MIGUEL DURÁN nació en Cuernavaca, Morelos e inició su carrera musical a los 17 años de edad, sin embargo su parecido físico y estilo interpretativo lo llevaron a convertirse en el mejor doble de un grande: MARCO ANTONIO SOLÍS.
“Los Bukis siempre fueron mis ídolos -comenta-, así que me sabía todas sus canciones y el escucharlos tanto, supongo que hizo de Marco mi mayor influencia artística, eso sin tomar en cuenta que la gente me decía que cantaba como él y me parecía mucho a él. A mí siempre me gustó su imagen de cabello largo y barba, así que no me desagradó la idea de adoptar ese mismo look”.
El tiempo fue pasando y Miguel Durán cada día amaba más la música del Buki Mayor; empezó a participar en concursos televisivos de imitación y sin imaginarlo, logró la internacionalización…
“Cuando estuve en Soy tu doble, de TVAzteca, un empresario venezolano vio mi trabajo y se interesó en llevar al doble de Marco Antonio Solís a Caracas, luego me invitaron hasta que un amigo me ofreció viajar a Santiago de Chile, con la idea de presentarme en un homenaje para este señorón”.
El éxito fue pleno, tan grande que hoy en día Durán cuenta con un contrato anual, para asistir a los eventos de verano que se hacen en tierras chilenas… Pero, ¿qué pasa con sus aspiraciones de brillar con su propia música y personalidad?
“Como todo cantante, siempre existe la idea de escribir canciones y bueno, es algo que yo sigo haciendo y que quiero dar a conocer al público. Son temas inéditos bajo el sello de Miguel Durán, con mi estilo personal y sin imitar a Marco Antonio, aunque el ser su doble es una faceta que no pienso dejar del todo, porque me ha abierto muchas puertas y estoy muy agradecido”.
Miguel se encuentra listo y lleno de ilusiones para iniciar un nuevo camino. Lucirá su propia imagen e interpretará sus temas de corte tropical, baladas rítmicas y mezclas de géneros distintos. Será una gran sorpresa. Así que mientras llega el momento de este gran lanzamiento, aquí estas imágenes de Miguel Durán, el mejor imitador de Marco Antonio Solís.
ROMA.-CAMILO SESTO quiso ser cantante desde los cuatro años, cuando “escuchaba a Joselito, su ídolo, y a las folclóricas en la radio, las vecinas le pedían que cantara en la calle, y así empezó”, cuenta a ANSA la biógrafa del cantante, Elena Gómez de la Puerta.
Cuando en 1972 se fue de gira a Argentina “y se encontró sus canciones en la radio, fue cuando se dio cuenta del éxito que tenía en ese continente”, añade.
Gómez de la Puerta acaba de publicar el primer volumen de Camilo Sesto. Mi última canción (Editorial Chocolate), biografía autorizada del cantante de baladas que saca a relucir su lado más rockero al inicio de su carrera musical.
Nacido como Camilo Blanes Cortés en 1946 en Alcoy (Alicante, este del país), localidad famosa por sus fiestas de Moros y Cristianos, fue solista en el coro del colegio de Los Salesianos, aunque al principio él no quería.
Para que los examinadores le considerasen “no apto” cantó la escala musical al revés, pero el temor a la regla de madera le hizo desistir, superó la prueba y se convirtió en solista.
La biografía narra anécdotas ocurridas en su infancia: el niño Camilo era el que gastaba las broma más divertidas de su barrio.
Ya todos le conocían y los vecinos no se enfadaban porque realmente eran muy ingeniosas. Su amigo Miguel Císcar rememora que “cuando caía la tarde nos escondíamos con las niñas en un descampado. Eran las primeras sensaciones y los primeros amores.
El que más éxito tenía con ellas siempre fue Camilo”. Su familia, que quería que fuera electricista, como el padre, no le apoyó demasiado en sus inicios musicales: “No querían que fuera artista, pero vieron que si quería destacar se tenía que ir a Madrid”.
En la capital, adonde llegó con 18 años, formó parte primero del grupo de rock Los Dayson, y cuando éste se deshizo dos de sus cinco miembros fueron rescatados por el grupo, también de rock, Los Botines.
“Los Beatles eran su principal referente musical, Paul McCartney en concreto”, apunta la biógrafa. “El salto a las baladas se lo propuso la discográfica. No había destacados solistas y había un exceso de grupos rockeros”, cuenta.
Su familia “le empezó a apoyar cuando se dan cuenta de que él no estaba equivocado, cuando le llega el estrellato con la canción Algo de mi, que salió al mercado en 1972.
A raíz del concurso musical de la OTI, en el que participó en 1973, se le empezó a conocer en toda América Latina, “un territorio en el que siempre se sintió como en casa”, señala Gómez de la Puerta.
La biografía de Camilo Sesto, que vendió más de 180 millones de discos, abarca sus 30 primeros años, hasta 1976, tras la publicación de su sexto álbum, Jesucristo Superstar.
Gómez de la Puerta, que conocía al cantante desde 2006, le dijo un día que le extrañaba que siendo un artista con una carrera tan rica solo existiera una biografía suya, publicada en 1984.
“Es que nadie me conoce en la parte artística tan bien como tú”, le contestó el cantante, y “yo me lo tomé como una invitación para hacer una biografía”.
La escritora entrevistó a 40 personas del entorno del cantante, fallecido en 2019, e investigó documentos en hemerotecas y archivos históricos.
ROMA.- THE LYRICS: 1965 TO THE PRESENT, es el título del autorretrato que comprende 154 canciones de PAUL MCCARTNEY, editado y presentado por el ganador del Premio Pulitzer Paul Muldoon, que estará en las librerías para noviembre de este año. En Italia será lanzado para la editorial Rizzoli que anuncia la publicación.
“No sé cuántas veces me preguntaron si escribiría una autobiografía, pero nunca había sido el momento adecuado. Lo único que siempre he sido capaz de hacer, en casa o sobre la marcha, es escribir nuevas canciones. Sé que cuando llegas a cierta edad, un diario ayuda a recordar los días pasados. Pero nunca tomé notas. Lo que me queda son mis canciones, cientos de canciones que, entiendo, equivalen a una especie de diario. En estas canciones hay toda una vida útil”, aseveró Paul McCartney.
Se trata de dos volúmenes de box set en los que McCartney relata, con extraordinaria sinceridad, su vida y arte a través de 154 canciones que cubren todas las etapas de su carrera, desde composiciones juveniles tempranas hasta la legendaria década con los Beatles, desde alas hasta álbumes en solitario. Organizadas en orden alfabético, no cronológico, las letras finales de las canciones se recogen aquí por primera vez, junto con la historia de las circunstancias en las que fueron escritas, las personas y los lugares que las inspiraron. Hay materiales inéditos y preciosos de su archivo personal, manuscritos, cartas, fotografías.
“Espero que lo que escribí muestre a los lectores algo sobre mis canciones y mi vida que nunca habían visto antes. Traté de decir algo sobre cómo nace la música, lo que significa para mí y lo que espero que signifique para los demás también”, explicó Paul McCartney, quien escribió su primera canción a la edad de 14 años. “Estos textos, extraídos de cinco años de conversaciones con Paul McCartney, están tan cerca de una autobiografía como podemos tener. Lo que Pablo nos dice sobre su proceso creativo confirma algo que antes sólo podíamos sospechar: nos enfrentamos a un escritor de importancia primaria que encaja perfectamente en la larga tradición de la poesía en inglés”, dice Paul Muldoon.
NUEVA YORK.- Los fans de BRITNEY SPEARS la han apoyado afuera del tribunal en su batalla legal frente a su padre y a raíz del documental del New York Times, Framing Britney Spears, la estrella pop de 39 años ha obtenido de la jueza Penny Brenda que su progenitor ya no tiene protección exclusiva sobre ella. Jamie Spears seguirá teniendo voz y voto en las finanzas y decisiones personales de su hija, pero tendrá que trabajar con Bessemer Trust, una compañía de servicios financieros, a partir de ahora.
La historia es intrincada: desde 2008, después del colapso nervioso y público de su hija (sus fotos con la cabeza rapada habían hecho las rondas del mundo), Jamie se ha convertido en el guardián legal de la herencia y la carrera de su hija, un papel por el que se dice que le pagan alrededor de 130 mil dólares al año. El término legal en California es “conservatismo” y varios expertos legales pronto se habían torcido la nación porque este tipo de protección se aplica generalmente a aquellos que tienen trastornos mentales o son ancianos. Durante años Britney no había discutido la situación.
Todo había cambiado el año pasado cuando su abogado, Samuel Ingham III, dijo en la corte que la estrella del pop estaba “fuertemente opuesta” a la protección paterna y ya no cantaría en público si las cosas no cambiaran. En noviembre, Penny instruyó a Bessemer a trabajar con papa Spears en un plan de inversión para la cantante. Pero rechazó la solicitud de Britney de revocar la fianza que ha estado sometiendo sus finanzas y carrera a las decisiones de su padre durante más de una década.
Los fans de Britney han estado apoyando fuertemente su causa durante años a través del movimiento #FreeBritney, que ha obtenido membresías totales, desde Cher hasta Paris Hilton, desde Miley Cyrus hasta la Unión Americana de Libertades Civiles.
Los fans notaron que, después de la crisis nerviosa, la carrera de la estrella del pop despegó de nuevo. Jamie respondió que la fortuna en manos de Britney ha crecido gracias a su perspicacia financiera: desde el bajo cero hace una década hasta los 60 millones de dólares a la última valoración de Forbes.
Spears, por su parte, está de vuelta en la cresta de la ola: apareció en la serie How I Met Your Mother, lanzó el sencillo y el video Womanizer, número uno en Billboard, recorrió el mundo y trajo a Las Vegas espectáculos que se agotaron. Además de ser jueza de X Factor, anunció perfumes y una línea de ropa interior.
Finalmente, el documental New York Times, lanzado la semana pasada en FX y Hulu, además de seguir la carrera de la cantante, primero como una estrella infantil y luego una prodigio pop cuando todavía era una adolescente, la película dirigida por Samantha Stark pone el foco en los recientes intentos de Spears de liberarse de la protección paterna.
LOS ÁNGELES.- MARY WILSON, la cantante de Motown y fundadora de las Supremes, la banda negra femenina más grande en las décadas de 1960 y 1970, falleció a los 76 años.
A los 15 años, WILSON y Florence Ballard fundaron el grupo (entonces llamado The Primettes) en Detroit. Se les unió Diana Ross. “Mary Wilson fue extremadamente especial para mí. Fue una pionera, una diva y la echaremos mucho de menos”, dijo Berry Gordy, fundadora del legendario sello Motown, que estaba detrás de muchos de los éxitos de la banda.
WILSON murió en su casa de Las Vegas, dijo su publicista Jay Schwartz a ET News. Hace apenas dos días Wilson subió un breve clip a YouTube para celebrar febrero, el mes de la historia negra y anunciando: “noticias emocionantes sobre The Supremes, Florence Ballard y materiales inéditos”.
La banda alcanzó el éxito a finales de la década de los sesenta con éxitos como Stop! En el nombre del amor y Amor del bebé. Pero después del lanzamiento de Diane Ross en 1970 para una carrera en solitario, el grupo nunca recuperó su dominio en las listas americanas, a pesar de tener algunos éxitos como River Deep, Mountain High y Stoned Love.
Fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 1986 escribió un libro de memorias, Dreamgirl: My Life As a Supreme, que describía su vida con la banda – y su relación con Ross.
ROMA.- BILLIE HOLIDAY no solo fue una de las cantantes más sobresalientes de la escena musical, también es considerada una artista que desafió al racismo, por ello vuelve al centro de la escena en el film de Lee Daniels, THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY, de Lee Daniels, cuya protagonista, Andra Day, está nominada a los premios Golden Globe por su interpretación de la cantante de blues cuya vida fue tormentosa desde su traumática infancia debido a que su madre la obligó a prostituirse a los 11 años.
Andra Day stars in THE UNITED STATES VS. BILLIE HOLIDAY from Paramount Pictures. Photo Credit: Takashi Seida.
Víctima del abuso del alcohol y las drogas, HOLIDAY también supo ser una mujer fuerte, generosa y libre, incluso en su sexualidad.
HOLIDAY fue defensora de los derechos civiles y siempre estuvo en la mira del gobierno estadounidense y del FBI de Hoover: una persecución que también contribuyó a la muerte prematura del cantante en 1959, a la edad de 44 años.
Un torbellino de contradicciones, arte, tragedia y coraje, se aprecian en este film acerca de la gran artista afroamericana.
La película, que llega a Estados Unidos a través de Hulu el próximo 26 de febrero, acaba de ganar dos nominaciones al Globo de Oro: a Mejor Actriz de Drama para Andra Day (incluso entre las favoritas para una nominación al Oscar) que vuelve a competir también en las cinco mejores canciones, Tigress and Tweed, interpretada y escrita por ella con Raphael Saadiq.
“Soy fan de Billie Holiday desde los 11 o 12 años -explicó Andra Day, nacida en 1984, en el encuentro online con Lee Daniels organizado por la American Cinemateque-, inmediatamente me llamó la atención su voz, tan diferente de los estridentes a los que estaba acostumbrada. Era una voz única poco frecuente y a lo largo de los años, su ejemplo me ha animado a estar orgullosa de mi voz e individualidad, me enseñó a usar el poder del arte con cuidado y sabiduría”.
El vínculo de Lee Daniels, director de películas como Precious y The Butler, con Billie Holiday ya había pasado por el cine: La dama del blues (dirigida por Sidney J. Furie en 1972, con Diana Ross en el papel principal) es la cinta que me inspiró a convertirme en director. La vi a los 13 y me impactó.
Fue la primera vez que vi una historia de amor negro, una historia tan intensa y profunda en lugares y con una música que me pertenecía a mí y a artistas como Diana Ross, Billy Dee Williams y Richard Pryor. Quería que mis films se sintiera como me sentí yo después haber visto eso”, explicó.
Cuarenta años después “me llegó este hermoso guion sobre Billie Holiday y me doy cuenta de lo mucho que no sabía sobre sus luchas”.
“Cuando pensamos en el movimiento por los derechos civiles, nombres como Martin Luther King, Malcolm X, Gandhi, Rosa Parks aparecen de inmediato. En mi opinión Billie Holiday dio impulso a ese movimiento, con su canción Strange Fruit (una de sus ramas símbolo, que habla del linchamiento de un hombre negro, la ‘fruta extraña’ que cuelga del árbol) y es un hecho que no se encuentra en los libros de historia. Entonces yo también luché contra mis adicciones y como artista entiendo el camino de Billie, sentí que tenía que hacerle justicia”.
La película sigue a la cantante principalmente en los últimos 12 años de su vida (con flashbacks de su pasado), cuando el FBI, y uno de sus principales emisarios, Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund), para truncar la carrera de la artista, que continuaba cantando Strange Fruit en sus conciertos, la convierte en el objetivo de control constante al borde de la persecución.
Debido a la adicción de Billie a la heroína, encuentros erróneos, problemas personales y profesionales y, a veces la utilización por parte de las autoridades de pruebas falsas, la mujer acaba detenida varias veces (en 1947 también cumple un año de prisión), pero cada vez más minada físicamente, hasta el final, no se rinde.
“Sabía que el gobierno había perseguido a Billie Holiday, pero no sabía hasta dónde había llegado”, dijo Andra Day, quien perdió 17 kilos para el papel y reinterpretó todas las canciones.
“El único modo que tenían para llevar adelante aquel sistema de opresión era aplastar la verdad, aquello que cantaba Billie.
Me asombró su fuerza para luchar sola, su resiliencia, su poder interior. Realmente la considero la madrina de la lucha por los derechos civiles”.
En ella “había un deseo de ser escuchada y al mismo tiempo una gran vulnerabilidad. Siendo una mujer negra viviendo en Estados Unidos, conozco esa soledad y ese sentimiento invisible”, acotó.
“Obviamente, mi arte y mi vida han sido durante mucho tiempo imanes para la controversia, pero estas recientes afirmaciones sobre mí son horribles distorsiones de la realidad. Mis relaciones íntimas siempre han sido totalmente consensuadas con parejas afines. Independientemente de cómo, y por qué, otros eligen ahora tergiversar el pasado, esa es la verdad”, así fue la más reciente declaración de MARILYN MANSON, el nombre artístico de Brian Warner, horas después de que al menos cinco mujeres, Ashley Walters, Sarah McNeilly, Ashley Lindsay Morgan, una artista que se identificó como Gabriella y EvanRachel Wood, detallaran haber sufrido abuso sexual y emocional que supuestamente enfrentaron a manos del artista.
Desde hace varios años ya existía la sospecha de que Brian Warner, verdadero nombre de Marilyn Manson, era el atacante que Rachel Wood había denunciado en 2018, durante una audiencia sobre agresiones sexuales ante el Congreso, sin revelar entonces su identidad.
De esta manera MARILYN MANSON pasa a formar parte de la lista negra de famosos y celebridades acusados de abuso sexual.
Las diferencias y conflictos entre el famoso músico y cantautora PHIL COLLINS y su ex esposa Orianne Cevey, se ha convertido en asunto mediático cuando ella ha puesto en subasta, en el sitio Kodner, varios de los premios y discos de oro del cantante tras sostener una tensa relación con él, reportó TMZ.
Entre los objetos que Cevey incluyó en su subasta se encuentran varios LP’s de Oro y diversos premios del intérprete, aunque no especificó cuáles; el movimiento surge meses después de que el famoso le exigiera que desalojara su mansión en Miami Beach.
Los LP que entraron en la lista son: un disco de oro de The Principle of Moments, de Robert Plant.
También está en LP de oro de Pictures at Eleven, de la banda que Plant tenía, en la que Collins fue baterista.
De acuerdo con el sitio de subastas todos los discos tienen una oferta inicial de 100 dólares, y del total que se recaude por cada producto se destinará un 10 por ciento a la Fundación Never Give Up.
Collins es uno de los tres artistas pop, junto con Paul McCartney y Michael Jackson, que han vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo tanto en su carrera en solitario como formando parte de una banda. Contando su trabajo con Genesis, sus contribuciones con otros artistas, y su exitosa carrera en solitario, una cuarentena de sus éxitos encabezaron la lista del Billboard Hot 100 durante los años ochenta.
LONDRES.- Sting, Elton John, Ed Sheeran, Liam Gallagher, Radiohead, Bob Geldof, Brian May de Queen, Robert Plant de Led Zeppelin, Peter Gabriel y Kim Wilde, son algunos de los nombres más relevantes de la escena musical británica que salieron a la palestra para protestar por su situación tras el Brexit.
A ellos se sumaron cantautores como Judith Weir, el director Simon Rattle y la violoncellista Nicola Benedetti: en total más de 110 artistas, todos enojados y decepcionados por el gobierno británico.
Son los voceros de la protesta por el modo en que la música -las grandes estrellas, pero sobre todo las bandas itinerantes- fueron “vergonzosamente” abandonadas después del Brexit.
La queja llegó en la forma de una carta publicada por el Times donde denuncian que los acuerdos hicieron de Europa una “zona de exclusión” para los músicos.
Tras el fin de la libre circulación entre el continente y el Reino Unido, hay que obtener visas individuales antes de ir a cualquier país de la Unión Europea, con los consecuentes costos adicionales (incluyendo permisos de 350 libras para instrumentos musicales y otros equipos) y trabas burocráticas que harán “insostenibles muchas giras”.
Londres y Bruselas se culpan mutuamente por la situación, pero según los signatarios los músicos serán quienes paguen los platos rotos: sobre todo, los jóvenes y los emergentes, a quienes “ya les cuesta mantener la cabeza fuera del agua. Toda la industria musical del Reino Unido ya se vio devastada por la pandemia y las nuevas restricciones hacen más trabajosa y lejana la perspectiva del regreso a las salas de concierto, giras y festivales.
El negociador europeo del Brexit, Michel Barnier, negó haberse opuesto a la libre circulación de los músicos durante los coloquios, asegurando que presentó en Londres “propuestas bastante ambiciosas en términos de movilidad”.
Según el diario The Independent, fue Londres la que rechazó una propuesta estándar de la Unión que concede una exención de visa de tres meses a los artistas y creadores, algo que Downing Street negó.
En los últimos días, la secretaria de Estado británica para la Cultura, Caroline Dinenage, aseguró que la puerta “quedó abierta” para nuevas discusiones “si la UE está lista para considerar las propuestas muy razonables del Reino Unido”.
Los músicos reclaman la creación de un “pasaporte” que dure al menos dos años, de costo económico y que comprenda a todos los Estados miembro de la UE, y que pueda ser usado también por el equipo técnico y todo el personal que hace posibles las giras.
Varias peticiones en este sentido, también en la plataforma Change.org, están recogiendo miles de firmas en estos días.
Callar, no haber dicho lo que sabía a tiempo, le costó al tenor PLÁCIDO DOMINGO, quien hoy cumple 80 años, el descrédito mundial luego de las acusaciones de varias mujeres -sólo tres han dado sus nombres y suman 27 en total- que van desde el flirteo recurrente hasta las acusaciones sobre propuestas sexuales dentro del ámbito de trabajo y fuera de él.
12 de diciembre de 1972, Plácido Domingo, que inauguró esa temporada en La Scala, camina por la Piazza Scala con la Ópera de fondo, en Milán. (AP Foto/Raoul Fornezza, Archivo)
La noticia que se esparció como reguero de pólvora se conoció a través de la Associated Press y luego fue refrendada por una investigación del Sindicato de Trabajadores de Ópera de Estados Unidos. De los 27 casos confirmados de mujeres acosadas por el famoso tenor, sólo tres de las víctimas han dado sus nombres: las cantantes Patricia Wulf y Ángela Turner Wilson, y Melinda McLain, coordinadora de la Ópera de Los Ángeles, quien ha puntualizado sucesos ocurridos entre 1986 y 1987.
Con seis décadas en los escenarios de todo el mundo, con una ejemplar labor humanitaria durante el sismo de 1985 en México, y personaje emblema de la ópera en el siglo 20, PLÁCIDO DOMINGO creyó que callar sería la solución en una revelación mediática que le ha cobrado factura en su imagen pública y en su vida familiar.
Debido a ello, según lo refiere Matías Bauso, en agosto de 2019 PLÁCIDO DOMINGO cantó Giovanna D’Arco en el Teatro Real.El público casi no aplaudió, algunos hasta abuchearon. En la ópera tanto las efusiones como los enojos son de gran intensidad. Los críticos hablaron de desastre, alguien escribió que la versión fue horrenda. Podía tratarse de un declive propio de la edad. Ya se acercaba a los ochenta. No era la primera vez que tenía una mala noche. A cualquiera le puede pasar.
Pero en esos días Plácido Domingo atravesaba un infierno. Estaba sufriendo chantaje de la Cientología para que él y su esposa pudieran ver a sus nietos. Se dice que el pago fue de dos millones de dólares.
Pero, cuando él creía, que nada podía ser peor, llegó el gran golpe. Una semana después,las acusaciones de abusos cayeron sobre él en cascada. Primero una decena, después otras varias más, hasta sumar 27. El efecto fue inmediato: debió dejar sus cargos al frente de importantes orquestas, se suspendieron funciones todo el mundo; más de 33 fechas fueron anuladas.
Contrario a su declive en su vida, el tenor interpretó la canción del Mundial de España 82, participó en las ceremonias de los Juegos Olímpicos Barcelona 92 y de Pekín 2008.
En ocasión del Mundial de Italia, se produjo una unión que revolucionaría el negocio musical. Todavía no eran una marca registrada, parecía una unión circunstancial, excepcional. José Carreras, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo con la dirección de Zubin Mehta. El impacto fue extraordinario. Se juntaron también para los siguientes tres mundiales.
Los Tres Tenores dieron a lo largo de 16 años 33 conciertos que batieron todas las marcas. Sus grabaciones vendieron millones de copias. El primero de sus discos mantiene el récord de ser el más vendido de la historia de la música clásica. Fueron un fenómeno. Llevaron esta música a una enorme cantidad de personas que no la había escuchado nunca. Los puristas los criticaron con ardor. Pero al lado del impacto que produjeron, esas quejas fueron un débil rumor.
Plácido Domingo defendía su derecho a ser popular, masivo: “Si los grupos de jóvenes, que no estudiaron, que no saben de música, llenan estadios y ganan millones, por qué no lo podemos hacer nosotros. Yo disfruto mucho de la masividad”, dijo.
PLÁCIDO DOMINGO goza de plena salud, su fortaleza permanece intacta. Pero en los últimos dos años su imagen pública se desmoronó. El efecto del #MeToo llegó y con fuerza al mundo de la ópera.
El tenor también es director de orquesta y compositor. Sus registros son los de tenor y barítono. Pero no sólo dejó su estela en la música clásica. Siempre se preocupó por ensanchar su público. De esa manera grabó canciones melódicas, boleros y hasta un disco de tangosa principios de la década del ochenta que provocó escozor en los tangueros de la vieja guardia. Sin embargo, los compositores y letristas que aún estaban en actividad, como Enrique Cadícamo y Mariano Mores, agradecieron la inclusión de sus temas que se reflejó en jugosas liquidaciones por derechos de autor y en la difusión de sus canciones en todo el mundo. Sólo en Argentina, el álbum vendió casi 100 mil copias.
De acuerdo a Matías Bauso en INFOBAE, la actitud de Plácido Domingo varió con el tiempo. En cuanto aparecieron los primeros casos, emitió un comunicado negando los hechos y lamentando que algunas mujeres se hubieran sentido mal por alguna de sus actitudes. Meses después, cuando el descalabro parecía indetenible, pidió disculpas incondicionales. Pero tiempo después volvió a cambiar, y adquirió una postura más combativa, luchando por su rehabilitación pública.
“A Plácido Domingo le llegó el ocaso. De manera inesperada. Él, quizá, imaginó que algún día notaría alguna merma en el escenario, y que ese sería el momento del adiós. Pero la caída no se debió a un decaimiento suyo sino a una sanción inmediata y masiva. Fue cancelado. Es probable que no llegue a reivindicarse en escena. El paso del tiempo es cruel. También esta época.
NUEVA YORK.- Lo que hace la mano hace la tras: el ejemplo de Bob Dylan y Neil Young, ahora lo sigue al pie de la letra uno de los fundadores de Fleetwood Mac, MICK FLEETWOOD, quien vendió su parte de las grabaciones de la banda al gigante musical Bmg. El acuerdo cubre los derechos de álbumes clásicos como Rumours, Tango In The Night y Tusk, para un total de 300 canciones y “18 horas de batería”, anunció la división musical del gigante mediático alemán Bertelsmann.
Hace unos días, el sencillo de 1977 de Fleetwood Mac Dreams había enviado a TikTok a la fibrilación recogiendo 2.9 millones de visitas seguidas de una avalancha de ventas en streaming, mientras que en 2020 la colección de grandes éxitos 50 Years – Don’t Stop entró en los diez mejores álbumes del año en el Reino Unido. El acuerdo entre Bmg y Fleetwood difiere de los alcanzados por Dylan y Young: los dos músicos sólo vendieron material de su catálogo musical a Universal Music y el British Hipgnosis Songs Fund respectivamente, no los derechos de las grabaciones reales. En Mick Fleetwood Bmg pagó una suma única a cambio de futuros ingresos de la distribución de su música, incluyendo las “cintas maestras” creadas en el estudio en los últimos 50 años.
Hipgnosis había comprado recientemente los catálogos de otro miembro de Fleetwood, el guitarrista Mac Lindsay Buckingham, mientras que Stevie Nick, otro miembro de la banda, había vendido el 80% de su producción como cantautor – entre ellos Rhiannon a la editorial de música Primary Wave por cien millones de dólares.
El auge de los servicios de streaming como Spotify en los meses de la pandemia está detrás del auge de las ventas de catálogos de música generando ingresos cada vez que se reproducen en la radio, Internet, en películas, programas de televisión o programas de fitness en línea como Peloton.
Pero también es el encierro que bloqueó conciertos y giras (“nunca habría vendido si no me hubieran obligado a hacerlo”, dijo David Crosby, ex miembro de Byrds y cofundador de Crosby, Stills y Nash) por no mencionar el “factor de edad”.
Otros artistas como la legendaria Dolly Parton, de 74 años, está pensando en ello “por razones de negocios y definición de herencia” a medida que se acerca el final de su carrera.
Después del exitoso concierto virtual del pasado 12 de diciembre llamado Reaching Dreams Through Music que ofreció LANG LANG al lado de estrellas como Sam Smith, Diana Krall, Ron Howard, Jon Batiste, Misty Copeland entre otros más, estrena tema y video, que forman parte de BACH: GOLDBERG VARIATIONS EXTENDED EDITION.
El concierto también destacó el impacto de la música en la vida de los niños de todo el mundo, al tiempo que abogó por un acceso equitativo a la educación musical.
El concierto culminó con un gran final con Lang Lang tocando virtualmente junto a más de treinta pianistas jóvenes de todo el mundo, con el Coro de Jóvenes de Nueva York.
Ahora para comenzar el 2021 Lang Lang está lanzando una serie de nuevas grabaciones incluidas en su próxima Bach: Goldberg Variations Extended Edition y que verá la luz el próximo 12 de febrero. La nueva versión de su aclamado álbum doble incluye siete pistas adicionales, entre ellas arreglos para piano solo de algunos de los escritos vocales e instrumentales más hermosos de Bach.
Las nuevas piezas se encuentran entre los descubrimientos personales de Lang Lang: transmiten la ternura y la belleza de la escritura melódica de Bach y complementan las Variaciones Goldberg. Como dice Lang Lang, “las siete piezas que acabo de grabar como parte de este proyecto se han sumado a mi comprensión de la música de Bach”.
LONDRES.– Este domingo se cumplen 5 años sin el londinense oriundo de Brixton al sur de Londres, David Robert Jones, mejor conocido como DAVID BOWIE, una estrella de rock que pudo ser mucho más que un rockero y algo más que una estrella.
Para sus fans y seguidores fue un shock: pocos sabían que uno de los genios más revolucionarios de la historia del rock había sido un enfermo desesperado durante algún tiempo, pero en ese triste día de 2016 todo el mundo entendió que esa despedida había sido preparada como el último acto de una aventura artística que cambió el mundo. Y, en cierto modo, el shock fue aún mayor, cuando, escuchando las notas de Black Star, un álbum de una profundidad emotiva, uno se encontró frente a la obra maestra de un hombre que decidió contar su fin anulando de la manera más definitiva el límite entre el arte y la vida.
El mundo descubrió con Bowie la idea de que un músico podría ser simultáneamente una figura que, muy adelantado a los tiempos,puso en juego una ambigüedad sexual descarada y al mismo tiempo se mezcló con el Cabaret de Berlín, el teatro kabuki, el Mimo de Lindsay Kemp.
Un artista que no era Bowie probablemente habría pasado toda su vida en los laureles de Ziggy, pero decidió liberarse de ese alter ego tan engorroso para asumir primero la identidad del duque blanco delgado, el Duque Blanco lanzado para conquistar América pero esclavo de la cocaína y luego sumergirse en Berlín a mediados de la década de 1970 para producir la famosa trilogía de Berlín con uno de los muchos giros estilísticos impactantes.
Es impresionante pensar cuántas cosas ha sido David Bowie, la de Let’s Dance y la del rock muy duro y en bancarrota comercialmente de Thin Machine, un crooner con un carisma sin igual, un autor brillante, un icono de estilo, un explorador de sonido, un actor, un artista que en todo lo que se preocupaba poco sobre el mercado pero ganó montañas de dinero gracias a Bowie Bonds gracias a los bonos de Bowie , una operación financiera sin precedentes, un pintor vinculado al expresionismo alemán, un actor con un importante plan de estudios que consiste en películas como El hombre que cayó a la tierra, La última tentación de Cristo, Miriam despierta a medianoche, Furyo, Todo en una noche, Labirinth y que se permitió un cameo en Zoolander y una aparición en El Prestigio de Christopher Nolan.
Un carácter único, iluminado, impulsado por una curiosidad inconclusa y un deseo imparable de conocimiento, como para comunicar ese cambio y el descubrimiento de lo nuevo son un método para poner orden en el caos. David Bowie fue y sigue siendo uno de los artistas más influyentes en la historia de la cultura popular, como lo demuestra la exposición realizada por el Victoria y el Albert Museum de Londres.
BOWIEfue uno de los primeros en entender que el Rock’n’Roll podría ser mucho más que la música que anunció al mundo el nacimiento de los jóvenes como una categoría social, para adivinar que se podría ir más allá de los límites y convenciones, que alrededor de la música se podría construir un verdadero universo de signos. Incluso la muerte se ha transformado en algo más allá de su inevitable verdad. Cuando, frente al último acto, David Duncan Jones y David Bowie volvieron a ser la misma persona.
El legendario artista, compositor y productor BARRY GIBB estrenó este día su álbum GREENFIELDS: The Gibb Brothers Songbook, Vol. 1, disponible en plataformas digitales.
Producido por el ganador al Grammy, Dave Cobb, el álbum muestra a Gibb cumpliendo su sueño de trabajar con algunos de los artistas de country, bluegrass y americana que más admira, incluidas colaboraciones con Alison Krauss, Brandi Carlile, Dolly Parton, Jason Isbell, Keith Urban, Little Big Town, Miranda Lamber, Olivia Newton-John y Sheryl Crow. Disfruta del trailer del álbum aquí.
Gibb ha ofrecido entrevistas esta semana en NPR Morning EditionyCBSSunday Morning, así como una nota enThe New York Times, que proclama: “La voz de Gibb en Words of a Fool es fuerte pero también espectral … Casi seis décadas después de que cantó por primera vez en un disco, sigue siendo uno de los instrumentos más sobrenaturales de la música popular”. Además, The Wall Street Journal elogió el álbum, calificándolo de “un nuevo y entrañable saludo a las canciones de los gigantes del pop, los Bee Gees“, mientras que Entertainment Weekly declara: “magnífico, con inflexión gospel, besado por el country“.
Además del nuevo álbum, Gibb también forma parte del aclamado nuevo documental, The Bee Gees: How Can You Mend A Broken Heart, dirigido por Frank Marshall y el cual salió a través de HBO Max. Sobre el documental, el Washington Post declaró, “Magnífico … minucioso y maravillosamente agradecido“, mientras que The Hollywood Reporter lo llama, “una cálida explosión de nostalgia musical“. Mira el tráiler AQUÍ.
Sobre la grabación de GREENFIELDS, Barry Gibb comenta: “Desde el primer día que entramos a los estudios RCA en Nashville (mismo lugar donde Elvis, Willie, Waylon, Roy, the Everly Broters y muchas otras más leyendas hicieron magia) el álbum adquirió vida propia. No puedo estar más agradecido por la oportunidad de trabajar con Dave y todos los artistas que colaboraron. Todos fueron increíblemente generosos con su tiempo y talento. Me inspiraron más de lo que las palabras pueden expresar. En el fondo siento que a Maurice y Robin les hubiera encantado este álbum por diferentes razones. Ojalá pudiéramos haber estado todos juntos para hacerlo … pero creo que lo estábamos“.
Dave Cobb comenta: “Fue un verdadero honor trabajar con uno de mis héroes. El primer álbum de The Bee Gees siempre ha sido un elemento básico para mí y fue surrealista presenciar el genio de Barry Gibb en el estudio: ¡es uno de los más grandes de todos los tiempos!“
Con una carrera que abarca más de cinco décadas, Sir Barry Gibb se erige como uno de los músicos más famosos y célebres de la era moderna. Como cofundador y líder creativo de los Bee Gees, Barry con sus hermanos, Maurice y Robin, representan uno de los grupos vocales más exitosos en la historia del rock and roll, habiendo vendido más de 200 millones de álbumes hasta la fecha.
UN DATO:
Con nueve sencillos # 1 como intérprete, Barry también se encuentra entre los compositores más exitosos de todos los tiempos (con dieciséis sencillos #1) y el séptimo en la lista de productores más exitosos (con catorce sencillos #1). También está empatado con John Lennon y Paul McCartney en la mayoría de los sencillos #1 en un año con siete. Entre sus muchos premios y honores se encuentran ocho premios Grammy, el premio Grammy Legend y, más recientemente, el premio Grammy Lifetime Achievement Award en 2015.
En 2004, Barry recibió uno de los más altos honores de Gran Bretaña cuando los Bee Gees fueron nombrados comandantes del Imperio Británico y, en 2018, fue nombrado Caballero “Sir Barry Gibb” por el Príncipe Carlos por sus servicios a la música y la caridad.
GREENFIELDS: THE GIBB BROTHERS SONGBOOK, VOL. 1 TRACK LIST
1. “I’ve Gotta Get A Message To You” with Keith Urban 2. “Words of a Fool” with Jason Isbell 3. “Run to Me” with Brandi Carlile 4. “Too Much Heaven” with Alison Krauss 5. “Lonely Days” with Little Big Town 6. “Words” with Dolly Parton 7. “Jive Talkin’” with Miranda Lambert, Jay Buchanan 8. “How Deep Is Your Love” with Tommy Emanuel, Little Big Town 9. “How Can You Mend A Broken Heart” with Sheryl Crow 10. “To Love Somebody” with Jay Buchanan 11. “Rest Your Love On Me” with Olivia Newton-John 12. “Butterfly” with Gillian Welch, David Rawlings
LOS ÁNGELES.- Este sábado la cantautora y activista JOAN BÁEZ celebrará 80 años de una vida, que comprende desde la música hasta la pintura. La reina de la canción popular y de protesta será la protagonista virtual de una recepción en honor a la exposición “Mischief Makers 2”, en una galería de un valle de molino en California.
Baladas populares y espíritu popular, derechos civiles y condenas por todas las formas de discriminación, comprende buena parte de la vida y trayectoria en más de medio siglo de música y militancia de JOAN BÁEZ, una de las fundadoras de la sección estadounidense de Amnistía Internacional. BÁEZ se convirtió no sólo en la voz femenina más famosa y comprometida de los años 60, sino también en el símbolo de un momento histórico.
Fue la primera en grabar canciones de Bob Dylan, a quien había tomado bajo su protección y con quien tuvo una relación romántica problemática. BÁEZ prestó su voz a canciones icónicas que acompañaron las protestas contra el racismo y la guerra de Vietnam. Más recientemente apoyó las protestas contra la invasión de Irak, subió al escenario con Nelson Mandela en el Hyde Park de Londres mientras el mundo celebraba su 90 cumpleaños.
Hace dos años apareció con su último álbum, Whistle Down the Wind y una gira internacional titulada Fare thee Well. La última gira “formal”, con una parada en Roma en agosto de 2018, había dejado abierta la posibilidad de apariciones ocasionales y, de hecho, en medio de una pandemia, Joan había dedicado a Italia su versión de Un Mondo d’Amore de Gianni Morandi identificando en el país golpeado por la furia de Covid “una fuente de inspiración para todo el mundo”.
LA HABANA.- El trovador cubano PABLO MILANÉS dejó terminada en la última noche de 2020 su nueva canción Esperando el milagro, que invita a una profunda reflexión sobre la trágica pandemia de coronavirus que asola al planeta.
El artista quiso publicar Esperando el milagro el jueves 31 de diciembre en su canal de YouTube como un epílogo musical de todo lo padecido y sentido en 2020. La estructura musical y temática del tema hace alusión a una oración, a un ruego o súplica con evocaciones religiosas que invita a meditar sobre un futuro que, pese a todo, el músico quiere sentir esperanzador.
“He hecho lo que sé, una canción, y he querido aproximarla a la religiosidad, pues todo el mundo, en el afán de salvarse, en el miedo que existe alrededor de todo lo que está pasando, de la tragedia que está viviendo el planeta…más bien reza que piensa”
El cantautor agregó: “He querido hacer esta canción como si fuera una oración al modo del Padre Nuestro católico, como si fuera una misa divulgada por un Papa, por un sacerdote, por un babalao, por cualquier guía de cualquier religión…. Creo que el milagro se puede traducir de distintas formas y el milagro, en este caso, se traduce en la forma que pueden trabajar los pueblos, los países, los gobernantes para hacer que todo funcione mejor, que la sanidad funcione mejor, que la ciencia funcione mejor, todo eso puede resultar en un milagro para la humanidad”.
Grabado entre La Habana y Madrid, en el estreno de esta composición le acompañan Miguel Núñez, al piano; y Caridad R. Varona, al chelo.
Milanés grabó la voz de esta canción el 28 de diciembre, minutos después de haber conocido la triste noticia del fallecimiento del compositor mexicano Armando Manzanero, precisamente víctima de la Covid.
Por el fallecimiento de Manzanero, Milanés, reconoció que la grabación tuvo una mayor carga sentimental.
Acompañado por los instrumentistas Caridad R. Varona y Miguel Núñez, el cantautor iniciará en 2021 su nueva gira Días de Luz, con la que apuesta por “abrir un nuevo horizonte, tan necesario en estos tiempos, a partir de una reflexión más intimista y a la vez esperanzadora”.
El maestro ARMANDO MANZANERO falleció esta madrugada a los 85 años, víctima de Covid-19, luego de ser hospitalizado e intubado el pasado 17 de diciembre, con él se despide también uno de los mayores compositores mexicanos, líder, hasta el día de su deceso, del gremio de autores.
A los seis días de haber sido intubado y luego de varios y confusos reportes sobre su estado de salud, el artista yucateco y universal perdió la batalla ante el coronavirus.
En días pasados, el bolerista había sido homenajeado de forma presencial por el gobierno de Yucatán con la apertura de un museo dedicado a su vida y obra, lo que desencadenó los primeros síntomas de su contagio, entre ellos una tos pronunciada, de acuerdo con declaraciones de su esposa, Laura Elena Villa, citada por la prensa nacional.
Yucateco de nacencia y de corazón, Manzanero es uno de los compositores más emblemáticos de la música mexicana contemporánea, creador de Adoro, Somos novios y Contigo aprendí, temas interpretados por artistas internacionales como Perry Como, Luis Miguel, Elvis Presley, Carmen Mae Rae y Dionne Warwick. Varios de estos artistas grabaron sus temas en inglés (Yesterday/I saw the city,/Full of shadows, without pity).
Otros famosos intépretes de sus temas fueron: Eydí Gorme, Johnny Mathis, Paul Muriart, Raphael, Tony Bennet, Elvis Presley, Elis Regina, María Medina, Angélica María, Susana Zabaleta, Alejandro Sanz, Malú, Presuntos Implicados, La Barbería del sur, Miguel Bosé, Ariel Roth, Lolita, Café Quijano, La Unión, Cómplices, Lidia, Pancho Céspedes, Ricardo Montaner, Juan Pablo Manzanero, Lucero y Edith Márquez, entre otros.
Manzanero es ampliamente conocido en América Latina y en 2014 se convirtió en el primer mexicano en recibir un Premio Grammy honorífico por su trayectoria.
Sus melodías, han sido traducidas a varios idiomas, compuso más de 600 canciones, más de 50 han obtenido fama internacional.
Para Manzanero, “El mejor idioma para el amor son las canciones”, y este idioma lo ha hecho trascender: Contigo Aprendí, Mía, Adoro, Esta tarde vi llover, Un loco como yo, Voy a apagar la luz, Todavía, Como yo te amé, No, Somos novios, Parece que fue ayer, Cuando estoy contigo, Te extraño, Señor amor, y recientemente: Por debajo de la mesa, No sé tú, Nada personal.
Las canciones de ARMANDO MANZANERO forman parte ya del cancionero colectivo de numerosas personas en todo el mundo. Descanse en paz el maestro ARMANDO MANZANERO.
NUEVA YORK.– El famoso Neverland Ranch de MICHAEL JACKSON en California finalmente fue vendido más de 10 años después de la muerte de la estrella del pop. El cantautor había abandonado la propiedad luego de un juicio en su contra por cargos de abuso sexual en su interior a un niño.
El inversionista multimillonario Ron Burkle, un ex amigo de la familia de Jackson, compró recientemente la extensa propiedad de 2,700 acres, informó su portavoz.
El periódico The Wall Street Journal informó que la mansión, que pasó a llamarse Sycamore Valley Ranch hace varios años, fue vendida por 22 millones de dólares según los registros públicos.
En 2015, el precio de venta fue de 100 millones de dólares y en 2017 se volvió a cotizar en 67 millones.
El portavoz de Burkle dijo que el empresario vio la inversión como una oportunidad.
Encontró la propiedad desde el aire mientras miraba otro lugar y se puso en contacto con Tom Barrack, el fundador de la empresa de inversión inmobiliaria Colony Capital LLC, para sellar la venta. El rancho estaba fuera del mercado en ese momento.
Jackson, quien murió de una sobredosis del anestésico Propofol en 2009 a los 50 años, compró la propiedad en Los Olivos, ubicada a unos 180 kilómetros al norte de Los Ángeles, en 1988 por 19.5 millones de dólares.
Después de problemas financieros, en 2008 entregó el título a Colony Capital LLC, que tenía un préstamo sobre la propiedad.
LONDRES.- De los temas musicales mayoritariamente interpretados, Yesterday, el sutil encanto de A Long and Winding Road, en su versión orquestada oor Phil Spector y en la que PAUL MCCARTNEYreivindicó en el álbum Let It Be… Naked; la misma Let It Be o el pedido de ayuda desgarrado de Help!, el repertorio de The Beatles es tan pródigo en grandes canciones que toda comparación está destinada al fracaso.
Pero, ¿cuál de todas esas melodías es la favorita de Paul McCartney, a esta altura, junto con Ringo Starr, los representantes de ese aluvión musical que cambió para siempre el paisaje del arte popular en Inglaterra y más allá, dejando una marca que el tiempo no hace sino resaltar a través su vigencia?
“Siempre digoYou Know My Name, Look Up The Number. Es como un insignificante lado B medio loco, que nadie conoce, pero que para nosotros fue muy gracioso hacer. Recuerdo cuánto nos divertimos . Pero hay muchas canciones que me encantan de los Beatles. Creo queStrawberry Fields es una gran canción, creo que Hey Jude funcionó de manera genial. Tengo un montón de canciones favoritas: Blackbird me encanta. Eleanor Rigby también” enumeró el músico, en una entrevista hecha por Zane Lowe para Apple Music 1.
Pero el beatle no se quedó tan sólo en la selección de su Top 5 de la banda que integró, sino que le dedicó un párrafo aparte a Let It Be, a la que señaló como la que naturalmente decidiría escuchar por el resto de su vida, si se tratara de elegir sólo una.
“Es la más ubicua. De alguna manera llegó a todas partes. Omnipresente desde el latín, ubi quo, que significa en todas partes”, resaltó McCartney, que acaba de lanzar McCartney III, un nuevo álbum que suma a su discografía solista, en este caso con todos los instrumentos grabados por él mismo, en sintonía con McCartney (!970) y McCartney II (1980), ambos creados bajo el mismo concepto.
Para completar el cuadro, Macca contó -una vez más- cómo era darle forma a esas canciones imbatibles junto a JOHN LENNON. “Siempre creaba por mi cuenta, a menos que estuviera con John. Pero incluso entoncesyo creaba algo por mi cuenta, él por la suya y luego nos juntábamos. Casi nunca nos sentábamos y no teníamos nada. Siempre había algún tipo de idea. Y venía de algo personal”, explicó el beatle.
“La gente pregunta ‘cuándo escribes’, y esas cosas… Y yo respondo: ‘Cuando tengo tiempo. Cuando no hay nada que hacer hoy o esta tarde, y estoy de humor’. Así que agarraré una guitarra y pensaré: ‘Tengo tiempo. Podría escribir una canción’“, redondeó.
A partir de esa explicación en torno a cómo cada uno armaba los cimientos de sus propias canciones, McCartney contó que se daba “la cosa donde yo diría una frase y él sugeriría la siguiente. Y luego yo sugeriría la siguiente”.
“Así quenos hacíamos ping pongel uno al otro. Y a menudo teníamos muy buenos resultados, porque John era una personalidad muy diferente. Así que tenías esa gran cosa de A y B. Era sólo un viaje de descubrimiento. ¿Sabes a lo que me refiero? Suena cursi, pero lo es y eso es lo que me encantaba de él. Nunca se sabía lo que iba a salir. Ni idea de si esto iba a ser una canción cálida, una canción triste, una canción de historia. Nunca se podía decir”, concluyó.
RINGO STARR lanzó video del sencillo HERE’S TO THE NIGHTS, junto a All Starr Band, derivado de su próximo EP ZOOM IN, bajo el sello de Universal Music.
El tema HERE’S TO THE NIGHT fue escrito por Dian Warren, en el que RINGO es acompañado por diversos artistas, como PAUL McCARTNEY Y JOE WALSH, CORINNE BAILEY RAE, ERIC BURTON (BLACK PUMAS), SHERYL CROW, DAVE GROHL, BEN HARPER, LENNY KRAVITZ, JENNY LEWIS, STEVE LUKATHER, CHRIS Y FINNEAS.
Acompañan musicalmente a RINGO STARR los músicos NATHAN EAST (BAJO), STEVE LUKATHER (Guitarra), BRUCE SUGAR (Guitarra sintética), BENMONT TENCH piano), en el violín CHARLIE BISHARAT y en el cello JACOB BRAUN.
A medida que este inédito año llega a su fin, Ringo ofrece una canción de paz, amor y amistad: Here’s To The Nights, disponible como single (el video ya está disponible).
“Cuando Diane me presentó esta canción, me encantó su sentimiento”, dijo Ringo. “Este es el tipo de canción que todos queremos cantar y fue genial la cantidad de músicos maravillosos que se unieron. Quería que saliera a tiempo para Año Nuevo porque se siente como una buena canción para terminar un año difícil. Así que aquí están las noches que no recordaremos y los amigos que no olvidaremos y les deseo a todos paz y amor para el 2021”.
Con todas las precauciones por el Covid-19, Starr invitó solo a unos contados músicos en varias ocasiones a su estudio en casa para grabar la música. Junto a Starr estaban los músicos Nathan East (bajo), Steve Lukather (guitarra), Bruce Sugar (guitarra sintetizada), Benmont Tench (piano), Charlie Bisharat (violín), Jacob Braun (violonchelo) y Jim Cox (arreglos de cuerdas y cuerdas de sintetizador).
LONDRES.- Después de Bob Dylan y Taylor Swift, PAUL MCCARTNEY también lanzó un álbum en medio de la pandemia, McCartney III, realizado por completo en su granja de East Sussex durante el confinamiento y llega este día medio siglo después del debut de Paul sin los Beatles con una portada diseñada por el artista estadounidense Ed Ruscha.
Paul no había planeado lanzamientos de discos en 2020, pero, aislado de Covid, comenzó a trabajar en canciones ya existentes y a crear otras nuevas.
El nuevo álbum es el tercero de una trilogía en la que el ex beatle de 78 años, autor de She’s Leaving Home, toca todos los instrumentos y canta todas las melodías.
Obligado por la pandemia, McCartney se retiró con su familia al campo. “Vivía en aislamiento e iba a mi estudio todos los días. Todos los días comencé a grabar con el instrumento en el que había escrito la canción y luego, poco a poco, lo colocaba todo en capas. Hice música para mí, cosas que me gustaba hacer. No tenía idea de que el trabajo iba a ser un álbum”.
El punto de partida fue una canción de la década de 1990, When the Winter Come, compuesta con el productor de los Beatles George Martin, que cerró el álbum y también inspiró otra canción, Long Tailed Winter Bird. En respuesta al minimalismo creativo impuesto por la Covid 19, el núcleo del álbum consiste en imágenes en vivo de Paul con voz y guitarra o piano. Y a diferencia del tono reflexivo que el aislamiento de cierre ha impuesto a los lanzamientos de artistas más jóvenes como Swift, Charli XCX y BTS, el nuevo McCartney es muy “Paul”: alegre, resiliente, optimista proyectado hacia el futuro.
Un mensaje similar al enviado por los Beatles a los baby boomers en el álbum de 1967 Sgt. Pepper’s: “Life it’s getting better”. Está mejorando todo el tiempo.
Del mismo modo que para muchos otros artistas, para Paul McCartney el aislamiento al que obligó la pandemia de coronavirus significó la cancelación de todos los planes que el beatle tenía previstos para este 2020. Conciertos, giras y, seguramente, alguna visita a algún estudio de grabación quedaron en compás de espera. Como en aquellos dos casos, en McCartney III el músico volvió a asumir el múltiple rol de compositor y productor de todos los temas, al mismo tiempo que tocó y grabó todos los instrumentos que suenan en el álbum.
McCartney asegura que no tenía intención de publicar un trabajo este año, tras haber sacado al mercado Egypt Station en 2018, pero el tiempo que pasó confinado durante la primera ola de coronavirus le llevó a componer más de lo que había planeado.
De esta manera, McCartney III se convertirá en el cierre de una trilogía personal que el músico inauguró en 1970, con la publicación de McCartney, el primer trabajo de su era post-beatle, que incluye Maybe I’m Amazed, y que continuó con McCartney II, editado en 1980 con canciones como Coming Up y Temporary Secretary.
