“Los Picapiedra”, 60 años de la divertida familia en Bedrock

NUEVA YORK.- “¡Yaba Daba Dú!” es como el valiente Pedro tarareaba a bordo de su auto de madera impulsado por humanos, solo dos enormes cilindros de piedra en lugar de ruedas, uno al frente y otro detrás, y sus pies empujando el trabiccolo. Así apareció por primera vez en televisión, en la cadena ABC estadounidense, el protagonista de lo que se convertirá en una de las series de televisión de dibujos animados más queridas de todos los tiempos: LOS PICAPIEDRA, ampliamente conocidos en México por la televisión.

Era el 30 de septiembre de 1960 , pero los brillantes autores de muchos dibujos animados que han hecho la historia de la animación, William Hanna y Joseph Barbera , junto con el diseñador Dan Gordon, llevaban ya un año trabajando en los Fleintstones.

Los cuatro protagonistas de la serie: Pedro Flintstone, su esposa Wilma y sus amigos Pablo y su esposa Betty representan una alegoría de la sociedad estadounidense en los años sesenta, ambientado, sin embargo, en la ciudad ficticia de Bedrock, en la edad de piedra, con enormes saurios voladores usados​​como aviones, otros animales usados ​​como electrodomésticos o el súper dragón estampando la entrada de Fred para trabajar con sus dientes. 

Los hechos de los que los Picapiedra son protagonistas, aunque ambientados entre los hombres de las cavernas, son los del mundo moderno y la ciudad de Bedrock sigue siendo una metrópolis con centros comerciales, bancos, hoteles, bolos y autocine. El truco de la caricatura fue precisamente trasponer los problemas clásicos del trabajo, la familia y las buenas relaciones de vecindad en la América de los 60 en un contexto de la edad de piedra donde vives con dinosaurios y mamuts usados ​​como mascotas o incluso como electrodomésticos. 

Así que esta caricatura tan original tuvo de inmediato tal éxito de público que pronto se transformó en un cómic y dio vida a un vasto merchandising, además de convertirse en tema de tres largometrajes. 

Los cuatro protagonistas inmediatamente se familiarizaron con grandes y pequeños: Pablo, irritable pero muy enamorado de su Wilma y su pequeña hija Pebbles;  Pablo, el buen amigo de Pedro que a menudo se salva de los problemas en los que se mete, el esposo de Betty y el padre de Bam Bam. Las dos mujeres son Wilma, la encantadora esposa de Pedro, y Betty, la mejor amiga de Wilma.

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“Ratched”, precuela de “Atrapado sin salida”, estreno por Netflix

LOS ÁNGELES.- El estreno de RATCHED por Netflix, ratifica que desde hace un tiempo tanto el cine como las producciones televisivas o destinadas para las grandes plataformas de streaming han encontrado en películas exitosas o clásicos del séptimo arte una solución a la grave crisis de ideas originales que atraviesa la industria, sobre todo la estadounidense.

En el caso de RATCHED, la literatura ha sido y continúa siendo una de las fuentes más enriquecedoras.

Fargo, Bates Motel, Hannibal y la más reciente Cobra Kai, son algunos de los muchos ejemplos de esta alianza y a este universo se suma ahora Ratched (Netflix), basada en el personaje de la enfermera Mildred Ratched de la película Atrapado sin salida (1975), que en su momento le valió un Oscar para Louise Fletcher, la actriz que llevó adelante ese papel en la cinta dirigida por Milos Forman y protagonizada por Jack Nicholson.

El pasado fin de semana se estrenó la primera temporada (8 capítulos de menos de una hora) de RATCHED, serie de Ryan Murphy y Evan Romansky. El primero es ampliamente conocido por producciones exitosas como American Horror Story, Hollywood, American Crime Story y Freud, entre muchas otras, en tanto que Romansky fue quien ideó esta propuesta, desarrollada por Murphy.

RATCHED es una precuela de la famosa cinta de Forman, que inicia la historia de esta enfermera en 1947, muchos años antes de lo que vimos en Atrapado sin salida. Ya en el primer capítulo se ve a Mildred (Sarah Paulson, actriz fetiche de Ryan Murphy) intentando ingresar al hospital psiquiátrico Santa Lucía, pionero en la aplicación de nuevos tratamientos, de la mano del doctor Richard Hanover (Jon Jon Briones). Su tenacidad con ser parte del personal tiene una razón: el homicida que ha sido ingresado para pericias psiquiátricas luego de asesinar a cuatro sacerdotes.

El primer acierto de la serie es la elección de su protagonista. Sarah Paulson construye a Mildred de una manera precisa, con la oscuridad de los traumas de su vida como guía en muchas ocasiones, y con la empatía que le permite que muchos la vean como un “ángel de piedad”. Maligna en ocasiones, la profundidad de su historia de amor muestra su otro rostro, estados entre los cuales oscila sin perder el frío equilibrio que es la esencia de su personaje.

El elenco, sobre todo los roles femeninos, a cargo de Sharon Stone (una madre en busca de venganza), Judy Davis (la jefa de enfermeras, en principio enemiga de Mildred) y Cynthia Nixon, (una de las pocas personas que puede asomarse al espíritu de Mildred y ver su más bondadoso rostro); enriquecen una propuesta donde las consignas de un thriller psicológico se cumplen ampliamente.

No menos importante es la reinterpretación de un lugar como el hospital psiquiátrico, cliché obligado para muchas películas de terror, que aquí se convierte en un temor más real y por lo tanto, más efectivo. Los pacientes sufren terribles consecuencias por los tratamientos que pretenden curarlos de la melancolía (como antes se llamaba a la depresión) o el lesbianismo –ya que durante décadas la homosexualidad se consideró una enfermedad-. Uno de los métodos aplicados era la lobotomía, de una crueldad extrema, que fue utilizada en incontables pacientes.

En ese sentido, la serie por un momento se acerca a la realidad –que mucho más siniestra que la ficción en este caso- y se detiene en el doble sufrimiento de los pacientes: el de su enfermedad y el de los tratamientos.

Los primeros planos y el ritmo narrativo son un claro homenaje a Alfred Hitchcock (incluso se da el gusto de utilizar la banda sonora de sus películas o de otras de clásicos del suspenso, como Cabo de miedo), y además hay un singular motel donde se aloja la protagonista. Completa la visión un diseño de producción (de Judy Becker) y el vestuario de Lou Eyrich y Rebecca Guzzi, que no sólo recrean la época, sino que potencian en muchos casos esa atmósfera casi teatral que Ryan Murphy disfruta mostrar en sus producciones.

RATCHED concluye con la posibilidad de una segunda temporada y a decir verdad, será difícil contener la ansiedad mientras la esperamos.

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Yusuf/ Cat Stevens reinventa su álbum “Tea for the Tillerman”

La reinvención de YUSUF / CAT STEVENS, TEA FOR THE TILLERMAN se estrena a través de UMC. El álbum, que incluye los sencillos lanzados anteriormente Where Do The Children Play?, On The Road To Find Out y el último lanzamiento Father And Son, ya tiene respuesta a nivel internacional.

Mojo confirma que hay “integridad conceptual tangible en estas nuevas versiones más robustas y ricamente detalladas“, y el álbum es descrito como “una forma poderosa de rastrear el paso del tiempo” por la NME. Rolling Stone se entusiasmó: “Las nuevas versiones de las pistas de Tea for the Tillerman no son recreaciones nota por nota. En muchos casos, son más exuberantes que los originales y algunas toman giros sorprendentes, como un funkafied ‘Longer Boats’ con la voz invitada del rapero Brother Ali. ‘Wild World, mientras tanto, ahora suena casi como un vals.

Dicho esto, Yusuf trabajó duro para mantener el mismo espíritu de los originales “. Billboard exclamó: “La reinvención cambia muchos de los arreglos familiares, mientras se mantiene afortunadamente fiel a la misión del álbum: explorar la vida y uno mismo sin miedo”, mientras que Forbes lo aclamaba como “un proyecto fascinante“.

American Songwriter declaró, “la inconfundible, rica y retumbante voz de Yusuf / Cat Stevens está en una forma fantástica“.

En un perfil reciente que abarca toda su carrera, CBS Sunday Morning comentó sobre la canción atemporal de Yusuf , Father and Son, afirmando: “En la dolorosa conversación entre padre e hijo, las pistas se grabaron con 50 años de diferencia, y ambas versiones son perfectas en su a su manera”.

En 1970, Cat Stevens lanzó Tea For The Tillerman, una obra maestra musical que es ampliamente alabada como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 50 años después, Yusuf / Cat Stevens, como se le conoce ahora, ha reinventado el álbum para una era completamente nueva. El resultado, Tea for the Tillerman2, es un homenaje cariñoso a la grabación original y demuestra cómo las canciones pueden trascender su propio tiempo y mantenerse relevantes en un mundo en constante cambio y cada vez más salvaje.

El nuevo álbum fue grabado en Studio La Fabrique en la campiña provenzal francesa cerca de donde el artista favorito de Yusuf, Vincent Van Gogh, pintó muchas de sus obras más queridas.

Para la grabación de Tea for the Tillerman, Yusuf se reunió con el productor Paul Samwell-Smith y el guitarrista Alun Davies, quienes estuvieron presentes en la primera ronda. Completaron el equipo los veteranos hombres de sesión Jim Cregan y Peter Vettese, así como Kwame Yeboah y Eric Appapoulay, pilares de la banda en vivo de Yusuf durante la última década. La atmósfera se cargó con una electricidad palpable cuando, una a una, las canciones clásicas fueron revisadas con amor como recuerdos profundamente preciados.

Yusuf estaba en un estado de ánimo confiado y en buena forma mientras dirigía decisivamente el conjunto hacia su visión clara y definida. Algunas canciones se han rediseñado a través de una lente contemporánea y otras son desviaciones totales de las originales, como la versión de blues del desierto de On The Road To Find Out: vea una sorprendente colaboración visual entre Yusuf y los directores Kimberly Stuckwisch (Billie Eilish, Thundercat, MØ) y Melora Donoghue de Invisible Inc aquí, o el toque de tango argentino que se le ha dado a Wild World.

Quizás la joya de la corona es el nuevo Father And Son que ve a Yusuf haciendo un dueto con su yo de 21 años. Yusuf ahora canta el papel del padre, mientras que el del hijo proviene de una grabación de 1970 realizada en el legendario Troubadour de Los Ángeles. El efecto de las experiencias de un hombre, separadas por medio siglo, unidas en una canción, es profundamente conmovedor y aporta un nivel completamente nuevo de significado al favorito eterno. La pista está acompañada de un impresionante video animado de fotograma a cuadro del aclamado director Chris Hopewell y Black Dog Films.

De hecho, la reelaboración de todas las canciones solo sirve para iluminar la amplia gama de sutilezas y matices que son una de las razones por las que se pueden escuchar una y otra vez. Yusuf ha actualizado la obra de arte icónica del álbum que él mismo escribió, utilizando un estilo para el dibujo que precede incluso a su interés por la música. El día se ha convertido en noche y el Tillerman ahora usa un traje espacial, lo que refleja simultáneamente la distancia recorrida en su viaje durante el último medio siglo y la creciente necesidad de protección contra el deterioro de la calidad del aire en el mundo.

El éxito duradero del legado musical de Yusuf / Cat Stevens se basa en una miríada de factores, pero la clave entre ellos es la asombrosa habilidad que tiene para traducir su vibrante imaginación en forma musical. Tea for the Tillerman es el ejemplo más eficaz y entrañable de este proceso con su paisaje creativo completamente desarrollado habitado por atractivos personajes tridimensionales.

Estos se convierten en los medios para que Yusuf / Cat Stevens impartan sabiduría y conocimientos que sin duda superaron sus años de juventud en 1970 y, incluso ahora, parecen destacarse por estar muy bien sintonizados con nuestro complejo y delicado mundo. El sorprendentemente profético ‘Where Do The Children Play?‘ Solo podría haber sido escrito como una reacción a la terrible crisis ecológica que enfrentamos en este momento, con la versión reinventada de 2020 ahora combinada con un video musical profundamente conmovedor realizado en colaboración con Chris Hopewell y Black Dog Films, explorando las posibilidades de la producción de videos musicales sin desperdicios.

En otra parte, Miles From Nowhere y On The Road To Find Out documentan la búsqueda de significado y la sed de aventuras que siempre serán ritos de iniciación para un alma ansiosa. Estos son cuentos populares modernos que resonarán con cualquier espíritu abierto y receptivo y Yusuf es nuestro narrador humilde pero experto, son alegorías para los nuestros y de todos los tiempos.

En última instancia, es la universalidad del mensaje subyacente de amor y paz del álbum combinada con su innegable brillantez artística lo que cimenta el lugar de Tillerman en la historia. Ya ha dejado una marca indeleble en los cimientos de la cultura popular y con esta nueva versión estamos invitados a ser testigos una vez más de su magia y misterios por un artista que ha pasado los 50 años intermedios desafiando sin miedo los límites de su propia comprensión y visión.

UN DATO:

Disponible en 1xCD, 1xLP, Digital y formatos de streaming

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“Patria”, el pasado y presente de México en documental de History

En un año atípico, en el que por primera vez desde 1847 en el Zócalo capitalino los mexicanos no se reunieron para celebrar el 210 aniversario de El Grito de Independencia, con ceremonias virtuales a lo largo y ancho del país para evitar un contagio masivo de COVID-19, HISTORY se une a los festejos por la libertad de México con el estreno del documental PATRIA, a las 21:00 horas, con el escritor Paco Ignacio Taibo II, acompañado del historiador Pedro Salmerón.

A lo largo de una hora y 29 minutos, este documental lleva al espectador hasta los “lugares de la acción”, lo mismo viaja a la búsqueda de la hacienda de Manga, en la que nació Antonio López de Santa Anna, e incluyó Nueva Orleans, donde vivió un tiempo Benito Juárez; además de detallar vidas no tan conocidas en el ideario cultural, como la del periodista y político Francisco Zarco.

Con locaciones en Guadalajara se hará eco de aquellos héroes que lucharon para dar forma a la guerra de reforma, con paradójicamente un aliado inesperado y forzado: el clero y sus millonarias posesiones. Otro de los estados que el activista de izquierda visita es Veracruz, que se convirtió en capital de la República Mexicana durante un tiempo, en el que Benito Juárez gobernó desde el Palacio Municipal, que se convirtió en Nacional.

Con un ritmo preciso, datos duros de los hombres que forjaron la historia nacional; sus ideales, creencias, triunfos y debacles, PATRIA es un retrato dirigido por Matías Gueilburt, quien narra también las andanzas nacionalistas de Mariano Escobedo, Vicente Riva Palacio y Ramón Corona, en un recorrido sin precedentes por más de una veintena de ciudades del país.

El canto de La Marsellesa en un teatro veracruzano por el triunfo del ejército que logró la promulgación de las leyes de reforma fue el sombrío augurio del papel invasor que tendría Francia, en la imagen del segundo, y último emperador de México, Maximiliano de Habsburgo. se cuenta con la colaboración del economista Guillermo Fernández, quien analiza las justificaciones galas para reclamar el territorio nacional para Napoleón III.

En el Fuerte de Loreto, el escritor Fritz Glockner analiza el triunfo absoluto del ejército nacional sobre las fuerzas invasoras en la histórica y “milagrosa” batalla del 5 de mayo. En este trabajo también se analizan las armas de aquel entonces, en la recta final del documental leerá directamente de sus libros PATRIA 2 y PATRIA 3, las vivencias de los emperadores Maximiliano y “mamá” Carlota.

Con acceso absoluto a los edificios en los que habitó la realeza austro-mexicana y de una de las más opulentas fiestas de la aristocracia de la época, el relato sigue para demostrar, con el apoyo del historiador Crispín Duarte, que pese a todas los pronósticos los mexicanos se sobreponen a los franceses y nace “el milagro de un país que se levanta ante todos los imposibles y les gana”, mientras recorre Querétaro, en el trágico cerro de Las Campanas, y Ciudad de México.

SOBRE LA TRILOGÍA

PATRIA 1. Resultado de años de investigación histórica basada en documentos y cerca de 400 entrevistas que develan lo ocurrido de 1854 a 1858; el periodo comprendido entre la revolución de Ayutla a la guerra de Reforma.

PATRIA 2. El autor pone su atención en la intervención francesa; desmenuza los años que comprenden entre 1859 a 1863, con las acciones y el papel histórico de personajes como Ignacio Zaragoza, Benito Juárez, Maximiliano de Habsburgo y su esposa Carlota, y la importancia que empieza a cobrar en ese momento el entonces joven general Porfirio Díaz.

PATRIA 3. Revela los últimos embates de una República dispersada en guerrillas que, pese a todo pronóstico, logró hacer frente al imperio invasor hasta conseguir la caída de Querétaro y el fusilamiento de Maximiliano.

EN REDES:

LATAM: @HistoryLA /  www.facebook.com/historylatam / historyplay.tv/

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“Bonanza” marcó una época hace 61 años en el western por televisión

HOLLYWOOD.- Un día como hoy pero hace 61 años se estrenaba en Estados Unidos la serie de televisión BONANZA, que marcó una época y a varias generaciones, amantes de las historias de vaqueros -western.

BONANZA comenzó a emitirse el 12 de septiembre de 1959 por la cadena NBC (National Broadcasting Company), y hasta el 16 de enero de 1973, siendo la primera tira de vaqueros realizada para la TV en colores. El programa fue ideado y producido por David Dortort y se basa en las experiencias de la familia Cartwright, desarrolladas en el rancho La Ponderosa, que estaba junto al lago Tahoe, en Nevada.

Durante sus primeros diez años, BONANZA se mantuvo entre los 10 programas más vistos de la TV, y entre 1964 y 1967, fue el más visto de Estados Unidos, emitida inicialmente los sábados por la noche, para luego encontrar su verdadero “nicho” en las noches del domingo, cuando la cantidad de espectadores, literalmente explotó.

Los protagonistas eran el patriarca viudo llamado Ben Cartwright (Lorne Greene); y sus hijos Adam Cartwright (Pernell Roberts); Eric, más conocido por su apodo, Hoss (Dan Blocker); y Joseph Francis o Little Joe (Michael Landon). El cocinero de la familia era un inmigrante chino llamado Hop Sing (Victor Sen Yung).

Bonanza estaba lejos de contenidos explícitos de las series de acción, sin la violencia con que se conquistó el basto territorio del Oeste de Estados Unidos. Era más cercana a una novela familiar, donde se enaltecía la unión familiar y los conceptos éticos y morales de aquella sociedad que rondaba al año 1860 .

La serie, luego de 12 años, comenzó a decaer en popularidad, y el golpe de gracia fue la temprana muerte de Hoss (Dan Blocker) en 1972, quien no pudo sobrevivir a una operación realizada por un coágulo.

Quien tuvo mayor éxito luego del suceso Bonanza, fue el más joven del cuarteto de actores, Michael Landon, quien décadas después repetiría éxitos en las series La Familia Ingalls y en otra de su propia producción: Camino al cielo.

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Reedición del álbum de U2, “All That You Can’t Leave Behind”

Island Records y UMC anuncian hoy la reedición del vigésimo aniversario del exitoso álbum de U2All That You Can’t Leave Behind. Este lanzamiento de edición de aniversario multiformato, que presenta una nueva remasterización del disco de 12 tracks y una caja Súper Deluxe de 51 tracks, se lanzará en la fecha real del vigésimo aniversario, el 30 de octubre de 2020.

El aniversario también ve el lanzamiento de una versión acústica de Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of

Mira el nuevo lyric video aquí.

All That You Can’t Leave Behind es el décimo álbum de estudio de U2. Lanzado en octubre de 2000, el disco original de 11 pistas incluía los exitosos sencillos ‘Beautiful Day’, ‘Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of’, ‘Elevation’ y ‘Walk On’ y llegó al número 1 en 32 países alrededor del mundo. Producido por Daniel Lanois y Brian Eno y grabado en Dublín y Francia, All That You Can’t Leave Behind ganó 7 premios Grammy, incluido el de Mejor Álbum de Rock, y es el único álbum en la historia que tiene varios tracks, ganando el premio a Record Of The Year (‘Beautiful Day’ en 2001 y ‘Walk On’ en 2002).

La nueva remasterización del álbum está disponible como una versión de 12 tracks e incluye una pista adicional “The Ground Beneath Her Feet” en todos los formatos de la reedición.

El Super Deluxe Box Set incluye:

Un libro de tapa dura de 32 páginas del viejo amigo y colaborador, Anton Corbijn, que presenta muchas imágenes de la banda nunca antes vistas, junto con notas escritas a mano por Anton, además de un póster de doble cara.

39 pistas adicionales que incluyen caras B remasterizadas (Summer Rain, Always, Big Girls Are Best, Don’t Take Your Guns To Town).

Tomas de las sesiones del álbum (Levitate, Love You Like Mad, Flower Child), así como el tema Stateless que apareció en la banda sonora de The Million Dollar Hotel; además de una versión acústica de Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of.

El audio en vivo completo de 19 pistas de la actuación del Elevation Tour de la banda, grabado en el Fleet Center, Boston, Massachusetts en junio de 2001. El set incluye 7 pistas de All That You Can’t Leave Behind.

Una colección de 11 remixes que presenta cuatro versiones nunca antes vistas, descubiertas recientemente en los archivos de Dublín de la banda: Walk On (Wyclef Jean Remix), New York (Carnegie’s Deli Mix), New York (Superman Kicks Ativan Mix) y When I Look At The World (Picante Remix).

Tracklist:

  1. Beautiful Day
  2. Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of
  3. Elevation
  4. Walk On
  5. Kite
  6. In A Little While
  7. Wild Honey
  8. Peace On Earth
  9. When I Look At The World
  10. New York
  11. Grace
  12. The Ground Beneath Her Feet

UN DATO:

All That You Can’t Leave Behind está disponible en versiones Estándar, Deluxe y Súper Deluxe en CD, vinilo y versiones digitales. Disponible el 30 de octubre.

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Ahora sí abrirá el Museo Oscar para 2021 con expo de Miyazaki

LOS ÁNGELES.– Varias veces pospuesto y fuera de presupuesto, el Museo Oscar diseñado por Renzo Piano, abrirá sus puertas a finales de abril del año entrante, con una exposición inaugural dedicada al gran cine de Hayao Miyazaki. 

Los problemas de construcción antes y después de la pandemia habían retrasado al Museo de la Academia de Cinematografía durante años. Ahora, salvo imprevistos, el corte de cinta en el distrito de Miracle Mile, programado para el próximo diciembre, se estima para el 30 de abril con la primera exposición temporal dedicada al animador japonés ganador del Oscar en 2003 por El viaje de Chihiro.

La exposición está organizada en colaboración con Studio Ghibli del que Miyazaki fue fundador junto con su colega y mentor Isao Takahata: presentará 300 objetos relacionados con las películas del cineasta, muchos de los cuales salieron de Japón por primera vez. También habrá proyecciones de las obras maestras de Miyazaki, considerado uno de los más grandes, si no el más grande maestro del cine de animación vivo.

“Honrar la gran carrera de este destacado artista internacional es la forma más adecuada de abrir nuestras puertas, un símbolo del propósito global del Museo de la Academia”, dijo el director Bill Keller. 

La muestra se organiza como un recorrido por siete secciones, cada una centrada en un tema de la obra del cineasta de 79 año,s que en 2014 fue galardonado con el Oscar a la trayectoria. Una sección está dedicada a la colaboración con Takahata que dio lugar a obras maestras para la televisión como Heidi, otra fascinación ejercida en Miyazaki por complejas estructuras verticales.

El museo de la Academia estaba originalmente programado para abrir en 2017. En febrero, la noche de los Oscar, Tom Hanks anunció una nueva fecha de corte de cinta: diciembre. Pero luego estalló la pandemia, lo que obligó a un nuevo aplazamiento. 

El edificio futurista diseñado por Piano se eleva a poca distancia de Lacma (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles), cuyo Resnick Pavilion también fue diseñado por el arquitecto genovés. En el proyecto Piano, las dos almas del edificio coquetean, apenas tocándose, gracias a los pasillos aéreos que conectan el ala histórica, creada en la sede de los grandes almacenes May de 1939 transformada en espacios expositivos, y una “nave voladora” desde la quese sube a un teatro con mil butacas que lleva el nombre de David Geffen, que en el futuro debería albergar la noche de los Oscar.

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Tom Hanks reanuda film de Elvis Presley, del cineasta Baz Luhrmann

SIDNEY.- La película de Elvis Presley de Baz Luhrmann tiene el 23 de septiembre como fecha para reanudar el rodaje en la Gold Coast de Queensland en Australia, luego de una pausa forzada en marzo, cuando uno de los protagonistas, Tom Hanks, y su esposa Rita Wilson, se infectaron con Covid-19. Así lo anunció el propio Luhrmann, quien ha dirigido películas como Moulin Rouge, Australia y El gran Gatsby, entre otras.

En la película, el doble ganador del Oscar Tom Hanks es el ‘coronel’ Tom Parker, el manager del cantante, interpretado por Austin Butler (Érase una vez en… Hollywood), mientras que Olivia DeJonge (Stray Dolls) es Priscilla Presley. La película de Warner Bros cubre la dinámica entre Presley y Parker a lo largo de 20 años, “con el telón de fondo del panorama cultural en evolución y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos”.

Hanks llegó en un jet privado el martes por la noche y se aloja en un hotel de Gold Coast, que no es uno de los hoteles designados por el gobierno estatal, para la cuarentena de dos semanas de los que llegan a Australia, con los servicios de seguridad pagados por la producción.

Hanks interpretará al coronel Tom Parker, representante de Elvis y una persona crucial en la carrera del rey del rock and roll.

Luhrmann todavía no ha escogido a un actor para interpretar al músico, aunque Variety señaló que está buscando a un intérprete que no sea conocido por el gran público.

Esta cinta del estudio Warner Bros. cuenta con un guion de Kelly Marcel, que escribió largometrajes como Fifty Shades of Grey (2015) o Venom (2018).

Ganador de dos Óscar al mejor al mejor actor por los filmes Philadelphia (1993) y Forrest Gump (1994), Hanks estrenará este año A Beautiful Day in the Neighborhood, un biopic sobre el presentador de televisión Fred Rogers; y prestará su voz de nuevo al vaquero de juguete Woody en la cinta animada Toy Story 4.

Por su parte, el realizador australiano Baz Luhrmann alcanzó la fama gracias al musical sobre un cabaret de París Moulin Rouge!, para el que contó con Nicole Kidman y Ewan McGregor como estrellas.

Luhrmann fue nominado al Oscar a mejor película por esa cinta.

Su filmografía incluye otros títulos como Romeo + Juliet (1996), Australia (2008) o The Great Gatsby (2013).

Fallecido en 1977 a los 42 años, Elvis fue una de las figuras clave de la cultura popular en el siglo XX y del despegue del rock and roll en los años 50.

Su carrera incluye éxitos como Suspicious Minds, Hound Dog, Jailhouse Rock o Can’t Help Falling in Love.

Además, el mito de Elvis sigue siendo muy lucrativo ya que en 2018 fue con 40 millones de dólares el artista fallecido que generó más ingresos para sus herederos, según la lista anual que publica la revista Forbes y que el año pasado encabezó Michael Jackson con 400 millones.

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Ya existe teoría conspirativa para el final de “Los Simpson”

LOS ÁNGELES.- Ante las clásicas especulaciones de fans y seguidores de LOS SIMPSON, con 33 años de existencia, una vez más surgen las teorías de quienes han visto su serie favorita desde el inicio, y han vaticinado cuál sería el posible final: la muerte de un personaje en específico.

Las versiones se inclinan hacia la única manera en que podría terminar la serie, esto es con la muerte de Homero Simpson, pues a lo largo de todas las temporadas, la mayoría de los episodios y los eventos ocurren gracias a las acciones de Homero y giran a su alrededor.

Dicha teoría trata de explicar la repentina y drástica disminución en la calidad de los guiones de LOS SIMPSON.

Pero, ¿realmente este final con la muerte de Homero sería viable para poder ser llevado a la serie? Homero Simpson por sí solo es una personaje que vende millones de productos, siendo una imagen multimillonaria que, de morir a cuadro, podría alejar a todos quienes amaron alguna vez a la serie, mucho más de lo que ya se han alejado.

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Afroamericano, el nuevo personaje de la serie de cómics de Batman

LOS ÁNGELES.-JOHN RIDLEY escribirá la nueva serie de cómics de Batman con planes de que el Caballero de la noche sea una persona afroamericana.

El guionista y editor de DC ganador de un Oscar, Jim Lee, anunció planes para que Ridley escribiera la miniserie durante un panel virtual de DC FanDome el sábado.

El cómic de cuatro números está programado para lanzarse en enero.

Ridley dijo que la serie se centrará en la familia de Lucius Fox, que es uno de los aliados más cercanos de Bruce Wayne. Fox también fue presidente de Wayne Enterprises.

El panel reveló una ilustración de un Batman saltando.

Ridley ganó un premio de la Academia al mejor guión adaptado en 2013 por su trabajo en 12 Years of Slave (12 años de esclavitud).

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La magia musical de Queen sigue intacta: primer álbum con Lambert

NUEVA YORK. – Por vez primera QUEEN, integrado ahora por sus miembros originales Brian May y Roger Taylor, fundadores de la banda a inicios de los años 1970, acaba de editar un álbum en vivo junto al cantante estadounidense Adam Lambert, con quien están de gira desde hace una década.

Queen + Adam Lambert realizaron hasta la fecha 218 shows para una audiencia total estimada en 3,659,232 fans. Entre esos conciertos incluyeron un tour por Sudamérica en 2015 (Brasil, Argentina y Chile).

A pesar de la gran cantidad de conciertos, hasta ahora no habían editado un álbum en vivo.

“Mientras todos lidiamos con el desafío de crear shows en vivo en un mundo dominado por un formidable enemigo viral, parecía el momento perfecto para que creáramos una colección de destacados en vivo cuidadosamente seleccionados que Queen ha mostrado durante los últimos 7 años con nuestro hermano Adam Lambert”, apuntó May, de 73 años.

La relación entre Queen y Lambert comenzó en 2009, cuando May y Taylor aparecieron como invitados en el final de la octava temporada de American Idol en la que el cantante de Indiana fue un concursante.

La gira más reciente, The Rhapsody Tour, montada sobre el éxito del filme Bohemian Rhapsody, que abarcó Estados Unidos en 2019 y continuó en los primeros meses de este año por Corea del Sur, Japón y Oceanía, debió ser abruptamente interrumpida por la pandemia de coronavirus, lo que obligó además a cancelar el tour de verano previsto en Europa.

La gira de 27 shows por el Reino Unido y Europa fue pospuesta hasta el próximo año. Comenzará el 23 de mayo de 2021 en Bologna, Italia, y finalizará en Madrid, España el 7 de julio. Algunos rumores aseguran que Queen + Adam Lambert participará de la edición de Rock in Rio en septiembre del año próximo.

Con más tiempo libre, los integrantes del grupo comenzaron a revisar videos y grabaciones para seleccionar material para el esperado álbum.

“Realmente no habíamos visto esos clips antes, siempre estábamos demasiado ocupados haciendo giras”, señaló el baterista y cantante Roger Taylor, de 71 años.

 “No sabíamos lo bien que sonaba la banda. Así que pensamos, bueno, tal vez hay un álbum en vivo de los mejores conciertos que hemos hecho durante los últimos ocho años con Adam Lambert por hacer”, agregó el autor de Radio Gaga.

 El lanzamiento del álbum Queen + Adam Lambert Live Around the World está previsto para el 2 de octubre próximo, en varios formatos (CD, vinilo, DVD y Blu-ray).

El material incluye los 22 minutos del concierto benéfico Fire Fight Australia, de febrero pasado en Sydney, en la que interpretaron el set completo de Live Aid de 1985.

“Cuando no pudimos hacer una gira este año, queríamos darles a los fanáticos algo en lugar de eso, y un álbum en vivo simplemente se sintió bien”, agregó Lambert, de 38 años. “Es la primera vez que lanzamos un álbum juntos y nos divertimos mucho armándolo, eligiendo nuestras actuaciones favoritas”. 

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Rolling Stones ya tiene su propia tienda en el corazón de Londres

LONDRES.- Los legendarios ROLLING STONES regresan a Carnaby Street, la famosa calle del Soho en el corazón de Londres, donde el rock y el pop se sentían como en casa en los años sesenta, en la época del Swinging London. 

Fue en esas calles donde la banda comenzó su deslumbrante carrera y ahora está a punto de abrir una tienda oficial, totalmente dedicada a la promoción del grupo y su historia: a partir del 9 de septiembre se pueden comprar camisetas, pins, memorabilia, vinilos y otros artículos. con el inevitable lenguaje, icono y símbolo de las Piedras. La ‘tienda insignia’ se llama ‘RS No. 9 Carnaby’, se lanzó completa con un video en YouTube, y está ubicada en el número 9 de la famosa calle. 

Los productos a la venta se realizaron en colaboración con algunas marcas internacionales de renombre, como Stutterheim (abrigos) y Baccarat (cristalería). El mobiliario y la arquitectura siempre han sido diseñados de acuerdo con el espíritu y los gustos de la banda: dominan el rojo y el negro, en el piso de vidrio están las letras de sus canciones, mientras que en los camerinos se pueden encontrar las obras de arte relacionadas con los álbumes más famosos.

 “Soho siempre ha representado la música rock, por lo que Carnaby Street es ideal para nuestra tienda”, dijeron los Stones. También se trata de revivir la zona en nombre de la música después de que se haya transformado en una zona comercial normal en los últimos años, perdiendo gran parte de su originalidad. arte relacionado con los álbumes más famosos. 

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Vuelve el detective Perry Mason por HBO; produce Robert Downey Jr.

ROMA.– Perry Mason tiene su nombre ganado a pulso entre los detectives creados por la televisión a finales de los cincuenta y hasta 1966, todo un veterano de la Primera Guerra Mundial, alcohólico, con un matrimonio roto a sus espaldas. 

En este 2020 Perry Mason vuelve a escena pero como nunca se le había visto antes, de hecho es exactamente lo contrario de la presencia tranquilizadora con la que el público que lo fue lo recuerda: aún no anda en la corte, no usa trajes grises y corbatas oscuras, no es abogado.

Regresa en la miniserie producida por Robert Downey Jr y su esposa Susan Downey, como un inédito y sorprendente detective. PERRY MASON, LAS PRIMERAS INVESTIGACIONES, es el título de la nueva serie de HBO, con Matthew Rhys, quien está a punto de aterrizar en Italia a partir del 11 de septiembre y en Now TV, creada por Erle Stanley Gardner.

Esta nueva versión producida por Robert Downey Jr. y su esposa Susan Downey, está esperando ser descubierta. Ambientada en Los Ángeles en los años posteriores a la Gran Depresión y protagonizada por Matthew Rhys, narra el comienzo de la carrera de Mason, representado por primera vez como investigador privado y aún no como abogado.

Rhys, galardonado con un Emmy por su papel de espía de la URSS en The Americans, interpreta el papel del legendario abogado en el corazón de las historias de detectives de Gardner. A su lado encontramos a Tatiana Maslany (Orphan Black), John Lithgow (Trial & Error), Chris Chalk, Shea Whigham, Nate Corddry, Veronica Falcon, Jefferson Mays, Gayle Rankin y Lili Taylor. A ellos se unen Juliet Rylance, Andrew Howard, Eric Lange, Robert Patrick, Stephen Root y Justin Kirk.

Alejándose de las novelas y la serie original, la nueva versión sigue un solo caso criminal. Básicamente es una especie de precuela: un niño es secuestrado y asesinado, Mason es contratado para resolver el caso. Su investigación tendrá consecuencias importantes para todo Los Ángeles.

La figura de Mason, además de los cuentos policiacos publicados en Italia por Mondadori, es conocida por el gran público sobre todo por las películas de Warner Bros de los años treinta y por la serie de televisión emitida desde los años cincuenta, donde el abogado interpretó Raymond Burr, estuvo acompañada por el discreto e indispensable manitas Della Street (la actriz Barbara Hale, que murió a los 94 años en 2017 – por este papel ganará un Emmy) y por el investigador privado Drake, mientras que el fiscal de distrito fue Hamburguesa Hamilton. De 1985 a 1995 Perry Mason regresó con Raymond Burr en una serie de películas para televisión producidas por Dean Hargrove y Fred Silverman y transmitidas por la cadena NBC en Estados Unidos. 

De las 30 películas producidas, 26 tienen a Burr como estrella. Después de la desaparición de actor que sucedió en 1993 a raíz de un tumor renal, la serie se vuelve a titular Un misterio de Perry Mason, En estas últimas cuatro películas no se mata al personaje del abogado Perry, pero su ausencia está motivada por compromisos laborales que lo han llevado fuera de la ciudad.

MATTHEW RHYS

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60 años de un ritmo que hizo historia junto a Chubby Checker: The Twist

ROMA.- Hace seis décadas en Estados Unidos, mientras John F. Kennedy comienza a escalar la Casa Blanca y en los cines sale la obra maestra de Alfred Hitchcock Psyco, el cantante y compositor estadounidense ERNEST EVANStambién conocido como CHUBBY CHECKER, graba The Twist y el mundo comienza a moverse en un baile que se convertirá en un éxito planetario y después de 60 años todavía está de moda. Era el 6 de agosto de 1960.

Como suele suceder en el mundo de la música, el autor de la canción que lanzó el baile no tuvo éxito. La canción había sido escrita y grabada hace algún tiempo por el cantante y compositor negro Hank Ballard, pero será, de hecho, la versión de Checker que será popular. En los años 60 Let’s Twist Again llega a la cima del exitoso desfile estadounidense En Holanda se encuentra en la primera posición en el éxito en 1961, luego será el turno de Italia, Noruega y el Reino Unido. Checker for Let’s Twist Again recibirá el premio Grammy a la mejor grabación de rock & roll.

Nacido como una ‘ costilla’ de rock and roll, este ritmo, por lo tanto, se convertirá en un género musical muy popular también gracias a la invención de la danza homónima. Muchos han buscado los orígenes de la danza en los movimientos de las poblaciones de África occidental, otros dicen que nació en el Congo y llegó a Estados Unidos con esclavos. Bailando, se dijo en el momento en que se lanzó  “es como apagar un cigarrillo con los pies y frotar un extremo con una toalla “. 

Los Beatles en 1963 contribuyeron a la moda del giro al grabar Twist and shout, pero las canciones inspiradas en este ritmo son infinitas, desde Everybody’s twistin de Frank Sinatra hasta Italian Twist de Lou Monte, o Your sister can’ t twist. En Italia, el ‘rey del giro’ es considerado Peppino de Capri, quien alcanza la primera posición del exitoso desfile el 24 de febrero de 1962 y permanecerá allí durante dos semanas, pero Mina con Champagne twist también bailará y cantará este tipo de música. Edoardo Vianello con Guarda come dondolo de Edoardo Vianello, y Rita Pavone con Dame un martillo de Rita Pavone.

En el cine, el giro más famoso de la pantalla grande es lo que John Travolta y Uma Thurman bailan con las notas de Tú nunca puede decir por Chuck Berry en la película Pulp fiction de Quentin Tarantino (1994). La escena de la película de Tarantino fue mencionada en el video clip de Bam bam twist de Achille Lauro, donde Claudio Santamaría y su esposa Francesca Barra mencionan los mismos pasos de baile y eso ha revivido el éxito de este baile. Incluso Lady Gaga quería lanzar una versión revisada del giro y lo hizo en el videoclip de Bad romance, su gran éxito que ha vendido más de 12 millones de copias en todo el mundo. 

Periódicamente se llevan a cabo concursos de torcedura en Estados Unidos , el histórico que en octubre de 2012 reunió a 4,000 fanáticos en DeLand en Florida que, junto con Chubby Checker, establecieron el récord final en el Libro Guinness de los Récords. Finalmente, el 21 de marzo de 2013, la pieza se incluyó en la lista del Registro Nacional de Grabación en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

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Rompe Televisa con 50 años de transmisiones en el mundo de “El Chavo” y “El Chapulín Colorado”

Las alarmas se encendieron en distintas ciudades del mundo, luego que un canal de TV sudamericano comunicara que las series El Chavo del 8, El Chapulín Colorado y Chespirito saldrían del aire a partir del 1 de agosto y también quedaron bloqueadas en distintos portales. De acuerdo a la televisora, esto corresponde a “un problema pendiente a ser resuelto con el titular de los derechos de las historias“.

Roberto Gómez Fernández, hijo del afamado creador, lo confirmó en su cuenta de Twitter. Tras más de 50 años de transmisión de sus programas, ya no saldrán más al aire en todo el mundo, luego de que Grupo Televisa y Grupo Chespirito no pudieron llegar a un acuerdo lo que provocó la  cancelación mundial de los programas. 

Por ello muchos canales de televisión debieron cambiar la programación en el horarios que emitían El Chavo del 8, El Chapulín Colorado o Chespirito, este sábado, y debieron optar por otras series, ante las sorpresa de los fanáticos de las historias de Roberto Gómez Bolaños, quien falleció en 2014.

Sin dar mayor detalle, el hijo de Chespirito, Roberto Gómez Fernández escribió en su cuenta de twitter: “Aunque tristes por la decisión, mi familia y yo esperamos que pronto esté Chespirito en las pantallas del mundo“, se lee en el mensaje.

A él, se sumó su hermana, Graciela Gómez Fernández, quien comentó que “es una pena que quien más se benefició de los programas de Chespirito hoy afirmen que ya no valen nada (…) Los intereses económicos no están en la familia”. 

Una vez conocida la determinación, Florinda Meza, actriz y ex pareja de Roberto Gómez Bolaños, lamentó la decisión, además de que mandó un dardo a Televisa, a la cual señaló que le ayudó a ganar millones de dólares y hoy le da la espalda.

Lo que tiene que ver más con dinero que con rating y aceptación, Televisa ha comenzado una reestructuración financiera en contenidos, contrataciones y cancelaciones derivadas de esta pandemia.

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Los MTVS Video Music Awards 2020, el 30 de agosto, con todo y pandemia

NUEVA YORK.- A pesar de la pandemia, el próximo 30 de agosto se llevarán a cabo los MTV Video Music Awards 2020 y ya se revelaron los artistas nominados.

Ariana Grande y Lady Gaga lideran la lista con nueve cada una, seguidas de Billie Eilish y The Weeknd con seis nominaciones, respectivamente, y Taylor Swift con cinco.

Los cuatro artistas fueron nominados para el Video del año, la categoría más importantes de estos premios. Gaga y Grande por su video musical Rain on Me, Eilish por Everything I Wanted y The Weeknd por Blinding Lights.

Lady Gaga y Ariana Grande obtuvieron nueve nominaciones cada una, mientras que Billie Eilish y The Weeknd tuvieron seis.

MTV anunció las nominaciones de este año a través de la nota de voz de Twitter, lo que los convierte en el primer programa de premios en utilizar la función. 

La ceremonia se llevará a cabo el próximo 30 de agosto en el Barclays Center, en Nueva York. La gala deberá cumplir con los protocolos sanitarios para evitar posibles nuevos contagios, además se limitará la asistencia al recinto y se tendrá que acatar el distanciamiento social.

Vídeo del año

Billie Eilish – everything i wanted
Eminem ft. Juice WRLD – Godzilla
Future ft. Drake – Life Is Good
Lady Gaga ft. Ariana Grande – Rain On Me
Taylor Swift – The Man
The Weeknd – Blinding Lights

Artista del año
DaBaby
Justin Bieber
Lady Gaga
Megan Thee Stallion
Post Malone
The Weeknd

Canción del Año
Billie Eilish – everything i wanted
Doja Cat – Say So
Lady Gaga with Ariana Grande – Rain On Me
Megan Thee Stallion – Savage
Post Malone – Circles
Roddy Ricch – The Box

Mejor colaboración
Ariana Grande & Justin Bieber – Stuck with U
Black Eyed Peas ft. J Balvin – RITMO (Bad Boys For Life)
Ed Sheeran ft. Khalid – Beautiful People
Future ft. Drake – Life Is Good
Karol G ft. Nicki Minaj – Tusa
Lady Gaga ft. Ariana Grande – Rain On Me

Mejor Artista emergente (Push)
Doja Cat
Jack Harlow
Lewis Capaldi
Roddy Ricch
Tate McRae
YUNGBLUD

Mejor canción de Pop
BTS – On
Halsey –You should be sad
Jonas Brothers – What a Man Gotta Do
Justin Bieber ft. Quavo – Intentions
Lady Gaga with Ariana Grande – Rain On Me
Taylor Swift – Lover

Mejor canción de Hip-hop
DaBaby – BOP
Eminem ft. Juice WRLD – Godzilla
Future ft. Drake – Life Is Good
Megan Thee Stallion – Savage
Roddy Ricch – The Box
Travis Scott – HIGHEST IN THE ROOM

Mejor canción de Rock
Blink-182 – Happy Days
Coldplay – Orphans
Evanescence – Wasted On You
Fall Out Boy ft. Wyclef Jean – Dear Future Self (Hands Up)
Green Day – Oh Yeah!
The Killers – Caution

Mejor canción Alternativa
The 1975 – If You’re Too Shy (Let Me Know)
All Time Low – Some Kind Of Disaster
FINNEAS – Let’s Fall in Love for the Night
Lana Del Rey – Doin’ Time
Machine Gun Kelly – Bloody Valentine
Twenty one pilots – Level of Concern

Mejor canción Latina
Anuel AA ft. Daddy Yankee, Ozuna, Karol G & J Balvin – China
Bad Bunny – Yo Perreo Sola
Black Eyed Peas ft. Ozuna & J. Rey Soul – MAMACITA
J Balvin – Amarillo
Karol G ft. Nicki Minaj – Tusa
Maluma ft. J Balvin – Qué Pena

Mejor canción de R&B
Alicia Keys – Underdog
Chloe x Halle – Do It
H.E.R. ft. YG – Slide
Khalid ft. Summer Walker – Eleven
Lizzo – Cuz I Love You
The Weeknd – Blinding Lights

Mejor canción de K-Pop
(G)I-DLE – Oh My God
BTS – On
EXO – Obsession
Monsta X – SOMEONE’S SOMEONE
Tomorrow X Together – 9 and Three Quarters (Run Away)
Red Velvet – Psycho

Mejor vídeo
Anderson .Paak – Lockdown
Billie Eilish – all the good girls go to hell
Demi Lovato – I Love Me
H.E.R. – I Can’t Breathe
Lil Baby – The Bigger Picture
Taylor Swift – The Man

Mejor vídeo desde Casa
5 Seconds of Summer – Wildflower
Ariana Grande ft. Justin Bieber – Stuck with U
Blink-182 – Happy Days
Drake – Toosie Slide
John Legend – Bigger Love
Twenty one pilots – Level of Concern

Mejor presentación de Cuarentena
Chloe & Halle – Do It” from MTV’s Prom-athon
CNCO – Unplugged At Home
DJ D-Nice – Club MTV presents #DanceTogether
John Legend – #togetherathome Concert Series
Lady Gaga – Smile” from One World: Together At Home
Post Malone – Nirvana Tribute

Mejor dirección
Billie Eilish – xanny
Doja Cat – Say So
Dua Lipa – Don’t Start Now
Harry Styles – Adore You
Taylor Swift – The Man
The Weeknd – Blinding Lights

Mejor cinematografía
5 Seconds of Summer – Old Me
Camila Cabello ft. DaBaby – My Oh My
Billie Eilish – all the good girls go to hell
Katy Perry – Harleys In Hawaii
Lady Gaga ft. Ariana Grande – Rain On Me
The Weeknd – Blinding Lights

Mejor dirección de arte
A$AP Rocky – Babushka Boi
Dua Lipa – Physical
Harry Styles – Adore You
Miley Cyrus – Mother’s Daughter
Selena Gomez – Boyfriend
Taylor Swift – Lover

Mejores efectos Visuales
Billie Eilish – all the good girls go to hell
Demi Lovato – I Love Me
Dua Lipa –Physical
Harry Styles – Adore You
Lady Gaga ft. Ariana Grande – Rain On Me
Travis Scott – HIGHEST IN THE ROOM

Mejor coreografía
BTS – On
CNCO ft. Natti Natasha – Honey Boo
DaBaby – BOP
Dua Lipa – Physical
Lady Gaga ft. Ariana Grande – Rain On Me
Normani – Motivation

Mejor edición
Halsey – Graveyard
James Blake – Can’t Believe the Way We Flow
Lizzo – Good As Hell
Miley Cyrus – Mother’s Daughter
Rosalía – A Paleí
The Weeknd – Blinding Lights

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Inédita fusión: Rolling Stones + Page

LONDRES.- Cuando los ROLLING STONES dejaron entrever detalles de su próximo trabajo Goat’s Head Soup (Sopa de cabeza de cabra) a principios de este mes, uno de los aspectos más emocionantes fue una canción inédita grabada con Jimmy Page, fundador del grupo Led Zeppelin, titulada Scarlet.

El paquete de temas no saldrá hasta el 4 de septiembre, pero este día, la banda lanzó la canción tan esperada, anunció su página oficial.

La canción Scarlet fue realizada en octubre de 1974 con Keith Richards y Page en guitarra y Ric Grech (de la banda Traffic) en el bajo.

“Recuerdo que entramos al final de una sesión de Led Zeppelin”, dice Richards en un comunicado.

“Se estaban yendo, y nos reservamos el próximo turno y creo que Jimmy decidió quedarse. En realidad no lo estábamos haciendo para un tema; fue básicamente para una demostración, ya sabes, solo para sentirlo, pero salió bien, con una alineación como esa, ya sabes, es mejor que la usemos”, agregó Richards.

Los Rolling Stones lanzan hoy su tan anticipada canción, nunca antes escuchada, Scarlet. Este track fue grabado por los Stones en Octubre de 1974 en colaboración con Jimmy Page y Rick Grech. Dicha canción nunca antes publicada le sigue a la enorme lista de aclamados éxitos de Living In A Ghost Town y formará parte del próximo lanzamiento en multi-formato de Goats Head Soup 2020 este Septiembre 4.

Llena texturas de guitarra en capas, Scarlet es tan contagiosa y obscena como cualquier otro lanzamiento de su glorificada era, un verdadero ‘santo grial’ para cualquier devoto a la religión de los Stones. Así como la participación de Jimmy Page junto a Mick y Keith, esta vieja joya perdida también cuenta con sorpresas como Rick Grech de Blind Faith en el bajo, y es la primera vez que verá la luz pública.

En 1975, Page había contado que la pista podía ser un lado B de los Stones. “Sonaba muy similar en estilo y humor a las canciones de Blonde on Blonde“, dijo Page, detalla RollingStone.com

“Fue grandioso; realmente bueno. Nos quedamos despiertos toda la noche y fuimos a Island Studios donde Keith puso algunas guitarras de reggae en una sección. Acabó poniéndole algunos solos, pero eran las ocho de la mañana del día siguiente. Llevó las cintas a Suiza y alguien se enteró de ellas. Keith le dijo a la gente que era una canción de mi álbum”, agregó Page por aquella época llena de rumores de un álbum entre ambas bandas.

“Recuerdo haber hecho esto con Jimmy y Keith en el estudio del sótano de Ronnie”, dice Mick Jagger en un comunicado. “Fue una gran sesión”.

La nueva edición de Goat’s Head Soup también presenta las canciones inéditas Criss Cross y All the Rage, junto con demostraciones raras, tomas alternativas y mezclas, y un concierto completo grabado en un concierto de 1973 en Bélgica previamente lanzado como A Brussels Asunto.

Los Stones originalmente planearon recorrer los Estados Unidos este año, pero la pandemia de COVID-19 los obligó a retrasar esos planes.

Durante el tiempo de inactividad de conciertos, lanzaron la nueva canción Living in a Ghost Town, su primera composición original desde 2012.

UN DATO:

Los Rolling Stones lanzan hoy su tan anticipada canción, nunca antes escuchada, Scarlet. Este track fue grabado por los Stones en Octubre de 1974 en colaboración con Jimmy Page y Rick Grech. Dicha canción nunca antes publicada le sigue a la enorme lista de aclamados éxitos de Living In A Ghost Town y formará parte del próximo lanzamiento en multi-formato de Goats Head Soup 2020 este Septiembre 4. Mientras tanto Scarlet ya se encuentra disponible hoy, 22 de julio y se puede escuchar aquí.

UN DATO:

Llena de texturas de guitarra en capas, SCARLET es tan contagiosa y obscena como cualquier otro lanzamiento de su glorificada era, un verdadero ‘santo grial’ para cualquier devoto a la religión de los Stones. Así como la participación de Jimmy Page junto a Mick y Keith, esta vieja joya perdida también cuenta con sorpresas como Rick Grech de Blind Faith en el bajo, y es la primera vez que verá la luz pública.

CON INFORMACIÓN DE ANSA/ UNIVERSAL MUSIC

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Remix de Tina Turner con DJ Kygo, la sorpresa de un clásico musical de 1984

NUEVA YORK.- La diva de la música TINA TURNER se juntó con DJ Kygo para un remix de What’s Love Got To Do With It, uno de sus clásicos que formó parte de su disco Private Dancer, lanzado en 1984.

La legendaria artista estadounidense TINA TURNER salió temporalmente de su retiro profesional con un remix de su éxito What’s Love Got To Do With It con el productor noruego DJ Kygo y que en sus tres primeros días lanzamiento ya se ha posicionado en el primer lugar de la cartelera Billboard.

La noticia fue revelada el lunes por la organización Billboard, especializada en la industria de la música y el desempeño de los temas más populares, principalmente en territorio estadounidense.

What’s Love Got To Do With It forma parte del icónico disco Private Dancer de Turner, que en 1984 le permitió ganar cuatro premios Grammy y fue el segundo disco más vendido de ese año. Y ocupó la primera posición en la lista The Billboard Hot 100.

Fue el quinto álbum de la artista y, durante su promoción, la cantante y actriz habló del abuso físico y psicológico que había sufrido durante su tumultoso matrimonio con el productor Ike Turner.

La canción, escrita por Graham Lyle y Terry Britten, también dio el nombre a la película sobre la vida de Turner, protagonizada por Angela Bassett en 2003.

UN DATO:

El último álbum de estudio de Turner, Twenty Four Seven, salió en 1999.

En esta versión de 2020, el tema ha sido acompañado de un ritmo que recuerda a la música disco de finales de los 70.

“¡No puedo creer que esté lanzando una colaboración con Tina Turner este viernes! What’s Love Got to Do With It es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos”escribió, por su parte, DJ Kygo en su cuenta de Twitter al anunciar la colaboración la semana pasada.

La estrella, de 80 años, estaba retirada de la vida artística desde 2013 y actualmente vive en Suiza con su marido, Erwin Bach. De hecho, hace unos años renunció a la nacionalidad estadounidense para evitar pagar impuestos dobles. La cantante sufrió la pérdida de su hijo Craig Turner en el año 2018, quien se quitó la vida a los 59 años.Esta es la segunda vez que el también productor noruego toma un clásico de la década de los años 80 y le da los colores musicales actuales. El primero fue Higher Love de Whitney Houston, versión que fue todo un éxito y también logró imponerse en la lista Billboard Hot 100.

La nueva versión de What’s Love Got To Do With It es el primer sencillo de Kygo que no forma parte de Golden Hour, su nuevo disco de 2020, que incluye canciones con Sasha Sloan, One Direction y Tyga.

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“Star Wars: The Bad Batch”, nueva serie animada por streaming Disney+

HOLLYWOOD.- Lucasfilm confirmó que ampliará el universo narrativo de Star Wars con una nueva serie animada que se titulará Star Wars: The Bad Batch y que podrá verse en 2021 por el servicio de streaming Disney+.

El nuevo proyecto de la plataforma, que llegará a fines de este año a Latinoamérica, será un spin-off de la exitosa saga, también animada, de The Clone Wars, cuya séptima y última temporada terminó de emitirse en mayo pasado.

Justamente, el título para la nueva serie es el mismo que lleva el primer episodio de la temporada final de The Clone Wars, que seguirá la historia de clones de élite del “Lote Malo” (Bad Batch, en inglés).

En esta ocasión, los personajes estarán inmersos en una galaxia que, justo después de las Guerras Clon, es inestable y cambia rápidamente, detalló la agencia de noticias DPA.

Los miembros de este grupo, un singular escuadrón de clones que difieren genéticamente de sus hermanos del Ejército, poseen una habilidad excepcional que los convierte en soldados extraordinariamente efectivos y en un equipo imbatible.

En la era posterior a las Guerras Clon, emprenderán misiones como mercenarios mientras luchan por mantenerse a flote y encontrar nuevos objetivos.

Los productores ejecutivos de The Bad Batch, son Dave Filoni, uno de los responsables de la taquillera serie The Mandalorian y de la propia Star Wars: The Clone Wars; Athena Portillo; Brad Rau y Jennifer Corbett.

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Volver al futuro, un clásico que no sería del montón, a 35 años de su estreno

HOLLYWOOD.- 35 años de lo que parecía ser una película más, de las del “montón” que produce Hollywood, pero oh sorpresa, VOLVER AL FUTURO, cuyo estreno fue un 3 de julio pero de 1985, rompió todos los pronósticos.

VOLVER AL FUTURO logró lo que nadie esperaba: terminó arriba en las recaudaciones ese año, consiguió unanimidad en la crítica y rápidamente se volvió de culto, generando enormes expectativas con su “continuará” sobre el final, repetido en la segunda (1989), para cerrar la saga con una tercera película en 1990.

Los rumores de una cuarta entrega siempre han estado presentes. Pero nunca se concretó. Quizás en parte por la enfermedad temprana de Michael J. Fox (mal de parkinson); quizás porque a diferencia de otras sagas, en esta sus productores no quisieron arruinar su perfección.

Todas las películas enfrentan problemas antes y durante su rodaje. Muchos proyectos incluso quedan en el camino en alguna etapa previa y jamás ven la luz, o la ven muchos años después. Pero los de VOLVER AL FUTURO fueron varios.

El actor principal fue remplazado cuando ya se llevaba rodado un tercio del metraje. Michael J. Fox siempre había sido la primera opción pero estaba ocupado. Se llamó entonces a Eric Stoltz. Tras cinco semanas de rodaje (y una vez que Spielberg regresó a Estados Unidos tras una breve ausencia), Zemeckis decidió que Stoltz no era el idóneo para interpretar a Marty. Aunque Spielberg y él se percataron de que volver a realizar las mismas tomas ya hechas con Stoltz costaría tres millones de dólares adicionales al presupuesto inicial de catorce millones, decidieron continuar con dicho proceso. Stoltz no era muy cómico y, al contrario, había dado “una actuación dramática” para Zemeckis. Sin embargo, la carrera de Stoltz nunca tuvo un rol preponderante o principal en ninguna otra película, aunque sí tuvo actuaciones destacadas en papeles secundarios y en esa época venía de ser nominado al Globo de Oro como Mejor actor de reparto por su papel en Mask.

Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, también estuvo en carpeta. Devolvió el guion desilusionado: “Va a ser un fracaso”, vaticinó el por entonces chico maravilla que nunca más deslumbró en ninguna película. Su última aparición importante por así decirlo en un rol secundario fue en Hitchcock (2012). “¿Quién va a querer ver una película que trata de un chico, un auto y pastillas de plutonio?”.

John Cusack fue otro de los candidatos para ser Marty. Finalmente los gastos fueron 19 millones de dólares contra… 381 millones de recaudación.

En abril de 1981, Columbia Pictures puso la producción en un proceso turnaround (podríamos traducirlo como “plan canje” con otro estudio, dado que no le terminaba de llenar. Tuvo 44 rechazos antes de lograr arrancar la filmación. Así, se detuvo el proyecto durante 4 años, por lo que el guion fue reeditado en al menos dos ocasiones. Se le consideraba una cinta muy inocente y juvenil, mientras los estudios apuntaban a tramas más para adultos.

Gale y Zemeckis optaron por llevar el proyecto a Disney, sin embargo “nos dijeron que una madre que se enamoraba de su hijo no era un tema apropiado para una película familiar bajo el sello de Disney”, de acuerdo a Gale.

Gale y Zemeckis pensaron en aliarse con Steven Spielberg, que produjo “Used Cars” y “Locos por ellos”, las cuales fueron consideradas un fracaso en taquilla pese a recaudar más de lo que gastaron.

Actualmente el filme se enseña en las escuelas de cine.

RECHAZO DEL GUION

Para película de ciencia ficción le faltaba profundidad, respecto a otros exponentes de su tiempo, como Terminator, por ejemplo (estrenada en 1984), una idea de la vida en el futuro, excusas para los grandes efectos “especiales” de la época (hoy en día totalmente obsoletos).

De hecho, tiene muy pocos efectos especiales Volver al futuro. Para comedia pecaba de inocente. Le faltaba el toque subido de todo que se veía en Colegio de Animales, La venganza de los Nerds y Despedida de Soltero, con Tom Hanks. Y para ser cómica le falta el chiste cada 2 minutos, como en Dónde está el piloto. A la mayoría de los ejecutivos les parecía una historia desarrollada de una manera demasiado inocente y suave.

Cada vez que terminaba una reunión con los ejecutivos de los estudios, estos se despedían aconsejando a los guionistas: “Llévenlo a Disney”. Al final, hicieron caso y concertaron una reunión en Disney. El encuentro fue el más corto de todos. Apenas se sentaron, un alto ejecutivo de la firma con cara de pocos amigos les escupió: “¿Ustedes están locos? ¡Esto es Disney! ¿Cómo vamos a producir una película que se trata de un incesto entre madre e hijo? La madre besando al hijo en el auto: eso es horrible”.

CURIOSIDADES:

La primera máquina en la que pensaron para enviar a Marty McFly al pasado era una heladera. Cambiaron por un gran cubo, una cámara donde estaba la máquina que permitía viajar en el tiempo, ubicado en la caja de una camioneta. Pero esas opciones hacían complejo superar algunos obstáculos, ralentizaban su historia. Necesitaban una auto. El guion tuvo varias decenas de versiones y la máquina del tiempo decena de encarnaciones.

La elección fue bastante obvia para los creadores. Necesitaban un auto que en los cincuenta pareciera una nave espacial. Y en los 80 no habían muchas opciones (quizás en esta época hubieran elegido algún “bicho” de Tesla). Querían que encuadrara de lleno con el chiste que ya habían escrito de la escena en el granero, el chico, la revista de historietas y la confusión. El DeLorean ganó la partida por sus puertas que se abrían hacia arriba, verticalmente, que le daban un aire futurista.

El auto tiene su propio historia (que mereció algunas películas). Desarrollado durante apenas dos años por John DeLorean, un hombre que supo ser el Joven Maravilla de la industria automotriz, vendió sólo la mitad de las unidades que sacó al mercado: unos 3.500. John DeLorean se involucró en un negocio de narcotráfico para intentar salvar a su empresa pero fue descubierto y encarcelado.

El auto resultó un fracaso comercial y al momento de la filmación hacía dos años que había dejado de fabricarse. DeLorean, el fabricante, apenas se estrenó la película envió una carta de agradecimiento a Zemeckis; allí le decía que gracias a Volver al Futuro su creación no se perdería en el tiempo. Y vaya razón que tuvo.

Los viajes en el tiempo los obsesionaban a los escritores. Estaban convencidos de que eran un gran tema para un film. Una tarde que en su casa paterna, Bob Gale se puso a revisar viejos papeles y encontró los anuarios escolares de su padre.

El presidente de Universal de entonces se mostró complacido con el proyecto pero detestaba el título. Propuso “Un astronauta en Plutón” porque sostenía que nunca había sido un éxito de taquilla un film con la palabra futuro en el título.

Zemeckis intentó explicar infructuosamente que ese título no tenía nada que ver con su historia. Hasta que terció, una vez más, Spielberg: envió una carta al jefe del estudio dando por hecho que la propuesta del cambio de nombre sólo se había tratado de una “jodita” y hasta felicitaba al ejecutivo por su sentido del humor.

Que Michael Fox pudiera actuar en la película que lo consagraría como una estrella exigió que casi no durmiera durante unos cuantos meses. El compromiso era que debía seguir con el programa televisivo. A las 9 de la mañana lo pasaban a buscar por su casa y lo llevaban a grabar la serie. A las 5 otro chofer lo llevaba al set de Volver al Futuro. Así empezaba a filmar la película a partir de las 6 de la tarde hasta la madrugada, de ahí el regreso a su casa o un viaje directo hasta el canal. En el trayecto él aprovechaba para dormir un poco.

“Al fin y al cabo era la edad para hacerlo: tenía 23 años”, cuenta Michael Fox en Lucky Guy, su libro de memorias.

El estreno estaba previsto para agosto de 1985. Pero la recepción en las proyecciones previas fue tan entusiasta que el estudio decidió adelantarla para principios de julio. Debían aprovechar las vacaciones, la temporada alta. Tenían en sus manos un hit impensado de un director sin demasiados antecedentes y un elenco en el que no había ninguna estrella, con un argumento un poco improbable, difícil de explicar en una línea. Pero el público reaccionaba extasiado.

EN NÚMEROS:

Volver al Futuro fue la película más taquillera de 1985. Recaudó casi 400 millones de dólares en todo el el mundo. El costo había sido de 19 millones. Luego, Volver al Futuro se convirtió en saga. En enero de 1989 se implementó un sistema novedoso de rodaje: se filmaron las dos simultáneamente para ahorrar en presupuesto y para reunir al elenco una sola vez. Además, el set de filmación había costado 2 años de trabajos de construcción.

Las tres recaudaron casi mil millones de dólares (eran épocas en las que las secuelas recaudaban un poco menos que las originales: al revés que en la actualidad en las que las sagas suelen ser exitosas, quizás en gran parte gracias a Marvel que subió el nivel con sus películas de Los Vengadores todas conectadas entre sí).

Con información de ANSA

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