’t Want to Change the World le valió a Osbourne su primer premio Grammy. Regresó al estudio para Ozzmosis de 1995, y al año siguiente comenzó a hacer giras como parte de un festival de metal itinerante, Ozzfest.
Hacia el final de la década, la estrella de Osbourne estaba en decadencia y él continuaba luchando con los problemas de abuso de sustancias que lo habían acosado a lo largo de su carrera. Sin embargo, encontró su camino de regreso al centro de atención en 2001 con el lanzamiento de su octavo álbum de estudio, Down to Earth, que alcanzó el número 4 en los Estados Unidos y el número 19 en el Reino Unido.
The Osbournes
Osbourne pronto aumentó aún más su estatus de celebridad con su propia marca de reality de televisión. “Pasé de espectáculos con entradas agotadas y Ozzfest a tener cámaras de televisión en mi casa”, rememora Ozzy. Debutando a principios de 2002, The Osbournes se centró en la vida doméstica de Osbourne y su clan y se convirtió en un éxito instantáneo.
El atractivo cómico del anciano que sacude su cabeza completando tareas tan aburridas como sacar la basura cautivó incluso a los conservadores que una vez habían denostado a Osbourne. Sin embargo, también dio un giro más serio ese verano, cuando la esposa de Ozzy, Sharon, fue diagnosticada con cáncer de colon. “Al ver a mi madre enferma, no pudo soportarlo. Empezó a beber y consumir más de lo que jamás le había visto”, recuerda Kelly. El programa duró hasta 2005, ganando un Primetime Emmy y convirtiéndose en uno de los programas de mayor audiencia de todos los tiempos de MTV.
Salón de la fama
En 2005, Osbourne se reunió con Black Sabbath para una gira, y al año siguiente las leyendas del heavy metal fueron incluidas en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En la ceremonia de inducción, Metallica, uno de los innumerables grupos para los que Black Sabbath fue una influencia principal, interpretó “Iron Man” en honor a la banda.
A pesar de los años de abuso a su cuerpo, Osbourne mostró un impresionante poder de permanencia al continuar de gira como parte del Ozzfest. Regresó al estudio para grabar Black Rain (2007), que alcanzó el puesto número 3 en las listas de Estados Unidos y siguió con el igualmente bien recibido Scream (2010). En 2012, Osbourne se reunió con sus compañeros de banda de Sabbath para realizar una serie de conciertos y grabar un nuevo álbum de estudio, 13, que obtuvo su lanzamiento al año siguiente.
En 2015, la banda anunció planes para una gira final, apropiadamente apodada The End. Al año siguiente también lanzaron un álbum con ese nombre, compuesto por pistas inéditas de 13 y varias presentaciones en vivo. La gira concluyó en Birmingham, la ciudad natal de los miembros de la banda, en febrero de 2017.
Un año después, Osbourne anunció las fechas de la etapa norteamericana de No More Tours 2, la última gira de su carrera. Aunque señaló que quería pasar más tiempo con su familia, el legendario headbanger insistió en que no se jubilaría como músico y que continuaría tocando en conciertos más pequeños y permaneciendo involucrado con Ozzfest.
Matrimonio con Sharon, vida familiar y World Detour
Osbourne se casó con su manager, Sharon Arden, en 1982. Tuvieron tres hijos juntos, Aimee, Kelly y Jack. Jack y Kelly aparecieron con sus padres en The Osbournes, pero Aimee objetó. Osbourne también ha tenido tres hijos de un matrimonio anterior con Thelma Riley -Jessica, Louis y Elliot-, y ahora también tiene varios nietos.
Luego y durante el nacimiento de los tres hijos que tuvo con Sharon, Ozzy tuvo un gran decaimiento en las drogas y el alcohol. “Ozzy sobrio es la mejor compañía del mundo: divertido, entretenido, amable, dulce. Ozzy usando alcohol o drogas, es un completo idiota. Eso es. Es como el día y la noche. Eso es”, explica Sharon, quien inclusive acusó a Ozzy por intento de homicidio. “Los niños fueron a la cama, al baño, teníamos una niñera viviendo en la casa entonces, y yo estaba sentada leyendo. Y él entró en la habitación. No tenía idea de quién estaba sentado frente a mí en el sofá, pero no era mi esposo. Fue probablemente el momento lo más asustada que he estado”, detalló la mujer. “Podría haber matado a Sharon, y ese es un sentimiento desolador. Ella es mi alma gemela, yo la amo”, asegura Ozzy.
En mayo de 2016, Sharon y Osbourne anunciaron sus planes de divorciarse después de más de tres décadas juntos. Según Us Weekly, la separación se produjo después de que Sharon se enterara del supuesto romance de Osbourne con una famosa estilista. Sin embargo, dos meses después, la pareja que había soportado tantos altibajos juntos decidió intentar que la relación funcionara. En julio, Osbourne, que apareció en Good Morning America con su hijo, Jack, dijo que el matrimonio no había terminado. “Es solo un bache en el camino“, aseguró, y “Está de nuevo en marha“.
Por esa época, padre e hijo también regresaron al ámbito familiar de los reality shows con “Ozzy & Jack’s World Detour. Con una duración de tres temporadas, el espectáculo capturó a los dos trotamundos que visitaban lugares emblemáticos y atracciones fuera de lo común.
El diagnóstico de Parkinson y el ‘hombre ordinario’
En una entrevista de enero de 2020 con Robin Roberts de Good Morning America, Osbourne reveló que le habían diagnosticado la enfermedad de Parkinson. Al mes siguiente, canceló la etapa norteamericana de su gira No More Tours 2, citando la necesidad de viajar a Europa para recibir tratamiento y recuperación.
Unos días después, sin embargo, el artista demostró que todavía estaba luchando furioso contra la muerte con el lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio en solitario, Ordinary Man, con colaboraciones con Elton John, Post Malone y el guitarrista de Guns N ‘Roses, Slash.
NUEVA YORK.- KIM NOVAK, la joya de la corona del cine de la década de 1950 que protagonizó “Vértigo” de Alfred Hitchcock, reveló haberse despertado aturdida y desnuda después de tomar solo una copa en una fiesta organizada por Tony Curtis.
“Tony Curtis me trajo una bebida”, explicó Novak, de 88 años, en una entrevista explosiva con el Hollywood Reporter. “No lo sé, creo que solo tomé una copa allí. Pero eso es lo último que supe. No sé nada después”, añadió.
“No sé qué pasó después de eso o cómo mi auto regresó al frente de mi apartamento”, recordó la actriz, quien cree que su bebida estaba “adulterada”. “Creo que Tony Curtis lo hizo”, dijo Novak, quien jamás había contado hasta ahora lo ocurrido en aquella reunión.
Curtis, candidato a un Premio Oscar a Mejor Actor por el filme The Defiant Ones (1958) y padre de la ganadora del Golden Globe Jamie Lee Curtis, falleció en 2010.
“La gente no hablaba de cosas así, pero nunca pude entenderlo… nunca me desmayé en toda mi vida”, dijo la estrella de Picnic, entre otras películas. La actriz, de 88 años, recordó que, al despertar al día siguiente, “no estaba vestida”.
Novak, quien se alejó de la escena pública a mediados de los años 60, admitió haber soportado varias “experiencias #MeToo” a manos de los grandes productores y directores de Hollywood.
Sin embargo, Novak aclaró que el director Harry Cohn, quien fuera director del estudio de Columbia Pictures, fallecido a mediados de 60, no fue uno de ellos a pesar de haberla considerado una “polaca tonta y gorda”.
“No, ni tonta, gorda, ni polaca”, afirmó Novak, quien tuvo un retorno al centro de atención como presentadora de premios Oscar en 2014, durante el cual Donald Trump tuiteó y sugirió que debería “demandar a su cirujano plástico”.
Novak ha pasado la segunda mitad de su vida pintando. Sus creaciones de acuarela, pastel y óleo están expuestas al público en el Butler Institute of American Art en Youngstown, Ohio.
La actriz aseguró que el filme Vértigo de Hitchcock, que derrotó a Citizen Kane como la Mejor Película de todos los tiempos en 2012, en una encuesta de Sight & Sound, y la potencia del movimiento #MeToo, ayudaron a inspirar su arte.
RICARDO GONZÁLEZ GUTIÉRREZ, mejor conocido como CEPILLÍN falleció este día luego que se le detectara cáncer de columna vertebral; el linfoma había sido diagnosticado tan sólo unas horas antes de su deceso.
Ricardo González Gutiérrez estuvo internado luego de un accidente en las escaleras de su casa, posteriormente fue intervenido quirúrgicamente y fue diagnosticado con cáncer; sin embargo, su hijo confirmó su muerte este lunes.
El comediante fue operado la semana pasada, tras ser ingresado de emergencia al Corporativo Hospital Satélite debido a una lesión en la columna vertebral.
El 28 de febrero, en entrevista con el programa de Instagram, Chisme No Like, Cepillín explicó que no se trató de un ingreso por Covid-19, sino por un accidente que sufrió al bajar las escaleras, por el que se lastimó la columna vertebral.
“Quisiera yo darles un buen pronóstico, pero me acaban de decir que acaba de fallecer mi papá. (…) Era una persona muy fuerte; un guerrero”, anunció su hijo, Ricardo González Junior a los medios de comunicación, Detalló que su padre presentó un paro respiratorio del cual los médicos lograron “sacarlo”, sin embargo, relató que “ya estaba muy deteriorado” e incluso le estaba fallando un riñón: “Lo mejor era eso. Era hablar con él y decirle que ya no luchara porque ya no valía la pena. Él ya estaba muy deteriorado.”
El Payasito de la tele se había sometido a una operación de espalda el pasado 27 de febrero, sin embargo, tras su intervención, presentó neumonía y deficiencia cardiaca lo que lo obligó a reingresar.
LOS ÁNGELES.-¿Cuál es el “corazón salvaje” de Quentin Tarantino capaz de conectar con toda la gama de emociones humanas a través de personajes que sólo tienen una misión: hacer ‘lo correcto’ y hacerlo inmediatamente?. Esta es una de las muchas directrices de QT8 | QUENTIN TARANTINO – LOS PRIMEROS OCHO de Tara Wood, que se estrena a partir de hoy en MioCinema, un documental que cuenta toda su carrera a través de los testimonios de quienes trabajaron con él y, por supuesto, imágenes de sus películas.
Mientras tanto, se anuncia que simultáneamente en 25 países, se publicará su primera novela Érase una vez en Hollywood, bajo el sello The Ship of Theseus, que precede a la película del mismo nombre y cuenta sus orígenes y formas de inspiración.
¿Cómo sale Tarantino de este documental en el que el director nunca aparece, pero sólo se cuenta? Especialmente como entusiasta, como indica su sonoridad, un forastero que en un momento dado lo hizo, pero que nunca montó su cabeza. Un hombre entonces lleno de carisma contagioso capaz de gritar en el set, que siempre sigue en primera persona: “¡Muy bien! ¡Está bien con la escena! Pero filmamos otro porque nos encanta hacer películas”.
“Manic nerd”, “cinephile enciclopédico” (“puedes decir todo lo que sabes sobre una película, pero al final te enterrará con las cosas que sabe”) , “celuloide en vivo”, “DJ director”, son sólo algunas de las expresiones atribuidas a Tarantino que es definitivamente uno que realmente disfruta rodando: “A veces tuvimos que interrumpir la escena porque escuchas su risa”, dice el guionista Scott Spiegel.
El documental comienza cuando Tarantino, después de su experiencia en una tienda de cintas de vídeo, inicia a escribir guiones (A Life at best, Natural Born Killers y From Sunset to Dawn), y luego hace su debut con LE IENE (Palma de Oro en Cannes), en el Oscar al mejor guion original fue a PULP FICTION hasta su octava película como director: THE EIGHTFUL EIGHT.
Hablando de él, siempre con verdadero entusiasmo, están sus actores fans como Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Tim Roth y Christoph Waltz. Pero también hay entrevistas con personajes que han seguido toda su carrera como los productores Stacey Sher y Richard Gladstein.
Entre las sorpresas de este documental, destaca su reconocida capacidad para escribir personajes femeninos sus opiniones acerca del productor Harvey Weinstein acusado de numeroso acoso sexual.
LOS ÁNGELES.- Netflix prepara una serie de animé basada en TERMINATOR. La plataforma de streaming y la productora Skydance preparan una serie de animé basada en el personaje de Terminator, el icónico cyborg asesino de la franquicia creada por James Cameron en 1984.
Según informó el sitio especializado The Hollywood Reporter, la producción estará a cargo de Mattson Tomlin, quien coescribió el guion de The Batman, la película que estrenará en marzo del año próximo y contará con Robert Pattinson (Tenet) en el papel del Caballero de la Noche.
Tomlin ya había trabajado junto a Netflix, además, para la película Proyecto Power, con Jamie Foxx y Joseph Gordon-Levitt, que fue lanzada en agosto de 2020 y sigue a un narcotraficante, un policía y un exsoldado que se unen para frenar la distribución de una pastilla que otorga superpoderes a las personas durante cinco minutos.
Terminator, originalmente una cinta de acción y ciencia ficción de bajo presupuesto, se transformó en un clásico del género a partir del estreno en 1991 de Terminator 2: el juicio final, nuevamente protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton y dirigida por Cameron, que en la 64a. edición de los premios Oscar se llevó cuatro estatuillas.
La franquicia continuó con Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), Terminator: La salvación (2009) y Terminator Génesis (2015), las cuales ampliaron la historia sin la participación del cineasta canadiense, que en 2019 produjo Terminator: Destino oculto, para dar continuidad a los acontecimientos de El juicio final en una nueva línea de tiempo fiel a su visión.
NUEVA YORK.– A lo largo de los años THE SIMPSONS se ha adaptado a los tiempos, en la mayoría de los casos en respuesta a las críticas que recibió por representaciones mal concebidas de minorías étnicas y sexuales, admitió su creador Matt Groening.
Según Groening, volver a ver la serie es como revivir una maduración mutua, tanto de los guionistas como de los televidentes.
La serie de la familia amarilla atravesó, a través de 32 temporadas (todo un récord) diferentes décadas y cambios sociales extremos, tanto en Estados Unidos como en el mundo.
Un largo informe de NBC News publicado hoy destaca que, “al volver a mirar la serie, puede ser discordante ver una parodia de un evento que se retrataría de manera totalmente diferente ahora”.
Según el informe, volver a ver The Simpsons, que ahora se pueden ver completos en el canal Disney +, permite “revivir noticias virales olvidadas mencionadas por el programa de forma indirecta o en parodia”.
Cita como ejemplo, el capítulo Bart vs Australia, “en la que el primer ministro australiano condena a Bart a ser ‘pateado’, parodia de una noticia sobre el adolescente estadounidense Michael Fay, quien fue azotado por las autoridades de Singapur como castigo por vandalismo”.
Destaca además que la serie tiene “un léxico increíble de chistes de oro macizo, interpretaciones perfectas, detritos culturales y los feos prejuicios de nuestra sociedad: una instantánea detallada de Estados Unidos en un momento dado”.
Para muchos, Homer Simpson, el padre de la familia, representa al estadounidense promedio, amante de la comida chatarra, ansioso por adquirir cualquier producto que le ofrezcan (aunque no lo necesite) y con una carencia cultural notable.
Según NBC News, “al volver a mirar la serie, puede ser discordante ver una parodia de un evento que se retrataría de manera totalmente diferente ahora (y tal vez debería haber sido retratado de manera diferente entonces)”.
Cita como ejemplo el capítulo de 1994 The Boy Who Knew Too Much, que sigue a Bart mientras lucha con el conocimiento de que el sobrino borracho del alcalde Quimby es inocente de agredir a un mesero en una fiesta.
Es una parodia del juicio del vástago de la familia Kennedy, William Kennedy Smith, que había sido acusado de violar a una mujer que conoció en un bar de Florida mientras salía con Ted Kennedy, su tío, durante el fin de semana de Pascua de 1991.
Si bien fue absuelto ese diciembre, más de una década después, sus empleadores revelaron que Smith había violado a su asistente personal en 1999.
“Y como los personajes se han mantenido estáticos, The Simpsons se ha convertido accidentalmente en un triste comentario sobre el declive del país al otro lado de la pantalla”, destacó NBC News.
Al comienzo del programa en 1989, Homer era el típico hombre común con tres hijos, una esposa que no trabajaba, dos autos y una casa de su propiedad. Al final de la tercera temporada, se había establecido firmemente que también era un bobo holgazán cómodo en un trabajo sin futuro que se casó con la chica que quedó embarazada en la escuela secundaria (de la que no se graduó) y nunca fue a la universidad.
En 2021, los primeros episodios parecen piezas de época.
ROMA.- THE LYRICS: 1965 TO THE PRESENT, es el título del autorretrato que comprende 154 canciones de PAUL MCCARTNEY, editado y presentado por el ganador del Premio Pulitzer Paul Muldoon, que estará en las librerías para noviembre de este año. En Italia será lanzado para la editorial Rizzoli que anuncia la publicación.
“No sé cuántas veces me preguntaron si escribiría una autobiografía, pero nunca había sido el momento adecuado. Lo único que siempre he sido capaz de hacer, en casa o sobre la marcha, es escribir nuevas canciones. Sé que cuando llegas a cierta edad, un diario ayuda a recordar los días pasados. Pero nunca tomé notas. Lo que me queda son mis canciones, cientos de canciones que, entiendo, equivalen a una especie de diario. En estas canciones hay toda una vida útil”, aseveró Paul McCartney.
Se trata de dos volúmenes de box set en los que McCartney relata, con extraordinaria sinceridad, su vida y arte a través de 154 canciones que cubren todas las etapas de su carrera, desde composiciones juveniles tempranas hasta la legendaria década con los Beatles, desde alas hasta álbumes en solitario. Organizadas en orden alfabético, no cronológico, las letras finales de las canciones se recogen aquí por primera vez, junto con la historia de las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y los lugares que las inspiraron. Hay materiales inéditos y preciosos de su archivo personal, manuscritos, cartas, fotografías.
“Espero que lo que escribí muestre a los lectores algo sobre mis canciones y mi vida que nunca habían visto antes. Traté de decir algo sobre cómo nace la música, lo que significa para mí y lo que espero que signifique para los demás también”, explicó Paul McCartney, quien escribió su primera canción a la edad de 14 años. “Estos textos, extraídos de cinco años de conversaciones con Paul McCartney, están tan cerca de una autobiografía como podemos tener. Lo que Pablo nos dice sobre su proceso creativo confirma algo que antes sólo podíamos sospechar: nos enfrentamos a un escritor de importancia primaria que encaja perfectamente en la larga tradición de la poesía en inglés”, dice Paul Muldoon.
WASHINGTON.– HILLARY CLINTON incursiona como escritora y co autora en el thriller político STATE OF TERROR, original de la canadiense Louise Penny.
En STATE OF TERROR, un recién nombrado secretario de Estado, está encargado de reconstruir el liderazgo estadounidense después de años de menor influencia en el extranjero e inmediatamente puesto a prueba por una ola de ataques terroristas que corren el riesgo de desestabilizar el orden mundial.
En un inusual ejemplo de colaboración, la novela a cuatro manos será publicada el 12 de octubre por Simon y Schuster y St. Martin’s Press, las respectivas editoriales de Clinton y Penny.
Ambas mujeres han sido amigas durante mucho tiempo y nunca han ocultado su admiración la una por la otra. En sus memorias, What Happened, Hillary recurrió a Louise para encontrar consuelo después de perder ante Donald Trump en 2016. “Cuando me sugirieron que escribiéramos un thriller político juntas, no dudé en decir que sí”, dijo la escritora canadiense, que tiene 16 novelas, todas ambientadas en Three Pines, un idílico pueblo en la frontera entre Quebec y Vermont donde el encantamiento de la campaña se rompe por un asesinato.
Hillary aprovechará décadas de experiencia personal en política para dar toques de realismo a la narrativa: entre los ecos de su pasado reciente transferido a la trama está el personaje de la protagonista que “se unió a la administración de su rival”, al igual que cuando Clinton se convirtió en la secretaria de Estado de Barack Obama que la venció en las primarias. Al igual que su esposo Bill, Hillary también es una ávida lectora y como él está representada por Robert B. Barnett, el abogado de Washington que también incluye a los Obama y los arbustos en su carnet de escritores vip.
Como antecedentes de Hillary su esposo Bill Clinton en terrenos editoriales, no se tiene que ir demasiado lejos de la casa de Chappaqua donde la ex Primera Dama se retiró después de la despedida de la política. Bill Clinton se asoció con su amigo escritor James Patterson en 2018 para escribir un misterio, The President is Missing, publicado tanto por Knopf como por Little, Brown (en Italia por Longanesi) y que ha vendido más de tres millones de copias en todo el mundo y dos millones solo en América del Norte.
Un éxito no insignificante que llevó a los dos a realizar el encore La hija del presidente, en la que se ve a un expresidente secuestrando a su hija, que será liberado a principios del verano con una tirada inicial de un millón de ejemplares.
LOS ÁNGELES.- MARY WILSON, la cantante de Motown y fundadora de las Supremes, la banda negra femenina más grande en las décadas de 1960 y 1970, falleció a los 76 años.
A los 15 años, WILSON y Florence Ballard fundaron el grupo (entonces llamado The Primettes) en Detroit. Se les unió Diana Ross. “Mary Wilson fue extremadamente especial para mí. Fue una pionera, una diva y la echaremos mucho de menos”, dijo Berry Gordy, fundadora del legendario sello Motown, que estaba detrás de muchos de los éxitos de la banda.
WILSON murió en su casa de Las Vegas, dijo su publicista Jay Schwartz a ET News. Hace apenas dos días Wilson subió un breve clip a YouTube para celebrar febrero, el mes de la historia negra y anunciando: “noticias emocionantes sobre The Supremes, Florence Ballard y materiales inéditos”.
La banda alcanzó el éxito a finales de la década de los sesenta con éxitos como Stop! En el nombre del amor y Amor del bebé. Pero después del lanzamiento de Diane Ross en 1970 para una carrera en solitario, el grupo nunca recuperó su dominio en las listas americanas, a pesar de tener algunos éxitos como River Deep, Mountain High y Stoned Love.
Fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 1986 escribió un libro de memorias, Dreamgirl: My Life As a Supreme, que describía su vida con la banda – y su relación con Ross.
LOS ÁNGELES.– La actriz OLIVIA NEWTON-JOHN defendió Grease luego de que ésta fuera catalogada como “sexista” y le pidió al público no tomarse tan en serio el filme.
Misógino, racista y homofóbico. Es como parte del público británico ha juzgado Grease después de que la BBC decidiera retransmitir la película de culto de 1978.
Olivia Newton John, quien co-protagonizó con John Travolta (Danny Zuko) como Sandy Olsson, en ese momento, está respondiendo a las acusaciones. “Cálmate”, comentó en un podcast. La película fue hecha en la década de 1970 y es alrededor de la década de 1950.
“Es una película musical divertida y no debería tomarse en serio. Todo el mundo se toma las cosas en serio. Tenemos que relajarnos un poco y disfrutar de las cosas por lo que son”, dijo Olivia Newton-John, quien ha estado luchando contra el cáncer durante años. Agregó que a diferencia de aquellos que critican a Grease ella considera la película como “puro entretenimiento, nada más”.
El famoso musical volvió a causar revuelo debido a que fue transmitido en Reino Unido por la BBC durante la navidad de 2020. A raíz de eso, en redes sociales muchos comenzaron a señalar la película como sexista y misógina.
De acuerdo con The Mirror, una de las cosas por las que más fue criticada fue por representar a Sandy (Newton-John) dejando atrás su personalidad de “niña buena” para poder reconciliarse con Danny (John Travolta).
Los comentarios llegaron a oídos de Olivia Newton-John y recientemente, en un nuevo episodio del podcast A Life Of Greatness, abordó el tema defendiendo la película: “Creo que es algo absurdo. Es decir, esta película fue creada en los 70 sobre los 50.”
“Fue una obra de teatro, es un musical, es divertido”, agregó. “Es una película musical divertida que no debe de tomarse tan en serio.”
Al final, Olivia Newton-John dijo que la gente “necesita relajarse un poco y simplemente disfrutar de las cosas por lo que son”. “No la veo así en absoluto; creo que es una película divertida que entretiene a la gente”, concluyó.
En otras noticias, a 40 años del lanzamiento de la película, Grease tendrá una nueva precuela titulada Summer Loving, en la que se narrará la historia de cómo fue que se conocieron Danny y Sandy.
“Obviamente, mi arte y mi vida han sido durante mucho tiempo imanes para la controversia, pero estas recientes afirmaciones sobre mí son horribles distorsiones de la realidad. Mis relaciones íntimas siempre han sido totalmente consensuadas con parejas afines. Independientemente de cómo, y por qué, otros eligen ahora tergiversar el pasado, esa es la verdad”, así fue la más reciente declaración de MARILYN MANSON, el nombre artístico de Brian Warner, horas después de que al menos cinco mujeres, Ashley Walters, Sarah McNeilly, Ashley Lindsay Morgan, una artista que se identificó como Gabriella y EvanRachel Wood, detallaran haber sufrido abuso sexual y emocional que supuestamente enfrentaron a manos del artista.
Desde hace varios años ya existía la sospecha de que Brian Warner, verdadero nombre de Marilyn Manson, era el atacante que Rachel Wood había denunciado en 2018, durante una audiencia sobre agresiones sexuales ante el Congreso, sin revelar entonces su identidad.
De esta manera MARILYN MANSON pasa a formar parte de la lista negra de famosos y celebridades acusados de abuso sexual.
NUEVA YORK.- A sus 80 años, NEIL DIAMOND, el cantante y autor de September Morning, I’m a Believer, America, Sweet Caroline, se ostenta como uno de los artistas con mayores ventas, 100 millones de copias de sus discos, además de formar parte del Salón de la Fama del Rock’nRoll, recibir el Kennedy Center Honor y de contar con su estrella en el Paseo de la Fama.
En 2008 en el festival de Glastonbury en su concierto había más de cien mil personas. NEIL DIAMOND nació en una familia judía en Brooklyn e hizo una larga historia como autor entre Tin Pan Alley y el Brill Building, la legendaria mansión de Manhattan que alberga las oficinas donde, en la década de 1960, se escribieron algunas de las canciones más famosas de la música estadounidense.
Darle la vuelta a las cosas de una manera positiva fue I’m a Believer, un éxito rotundo de los Monkees que, con el título Soy un mentiroso fue un éxito de Caterina Caselli. Luego, gracias a Cherry Cherry y Kentucky Woman, estableció su propio negocio, en los días de la invasión británica, también se encontró como compañero en los conciertos de Who.
Con el tiempo, Diamond se ha establecido con una fórmula a medio camino entre el rock, el pop, el country. En 1978 fue invitado por Robbie Robertson, quien produjo un álbum, para cantar en The Last Waltz, el concierto filmado por Martin Scorsese que marcó la despedida de las escenas de la banda. En la década de 1970 en Las Vegas su récord era casi un millón de dólares por noche y en sus conciertos en las primeras filas era el Gotha de Hollywood.
Con altibajos en su carrera llegó a la década de 2000, entre dúos con Barbra Streisand, You Don’t Bring Me Flowers, bandas sonoras, tres matrimonios, algunos casos legales relacionados con cuestiones de derechos humanos: y en cualquier caso sólo en el período 1991 y 2011 en los Estados Unidos vendieron más de 17 millones de copias.
Esto resume la historia de NEIL DIAMOND, un cantautor que logró alcanzar el estatus de “clásico”, capaz de escribir una especie de canción alternativa como America, que a Muhammed Ali le gustaba, alternando con rockeros (en 2005 12 Songs fue producido por el gurú Rick Rubin) pero también de cantar para el ex presidente George W. Bush.
NEIL DIAMOND se ha retirado del escenario durante unos años porque comenzó su batalla con el Parkinson.
LONDRES.- En estos días, el baterista, cantante, compositor y ocasional actor, PHIL COLLINS, quien hoy cumple 70 años, tiene la vista puesta tanto en el futuro como en el pasado. Junto con sus ex compañeros de Genesis, Michael Rutherford y Tony Banks, prepara el inicio de la gira que, salvo Peter Gabriel, reunirá al grupo que se volvió una leyenda del rock progresivo desde fines de los 60.
La idea era iniciar la gira en noviembre y diciembre de 2020, pero debido a la pandemia global se reprogramó para septiembre y octubre de este año. La primera actuación será el 15 de septiembre en Dublín.
De actor a músico, hijo de un vendedor de seguros y una agente teatral, PHIL COLLINS inició su carrera artística como actor en un montaje de Oliver en 1964. Después participó en la película La noche de un día difícil, de los Beatles, y en la comedia musical Chitty Chitty BangBang. Y aunque luego haría otras películas, su talento musical lo llevó a ocupar el puesto de baterista en Genesis, banda formada en 1967. A inicios de los 70, el éxito llegó con los discos Foxtrot y The Lamb Lies on Broadway, mientras que en vivo su propuesta escénica recaía en la figura camaleónica de Peter Gabriel, quien dejó el grupo en 1974 de manera abrupta
Lo que debería ser un gran festejo por el cumpleaños 70 del legendario artista británico no será así. PHIL COLLINS atraviesa varias tormentas que han perturbado su vida durante el los últimos años. Problemas de salud, caídas en escenarios, la relación conflictiva que tiene con su exmujer, Oriane Cevey (quien contó intimidades a la prensa), la guerra judicial por la división de bienes matrimoniales. Para Phil no hay tregua.
Otro de sus dramas es la pérdida auditiva de su oído izquierdo, debido a Tinnitus, una enfermedad común entre los músicos, como Eric Clapton y Chris Martin. El hombre escucha zumbidos y golpes desde el oído afectado y es por esto que en 2011 anunció su retiro del mundo de la música. Finalmente esa no resultó una despedida.
El deterioro de salud del exitoso compositor había empezado mucho antes, cuando se dislocó una vértebra en su cuello, lo que le provocó daños nerviosos en sus manos y le imposibilitó que pudiera tocar, por ejemplo, la batería.
Aunque sus fanáticos no tenían muchas esperanzas con una posible vuelta, en 2015 reunió a su banda y comunicó su regreso a la música. “Ya no estoy oficialmente retirado. El caballo está fuera del establo y tiene muchas ganas de salir”, había dicho en una entrevista para la revista Rolling Stone.
En 2017 tuvo un accidente por el que terminó hospitalizado. El cantante que estaba pasando la noche en un hotel, se levantó para ir al baño en la madrugada y se resbaló y se golpeó la cabeza. Allí su entorno contó que Phil sufre un desorden neuromuscular que le impide movilizarse con total normalidad.
Como si todo eso fuera poco, ahora lidia con la conflictiva relación que mantiene con la madre de dos de sus hijos, quien ha hecho declaraciones poco felices.
Cevey, dijo al sitio TMZ que el músico “estuvo sin bañarse ni cepillarse los dientes durante un año”, hecho que supuestamente hizo que se desencadenara el divorcio.
“El hedor de Philip se hizo tan penetrante que se convirtió en un ermitaño”, expresó Cevey, por lo que Phil no se quedó callado y a través de sus abogados envió su respuesta, calificando los dichos como “inmateriales e impertinentes” y “groseramente exagerados”.
Esta guerra que pareciera no tener fin incluye más capítulos: la tercera mujer del cantante quiere obtener la mitad de una mansión de Florida, valuada en 40 millones de dólares que, según ella, él le prometió, pero ahora niega.
Cabe recordar que Collins y Cevey se casaron en 1999 y tuvieron dos hijos, Nicholas y Matthew. En 2006 se separaron, pero en 2015 retomaron la relación. Cinco años después, él recibió un mensaje de texto que lo dejó atónito: “Encontré a otra persona y me gustaría intentar ver si puedo volver a ser feliz”.
Orianne -que después de un mes de dejar a Phil se casó en secreto en Las Vegas con el guitarrista Thomas Bates-, se niega a dejar la mansión en la que vive con sus dos hijos y su actual marido de 30 años. Hoy, ninguno de los dos parece ceder, pero lo que sí es cierto es que el artista británico no pasará el mejor de sus cumpleaños.
NUEVA YORK.– El sexo vuelve a la ciudad. HBO Max prepara el renacimiento de la exitosa serie SEX AND THE CITY. El tiempo no perdona comenzando por las heroínas supervivientes de la saga, es así que el personaje de Samantha no participará.
23 años después del primer episodio, el primer capítulo de la nueva era de SEX AND THE CITY, se titulará And Just Like That, con Sarah Jessica Parker, Cynthia Nixon y Kristin Davis, tres de las estrellas del elenco original.
Kim Cattrall, quien interpretó a la desinhibida Samantha Jones en la serie, no protagonizará los nuevos episodios después de las aventuras de Carrie Bradshaw (Parker, de 55 años), Charlotte York (Davis, 55) y Miranda Hobbes (Nixon, 54) una vez que tenga más de 50 años.
SEX AND THE CITY constará de diez episodios de media hora cada uno. Se espera que la producción comience en Nueva York en la primavera. La ausencia de Samantha ha enfurecido a los fans. Entre Catrall y Parker, por otro lado, no existía una buena relación durante algún tiempo: en una entrevista de 2017 con el periodista británico Piers Morgan, la actriz confirmó que había cerrado con el papel e imploró al equipo creativo -ya acusado por la increíble “blancura” de la serie- que transfiriera el papel a una actriz negra.
Todavía no está claro qué sucederá ahora en el renacimiento: si una actriz africana-americana o latina heredará el papel, o si los “corredores del espectáculo” decidirán matar a Samantha, aprovechando una recurrencia del cáncer de mama que había afectado al personaje en la última temporada de la serie.
Basada en los libros del columnista de sexo Candace Bushnell, SEX AND THE CITY debutó en 1998 en Hbo y fue un gran éxito al lanzar los cuatro personajes de las neoyorquinoa de 30 años que navegaron por carreras, amistades y la permamente búsqueda del amor por la vida, siempre luciendo increíbles vestidos de alta costura en los vertiginosos stilettos de Manolo.
El programa continuó durante seis temporadas, finalmente regresando para dos películas después de un paréntesis de cuatro años. Mientras tanto, Parker ha hecho algunas películas y creado una línea de zapatos con George Malkemus, ex socio de Manolo Blahnik en Estados Unidos; Nixon desafió a Andrew Cuomo a postularse para gobernador de Nueva York, mientras que Davis adoptó a dos niños en misiones filantrópicas con el ACNUR en África.
UTAH.- ROBERT REDFORD, el dos veces ganador del Oscar, actor, director y ambientalista, ha vendido el Sundance Mountain Resort, el pueblo de lujo empapado en la naturaleza de Utah entre los principales destinos de montaña de América del Norte, pero continuará con el Sundance Film Festival y el Sundance Institute.
REDFORD la fundó en 1969, hace más de 50 años, convirtiéndola, entre otras cosas, desde la década de 1990, en uno de los lugares (además de Salt Lake City y Park City) del festival de cine del mismo nombre que fundó con Sidney Pollack. La venta es el resultado de un plan estratégico a largo plazo diseñado para preservar y consolidar el legado de Redford en el complejo, incluyendo un compromiso continuo con el desarrollo responsable y la conservación de la tierra.
El complejo de 2,600 acres incluye 1,845 acres de tierra restringida. Coincidiendo con este anuncio, Redford y su familia se asociaron con Utah Open Lands para proteger permanentemente más de 300 acres de hábitat natural prístino, arroyos y humedales donde se encuentra incluso la construcción más reciente, Elk Meadows.
Sundance es como ninguna otra montaña en Utah o los Estados Unidos. Dominando el cañón donde se encuentra el complejo se encuentra el Monte Timpanogos con las emblemáticas Cataratas Stewart, famosas rutas de senderismo y esquí de fondo, y durante años ha sido un lugar diferente de los otros teniendo conciencia ambiental en su centro cuando ciertamente no estaba de moda. Aunque muchos huéspedes son ricos, Everett Potter relata en uno de sus partidos, el complejo nunca ha sido llamativo o una extensión de Hollywood, a pesar de la propiedad de una estrella como Robert Redford.
Pero, ¿cómo llegó allí? Redford descubrió el área que se convertiría en Sundance en la década de 1950 cuando viajaba en motocicleta desde su casa en California (nació en Santa Mónica el 18 de agosto de 1936) para ir a la universidad en la Universidad de Colorado. Más tarde conoció y se casó con Lola Van Wagenen, una chica de Provo, la ciudad cercana, regresó y compró dos acres por $500 en 1961 a los propietarios, una familia de pastores nacidos en Escocia que dirigían un negocio de alquiler de esquís en Timp Haven.
Redford construyó una cabaña y vivió el estilo de vida del hombre de la montaña con su joven familia en el momento de sus primeras películas. Pero a finales de la década de 1960, los especuladores estaban al acecho para cambiar la cara de Utah, con construcciones intensivas inadecuadas para el plan de la naturaleza.
Redford se movilizó contra ellos, financiando la protesta. Pero mantener Sundance requería un beneficio, por lo que para el naciente Sundance Mountain Resort construyó la primera de 95 cabañas a finales de la década de1980 y finalmente permitió la construcción de más de 200 casas privadas, la mayoría de ellas enclavadas en árboles. El Foundry Grill y The Tree Room fueron abiertos, con un enorme pino creciendo en el centro del restaurante. Lo mismo ocurrió con la barra Owl, con su contador de roble encargado por el verdadero Butch Cassidy. Redford lo descubrió en Wyoming y lo restableció.
La venta reciente incluye todos los activos de la estación de montaña Sundance, incluidos los edificios del complejo, los remontes, los sitios para comer y los espacios para eventos. No afecta a la estructura o participación de Robert Redford en el Sundance Institute y Sundance Film Festival, The Sundance Catalog, Sundance TV o el Redford Center. El complejo continuará organizando talleres y eventos organizados por el Sundance Institute y el Redford Centre, incluyeno el Festival de Cine de Sundance anual.
HA DICHO:
“El cambio es inevitable y durante varios años mi familia y yo hemos estado pensando en mudarnos a una nueva propiedad para el complejo. Sabíamos que en el momento adecuado y con las personas adecuadas podíamos hacer la transición. Broadreach y Cedar comparten nuestros valores e interés en mantener el carácter único del complejo, honrando su historia, comunidad y belleza natural. Esto los hace adecuados para asegurar que las generaciones futuras puedan seguir encontrando consuelo e inspiración aquí”, dijo el actor.
UN DATO:
Broadreach Capital Partners con sede en Palo Alto, California, posee las principales empresas de gestión de hoteles/resorts, incluyendo hoteles urbanos como The Carlyle, Nueva York. Cedar Capital Partners, con sede en Nueva York y Londres, posee, entre otras cosas, The Hoxton Hotel, Roma; The Grosvenor Hotel, Edimburgo; El Hotel Lloyd, Amsterdam.
